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Latte E Miele ‎– Papillon 1973

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Volvemos a escarbar en el progresivo italiano de la década de los 70. Esta vez rescataremos una gema de muchos quilates, Latte e Miele.

Estos genoveses formaron la banda en 1.971. El grupo estaba formado por Oliviero Lacagnina (teclados), Alfio Vitanza (batería) y  Marcello Giancarlo Dellacasa (guitarra, voz). Su primer disco, "Passio secundum Mattheum", una obra basada en el clásico y en los evangelios. Su segundo disco, "Papillon", llegaría un año más tarde. Abrieron concierto a los Van der Graaf Generator. En el 74 deciden dejarlo. Posteriormente alguno de sus miembros volvió a retomar el proyecto.

Este segundo disco de Latte e Miele nos presenta en la  cara A una suite compuesta por siete parte unidas entre ellas  por nexo cantado que a la segunda escucha resulta un "coñazo". La parte musical va en la onda de Emerson , Lake & Palmer , en la época del "Tarkus".. La cara B la abre "Divertimento", muy al estilo de lo que hacía Keith Emerson en The Nice. El segundo tema, "Patetica", es nuevamente una suite. Su primera parte está inspirada en la conocida obra de  Beethoven. En la segunda parte Marcello Giancarlo Dellacasa toca el violin para recordarnos a Vivaldi, finalizando con un solo de batería a lo Iron Butterfly. La última parte es la más pastoral, acústicas, sintetizadores y un guiño a  Tchaikovsky. El disco lo cierra "Structure" es la más jazz volviendo a recordar a nuestro querido Keith. Recomendado a los seguidores de E,L &P.






Temas
1 Papillon: Ouverture 
2 Primo Quadro «La Fuga» 
3 Secondo Quadro «Il Mercato» 
4 Terzo Quadro «L'Incontro» («Rimani Nella Mia Vita») 
5 Quarto Quadro «L'Arresto» 
6 Quinto Quadro «Il Verdetto» 
7 Sesto Quadro «La Trasformazione» 
8 Settimo Quadro «Corri Nel Mondo» 
9 Divertimento 
10 Patetica: Parte Prima 
11 Parte Seconda 
12 Parte Terza 
13 Strutture

Formación
- Oliviero Lacagnina: teclados
- Alfio Vitanza : batería
- Marcello Giancarlo Dellacasa: guitarra, voz



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MARK - ALMOND "Mark-Almond 73" (1973) (colaboración J.J. Iglesias)

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Hay momentos en que el cuerpo pide a gritos, paz. Relajación. Y no me estoy refiriendo a los domingos de resaca, que también. Es entonces cuando un disco del dúo  británico Mark-Almond te masajea las neuronas (las que te queden), de manera harto efectiva. Esta terapia nunca me falla. O eso o un disco de Motorhead con cascos al 11.

Ambos músicos ya estaban curtidos en la escena inglesa de los 60. Marianne Faithfull, Zoot Money o Alan Price Set formaban parte de su cv musical. Pero sería John Mayall quien reclutaria al dúo  para su experimento post-Bluesbreakers. Una banda más básica  orientada a lo acústico y sin batería. A priori, un coñazo. En la práctica,  dos discazos históricos : "The Turning Point" (con "California" y "Room to Move"), y "Empty Rooms", ambos del 69.
El estilo fingerpicking  y la susurrante voz de Jon Mark, unido a los vientos jazzy  (saxos, flauta) de Johnnie Almond , contribuyeron decididamente a este período de fructífera creatividad en Mayall.


En 1970 deciden formar su propio grupo, Mark-Almond, editando el debut homónimo ese mismo año. Sonido con CLASE y gustazo por la música bien hecha. A base de rhythm 'n'blues, jazz, rock, blues, bossa y folk en mezcla inteligente como pocas. Con "Mark-Almond II" (1971) ganan popularidad en USA gracias al beneplácito de las FM, que gustan de su sonido y se hacen querer en las ondas. Algo que se acrecienta con "Rising" (1972) y "Mark-Almond 73" (1973), éste último,  el disco que nos ocupa. Con una primera cara en directo y una formación que ahora ascendía a septeto.  Incluyendo al batería de Charlie Mingus, Donnie Richmond. Al guitarrista ex-Cat Stevens, Alan Davies. A Roger Sutton al bajo o Tommy Eyre  A los teclados. Estos dos formarían poco después  los extraordinarios Riff Raff.


Es ésta primera cara un reflejo de un sonido muy popular en los primeros 70. Apoyado por nombres como Blood, Sweat and Tears, Chicago Transit Authority, Osibisa, CCS o War, por nombrar algunos representativos. Viento, percusiones y multitud de estilos entremezclados,  conforman un rock progresivo de inclinación jazz-brass muy poderoso. "Get Yourself Together" (5'13) entra dentro de ésta descripción. "What am i Living for" (8'40) podría ser un tema de la etapa dorada de The Band. Y " The Neighborhood Man" (8'08) atrapa mi atención especialmente, en esa aproximación a Mandrill u Osibisa. Aunque el nivel de las anteriores está muy alto.
En la cara b, y grabada en estudio, nos reencontrarnos con el estilo intimista de siempre en Mark-Almond. "Lonely Girl" (4'54) es latín groove,  suaves vientos y la balsámica voz de Jon Mark, excelente de veras, con un sólo de Almond al saxo impecable. El curioso título  "Clowns (The Demise of the European Circus with No Thanks to Fellini)" (8'40) rezuma nostalgia, una máxima en su sonido, y elegancia (otra). Incluye un estupendo solo de guitarra de Davies, bien sustentado por órgano  y flauta. Y culminado por un épico mellotron que da paso a la triste (para mí lo es) melodía típica de feria. Ésta enlaza con "Home to You" (7'06), una preciosa balada al estilo de "Desperado" acompañada por piano. Y con un sólo de saxo que recuerda a John Anthony Helliwell.


Tras este superlativo album se separarían a final de año. Mark edita en solitario "Song for a friend" (1975) y ese mismo año se reúnen de nuevo, grabando "To the Heart" (1976). Nueva separación a mitad de los 80. Reunión en el 96 y cd, "Night Music". Jon Mark se va a vivir a Nueva Zelanda, editando música Ambient. Johnnie Almond se queda en San Francisco, siendo visto habitualmente en clubs participando en jams. Fallece en 2009 a los 63 años.

La corta discografía de Mark-Almond (no llega a la decena), es absolutamente recomendable.  Un favorito personal que tengo en mi galería de intocables.





Temas
A1 Get Yourself Together 5:07
A2 What Am I Living For 6:56
A3 The Neighborhood Man 8:06
B1 Lonely Girl 5:03
B2 Clowns 7:49
B3 Home To You 8:00

Formación
Wolfgang Melz: bajo, percusión
Dannie Richmond: batería , percusión
Alun Davies: guitarra, voz, percusión
Jon Mark: voz, guitarra
Bobby Torres: percusión
Johnny Almond: teclados, saxo, voz
Geoff Condon: saxo, flauta, teclados, voz




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AIN SOPH (colaboración Alberto Torró) rock progresivo japonés

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Banda instrumental con una docena aproximada de discos. Son un grupo veterano de finales de los 70, en un estilo que combina jazz rock, sinfónico y sonido Canterbury. Están muy influenciados por grupos como Camel o Hatfield an the North, con alguna pincelada de Chick Corea o Pat Metheny.


