Quantcast
Channel: ROCK LIQUIAS
Viewing all 3188 articles
Browse latest View live

PREMIATA FORNERIA MARCONI: Quinta Parte (Chocolate Kings (1975))

$
0
0
ROCK PROGRESIVO ITALIANO (primera temporada: clásicos)

Cuando se editó en España este álbum de la PFM y vi la portada y el título del álbum, me volví a mi casa sin adquirirlo. Me entraron nauseas: una tableta de chocolate envuelta en la bandera americana y un cantante nuevo me hicieron frenar en la compra del LP. Días más tarde alguien más atrevido que yo me dijo que el disco no estaba nada mal. El éxito en los USA les llevó a realizar éste nuevo álbum sin ninguna duda. 

Hay dos portadas y no sé cual es peor, pero eso es lo de menos. La inclusión de Bernardo Lanzetti ( ex Acqua Fragile) a las voces, un italiano que hablaba y pronunciaba correctamente el inglés con una tonalidad áspera al estilo de Peter Gabriel pero en bruto, debió de parecerles una magnífica idea cara al mercado anglosajón. Pero no fue una buena idea para los seguidores de las lindezas y tarantellas premiáticas y aunque Bernardo es un buen cantante y muy personal pese a todo, no es para oídos delicados.

Otra cosa es el aspecto de la composición y la técnica brutal que aquí despliegan sin piedad. Han perdido todo el encanto de sus primeros discos, pero tocan como poseídos por las matemáticas. La sincronización del quinteto instrumental con un Patrick Djivas al bajo sobrehumano, permite a los demás hacer diabluras, pero esta vez tienen mucha prisa, a la música no la dejan “respirar” y una primera escucha del disco con un oído acostumbrado a lo anterior de ellos, hace del asunto una experiencia que en parte aturde. Solo 5 temas y 35 mtos de música para variar en la escasez, pero denso como un bote de leche condensada.


“From Under” tiene ese toque Genesis del que hablaba y parece que PFM haya cambiado de estilo hacia un prog rock mucho más anglosajón dejando sus perfumes mediterráneos, aunque con vericuetos y rápidos cambios muy próximos a la fusión para agradar a otras facciones de oyentes. Afortunadamente Pagani dulcifica mucho el asunto aunque el sonido es bastante oscuro en general. Es la PFM sí…puede,… pero qué coño ha pasado te preguntas?, la velocidad que toma el tema angustia y es de un nivel apabullante pero me temo que la musa que los inspiró al principio, partió hacia los cipreses de la campiña de la Toscana para no volver. 


“Arlequín” es un bonito paseo acústico, pero preferiría que Bernardo estuviese callado, no porque lo haga mal, sino porque con la PFM no pega ni con cola y hay que ser honesto. Lanzetti en solitario tiene incluso cosas interesantes. En la conclusión del tema volvemos a las velocidades prog fusión y los italianos empeñados en ser la Mahavishnu sin necesidad de serlo. El sonido es confuso, falta una mejor relación separación-instrumentos y la pizza se te atraganta. Pero todo pasa rápido. 



La pieza Chocolate Kings es un rock tarantello indigerible, emulando al Celebration pero en hortera. La comercialización hacia mercado yanqui y hasta los ochenteros Kansas cabrían aquí. Un desastre de pieza. 



La cosa mejora al darle la vuelta al vinilo con “Out Of The Roundabout” probablemente lo mejor del disco aunque sin echar cohetes de júbilo. El desgrane inicial de Mussida a la guitarra acústica es de quitarse el sombrero, así como su desarrollo. La melodía es bonita pero sigue recordándome a Genesis aunque algo oxidado por un sonido sucio que Mussida arregla como puede. Lástima porque una mejor producción habría salvado este disco. La guitarra sigue haciendo locuras y Premoli se “esbarra” a gusto con el rhodes. Lanzetti a estas alturas ya me ha cargado lo suficiente pero la velocidad que llevan lo arrasa todo. Termina como empezó. 



La pieza final se llama. “Paper Charms”, más Genesis añejo si cabe y yo ya sé que no estoy oyendo a la Premiata, sino a una estupenda banda que toca de maravilla pero que ha perdido completamente el norte y que tiene sus días contados.



 PFM ha firmado su sentencia por más de una década, que si me lo permitís, por amor propio y vergüenza, nos la saltaremos a la próxima semana.
Alberto Torró




Temas
1. From Under
2. Harlequin
3. Chocolate Kings
4. Out of the Roundabout
5. Paper Charms

Franz Di Cioccio : batería, voz
Patrick Djivas : bajo
Franco Mussida : guitarra, voz
Mauro Pagani : flauta, violín
Flavio Premoli :teclados, voz
Bernardo Lanzetti : voz





Notasi te gusta el artículo compártelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en
                                                                                      
que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias

ONE OF THESE DAYS & THEE HEAVY RANDOM TONE COLOUR LAB - A Peaceful Nacht in Hell (In Four Movements) (2013 / AUTOEDITADO) (Rockliquias Bandas)

$
0
0
Cuando comenzamos con esta sección (ya no tan nueva), dedicada a dar a conocer jóvenes formaciones del país,  pensé que seria limitada y que acabaríamos pronto. Hoy pienso completamente distinto. La cantidad de interesantes bandas con base en los 60 y 70 es tal, que todas las semanas descubro como mínimo un par con pleno derecho de aparecer por aquí. Los de hoy vienen de A Coruña y gustan de largos nombres, largos desarrollos y largos pasillos kaleidoscopicos.


 One of These Days (los resumiremos así), están compuestos por Diego Veiga (guitarras, teclados, voz solista), Joaquim "Joky" Conejos (bajo, voz), Fernando Vilaboy (teclados) y José M. Martínez "Bonham" (batería,  voz). Proceden de mil y una bandas de su zona, entre ellas Luger, Elephant Band o Steelwood. Y su primer álbum exhibe el arte de portada, realmente apropiada a la música,  de Iría Rodríguez. Que puede disfrutarse como se debe en formato vinilo de 500 copias. La psicodelia es el plato fuerte de One of These Days , con perturbadores ingredientes de estilos paralelos hermanados. 


La liturgia lisérgica comienza en "1 Movement - The Word of Instructions for taking opium on a Roof" (10'24). Enseguida se advierte,  teclados vintage mediante, estructuras melódicas ondulantes. Y que Pink Floyd de primeros 70 son una fuerte fuente, que no única.  Suenan rítmicamente poderosos, con pegada colosal segura y arreglos psych manufacturados con amor in the sky with diiamonds  (shine on). Pero, alto. El progresivo más norteño también tiene cabida con sonoridades mellotrónicas y cálidos radiadores Hammond. En el minuto 8 se desmelenan con una erizada guitarra que nos sirve "un plato lleno de secretos". Suculento.


"2 Movement - Easier If you play blind" (8'54) es un despliegue en avalancha instrumental que no escatima en Rhodes, órgano,  sintes y guitarra flying (no en forma de flecha, es que vuela). Aquí los primeros Nektar tienen un bonito homenaje, otra leyenda a la que me recuerdan los coruñeses. No lo he dicho todavía,  Pero la producción del norteamericano Paul Ronnie es intachable, profesional y en todo momento fantástica. 




Comienza la cara B con "3 Movement - Nexus 2c,  Beautiful things  (including gurls and chloroform)" (10'15). Evidente sabor krautie cuasi berlinés,  de tangerina  secuenciación. En mutación biomecanoide orgánicamente floydiana, que a mitad del tema explota en mil colores e insospechados cambios deslizantes. Imposible atrapar a ésta anguila fosforescente de sonido. Mola. Mola mucho.


"4 Movement - Further than you can imagine " (12'07) es otro apetitoso combinado psico-progresivo, un "Meddle" gallego hecho con mala hostia hard rock. Desde luego potencia no les falta a estos psico-terroristas mentales.....te matan de placer neuronal y extraordinarias ráfagas  de imprevisible calidad paisajista. Que son cojonudos, vaya. Que saben cómo enervar la sangre del space freak más bregado. Inconmensurable subidón de fiebre psych. Para los "cedefilos", todavía tenemos como bonus "Conxuro" (5'45). Algo muy gallego que en éstas materias queda perfecto en plan ritual tribal vientohalcon.



