ROCK LIQUIAS

Desde Asturias llegan este trío llamado Ethiva. Con una andadura suficiente como para no llamarlos unos recién llegados. Javi Lorenzo (guitarra, efectos), Jandro Losa (bajo, voz) y Ramón Fernández (batería) ya poseían un homónimo trabajo del 2013. Tras cuatro años de espera, llega "Sublime Island" para confirmar las buenas expectativas de su debut. La excelente portada ha sido obra de Héctor Castañon, y me recuerda poderosamente a los mundos fantásticos de Hugh Syme. Pero ni el portadista influyente, ni el hecho de que sean un trío, hace que Ethiva tengan nada que ver con Rush. Más bien definiría su laberíntica música como un compendio prog/psych de ciertos rasgos kraut.

Así comienza "Walk Among the Stars" (7'45), - así y con fluidos rosas ambientales-. Donde bajo y guitarra conversan en el espacio, hasta que voz y bateria rompen el intimismo cósmico. Se advierte enseguida en Javi Lorenzo un estilo personal en su manejo de las seis cuerdas y buena elección de efectos. Es curiosa la relación de influencias vintage y actuales. Por momentos pueden sonar a T2 y otros a los canadienses The Tea Party. Buena combinación. Y rara.

La cáustica guitarrera al comienzo de "While the Hills" (6'31) recuerda al gran Ax Genrich en los comienzos de Guru Guru . Y ese pensamiento se mantiene a lo largo de toda la energía desbordante que irradia el tema.

Nuevamente Pink Floyd "Meddle-era" conecta con la tensión rítmica de "Long Lost Friend" (7'17). Mientras que los zigzagueantes dibujos eléctricos podrían ser obra de Tony "TS" McPhee y sus inolvidables Groundhogs. A ese mismo nivel estamos hablando.

Damos la vuelta al vinilo (sí, hay editados como 200), y "Eslinga" (2'30) abre como un homenaje a High Tide.

La sección de ritmo de "Velvet Fog" (5"42) entra a quemarropa al estilo de Blue Cheer. Pero pronto es "psicoanalizada" por guitarra y voz hacia parajes lisergicos propios de la UK Neo Psych 90s ; Sun Dial, The Heads, Strobe o Dead Flowers en igual filosofía alucinógena.

La melodía es factor clave en Ethiva, como atestigua la magnífica "Emptiness" (8'19) y su colosal estructura de puro power trío krautie. Extraordinario gasto de energía eléctrica, bien utilizada. Finalizando con "One of Them" (2'21), en un esbozo instrumental digno de Neil Young.

"Sublime Island" es otro de esos discos del año a nivel nacional. De fecunda cosecha y rivalidad muy alta. Ethiva roza las excelencias de unos The Soulbreaker Company, con sólo tres miembros. Mucho decir, pensará alguno, pero absolutamente cierto. Y eso significa que los pone muy altos en la tabla clasificatoria de mejores bandas del país. Para mí, una sorpresa inesperada, que suelen ser las mejores.

J.J. IGLESIAS

Temas

1. Walk Among The Stars 00:00

2. While The Hills 7:45

3. Long Lost Friend 14:17

4. Eslinga 21:34

5. Velvet Fog 24:05

6. Emptiness 29:48

7. One of Them 38:07

Contacto:

Facebook:https://www.facebook.com/ethiva.banda?lst=100006119106205%3A100004747111892%3A1510998828
Bandcamp : https://ethiva.bandcamp.com/album/sublime-island

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En Rockliquias siempre hemos tenido cierta fascinación por las bandas procedentes del sol naciente. Nuestro redactor Alberto Torró dedicó un monográfico al rock progresivo japonés, comentando más de cuarenta grupos del género. Por mi parte también he rescatado algunas joyas niponas, entre ellas el BLUES CREATION - Live, proyecto del guitarrista Kazuo Takeda que tras su disolución se convertiría en CREATION.

En 1971 Blues Creation edita su último disco, "Blues Creation Live". Dos años más tarde Takeda forma una nueva banda, Creation, y realizan una gira por Japón como teloneros de Mountain. Felix Pappalardi queda impresionado gratamente con la fuerza interpretativa de la banda. En 1975 publican su primer disco, "Creation", con una portada que hoy en día no sería muy bien vista. Aparecían unos niños desnudos orinando. A finales de año Pappalardi decide ayudar al grupo en la grabación de su segundo disco. Los invita a su casa en Nantucket, Massachusetts y tanto él como su mujer, Gail Collins, se implican plenamente en la composición de los temas. La grabación ve la luz en abril de 1976, "Creation with Felix Pappalardi". Aún editarían un disco en directo, "Pure Electric Soul " (1977), antes de separarse.

Kazuo Takeda siguió sacando discos en solitario, más de veinte y trabajando como músico de sesión. Por su parte Felix Pappalardi continuó como productor hasta que fue asesinado por su mujer en 1983.

La grabación nos muestra el concierto de Creation en el Ebbets Field club en Denver el 30 de Julio de 1976. La actuación fue retransmitida por la cadena local de radio KCUV-FM . En cuanto a la música nos encontramos con una replica casi perfecta de los Mountain, y si tenemos en cuenta que en el bajo se encuentra uno de sus miembros, Felix Pappalardi, el circulo se cierra de manera perfecta. Escuchando temas como "Preachers’ Daughters", "Secret Power", "Dark Eyed Lady Of The Night" o "High Heeled Sneakers" nos parece oír al mismísimo Leslie West. Y para rematarlo una versión de más de veinte minutos del mítico tema de la banda de Long Island, "Nantucket Sleighride". Multitud de riff cargados de distorsión emulando al gran Leslie. Sin olvidarnos del relajado blues a lo Clapton en "As The Years Go Passing By". Sonido perfecto.

J.C. Miñana

Temas

01. Preachers’ Daughters (Pappalardi/Collins/Takeda) 4.31

02. Secret Power (Pappalardi/Collins/Takeda) 6.47

03. Dreams I Dream Of You (Pappalardi/Collins/Takeda) 4.24

04. Travellin’ In The Dark (To EMP) () 3.55

05. Reason To Believe (Hardin) 3.15

06. Dark Eyed Lady Of The Night (Pappalardi/Collins/Takeda) 5.07

07. As The Years Go Passing By (Harris) 7.15

08. Nantucket Sleighride (To Owen Coffin) (Pappalardi/Collins) 21.39

09. High Heeled Sneakers (Higginbotham) 2.14

Formación

Masayuki Higuchi : batería

Yoshiaki Iljima : guitarra

Shigeru Matsumoto (: bajo

Felix Papalardi: voz, bajo

Kazuo Flash Takeda : guitarra, voz

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Estamos en 1969 y un grupo de pirados freaks del barrio de Ladbroke Grove llamados Group X toman el escenario de All Saints' All, en Notting Hill Gate, con furia caníbal. El público, formado por unas 50 personas acostumbradas a las performances drogatas más esperpenticas, alucinan con éstos nuevos aliens. Poco después se llamarán Hawkwind Zoo, ya con un leal seguimiento friki de todo London. Fichan por UA, que andaban buscando sonidos bizarre para ponerse al día. Acortan el nombre a Hawkwind y comienza la leyenda.

Nick Turner, saxofonista desquiciado por John Coltrane y el hombre de los mil disfraces. Dave Brock, abyecta mente y cerebro del grupo a la voz, guitarra, armónica, percusión y loco de la ciencia ficción. Huw Lloyd-Langton, guitarra solista. John A. Harrison al bajo. Terry Ollis en la batería. Y Michael Davies, alias DikMik, como "miembro metido con calzador" en un principio. Éste era un roadie empeñado en entrar en el grupo, pero con la guitarra era imposible. Compra un audiogenerador de sonidos (ni siquiera un primerizo sintetizador) en Tottenham Court Road, y se presenta ante la banda. La manipulación de ondas sobre el conjunto musical del grupo consigue el efecto sci-fi deseado. La cosa funciona, y es admitido sin tener mucha idea, en un principio. Pero ésta casualidad hará que les consolide un distintivo sonido. Además de adelantarse muchos años a estilos que estaban por venir.

DikMik fue un total visionario. Y nos ha dejado éste mismo mes, uniendo sus noise generators al bajo de Lemmy y la guitarra de Lloyd Langton. Un nuevo Hawkwind interdimensional se estará formando en algún plano de la existencia.....

Los Hawkwind de 1970 entran en los Trident Studios con el guitarra de The Pretty Things, Dick Taylor, (fundador de The Rolling Stones), que acababa de dejar al grupo para tomarse un respiro como productor. Las majaradas del grupo andaban semi-organizadas, y Taylor opta por grabarlos en directo, viendo el desmadre sonoro que arman. Luego tocaría algunos bolos con ellos, antes de volver de nuevo con The Pretty Things.

"Hurry on Sundown" (4'55) casi es un blues entre Mayall y Dylan, pasado por la batidora LSD. "The Reason Is?" (3'30) apunta en dirección psych/ambient al estilo de Pink Floyd por esos días. Enlaza con "Be Yourself" (8'01) , puede que el primer corte grabado con típico "Hawkwind sound".