Sus composiciones tienen un estilo bastante suave y sobrio, a veces demasiado lánguidos para el tipo de música que realizan por lo que por momentos caen en lo ambiental y dulzón. En general su música es bastante correcta y agradable y son muy finos en su ejecución.
La banda gira en torno al guitarrista Yozox Yamamoto y al teclista Kikuo Fujikawa.



Discografía básica:
A Story of Misterious Forest (1980)




Hat and Field (1986)





Ride on a Camel ( demo  de 1978, editada en 1991)





Marine Menagerie (1991)




Five Envolved to Nine (1992)







Mysterious Triangle (1993)






                         Quicksand Live Vol. 3 (1994)






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FRANK ZAPPA: THEM OR US (1984) (colaboración Alberto Torró)

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La salida de este disco coincidió con su gira española de 1984. Fue la única vez en la vida que vi a Zappa  en directo, junto con Julio Murillo de la revista Vibraciones  y fue en un estadio o recinto deportivo que ya no recuerdo.


 Pensaba que Steve Vai nos devastaría con su afilada guitarra, pero para chasco mío, ya había abandonado a la banda. En su lugar estaban Ray White y Ike Willis en guitarras y voces respectivamente. El polémico bajista Scott Thunes (no lo soportaban mucho). El percusionista Ed Mann, Allan Zhavov a los teclados y un elegante y fino batería llamado Chad Wackerman. El concierto duró unos 80 mtos como máximo, algo corto y sin interrupción entre piezas. Sonaban perfectos. Todo muy profesional.

 Me llamó mucho la atención un tipo calvo enorme, con pinta de chulo putas que era el macarra de seguridad contratado. (Zappa los llevaba desde que lo tiraron del escenario en 1971). Se hacía notar en el escenario con mirada desafiante al público y ya tengo dudas si de paso formaba parte del show o estaba ahí para arrancarle la cabeza a alguien. El caso es que aquel elemento daba muy mal rollo y desmerecía la fiesta.

 A Zappa le encasquetaron una barretina catalana en la presentación que no le hizo ninguna gracia y acabó tirándola. No hizo ningún bis y desapareció raudo del escenario sin apenas saludar. Al finar la gente gritando, otra!... otra…! otra…! muy cabreada y como era de esperar la cosa terminó a hostias con la policía. Yo me largué antes de la verbena porque me olía el fregao.


El doble LP “Them Or Us” sigue una tónica parecida y una línea a todos sus trabajos editados en los 80. Sonido más duro, simplificación rockera y música batallera. Mucha tendencia hard, topicazos habituales de canciones duduá, algún solo de guitarra llamativo, como los de Vai haciendo diabluras en el mástil con su rápida digitación y bastante coñazo general. Por poner un ejemplo la pieza “el divorcio del camionero” es insoportable. Se salvan eso sí, Versiones como Sharleena y una musculosa adaptación del clásico Whipping Post de los Allman Brothers. El sonido del disco impecable pero el programa musical más que discutible aunque a estas alturas a Zappa como leyenda viva, se le perdonaba todo. La cosa como veremos empeoraría en algunos discos más. La portada está bien, es graciosa y absurda como siempre.

Temas




















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AGAMENON - Todos se ríen de mi(1975) rock español

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Agamenon fue un grupo madrileño formado a principios de los 70  por Carlos García (bajo voz), Javier Moreno (guitarra, voz), Arturo Terriza (batería, voz), Vicente Andújar (teclados, voz), Dulce Ayala y Carmen García (voces).


En 1975 editan su único disco, " Todos se ríen de mi" con el sello Explosión y  la ayuda del productor Alain Milhaud ( Los Bravos) La promoción es nula y el grupo se separa.


Agamenon nos ofrecen diez temas de pura psicodelia, armonías vocales y Sunshine pop . Ocho de las composiciones están cantadas en inglés y dos en español, estos últimas por presiones de la discográfica. El resultado es sorprendente una guitarra fuzz psicodélica a cargo de Javier Moreno, realmente increíble, seguro que en otro país hubiera triunfado. Sonidos de la costa oeste americana , Mamas and The Papas, Jefferson Airplane, etc. Todo los temas están compuestos por Carlos García.




Temas
Todos Rien De Mi 3:40
Al Salir El Sol 3:04
Please Little Man 2:44
Happy Marriage, Eleanor 4:05
Send Me 3:21
Blow Up The Candle (Apaga La Vela) 3:26
Cuco Go Fly (Cuco Te Vas) 4:45
Happy Tuesday 3:50
Wooden Tears 3:23
I Need Money 3:25

Formación
Carlos García: Bajo, voces
Javier Moreno: guitarra, voces.
Arturo Terriza: Bateria, voces.
Vicente Andújar: teclados, voces.
Dulce Ayala: Voces.
Carmen García: voces.




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DIO - Live San José 1983

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Ronnie James Dio ( Ronald James Padavona) fue uno de los cantantes más emblemáticos del hard rock.Su paso por formaciones tan importantes como Rainbow y Black Sabbath marcaron época. Hoy recordaremos uno de los conciertos de su primer disco, "Holy Diver".


En mayo de 1.983 Ronnie lanza su primer disco, "Holy Diver", con un grupo formado por Vivian Campbell (Guitarra), Jimmy Bain (bajo) y Vinny Appice (Batería). La banda se embarca en una gira  de varios meses por todo el mundo. "Holy Diver" se convertiría en disco de oro y en uno de los referentes del heavy metal.


Dio nos  presenta uno de los conciertos de la gira de su disco "Holy diver, en concreto el celebrado en San José (USA) el 5 de octubre de 1983 Ese día tuvieron que actuar dos veces debido a que en su primer show (4 p.m.) se vendieron todas las entradas. Actuaron junto a Queensryche. El grueso del setlist lo componen temas del "Holy Diver" completadas con dos temas de su etapa Sabbath, ""Children of the Sea" y "Heaven and Hell", y dos temas de Rainbow, "Stargazer" y "Man on the Silver Mountain". Dio está acompañado por una banda de auténtico lujo: Vivian Campbell ( Sweet Savage, , Trinity, Thin Lizzy, Whitesnake, Riverdogs , Shadow King, Def Leppard) Jimmy Bain (Rainbow, Phil Lynott, Wild Horses), Carmine Appice (Vanilla Fudge, Cactus, BBA, etc) y el teclista Claude Schnell. El sonido es excelente.





