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SPACE CIRCUS (rock progresivo japonés) ( colaboración Alberto Torró)

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Más fusión jazz-rock para variar aunque en este caso Space Circus son una banda añeja y genuina de los 70’s que tengo que reconocerles cierta originalidad en un estilo próximo a los Return to Forever del “Hymn of seventy Galaxy” e incluso a la Mahavishnu Orchestra, pero por una parte bastante más rockeros y poderosos y por la otra ligeramente más sinfónicos, con un sonido sobrado de carácter y gancho que evita etiquetarles como “uno más”.

El estilo del guitarrista impide que te duermas y levanta la libido cosa fina: wah-wahs, fuzz, riffs constantes, etc.

En general muy compactos con temple y nervio y con un sonido autóctono de la década que los vio nacer.

Discografia

Funky Caravan (1.978)




Temas
A1 Alibaba 00:00
A2 Network 08:34
A3 African Reggae 13:43
B1 Funky Caravan 19:47
B2 The Way We Were 29:22
B3 Spring Wave 35:27



                                    Fantastic Arrival (1.979)


Temas

1 Heavy Duty Space Dragon 
2 Demon Blast 
3 Acryl Dream 
4 Pot People 
5 The Dawn Of Aquarius Age 
6 Arcadia 
7 Fantastic Arrival



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FRANK ZAPPA: STUDIO TAN (1978) SLEEP DIRT (1979) (colaboración Alberto Torró)

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1977 fue un año sabático, con giras terminadas, grupo disuelto y Zappa de nuevo encerrado en su templo. No hubo grabaciones, ni novedades, pero Frank como buen adicto al trabajo aprovechó para sacar a la luz diferentes proyectos de estudio grabados mediados los 70´s.

Inicialmente el proyecto se llamaría Lather. Una ambiciosa caja de cuatro discos que preparó para la compañía Warner Brothers. Pero las desavenencias y líos contables con el director Herb Cohen, daría al traste con el asunto. Zappa cabreado crearía su propio sello DiscReed Records y tomó la decisión de ir editando por separado aquellos trabajos.

 El primero de la serie sería Studio Tan, un álbum grabado entre 1974-76 por una larga pléyade de músicos y colaboradores del entorno de las madres y algunos contratados a tal efecto. Un disco en cuestión prácticamente instrumental y en el mundo más ambicioso musicalmente hablando del universo Zappa. Es un disco extraño y si exceptuamos la gracioseta cancioncilla “Let me Take You to the Beach” con voces pituferas y sinte adictivo y desatado de Eddie Jobson, el resto es la complejidad en estado puro. Los 20 mtos de las aventuras de Greggery Peccary, es un homenaje a las pelis y series de dibujos animados de la tv en clave de música contemporánea muy difícil de clasificar. Una especie de composición-relato, un diálogo-música sumamente elaborado y no apto para oídos ligeros. Imaginaros a Bugs Bunny, Schoenberg , Varesse y el pato Donald juntos. Una broma o una obra maestra, resultan ya consideraciones irrelevantes. Qué más da.  El caso es escucharlo (si puedes). 



Temas
AGreggery Peccary20:40
B1Let Me Take You To The Beach2:44
B2Revised Music For Guitar & Low Budget Orchestra7:36
B3REDUNZL8:12


Pero a su vez este disco encierra dos piezas magistrales que solo por sí mismas ya resulta imprescindible: La “música para guitarra y orquesta barata” y RDNZL. El Zappa Jazz-Rock-Avandgarde en su mejor forma. Soberbios temas para los oídos más exigentes.  Se editó en 1978. Por aquella época yo compraba a ciegas todo Zappa que apareciese y teniendo en cuenta la galopante degradación que ya empezaba a sufrir la música de la época, Frank, al menos, era un valor seguro. La portada…?  pues depende el sentido del gusto que tengas. Muy afín al momento que se vivía.



En el caso de Sleep Dirt, con su título guarrindongo incluido, y a mi juicio, nos encontramos con uno de los mejores discos del catálogo zappatista. Curiosamente hay dos versiones de éste álbum. Uno instrumental y uno cantado. Naturalmente recomiendo los dos. Aquí está nuevamente el Zappa instrumental brillante, espléndido. De fantásticas composiciones. Desde la inquietante Filthy Habits, pasando por Flambay, Spider of Destiny a la épica Regyptian Strut. Los salvajes rasgueos acústicos de Sleep Dirt para terminar diciéndonos que “el océano es la última solución” (¿?). Dentro de su estilo esta es una pieza completamente atípica con un impresionante solo de guitarra sin precedentes. Sin un antes ni un después. Quizá la forma de tocar de Frank más cercana al rock progresivo. Son 13 mtos intensos, rápidos, con un extraño lirismo próximo a la desesperación, emocionante y diferente.

El proyecto Lather vería la luz en 1996 en formato de triple CD, con un tercer disco llamado Orchestral Favourites y piezas de la época del Live In New York, Sheik Yerbouti y Joe´s  Garage. Pero esto es otra historia para



Temas
1. Filthy Habits
2. Flambay
3. Spider of Destiny
4. Regyptian Strut
5. Time is Money
6. Sleep Dirt
7. The Ocean is the Ultimate Solution



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TABACO - Desintegración 1971 ( rock progresivo español)

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Tabaco fue un grupo catalán ( Sabadell) que comenzó su andadura a comienzos de los 70 bajo el nombre de "Los Duendes". Con esta denominación obtuvieron el récord mundial de permanencia en un escenario sin dejar de tocar durante 27 horas.


En mayo del 71 entra a formar parte del grupo Mariano Escriu, guitarrista que da un nuevo enfoque a la música del grupo  y por ello deciden llamarse  "Tabaco".  Pasado el verano editan su único disco "Desintegración" no obteniendo el éxito deseado. Tienen que ganarse la vida y durante algún tiempo actúan por los hoteles de la costa mediterránea sobre todo en Calella.  Antes de separarse en el 73 actuaron junto a Los canarios, Mustang, Strex, Brincos,etc.


La música que nos ofrecen entra por los pelos en la denominación de rock progresivo., solo tres temas podrían calificarse de esa forma. "Desintegración" con una "onda" a lo Iron Butterfly, , la épica " Días de luz" y la tierna "She", al más puro estilo Gerg Lake. En el resto de los temas podemos encontrar casi de todo. Dos blues "Tabaco" y "Freedom Blues", rock and roll en  "I Feel Glad" y "Rollin' My Thing" e incluso dos versiones, " Lady Samantha" de Elton John y el conocido temas "Blue Suede Shoes", curiosamente este temas desapareció de las reediciones posteriores. El disco original es una preciada joya buscada por coleccionistas.




Temas
Desintegracion 
Tabaco 
Dia Sin Luz 
She (Everywhere She Is) 
Born To Be Free 
Lady Samantha 
I Feel Glad 
Rollin' My Thing 
Freedom Blues


Formación
Jordi Molet- Bateria
Eduardo Gonzalez- Bajo y organo
Mariano Escriu- Guitarra
Josep M. Abella- voz





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WHITESNAKE - Must Be The Gypsy In Me Live 1.978

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Whitesnake lleva más de cuarenta años en la carretera, su líder y cantante David Coverdale ha declarado recientemente que posiblemente 2.017 sea el año de su retirada. Hoy recordaremos sus inicios en 1.978.

Whitesnake se gestó en febrero de 1.978, David Coverdale y Micky Moody reunieron al resto de músicos (Bernie Marsden, el bajista Neil Murray, el batería David Dowle y  Brian Johnston en los teclados) para la formación de la banda. En Abril vería la luz el EP ""Snakebite" y su primer larga duración llegaría en octubre "Trouble" con Jon Lord a los teclados.A partir de aquí se forjaría un grupo legendario.