Saxo sobrevolando, sonidos anárquicos electrónicos, agilidad rítmica. ....una cosmic jam en toda regla. Casi imaginas cómo se lo montaron en el exterior del Festival de la Isla de Wight, donde improvisaron un escenario y un show que hasta llamó la atención de Jimi Hendrix, dedicando una canción al "tipo de la cara plateada" (Nick Turner). DikMik hace un uso simple, naif, pero muy inteligente de sus electronics y osciladores.

"Paranoia Part 1" (1'12) termina la primera cara con enigmáticas vibraciones. Que siguen en el otro lado en "Paranoia Part 2" (4'10) con delirante lisergia, aunque muy bien entendida musicalmente. Ésta se encadena a "Seeing It as you Really Are" (10'44), pura ciencia ficción -jam, con primitivos sonidos del audiogenerador (imitando al theremin), y adelantándose a Eno y muchos synth kraut wizards próximos. La intuición de DikMik es incontestable, y demuestra que un "no músico " puede aportar sabiduría como el mejor de los virtuosos. El saxo esquizo de Turner termina el trip llegando a buen puerto, casi de color carmesí. Por ultimo "Mirror of Illusion" (7'08) ayuda a conformar el clásico estilo Hawkwind todavía no enteramente definido. Ese mismo que se adelantaria al punk, gótico, industrial, techno, heavy, drone y yo que sé cuántas cosas más. A pesar de ser un primer álbum con todavía fuerte influencia floydiana, (en los bonus tienes una versión del "Cymbaline" nada desdeñable), fue un paso de gigante en el desarrollo del género prog/psych.

DikMik compartiría teclados con Del Dettmar (a consecuencia de un accidente de coche del primero que obligó a sustituirlo temporalmente). Y asistiría a la época dorada del grupo : "In Search of Space", "Doremi Fasol Latido" y "Space Ritual", del 69 al 73. Como el propio DikMik dijo : "Algunos miembros de la banda odiaban el debut, pero yo creo que fue el más musical que hicimos".

J.J. IGLESIAS

Temas

Hurry on Sundown (Brock)

The Reason Is? (Brock)

Be Yourself (Brock)

Paranoia -- Part 1 (Brock)

Paranoia -- Part 2 (Brock)

Seeing It as You Really Are (Brock)

Mirror of Illusion (Brock)

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El saxofonista danés Karsten Vogel lleva más de 50 años de carrera musical a sus espaldas . Afinales de los 50 estaba dando conciertos de jazz en diversas formaciones. En 1963 junto a sus hermanos forma un cuarteto que gana un concurso en Dinamarca. En 1967 forma Burnin Red Ivanhoe, banda progresiva que debuta en diciembre del 68 junto a Spooky Tooth. Su primer disco con esta formación se publica en el verano de 1969, "M 144", álbum doble que integra sonoridades del rock con el jazz y el progresivo. La banda se disuelve temporalmente en el 72 ya que parte de sus miembros se integran en un nuevo proyecto de Vogel, Secret Oyster.

La primera formación de Secret Oyster estaba integrada por Karsten Vogel (vientos), Bo Thrige Andersen (batería), Mads VINDING (bajo), Claus BØHLING procedente de HURDY GURDY (guitarra) y Kenneth KNUDSEN (teclados). Su presentación oficial se realizó el 12 de septiembre de 1972 en Montmartre, Copenhagen. Son fichados por la CBS y su primer disco , "Secret Oyster", ve la luz en el 73. Posteriormente llegarían "Sea Son" (1974), Vindunderlige Kælling (1975) y Straight to the Krankenhaus (1976). Más de 500 conciertos por todo el mundo y realizando giras junto a Captain Beefheart y Herbie Hancock entre otros.

Este primer disco de Secret Oyster fue grabado en Nibe, al noreste de Jutland, con un Revox de 2 pistas y en tan sólo tres días. La música que nos ofrecen es un jazz rock mezclado con tintes free jazz y progresivo en línea con formaciones del tipo MAHAVISHNU ORCHESTRA. El disco se inicia con el dinámico "Dampexpressen", gran riff rockero de Claus BØHLING compitiendo con el piano eléctrico de Kenneth KNUDSEN y los vientos de Vogel. Buen comienzo. "Fire & Water" nos sigue mostrando una banda de fusión jazz rockera con grandes musicos en un ambiente que podría considerarse de "jam session"."Vive La Quelle ?" es otra trepidante composición donde el batería Bo Thrige Andersen tiene su protagonismo. Nos relajamos levemente con "Blazing Laze" la más jazz de todo el repertorio, Vogel camina a sus anchas. Llegamos al mejor tema de la grabación, "Public Oyster", los cinco maestros dándolo todo y compitiendo entre ellos. Once minutos de deleite jazz rockero. "Mis(s) Fortune", tema compuesto por KNUDSEN (teclados) para su lucimiento personal. El disco finaliza con "Ova-X", La más free jazz de todas. En una posterior edicción se incluyeron dos temas más: "Dampexpressen (Live)" y Orlavær. Como curiosidad podemos decir que el disco fue lanzado internacionalmente bajo el nombre de "Furtive Pearl".

J.C. Miñana

Temas

1 Dampexpressen 00:00

2 Fire & Water 04:27

3 Vive La Quelle ? 10:04

4 Blazing Laze 18:58

5 Public Oyster 23:56

6 Mis(s) Fortune 34:48

7 Ova-X 36:18

Bonus Tracks:

8 Dampexpressen (Live) 41:24

9 Orlavær 48:49

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Como ya va acabando el año, y a todos nos gusta hacer más o menos un balance, os traigo por aquí a una banda de reciente cuño. No suelo hacerlo, a no ser que su calidad desborde el simplemente "están majos", y me hayan transmitido esencias como mínimo, tan buenas como en los 70. Éste quinteto alemán de Muhldorf, Bavaria, de aspecto hippie recién salidos del sello Brain (si existiera), son : Máx Schorghuber y Bernhard Huber (ambos guitarras, percusiones y voz), Axel Hackner (órgano, sintetizadores, voz), Jonas Kollenda (bajo, contrabajo, voz) y Bastian Schuhbeck (batería, percusión, vibrafono, lap steel y voz).

Su homónimo debut salió el año pasado por su cuenta, pero yo los descubrí recientemente. Es un artefacto que chorrea retro-kraut con la veracidad suficiente como para quitarle el "retro". Porque éstos tíos creen firmemente en ésta música, y dudo que "recreen" nada. Como se advierte en las primeras notas de "Phrygian Youth" (7'28), donde la melodía dirigida por el órgano nos lleva a los primeros tiempos de Jane. Guitarras planeantes, contestadas por teclados muy Bardens, (o de orientación jazzy), conforman un sólido tema hard prog que podía datar del 71 perfectamente.

"Beteigeuze Part 1" (15'41), con una intro que emula un clavicordio, recuerda a momentos gloriosos de ELP. Aunque su posterior desarrollo esté más cerca de paisanos suyos como Schicke, Fuhrs & Frohling o Tritonus. Fuerte fiebre mellotronica, bajos de gordo percutado Rickenbaker, devaneos jazz free e "improvisaciones preparadas" , que te recordarán a los King Crimson de "Lizard". O a los franceses Shylock. O a los acthales Anglagard. La maestría orfebre de éstas estructuras no parecen ni por lo más remoto que pertenezcan a un primer disco. Pero asi es. Estos tíos se salen de la norma. Vuelve el sonido de clave para terminar ésta primera parte.

La segunda, de casi 10 mts, cuida el apartado vocal como unos Flower Kings, pero amueblan tirando para casa al estilo de Grobschnitt. Es otro derroche de lirismo guitarristico en complicidad con el órgano, y una atenta sección de ritmo muy imaginativa.

La tercera parte de "Beteigeuze" (17'11) tiene un poso escandinavo absoluto. Los mencionados Anglagard, Anekdoten o Gargamel, en igualdad de condiciones para Karakorum. El reinado analógico campa a sus anchas, en imprevisibles cambios y siniestros pasajes de densa oscuridad progresiva. Que gozada, brothers. Para colmo, la voz solista ( ignoro quién es), gusta claramente del estilo de John Wetton. La pasión por estas músicas resplandece en éste grupo.

Que finalizan con otra joya (más), en "Fairy Tales" (14'26) ; sobreexponiendo el legado kraut heredado de McChurch Soundroom, Message, Nektar (sí, ya sé. ...), Necronomicon, Drosselbart, Eulenspygel, Gomorrah o Gift. Mucho tomate.

Este año han visto editado su primer álbum oficial, titulado evidentemente, "Beteigeuze" (2017 / Tonzonen). Masterizado por la leyenda Eroc (Grobschnitt), y editado en vinilo de color en cantidad de 500 copias. Éste consta únicamente de las tres partes incluidas en el autofinanciado previo, si bien la tercera parte sube de minutaje hasta los 24 mts. Cualquiera de las dos ediciones me vale para considerarlo mejor disco del año, y eso que la cosecha ha estado florida. Tienen el nombre apropiado. Creativamente, estos alemanes ya están en la cima.