Temas
1. Intro 00:00 
2. Stand Up And Shout 02:26
3. Straight Through The Heart 05:48
4. Shame On The Night 11:00
5. Children Of The Sea 16:13
6. Holy Diver 23:18
7. Vinnie's Solo 28:50
8. Stargazer 32:00
9. Vivian's Solo 33:52
10. Heaven And Hell 36:43
11. Rainbow In The Dark 51:35
12. Man In The Silver Mountain 57:10

Formación
Ronnie James Dio: voz
Vivian Campell: guitarra
Jimmy Bain: bajo
Vinnie Appice: batería
Claude Schnell : teclados




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EDWARD ARTEMIEV - Moods - Pictures (1983) (colaboración J.J. Iglesias) rock electrónico

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Este verano lo he invertido en adentrarme en la jungla electrónica prog avant Soviética de los 70. Tuve que parar a tiempo porque ya se me estaba poniendo cara de hijoputin!!! Aunque a Edward Artemiev ya lo conocía desde hace años....y él a mí!!!! En los 90 estuve en contacto con su hijo, Artemiy Artemiev, también un excelente sintetista que ha hecho álbumes conjuntos con Peter Frohmader. Guardo como oro en paño sus cartas escritas a mano, contándome "la otra" política social rusa. No seguiré. No quisiera poner en aprietos a nadie.Artemiy tuvo el detallazo de mandarme los cds de su padre, firmados y dedicados a mi persona!!!


Este grandísimo compositor, formado en las mejores academias de música clásica de su país,  es una autoridad en contemporánea,  vanguardia, bandas sonoras y electrónica.  Comenzó su interés por ésta última en los lejanos 60. En 1967 compuso su primera pieza con el sintetizador soviético ANS. Algún día de éstos hablaremos de él por su particular naturaleza. En los 70 puso música irreal a famosas películas de Andrei Tarkovsky: "Solaris", "Zerkalo" y "Stalker". Además de a otras muchas producciones de su país. En el 2014 inauguró y cerró  los Juegos Olímpicos de Invierno con su música.  Con una cosecha de premios innumerable, Artemiev es una leyenda. Este año ha editado "The Heritage of Love", demostrando su plena actividad a sus 79 años.


"Moods-Pictures" se compone de 18 pequeños trazos musicales extraídos de varias colaboraciones audiovisuales. Acostumbrados a largas suites electrónicas,  he preferido en ésta ocasión elegir uno de sus muchos álbums,  en que la inmediatez del corto espacio de tiempo diga mucho, en crono limitado.

Los primeros tres cortes pertenecen a "Siberiada", con corpulento aporte de solos de guitarra. Muy progresivo, entre Froese/Floyd anda el juego.

Otros momentos de altura son "Fox Hunting", sinfonica pieza a la Schulze. "Credo" añade a The State Orchestra of Cinematography. También tenemos tres cortes del film "The End of Eternity", puro space electronic rock. Los soundscapes son  otro de sus fuertes,  y en "Dialog With a Computer" tenemos un bello ejemplo.


En general se trata de un trabajo electrónico  que báscula entre  lo progresivo y sinfónico, , y la Escuela de Berlín. En ésta ocasión. Porque Edward Artemiev es el Presidente de la Asociación de Música Electroacustica en Rusia.

Un todoterreno que se adapta a las superficies más rocosas. "Moods-Pictures" camina por la senda de los Dream años 80, Vangelis 70s, The Enid, Tomita, Schulze o hasta el Jarre más académico. Pero con el indeleble sello soviético de un sintetista con su propio estilo. Un grande.

P.D. - " Me gusta dar conciertos. Tal vez sea como un futbolista. Jugar en un partido real frente a miles de personas es verdaderamente mucho más emocionante que el entrenamiento diario" (KLAUS SCHULZE)




Temas
1 Siberiada 6:16
2 Swing 3:02
3 Fire 3:47
4 Looking After The Victim 3:02
5 Kamchatka - Grand Voyage 3:37
6 Fox Hunting 3:53
7 Premonition 2:26
8 Polygon 4:32
9 Credo 2:29
10 Aria 4:51
11 A Road To Nowhere 4:37
12 The Well Of Eternity 3:58
13 Lullaby 3:22
14 Serenade 4:58
15 Dialog With Computer 4:06
16 Vocalize 3:34
17 Top Of The World 3:14
18 Peregrini 6:37



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Vytas Brenner (Ofrenda) ‎– Jayeche 1975

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Vytas Brenner tuvo que abandonar a los 3 años de edad su Alemania natal debido a la persecución nazí  en la segunda guerra mundial. El destino depararía que su carrera musical la desarrollase en Venezuela.


La trayectoria discográfica de Vytas Brenner comenzó en 1966 con la grabación en España de un EP junto a Toti Soler y Jeanette. Su primer disco, " La Ofrenda de Vytas Brenner", llegaría en el 73 y un año más tarde el segundo, "Hermanos". En ambos mezclaba la música progresiva con las raíces folk venezolanas.  Consolida su banda musical bajo el nombre de "Ofrenda" y editan en el 75, "Jayeche". La gira de promoción se vería plasmada en un doble Lp, "Ofrenda en vivo con Vytas BRENNER" (1977).  Ese mismo año se disolvería la banda. Vytas vuelve con otro disco en solitario,"Ofrenda" ( para liarla más, podía haber escogido otro título). a partir de ese momento Brenner iría dando tumbos editando discos de diversas corriente musicales y con una calidad más que dudosa. Lamentablemente muere de un ataque al corazón en 2004 a los 57 años de edad.


 Vytas Brenner con su Banda, Ofrenda, nos ofrecen sonoridades jazz - rock mezcladas con aíres venezolanos y con un poco de experimentación electrónica. Los dos primeros temas , "Cariaco" y " Sancocho De Medula", son un buen exponente de lo mencionado. Vytas al más puro estilo Chik Corea.  La relajación llega con " La Restinga Playa De Agua" y "Canchunchu Florido".  Un gran tema jazz-rock, "Por Electrón", aunque le sobre algún elemento electrónico.  La parte experimental la tenemos en "Jayeche", que podría entrar perfectamente en la sección "Ensayos sobre un sonido" de nuestro amigo J.J.  Los aires folclóricos los tenemos en "Catacumbo". El penúltimo tema fue un verdadero éxito en Venezuela, "Caracas Para Locos", por su carácter reivindicativo. El disco finaliza con "Avila", nuevamente influencias jazz-rock con elementos electrónicos.




Temas
A1 Cariaco 00:00
A2 Sancocho De Medula 04:23
A3 La Restinga Playa De Agua 06:28
B1 Canchunchu Florido 19:17
B2 6 Por Electron 20:59
B3 Jayeche 24:18
B4 Catatumbo 26:42
B5 Caracas Para Locos 29:00
B6 Avila 34:00

Formación
Ivan (El Terrible) Velasques: batería
Carlos Acosta: bajo
Pablo (Zenith) Manavello: guitarra
Vytas Brenner: teclados




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SPINETTA - JADE - Bajo Belgrano (1983) (colaboración J.J. Iglesias)

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Ya tocaba. Al menos para mí. Tenía que enfrentarme a mis demonios y recordar al más GRANDE que dio Argentina. Piazzolla,  Tanguito, Nebbia, Abuelo, Pappo,  García , Gabis,  Porchetto...Si,  grandes genios. Pero ninguno a la altura de El Flaco. El fue poesía. El fue música y genialidad en su propia naturaleza.

 Y tuve la inmensa fortuna de conocerlo personalmente. En el rato que estuve con él me transmitió muchísimo. Era como si nos conociéramos de siempre. Tremendamente modesto. "Ojalá hubiera shegado sho en la música donde llegó Guillermo (Vilas) en tenis". A mi pregunta sobre la amistad que les unió durante un tiempo. Y que fructifico en su único disco en inglés,  "Only you can Sustain", para el mercado USA (fuertemente influenciado por Gino Vanelli), y con el apoyo y management de Vilas. 