 La grabación nos muestra la actuación de los Whitesnake en Vitoria Hall en Hanley, Stanfordshire, el 7 de Noviembre de 1.978. El setlist está compuesto por temas de "Snakebite" y "Trouble". También podemos escuchar dos temas de la etapa Purple, "Must Be The Gypsy In Me" y "Mistreated". Por supuesto no podían faltar los solos de Micky Moody y Jon Lord . El "Encore" lo componen "Rock me baby " y " Breakdown". En definitiva un buena forma de recordar a los mejores Whitesnake con un sonido excelente.




Temas
Soundchek drums
 Come on 
 Might just take your life
  Lie down
 Ain't no love in heart of the city
  Trouble
  Micky Moody guitar solo
 Steal away 
Mistreated 
 Belgian Tom's hat trick 
 Jon Lord keyboard solo
 Take me with you
 Rock me baby
 Breakdown

Formación
- David Corverdale : voz
- Micky Moody : Guitarra
- Bernie Marsden : Guitarra
- Neil Murray : Bajo
- Jon Lord : teclados
- Dave Dowle : Batería




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DEUTER - D (1971) (colaboración J.J. Iglesias) ( rock electrónico)

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Considero a Georg Deuter,  junto a Florian Fricke (Popol Vuh), los padres de lo que se llamaría "new age" una década después. Fue tras un viaje a Persia en 1970, cuando Deuter se decidió a grabar todas sus inquietudes mentales y creativas en su ciudad natal, Múnich. Desde el principio tuvo claro que iba a ser un "hombre orquesta", multiinstrumentista sin ayuda de nadie. Y así funcionó en vivo por el circuito de clubs alemanes, hasta ser fichado por Kuckuck Records.


"D" es totalmente diferente a su posterior estilo. En su debut todavía primaba la experimentación  libre y la psicodelia de finales 60. Luego tomaría caminos mucho más refinados, sofisticados y de una delicadeza compositiva encomiable. Aquí sus momentos guitarreros  pueden trasladarte a los primeros Pink Floyd sin problemas. Como ocurre en la inicial "Babylon" (14'55), dividida en cuatro partes. Hipnótico raga rock fruto de ondulantes sonidos de órgano,  distorsiones eléctricas  y collages  de sonidos no musicales procesados por cinta. Kraut en karne viva.

 "Der Turm/Fluchtpunkt" (4'28) apunta excelente percusión étnica,  cubriendo como base los devaneos eléctricos,  que huelen a improvisados, de un primerizo pero imaginativo Deuter.

Como el propio Florian Fricke, nuestro hombre experimentó un revival religioso, y convirtió su nombre en Chaitanya Hari  Deuter. En la India encontró a su gurú,  Bhagwan Shree Rajneesh. Estas fuertes convicciones filosóficas ya se reflejan en "Krishna Eating Fish and Chips" (10'00). Donde las influencias de la música hindú,  sitar incluido, invaden toda la pieza. Las enseñanzas de Ravi Shankar formaban parte importante en la pseudo-cultura de la parroquia hippie en la época. 

"Atlantis" (6'03) trata con éxito,  de llevarte a lejanas y perdidas civilizaciones. Guitarras al revés,  cintas manipuladas, buen uso de la tabla y efectos electrónicos conseguidos con muy poca tecnología. Está claro que Deuter se las apañaba muy bien para atrapar ambientes aprovechando cualquier cosa. Nada de sintetizadores. Eso era todavía un lujo. No le hacían falta, de todos modos, pues sale airoso a base de ingenio. "Electronic Meditation" de Tangerine Dream está construido de la misma hábil manera.

Finalizando "Gammastrahlen-Lamm" (4'58) puede recordar a un embrionario Schulze, por cómo plantea sus melodías naif y efectos.


"D" es un artefacto ideal para comprender cómo se gestó  todo en los inicios de la kosmische. Desde la marginalidad más underground y falta de medios, haciendo uso de dos ingredientes principales: imaginación  y espiritualidad.

Sus trabajos posteriores inciden más en el aspecto étnico, sin perder sus raíces  y con más instrumentación. Su toque al sintetizador es finísimo y elegante. Lleno de buen gusto. Ninguno de sus discos decepciona. Y tratándose de un estilo que luego llamarían "World music" (qué músicas no son del mundo?!!!), esto es un grandioso logro.

P.D.- "La gente nos preguntaba, porqué hacéis space music? Y no había una simple respuesta. No había nada calculado detrás. Todavía no comprendo porqué lo hacíamos!!!" (PETER BAUMANN)




Temas
1. "Babylon: I. Andantino/II. Allegro 138 A/III. Andante/IV. Allegro 138 B" 14:55

2. "Der Turm/Fluchtpunkt" 4:28

3. "Krishna Eating Fish And Chips" 10:00

4. "Atlantis" 6:03

5. "Gammastrahlen-Lamm" 4:58



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OVER THE HILL ‎– Ratbite Fever (1.974)

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El fenómeno de la psicodelia se fraguó en los Estados Unidos y rápidamente se propagó por el resto del mundo. Over The Hill quisieron ser los abanderados ingleses pero creo que no lo llegaron a conseguir a pesar de su colaboración con Robert Hunter, letrista de los  Grateful Dead .

El grupo procedía de Bristol, funcionaba como trío desde 1.972 (John Perry, Roy Sundholm y Nick Howell) hasta la llegada en el 73 de Peter Roe pasándose a denominar " Over The Hill".  A finales de año Nick deja la banda siendo sustituido por Alan Platt. En el 74 realizan grabaciones en los estudios Newbury Farmhouse con la colaboración de Robert Hunter. Su trabajo quedaría en el olvido hasta ser rescatado en los 90.

Over the Hill nos presentan un rock psicodélico netamente campestre. En los 90 se rescatan los 10 temas que componían el disco originariamente y se completan con 6 temas en directo. Su primer tema " Ain't It Strange" me recuerda mucho al estilo Neil Young. Música sin sobresaltos donde predomina el buen hacer a base de composiciones cortas y tranquilas. Ideal para una veraniega tarde de domingo en el porche. Destacar la colaboración de Robert Hunter, cantando, en Ratbite Fever.





Temas

1 Ain't It Strange 00:00
2 Karina 04:00
3 Ratbite Fever 07:20
Vocals – Robert Hunter
4 Milestones 10:50
5 The Budgie Song  15:05
6 Helena 20:25
7 Lay Down By Me 24:27
8 A Change Will Surely Come 26:43
9 Are You There 29:58
10 Stuck In The Groove 35:00
11 Helena (Live) 39:20
12 Milestones (Live) 43:18
13 Bring It On Home (Live) 47:28
14 No More Trains (Live) 51:43
15 Baby Let Me Follow You Down (Live) 56:27
16 The Budgie Song (Live) 01:00:49


Formación
Roy Sundholm - bajo 
Peter Roe - guitarra, voz
John Perry -guitarra, voz
Alan Platt - batería




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LIGHT YEAR - Reveal the Fantastic (1974) (colaboración J.J. Iglesias)

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Hoy traemos por aquí el colmo de la incomprensión. O cómo la industria musical no necesitaba de expertos en nada para ser un monstruo gigantesco de las finanzas en los 70. Funcionaba prácticamente sola. Y sus ejecutivos, eran en muchos casos vendedores de patatas en vez de verdaderos amantes de la música. Daba igual.


Light Year se formó en San Francisco en 1974 y su actividad duró poco más de dos años. Se hartaron. Normal. Para que te vas a molestar en hacer la mejor música del mundo si nadie te hace ni puto caso?

Zak McGrath era un portentoso batería al que le unía amistad y gustos con el teclista, (piano eléctrico,  mayormente), Cornelius Williams. Deciden formar Light Year. Reclutan a Randy Sellgren (ex-Mingo Lewis) a la guitarra. John Yu al bajo. Y por último a dos piezas clave en su sonido: Doug Johnson (vibráfonos  y percusiones mil) y Sharon Pucci como extraordinaria cantante.
De primeras comienzan con buen pie. El mánager era un tío competente y capaz, Sandy Einstein. Luego conseguiría el éxito representando a Journey y Mr. Big. Y gracias a él se recorren los mejores clubs de la Bay Área. Telonean entre otros a The Tubes. El público los adora, pero no así los "A&R". Entrecomillo porque no se merecen esa acepción. Vendedores de patatas, sí. En las propias palabras del grupo, "los ejecutivos huían en masa con las manos en las orejas". De burro, añado. Cuánta incomprensión,  insisto. Y en San Francisco....inverosímil. 