J.J. IGLESIAS

Temas

1. Phrygian Youth

2. Beteigeuze Pt. I

3. Beteigeuze Pt. II

4. Beteigeuze Pt. III

5. Fairytales

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Hay una considerable diferencia de tiempo desde las líneas marcadas en el extraordinario Voyage y este arriesgado y fascinante MIND. De las líneas tenues y evocadoras del pasado y el modernismo presentes en gran parte del anterior “A trip To Elsewhere”, la música avanza ahora hacia la vanguardia y el desafío en unas composiciones muy complicadas que frenará a muchos prog lovers, habituados a formas más asequibles y amables. A los que no les guste el Zappa más enrevesado, el RIO o el Zeulh deberán frenarse en este disco o bien aventurarse y entrar en un mundo sonoro diferente. Un reto. Nadie dijo que la música tenga que ser fácil. A snobs y pedantes compositores como Pierre Boulez, les encantaba decir que “no hay músicas difíciles, tan solo oídos ignorantes”. El caso de los compositores “contemporáneos” serialistas y atonales de los 50 y 60´s forma parte de otra patología repelente a estudiar que ahora no viene al caso y que en alguna ocasión sería divertido hablar de ella.

Afortunadamente Isildurs Bane no hacen música al nivel de tomadura de pelo, como puedan ser Berio, Cage, Nono, o los iluminados “aleatorios”. Tranquilos pues, que Isildurs “sí es música” compleja y mucho, pero nada que ver con la abulia o el aburrimiento del intelectualismo psiquiátrico o el onanismo sonoro (pajas mentales en lenguaje cotidiano).

MIND comienza con las cinco fases de “The Flight Onward” y si uno conoce bien la obra de Zappa, no va a tener ningún problema. Y como digo muy a menudo “la excelencia” de música que repuebla tu mente, rica en elementos para cerrar los ojos y dejarte llevar. Es progresivo culto y elaborado, no hay duda, pero está hecho para que tu mente juegue, se expanda, se divierta, piense, y por supuesto se emocione. No es música fría, en absoluto. Es deudora de una buena base de técnicas ricas y variadas que van del jazz imaginativo a la clásica moderna abierta y sin “sectarismos” de corrientes enclaustradas y frígidas. El violín o la guitarra acústica de Ataraxia lo dice todo: la complejidad de lo hermoso, de lo honesto, de lo válido… que es una caricia, no una bofetada snob insufrible. Y si alguien piensa que meterse un micrófono en el esfínter para producir nuevas experiencias sonoras es avandgarde le diré que sí, que todo es posible…otra cosa es que sea MUSICA. Eso lo podríamos hacer Jota y yo en el próximo álbum y gozaría de la misma indiferencia que una bonita melodía. Nadie se enteraría. Que quiero decir con esto, que Isildurs es una banda valiente, destinada a muy pocos oyentes, pero buenos aperturistas que distinguen entre “música” de verdad y ocurrencias intelectuales cada vez más falsas, baratas o estúpidas y el descerebrado siglo que nos toca vivir hoy y ahora es cada vez mas proclive al engaño, y a que lo barato y cutre sea cada vez más caro.

Si vas avanzando en la escucha de MIND, parece que nos hablan de una realidad paralela, de un grupo que le da una oportunidad a la inteligencia y a la naturalidad. Que “se la suda” el presente de grupos cargantes y aburridos.

“The Pilot” ha encontrado una nave tranquila, aparcada, no hay mundos que la apetezca visitar hoy. Quedaba cerveza en el pequeño frigorífico de la nave pero pronto se lo echan en cara.

“Unity” habla del yo, que está perfectamente solo, observando y muy seguro de sí mismo, disfrutando del vacío y de su propia perfección.

“Oportunistic Walk” transcurre como un hermoso sueño a veces interrumpido por personajes impertinentes y obsesivos a los que el protagonista desafía con ironía. Un paseo descriptivo lleno de interrupciones e historias parelelas, que el protagonista intentará evitar…huir a toda costa. Lo absurdo de la situación se refleja en una sugestiva música. La guitarra se clava literalmente a la espera de una farmacia que reduzca el dolor, no sirve solo el paracetamol, hace falta algo más fuerte. Una carga de conciencia aturde al protagonista confuso y solo, aunque algo lo tranquiliza… una visión momentánea?... gentileza al fin’.. un ser diferente?...un halo de sabiduría’? La medicina holística nos devuelve a Ravel y a su solitario destino…voces?...una campana…la vida se termina al fin…que descanso, ángeles vienen a recogerme pero ya me he ido.

Nada entiendo ahora, pero la guitarra ya no me duele tanto aunque tiene contraindicaciones. Estoy tumbado y temeroso sin ganas de incorporarme, hay resquicios de vida…tan leves que me dan pereza aunque probablemente estoy muerto y solo son recuerdos borrosos de la memoria…que apatía. Alguien decide que el muerto se levante pero solo se arrastra, pierde masa, líquidos corporales y la voz de la conciencia lo trastorna…se arrastra al abismo negro y se pierde. Es el vacío. Una página en blanco es la última pieza, nuestro absurdo paso por la vida sin que nadie nos recuerde y en realidad ¿que falta hace que nadie nos recuerde?. Si en realidad probablemente nunca hemos estado.

Alberto Torró

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ROCK PROGRESIVO ITALIANO (Temporada 1, Clásicos)

El éxito de Photos Of Ghosts en la edición de Manticore Records de 1973 lanza a la banda italiana al estrellato mundial y realmente suponen un buen competidor para cualquier grupo famoso anglosajón del momento. Hay que reconocer que la Manticore supo hacer un buen marqueting y gracias a la buena acogida de la PFM, otros grupos italianos se beneficiaron de firmar contrato con Emerson y cia. El tercer álbum de 1974 que formaría la tríada sagrada de esta banda se llamaría “L´isola di Niente” que como en el caso del anterior acabaría convirtiéndose en The World Became The World” para el mercado internacional.

Volvemos a la misma jugada: edición italiana, de la que por desgracia tardé bastantes años después en hacerme con ella y edición española del “The World Wecame The World” cuyo título de la canción en texto de Pete Sinfield fue el anglicismo ocurrente que sustituyó a la poética “Impressioni di settembre” del primer trabajo. Si la versión italiana es superior o no, forma parte de mi forma subjetiva de entender a la PFM. Lo cierto es que un fenómeno al bajo como Patrick Djivas procedente de otra banda importante como fueron Area, sustituye al anterior Giorgio Piazza y el sonido se va a notar mucho hacia una mayor precisión técnica próxima al jazz fusión prog, pero también hacia una música más musculosa y contemporánea, que les hará perder cierto encanto inicial y perfumes florales primarios. Lo que ganan por una parte lo pierden por el otro, pero así así sucede en muchos aspectos de la vida y lo difícil es dar con la clave del equilibrio. La cosa quedaría de esta manera: Seis piezas para “The world…” The “Mountain”, “Just look Away” y el añadido de “The World wecame The World” en la cara a. La b se abre con “Four Holes In The Ground”, “Is My Face on Straight” y “Have Your Cake and Beat it”. La versión original se reduciría a cinco canciones: “L´isola di niente” y “Is my Face…(lo dejaron igual), en la primera cara y “La Luna Nuova”, “Dolccisima Maria”) y “Via Lumiere” en la segunda. Que cada uno elija, pero ya sabéis mi preferencia.

“L´isola di Niente” (The Mountain) es una complicadísima composición de 10 mtos que se inicia con unos acechantes coros del averno, nada tranquilizadores, casi histéricos y demasiado largos, hasta que Franco Musida rasga con fiereza la guitarra eléctrica en un ritmo irregular y complicado, con un bajo tremendo y la pieza se convierte en un laberinto fuerte y bestialmente tocado nada que envidiar a los Crimson más desatados. Esta pieza es un torbellino casí llegando a la saturación sonora, que impresionó a Keith Emerson proclive a este tipo de composiciones densas, ricas, con exceso de ornamento y cambiantes con alguna flauta del Mauro Pagani deliciosa. Cuando la oí por primera vez me sobrecogió al compararla con las dulzuras del Ghosts aunque sus pasajes sinfónicos y líricos, son canela en rama, vulgarmente dicho. Se la curraron pero bien.

El absurdo título de “Is my face…” es otra composición que se las trae con cierto trasfondo burlesco y enloquecido, pero la melodía y el feeling merecen la pena y tanto Premoli, Mussida como Pagani están en su salsa. La inconfundible batería de Franz Di Cioccio me recuerda mucho a la forma de tocar de Michael Giles ( del primer Crimson). Premoli termina la pieza dando una magistral clase de acordeón.

Las delicias llegan en la segunda cara del vinilo cuando el perfume folclórico italiano se desborda en la maravillosa “La Luna Nuova” (Four Holes…) una de mis piezas favoritas de la Premiata, con una alegría que expande el pecho y la emoción y algún músculo colgante que no cito. Una preciosidad que nos devuelve a los primeros discos. La velocidad que cogen a partir de la mitad acojonan al más pintao.

No podía faltar la amorosa y tierna “Dolccisima María” (Just Look Away) perla y hermosura que solo los italianos pueden tocar con esa sensibilidad mediterránea.

El disco se enfría tremendamente con la técnica jazzificada de “Via Lumiere” (have your Cake…) donde casi juegan a ser la Mahavishnu porque quieren demostrar lo buenos que son y lo son vaya que sí, pero esta pieza la encuentro fuera del contexto de la línea del álbum y ya anuncian los derroteros que van a seguir en los años siguientes.