"Vos tenes los discos mejor conservados que sho! ". Y me escribió una preciosa dedicatoria distinta en cada uno de ellos. Uno de mis mayores tesoros. Era 2002. Quien iba a decir que le quedaban diez años de vida. Ante no más de 50 personas, en Zaragoza, estaba a un metro de mí un tío que te llenaba el Estadio de Obras en un suspiro. Qué lujo. Y qué conciertazo, sublime,, como siempre.

En los finales 60 fundó en plena psicodelia, Almendra. Acostumbrado a las dictaduras y golpes, siguió impertérrito  y con dos cojones luchando con su mejor arma, la inteligencia de sus letras y evocadoras músicas. Hard rock blues con Pescado Rabioso. Rock progresivo con Invisible. Pero en el 77 edita a su nombre la masterpice "A 18* del Sol", inmerso en el jazz rock. Estilo que ya no abandonará. 

Crea Spinetta -Jade  en los primeros 80 y editan cuatro discos, hasta su disolución en el 84. Pero esa particular fusión spinettiana se mantiene en sus discos en solitario. Aún en los 90, los compatibiliza con una vuelta al hard psych de Los Socios del Desierto, power trío de orientación lisergica, como claman sus iniciales.

"Bajo Belgrano" vino en el 83, tras dos joyas como "Alma de Diamante" y "Los Niños que Escriben en el Cielo", maravillas absolutas. Simultáneamente había editado en solitario "Mondo Di Cromo", y presentaba ambos discos en vivo a la vez. Spinetta se encargaba de guitarras, voz y producción.  Leo Sujatovich al piano acústico y eléctrico  Yamaha, Rhodes, Prophet V y Synergy. Pomo (ex-Invisible) estaba en la batería.  Y César Franov al bajo con y sin trastes. Osvaldo Fattorusso era invitado a la percusión. 


"Canción del Bajo Belgrano " (su barrio de siempre), nos mete en su universo costumbrista, pero observador implacable. Los teclados son un bálsamo a sus melodías,   y la sección de ritmo se te come a besos. Así durante todo el disco. Decadente nostalgia. "Vas a Iluminar la Casa", con sabor a Return to Forever, pronto pasa a propiedad de Luis Alberto. La voz es poesía. Su poesía es alma. Y su alma nos la ofreció a todos. Infinita generosidad. Curioso que el comienzo de "Every Breath you Take" policíaco,  se convierta en una hermosa dedicatoria a las Madres de Plaza de Mayo en "Maribel se durmio". El disco entero es un reflejo en carne viva de su momento, allá en una Argentina dominada por militares, y la guerra de Las Malvinas.

"Vida Siempre" es el momento intimista  y descarnado que tan bien manejaba El Capitán.  El instrumental "Ping Pong" nos recuerda los prodigiosos músicos  que siempre han acompañado su carrera. Gusto para todo.  "Mapa de tu Amor" demuestra su admiración a otro Maestro, el gran Gino Vanelli. Más escrutinio social adornado de música aterciopelada es "Resumen Porteño". "Era de Uranio" hoy es ya un clásico spinettiano. "Cola de Mono", inteligencia hecha sonido. Y "Viaje y Epílogo " te deja en el país de ninguna parte, lleno de sensaciones agridulces , pero también maravillosas.
"Madre en Años Luz" será el cuarto y último de Spinetta-Jade. Pero la racha seguirá. En TODA su obra.
Tras mamoneos de la prensa nazi-on al, ofrecía un comunicado a través del teléfono de su hijo Dante:
"No tomen en cuenta las noticias que han generado los buitres de turno. No tengo ninguna red social, ni Twitter, ni Facebook....Por lo tanto todo lo que lean al respecto es falso. Pertenezco a Conduciendo a Conciencia, y les recuerdo que ahora en fiestas, si van a conducir no deben beber. Gracias. Los quiero mucho. Felices Fiestas. Luis."

Murió un maldito 8 de febrero de 2012 , a los 62 años. A consecuencia de un cáncer derivado de su pasión por el tabaco. Como el tío Frank, otro genio.

Descubrir su música fue una epifanía para mí,  en los 90.
Me cambió. Su muerte, la que más he sentido de un músico, hizo que me alejara de sus discos. Hasta hoy. Por culpa de Rockliquias y sus lectores. Gracias, cabrones. Me hacía falta. Sí , tuve la inmensa suerte de conocerlo.....así cómo puedo esperar que me toque ya nunca la primitiva?!!!!!




Temas
Canción de Bajo Belgrano 0:00
Vas a iluminar la casa 3:34
Maribel se durmió 6:47
Vida siempre 9:25
Ping pong 15:20
Mapa de tu amor 20:09
Resumen porteño 24:53
Era de uranio 28:52
Cola de mono 32:14
Viaje y epílogo 36:35




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PAIKAPPU (colaboración Alberto Torró) rock progresivo japonés

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Pieza muy rara grabada en 1983 y la única de la que hay constancia en el mercado. Paikappu son un extraño grupo instrumental de cinco miembros que practican una música instrumental que podríamos encuadrar entre lo psicodélico, el space rock o la head music. Con lo dicho podría parecer que es música de corte atmosférico e improvisado. Pues en absoluto. Las composiciones están perfectamente estructuradas y resultan bastante dulces y melódicas. 

Destacar un excitante empleo del sintetizador moog, pasajes que rozan lo orquestal y sinfónico con una guitarra muy etérea a lo Hackett vo Gilmour y un curioso empleo de la percusión e instrumentos autóctonos como el koto. A pesar de que a veces pueden parecer como una antigua versión de los Ozric Tentacles o Steve Hillage, su música está mucho más controlada a nivel composición y no es tan alocada como la de los británicos. Muy originales.





Temas
1 A Glimpse Of Time 00:00
2 The World With No Rule 06:05
3 Previous Life 12:40
4 Dance On Ice In The Night 21:00
5 In The Subconsciousness 25:50
6 Dark Night 30:30
7 Bulk Mischief From The Beginning Of Man 36:15





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FRANK ZAPPA: THING FISH (1984) / FRANCESCO ZAPPA (1984) (colaboración Alberto Torró)

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THING FISH (1984)
He dudado en comentar este triple álbum y en realidad casi no lo voy a hacer porque sinceramente no sé por dónde  cogerlo ni que decir de él. Una ópera…? Un musical de Broadway…? Una astracanada…? No tengo ni idea sinceramente. 


En los 80´s cuando cayó este disco en manos de los colegas zapperos  lo llamábamos “la patata”. Aquí hay de todo menos música. Pero diálogos, comentarios y narración hasta aburrir. Para los estadounidenses y el americano del día a día tendrá su gracia porque es la típica sátira al país de la Coca Cola y para los que vamos justitos con el inglés, ni te cuento.



