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CURTIS KNIGHT ZEUS - The Second Coming (1974 / DAWN)

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El entrañable Lemmy solía tener razón en casi todo que decía, pero se equivocaba en algo. "No entiendo cómo no se venden nuestros más recientes discos. Sólo venden los clásicos". Esto solía repetirlo en las entrevistas como un mantra maldito. En realidad,  era fácil de entender. Nadie estuvo más capacitado para el puesto en Motorhead, que Philthy Animal Taylor y Fast Eddie Clarke. El puesto de batería no requería de una técnica perfecta espectacular, típica del mundo del heavy metal. Bastaba con el machaque punk, garagero y descacharrante de Taylor.....y su actitud peligrosa. En realidad, era un intuitivo Keith Moon. En el caso de la guitarra pasaba lo mismo.  No puedes hacerte el rocker viniendo del heavy. Y a pesar de que Phil Campbell lo disimule muy bien, de allí provenía.  En cambio el recién desaparecido Eddie Fast Clarke, era sinónimo de autenticidad elevada a la enésima potencia.


El último miembro que quedaba del "Ace of Spades - Team", nos dejó con la sensación  de que aquellos discos históricos, eran algo más que el ilimitado carisma de Lemmy. Clarke sí que aportaba Rock'n'Roll, Blues, Psicodelia y ese influjo, (nunca papel carbón), de Hendrix,  que le daba un plus de aura de sinceridad.

El listo de Curtis Knight,  que en los 60 se había recorrido todo el circuito de clubs de música negra con sus Squires  (y un desconocido Jimi Hendrix), por Estados Unidos, veía ahora con envidia insana cómo su ninguneado guitarra solista había triunfado en solitario. Y tras su muerte, el mundo lo había canonizado. Otro que quiso apuntarse a su estela para sacar tajada.


Primero editando un par de libros al estilo "yo lo vi primero". Luego trasladándose en los 70 a Inglaterra, como él,  tratando de vivir de "su" leyenda. Por si no era suficiente, se había montado un negociete junto al mánager de los 60, Ed Chalpin. Vendiendo cintas de Curtis Knight & the Squires como discos de "Jimi Hendrix". Cientos de bootlegs inundaron el mercado con su rhythm 'n'blues mal grabado, y un Hendrix abandonado en una esquina. Por otro lado, para su aventura londinense monta Curtis Knight Zeus con la idea de heredar el sonido de su antiguo asalariado. Más expolio. Para "The Second Coming" necesitaba  un guitarrista de parecidas aptitudes. Ese fue un desconocido Fast Eddie Clarke. John Weir (bajo), Chris Perry (batería) y Nicky Hogarth (órgano y teclados) eran el resto de la banda. Knight se encargaba de la voz solista,  guitarra rítmica y producción. "The Second Coming" se grabó en los CBS y Olympic Studios en 1974, (éstos  últimos verían nacer "Bomber" cuatro años después). Su eclecticismo es la gran baza de este entretenido, aunque algo truculento,  álbum. Pero sin duda, su "ace of spades" era Fast Eddie Clarke.


Su comienzo con "Zeus" (2'17) declara las intenciones hendrixianas desde un principio. La forma de cantar de Knight es descarada. No tanto la intachable guitarra de Eddie Clarke, que ya distinguimos perfectamente., y más cuando ataca el wah wah. La sección rítmica también es destacable, con un mini-sólo phaser de batería incluido.
Es una tremenda entrada Hard Psych. 

"New Horizons" (3'57) posee acústico hippie feel made in Laurel Canyon,  con aporte coral femenino que ofrece pinceladas Soul.

"Silver Queen" (6'13) vuelve a su particular manera de enfocar su "Hendrix way". Con voces souleras aquí,  teclados a lo Manzarek allá,  y la avispada guitarra de Clarke dando el verdadero punch de calidad Hard Psych Blues.  Que, digámoslo ya, hace de un disco que iba para "correcto", un muy buen ejemplar.


Un ejercicio de puro Mountain nos presenta "Mysterious Lady" (2'44), y Fast Eddie saliéndose,  en su salsa.

"Road Song" (4'36) lleva un troton ritmo blues al estilo de "Tobacco Road". Que incluye las negroides voces en clave The Supremes, con mobiliario Doors, y la incendiaria guitarra de nuestro hombre, qué coño, el verdadero protagonista del disco. Inmenso. 

"People Places and Things (2'52) podria pasar por cosecha de Rory Gallaguer, con un hacha del mismo nivel. Ahora entramos en una de esas curiosas paradojas del rock. 

Este "Cloud" (8'26)....aparte de ofrecer un tremendo trallazo Hard Blues Psych, es un auténtico esbozo del "Capricorn" y "América", himnos eternos de Motorhead. Eddie lo ataca del mismo modo, y te hace pensar mucho, mucho. Probablemente es el mejor corte del álbum,  con fuerte carga progresiva y un desarrollo instrumental que recuerda a los mejores momentos de Patto. 

La cosa no queda ahí,  porque en "Eyes of a Child" (2'44) uno parece estar ante un outtake de los propios Motorhead. Hasta Curtis Knight canta desaforadamente,  como si Lemmy lo hubiera poseído. De hecho, esto es puritito proto-Motormyth sound!!!!


"The Confession" (5'51) desprende el sibilino arrastre rítmico de los primeros ZZ Top, en su rattlesnake hard rock blues. Que Fast  Eddie borda sin esfuerzo en otra maravillosa intervención. 

"Oh Rainbow" (2'36) y su hendrixiano sabor, (Funkadelic también en el punto de mira), ponía punto final al disco. 