Alberto Torró

Temas

1. L'Isola di Niente (00:00)

2. Is My Face On Straight (10:50)

4. La Luna Nuova (17:44)

5. Dolcissima Maria (24:10)

6. Via Lumiere (28:15)

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Cuatro amigos manchegos toman copas en un bar de Alcazar de San Juan en 2008. Los vapores etílicos les llevan a ser audaces y deciden dar el paso y montar una banda para emular a sus héroes musicales. El grupo toma el nombre de Solid Relax Project, una especie de broma en referencia a uno de sus grupos favoritos, Liquid (Solid), Tension (Relax), Experiment (Project). La banda la componen: Alberto Guzmán (Guitarras), Alberto Octavio (Bajo), Roberto Carlos Bravo (Teclados) y Francisco José Mazuecos (Batería).

Durante algunos años van puliendo la idea y trabajando en el local de ensayo. Su primer concierto llega en 2011 en la sala Arco en Alcazar de San Juan. Poco a poco se abren un espacio en el progresivo nacional y en 2012 acompañan a Dry River en su presentación de "El Circo de la Tierra" en el Spain Progressive United Tour.

Por fin en 2015 autoeditan "Génesis" con una portada diseñada por Sara Bravo la hermana del teclista Roberto Bravo. Grabado en los Estudios Bravo y mezclado –masterizado en los Estudios PKO de Madrid, bajo la dirección de Javier Catalá (Alejandro Sanz, Miguel Bosé, Antonio Flores, Ricky Martin…) y mezclado por Caco Refojo (2010 Latin Grammy – Mejor disco tradicional y nominación a mejor grabación del año 2014. Nominación Latin Grammy a mejor ingeniería para un álbum).

El disco contiene seis temas instrumentales de alto mitutaje, el mas corto llega a los 6:35. La música que destilan va orientada a sonoridades tipo Liquid Tensión Experiment con una identidad propia y un sello personal que imprimen en cada uno de sus temas.

La grabación se inicia con "Genesis", un tema de casi quince minutos donde nos demuestran claramente su virtuosismo instrumental. Me encanta como su guitarrista, Alberto Guzmán, afronta los pasajes lentos y los combina con vertiginosas cascadas de notas dándoles en todo momento las sonoridades adecuadas. Su teclista navega entre lo clásico y lo jazzistico, y la sección rítimica es una auténtica apisonadora con un batería que suele ir con una marcha más.

Su segunda composición, "Trópico de Cancer", es la que más me cuesta a mi obtuso cerebro procesar. Los chicos de Alcazar de San Juan combinan ritmos latinos, jazz y hard rock muy en la linea de la pareja John Petrucci - Jordan Rudess. Curioso y exótico tema.

"5a Dimensión" (11:12) es la que más me recuerda los temas instrumentales de Dream Theater o LTE. Cambios de ritmo perfectamente entrelazados nos atrapan y sin apenas darnos cuenta nos llevan hasta el final. Muy destacable la labor de Roberto Carlos Bravo a las teclas.

"Rock Fundamental" es uno de los temas que más me gustan. Su dinamismo lo envuelve todo con sonoridades que pueden llevarnos a caminos explorados por Satriani o Vai. Gran tema que a buen seguro dará mucho juego en directo.

"Mar de Cristal" es otro de mis favoritos. Sosegado, romántico, pausado pero con paso firme y con un solo de guitarra para quitarse el sombrero. Combinación de Petrucci- Satriani y no se realmente por qué Javier Vargas. La parte final es muy "genesiana" y de un lirismo excepcional. Genial.

El tema que cierra el disco, "Fase Rem", es el más extenso y el que aglutina todas sus virtudes. Buenos solos, duelos guitarra-teclados, ritmos endemoniados de la base rítmica. Todo bien combinado nos hacen el tema extremadamente corto a pesar de sus veinte minutos.

Sin duda un gran debut para estos cuatro virtuosos que esperemos tenga continuidad. Según las últimas noticias y tras un período de reflexión, vuelven a la carga para preparar su segundo disco.

Contacto:

Facebook https://www.facebook.com/Solid-Relax-Project-1563141420605532/
Bandcamp : https://solidrelaxproject.bandcamp.com/releases

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The Allman Brothers forever! Durante algún tiempo tuvimos que conformarnos con sus primeros discos (The Allman Brothers Band, Idlewild South y Eat a Peach ) y el magnífico "At Fillmore East " para escuchar a Duane Allman con su banda. Afortunadamente durante estos últimos años han ido apareciendo grabaciones de aquella época. Verdaderas joyas para el disfrute de sus seguidores

En 1970 The Allman Brothers se embarcaba en una extensa gira recorriendo gran parte de Estados Unidos. Por otra parte graban su segundo disco, " Idlewild South". que ve la luz en Septiembre. Ese mismo año Duane Allman participa junto a Eric Clapton en el " Layla and Other Assorted Love Songs".

La grabación nos presenta la actuación de The Allman Brothers Band en el Ludlow Garage de Cincinnati el 4 de abril de 1970. El "setlist" está compuesto por clásicos del blues como "Trouble No More" ( Muddy Waters), "Dimples" (James Bracken, John Lee Hooker) donde canta Duane Allman, "I'm Gonna Move to the Outskirts of Town" (William Weldon) y "Hoochie Coochie Man" (Willie Dixon), sin olvidar su versión del ""Statesboro Blues" (Blind Willie McTell). Tambien podemos escuchar una extenso "Dreams" y ""Every Hungry Woman". En la copia del concierto publicada por Polydor no aparece "In Memory of Elizabeth Reed", tema que podemos disfrutar en Spotify y en el " Idlewild South 45th Anniversary Super Deluxe Edition". La traca final del concierto viene con "Mountain Jam", cuarenta y cinco minutos de éxtasis sonoro. Duelos guitarreros entre Duane y Betts acompañados por el hammond de Gregg y por una sección rítmica que también tiene su protagonismo con sus correspondientes "solos". Documento excepcional imprescindible. Buen sonido.

J.C. Miñana

Temas

1. Dreams I'll Never See

2. Statesboro Blues

3. Trouble No More

4. Dimples

5. Every Hungry Woman

6. Gonna Move To The Outskirts Of Town

7. Hoochie Coochie

8. Mountain Jam

Formación

Gregg Allman - voz, teclados

Duane Allman - guitarra, voz

Dickey Betts - guitarra

Berry Oakley - basjo, voz

Butch Trucks - batería

Jai Johanny Johanson - batería

Otros artículos sobre The Allman Brothers:

The Allman Brothers Band ‎– Live At The Atlanta International Pop Festival July 3 & 5, 1970

THE ALLMAN BROTHERS BAND - "First Flight" 1.969

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Originariamente un cantante Beat en los 60, Czeslaw Niemen desarrolló una completa carrera durante los 70 en Polonia. Icono underground de su país, pasó por el rock'n'roll, psych rock, prog, folk, avant, jazz, soundtracks, theatre music y con "Katharsis", se zambullo brevemente en la electrónica pura. En 1972 participó en los tristemente célebres Juegos Olímpicos de Múnich, al lado de la Mahavishnu Orchestra y Charles Mingus. Abrió conciertos europeos para Jack Bruce, y en 1974 editó el sensacional "Mourner Rhapsody", donde colaboraban Jan Hammer y Rick Laird. A veces acompañado por sus tremendos paisanos SBB, pero no en ésta ocasión. Donde él sólo se encarga de todo el instrumental. Esto es, sintetizadores, Mellotron 400, Clavinet D6, synth percussion, guitarra de 12 cuerdas, platos, tape effects, flautas y voz. "Katharsis"es un álbum conceptual dedicado a la expansión de la humanidad (iluso) y su consecuente exploración espacial, tema de moda en aquellos 70.

Su estilismo sintético no puede esconder un fuerte arraigo jazz, de imaginativas estructuras melódicas, como en "Odkry cie Nowej Galaktyki" (2'20) o "Mleczna Droga" (3'15). El especial onirismo electrónico propio de esas tierras aparece en "Planeta Ziemia" (6'45) , recordando poderosamente a Larry Fast/Synergy.

El Mellotron es usado profusamente, y es inevitable el acercarlo a los Tangerine Dream de esos años. Misticismo y misterio extraído con eficacia del blanco aparato. En espectacular mezcla con muy buenas líneas de sinte solista. Una exquisita pieza a paladear con tranquilidad.

En su melodiosa naturaleza, "Fatum" (2'23) podría pasar por puro 90s Scandinavian Prog, pues es ese mismo sonido, pero ya en 1975.

"Piec Zec" (2'51) es avant-experimental usando juguetes (o efectos de cinta), al modo de Pascal Comelade.

Para la cara B tenemos en inicio "Z Listu do M" (4'45), con uso de guitarra, efectos y teclados de cibernética rítmica, más la inimitable (y portentosa) voz de Niemen. Un lamento existencial maquinal, pero lleno de humanidad y sentimiento.

"Proba Ucieczki" (2'46) es un interesante juego rítmico con flautas y percusión electrónica que a Peter Gabriel le hubiera entusiasmado. El estilo solista de Niemen al moog es muy parecido a Patrick Moraz (otro muy influido por el jazz).

"Katharsis" (4'45) es otra delicatessen sintetizada con muy buenos solos. Niemen trata de "pasar por sintetista", cuando en realidad es un virtuoso teclista al que se le escapa la mano efectista en cuanto puede. Nada que objetar. Hubiera podido hacer un disco como sintetista Keith Emerson?....A eso mismo me refiero.