 FRANCESCO ZAPPA (1984)

Según reza esta historieta, Frank encontró información en una biblioteca de Los Angeles sobre un desconocido compositor italiano del barroco, que curiosamente tenía su nombre. No sé qué hay de cierto en esta historia o se trata de otra de sus bromitas para llamar la atención. Lo cierto es que a mí me sorprendió que de repente se interesase por la música del 1700. Zappa ya se había agenciado el famoso Synclavier, que es, digámoslo de alguna forma, el padre original de los que hacemos música a través de programas de ordenador. El synclavier en origen era una especie de sampler de muestreo de sonidos analógicos pasados a sistema digital. Para entendernos una especie de teclado master con sonidos externos pregrabados en cintas digitales o parecido. El caso es que el sonido del synclavier podéis apreciarlo en este disco. El sonido es completamente híbrido y metalizado aunque intente imitar bien los instrumentos del barroco como el clave o clavecín o las violas de gamba. 


Este álbum no va más allá del capricho anecdótico de nuestro querido Frank, que por entonces debía estar algo aburrido. Zappa empleó el modelo más moderno de Synclavier Digital System, lo último para la época. La obra consta en breves movimientos entrelazados a modo de suites en el estilo añejo nervioso y cantarín típico de finales del siglo XVIII. Para curiosos o irredentos juramentados del bigotes.








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ENRIC BARBAT - 4 (1983) (colaboración J.J. Iglesias) rock español

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El barcelonés Enric Barbat perteneció al grupo Els Setze Jutges en los primeros 60. Allí se reunían cantautores catalanes con un par (en aquellos grises días ), para dar inicio a la canción protesta. O en el caso de Barbat, de orientación Brassens y canción francesa. No hay que ser muy perspicaz para ver allí la semilla de lo que sería  la Nova Canço. Máxime cuando entre sus integrantes, estaba un tal Joan Manuel Serrat. Tras ésta aventura y ya en los 70, Barbat haría equipo con Guillermina Mota, cantando tangos en catalán. Editaria un buen número de Eps. Formaría parte del elenco intelectual que supuso la llamada gauche divine, impulsada por el sin par Oriol Regas (recomiendo su autobiografía ) en el mítico garito Bocaccio. Que también sería sello discográfico y lanzaría a Iceberg. Barbat era un fijo de la noche bocacciana. Entra en La Rondalla de la Costa, donde estaba la creme del roc laieta. Y utiliza como banda de acompañamiento habitual para sus recitales nada menos que a Barcelona Traction.

Ya en los 80, aparece el album que da número cronológico a su título : "4". Y esta vez acompañando  por dos pesos pesados del progresivo hispano. Carlos Carcamo (ex-Granada), a los teclados y arreglos. Y Manuel Rodríguez  (ex-Imán Califato Independiente) en las guitarras. Enric Barbat pone letra y música. Produce Julio Palacios en los estudios Trak de Madrid, y edita Philips.

Se trata de cuatro largos temas, dos por cara, que navegan por aguas electrónicas,  aunque de sabor progresivo-sinfónico. "Matinada" (8'20) contiene bellos pasajes referenciales a Camel, Anthony Phillips, Nick Magnus o Nektar. La profunda y sentida voz en catalán de Barbat pone el definitivo sentimiento (oscuro), muy bien abrigado por la excelente música. No da la sensación de ser un álbum "de cantautor". La voz no lo inunda todo. Y hay espacio para tremendos pasajes instrumentales. En este sentido, un diez para el productor. Sólo un pequeño "pero". Las baterías artificiales serían lo más del momento, pero no han envejecido tan bien como el resto de música. 

"Midagia" (8'21) entra con épicos teclados de indumentaria alemana. Arropados por acústica,  en un bellísimo momento introspectivo. Las baterías están más conseguidas en ésta ocasión. Finísima la guitarra de Manuel  "Iman", cercana a las formas de Jean-Pascal Boffo, Alain Markusfeld o incluso Steve Hackett.
Volvemos la placa y pinchamos "Capvespre" (8'37), con excelentes pasajes sintetizados a cargo de Carlos Carcamo. Preciosa y purista composición kraut que podría estar en un vinilo con la galleta del sello Brain, Ohr  o Sky. 

La voz de Barbat resulta inquietante, y sugiere desesperación urbana. El ex-Granada se sale con los sintes. Finalmente "Nit" (7'26) continúa con la hegemonía sonora de Carcamo. Mientras Barbat canta-recita sus sombrías neuras metafísicas. Al fin la elegancia hecha guitarra de Rodriguez se hace notar. Y aquello se acerca a un paroxismo sinfo que encantaría a los viejos Kaipa ( o a su versión "tribute" actual, Kaipa da Capo ).


Lástima que el dúo Carcamo/Rodríguez no formara equipo para un grupo, porque su conjunción era brillante.

"4" es un incomprensible "long lost", escasamente mencionado en las sagradas escrituras del progresivo español, y de calificación media-alta. Casi comparable a los primeros trabajos de Peter Gabriel (en algunos momentos lo clavan) o a explosivo plástico detonado y firmado en su autoría por Peter Hammill.

Tal vez su tardana fecha ( los 80 no eran horas), le restó la importancia que debió merecerse. Enric Barbat murió en 2011, dejándonos éste curioso papiro vinílico,  más acorde con los progresivos 70.




Temas
1 Matinada 8:20
2 Migdia 8:21
3 Capvespre 8:37
4 Nit 7:26



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JAMES GANG - Live in Concert(1971)

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James Gang fue una banda procedente de Cleveland que tuvo el honor de tener entre sus filas a dos magníficos guitarristas, Joe Walsh y Tommy Bolin. Hoy recordaremos uno de los conciertos del grupo con Joe en Septiembre del 71.

En 1971 James Gang ya tenía tres discos a sus espaldas ("Yer' Album", "James Gang Rides Again" y "Thirds"), el último editado en Abril de ese mismo año. Ese verano realizan una gira por Europa coincidiendo con grupos como Kinks, Humble Pie, Led Zeppelin,  Grand Funk Railroad, etc. Joe Walsh no se encontraba comodo en el  grupo por ello en Diciembre decide dejar la banda.


La grabación nos presenta la actuación de James Gang en el Carnegie Hall, New York , en Septiembre de 1971. Con una banda en formato de "trio" (Jim Fox, Dale Peters y Joe Walsh) donde Joe  llevaba las riendas guitarreras y vocales. El setlist está compuesto por "Stop", una versión publicada en su primer disco. El segundo corte, ""You're Gonna Need Me"", es un tema del bluesman Albert King,  pirotecnia blusera   a manos de  Walsh . Volvemos a sus orígenes con " "Take a Look Around" y Joe  tocando el Hammond. Su segundo disco está representado con "Tend My Garden" y  "Ashes, the Rain and I". El penúltimo corte, ""Walk Away"" pertenece a su tercer larga duración, "Third". La sesión finaliza con una extensa versión (18:20) del tema de los Yarbirds, "Lost Woman". por supuesto el corte más destacable de la grabación. Existe alguna otra versión del concierto con el setlist completo pero su sonido deja mucho que desear.