One of These Days tienen la llave del portal dimensional que te llevará a infinitos mundos. Tan absurdos como éste,  pero infinitamente más amables. En su pócima - queimada hay elegidos ingredientes musicales para que el trip sea beneficioso para tu torturada alma de urbanita loser. Estos tíos te cambian la vida.
En tres palabras : IMPRE-SION-ANTE.....Mensaje desde el Matrix? ......
J.J. IGLESIAS


Contacto:



P.D. : Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70

Notasi te gusta el artículo compártelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en
                                                                                    
que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias

Tasavallan Presidentti - Kuusrock Festivaali, Oulu 1990

$
0
0
Tasavallan Presidentti fue un magnífico grupo finlandés con media docena de discos de los cuales su segunda producción, "Tasavallan Presidentti II", ya paso por Rockliquias. La banda estaba liderada por un excepcional guitarrista, Jukka Tolonen, del cual comentamos su primer disco en solitario, "Tolonen!". Hoy toca recordarlos en el festival de  Kuusrock de 1990.


El festival de Kuusrock se estuvo celebrando entre 1973 y 1991 en la localidad finlandesa de Oulu. En la edición de 1990 se organizó una semana de conciertos previos en algunas salas del pueblo (Café Adam, Casa Estudiantil Rauhala) ese año los cabezas de  cartel fueron Alice Cooper que regresaba al estrellato con su "Trash" y John Mayall con sus Bluesbreakers con Coco Montoya al frente. El resto de bandas fueron las siguientes:

Sábado 07/07/1990
Neljä ruusua
Kolmas nainen
Melrose
Zero Nine
Eppu Normaali
Alice Cooper

Domingo 08/07/1990
Mr. Dick (Oulu)
The Balls
The Phantoms
John Mayall's Bluesbreakers 
Tasavallan Presidentti
Clifters



Tasavallan Presidentti se había disuelto oficialmente en 1974 pero dado el éxito comercial de su guitarrista, Jukka Tolonen, volvieron a reunirse en varias ocasiones. Uno de estos eventos fue en el festival de Kuusrock de 1990. Ocho temas que nos dan una buena muestra de su gran calidad moviéndose con facilidad por el rock, jazz e incluso el blues, la buena versión "Tobacco Road" es una buena prueba de ello. También encontramos el tema "King Kong" de Frank Zappa donde brilla notablemente el saxofonista Juhani Aaltonen. Me recuerdan bastante a los Colosseum La calidad del sonido es excelente, se trata de una grabación de la FM, sólo brevemente interrumpida por unas interferencias radiofónicas en "Drivin´Through".
J.C. Miñana


Temas
01. Intro by Vesa Aaltonen
02. Struggling For Freedom
03. King Kong
04. Drinking
05. Last Quarters Instrumental
06. Falling Deeper
07. I Love You Teddy Bear
08. Driving Through
09. Encore Tobacco Road



Notasi te gusta el artículo compártelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en
                                                                                      
que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias

ULRICH SCHNAUSS - Goodbye (2007 / DOMINO)

$
0
0
Quien le iba a decir al joven Ulrich desde su Kiel natal, que algún día haría sus sueños realidad, hasta más allá de lo imaginable. Aspirante a sintetista y creador de ambientes, da el paso necesario trasladándose a Berlín. Allí empieza a gatear en la electrónica con seudónimos como View to the Future o Ethereal 77. Su soñado primer trabajo grabado saldrá en el 2001, "Far Away Trains Passing By". Colabora con Mojave 3, Airiel, Roedelius y Johannes Schmoelling (el destino, que va dejando señales). Entre el 2007 - 08 ayuda en diferentes trabajos de mezclaje y edita dos EPs. Colabora con Exit Calm y Engineers. Y por fin en 2014 ingresa en Tangerine Dream. "Goodbye" fue su tercer álbum de......pop ambiental?....


La electrónica es absolutamente dominante, aunque nada que ver con la Berlín old school,  que será su marca de fábrica más adelante. Más bien aquí parece estar influido por capas y ritmos computerizados Retro 80s, con una inteligente actualización. De hecho, es similar a sus amigos de Engineers o a la factoría K -Scope, adelantándose al sonido de ésta. Ulrich canta (con una andrógina voz), toca sintetizadores, samplers, electric piano y produce. Y se nota que el estudio es "un teclado más" en sus manos. En un electronic - Phil Spector -modo lleno de muros de sonido y capas de frecuencia dignas de un tsunami sonoro.


"Never Be The Same" (5'38) guía sus raíles hacia el Tony Banks de los 80, y hasta a OMD,  sin la descarada comercialidad de éstos. Magnificencia y pomposidad sónica atractiva y no exenta de mágicas melodías, algo simple, pero eficaz.


De parecida índole es "Shine" (5'48), con un introvertido piano eléctrico minimalista y sonoridades tipo David Sylvian o Eyeless in Gaza.


"Stars" (6'20) es otro notable ejemplo de ambient ochentero puesto al día,  lo que no deja de ser una innovación en el momento. Algo así como coger a This Mortal Coil  y pasarlo por una batidora electonic-pop (o así ).



 "Einfeld" (5'15) y "In Between the Years" (3'52) deben lo suyo a la fascinación naif de Brian Eno.  Aunque Schnauss lo magnigique como marca de la casa.


"Here Today, Gone Tomorrow" (5'05) sería normal encontrarla en un album de Richard Barbieri o los mismos Tangerine Dream de los 90. Como en "Goodbye" (7'54), sacando la vena más amable de éstos por aquellos días. 


John Foxx recrearia a las mil maravillas cosas como "A Song About Hope" (5'55) o "Medusa" (6'21). Lo mismo que la final "For Good" (3'42) quedaría bien como desvarío electrónico de Japan o David Sylvian. 




Ya ves, poco que ver con lo que Ulrich Schnauss se ha convertido ahora. Nada menos que una de las bases en la nueva trilogía  de Tangerine Dream, por encargo expreso post-mortem de Edgar Froese. Y además con una feliz recreación del sonido 70s -época trío. Como demuestra su última entrega   "Quantum Gate", de reciente aparición.  Eso quiere decir que Schnauss es un sintetista-productor cualificado para revivir cualquier capítulo y estilo. Escuchando éste disco, que de malo no tiene nada, uno se da cuenta del abanico de influencias de todos los tiempos que éste músico puede moldear, recrear o transformar. Por eso está donde está,  y lo puso quién lo puso.
A Wizard, A True Star.
J.J. IGLESIAS






Notasi te gusta el artículo compártelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en




que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias

STUD - Goodbye: Live at Command 1973

$
0
0
Cuando Taste se disolvió en 1970 Rory Gallagher comenzó una fulgurante y fructífera carrera en solitario. Pero ¿que pasó con el batería John Wilson y el bajista  Richard  McCracken compañeros de Rory en dicha formación?. Hoy desvelaremos el enigma.


Stud se creó en 1970 teniendo en su formación a John Wilson (batería), Richard  McCracken (bajo) y  Jim Creagan que había estado con los Blossom Toes. Su primer disco, "Stud", lo edita Deram en 1971 con escaso éxito excepto en Alemanía donde realizan una  gira. Al año siguiente prueban suerte en otra discográfica, BASF, y publican "September" con la incorporación de John Weider (Family, The Animals). El resultado fue el mismo, fracaso absoluto. Un año más duró el proyecto.  Basf publicó posteriormente "Goodbye" (1973).


Esta grabación editada cuando Stud ya se habían separado es considerada con el tercer disco de la banda. El concierto se celebró en los estudios Commond de Londres en mayo de 1972 ante un reducido número de personas. Musicalmente podemos encontrar casi de todo. Tiernas baladas como "Samurai" y "Ocean Boogie". La curiosa "Big Bill's Banjo Band" donde el protagonista es el banjo. Y por fin los dos platos fuertes. "Horizon No.2", composición de algo más de 18 minutos donde los protagonistas dan rienda suelta a sus instintos rockeros con los correspondientes solos de cada uno de ellos. Improvisación, jam , todo en uno. Finalizan con "Harpo's Head", un experimento jazz rockero donde el violín de John Weider nos puede recordar a lo que hacía Jerry Goodman en la Mahavishnu Orchestra. Lamentablemente la versión que poseo tiene el tema cortado, originalmente su duración era de 16:52.
J.C. Miñana



Temas
01. Samurai (Jim Cregan) - 2:54
02. Big Bill's Banjo Band (John Weider) - 1:19
03. Horizon No.2 (Jim Cregan - Richard McCracken - John Wilson) - 18:53
04. Ocean Boogie (Jim Cregan) - 3:46
05. Harpo's Head (Jim Cregan - Richard McCracken - John Wilson) - 9:59

Formación:
 Richard "Charlie" McCracken: bajo
John Wilson: batería
John Weider: guitarra, teclados, violín, voz
Jim Cregan: guitarra, voz



Notasi te gusta el artículo compártelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en
                                                                                      
que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias

ARCPELAGO - Simbiose (2016 / ARCPELAGO)

$
0
0
Seguimos con nuestra breve sección  (sólo éste mes), dedicada a rockliquias recientes. Realmente debería ser una sección fija, por la calidad y cantidad existente "around the world".  En éste caso es el debut de los brasileños Arcpelago. Un cuarteto casi instrumental, (no se prodigan en cantar demasiado, aunque lo hacen), que se acogen al sinfo-progresivo con momentos psicodélicos. 