"Reveal the Fantastic" fue grabado en los famosos Wally Heider Studios de ésta ciudad. Pero NUNCA salió editado. Tuvieron que esperar 36 años a que un pequeño sello alemán,  Green Tree Records, lo editara en cd. Ahora sólo nos falta el vinilo, ánimo. 36 años más? ....

Al menos se ha reconocido su valía.  Y es mucha. De hecho, esto es un tesoro perdido del prog USA 70s, orientado al jazz rock/avant. Nunca aparecido en ningún sesudo dossier  de publicación progresiva alguna.

"Giant Babies" (6'15) abre con un cañonazo de furia Mahavishnu. Batería asalvajizada a lo Cobham, bajo machaca cráneos  y guitarra mcglaughlinesca.Piano eléctrico desquiciado.....para mí éste es el verdadero heavy metal!!! Pero entra la Pucci y es un remanso de paz canterburyana. Una voz privilegiada que te va recordando, a lo largo de todo el disco, a grandes divas del gremio. Gayle Morán, Bárbara Gaskin, Amanda Parsons, Annette Peacock, Flora Purim e incluso a Inga Rumpf. La instrumentación es sobrehumana, apabullante. Necesito un inhalador para seguir.

"Zada" (3'54) es de construcción más ágil. Puro Canterbury. De National Health a los belgas Cos. La guitarra de Sellgren me vuelve loco, recordandome al gran Gary Boyle ( Brian Auger, Isotope).

"Buggy Cadavers" (8'49), ya en su título,  (como los demás ) nos muestra la profunda admiración que sienten por Zappa. Y su etapa con Ruth Underwood. Nos ha jodido, la mejor!!!!
Doug Johnson es el Dr. Octopus de los vibráfonos "shreed".

El grupo es una máquina perfecta. La Pucci enamora. Y el Fender Rhodes echa humo. En dos palabras: "ACO-JONANTE". Ésta va enlazada con "The Story of Two Small Objects" (2'26), instrumental en línea Happy the Man. Y con la siguiente, "The Nocturnal Avenger of Human Potential" (2'54). Más inspiración zappera, pero con hard riffs. Black Sabbath haciendo Canterbury, lo juro!!!

"The World" (6'12) es otra delicia absoluta. Otra vez Happy the Man en la mente, pero con delicada voz femenina.
Por si no era suficiente, terminamos con la monstruosa "Aura/Open Windows" (20'20)!!! Homenaje total en los primeros 10 mts a la Mahavishnu Orchestra. Y en la otra mitad a Return To Forever. Composición propia que rivaliza con los maestros. Aquí no falta de nada, señores.

Y yo me quito el sombrero de copa ante éstos desconocidos que hicieron una OBRA MAESTRA del jazz rock prog y nadie se enteró. Adelantando su estilo en décadas a gloriosos nombres del gremio actual como Hughscore, Thinking Plague o Finneaus Gauge. 

Probablemente, el mejor disco descubierto por un servidor en este año. Excepcional.





Temas

A1 Giant Babies 
A2 Zada 
A3 Buggy Cadavers 
A4 The Story Of Two Small Objects 
A5 The Nocturnal Avenger Of Human Potential 
B1 The World 
B2 Aura/Open Windows



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NEGASPHERE ( colaboración Alberto Torró) ( rock progresivo japonés)

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Grupo prácticamente desconocido y de difícil adquisición que grabó tres discos a mediados de los 80 y  que forman parte de esas “ rara avis” buscadas por coleccionistas.


Negasphere fue un quinteto totalmente influenciado por el estilo progresivo británico. Son una extraña mezcla de UK, Genesis (en lo instrumental) y las bandas jazz rockeras de los 70’s

Si simplemente sus discos fuesen instrumentales habrían ganado muchos puntos. Tienen un teclista y un batería realmente excelentes. Lástima que tanto el cantante (insufrible) afectado a lo Bryan Ferry y unas mediocres grabaciones echen a perder unos discos que realmente no están nada mal.


Las composiciones de corte muy sinfónico y entretenido son suficiente para tenerlos en la estantería y si además hubiesen callado al cantante… pues eso.

Discografía:
Castle in the air (1984)



Temas
A1 Gear Of Cosmos 
A2 Beyond Love 
A3 Another Dawn Is Breaking 
B1 Holly Ground Ceremony 
B2 At The Last Moment

Disadventage (1985)


Temas
A1 Family 
A2 Change Your Fate 
A3 Castle In The Air 
A4 However Hard May I Try 
A5 Son To Father 
B1 Through The White Darkness 
B2 Empty And Meaningless Hot Part 1 
B3 Empty And Meaningless Hot Part 2 
B4 Empty And Meaningless Hot Part 3
Bonus
Change your fate

Negasphere 85 – 86 (1991)

Temas
1Opening - A Song Of The Sea - Beyond Love9:55
2Gear Of Cosmos5:12
3Open D6:27
4Holy Ground Ceremony10:53
5At The Last Moment7:53
6Another Dawn Is Breaking5:13
7Through The White Darkness3:28
8Son To Father
Guitar – Detlef Job
3:07





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FRANK ZAPPA: SHEIK YERBOUTI (1979) (colaboración Alberto Torró)

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En un principio este trabajo iba a formar parte del proyecto LATHER y se compone de material live grabado entre finales de1977 y 1978, y sin embargo, curiosamente Sheik Yerbouti aparece en la discografía zappiana como álbum oficial de estudio.


 No lo es efectivamente, aunque consta que trabajó arduamente en él para que su sonido tuviese la calidad de estudio, a su vez, es la primera grabación ya en la Zappa Records, su propio sello y por fin fuera de presiones discográficas externas. Zappa toma el control absoluto de su producción y tal como pintaban los tiempos en 1979, este disco va a estar dirigido principalmente a la audiencia, un “tour de force” que saque jugo a una buena actuación en directo. Quiero decir con esto, que no se lo pensó y que definitivamente fue a ampliar los cauces comerciales. Sheik es un álbum directo, vital “marchoso”, palabra cursi-pija que se decía en mis tiempos. Suena con mucha potencia y con un alto porcentaje de rock, mucho más que otras veces. Cualquiera de sus piezas entra fácil a la primera, no se rompe la cabeza con una cascada de notas como antaño, y esto le valió vender dos millones de copias. Para rematar la faena su humor escatológico se lleva al límite del mal gusto para atolondrar todavía más a sus jóvenes y nuevas audiencias. 


Como era de prever estrena nueva banda que llega a la docena de buenos músicos, entre ellos un joven Adrian Belew, futuro Talking Heads y King Crimson. Como digo Frank cambia completamente de registro y la música no es tan elaborada como antaño. La razón de ser y como no podía ser de otra manera, es la burla a las músicas tontas y fáciles del momento: la new wave, el punk, la música disco y ricitos de moda como Peter Frampton, la Patty Smith, travoltas y macarrillas variados y hasta Bob Dylan. Todos ellos tienen cabida en esta nueva astracanada del “maestro”. Todo ello principalmente para descojonarse de la audiencia que a finales de década iba a este tipo de eventos. 