Finalmente "Epitafium (Pamieci Piotra)" (3'58) es un tema cantado dedicado al batería Piotr Dziemski, que había colaborado con Niemen en su "Aerolit" (1974), y había fallecido ese 1975. Es un temazo de una épica mellotronica brillante, sublime, un perfecto epitafio para un amigo.

La importancia de Niemen para su país es tal, que el Banco Nacional de Polonia acuñó tres monedas con su efigie. Inmensamente más apropiado dedicar ese menester a destacados artistas de tu país, que a reyes, reyezuelos, politicastros y demás "profesionales de la mamandurria". Cualquier disco de Niemen de los 70 es altamente recomendable, sea cualquiera el estilo practicado. Pero sólo lo encontrarás de ésta guisa electrónica en "Katharsis", álbum reeditado en cd en 2003 con un tema más. Como todo de Niemen, una maravilla.

J.J.IGLESIAS

Temas

A1Odkrycie Nowej Galaktyki = Discovery Of A New Galaxy2:11

A2Mleczna Droga = The Milky Way3:11

A3Planeta Ziemia = The Planet Earth6:39

A4Fatum = Fate2:20

A5Pieczęć = The Seal2:48

B1Z Listu Do M. = From A Letter To M.4:42

B2Próba Ucieczki = An Attempt To Escape2:37

B3Katharsis4:41

B4Epitafium (Pamięci Piotra) = An Epitaph (In Memory Of Piotr)4:04

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Duncan Mackay es un teclista, compositor y cantante que a pesar de una extensa y variada carrera musical no goza del reconocimiento que realmente merece. Yo lo definiría como un "trota-músico" por la cantidad y variedad de proyectos en los que ha participado. Lo podemos encontrar en los discos de Kate Bush (The Kick Inside, Lionheart y Never for Ever ), Camel (Nude), 10 CC (Bloody Tourists y Look Hear?) , The Alan Parsons Project ( I Robot, Pyramid y Eve), Baker Gurvitz y Colosseun II entre otros muchos.

Duncan nace en Leeds, Yorkshire, en 1950. Comienza tocando el violín llegando a los 11 a ser una de las promesas en este género en el Reino Unido. Obtiene una beca musical para la Shrewsbury Public School, terminando sus estudios en 1967. A mediados de los 60 se traslada a Port Elizabeth en Sudáfrica. En 1970 recorre Brasil y Sudáfrica como miembro de la banda de Sergio Mendes.

Su primer disco en solitario llega en 1974, "Chimera" y un año más tarde entra a formar parte de Steve Harley & Cockney Rebel con los que consigue cierto éxito con el single "Make Me Smile (Come Up and See Me)". Su segundo larga duración lo edita en 1977, "Score", teniendo como invitados a John Wetton, Clive Chaman, Andy McCulloch y Mel Collins . Alterna su carrera con la de músico de sesión para diversos artistas entre ellos Kate Bush. En 1979 entra a formar parte de 10 CC y al año siguiente publica "Visa", trabajo donde se adentra en el mundo electrónico a lo Jean Michel Jarre. Una década más tarde llega "A Picture of Sound" su último trabajo en solitario hasta la fecha. Posteriormente abrió su propio estudio en Sudáfrica grabando "Reunion" con Greg McEwan y varios discos con el guitarrista clásico James Grace.

Este primer trabajo de Ducan Mackay se grabó en Abril de 1974 en los estudios Pye de Johannesburgo. Como músicos el propio Ducan con su arsenal de teclados, Gordon Mackay (violín) y Mike Gray (batería). La obra se compone de tan sólo tres temas ( "Morpheus", "12 Tone Nostalgia" y " Song For Witches") con claras y notables influencias de su idolatrado Keith Emerson. El uso del Hammond (tipo percusivo), el piano eléctrico y los sintetizadores nos trasladan a sonidos muy cercanos (casi demasiado cercanos) a los de The Nice o E,L & P.. En ediciones posteriores se incluyó "The Opening", versión grabada en 1990 de un tema de Tangenine Dream.

J.C. Miñana

Temas

1. Morpheus (0:00)

2. 12 Tone Nostalgia (11:24)

3. Song For Witches (19:45)

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Continuamos hablando de actuales formaciones, porque cuando se trata de underground, un disco reciente se convierte en "rockliquia" al instante. Vocokesh se formó en 1989 en Wisconsin, tierra no muy apta a priori para psicodelismos. De los anteriores F/i, Richard Franecki (bajo, guitarras, teclados, electronics y ruidos varios) ideó éste instrumental proyecto que ha tenido un nutrido plantel de colaboradores a lo largo de los años, además de casi una veintena de álbumes. En éste en particular, le acompañan John Helwig a la guitarra solista y Rusty en batería y percusión.

De primeras, me encanta el título del disco, que homenajea el primer viaje de LSD de la historia, por el sorprendido, "dazed and confused", Dr. Hoffman. Cuánto le debe la música a éste señor. Que no sé si habrá tenido algo que ver en "Born Losers" (3'27), pero si no es así, lo mimetizan muy bien con su garage retrofuturista psych. La fiesta de colorines ya no para en toda la audición.

"Texas Asphalt Blues" (4'15) conecta igual con leyendas de los 60 (Hendrix), de los 70 (Hawkwind), o de los 90 (Melting Euphoria). Como expertos en "cinematic psych", "The Cruising Song" (8'36) podría ser un muy buen soundtrack para peli de ciencia ficción estilo John Carpenter. Tampoco se aleja del kraut más histórico de Ash Ra Tempel, por su fuerte implicación guitarrera.

"Kesh # 10 (Improvisation)" (11'03) incide todavía más en esto último. Con ambientes teclisticos sobrecogedores adornados de viciosos feedbacks y delays que invitan a viajar a Pompeya sin salir de tu habitación (toma viaje low-cost!). Para relajar el ambiente, "Pretty Acoustic Piece " (5'20) es puro cosmic rock de superior factura. Con pastoral acústicas y burbujeantes moogs, melodía romántica de un string -sinte y clima de película vampirica-lesbiana a lo Jess Franco. Exxxtupendo corte.

"The Highway Song" (4'53) me hace reflexionar que de haber vivido lo suficiente, Hendrix hubiera sido feliz haciendo space rock. Porque casi lo inventó él, y además era un freak de la ciencia-ficción. Qué más se puede pedir.

Lo mismo ocurre con "1000 Pictures in one Word" (5'32), y es que John Helwig gusta de recrear momentos psicofonicos made in San Francisco. Y para ello invoca a las ondas sonoras del espacio propiedad de Cipollina, Holden, García, California o Kaukonen, en alegre ouija/radio receptor acidote.

La total-ida-de-olla-pero-mola que es "Dr. Hoffman's Bicycle Ride" (14'58) pone fin a éste instrumental ejercicio space, con referencias a toda ameba viviente (o no) del gremio, sita en la Casa de los Kolokoides (reimaginando Dune). Vocokesh resulta un estupendo combo espacial con los que difícilmente puedes aburrirte, porque bailan nuestro mismo mambo. Ese que comenzó en los 40 en un alucinado y colorido viaje en bicicleta.

Oooops! Carril-bici no necesario.

J.J. IGLESIAS

Temas

1. Born Losers 00:00

2. Texas Asphalt Blues 03:31

3. The Cruising Song 07:48

4. Kesh #10 (improvisation) 16:26

5. Pretty Acoustic Piece 27:31

6. The Highway Song 32:54

7. 1000 Pictures In One Word 37:49

8. Dr.Hofmann's Bicycle Ride 43:24

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Con una simple e insípida portada y con sus tres obras maestras grabadas: Cheval, Voyage y Mind 1 aparece el primer trabajo en vivo de Isildurs Bane. Un denso y apretado programa en doble CD con nada menos que 153 mtos de música. El Volumen 2 de M.I.N.D que sus siglas en palabras del propio compositor Mats Johansson significa “Music Investigating New Dimensions” se adentra en la música de la tríada mencionada. Según algún comentarista y escritor sueco la música de Isildurs Bane en este trabajo es una “deconstrucción” de su propia música, una investigación constante dentro de sus propias composiciones y sería acertado considerar esta definición. Porque todas las músicas posibles y más excitantes del prog y no solo prog, se unen en esta línea personal absolutamente libre e imaginativa.

Isildurs casi han creado un estilo propio dentro del progresivo. Mats sigue apuntando que lo que ellos hacen es “el desarrollo de un proceso de investigación y experimentos, conocimiento, libertad artística y curiosidad infantil (…!). Ciertamente su música desborda todas las previsiones y nos sumerge en una música nueva y vanguardista que abre puertas al futuro. Al inicio del siglo XXI se han convertido en una extraña orquesta de cámara electrónica que no descarta ningún recurso sonoro y no se pone límites. Se habla de Isildurs, una banda que comenzó con música inocente y agradable a la Camel, como de un grupo creativo y contemporáneo apto para oídos muy exigentes y preparados y esto es completamente cierto. En los créditos del primer Mind homenajearon al propio Frank Zappa.