 Estilo típico dentro de la historia del género en Brasil. Lo forman Jorge Carvalho (bajo), Renato Navega (batería), Eduardo Marcolino (guitarras) y Ronaldo Rodrigues (teclados y voz). Éste último fue miembro de los hard prog rockers, Massahara. Si bien  ese grupo se movía por terrenos lindantes con Uriah Heep o Deep Purple, lo de Arcpelago se aleja de esto considerablemente.  


Como así nos advierte "Sopro Vital" (11'08), con reinante Hammond bajo una cabalgada  trotona  de rítmica inteligente. Los solos de órgano y guitarra van repartiéndose una especie de tema-presentación de la banda, realmente estupendo. Por idioma y acometida de estilo, el Prog brasileiro me recuerda por lo general al italiano. En el caso de Arcpelago también,  pero su música abarca toda la historia del género de manera más amplia. Entrando sin problema en el kraut floydiano de Eloy, por ejemplo, cuando no emulando a los propios inventores del estilo.


"Distancia Entre Um  Dia  E Outro" (7'52) marca en su intro una perfecta compenetración bajo-distorsionado/batería.  Adornado por bello Rhodes, al que se une una bluesera guitarra, que acaba eyaculando un fino sólo con la ayuda del wah wah. Puede que te suenen a todo, o a nada en particular. Ese es el mayor don de Arcpelago.


"Ebulliçao Dos Tempos" (5'28) luce habilidades mooger-wakemanianas Ronaldo Rodrigues, tal vez no muy espectacular en la voz , lo que equilibra con su técnica a los vintage keyboards. Eduardo Marcolino es un guitarrista muy marcado por Gilmour, de pura cepa 70s, y junto a los teclados crean unos desarrollos excelentes, afincados en el sentir de ésa década. 



El ritmo del "You Fool No One" purpliano sirve para adentrarnos en "Cidade Solar" (6'48), que pronto es un enérgico tema psicodélico  donde el arcaico y maravilloso Hammond nos lleva a tiempos de Iron Butterfly, Vanilla Fudge, y ocho millones más del pelotón. Incluso me recuerda por momentos al progresivo español de la época,  en particular a Bloque. Eso sí,  la gilmouriana guitarra no nos abandona en la escucha. Realmente se le da bien la técnica Floyd a Marcolino. Phaser + acústicas,  mellotron de suave sabor Crimson/Moody, poético feeling de las seis cuerdas....

"Universos Paralelos" (2'33) suena tan típica,  (flauta emulada con el mello inclusive), que se diría se ha creado un puente dimensional entre aquella recordada década  y la actual. Realmente a nivel chungo, poco ha cambiado.Este corto tema enlaza con el final "Dentro de Sí " (9'51). Bajo a la Squire, organada inspirada en Tony Kaye,  jazzy drummer......"dentro de Yes", efectivamente.



"Simbiose" es un primer album muy majico,  entretenido y que se regodea en la historia clásica del progresivo con pasión de fan-total. Arcpelago son unos "geeks" del Prog que disfrutan de sus amores y gustos, y les importa una mierda lo de moda o no que puedan estar. Para eso ya están otros haciendo "pop prog", engañando al personal que todo lo traga. Lo que no quita para que sea un más que notable album para disfrutar sin prejuicios ni aburridos modernismos que no llevan a ningún lado. Y sí,  Steven Wilson,  estoy pensando en ti. Prefiero esto sin dudarlo. Arcpelago están tan ricamente en su zona de confort. Ponte cómodo y lo disfrutarás como ellos.
J.J. IGLESIAS


Temas
1. Sopro Vital (11:08)
2. Distância Entre Um Dia E Outro (7:52)
3. Ebulição dos Tempos (5:28)
4. Cidade Solar (6:48)
5. Universos Paralelos (2:33)
6. Dentro De Si (9:50)







Notasi te gusta el artículo compártelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en
                                                                                      
que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias

ISILDURS BANE - MIND VOL 4 Pass (2003)

$
0
0
Por primera vez desde tres décadas atrás vuelven a aparecer voces en un disco de Isildurs Bane, siendo éste trabajo un completo antagonista con el volumen anterior. Del jazz free improvisado a perfectas y originales composiciones, difíciles de encuadrar en cualquier estilo. Del refinamiento clasicista y la sofisticación más absoluta al retorcimiento y la oscuridad casi crimsoniana de la época Thrak en algunas partes. 



Pero Isildurs son demasiado sibaritas para parecerse a nadie y la música en general es de difícil clasificación. Van del lirismo absoluto al retorcimiento y la aspereza como si nada. Quieren tocar diferentes palos y este es en realidad un disco completamente “progresivo” en el sentido literal del término.

 El álbum se compone de cuatro mini suites dispares con cuatro subdivisiones cada una: “Here”, “Hope”, “Fear” y “Pass” la única pega es que a veces suenan a demasiado “prog modernillo” depresivo y algo snob, pero esto es un apunte personal dada mi alergia a ciertas bandas insoportables que no cito porque considero que es irrelevante. A ratos es un disco perfectamente aburrido en otras asoman brillos de genialidad. Se alternan una voz femenina y otra masculina y los estados de ánimo cambian a ratos, aunque predomina en hundimiento y la abulia de habitación poco ventilada y de luz mortecina. Yo sé que este disco va a gustar más a las generaciones más post-alternative-progressive-rock, es decir a los más jóvenes. 



Quisiera destacar de la suite “Fear” los ocho mtos de “Idea” quizás dentro de la línea “moderna” que en este disco ejecutan, es lo más interesante y lo mejor desarrollado, aunque tiran a veces peligrosamente hacia el “pop elegante” pero bueno no quiero ponerme “tikismikis” (expresión aragonesa…?) porque los tíos lo hacen francamente bien a años luz de lo mediocre y lo barato. 

En definitiva, el vol 4 de Mind es otro capricho de los suecos para demostrar que su música puede abarcar caminos muy diferentes y variados. Hay partes del disco que me encantan y otras me hacen bostezar, algo parecido a la vida cotidiana, aunque en este sentido hay pocas cosas encantadoras y pasados los 60 años y próximo a la tercera edad (¡que bonito!) solo sirven para confirmar el fraude y la mentira de la vida.
Alberto Torró







Notasi te gusta el artículo compártelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en
                                                                                      
que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias

PREMIATA FORNERIA MARCONI: (sexta parte - un salto en el tiempo) ( wwwpfmpfm.it live 1998)

$
0
0
ROCK PROGRESIVO ITALIANO (primera temporada: clásicos)

La semana pasada os dije que la PFM claudicarían en pos de los tiempos que se avecinan. Ni siquiera Jet Lag de 1977, que aun manteniendo algo de música decente, lograría mantenerlos a flote en el panorama progresivo. Los diez años siguientes serían un grupo pop italiano que con cada disco (sacaron media docena) la degradación iba en aumento sin la más mínima vergüenza. Para que nos vamos a engañar: la mayoría de las grandes bandas progresivas entre los 80´s y 90´s fueron un fraude para el oyente de nuestro estilo. Aún recuerdo a finales de los 70´s encontrarme con un italiano en Discos Val (tienda de Zaragoza por aquella época) y preguntarle: ¿“oye que ha pasado con el progresivo italiano y la PFM”?. “¡Ohh aquello terminó, se ha acabado, todos quieren ser estrellas pop! hasta Banco!...porca miseria amico!).


En 1987 la PFM después de su última cagada llamada “Miss Baker” guardó silencio hasta 1997. La edición de “Ulisse” su nuevo disco fue de nuevo una decepción, no así su gira para presentar el disco, donde por primera vez en 20 años volverían a tocar algunos de sus viejos temas que sonaban de maravilla. El pfm.it live fue un doble CD que nos devolvió la esperanza a medias, pero algo es algo. Nos esperaba una de cal y otra de arena hasta llegar a día de hoy. El neo prog estaba dando frutos en los 90 y a Mussida y compañía los cogió algo desprevenidos y mosqueados. Un aspecto que me cabrea de esta época en las bandas clásicas, es que según veían los tiempos, cambiaban de chaqueta sin problemas. No sé que pretendían haciendo música barata o mala, porque tampoco vendían haciendo mierda popular y mainstream. Con una reputación ya creada entre fans del progresivo, no es más sencillo e inteligente hacer buena música?...pregunto o igual estoy equivocado. El que busca música mala y comercial se va a los jóvenes y actuales grupitos de moda en cada época, pero no compran antiguallas. Dedícate a vivir de las rentas, pero no hagas el ridículo y encima des argumentos a los que odian este tipo de música que son muchos os lo aseguro. 