Pero que nadie se lleve a engaño y piense que la música de Frank perdería calidad e interés. En absoluto. Cuatro acordes en Zappa no son los habituales. El aspecto cómico de las letras de las canciones que aparecen en el disco, ofenderían más de lo normal. La canción Jewiss Princess, por ejemplo, fue censurada en los círculos de la comunidad judía por insultos e injurias a la mujer. Otro tanto le pasó a Bobby Brown,  macarra discotequero de pocas luces que no se come un rosco ni se le pone dura. Dancing Fool es más de lo mismo, otro tonto el culo que no sabe bailar en la disco y quiere ser Tony Manero.  Yo´mamma: el hijo deficiente y lelo ya crecidito que no quiere abandonar las faldas de su madre y así suma y sigue. Es el Zappa más prosaico, vulgar e hiriente  que puedas imaginarte.


 Naturalmente le llovieron críticas, mentaron a su madre y también naturalmente no se cortó un pelo y se la trajo floja. Pero como suele ocurrir en estos casos el disco fue un éxito rotundo y además no aburre en ningún momento y tiene pasajes estupendos. Cuando escuché Yo´Mamma, la pieza de 12 mtos, por vez primera, me emocioné mucho. Toca la fibra y la melodía, con su letra estúpida de nene tonto, enternece. El desarrollo del tema incluye un largo solo de guitarra que pasó a los anales de la excelencia. Piezas como City of tiny lites o la mencionada Dancing Fool tienen magníficas posteriores versiones en directo. Álbum básico.


Temas
A1I Have Been In You3:30
A2Flakes6:41
A3Broken Hearts Are For Assholes3:46
A4I'm So Cute4:20
B1Jones Crusher2:49
B2What Ever Happened To All The Fun In The World0:33
B3Rat Tomago5:15
B4We Gotta Get Into Something Real0:32
B5Bobby Brown2:43
B6Rubber Shirt2:58
B7The Sheik Yerbouti Tango2:44
C1Baby Snakes1:50
C2Tryin' To Grow A Chin3:32
C3City Of Tiny Lites5:30
C4Dancin' Fool3:43
C5Jewish Princess3:16
D1Wild Love
Clarinet – David Ocker
4:10
D2Yo' Mama12:38




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PAU RIBA - Licors (1977) (colaboración J.J.Iglesias)

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Elegir un disco que reseñar de Pau Riba se me hace especialmente difícil. Todos de los 70 los considero indispensables. En justicia, debería comenzar por el principio, "Dioptria". Pero no lo haré. Prefiero que mi corazón me guíe,  y entonces mis manos se van directamente a "Licors" (la cabra tira al monte). Su último álbum de los 70.

Un proyecto comenzado en Madrid en el 76 con Gonzalo García Pelayo para el sello Gong. Temporalmente en "stand by", o sea, colgado. Y por fortuna retomado por Pau en el 77 en Deia, Mallorca. Con la inestimable ayuda del ex-Soft Machine y sumo sacerdote pothead, Daevid Allen, líder de Gong (banda). Almas gemelas, sin duda. Genios y figuras.

Pau Riba, que venía de familia burguesa de artistas e intelectuales, fue "la mosca cojonera" por antonomasia. De su familia y de su generación. Alguien que hacía falta tanto para espabilar a la vieja sociedad, como a la nueva contracultura.Tuvo para todos. Y por eso mismo a veces lo comparo como "nuestro Zappa". A su manera, también gustaba de provocar a quien hiciera falta. Más lo digo como agitador cultural que como emulo musical. Que no. Porque Pau siempre fue el hippie eterno, poeta inmenso y músico de olfato intuitivo casi paranormal.


La música en "Licors" es redonda. Fluye natural. No se le perciben, a pesar del parón sufrido en su gestación, arreglos forzados ni urgencias de última hora. Se escucha madurez. Y en ese macro-cosmos que se intuye la sesera de Pau Riba, donde el caos es un orden lógico,  parece algo de manual milagrero mariano. Pero no. Sabía lo que hacía. 

"Crida'm" (5'42) con su leve aroma jazzy,  sus dibujos guitarristicos y bonitas melodías vocales, lo hace entrañable a la primera escucha. Seguramente las voces de Milán y Bibiloni tienen que ver. Y el buen hacer de Ezequiel "Saki" Guillem a las guitarras. De entrada, un temazo.

"Pavana"(4'44) es el único no firmado por Riba. Delicioso progresivo mediterraneo instrumental para escuchar en una playa perdida. Es un lujo escuchar a esta banda. Jordi Riba al bajo y Ramón "Ghandi" Alguersuari , batería,  la completan. De éste último y el guitarra es la autoría de esta pieza. La maravillosa "La Flor del Taronguer" (9'18), con leve influencia del "See me, Feel me" de The Who, es un prodigio nostálgico en arreglos y finura. Otra joyaza. 

Ahora entramos en el felliniano mundo de "Licors" (16'18).
La sección de viento invitada nos lleva a la España ( o Italia) rural, profunda y estival. Millones de sensaciones y auto recuerdos me produce éste tema puzzle. Puro collage sonoro en donde  la mano de Daevid Allen está muy presente....Y luego hay gilipollas que se van al culo del mundo "a experimentar la ayaguasca". No comment.
Por último tenemos la poesía musicada que es "Orenella i Gladiol" (2'15). Miniatura acústica.  Delicada y fina. Uno de los fuertes de Pau Riba que no podía faltar. Y un final de disco, exquisito.

"Licors" es mi personal disco favorito de Pau Riba. Sé que hay más.  Pero éste me transmite y siento todo lo que aconteció  a su alrededor. Zeleste, Canet, Las Ramblas, Vibraciones....Recuerdos.





Temas
A1Crida'm5:42
A2Pavana 4:44
A3La Flor Del Taronger9:19
B1Licors16:18
B2Orenella I Gladiol2:15




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SAXON - Live At Donnington 1980

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Saxon siempre tendrá un lugar de privilegio en mi memoria musical. Los he visto en varias ocasiones y recuerdo perfectamente como llegue a su música, y eso que han pasado más de 35 años. Una mañana de sábado estaba escuchando un programa presentado por Javier Gambra presentaba novedades musicales de carácter rockero. De pronto sonidos que delatan la llegada inminente de una motocicleta dando paso a los primeros acordes de "Motorcycle Man". Por la tarde J.J.Iglesias y yo nos dirigimos a la tienda de discos en busca del preciado tesoro, desilusión, todavía no se había publicado en España. Curiosamente paseando por las calles de Zaragoza vimos en un escaparate de una tienda de electrodomésticos (¿?) nuestro buscado LP, lamentablemente solo tenían la caratula decorando el escaparate.


 1980 fue el año que encumbró a los Saxon. En mayo editan "Wheels of Steel" LP que se convierte en disco de oro en Inglaterra a los pocos meses de su publicación. Extensa gira promocional con la participación en el primer  Monsters of Rock  junto a  Rainbow, Scorpions, Judas Priest, April Wine, Riot y Touch.


La grabación nos presenta la actuación de Saxon en el Monsters of Rock el 16 de agosto de 1980, en plena gira de presentación del "Wheels of Steel", por lo tanto el setlist contiene 5 temas de ese disco. tres composiciones de su primer Lp "Saxon" y el tema inédito "Bap shoo ap". Una buena muestra de la fuerza del grupo con la formación estelar: Biff Byford, Graham Oliver, Paul Quinn ,Steve Dawson y Pete Gill.





Temas

1 Motorcycle Man 
2 Still To Boogie 
3 Freeway Mad 
4 Backs To The Wall 
5 Wheels Of Steel 
6 Bap Shoo Ap 
7 747 (Strangers In The Night) 
8 Stallions Of The Highwat 
9 Machine Gun



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ACHIM REICHEL - Autovision (1974) (colaboración J.J. Iglesias)

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A menudo citado como el padrino del rock alemán,  Achim Reichel comenzó en los 60 tocando en el Star Club de su ciudad, Hamburgo, con The Rattles. Clones de quién tú sabes y llenando su hueco cuando éstos se volvieron a su natal Liverpool. Luego seguiría con Wonderland, Wonderland Band y A.R. & the Machines. Ya plenamente integrado como un pionero del fenómeno contracultural underground de su país. Guitarrista, compositor y famoso productor, sus reiteraciones evolutivas a la guitarra, modificadas con echo-plex (un primitivo delay), fueron su marca registrada. Esto ocurría durante el período de The Machines (muy recomendable). Adelantándose en estilo e intenciones a Manuel Gottsching.