Temas
1. "Stop" (Jerry Ragovoy, Mort Shuman) 4:05
2. "You're Gonna Need Me" (Albert King) 7:30
3. "Take a Look Around" 3:50
4. "Tend My Garden" 3:45
5. "Ashes, the Rain and I" (Dale Peters. Walsh) 2:40
6. "Walk Away" 3:30
7. "Lost Woman" (Jeff Beck, Chris Dreja, Jim McCarty, Keith Relf, Paul Samwell-Smith) 18:20

Formación
Joe Walsh – guitarra, voz, teclados
Dale Peters –bajo, voz
Jim Fox – batería, voz





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FABIO FRIZZI - Paura Nella Citta dei Morti Viventi (1980) (colaboración J.J. Iglesias) cosmic music

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Estamos en días propicios, así que toca hablar de esos "otros" sintetistas. Ya han pasado por aquí "los de bata blanca", pioneros de los 60 y más allá. Hoy hablaremos de "los de alfombra roja". Compositores-teclistas que se han dedicado activamente a poner música en el séptimo arte.


El mismo Edward Artemiev de la semana pasada, Vangelis, Trevor Rabin, James Newton Howard, Dave Lawson (Greenslade), John Carpenter...e incluso Tangerine Dream o el mismo Keith Emerson.
Pero en Italia le echan algo especial al agua. Para empezar, tienen al más grande, Ennio Morricone. En los 70, con la fuerte irrupción del cine de terror italiano, el Giallo, (que copiarian vilmente en USA para sus Slashers, tipo "Halloween" o "Viernes 13"). Aparecen brillantes músicos que dotaran de importancia vital la tensión de sus filmes.

Entre el grueso del pelotón,  destacan tres directores: Mario Bava,  Darío Argento y Lucio Fulci. Para Argento, serán Goblin, con su teclista Claudio Simonetti al frente, los encargados de hacer temblar a los espectadores en sus butacas. Mientras que Fulci echará mano del compositor y teclista Fabio Frizzi para filmes tan encantadoramente casposos (eh, que me gustan!), como "Nueva York bajo el Terror de los Zombis" (1979), "El Más Allá " (1981) o  la que hoy traemos, " Miedo en la Ciudad de los Muertos  Vivientes" (1980).

Tanto Frizzi como Simonetti tienen fuertes conexiones estilísticas. Que se parecen un huevo, vamos. Ambos coinciden en tiempo y lugar, además de conocerse mutuamente. Quién imita a quién? Yo diría que es una alimentación artística mutua y recíproca. Simonetti quizá se llevó la fama. Fabio Frizzi gusta de usar en intervalos breves, arreglos orquestales. Pero la ayuda de una clásica formación de rock suele ser lo habitual en él también. A juzgar por su amistad, quizá hasta los propios Goblin. Esto es algo que no he podido descubrir. Por lo visto, otro teclista de Goblin, Maurizio Guarini, le descubrió a Frizzi los monstruosos CP80 y CS80 de Yamaha. Nuestro hombre se entusiasmó con los trastos, y empezó a coleccionarlos de manera compulsiva: Prophet 5, ARP 2600, Oberheims, Roland Júpiter 8, Vocoder, Mellotron (a mansalva), Solina, Fender Rhodes, Mini Moogs....


"Paura Nella Citta  Dei Morti Viventi" es una de las joyas del coleccionismo de bandas sonoras de terror italianas setenteras. Y hay unas cuántas. Excelentes pasajes de misteriosa flauta, profundos y graves sientes, guitarras floydianas por el lado eléctrico,  acústicas oldfieldescas, mellotron de ultratumba, grand piano de castillo encantado con fondo de cuerdas inquietantes.....Y hasta los bajos funk tan en moda en las space prog bands del momento. Esto último para subrayar persecuciones o escenas de acción,  intuyo. Como casi toda banda sonora, tenemos 10 cortes no extensos, con el hilo conductor de la película en sí. "Apoteosi del Mistero" fue versionada por Morte Macabre para su masterpiece "Symphonic Holocaust".

No tienes que ser un entendido en materias zombi, (ni hacer quedadas de mamarrachos disfrazados como tal), para disfrutar ésta increíble música. Muy superior a su soporte visual. Otra variante excepcional de la cosmic music. 

2017 verá la 50 Edición del Festival de Cine Fantástico de Sitges. Y para comenzar las celebraciones lo harán con el gusto que les caracteriza. Éste 1 de Noviembre estará el mismísimo Fabio Frizzi a los teclados y con su orquesta, en el Cine Phenomena (apropiado!) de Barcelona.

Ésta música dotaba de una personalidad abrumadora a pelis de serie B, comiéndole las vísceras creativas a minundis tipo "Walking Dead"!!!

P. D. - "De hecho muchas veces un pasaje musical descriptivo te puede sugerir una escena. Con "Halloween" fue así " (JOHN CARPENTER).




Temas
A1 Introduzione-Paura-Liberazione 
A2 Fatti Misteriosi 
A3 Irrealtà Di Suoni 
A4 Occhi Di Brace 
A5 Verso L'Alba 
A6 Paura Vivente (Alternative Version, Previously Unreleased Bonus Track) 
A7 Verso L'Alba (Alternative Version, Previously Unreleased Bonus Track) 
A8 Apoteosi Del Mistero (Alternative Version, Previously Unreleased Bonus Track) 
B1 Apoteosi Del Mistero 
B2 Suoni Dissonanti 
B3 Paura Vivente 
B4 Paura E Liberazione 
B5 Tenebre Viventi 
B6 Verso L'Alba (Alternative Version 2, Previously Unreleased Bonus Track) 
B7 Verso L'Alba (Alternative Version 3, Previously Unreleased Bonus Track) 
B8 Verso L'Alba (Alternative Version 4, Previously Unreleased Bonus Track) 
B9 Occhi Di Brace (Alternative Version, Previously Unreleased Bonus Track) 



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Dalton ‎– Riflessioni: Idea D'Infinito 1973

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El refranero español es muy sabio  y nos podría definir perfectamente  el disco de los DALTON:
"La esencia fina se vende en frasco pequeño" o también "Lo bueno, si es breve, dos veces bueno". Con apenas 28:11 este disco nos traslada al paraíso italiano del progresivo.


La banda se formó en 1972 y en sus filas se encontraban: Temistocle Reduzzi (teclados), Aronne Cereda (guitarra), Alex Chiesa (flauta, voz), Rino Limonta (bajo) y Walter "Tati" Locatelli (batería).  En el 73 editan su primer disco, "Riflessioni: Idea D'Infinito". Ese mismo año ganan el Pop Festival de Zurich.  Como siempre cambios en la formación, Reduzzi y Alex Chiesa son reemplazados por  Giancarlo Brambilla ( teclados) y Massimo Morett (voz). Su segundo disco llegaría en el 75, "Argitari" y cuatro años más tarde dejarían de existir. 


El disco se compone de ocho temas unidos por una breve melodía de flauta. Sonido netamente  progresivo italiano. En su primer tema, "Idea D'infinito", destaca sobre todo la flauta de Alex Chiesa al estilo Ian Anderson. " Stagione che muore" sigue la línea del primer tema con un buen desarrollo instrumental. La balada la tenemos en "Cara Emily", emotiva como todas las baladas italianas. Hay que despertarse y que mejor manera que hacerlo con "Riflessioni", riff hard rockero a lo Martin Barre. Nuevamente toca relajarse con "Un Bambino, Un Uomo, Un Vecchio". El disco se cierra con "Dimensione Lavoro", el tema más largo que sirve para el lucimiento de sus componenetes especialmente Temistocle Reduzzi (teclados) , Aronne Cereda (guitarra) y Alex Chiesa (flauta, voz).