PFM lo intentó de nuevo con “Serendipity” en el 2000, nadando entre dos aguas, sí pero no, no hay nada peor que la indecisión. O sacas un disco bueno para restablecer la confianza de tus viejos seguidores o déjate de mariconadas. El poder y no querer es una de las cosas que más aborrezco en música y ellos pueden, pero no quieren. La historia de este argumento tan lógico, al menos para mí se repitió en Génesis, en Yes, en Oldfield, En Jethro Tull, en ELP, en The Enid en Pink Floyd y en tantos y tantos otros. Advenedizos con más o menos buenas intenciones como Marillion, Pendragon, Arena… etc…y salvaría a IQ porque es un buen grupo y honesto, incluso los excelentes escoceses Pallas se les comieron el terreno a los clásicos y estos en parte intentaron reaccionar. Tarde para muchos o desidia de la edad. Da igual. 

Yo creo que PFM, aunque el bueno de Franz Di Cioccio, defienda cada época de la banda, se dio cuenta del panorama y de errores pasados y en parte iban a enderezar el camino, afortunadamente.
Alberto Torró




Notasi te gusta el artículo compártelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en
                                                                                      
que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias

SOMBRA - Visiones (2017 / FURIA) (Rockliquias Bandas)

$
0
0
Formados en Oviedo en el 2015, Sombra es un power trío  psych rock que aglutina también en su ADN progresivo, kraut y lo que se tercie (hasta el flamenco rock aseguran que les influye). Realmente son un spin-off de la banda Acid Mess,  - otros que habrá  que apuntar por aquí -. Ya que tanto Borja como Miguel pertenecen a ese combo. Además de Juan Villamil,  completando un trío verdaderamente prometedor. 


Ya en el año de su fundación presentaron excelentes maneras con la homónima demo de presentación. Ahora se estrenan oficialmente con música instrumental de poderío absoluto 70s. Psicodelia nervuda hendrixiana, como la inicial "Brumosa Apariencia" (7'42), llena de wah wah caustico y cambios rítmicos por doquier. 


Parecidos con Three Seasons, Siena Root o Magnolia, sí,  se me antojan muy retro-escandinavos, no sé porqué. "Mano Negra" (8'05) sigue caminos embarrados en la mejor tradición heavy progressive alemana, con melodías campeonas y matemática rítmica superlativa. Al estilo de Hairy Chapter, Tiger B. Smith o Silberbart. El final del corte es algo así como un Robin Trower desbocado en un maremoto rítmico arrasador. Con gusto, oiga. 

Algo más progresivo es "Espiral" (3'37), con un saxo a la Mel Collins y por ende, conexiones crimsonianas. Bonito a la par que misterioso.


Volvemos la cara vinilica, (sí,  por 15 pavos lo tienes), y entra "Abraxas" (4'11) dando a la manivela del tiempo hacia atrás,  con imponentes ráfagas kaleidoscopicas en efectos de guitarramen y portentosos ritmos. A éste respecto, gozada seguir a la sección ritmera, mientras hablan las seis cuerdas el lenguaje universal de la mejor música.

 Que en "Gran Sol" (8'12) se traduce en más desarrollos poseídos por el demonio de la creatividad en estado puro, neto y con las pagas prorrateadas, pero sin derecho a paro. Estos no paran ni aunque los aten. Su exposición instru es aquí apabullante,  casi entrando en el stoner mudo, pero con enjundia y sesera. Probablemente es mi tema favorito, (aunque puedo cambiar de opinión si me enseñas el plato de jamón).


Finalmente "Quimera" (7'48) nos envuelve en su eléctrica galopante como una aparición mariana (por Frank Marino). El bajo vomita notas obesas y sucias, la guitarra lo seduce en contoneos psico-reptilianos, y el motor bateristico bombea latidos rítmicos de contundencia martilleante, que en vez de baquetas lleva dos Mjolnir, éste hombre. 

En definitiva un discazo excepcional, para devorar con repetido hambre musicanibal. Éstos tíos ya se han batido en duelo escénico con los japoneses Kikagaku Moyo  (buen set, voto a bríos!), o con los cósmicos Mars Red Sky.  Así que poca broma.
Que "Visiones" es una de las bombas nacionales del año.
J.J. IGLESIAS



Temas
1.Brumosa Apariencia 07:42
2.Mano Negra 08:05
3.Espiral 03:37
4.Abraxas 04:11
5.Gran Sol 08:12
6.Quimera 07:48




Contacto:



P.D. : Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70

Notasi te gusta el artículo compártelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en
                                                                                    
que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias

The Marshall Tucker Band ‎– Way Out West! Live From San Francisco 1973

$
0
0
En 2010 la compañía Ramblin' Records perteneciente a The Marshall Tucker Band rescató una grabación de radio de uno de sus primeros conciertos. En algunas ocasiones son los propios grupos los que editan viejas grabaciones  (la pela es la pela) para el deleite de sus fieles seguidores. En este caso la edición de dicho documento está plenamente justificada. Es canela fina.


The Marshall Tucker Band se creo en 1972 cuando Toy Caldwell (guitarra) y George Mccorkle (guitarra) reorganizan Toy Factory fichando a Tommy Caldwell (bajo), Doug Gray (voz),  Paul Riddle (batería) y Jerry Eubanks (saxo,flauta).  El nombre de la banda hacía referencia a un afinador de pianos ciegos del área de Spartanburg. En 1973 editan su primer disco, "The Marshall Tucker Band", alcanzando un notable éxito que les da la posibilidad de realizar una larga gira con The Allman Brothers. A partir de ese momento comienza una larga carrera hasta nuestros días con casi una veintena de discos.


El concierto fue organizado por Bill Graham en el Winterland de San Francisco el 26 de septiembre de 1973. Marshall Tucker Band estaba de gira con los Allman Brothers. El "setlist" lo componen prácticamente temas de su primer disco que se había editado en abril de ese mismo año. También nos adelantan dos temas ,  "Another Cruel Love" y "24 Hours at a Time", de su segunda producción "A New Life". 

La actuación comienza con el dinámico "Hillbilly Band" con un esplendido riff de guitarra a cargo de Toy Caldwell. Sonido sureño en su máxima expresión. Continúan con "Another Cruel Love", el tandem Doug Gray (voz) y Toy Caldwell es perfecto. En "Take The Highway" podemos escuchar a Jerry Eubanks tocando la flauta en perfecta simbiosis con el resto del grupo. Destacable la replica de Toy con la guitarra. Uno de mis temas preferidos de la noche. 

No podía faltar , "Can't You See", ese riff de guitarra es uno de los más acertados del rock sureño. El aspecto campestre y country llega de la mano de "See You Later, I'm Gone". "Ramblin" nos muestra la fuerza rockera de la banda con Doug Gray totalmente desatado. 

Llegamos al punto álgido de la noche, la interpretación del blues "Everyday (I Have The Blues)", nuevamente magistral la interpretacion de Toy Caldwell muy en la línea de Duane Allman y Dickey Betts. Trece minutos de éxtasis sureño. La velada finaliza con "24 Hours At A Time", un adelanto de su segundo disco que editarían en febrero de 1974.
J.C. Miñana






Notasi te gusta el artículo compártelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en
                                                                                      
que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias

MOONDOG - Moondog 2 (1971 / COLUMBIA) (Serie Pioneros)

$
0
0
Louis Thomas Harding, Moondog,  no fue un pionero de la electrónica "per se", puesto que sus instrumentos abarcaban innumerables percusiones, corales e instrumentos inventados por él mismo. Pero sí ayudó en su desarrollo desde un punto de vista estético,  teórico y estilístico. En éste álbum en particular, usaba clavicordios, pianos y otros instrumentos de teclado de sonido más bien añejo, (entre otros muchos), para su inclasificable música.  Que luego sería bautizada de muchas formas, entre ellas, minimalista. Por decir algo.