"Autovision" fue el primer trabajo a su nombre (aunque hay quien se empeña en atribuirlo a A.R. & the Machines). En realidad poco había cambiado. Sus repeticiones hipnótico instrumentales siguen su proceso creativo experimental. Aunque en este caso el elemento jazz influye en su nueva estrategia. Ofreciendo una alternativa "Krauterbury" muy saludable y novedosa.

Junto a la guitarra de Reichel, tenemos el saxo de Jochen Petersen y el órgano de Claus-Robert Kruse. Mientras que una potente sección rítmica es compuesta por Olaf Casalich (percusiones) y Peter Franken (batería ). Sin bajista.

"Eisenpferde" (4'40) nos muestra cómo hubieran sonado los primeros King Crimson de ser alemanes. La técnica a la guitarra de Reichel no es pasmosa (no es Fripp ), aunque resuelve con ingenio y buenas ideas.

"Tanz der  Vogel in den Winden" (10"35) incide en esa tela de araña guitarra-mantra, muy secundada por el saxo de Petersen. Aquí si incluyeramos los característicos "space whispers", estaríamos muy cerca de Gong. Organo y ritmos se unen a esta genial locura colectiva. Una brutal jam espacial para alejarnos a Tierra 2, allá por Alpha Centaury.

"Drei in Eins" (6'40) tiene un comienzo kosmische-western, de rítmica muy Can, y desarrollo minimalista en los delays de Achim.
"Turbulenzen" (9'04) es una exhibición cosmic repeat con gran protagonismo de las percusiones. La guitarra se vuelve aquí muy rockera, mientras que un fondo mellotronico engrandece la pieza. Uno de mis momentos favoritos del álbum,  con ese bello final al mellotron.

"Jay Guru Dev" (10'06) es orfebrería espacial. Con los guitar-loops  dominando el tema en meditativo trance.  Reichel se basta aquí él sólo para teletransportarnos.

Por último "Kopf in den Wolken -Beine auf der  Erde" (0'34) es una quedada de harmonica procesada que pasa antes de que yo escriba su título. 


Éste es uno más de los muy notables discos que hizo en los 70 éste icono kraut. A mitad de década cambió hacia un estilo en apariencia más directo y comercial. Espejismos. En realidad abrazó la ironía y mala baba sarcástica del Zappa de la era "Sheik Yerbouty" o "Joe's Garage". Es otra cosa, pero sigue encandilando. A mí me encanta en cualquiera de sus disfraces musicales. Un irreverente indispensable que ya tardaba en aparecer por aquí. 

P.D.- " Yo nunca he visto diferencias entre ambos mundos. Qué es erudito y qué es popular? Yo no lo sé. ... (STEVE REICH)





Temas
1. Eisenpferde 
2. Tanz Der Vögel In Den Winden
3. Drei In Eins 
4. Turbulenzen
5. Jay Guru Dev 
6. Kopf In Den Wolken - Beine Auf Der Erde 

Formación
- Achim Reichel: guitarra, voz
- Claus-Robert Kruse: teclados
- Jochen Petersen : saxo
- Olaf Casalich: percusión
- Peter Franken : batería



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PLUS - No Pisar El Infinito (1976)

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Hace mucho tiempo que no hablamos de ningún grupo argentino y eso no está bien, me consta que tenemos muchos seguidores de ese lado del océano. Hoy nos adentraremos en la vida y milagros de PLUS.


Plus se formó en 1975, tras la disolución de Escarcha, tres de sus miembros ( Julio Sáez (guitarra), Hugo Racca (bajo) y Cacho D’Arías (batería)) se unen a Saúl Blanch (voz) para formar la banda. Al año siguiente llega su primer disco"No Pisar El Infinito" y también llega la dictadura militar. Debido a la repercusión mediática de su disco son fichados por RCA con la que graban en el 78 su segundo disco, "Plus", donde colabora Celeste Carvallo (coros) y el violinista Fernando Suárez Paz. Realizan una exitosa gira por  Sudamérica pero las tensiones en el grupo son más que evidentes. dando como resultado la salida de Julio Sáez. En el 81 editarían su tercer disco , " Escuela de rock'n'roll", teniendo como guitarrista a León Vanella. Su ruptura definitiva llegaría en el 82. Como curiosidad podemos decir que Sáez, el bajista Hugo Racca y el batería Cacho D'arias formaron una banda con el tenista Guillermo Vilas.


La primera edición de este disco de Plus contenía 9 temas cargados de buen hard rock, incluyendo la balada "Ya tenés por quien luchar". La grabación se inicia con un potente "Noches de rock and roll", claramente zeppeliano con la voz de Saúl Blanch a lo Robert Plant. Su segundo corte, "Tomame como soy" contiene riffs al estilo de los grupos hard ingleses de la época. "La Chance Sutil" y "Ocúltame hermano" siguen la misma línea con una gran labor de Julio Sáez a la guitarra. Temas destacados podríamos cita "El mago del tiempo""Zapada final". En ediciones posteriores se añadieron dos temas más: "Mil opciones" y "Hoy te preguntarás".




Temas
01.Noches de Rock and Roll
02.Tomame como soy
03.Ya tenés por quien luchar
04.La Chance Sutil
05.Hablan de tiempos mejores
06.El Mago del Tiempo
07.Lo único que es
08.Ocúltame hermano
09.Zapada Final
10.Mil opciones
11.Hoy te preguntarás

Formación
Julio Sáez: Guitarra y Voz
Horacio Darías: Batería
Saúl Blanch: Voz
Hugo Racca: Bajo y Voz




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LONE STAR - Lone Star (1976) (colaboración J.J. Iglesias)

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Lo sabéis. Seguro que lo sabéis. Sí!  Esto es un nuevo y apasionante episodio de....Historias Bordes del Rock'n"Roll. 
Aunque a veces esa bordez se la busque el propio grupo a pulso. La manida excusa de que "el punk nos destruyó " ha sido utilizada por multitud de combos de los 70. En ocasiones con razón. Pero en otras, como en el caso de los británicos Lone  Star,  no fue más que otro ingrediente para su fracaso.


Formados en Cardiff en 1975, Kenny Driscoll (cantante) y Tony Smith (guitarra, voces) volvían de Canadá. De tocar en los semi-pro, Iona. El resto serían Rick Worshop (teclados, voces), Dixie Lee (batería,  voces), Peter Hurley (bajo) y Paul Chapman (guitarra solista). Éste último,  en efecto, sería el futuro sustituto de Michael Schenker en UFO.

Primero se llamarán Zebra Leader ( que quedaba muy Zeppelin), para luego quedarse como Lone Star. A pesar de que los catalanes llevaban desde los 60 con ese nombre. Reúnen 300 libras para una demo de cinco canciones que incluye influencias de su cantante (un auténtico dictador con el que tendrán problemas): Free, Bad Company y Jethro Tull (??!!). En ella destaca una versión de The Beatles, "She Said She Said", absolutamente cambiada y convertida en un majestuoso himno hard rock pomp/prog. Tema éste con el que alucina todo el mundo. Incluido Jimmy Page. Fue ponersela en un estudio y comenzar a hacer headbangin'!!! Esto ocurre porque se hace con su management Abe Hoch (error), mano derecha de Peter Grant. A pesar de éste "enchufe", no consiguen entrar en Swan Song, que era su propósito. Demasiado ocupados en la compañía con lo nuevo de los Zep, "Presence". Y el fichaje de Bad Company y Maggie Bell (Stone the Crows).

Así que fichan por CBS (otra cagada), un contrato leonino,  por el que son controlados totalmente. En plan "ley mordaza". A la semana les dan un "sueldo"/propina de 30 libras. Ridículo y absurdo.