Temas
Idea D'Infinito 00:00  
Stagione Che Muore  04:50 
Cara Emily 09:11 
Riflessioni 14:04 
Un Bambino, Un Uomo, Un Vecchio 17:40 
Dimensione Lavoro 21:32

Formación
Temistocle Reduzzi : teclados, voz
Aronne Cereda guitarra, voz
Rino Limonta : bajo, voz
Tati Locatelli: batería, voz
Alex Chiesa : flauta, voz





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ELLISON - Ellison (1971) (colaboración J.J. Iglesias)

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Atención, sujétensen los cinturones. Hard rock canadiense de primeros 70 habemus. 


Ellison se formó en Montreal  a finales del 67. Vincent Marandola (voz, guitarra) y su amigo de la infancia, Richard Arcand (bajo), habían formado el trío Jimmy Peace. Pero en el 69 reemplazan al batería original por Robert Cager  y agregan a Christian Tremblay como segundo guitarra. Entonces es cuando cambian el nombre definitivo a Ellison. 

Su único disco resultó un prensaje privado que en su momento le hicieron tanto caso como yo a los informativos. Hoy es un codiciado objeto de coleccionistas, habiendo sido reeditado en vinilo por Gear Fab y Guerssen.

La banda actuó frecuentemente por su área, siendo conocidos, pero sin sobrepasar más fronteras. Se separaron en el 73 visto el poco futuro (y presente, y pasado), que veían los chavales


"Unchange World" es puro rock pesado al modo de Dust, Sir Lord Baltimore o Bang. La voz de Marandola es un poco bastante macarra, pero eso hasta les favorece en su estilo. Buen juego de guitarras y sección de ritmo cumplidora. 

"Seal a Beam Bow "posee pensados arreglos que los separa de la manada hard de aquellos días. Proto-progresivo duro con melodías blues. "Satanic" se acerca mas a la forma de entender el estilo en England. Boogie blues cañero disparado con efectividad. Stray,  Hustler o Status Quo  (el Frantic Four), serían buenas referencias. En "Winter Slutch" se moderan los ánimos con un medio tiempo bien construido, en el que bajo y batería  destacan en sus dibujos rítmicos. El sólo de guitarra podría ser de Buck Dharma.

"Strawberry Pain" nos demuestra, llegados a éste punto de audición,  que lo de Ellison no era sólo caña burra gratuita.
Aquí hay chicha compositiva, si bien la melodía vocal se parece en exceso al tema anterior. Es éste material underground no muy alejado de lo que sería  la NWOBHM diez años más tarde.

Los seis minutos de "Untruth Story" la convierten en la más larga del lote. Otra vez me viene a la mente Blue Oyster Cult por su estructura nada comercial, pero a la vez atrayente. Y su juego de guitarras proclama victoria con amplia desenvoltura. Probablemente es el mejor tema del álbum.

"Freedom" hoy sería llamado "americana", por su tratamiento acústico con armónica incluida. La verdad es que este tipo de piezas eran frecuentes en la época. Tiene sabor a Black Oak Arkansas. No está mal, para terminar éste corto álbum.

Richard Arcand falleció en 1997. Y poco más se sabe de este cuarteto. Sin ser una maravilla de sobresaliente, "Ellison" se deja escuchar y gana con sucesivas pinchadas.

Si las referencias expuestas son de tus gustos, o Brownsville Station, Silverhead, Nutz o Buffalo, puedes pasar un buen rato en su compañía. 




Temas
1. Unchanged World 
2. Seal A Beam Bow 
3. Satanic 
4. Winter Slutch 
5. Strawberry Pain 
6. Untruth Story 
7. Freedom

Formación
Richard Arcand - bajo
Vincent Marandola - voz, guitarra
Robert Cager - batería
Christian Tremblay - guitarra




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MIDAS (colaboración Alberto Torró) rock japonés

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Típica agrupación que nace en los 80’s en la línea del sinfonismo neo prog y con mucha deuda marillionera en la rítmica y en los arpegios de sintetizador, aunque afortunadamente bastante menos comerciales.


Lo que los diferencia, entre otras cosas del neo prog inglés, es por una parte, la inclusión de violín como parte importante de la sección solista, y un uso mucho mayor y más complejo de los teclados. Los pasajes instrumentales son muy largos y elaborados y desde luego también cantan. Lástima porque la voz es masculina y en eso si que flojean los japoneses. Las chicas japonesas, aparte de atractivas físicamente, agradan con su voz mucho más a nuestro sufrido oído y por supuesto a nuestra vista, La música de Midas parte de diferentes fuentes musicales. Dicho de otra manera, tienen más base argumental y más jugo compositivo de lo que la superficialidad característica del neoprogresivo suele ofrecer. Los colchones orquestales del teclista, permiten que el violín se oriente mucho más por estructuras sinfónicas que de fusión, como ocurre en otros colegas suyos como es el caso de los KBB. Musicalmente son correctos y se adentran en vericuetos interesantes pero lejos del nivel de virtuosismo de otras bandas que ya hemos visto.


Es inevitable la diferencia estructural entre décadas y de hecho podemos notar y comprobar la superioridad técnica de los grupos a partir de los 90, donde desde luego, con notables excepciones por ello, hay que admitir que el avance de las nuevas tecnologías tiene mucho que ver.

En el caso de Midas éstos alargaron sus grabaciones en el tiempo y eso se nota de un disco a otro.


Suelen calificar a “Beyond The Clear Air”, su primer trabajo (1988), como el mejor. No estoy de acuerdo, ya que las piezas de su segundo disco en 1996, me parecen mucho mejores y más maduras, donde desaparecen esos ecos a lo Mark Kelly y ese ”drama forzado” teatrero.

Las siguientes grabaciones se orientan mucho más en las ondas modernillas del tipo fusión jazz-rock pero sin perder la épica.

Discografía:

Beyond The Clear Air (1988)






Midas II (1996)



Third Operation ( 1999)



International Popular Album (2000)



                                       In Concert (2002)




25th Anniversary Concert & Early Rare Tracks (2009)

Touch The Clear Air (2013)






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FRANK ZAPPA: MEETS THE MOTHERS OF PREVENTION (1985) & JAZZ FROM HELL (1986) (colaboración Alberto Torró)

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MEETS THE MOTHERS OF PREVENTION (1985)

1985 fue un año de movidas políticas para Frank. La administración Reagan y en concreto las esposas de los mismos, quintaesencia de la mojigatería y la beatitud recalcitrante, pretendían que sus maridos creasen y aprobasen leyes para una férrea censura dentro de la música rock y sus letras. Como sabemos  Zappa ya estaba en el punto de mira del sistema porque tanto sus letras, espectáculos, música y comentarios ácidos, siempre habían estado dirigidos a la base misma de las instituciones más reaccionarias de la vida americana. La censura hacia su persona y sus actividades fue constante y con la llegada del ala dura republicana, raro sería que no intentasen hacerlo desaparecer.  EEUU, con toda su publicidad de libertades, es uno de los países conservadores más duros que uno pueda imaginarse. Su creencia religiosa roza lo infantil y sus valores tradicionales avergüenzan a cualquier país europeo por rancio que pueda considerarse. Su visión de la moral llega al ridículo y la estupidez. De hecho un Zappa europeo no habría podido existir. Un díscolo en el país del dólar sería el equivalente a un podemita tocando los cojones en el seno del PP. Los yanquis se escandalizan por cosas que en cualquier país europeo, salvo España claro, serían normales.