Ciego desde los 16 años por una explosión en la granja paterna de un pueblo perdido de Kansas, Moondog se trasladó a New York en los años 40. Con dos metros de altura, y sus largas melenas y barbas, hacían que lo compararan con Jesucristo, cosa que a nuestro hombre no le hacía ninguna gracia. Así que adoptó el sobrenombre de Moondog, vistiendo ropas de vikingo con casco de cuernos y todo, haciendo de las calles de la Sexta Avenida en Manhattan su lugar de residencia desde los finales años 40. Se convirtió en un personaje popular y hasta turístico,  por la urbe de la Gran Manzana. Hizo buena amistad con Leonard Bernstein, Arturo Toscanini, Igor Stravinsky, Charlie Parker o Benny Goodman, que se paraban a escuchar su música inclasificable entre sorprendidos y maravillados. Éstas amistades le serían decisivas en el pleito que le puso al famoso presentador de radio, Alan Freeman, por titular a su programa "Moondog Show", mientras utilizaba como sintonía la "Moondog Symphony n* 1", de Moondog. Vaya morro.

Lucir como Odin en una corte de los años 50 no era lo más adecuado para que te tomaran en serio (ahora tampoco). Tuvieron que testificar Bernstein, Toscanini y Stravinsky para que el inculto juez de turno lo tomara por el ilustre compositor que era. Un hiatus de 10 años de silencio musical grabado acabó cuando James William Guercio (responsable del éxito de Chicago), le abrió las puertas de los Columbia Studios en 1969. Éste "Moondog 2", en realidad su sexto álbum, (el primero real data de 1953, habiendo registrado varios singles y EPs en los años 40), profetiza tanto la mística kraut, como la world music o el contrapunto y serialismo minimalista. En su escucha puedes apreciar increíbles parecidos con Gentle Giant, Yes, Pentangle, Renaissance, Mike Oldfield, Phillip Glass o Steve Reich.



Un buen día de primeros 70, Moondog  desapareció  de su amada Sexta Avenida, trasladándose a Alemania, donde fue acogido por una familia en Münster, Westfalia, fascinada por su inmensa cultura y personalidad. Allí moriría de un ataque al corazón en 1999, su tumba fue diseñada por Ernst Fuchs, y el año pasado hubiera cumplido 110 años.

La veintena de álbumes grabados no es nada en comparación con los cientos de madrigales, casi un centenar de sinfonías,  piezas para órgano y piano o para orquestas de viento y cuerda, que dejó escritas. Éste año debió estrenarse (quizá para el 2018), el documental "The Viking of 6th Avenue", dedicado a su increíble vida. Un verdadero pionero y amante de la libertad, éste fascinante "aqualung" apasionado por la cultura nórdica. 
J.J. IGLESIAS



Temas
1. 00:00 "Bells Are Ringing"
2. 01:21 "Voices Of Spring"
3. 03:10 "What's The Most Exciting Thing"
4. 05:43 "All Is Loneliness"
5. 07:02 "Couplet"
6. 07:12 "My Tiny Butterfly"
7. 08:26 "Why Spend A Dark Night With Me"
8. 09:37 "Coffee Beans"
9. 11:50 "Down Is Up"
10. 12:58 "Be A Hobo"
11. 14:08 "Remember"
12. 16:03 "I Love You"
13. 17:14 "Nero's Expedition"
14. 19:08 "No, The Wheel Was Never Invented"
15. 20:28 "With My Wealth"
16. 22:05 "This Student Of Life"
17. 23:31 "Some Trust All"
18. 25:01 "Wine, Woman And Song"
19. 27:25 "Sadness"
20. 28:48 "Maybe"
21. 30:53 "Each Today Is Yesterday's Tomorrow"
22. 32:32 "Imagine"
23. 34:51 "You The Vandal"
24. 37:01 "Trees Against The Sky"
25. 38:22 "Behold"
26. 39:51 "Sparrow"
27. 41:35 "Pastoral"



Notasi te gusta el artículo compártelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en




que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias

ROCKLIQUIAS

$
0
0
Después de más de cuatro años cerrando nuestros artículos con las ilustración del logo de Rockliquias sobre fondo de entradas de conciertos ha llegado la hora de jubilarla. Nuestro redactor y artista Alberto Torró ha diseñado una nueva reflejando de alguna manera todo aquello que podéis encontrar en nuestra web.

Aprovechando que estamos finalizando el año podemos hacer un pequeño balance. En cuanto al número de visitantes la cifra ha aumentado notablemente sobre todo en lo que se refiere a nuestros amigos del continente americano, muchas gracias por vuestro apoyo. Nuestra gran asignatura pendiente es captar a mas lectores de nuestro país. No sé cuál es el problema. Se aceptan sugerencias.

En el apartado de contenidos hemos publicado unos 350 artículos, casi uno diario, para un total de más de 1.300, abarcando todo tipo de géneros:

Blues (110)
Hard Rock (270)
Rock (269)
stoner (12)

NUESTROS MONOGRÁFICOS


NUESTRAS SECCIONES ESPECIALES

bootleg (103)

Y NUESTRAS DOS ÚLTIMAS INCORPORACIONES






Bueno sólo queda desearos felices fiestas y que el próximo año sigamos juntos descubriendo joyas perdidas del rock



Notasi te gusta el artículo compártelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en
                                                                                      
que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias

GYPSY SUN REVIVAL - Journey Outside of Time (2017 / NASONI)

$
0
0
Texas es tierra florida en bandas psicodélicas para la historia : The Moving Sidewalks, Corpus, Josefus,  The 13th Floor Elevators, The Red Krayola, Bubble Puppy, Fever Tree, American Blues......Rica tradición que ahora Gypsy Sun Revival quieren seguir conservando. El año pasado vio la edición de su homónimo debut como power trío. Lee Ryan (voz, bajo y órgano), Will Weise (guitarra y theremin) y Ben Harwood (batería,  percusión,  synth).construyeron una carta de presentación absolutamente convincente. Donde los guiños hendrixianos no estaban sólo en el nombre de la banda. Ampliando el espectro de influencias hasta los ilimitados horizontes del kraut rock. De hecho, el sello alemán Nasoni se encarga de editar sus trabajos, por supuesto también en vinilo (y de colores).


La sorpresa, todavía reciente, ha sido ver cómo Gypsy Sun Revival se convertían para éste "Journey Outside of Time", (apropiado bautizo), en un quinteto. Con la suma de Mario Rodríguez a la voz solista y Tyler Gene Davis al órgano. 


Grabado en los Crystal Clear Sound Studios de Dallas, el equipo grabador también fue de lujo. Kent Stump (Wo Fat) y John McBain (Monster Magnet) han reforzado la avalancha de ésta nueva entrega. Que comienza poco a poco hasta llegar a niveles aceptables de lisergia con "Cadillac to México" (4'54). La guitarra es un homenaje constante a San Hendrix y todos sus discípulos, sin que tampoco sea un onanismo eléctrico contínuo. Ahora es una banda más compacta (si cabe) y rica en matices. El órgano es una tela de araña psico de total complicidad con los ritmos cavernícolas. 

"To the Sky" (4'13) sigue esa estela stoner psych, como un modo rápido de presentarnos ésta nueva versión de la banda. Nada que objetar. 

"Indigo" (8'40) comienza como un outtake de "Electric Ladyland" que te eriza cualquier pelo del cuerpo y te calienta la sangre, si sientes esto como lo siento yo, hasta la ebullición. Mira que llevo años en esto, pero es oír una guitarra hendrixiana,  (no hace falta que provenga del Dios de Seattle), y me entran ganas de invadir Polonia. El desarrollo del tema echa además otros condimentos a la explosiva salsa , primeros Monster Magnet, The Stooges o Mahogany Rush, inicial etapa "Maxoon". Imagina. 

El comienzo de "Growing Shadows" (4'25) puede tener ramalazos de Black Crowes (ese órgano queda perfecto), pero pronto dan volantazo stoner, acabando gloriosos. 


La segunda cara inicia un "Pisces (Part 1)" (8'07) casi gilmouriano, reptilesco, ondulante,  fascinante, lleno de cambios y ganas de sorprender. Mucha clase y oficio, veo en éstos tejanos. La parte final se deja llevar en una espiral de sonidos electrónicos, bajo una base rítmica tribal, no alejada de Embryo, Guru Guru o My Solid Ground.

Que en sus arabescos nos introduce en "Pisces (Part 2)" (6'34) , de fuerte contenido místico - instrumental y olor a patchouli y weed.

 "Departure" (8'55) pone fin a éste trance enfebrecido, que viaja por las afueras del tiempo con placentera comodidad y en primera clase.