En el 76 los mandan a los Sweet Silence Studios de Copenhage, para ser producidos por Roy Thomas Baker (Queen). Todo apunta a que no era el productor adecuado. Demasiado arreglo. Se dice que la demo inicial y las radio sessions son mejores, más crudas, como en realidad sonaba el grupo. Para colmo los estudios estaban al lado de Christiania. No comment. Cómo se puede poner a grabar a una banda de hard rock, en los 70, en el único y más famoso barrio anarquista de Europa?!! Borrachos y colgaos todo el día. Grabación llena de tensiones.

El disco es editado en una tirada demasiado corta, 50000 copias que desaparecen en tres semanas. Luego, la nada.


"Lone Star" abre magníficamente con la susodicha versión "She Said She Said" (8'30). Canción que hacen propia en un alarde de hard pomp. Los desarrollos progresivos son excelentes, así como la voz de Kenny Driscoll. Una maravilla. "Lonely Soldier" (5'09) se acerca al estilo de Journey en "Infinity"....lo curioso es que este disco también fue producido por Roy Thomas Baker. Dos años después. Copió el productor ése patrón musical de Lone Star para configurar el clásico sonido de los californianos con Steve Perry? Estoy absolutamente seguro. Ahí están las pruebas, en forma de discos. "Flying in the Reel" (4'58) es hard rock'n'roll infeccioso al más puro estilo Zeppelin.

La cara b circula por similares eufóricos derroteros. Grandes teclados pomp en "Spaceships" (6'45), sonido paralelo a Angel. Más hard progresivo en "A New Day" (5'15). Y subidones zeppelinescos de épica incontrolada en "A Million Stars" (3'50) y "Illusions" (3'14). Un debut extraordinario que apuntaba hacia un nuevo nombre en el Olimpo de los dioses del rock. Algo que nunca sucedió. 

Kenny Driscoll tiene un accidente automovilístico  En el que su novia Linda, queda paraplejica. Hundido, deja la banda en medio de una gira con Mott the Hoople.

El mánager  (siempre visto como una elección equivocada), elige como sustituto a John Sloman. Su aspecto es el de un hermano gemelo de Robert Plant. Buen cantante, pero sin el carisma de Driscoll (cercano y adelantado a la forma de cantar de Steve Perry). Con ellos graba otra gema del hard 70s, "Firing on All Six" (1977). Esta vez con un productor más adecuado, Gary Lyons. Tocan en Reading, encabezan en el Rainbow y giran England teloneando a Frank Marino. Pero saben que su sitio estaba por entonces en USA. Así sí que hubieran triunfado.

Añadase que Paul Chapman hace doblete con Lone Star y UFO. Que Dixie Lee y Tony Smith andaban colgados con la Cienciología,  hablando con perros y viendo Ovnis todo el día. Eso no ayuda. Que Dixie es echado de Blizzard of Oz, la primerísima formación de Ozzy, por soltar sus iluminadas frases al ex-Sabbath, que no está pa tontadas!!! Eso tampoco. Y sí,  en  el centro de todo esto estalla el punk. El menor de sus problemas. CBS corta el grifo para grabar (aún más? !) y Tony Smith es echado de la banda. En todo este maremagmun,  las diez canciones de lo que iba a ser su tercer album de 1978, son abandonadas en casa de la madre de Paul Chapman. En 1999 éste las descubre y se editan tal cual, con dos Revox, como "Riding High", The Unreleased Third Álbum. Mucho más cerca de los UFO del 78 que de sus queridos Led Zeppelin. De haber continuado, estoy seguro de que hubieran entrado en los 80 bien engrasados y listos para el boom heavy de ésa década. Una lástima. Chapman siguió con UFO. Sloman con Uriah Heep,  Gary Moore y John Sykes. Smith con Screen Idols y Lion.

Lee con Wild Horses,  Blizzard of Oz y Persian Risk. Hurley con Red Hot Pokers. Worshop volvió a Canadá como informático. Y Kenny Driscoll intentó su versión de Lone Star, CBS no le dejó,  y se fue con Gary Moore. Sigue como la Kenny Driscoll Band.

Y esto es lo que pudo ser una grandísima banda (llegaron a serlo por cinco minutos, mira el concierto de BBC en youtube), y, "por culpa de los punks ", no pudo ser. Mecawen, que chicos más malos!!!!





Temas
00:00 She Said She Said 8:29 (Lennon, McCartney) 
08:29 Lonely Soldier 5:09
13:38 Flying in the Reel 4:54
18:32 Spaceships 6:44
25:16 A New Day 5:14
30:30 A Million Stars 3:50
34:20 Illusions 3:12

Formación
Kenny Driscoll : voz
Paul Chapman : guitarra
Tony Smith :guitarra
Rik Worsnop : teclados
Pete Hurley: bajo
Dixie Lee : batería




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OUTER LIMITS (colaboración Alberto Torró) (rock progresivo japonés)

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Este grupo goza de un criterio de unanimidad y son posiblemente uno de los más apreciados por los fans. Debo decir que musicalmente quizá no sean de los mejores o de los más técnicos, pero si poseen algo que les diferencia: originalidad.


Como suele suceder en muchos otros, lamentablemente su punto débil son las voces masculinas, casi siempre mediocres y faltas de vida y gracia. No obstante lo suplen con creces por su buena disposición y su temperamento compositivo.

Outer Limits son probablemente una de las mejores bandas de rock sinfónico del país del shushi y el shashimi. Las referencias, las influencias se me pierden y se me escapan. No pueden clasificarse.

El empleo del violín de Takashi Kawaguchi tiene vida propia y las composiciones son sensacionales y pasa, lo que tiene que pasar cuando alguien prueba por vez primera un vino nuevo, de diferente marca a la acostumbrada. Tiene que adaptarse.


Quizá no lo dije anteriormente o con mayor precisión en el prólogo, pero casi todo de lo que estoy hablando, y de todas éstas músicas del sol naciente, son la inevitable necesidad, el paso previo de la adaptación. Parafraseando a los Gentle Giant: “adquiriendo el gusto”.

La música de Outer Limits tiene mucho de poso intelectual académico. Suenan con mucha base clásica. Solemne a veces, serena y contrariamente a lo que pudiera parecer, nada pretenciosa.

Probablemente escuchas previas te dejarán indiferente. Prueba otra vez. Insiste. Es la clave. Me lo agradecerás y si no… que le vamos a hacer.

Su tercer disco: The Scene Of Pale Blue es una de esas joyas japonesas atemporales, pero es que el resto de su discografía tampoco tiene desperdicio. ¿Y que portadas!

Discografía:
Misty Moon (1985)




Temas
1) Prelude 0:00
2) Misty Moon 9:23
3) Saturated Solution 23:05
4) Subete Ha Kaze No Youni 28:54
5) Spanish Labyrinth 40:56
6) Saturated Solution (Remix) 46:45
7) Misty Moon (Alt. Version) 52:33

A Boy Playing The Magical Bugle Horn (1986)





Temas
1 Magical Bugle Horn 
2 The Silent Valley 
3 Tower Over The Clouds 
4 Liris 
5 Out Of The Old Castle 
6 Sail And The Shadow 
7 Whispering, Or...? 
8 Beyond Good And Evil


The Scene Of Pale Blue (1987)





Temas
Mixer 5:39
Platonic Syndrome 7:30
Anti Podean 12:09
The Scene Of Pale Blue 20:30

Outer Mania (1989) (recopilatorio)



Temas
Marionette's Lament
Misty Moon
Platonic Syndrome
The Scene Of Pale Bule

I Love You

Silver Apples Of The Moon (1989) (live)



Temas
The Scene Of Pale Bule (Part 1)
Platonic Syndrome
Marionette's Lament
Misty Moon

Beyond Good And Evil

Stromatolite (2007)



Temas
1Cosmic Velocity
2Consensus
3Lullaby
4Algo_Rhythm.C
5Caprice (Violin Solo)
6Spiral Motion
7Pangea
8Organ Small Works No.4 (Pipe Organ Solo)
9Constellation

10Lunatic Game




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FRANK ZAPPA. JOE´S GARAGE (ACTS 1-2-3) (1979) (colaboración Alberto Torró)

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Sería la última entrega en estudio de la década de los 70´s. El Garaje de Joe fue una especie de ópera y musical en tres actos y en tres discos. 