El doble Mind 2 es un desafío y un regalo al oído a la vez. Es música difícil con una riqueza instrumental desbordante. Las melodías, las armonías complejas se alternan en pasaje de la más enrevesada instrumentación de lirismos tremendos con laberintos imposibles. Alquimia pura que une el pasado y el futuro, lo clásico con la vanguardia, lo acústico con la electrónica y lo mejor es que nadie se ha atrevido a ponerle etiquetas. Música total, absoluta que es preciso escuchar muchas veces. Hacen una música valiente, diferente como antaño se hizo con el Zeuhl o el Rock In Oposition, músicas de las que ellos no están muy lejos. Alguien me apuntó que para ellos el “rock progresivo” ya no es suficiente y a veces somos nosotros mismos los que inconscientemente o no, lo acotamos y lo limitamos y esto no debería ser.

El primer CD está estructurado entre grandes bloques y suites como “Cheval” o “inéditas” como “Oportunistic Medicine” “Exit Permit” (inmensa!!!), “Holly Fools”, donde hacen y deshacen a su antojo en adaptaciones extrañas de su propia música en sus trabajos de estudio y pequeñas miniaturas que se suceden como las fases de “Extroversión” del que solo puedo decir que se escuche porque hay grupos a los que no se les pueden poner adjetivos. Para un amante bandido y recalcitrante del progresivo, el jazz sinfónico y la clásica modernista como yo, esta grabación te da sorpresas y muchas y la satisfacción es plena. Vamos que disfruto como un enano.

El segundo CD es otra barbaridad de música tremenda: “The Flight Onward” es Zappa reinventado y como lo hacen los condenados suecos!!. “Celestial Vessel”, es una jugosa suite en siete partes para el extasío y el jolgorio acompañado con una atractiva amante venusina pringosa y fría y verde como el blandyblub que te pone y que te tienta en pesadillas nocturnas entre un jazz funk extraño de un Miles Davis futurista y locuras sinfónicas surreales cósmicas inclasificables. Pieza rara de cojones y muy variada, que engancha como una extraña droga. La versión-suite del Voyage con tres de sus principales temas, te llevan al delirio instrumental del enrevesamiento progresivo recreados a capricho porque los tíos van muy sobraos y seguros de sí mismos. No voy a añadir nada más porque poco más se puede decir. Tremendos.

Alberto Torró

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ROCK PROGRESIVO ITALIANO (temporada 1, clásicos)

El braguetazo pegado con la Manticore Records, las alabanzas de Emerson y Lake hacia el “The World Became…” y una buena producción de marketing de la época a nivel internacional, les abre las puertas del mercado norteamericano y PFM será la primera banda italiana en exportar una forma de rock progresivo a la que el mercado anglosajón no estaba acostumbrada pero que recibe con curiosidad y en algunos casos hasta entusiasmo. La leyenda del “Spaguetti Prog” como dirán en los USA, permitirá en cierta forma que tanto Banco, como Le Orme, sigan el mismo camino. Pero para que el RPI se convirtiese en tema de culto faltaban algunas décadas. La revista Billboard era muy influyente en la época y pone a los italianos por las nubes. Así 1974 sería el año de gloria para la PFM y empezarían a codearse en los escenarios con las estrellas rutilantes del mercado yanqui, como los Allman, Santana o Poco radicalmente opuestos a su estilo. Afortunadamente la delegación americana de la Manticore decide grabar el evento como Live In USA y que en Europa se conocería como “PFM Cook”.

Naturalmente deciden cantar en inglés por sus nuevas versiones. Supongo también que por imposición de contrato y ante la ignorancia de las virtudes del idioma más musical del planeta como es el italiano. “Cook” fue editado en España en torno a 1975, siempre llevábamos un retraso en las ediciones vinílicas a no ser que tuvieses cierta facilidad para conseguir copias extranjeras o viajases al vecino andorrano, porque encontrar discos en Andorra en aquella época y lo he dicho en otras ocasiones, era un vicio que los melómanos jovenzanos de entonces teníamos en la cabeza a todas horas, prescindiendo incluso del coñazo que suponían los precarios autobuses y las horas de retención en la aduana donde te registraban y se lo pasaban en grande puteando al españolito. Yo era un chaval veinteañero y con escasos recursos económicos dependiente de papi y mami. Pero en la aduana curiosamente los discos era lo que menos les importaba. Iban a por tabacos, alcohol, pequeños electrodomésticos o prendas de cuero, bastante más baratas que aquí en connivencia con las propias tiendas andorranas para sacar tajada en aranceles y joder a mansalva. Recuerdos que no vienen al caso.

El primer live de la Premiata siempre se me quedó escaso. Era típico que los discos procedentes de bandas italianas no superasen los 40 mtos. La alegría que me llevé con la edición completa de 3 cd´s del Made In USA por la Esoteric records en 2010 me alegró el día y ahí sí que pude comprobar todo el potencial y calidad técnica de estos italianos en directo. Improvisaban mucho las piezas originales y alargaban generosamente en maravillosos instrumentales las piezas más emblemáticas. El topicazo de que los grupos británicos eran los mejores, desaparecía de tu mente al escuchar el nivel técnico de músicos con una base muy superior a muchos grupos reverenciados tipo Genesis por ejemplo y no tengo inconveniente en afirmarlo, por mucho que los anglosajones me gustasen. Es cierto que los italianos se influenciaron de estas bandas, pero la ventaja es que los italianos eran estudiosos y de base académica, los ingleses no, salvo excepciones que todos conocemos.

No tener esta edición de triple CD de la PFM en directo es un pecado imperdonable porque estaban en su mejor momento. Flavio Premoli es un teclista que le daba cien vueltas a la mayoría, exceptuando quizá a los Wakeman o Emerson, aunque yo personalmente lo pondría a la misma altura. Mussida es un maestro de la guitarra solista que cubre un espectro muy amplio de estilos. Su versatilidad no la tienen otros y no quiero equiparar nombres para no entrar en discusiones. Paganni domina por igual violín y flauta y es un músico de los de verdad. Djivas nació para ser bajista, es único, y el bueno de Franz Di Cioccio es un batería imprevisible, de amplios recursos y espectacularidad, con una facilidad técnica de los mejores del género. Pero son italianos y en aquella época la fama la llevaban baterías bastante más rutinarios y previsibles pero eran anglosajones. Donde naces importa. Siempre ha importado. Si eres un batería español o italiano (claro), griego, japonés, libanes o africano…da lo mismo. Si no eres inglés o norteamericano date por jodido. Serás el mejor batería del mundo pero en aquella época y la de ahora también, la xenofobia importa.

Live In USA es un testamento incontestable.

El primer CD es el “Cook” original y la expansión de los dos restantes es la creme de la creme. Los Cd´s 2 y 3 corresponden a la actuación en Central Park en 1974: River of Life… Four Holes… los 17 mtos de “Is My Face On Straight” los otros 20 de Alta Loma Five… (Mussida acojona) o los 18 de Celebration…The World son impagables. PFM cierra una época. Su mejor época y es una lástima al que solo el tiempo puede ser benévolo con sus irregularidades futuras.

Alberto Torró

Temas

Four Holes In The Ground (7:22)

Dove....Quando.... (4:30)

Just Look Away (8:05)

Celebration (including "The World Became The World") (8:55)

Mr. Nine Till Five (4:25)

Alta Loma Nine Till Five (including "William Tell Overture") (15:20)

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Ursa es un trío procedente de Tarrasa integrado por Marcos Cortés a la guitarra, Pol Ortega al bajo y Robert Arcos a la batería. No confundir con la banda americana de Doom Metal del mismo nombre. Comenzaron su andadura en 2013 y un año mas tarde realizan sus primeros conciertos. Poco a poco los temas van surgiendo tras largas horas en el local de ensayos.

Por fin en marzo de 2017 ve la luz su primer trabajo, "Nulla", grabado en Uqbar Estudis y mezclado por Pol Ortega. La portada es una ilustración de Yuri Shepherd, dibujante nacido en Dinamarca y afincado en España. La presentación del disco se realiza en la Nova Jazz Cava de Terrassa, dentro del ciclo Terrassa Música Moderna el 30 de abril.

El disco nos ofrece cinco temas titulados con números romanos cargados de un gran trabajo instrumental. Si hacemos caso a las influencias que ellos mismos nos reseñan (Tool, Karnivool, Porcupine Tree, Opeth, Dream Theater, Thrice, Oceansize, Mastodon, Incubus, Russian Circles, Pat Metheny...) está claro que lo han metido en una coctelera bien agitado y le han dado su particular visión.

Arpegios de guitarra enigmáticos que poco a poco van fluyendo transportándonos hacía atmósferas sonoras de alta belleza. La suavidad inicial se va tornando más dura para despertarnos de nuestro letargo. Combinación de ritmos que me llevan a tiempos pasados cuando el maestro Frip cabalgaba con su "Discipline". Buen comienzo.

"III" es el segundo tema de la grabación, curioso se reservan "II" para el final. Composición de algo más de diez minutos que aúna un sin fin de sonoridades que abarcan desde las más Crimsonianas, pasando por el "stoner" e incluso algunos riffs que llegan a ser cercanos al "heavy".

En "IV" se hace evidente que Marcos Cortés (guitarra) está perfectamente respaldado por una gran sección rítmica. Por una parte Robert Arcos no se limita un simple golpeo de parches, su empeño va más allá recordándome a baterías del estilo de Bill Bruford. En cuanto Pol Ortega su bajo llena con extrema precisión todos los huecos sonoros. Volvemos a encontramos con multitud de espacios sonoros. Realmente apabullante.