Hendrix en jam con Ash Ra Tempel? No se aleja mucho la descripción,  puntualizando que Gypsy Sun Revival le imprimen fuertes dosis de esteroides stoner a su mierda de primera calidad. Otro de mis destacados del año, y por la parte alta de la clasificación. Alucinaos con pitera. 
J.J. IGLESIAS



Temas
1.  Cadillac to Mexico - 0:00
2.  To the Sky - 4:53
3.  Indigo - 9:06
4.  Growing Shadows - 14:46
5.  Pisces (Part 1) - 19:10
6.  Pisces (Part 2) - 27:18
7.  Departure - 33:53








Notasi te gusta el artículo compártelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en
                                                                                      
que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias

ISILDURS BANE - MIND VOL 5 (The Observatory) (2005) (DVD)

$
0
0
Con este DVD pondrían final a la serie Mind en un concierto de 120 mtos grabado en su Suecia natal. En parte podríamos considerar que el trabajo continúa de la línea creada en el anterior vol 4, algunas sofisticadas canciones en la voz de Mariette Hansson, cortes paranoicos a la Crimson moderna, e instrumentales indefinidos. Como dije en el anterior, la línea es más impersonal que antaño con un sonido cercano al post rock, incluso al rollo indie. Podría ser cualquier grupo actual con la característica frialdad de los tiempos que corren. 


El volumen 1 y su aventurera música ya queda muy lejos y el sello de marca Isildurs parece desvanecerse en aras hacia no sé donde y vuelve esa habitación gris y opaca donde la luz no trasluce y mucho menos alguna esperanza. Las melodías son tristes, apagadas y hasta depresivas. Hay una sensación de muerte y desesperación y de locura contenida. La instrumentación ya no vibra como antes. Ahora se arrastra por fangos y moho y la guitarra solista no inspira nada inocente. La música es opresiva y carente de brillo expresivo. Ideal para chavales sin futuro y sin esperanza. El pretendido lirismo es angustia que se sienta en el suelo con la espalda apoyada a la pared y con la capucha de la sudadera de algodón húmedo sin retirar de la cabeza en brazos caídos y rostro pálido de un mal viaje. Botellas vacías en el suelo y colillas mal apagadas. Veo esa imagen al escuchar muchos tramos de este disco: humedad, oscuridad y frío. Los ocasionales arreglos de cuerda le dan cierta dignidad en algunas partes, pero la tristeza lo acapara todo. Los títulos son elocuentes: Jaula, Pérdida, Rabia, Sin Gracia etc… Me recuerda a otras épocas de juventud cuando el alma todavía no estaba tan endurecida como ahora y era proclive al llanto, porque el humor irreverente y el maravilloso escepticismo, aun no nos habían sanado.  

Afortunadamente algunos segmentos de la segunda parte del concierto dan rienda a clásicos de Isildurs y volvemos a encontrarnos con una selección de temas del Voyage y con la música enrevesada instrumental, y aunque vuelven de vez en cuando a la abulia de las canciones, el equilibrio de música pura, va amortiguando solo en parte lo que en un porcentaje demasiado amplio es música gris. En general falta vida y aun con todos sus claroscuros, más oscuros que claros que conste, todo está muy bien hecho, porque son buenos músicos, pero uno espera mucho más y confiemos que esté por llegar. La música es el reflejo de los tiempos y aquel “no future” que anticipó la dramática y paranoica música de Peter Hammill en los 70´s, hoy casi amable en comparación, ha superado con creces las perspectivas.
Alberto Torró



Notasi te gusta el artículo compártelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en
                                                                                      
que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias

PREMIATA FORNERIA MARCONI: (séptima parte) Live in Japan 2002

$
0
0
ROCK PROGRESIVO ITALIANO (primera temporada: clásicos)

Bueno el inicio de siglo parece ser una vuelta al sentido prog de la PFM, pero sin ilusionarse por completo. Dos décadas haciendo música pop y comercial tienen su peso específico y una carga difícil de eliminar. Vieron “el percal” como decimos en España en el sentido de “lo que nosotros dejamos ahora vuelve… pues venga nosotros también que para eso lo empezamos”. Tan como hicieron Yes con sus interminables retornos con Wakeman para recuperar lo mejor de su producción, la Premiata da un baño de actualidad a sus viejos temas y el resultado de sus conciertos en Tokyo es más que agradecido. 

Suenan impecablemente, ya no está Mauro Pagani y es una pena, pero su sustituto Lucio Fabbri es un tipo competente y excelente músico que además de violín toca teclados. El bueno de Flavio Premoli está en plena forma y es una gozada escucharlo. Ahí están Djivas, Mussida y Di Gioccio para completar el eterno combo y la magia italiana vuelve a despegar. 

Sorpresivamente el primer CD se abre con la voz de Peter Hammill en la fantástica pieza “Sea Of Memories”. Probablemente una pieza en estudio fuera de contexto.  Es sabido que miembros de Van Der Graaf están relacionados con el mundo del RPI, de hecho, Hammill ha traducido letras para grupos como Le Orme entre otros. La pieza de inicio suena tremendamente prog y Mussida demuestra lo que es, un guitarrista fuera de serie. “Bandera Bianca” es una adaptación algo pop de un tema de Franco Battiato con ribetes Dylan que desentona algo, pero no ofende y es pasable. 

El concierto en sí, se abre con una dura y pulsante versión de la “Carrozza Di Hans” que por otra parte suena fantástica. Seguirán joyitas como “River Of Life”, “Photos Of Ghosts” y “Out Of The Rounddabout” música a prueba del tiempo y modas más algunas concesiones poperas como la “Revolutione” o “Souonare Souonare” pero no podemos hacer nada, porque como digo dos décadas mediocres pesan. Se arregla la cosa con “Promenade The Puzzle” y la delicadeza de “Dove Quando”.


 El segundo CD continúa alegrándonos el día con “Il Banchetto” en reducida versión y la “Dolcissima Maria”. Dos largas versiones de “Maestro della Voce” y “Si Piu Fare” de sus tiempos de ligereza pero decentes dentro de lo que cabe esperar. Seguirán “Mr Till 5-9”, “Alta Loma”, improvisaciones de violín y un final muy digno hacia la excelencia con “Impresioni Di Septembre”, “E Festa” y la eterna y maravillosa “La Luna Nuova”. 

Una vuelta premiática totalmente recomendable y disco fijo para los fans de la banda. Editado por Sony el sonido es perfecto y cada disco supera los 70 mtos. No hay excusa para no tener este doble CD. Bonita portada de arte clásico japonés.
Alberto Torró






Notasi te gusta el artículo compártelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en
                                                                                      
que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias

GLASSWORK - Fear and Trembling 2017 (Rockliquias Bandas)

$
0
0
Esta banda malagueña se fraguó dentro del seno del grupo de power metal Eternal Dream. Tres de su miembros, Miguel Ángel Rey (batería, voz), Álvaro Sabín (guitarras) y César Rodríguez (teclados, flauta) decidieron aunar sus esfuerzos e inquietudes musicales para lanzarse a un nuevo proyecto, Glasswork. Estamos en 2013.


En abril de ese mismo año editan su primer EP, "Glasswork", que sería un adelanto de su primer larga duración publicado en marzo de 2015. Bajo el título de "Knots" y mezclado por Niko Hartmann en Eternal Studios.

.

En esas mismas fechas se incorpora Fernando Domínguez (bajo) completando la formación actual.  Conciertos diversos por el territorio español y su Málaga querida hasta llegar a enero de 2017 que ve la luz un nuevo EP con dos temas, "A Conundrum​/​Trembling", que se incluyen en su nuevo disco, " Fear and Trembling ", editado en marzo. La presentación se realizó en la Caja Blanca de Málaga y posteriormente junto a Cró en la sala Velvet.