La historia como siempre trata de todas las fijaciones y patologías afines a nuestro protagonista, es decir, sus fobias clásicas: el poder, la industria, la política, la religión, las asociaciones moralistas, la estupidez, y los adolescentes con pocas ganas de hacer nada útil. En general otra sátira social en lo que viene siendo su peculiar manera de ver las cosas. La fijación irritante hacia la sociedad americana y su falta de libertades y embobamiento mental. El guion también como siempre, en el absurdo, la crítica soez y la mala hostia. Nada nuevo bajo el sol. A grandes rasgos y a la espera de que algún experto licenciado en Harward en la temática zappiana me corrija, Joe es un adolescente tocapelotas que monta un grupo de rock en el garaje de su casa, mendas que solo saben una canción y la tocan hasta la saciedad con bronca incluía, de vecinos, madre y policía. Todo un despropósito teniendo en cuenta que la historia se desarrolla en una sociedad imaginaria controlada por una especie de Gran Hermano llamado “Central Scrutinizer” que quiere prohibir toda iniciativa perversa afín al mundo de la música. Una organización que considera pernicioso todo elemento creativo que haga la juventud (el Partido Popular sin ir más lejos).


La trama de la “ópera” es estúpida y típica del universo patológico de Zappa. A partir de aquí todo es una sucesión de alegorías al pene, al chichi, las tetas y a las chicas católicas que alegremente chupan pollas y luego van a misa. Un encanto de libretto para regalar a tu suegro de derechas,  a tu santa madre,  o a tu cuñao neoliberal. En definitiva la enésima entrega de crítica lasciva a la enferma sociedad norteamericana y a las nuevas modas musicales exportadas de Inglaterra como el punk o la new wave popera. Ya veis que es más o menos una continuación del anterior Sheik Yerbouti. Su edición inicial fue un lp sencillo con el acto I y al poco tiempo un doble álbum con los actos II y III. Posteriormente se editaría completo en doble CD. En lo personal diría que es un disco algo aburrido, lejos quedan ya los tiempos de las madres de la invención y de las composiciones de giros imprevistos. Zappa crea ahora una música mucho más lineal, más sencilla, entendiendo naturalmente del concepto de “sencillez” en Zappa. Hay mucho trabajo vocal y mucha estructura de canción (Ike Willis principalmente) y claro los no anglo parlantes no le pillamos la gracia y nos quedamos con la música. Aunque también es cierto que las letras de las canciones en mayoría de las piezas zapperas no hay por donde cogerlas. 


Naturalmente en estos discos también encontramos cosas buenas e interesantes como la encantadora Wet T-Shirt, momentos guitarreros geniales: On The Bus,  la delicada Watermelon in Easter Hay,  la marcha de Keep it Greasy o el cachondeo simpático de A Little Green Rosseta. Pero en general el álbum no está a la altura de otros trabajos y las melodías en general son mucho más asequibles y pegadizas. En 1999 se realizó de este trabajo un musical tipo Broadway. De vez en cuando y a lo largo de los años se va rescatando y reinterpretando material de éste prolífico compositor sin igual, y siempre bajo la atenta supervisión de su familia. No es un disco esencial pero tampoco desagrada y al lado de cualquier cosa venerada de otros grupos, y cacas elevadas de hoy día, Zappa sigue estando a años luz del resto.





Temas
1-01The Central Scrutinizer3:22
1-02Joe's Garage6:15
1-03Catholic Girls4:26
1-04Crew Slut6:31
1-05Fembot In A Wet T-Shirt4:44
1-06On The Bus4:18
1-07Why Does It Hurt When I Pee?2:36
1-08Lucille Has Messed My Mind Up5:43
1-09Scrutinizer Postlude1:34
1-10A Token Of My Extreme5:29
1-11Stick It Out4:34
1-12Sy Borg8:55
2-01Dong Work For Yuda5:03
2-02Keep It Greasey8:21
2-03Outside Now5:49
2-04He Used To Cut The Grass8:35
2-05Packard Goose11:34
2-06Watermelon In Easter Hay9:09
2-07A Little Green Rosetta8:14




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ALACRÁN - Alacrán 1970

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Alacrán fue  fundado por  Fernando Arbex ( batería)  tras la disolución de Los Brincos junto con su amigo  Óscar Lasprilla y el bajista Iñaki Egaña procedente de Los Buenos.


En  1969 fichan por Zafiro y entran en los estudios Celada de Madrid para grabar su único disco.  El resultado se publicaría al año siguiente sin prácticamente promoción por parte de la compañía discográfica. El grupo tiene un disco en el mercado pero ninguna actuación. Cansados del proyecto, Fernando Arbex e Iñaki Egaña formarían Barrabas, una banda con la conseguirían notables éxitos.

La grabación, de tan solo 30 minutos , contiene seis temas con diferentes influencias. Las dos primeras composiciones "Sticky" y "Son" tienen un marcado carácter latino al estilo de Carlos Santana.  La Costa Oeste americana las podemos escuchar en los psicodélicos "My soul" y "San Francisco".  El solo de guitarra que cierra el tema "Take a Look Around You, baby" me recuerda claramente a Dickey Betts. El disco se completa con la tranquila "Will you Keep my love forever", con un gran  Óscar Lasprilla a la guitarra. Por cierto los temas están cantados en el "inglés de la época."




Temas
Sticky 
Son (America, America) 
My Soul (Suddenly) 
San Francisco (California) 
Take A Look Around You, Baby 
Will You Keep My Love Forever




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Lynyrd Skynyrd ‎– Authorized Bootleg: Live / Cardiff Capitol Theatre 1975

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Lynyrd Skynyrd  tomaron su nombre de un profesor de gimnasia,  Leonard Skinner , les suspendío la asignatura a dos miembros de la banda,  Bob Burns y al guitarrista Gary Rossington. Logicamente cambiaron las vocales de su nombre por la " y". Hoy nos centraremos en uno de sus conciertos de mediados de la década de los 70.


En 1.975 Lynyrd Skynyrd vivía días felices. El año anterior habían editado su segundo disco, " Second Helping", con el que obtuvieron un notable éxito. Nuevamente en enero se metían en el estudio para la grabación de su tercer Lp, " Nuthin' Fancy", que vería la luz en Marzo. Realizan una gira de promoción de tres meses llena de desenfreno y Ed King decide abandonar la banda. Todavía les quedaría fuerzas para volver al estudio de grabación y comenzar la producción de  "Gimme Back My Bullets", editándose en febrero del 76.

Estamos ante  un "Autorized Bootleg", es decir un bootleg  que viene apadrinado  y editado por la discográfica oficial. El documento sonoro nos muestra la actuación de los Lynyrd Skynyrd en Cardiff, Wales el 4 de Noviembre de 1.975. El buen sonido está garantizado. El setlist de la grabación está compuesto fundamentalmente por temas de sus tres primeros discos completado con la inicial, "Double Trouble", adelanto de su cuarto disco. Temas míticos como "Saturday Night Special", "Simple Man", "Sweet Home Alabama" y por supuesto la traca final con "Free Bird" En la formación  Allen Collins y Gary Rossington, recordemos que EdKing había abandonado la banda ese mismo año. Desde luego es difícil igualar al "One More from the Road" pero le anda cerca.