"V" nos devuelve a los arpegios intrincados y complejos que sirven para el lucimiento de Robert y Pol y que desembocan en una explosión sonora sin apenas darnos cuenta. El vídeo oficial refleja claramente la atmósfera del tema. Músicos tocando en la penumbra.

Ursa cierra su debut con "II", cerrando el círculo o no? La música fluye sin darnos cuenta del paso del tiempo. Épico final con un gran riff de guitarra.

Atención promotores de conciertos, hay vida más allá de las bandas tributo y URSA es una buena prueba de ello.

Contacto:

Facebook https://www.facebook.com/URSAprogressive/
Bandcamp https://ursaprogressive.bandcamp.com/releases

P.D. : Cualquier banda que esté interesada en aparecer en esta sección puede ponerse en contacto con nosotros : rockliquias@hotmail.com

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La semana pasada cuando estaba buscando la documentación para el artículo de "The Allman Brothers Band - Live in Ludlow's Garage 1970" recordé que hace algún tiempo había escuchado una pequeña joya teniendo como protagonistas a The Allman Brothers Band y a Jerry García, entre otros. No me he podido resistir a compartirla con todos vosotros.

En 1973 The Allman Brothers Band había superado sobradamente la perdida de Duane Allman y Berry Oakley, y se constituían como uno de los grupos con más éxito de los Estados Unidos. Durante sus interminables giras coinciden ese año en dos ocasiones con The Grateful Dead. La primera a principios de Junio en el RFK Stadium, Washington Dc, ante 80.000 espectadores. Por cierto ante de salir hubo una pelea entre miembros de la banda y algunos "pipas". La segunda ocasión fue 28 de julio de 1973 en el Hipódromo de Watkins Glen Grand Prix, Watkins Glen, NY, junto a The Band congregaron a más de 600.000 enfervorizados seguidores. En agosto publican su cuarto trabajo en estudio, " Brothers and Sisters", llegando al primer puesto del Billboard 200.

Estamos en la nochevieja de 1973. Bill Graham había preparado una gran noche de rock sureño. La fiesta comienza a la 7 P.M. con la actuación de The Marshall Tucker Band y The Charlie Daniels Band. Alrededor de la 10:30 suben al escenario The Allman Brothers Band con una formación integrada por Gregg Allman (voz, teclados), Dickey Betts (guitarra), Lamar Williams (bajo), Chuck Leavell (teclados), Butch Trucks (batería) y Jai Johanson (batería).

La primera parte del "setlist" de alrededor de 70 minutos la integran temas del "Brothers and Sisters" y algunos clásicos como "Stormy Monday" y "In memory of Elizabeth Reed". Dickey Betts se constituye como líder indiscutible siempre apoyado por los teclados de Gregg..

Un pequeño descanso y antes de sonar otro clásico "Statesboro Blues", comienza la cuenta regresiva para recibir el nuevo año, 1974. En la segunda parte del "set" tenemos una memorable interpretación de "Jessica" (13:02) y una gran improvisación musical en "Les Brers In A Minor" aproximadamente 20 minutos con un solo de batería en su parte central. En la última fase del tema es cuando se unen Jerry Garcia (guitarra) y Bill Kreutzmann (batería) y posteiromente Boz Scaggs (voz). A partir de ese momento desfase total, improvisaciones por doquier y buen rollo. El concierto estaba siendo retransmitido a nivel nacional por la emisora de radio KSAN y dada la gran duración del evento a mitad de "Bo Diddley" cortaron la emisión. Afortunadamente siguieron grabando.

En los tres últimos temas ("You Don't Love Me", "We Bid You Goodnight" y Mountain Jam) la banda se redujo a Garcia, Betts, Chuck Leavell, Lamar Williams, Jaimoe and Kreutzmann. Casi cuatro horas y media de concierto.

J.C. Miñana

Temas

1-1 Wasted Words 5:28

1-2 Done Somebody Wrong 6:02

1-3 One Way Out 9:51

1-4 Stormy Monday 8:59

1-5 Midnight Rider 5:00

1-6 Blue Sky 7:43

1-7 In Memory Of Elizabeth Reed 17:31

1-8 Statesboro Blues 6:59

1-9 Southbound 7:23

1-10 Come & Go Blues 5:27

2-1 Ramblin Man 8:06

2-2 Trouble No More 4:22

2-3 Jessica 12:59

2-4 Les Brers In A Minor 6:09

2-5 Drum Solo 8:07

2-6 Les Brers In A Minor Pt 2 9:50

2-7 Whipping Post 11:53

2-8 Linda Lou/Mary Lou 9:18

2-9 Hideaway/You Upset Me 10:07

3-1 Bo Diddley/Mountain Jam 27:11

3-2 Save My Life 18:55

3-3 Blues Jam 11:22

3-4 You Don't Love Me 9:49

3-5 Will the Circle Be Unbroken 4:46

3-6 Mountain Jam 8:00

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Inspirado en la famosa novela de ciencia-ficción de Aldous Huxley, (junto con Philip K. Dick, escribieron algunas de las "biblias" del hippismo), Brave New World fue un proyecto de estudio liderado por el irlandés John O'Brien-Docker. Además de arreglista y encargado de la producción, tocaba guitarras, órgano, percusión, vientos y algunas voces recitadas (el álbum es instrumental ).

Éste músico había estado en Die City Preachers, Marcel, Inga & John (sí, esa Inga era la Rumpf), Dagmar Krause y Anthony Moore (Slap Happy). Le ayudaban en éste proyecto Herb Geller (flautas, cuerno inglés, saxos, órgano, arreglos), Reinhart Firchow (recorders, flauta, ocarina, stylophone y percusión), Lucas Lindholm (bajo, órgano y piano) y Dicky Tarrach (batería, percusión).

Firchow formaría más adelante Kaarst. Y Geller llevaba en el avant jazz desde 1954. Pero a pesar de ser músicos pertenecientes a la escena del jazz de vanguardia y afines, no es exactamente lo que aquí encontraremos. Sino un icono del underground kraut del más alto nivel, con Thomas Kuckkuck como ingeniero. Una hábil mezcolanza de acid folk, electronics, psych rock y alguna pincelada jazzy muy bien disimulada.

"Prologue" (1'01) lleva floydiano órgano cruzado con folk ácido a la Incredible String Band, y una flauta que parece estar llamando "el afilador", ( curioso personaje en extinción). Posiblemente ésta sea una de las primeras grabaciones en las que se escucha percusión electrónica, ni idea cómo la hicieron, en 1972. Así comienza "Alpha Beta Gamma Delta" (7'38), con trazos progresivo-psicodélicos en los que guitarra y vientos arman el caparazón de la pieza. La electrónica anda muy presente, con raras percusiones y flautas finales más propias de Osanna o el Prog italiano.

Esa sensación continúa en "Lenina" (4'21), con un aroma ambiental lounge de la flauta similar a Focus. "Soma" (5'18) la conforman el magnífico juego de guitarras acústicas -folk con eléctricas -kraut psych, fondo organistico a la Wright y texturas muy "Ummagumma". Los sonidos electrónicos crean una melodía muy "theremin oriented", y la eléctrica intenta pretensiones Gilmour. "Malpais Corn Dance" (3'27) tiene un alegre regusto tribal-cosmic cuasi africano que puede recordar el "Olias of Sunhillow" de Jon Anderson.

Para la segunda cara, "The End" (19'22) exhibe todo lo dicho en un titánico esfuerzo instrumental donde vientos, electricidad, electrónica y percusiones crean un "brave new world" propio de magnética personalidad. Kraut rock de pura raza y similitudes con Annexus Quam, Mythos, Emtidi o Eulenspygel. Soberbia pieza ésta, de muchas recomendadas escuchas tan alucinógenas como la literatura que representa. Un original Vértigo se pone para ir empezando a hablar, en los 500 € (de ahí en adelante).

Así que por tu sanidad económica, recomiendo la excelente reedición del 2016 de los barceloneses Wah Wah Records. John O'Brian colaboró más adelante como letrista de la banda Randy Pie.....Debió de seguir construyendo más elucubraciones psico como la aquí reseñada. Era lo suyo, sin duda.

J.J. IGLESIAS

Temas

01. Prologue (1:00)

02. Alpha, Beta, Gamma, Delta, Epsilon ... Ford (7:40)

03. Lenina (4:21)

04. Soma (5:18)

05. Malpais Corn Dance (3:25)

06. The End (17:42)

07. Epilogue (1:26)

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Sunbury Pop Festival fue el Woodstock australiano. Se celebró durante cuatro ediciones (de 1972 a 1975) en los campos de una granja entre Sunbury y Diggers Rest, Victoria. En el evento de 1974 participaron Queen que curiosamente fueron abucheados. En 1975 actuaron AC/DC y Deep Purple siendo un fracaso de publico y comercial. Los Purple tuvieron que donar parte de su caché para pagar al resto de las bandas. Hoy recordaremos la participación de Carson en 1973.