La banda a madurado notablemente técnica y compositivamente. Nos encontramos ante una obra conceptual inspirada en el ensayo "Fear and Trembling" del pensador danés Søren Kierkegaard. La explicación a todo esto nos la da el propio César Rodríguez: 

"Nuestro disco está, en cuanto a las letras y motivos, temáticamente inspirado en dicho ensayo. Más directa o indirectamente, todas las canciones del álbum tratan algún asunto desarrollado en el texto. El tema general podría enmarcarse dentro del viejo debate "razón vs fe", pero en un contexto significativamente diferente al tradicional (San Agustín, Santo Tomás, etc). En el caso de Kierkegaard, él está viviendo un momento crucial en, por así decirlo, la llegada del "monopolio" de la razón, y además de una razón rancia y soberbia. Al comienzo del libro cuenta con ironía que los pensadores de su tiempo han superado los misterios de la fe gracias a la razón, mientras que él sigue siquiera sin comprender nada de la fe. Así pues, el autor se propone halar de estos misterios a través del famoso relato bíblico en el que Abraham es llamado a sacrificar a su hijo Isaac como prueba de fe. A partir de ahí desarrolla toda una serie de hilos: la paradoja en sí de que algo éticamente condenable pueda ser, más allá de la norma universal, bueno; la relación entre padre e hijo, tensa por la incomprensión por parte del segundo del difícil papel del primero (y viceversa); la relación del hombre con el absoluto; el silencio ante Sarah, la mujer de Abraham; el estremecimiento que supone la sensación de poder estar errado, ser un malvado, un criminal... También tomamos alguna que otra noción que ya había aparecido disimuladamente en nuestro primer album (Knots), como la de "el caballero de la fe" (the faith knight). En definitiva, incluso con ese aire trágico propio del filósofo, el sabor que queda al final es el de una especie de propuesta de vida: las verdaderas y más cruciales decisiones no han de ser tomadas en base a un entendimiento racional (tal y como ahora se entiende lo racional), sino algo más parecido a un acto más ciego, que Kierkegaard llamaría salto de fe. Evidentemente cabe el debate en este asunto... pero un disco da para lo que da!"


Al margen de disquisiciones filosóficas la banda nos ofrecen ocho temas de un gran rock progresivo aunado diversas tendencias e influencias musicales. Las referencias andaluzas ("Fear") se manifiestan a lo largo de la composición sabiamente mezcladas con elementos progresivos propios de otros tiempos.  En diversas partes de su obra podemos encontrar reminiscencias a grupos como Camel, en el tratamiento de la flauta y los teclados se acerca en muchos momentos a los de la banda de Latimer. Las voces me hace recordar a los primeros Yes aunque la fuerza de la guitarra de Álvaro nos devuelve a su pasado en Eternal Dream. Otras influencias las descubrimos en la parte central de "A song for Sarah", una mezcla entre Marillion y Medina Azahara. Temas destacados sin duda  "A Conundrum", cercanos a Dream Theater y "Desert Shapes" con su gran riff de guitarra. Gran trabajo de estos malagueños en un estilo musical que poco a poco va resurgiendo.
J.C. Miñana










Contacto:



P.D. : Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70

Notasi te gusta el artículo compártelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en
                                                                                    
que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias

Cold Blood - Live at the Fillmore West 1971

$
0
0
Ya hemos hablado en varias ocasiones sobre los  conciertos que organizó Bill Graham para el cierre del Fillmore West (It's A Beautiful Day - Live at the Fillmore West 1971Creedence Clearwater Revival - Live Fillmore West 1971). Hoy nos centraremos en la actuación de Cold Blood el 30 de junio de 1971.


La banda comienza su carrera en 1969 teniendo en sus filas a Larry Field (guitarra solista), Lydia Pense (voz), Danny Hull (saxofón tenor), Larry Jonutz (trompeta), Pat O'Hara (trombón), Raúl Matute (órgano de Hammond, piano), Jerry Jonutz (barítono, saxofón alto y tenor), David Padron (trompeta) , Rod Ellicott (bajo) y Frank Davis (batería). Ese mismo año realizan una memorable actuación en el Fillmore West impresionando a Bill Graham que los ficha para su sello discografico. Entre finales de los sesenta y la primera parte de los 70 editaron sus discos más famosos (Cold Blood (1969), Sisyphus (1970), Fist Taste Of Sin (1972) , Thriller (1973) y Lydia (1974)). A finales de los 70 se disolvieron para volverse a reestructurar en los 80 y modificar su nombre en los 90, "Lydia Pense & Cold Blood". A día de hoy todavía siguen en la carretera.


La grabación nos muestra a los Cold Bood   dentro de los conciertos organizados por Bill Graham por el cierre del Fillmore West.  Fueron cinco días de actuaciones comenzando el 30 de junio de 1971 con Boz Scaggs, The Flamin' Groovies, Stoneground y Cold Blood. En cuanto a la música tendremos que meter en la coctelera rock, jazz, blues, funk, algo de soul y todo ello aderezado con una impresionante sección de viento. Resultado: un perfecto sonido "East Bay Grease" ( nombre tomado del primer disco de Tower of Power, otro de los precursores del genero. La banda esta formada por nueve músicos en perfecta sintonía. Al frente la cantante Lydia Pense un "clon" perfecto de Janis Joplin pero con más registros músicales. En el tema "Real Good Thing" realmente parece Janis. Su popularidad fue en aumento hasta hacerse con una parte del nombre del grupo, "Lydia Pense & Cold Blood". Larry Field es el guitarrista encargado de incorporar la vertiente rock-blues, como diría Jesulín "im-presionante". sus solos y riffs le dan fuerza y dinamismo a la banda. Escucha "Let Me Down Easy" donde combina ritmos funk con rockeros o "I Wish I Knew How It Would Feel To Be Free".  En las teclas Raul Matute poniendo su granito con el Hammond, "Lo And Behold", o el piano en las composiciones más jazzisticas como "Funky On My Back". Llegamos al punto fuerte de la banda, una sección de viento integrada por Danny Hull (saxo tenor), Jerry Jonutz(saxo alto, baritono y tenor), Larry Jonutz (trompeta)  y  David Padron (trompeta) en perfecra comunión con Pense y Field para crear el sonido "East Bay Grease". Nada que envidiar a grupos como Chicago o  Blood Sweat And Tears. Por último en la sección rítmica tenemos a Rod Ellicott (Bajo) y Frank Davis  (batería). Temas destacados sin duda el instrumental "Shop Talk" y la versión que hacen del "I Wish I Knew How It Would Feel To Be Free". Buen sonido.
J.C. Miñana





Temas
You Got Me Hummin' 0:00
Too Many People 5:06
Lo And Behold 10:05
Let Me Down Easy 14:36
Funky On My Back 20:00
Real Good Thing 28:58
Watch Your Step 34:41
Shop Talk 40:04
I Wish I Knew How It Would Feel To Be Free 40:24
Understanding 56:34
I Just Want To Make Love To You 1:02:58
I'M A Good Woman 1:14:32





Notasi te gusta el artículo compártelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en
                                                                                      
que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias

RICHARD VIMAL - Migrations (1978 / POLYDOR)

$
0
0
Como la vida misma. El mundo de la música está sujeto a los caprichos del destino del mismo modo. O no. Los diferentes niveles de justicia a veces no son tan casuales. Y sí,  siempre hay ganadores y perdedores.


Richard Vimal pertenece al segundo de estos grupos, pero pudo ser perfectamente del primero. A mediados de los 70 entra en un proyecto del sello francés Barclay, titulado "Je Vous Salue Leur France". Un disco de "chanson française" con el productor Dominique Perrier (Space Art). Este le descubre el fascinante mundo de la electrónica,  y Vimal cae enamorado ante éste nuevo universo paralelo que se abre ante él.  Totalmente autodidacta, compra un Roland SH-3 monofonico y da sus primeros pasos. La suerte quiso que estuviera en el momento y lugar adecuados.

Polydor le ofrece un contrato en 1976 por....10 años!!! Eran otros tiempos. Parece que la idea de la disquera era apostar por la nueva electrónica que venía desde Alemania, pero con músicos autóctonos franceses. Y más allá,  como prueba el fichaje también de Vangelis.

Así,  se da la circunstancia cuántica de que el primer álbum de Richard Vimal, "Transparences" (1977), se graba en paralelo en los Polydor studios junto al mezclaje, en el estudio de al lado, de otro "desconocido" album titulado "Oxygene".Y mientras Jean-Michel Jarre pega el pepinazo a nivel mundial, Vimal no vende más de 800 copias, convirtiéndose en el patito feo de la compañía. 

Al año siguiente edita "Migrations", ésta vez totalmente instrumental, y le va un poco mejor vendiendo de 6000 a 7000 copias. En 1980 saldrá "Aquarythmies", siendo el último trabajo del sintetista al rescindir su contrato con Polydor por malos rollos y desacuerdos en la pésima distribución  de su obra. Desde entonces, Vimal se dedica a la música por encargo, menesteres más rentables como jingles y trabajos para televisión, oficio que ya nunca ha dejado. La discográfica alemana Deimos Music reeditaria todo su material con bonus inéditos unos años más tarde.