Temas
0:00 Intro/Double Trouble
3:03 I Ain't The One
6:53 The Needle and The Spoon
11:27 Saturday Night Special
16:52 Gimme Three Steps
22:01 I Got The Same Old Blues
26:34 Simple Man
33:05 Whiskey Rock A Roller
37:04 Call Me The Breeze
43:02 T For Texas
51:02 Sweet Home Alabama
57:13 Free Bird

Formación
 Leon Wilkeson: bajo ,voz
 Artimus Pyle : batería, voz
Allen Collins, Gary Rossington: guitarras
Billy Powell: teclados
 Ronnie Van Zant: voz




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SEESSELBERG - Sinthetik 1 (1973) (colaboración J.J. Iglesias) rock electrónico

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Iba a comenzar esta introducción "advirtiendo" del profundo entramado experimental de ésta obra. Pero lo he pensado mejor y me he dicho: "los cojones !!! 


El que visita ésta sección ya sabe a lo que se expone". Así que no voy a estar pidiendo disculpas cada vez que un artefacto marciano procedente de a saber qué galaxia se posa por éstas latitudes. La verdad es que el personal se queja cansinamente de que "todo está ya inventado", "no sale nada original", blablabla....Si tuvieran la mentalidad abierta un 5% nada más  de lo que se tenía en los 70, esos problemas les desaparecerían. Pero no. Luego escuchan algo que se sale de la norma, de la afinación convencional, otra forma de creación musical no habitual, y se echan las manos a la cabeza. O dicen que "es insoportable". Cuando no se ríen como payasos mongers bobalicones. Si no quieren avanzar, evolucionar, investigar, experimentar, entonces tienen lo que se merecen. La salchipapa.
Así que no. Me niego a la típica disculpa de "esto no es para todos los momentos", "hay que estar predispuesto" o "requiere un esfuerzo mental su escucha". Al que le interesan estas músicas / filosofías,  se regodeara en el fango cibernético viejuno cual cerdito guarrindongo y feliz.
Yo el primero.


Los hermanos Eckart y Wolf-Jurgen Seesselberg comenzaron de críos a enredar con walkie-talkies allá en Hamburgo. Extrayendo sonidos impertinentes de todo lo que podían. Lo que digo, ciber-cerditos felices en tiempos de posguerra. Que al igual que los dadaistas en Colonia o Zúrich tras la Primera Gran Guerra, estaban dispuestos a hacerse con su propia identidad cultural en Berlín (luego toda Alemania) tras la Segunda. La historia se repite, pero ésta vez no se llama Dada, sino Kraut. Su obsesión por el sonido les lleva a crear sus propios modulares y gadgets varios.


"Synthetik 1" fue su legado único. Un prensaje privado de difícil localización  y fuerte desembolso pastoso. Al ser sintes y cachivaches creados por ellos mismos, el sonido no se hace generalizable. Lo cual es un punto a su favor que los emparenta con los sintetistas rusos y del telón de acero.

No se parecen mucho a nadie. Exprimiendo el baremo comparativo , quizá tengan algo que ver con Conrad Schnitzler, Cluster o Pierre Henry. El disco es una "opera electrónica " instrumental kaleidoscopica de 43'32 mts. Dividida en partes cortas y otras que van de los 7 a los 10 mts. Como digo, al ser instrumentos de diseño propio, poseen su personal idiosincrasia. Las repeticiones rítmicas no tienen nada que ver con las habituales frases secuenciales, mucho mas amables al oído si se quiere. Así que estos ciber-terroristas te llevan hacia espacios de tétrica ambientación cenobita. Que adelantan propuestas pre-industriales en los comienzos de los 70!

Kraftwerk a su lado parecen Bon Jovi. Y no lo digo en detrimento de los de Dusseldorf. Cada uno con la suya. Simplemente quiero dejar constancia de la tremenda originalidad de Seesselberg. Algo que, como frecuentemente vemos, les costó su suicidio artístico. O quizá no. Quizá lo iban buscando. Y de paso se lo pasaron dpm haciendo esta banda sonora de "Star Wars" Part 3427 para el año 4000.

P. D.'"La música es como la energía nuclear. Se usa más veces de forma negativa que positivamente " (LYN DOBSON de THIRD EAR BAND)




Temas
1Overtüre - "Jeder Ist Heutzutage Glücklich" - If Somebody Survives, We Will Have A Return - Match (Konditionsmusik - 1972)3:41
2Eintrachtkreis-Paranoia (Die 200jahrfeier Findet Nicht Statt - Kondominatsmusik - 1973)1:02
3Verhütungsfreudenwalzer (Kontinenzmusik Für Eine Akademie 1973)1:27
4Speedy Achmed (Verhaltensanweisung 1973)3:46
5Studentenzucker - "Tue Gern, Was Du Tun Mußt!" (Konfektionsmusik 1973)0:36
6"Die Menschen Sind Glücklich, Sie Kriegen, Was Sie Begehren, Und Begehren Nichts, Was Sie Nicht Kriegen Können - Laubsägebastler, Briefmarkensammler Und Brieftaubenzüchter Bilden Das Rückgrat Der Menschheit" (Kondolenzmusik 1973)10:42
7Phönix - 197210:14
8"Was Dir Heute Freude Macht, Das Verschieb Nicht Über Nacht!" (Kondensmusik Aus Einem Konzert Im Gallery-House London - 1973)4:16
9Auszug Aus Einem Konzert In Der Düsseldorfer Kunsthalle 19717:45




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Tantra ‎– Mistérios E Maravilhas 1.977

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Tantra es un grupo de rock progresivo portugués de una calidad increíble. Su nombre supongo que tendrá relación con la fascinación que procesaban sus miembros hacia Paramahansa Yogananda,  gurú hinduista, y autor del libro  "Autobiografía de un yogui".




Tras la caída de la dictadura salazarista, el país se abrió al mundo y grandes grupos de rock comenzaron a actuar en tierras lusas. Genesis fue la primera banda de renombre que actuó en 1.975.  Cuatro jóvenes portugueses ( Manuel Cardoso , Armando Gama , Américo Louis y Tozé Almeida) se quedaron totalmente impresionados  y un año más tarde formarían Tantra. En el 77 graban su primer disco, "Mistérios E Maravilhas", obteniendo un notable éxito e incluso colgaron el cartel de "no hay billetes" en su concierto en el Coliseo de Lisboa.  Su segundo disco llegaría en el 78, "Holcausto",y el tercero en 1.981, "Humanoid Flesh". Ese mismo año decidirían separarse. Posteriormente, Manuel Cardoso, volvió a intentarlo en el siglo XXI llegando a editar varios discos.


Tantra nos ofrece un rock progresivo mezclado con algo de jazz-rock de altísima calidad. Su primer tema, "À Beira Do Fim", nos traslada a la época de Genesis con Peter Gabriel. Parece como si "Rael" cantará en portugués. La instrumentación también nos traslada a sus homólogos Steve Hackett y Tony Banks. La segunda composición, "Aventuras De Um Dragão Num Aquário", es una pequeña "delicatesseen" a cargo de Manuel Cardoso, muy al estilo de Steve Howe y sus solos de guitarra acústica. "Mistérios E Maravilhas" va en la onda de nuestros queridos Iceberg, jazz- rock mediterráneo. Este mismo criterio se sigue en " Máquina Da Felicidade" donde también podemos escuchar el solo de batería de Tozé Almeida. "Variações Sobre Uma Galáxia", es el aporte al piano de Armando Gama, una pequeña joya. El disco finaliza con "Partir Sempre", tema cantado en portugués que aúna todas las influencias anteriores. La posterior reedición ed Cd contiene dos temas más "Novos Tempos" y "Alquimia Da Luz".





Temas
1 À Beira Do Fim 00:00 
2 Aventuras De Um Dragão Num Aquário 10:57 
3 Mistérios E Maravilhas 13:03 
4 Máquina Da Felicidade 19:20 
5 Variações Sobre Uma Galáxia 32:57
6 Partir Sempre 34:20
Extra Tracks
7 Novos Tempos 43:50 
8 Alquimia Da Luz 48:25 

Formación
Armando Gama : teclados
Americo Luis : bajo
Manuel Cardoso: guitarra, voz
Tozé Almeida : batería



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