 Este es uno de los discos más politizados de Frank zappa y fue consecuencia de la caza de brujas a la que fue sometida su figura. Llegó a presentar una imaginaria (supongo) candidatura a la presidencia de EEUU y estaba más que cabreado por la idiotez congénita que las autoridades vertían sobre su persona y sus actividades. El defendió ante las instituciones su trabajo y tuvo que lidiar con los más tontos   de cada casa. La esposa de Al Gore fue una de las puritanas escandalizadas. La luz que vela por América, consideraron los discos de Zappa y otros músicos de la época, como aberrantes ejemplos de moral cristiana y de las sanas costumbres de la familia tradicional americana, algo  así como pornografía pura. Zappa para celebrar el evento sacó al mercado este disco. En lo musical Meets the Mothers no se diferencia mucho de otros de la misma época: piezas directas y fáciles con alguna excepción como What´s new In Baltimore o incluso Alien Orifice  buenos instrumentales del mejor Zappa.  Meets…  se abre con la pegadiza We´re turning again. Encontramos viejas glorias como Johnny Guitar Watson y regustos de jazz de salón como Yo Cat´s  y en general un disco ecléctico donde tendría ocasión de cagarla en los inaguantables 12 mtos de las guerras porno con más sátira política y social que música.











JAZZ FROM HELL (1986)

En Jazz From Hell volvemos al Zappa enredando con el synclavier aunque en esta ocasión en una línea más marciana y vanguardista. Por aquellas fechas los de Vibraciones le hicieron un reportaje y entrevista telefónica vía Barcelona- Los Angeles. El encargado fue Julio Murillo al que le eché una mano en las preguntas. Zappa no fue muy explícito en las contestaciones y bastante seco. Entre el no y el “no me interesa” anduvo la cosa. No estaba nada interesado en las músicas del momento y poco más nos dijo, salvo que trabajaba los 365 días del año y, a nosotros, por su adicción al trabajo, no se nos ocurrió nada mejor que darle el pésame y acompañarlo en el sentimiento. Julio oyó la risita detrás del teléfono. Aun le faltaban algunos años (pocos) para enfermar de lo contrario habría sido una broma de mal gusto por nuestra parte. 

   Jazz from Hell es un disco que aturde al oyente. La sobrecarga de líneas programadas y la cascada de notas enrevesadas, exigen una escucha y un desafío a la paciencia. Le debió entusiasmar el juguetito del synclavier. Como vio que el disco se le quedaba algo corto, añadió una pieza en directo con su grupo llamada St Etienne que no pega ni con cola en la línea del álbum. Un relleno sin más. En definitiva dos trabajos para coleccionistas y adictos a nuestro amigo de Baltimore.



Temas
1Night School4:48
2The Beltway Bandits3:23
3While You Were Art II7:16
4Jazz From Hell3:00
5G-Spot Tornado3:16
6Damp Ankles3:45
7St. Etienne6:05
8Massaggio Galore2:32







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ACCIÓN ROCK BAND ( rock español)

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Acción Rock Band fue una banda extremeña procedente de Badajoz y formada a mediados de los 70. Su formación inicial estaba integrada por Diego González (guitarra), Ricardo Bartolomé (bajo), Toni García (batería) y Luis Manuel Mangas (teclados).


Durante algún tiempo combinan sus actuaciones rockeras con verbenas y saraos, los rockeros también comen. En el 78 entra al grupo Enrique Fernández Medina como cantante. En 1981 les llega la oportunidad de actuar en el Cine Avenida, en el Barrio de San Roque, en Badajoz, con un equipo profesional de sonido.


 José María Casado queda impresionado por la actuación y decide apoyarles para grabar un disco. Este llegaría a finales de año siendo presentado en el Teatro Menacho. Surgen actuaciones junto a 091 e incluso en el 83 los podemos ver en la televisión en el programa Musical Express.




A mediados de los 80 la banda decide poner punto y final.  El 17 de Mayo de 2015 muere Enrique Fernández Medina.


En el disco podemos encontrar diversas sonoridades que van desde el rock al pop pasando por cierta onda progresiva.Los temas más destacados sin duda son " Blues Z" y "Cancion sin nombre", que podría recordar lejanamente a los Bloque.  En algunos momentos molestan un poco ciertos "efectos especiales" muy verbeneros.

Posteriormente se editó de forma extra oficial un disco en directo de la banda que contenía algunas versiones, "Hold the line" de Toto y "Get Back" de The Beatles.


Acción Rock Band (1981)




Temas
1.- Colores 00:00
2.- No puedo más 04:25
3.- Blues Z 07:44
4.- La Ultima carrera 14:07
5.- Cancion sin nombre 19:20
6.- Cerro de reyes 27:01
7.- Confundido 30:33
8.- El Impostor 35:03


Directo



Temas
1.- Hold the line
2.- Colores
3.- Blues
4.- Bien junto a ti
5.- Eres mi obsesion
6.- Get Back
7.- Soy un suicida
8.- No puedo más
9.- Almas de metal
10.- Putpurri rock




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TRAPEZE ‎– Live At Queens College 1971

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Con estos mimbres, Glenn Hughes, Dave Holland y Mel Galley, era difícil hacer un mal cesto. Eran jóvenes, Glenn (20) y Dave y Mel (23), pero con un futuro prometedor como posteriormente demostraron.
En 1.971 Trapeze, que había iniciado su andadura en el 69 como quinteto, se había convertido en un trío: Glenn Hughes (voz, bajo), Dave Holland (batería) y Mel Galley ( Guitarra). La banda ya tenía dos discos editados, "Trapeze" y "Medusa, y estaba en plena gira de promoción de este último y preparando su nuevo disco "You Are the Music...We're Just the Band" que vería la luz en el 72.


La grabación nos presenta el concierto de Trapeze el 27 de Marzo de 1971 en el  Colden Auditorium, Queens College, Flushing, NY, Ese día abrían para The Kinks. La música que podemos encontrar es un gran hard rock con tintes funk, como no podía ser de otra forma con la presencía de Glenn Hughes. Tenemos a un "power trío" donde la garra  de Glenn como cantante y bajista lo llena todo sin olvidar los magníficos riffs de Mel Galley y la contundente batería de Dave Holland.  El setlist está compuesto enteramente por temas de su segundo disco, "Medusa". El sonido es excelente aunque la batería queda un poco en segundo plano y el último tema, "Medusa", está cortado.




Temas
1 Black Cloud 00:00
2 Jury 05:38
3 Touch My Life 17:00
4 Seaful 24:00
5 Your Love Is Alright 32:52
6 Medusa 40:10

Formación
Glenn Hughes: bajo, voz
Dave Holland : batería
Mel Galley: guitarra, voz




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