Escuchando el primer corte de "Migrations", que le da su título,  podemos observar que éste músico pudo perfectamente alcanzar el mismo éxito que Jarre, al usar un estilo electrónico de patrón similar. Aparte de teclados, tocaba guitarra,  arreglaba y componía todo el material.Philippe Pages aportaba sus teclados y sintetizadores. Y René Lebhar ponía guitarras y efectos. Tal vez más sinfónico que berlinés, sus melodías gozaban de una naturalidad envidiable. 

"Nuances" caía del lado de un Anthony Phillips o unos Camel de los 80. "Evanescence" anticipaba a los Tangerine Dream de ésa misma década,  aunque justo es reconocerle un fuerte influjo Jarre.
"Septentrion" es un precioso corte con acústicas,  eléctricas y capas sintetizadas que son pura poesía onírica. Esa delicadeza y lirismo tampoco nos abandona en la segunda cara, (la portada es un fiel reflejo de la música). "Infinitude" es un perfecto ejercicio teutón  a la Froese, Ashra, Hoenig o Blonker. La breve "Lunatisme", (ningún tema supera los cinco minutos), es otro bonito momento entre genesiano y sí,  de nuevo Jarre.



Quizá "Les Litanies Des Animaux Cybernetiques" sea uno de los más originales, atrevidos y descriptivos, con alguna influencia de Tim Blake (casi francés) y la factoría del sello EGG. Finalmente, tanto "Onirie" como "Entre Deux Eaux", demuestran que Richard Vimal pudo ser el próximo Jean-Michel Jarre, si Polydor no hubiera puesto toda la pasta en la promoción de éste, y la hubiera repartido con nuestro hombre. Los atributos compositivos eran similares, y estaban en el mismo plano de realidad. Pudo el apellido "Jarre", desnivelar la balanza? Maurice tenía su peso específico en la música francesa......Déjenme pensar mal, ahora que ya terminan las navidades......
J.J. IGLESIAS



Temas

0:00 - Migrations
5:14 - Nuances
7:59 - Evanescence 
11:22 - Septentrion
16:02 - Infintude
20:59 - Lunatisme
22:01 - Les Litanies Des Animaux Cybernétiques
27:17 - Onirie
30:22 - Entre Deux Eaux




Notasi te gusta el artículo compártelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en




que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias


Devil's Kitchen ‎– Devil's Kitchen 1968 - 1969

$
0
0
Un nuevo rescate de cintas, al parecer  Bill Graham lo grababa absolutamente todo. En 2011 Lysergic Sound Distributors se interesa por unas grabaciones perdidas de la banda, contactan con sus miembros y el resultado es una recopilación de temas de los años 1968 y 1969.

Los miembros del grupo se conocieron en 1967 en la universidad de SIU-Carbondale, Illinois. Su formación estaba constituida por Brett Champlin (guitarra, voz), Robbie Stokes (guitarra principal, voz), Bob Laughton (bajo, voz) y Steve Sweigart (batería). Realizaron aproximadamente unos cien conciertos llegando a telonear a Creedence Clearwater Revival, Big Brother y The Holding Co., Jefferson Airplane, Taj Mahal, Savoy Brown, Humble Pie, Allman Brothers., Grateful Dead, etc. A comienzos de la decada de los 70 se disolvieron.
El Cd contiene una recopilación de temas de Devil's Kitchen grabados a finales de los 60 en los estudios Sierra, en el Family Dog Ballroom y en el Nourse Auditorium de San Francisco.  En cuanto a su música lo que podemos escuchar es psicodelia sazonada con buen blues. El primer tema, "City".  es el más psicodélico.  destacar los dos siguientes temas "Farm Bust Blues" y "Earthfields" con buenos solos de guitarra y sentimiento blusero. También interpretan una excelente versión del tema de Elmore James, "Dust My Blues", con "slide guitar". En definitiva una pequeña joya que merecía ser rescatada.
J.C. Miñana



Temas

A1 City 3:52
A2 Farm Bust Blues 10:48
A3 Earthfields 9:35
B1 (You've Got Your) Head On Right 3:02
B2 Dust My Blues
Written-By – Elmore James
2:35
B3 Cookin' 3:46
B4 Mellow Pot Blues 5:11
B5 Mourning Glory 4:46

Formación
Bob Laughton: bajo, voz
Steve Sweigart: batería
 Robbie Stokes: guitarra solista, voz
 Brett Champlin: guitarra,voz



Notasi te gusta el artículo compártelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en
                                                                                      
que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias

OMEGA - The Timekeeper (1979 / OMEGA)

$
0
0
No estamos hablando de los veteranos progresivos húngaros. Esto es mucho más subterráneo,  oscuro, underground y bicho raro donde los haya. Alguno dirá que "qué manera de complicarnos la vida, con la de discos que hay en el mundo". Cierto. Pero entonces no seríamos Rockliquias. Por lo que he indagado en la red, ( tarea desagradecida, busca un grupo llamado Omega y un disco titulado "The Timekeeper", y sólo te saldrán jodidos relojes!!!), éstos tíos eran de Cleveland, Tennessee. Y editaron en "autocrowfounding"éste atractivo artefacto en 1979. La formación es un misterio, si alguien sabe sus nombres, o alguno nos está leyendo, agradecería la info, de verdad. 


El año era crítico tanto para el hard rock, pronto mutando en heavy 80s, como para el progresivo, dando sus últimas bocanadas de vida. Y de ambos estilos usan elementos Omega, formalizando un pomp rock de considerable valía artística.  La otra ya se le supone de antemano. Alguna escasísima copia se ha vendido en Ebay por 450 pavos. Y no hay constancia de reedición alguna. Lo que sí tenemos, algo es algo, son los títulos de las canciones. Y por ellas podemos resolver que se trata de un concept-album, pienso. 

"Prelude" inicia solemne teclistica muy a la Styx en modo sinfo. Su cantante también tiene un tono de voz parecido al de Dennis De Young, salvando las distancias.

"Electric Warrior" ya tensa musculatura hard a la Granmax.
Personalmente adoro éste tipo de discos hechos con más amor que medios. Su amateurismo resulta cándido,  pero encantador, a la vez que destacan como buenos instrumentistas. La sección rítmica soporta la central eléctrica  de ambas guitarras (creo), y no se acobardan en ambiciosas labores compositivas.

 "Paradise" es sinfo-hard de melodioso canto y masajeo guitarrero de estilistas solos, finos y con clase. Clásicos acordes  con phaser amueblan "Night Vision", con soltura power blues de elegante pedigrí,  lastima de fader....

Tanto el sonido como la forma de acometer el estilo, suenan en "The Game" como cualquiera de las rarezas NWOBHM idénticas en pretensiones. Me llama mucho la atención el sonido de teclados tan especial. Puede que fueran alguna "marca ACME", pero consiguen un individualismo difícil de atrapar. Y no están nada mal.

Volvemos el vinilo (hipotéticamente,  yo  no lo tengo, ya me gustaría! ), y entra el corte más extenso y progresivo, "To The Soon" (6'01). Una prog volada más cercana al sinfo-kraut alemán tipo Bullfrog, Shaa Khan, Ramses, Octopus o Straight Shooter (factoría Sky Records, o sea), que a algún monstruo del momento de parecidas características,  como Rush o Triumph. De nuevo destaco esos teclados tan especiales, que le dan un extraño plus de originalidad a un disco ya de por sí, interesante.

"Nemesis" está cerca de Winterhawk, White Witch o Messendger, grupos de calaña similar , arriba o abajo, de Omega. "I Want To Live" es el típico hard rock yanqui de bar-band, que llegaría en la siguiente década a llenar estadios con MTVs,  estéticas glam de cardados imposibles y muchos bucks invertidos a golpe de talonario de disquera. Lo mismo se puede decir de "Cyborg", aunque ésta tenga su boogie-cabalgada bien asentada en los 70s, especialmente en Wishbone Ash ,(por el lado british) o Starz (por el lado USA). Finaliza la cosa con "The Timekeeper", con otra teclada solemne como la del comienzo. Aunque si a ésta canción la dejas desnuda con una acústica,  sonaría casi country. 

Me apetecía comenzar el año con una frikada rara de cojones (por localización,  no por su música). Es éste un disco no de matrícula,  pero sí de mucho honor por su sinceridad y humilde y desenvuelto estilo. Una agradable sorpresa, éstos misteriosos Omega.
J.J. IGLESIAS



Temas
1 Prelude 
2 Electric Warrior 
3 Paradise 
4 Night Vision 
5 The Game 
6 To The Son 
7 Nemesis 
8 I Want To Live 
9 Cyborg 
10 The Timekeeper




Notasi te gusta el artículo compártelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en
                                                                                      
que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias

Viewing all 3188 articles
Browse latest View live