Carson se formó en 1970 en Melbourne. Su formación inicial estaba compuesta por Ian Ferguson (bajo, voz), Greg Lawrie (slide guitar, dobro), Tony Lunt (batería), John Capek (teclados). Su primer single, "On The Highway". Un año más tarde Ian Ferguson deja la banda y es sustituido por Broderick Smith (voz, armónica) y Ian Winter (guitarra). Graban su segundo single, "Travelling South". Los cambios en la formación son continuos Barry Sullivan (bajo), Garry Clarke (Bajo), Mal Logan (Teclados). Paricipan en el primer Sunbury Pop Festival en 1972 y son teloneros de Canned Heat y Stephen Stills en el Mulwala Pop Festival. En noviembre llega su primer larga duración, "Blown" editado por Harvest Records. En enero de 1973 vuelven a participar en el Sunbury y un mes más tarde se disuelven.

La grabación corresponde a la actuación de Carson en el Sunbury Pop Festival de 1973. La banda interpreta un "Setlist" de seis temas donde el rock, el blues y la improvisación tipo jam están presentes. Musicalmente la banda está muy influenciada por Canned Heat, basta oír "Boogie" para recordarnos el "On The Road Again" de los Heat. También podemos destacar la versión que realizan del "Hey Joe". Del festival se editó un triple disco y un documental que circula por youtube.

J.C. Miñana

Temas

A1 Dingo 00:00

A2 Laid-back Feel 07:26

A3 Dust My Broom 14:08

B1 Hey Joe 19:12

B2 Boogie 26:32

B3 Sunberry Jam 36:48

Formación:

Broderick Smith: voz, armónica

Greg Lawrie: guitarra, dobro

Ian Winter: guitarra

Gary Clarke: bajo

Tony Lunt: batería

invitados

Mal Logan: paino

Mal Capewell : saxo

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Hasta finalizar el año, Irán pasando los miércoles algunas de las bandas internacionales que han llamado mi atención por sus recientes trabajos. Mouth se formó en el año 2000 en Colonia como un trío. Christian Koller (voz, guitarras, teclados), Gerald Kirsch (bajo) y Nick Mavridis (batería, teclados, coros). Pero no fue hasta el 2009 que editaron su debut, quizá en una línea algo diferente al que nos ocupa. "Vortex" es su cuarto álbum, ahora como dúo, con Koller y Kirsch repartiéndose el bajo, junto al ocasional Jan Wendler. Koller se hace cargo también de un completo set teclistico de vieja cosecha : Hammond, Mellotron, Piano, Casiotone (!?), Clavinet, Moog y Theremin. La portada de "Vortex" ya puede darnos una idea de lo que aquí encontraremos. De hecho es casi idéntica al "Time Machine", (título que también sería apropiado), de Dzyan. Retro kraut psicodélico con un mucho del progresivo hard alemán 70s. Cosa fina.

El comienzo de "Vortex" (16'36), con sus cinco partes subdivididas, parece el "July Morning" de Uriah Heep, y esto se llama "To the Centre". "Turbulence" es mucho más psico, con envolventes Hammond + Leslie y stoned voice al estilo de los primeros Message o Nektar. La máquina del tiempo funciona perfectamente para éste grupo. "Silence" conlleva una calma tensa al modo "No Quarter", que enlaza con "Vortex", en una fidedigna recreación psych ambiental de Amón Duul II. Los floydismos de la parte final, "Floating", los emparenta con Jane o Eloy ("Floating"...recuerdas?), en total estilo germánico.

Otro momento fuerte del disco es "March of the Cyclops Part 1 & 2" (6'01), fílmica exposición de pureza electrónica con montaña rusa de sonidos que muy bien podrían ser Brainticket.

En la cara B, "Parade" (4'01) y "Mountain" (3'42) son un pequeño homenaje zeppelinesco con un teclista tipo Ken Hensley al órgano y mellotron respectivos. Un total living in the past que se agradece no por nostalgia, sino por su enorme calidad propia de aquellos tiempos.

Lo mismo para "Into the Light" (7'06), mística hard psych de cosecha vintage made in Birthcontrol o Analogy, y en su misma cuerda melódico -alucinada. "Soon After" (3'17) es un pequeño ejercicio norteño instrumental, con gélido mellotron de arte funerario extraído de los fiordos progresivos.

Finalizando con otra maravilla art psych como es "Epilogue" (16'00), que refleja fielmente la depresiva belleza del arte de portada. Musicalmente esplendoroso y con el orgullo de recrear un glorioso pasado musical de su país, Mouth se han marcado otro de esos discos del año. Para colocar al lado de las joyas de Eye, por ejemplo.

No se han prodigado mucho Mouth en grabaciones, siendo ésta la cuarta entrega en 17 años. Pero oye, es la mejor de largo. Y además tenemos noticias frescas.

Hace sólo unos días ponían en circulación "Live '71", su título ya lo dice todo. Habrá que devorarlo con ansia viva si le imprimen la energía del directo a éste fastuoso material fuera de tiempo y modas. Simplemente estratosférico.

J.J. IGLESIAS

Temas

1. Vortex - 0:00

2. March Of The Cyclopes - 16:32

3. Parade - 22:33

4. Mountain - 26:35

5. Into The Light - 30:15

6. Soon After... - 37:21

7. Epilogue - 40:37

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Este siguiente paso sería muy arriesgado porque en su empeño de “hacer música pura sin cortapisas” se nos van a meter de lleno en el mundo de la improvisación y el free-jazz. Isildurs quieren llegar lo más lejos posible, pero se van a enfrentar a algunos fans progs que no van a entender muy bien el cambio hacia el jazz libre vanguardista y áspero de escucha.

A todos alguna vez nos gusta hacer cosas raras en términos musicales claro y a veces sale bien y otras es una cagada completa. Para que una cosa improvisada salga bien, o bien eres un músico impresionante o ese día se te aparece la virgen. Eso lo entienden muy bien los “no músicos” que si no se les aparece la virgen como digo, la cosa es un completo desastre. Música se puede hacer con cualquier cosa, otra cosa es que sea “música”. Esta conversación la he tenido con defensores de dejar “el micrófono o la grabadora abierta” y que dios nos asista y con los defensores del “orden” sonoro y el oído romántico. Ambos buenos amigos míos. Todos tienen razón y esa es la grandeza de la música y de las “Mind” abiertas. Otra cosa son los gustos personales y el grado de locura de cada uno y ahí la cosa cambia porque entramos en el mundo de lo subjetivo.

“Mind vol 3” es el caso de músicos impresionantes que se han dejado llevar por completo. El disco “es un mano a mano” entre dos tríos: Mats Johansson, kjell Sverinsson y Jonas Christophs por la parte Isildurs que nos toca y un trío italiano llamado Metamorfosi integrado por Christian Sagesse : guitarra acústica, Luca Calabrese: Trompeta y fiscornio y Franco Feruglio al contrabajo. El resultado son dos largas improvisaciones “The Octagon” con 20 mtos y un monstruito llamado “L évento” de 56 mtos ambas con sus múltiples subdivisiones. A Miles Davis en sus años locos le solían decir sus músicos “maestro en que tonalidad tocamos”…la respuesta indiferente de Miles era “en la que os salga de los cojones”. Músicos de jazz, como el español Tete Montoliu, (y está documentado), se echaban las manos en la cabeza y no entendían nada. Yo recuerdo que hace ya muchos años me salí de un concierto del pianista Cecyl Taylor porque aquello fue insoportable para mí mientras otros “alucinaban pepinillos” Anécdotas de estas hay muchas y variadas. No quiero asustaros porque en este caso la audición es mínimamente soportable , incluso a veces accesible.

Recuerdo los tiempos del sello ECM donde las marcianadas de free jazz se la ponían dura a muchos snobs, aunque la mayoría no entendía nada y aquello era entre divertido y patético. No es un disco que quiera comentaros porque prefiero que se oiga y que cada uno saque sus propias conclusiones. Es música improvisada, difícil, impecablemente echa desde luego, pero no busquéis emoción. Las matemáticas son probablemente interesantes, pero yo, pobre de mí, nunca las he entendido (la poesía tampoco que conste).

Alberto Torró

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ETHIVA - Sublime Island (2017 / CLOSTRIDIUM) (Rockliquias Bandas)

Felix Pappalardi & Creation - Traveling In The Dark - Live ... Denver `76

HAWKWIND - Hawkwind (1970 / LIBERTY-UA)

SECRET OYSTER ‎– Secret Oyster 1973

KARAKORUM - Karakorum (2016 / KARAKORUM)

ISILDURS BANE - M.I.N.D VOLUMEN 1 ( 1997)

PREMIATA FORNERIA MARCONI (Tercera parte) (“L´isola di Niente” )

SOLID RELAX PROJECT - Génesis 2015 (Rockliquias Bandas)

The Allman Brothers Band - Live in Ludlow's Garage 1970

CZESLAW NIEMEN - Katharsis (1975 / MUZA)

DUNCAN MACKAY - Chimera 1974

VOCOKESH - Dr. Hoffman's Bicycle Ride (2010 / PHONOSPHERA)

ISILDURS BANE - Mind Vol II (live) (2001)

PREMIATA FORNERIA MARCONI (cuarta parte) (Live In USA)

URSA - Nulla 2017 (Rockliquias Bandas)

The Allman Brothers Band Featuring Jerry Garcia ‎– Live at the Cow Palace, 1973

BRAVE NEW WORLD - Impressions on Reading Aldous Huxley (1972 / VERTIGO)

Carson ‎– On The Air 1973

MOUTH - Vortex (2017 / BLUNOISE)

ISILDURS BANE - MIND VOL 3 (2003)