Aunque la reedición cd incluye "The Devil Made Me Do It" (2'36), que fue cara A de single en ese mismo año. Un pedazo de lisergia bluesera ácida  con dominio funk de Clavinet, coral afro y Sly & the Family Stone en mente. Clarke no se priva de lucirse.
Curtis Knight  murió de cáncer en 1999 a los 70 años.

Experience Hendrix family consiguieron por fin los derechos de su obra junto a Hendrix.

Y Fast Eddie Clarke se merece un monumento a la derecha de Lemmy Dios Padre.....me partiría la cara defendiendo a éste ante cualquier ofensa. Pero si crees que los discos clásicos de Motorhead  fueron sólo obra de Lemmy. ....Piénsalo otra vez.
J.J. IGLESIAS

PD - "Prefiero haber compuesto "Ace of Spades" que tener un millón de libras en el banco. Porque "Ace of Spades" seguirá ahí cuando me muera"
FAST EDDIE CLARKE



Temas
01. Zeus (3:19)
02. New Horizon (4:00)
03. Silver Queen (6:15)
04. Mysterious Lady (2:47)
05. Road Song (4:38)
06. People Places and Thing (2:55)
07. Cloud (8:27)
08. Eyes of A Child (2:47)
09. The Confession (5:54)
10. Oh,Rainbow (2:47)
11. The Devil Made Me Do It (bonus) (2:36)



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MAGMA - KÖHNTARKÖSZ (1974)

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La forma de actuar de Magma en sus conciertos era presentar piezas nuevas que estaban en período de gestación y con un amplio margen a la improvisación digamos que controlada, porque cada música y track en directo se convertirían posteriormente en las grandes composiciones de estudio. Una forma de proceder atípica como casi todo lo que concierne a este extrovertido y genial personaje llamado Vander. La semana pasada hablamos de una de las partes que componen la primera gran trilogía épica y vuelvo a nombrarlas porque con la cronología de Magma es muy fácil perderse y el origen de una composición puede estar muchos años atrás de la grabación definitiva y la edición oficial en estudio. Mekanïk Dëstruktïw Kommandöh fue el tercer movimiento de otros dos : el primero Theusz Hamtaahk se grabaría completo en 1980 nada menos. El segundo Würdah Ïtah lo haría en 1975. Un poco lioso ya lo sé, pero así es esta historia.


Köhntarkosz de 1974, el disco y personaje que nos ocupa hoy, se gestó a la par que Mekanïk pero musicalmente es completamente distinto al anterior. En esta ocasión sería el primer movimiento de la segunda trilogía, y me da la sensación de estar hablando de Richard Wagner y la saga del anillo por la forma en que sucede la historia de Magma, pero nada que ver por fortuna musicalmente con el visionario germano. Fueron muchas las composiciones previas a este trabajo como iremos viendo a lo largo de los artículos semanales y todo encajará, o eso espero, al final de esta fascinante historia. Köntarkosz es un personaje de la mitología Kobaiana y me remito a los “literatos magmáticos”, que como los de Star Trek o Dune, controlan hasta el color de la ropa interior de sus héroes. Mi caso es hablar de música y poco más. A grandes rasgos la historia relata el descubrimiento de la tumba de Emehntteh Ré. Una antigua deidad o leyenda egipcia que conoció los albores de la civilización de Kobaïa y de la visión metafísica que ese descubrimiento le produce. Fúmate un buen porro y unas copas de cognac francés caro y a lo mejor entiendes algo de esta locura. Yo insisto en la música y esa es mi función.

Köhntarkosz es un disco muy difícil del cual yo no recomiendo empezar si no has oído nada de la banda. Un desafío en toda regla incluso para mí. Me ha costado lo suyo penetrar en su telúrico mundo de tensión y oscuridad. Una bajada a los infiernos. No obstante, si pasas esta prueba, estás ya preparado para disfrutar de esta banda el resto de tu vida. Reconozco que con los años cada vez más me gustan las músicas difíciles, quizás porque ya lo he escuchado todo, por la vejez, la rutina, lo previsible, la falsedad de todo, no lo sé. En Magma veo algo auténtico, insobornable, incluso con algunas concesiones fáciles que hicieron en los 80´s porque nadie está libre de pecado. Köhntarkosz tiene mucho de misterioso, de diferente, de música de otro mundo y no hay concesiones a la bondad. Es como un viaje al mundo de Tanatos, al mundo de la oscuridad y la muerte y al mismo tiempo un empuje de rebeldía, de ira. Un trance entre el temor a lo desconocido y a la iluminación.


 La primera parte son 15 mtos estáticos y extraños. Su ritmo se acentúa en los tiempos débiles del compás, una demencial marcha a contratiempo donde la música no se sabe si avanza o retrocede. El efecto es raro, atípico y el que sepa leer música se dará cuenta de la genialidad de la composición. Un oído convencional, lo más probable no podrá soportarlo porque lo interpretará como una música monótona. Se quedará desgraciadamente en lo superficial, porque ahora más que nunca la música precisa de nuestra atención al 100%. Las voces “no cantan” tocan, son un instrumento más y esto es muy importante resaltarlo aquí: Las voces en Magma son un instrumento más y este disco es fundamental para entender esto. Magma te hace traspasar una puerta a la que no estás preparado e incluso replantearte tu forma de sentir y escuchar música. Casi nadie consigue esto. Nos vamos a los otros 16 mtos de la segunda parte. La tensión acumulada debe deshacerse, porque nadie aguanta tanto peso de grava, telarañas, oscuridad, escarabajos sagrados y olores marianos bajo tierra y la visión inerte de la tumba hace pensar a nuestro héroe Köhntarkosz en el mensaje de la divinidad asesinada en los albores de los tiempos pre-kobaïanos y todo despierta: la ansiedad, las voces antaño histéricas encuentran un halo de luz y esperanza y una repentina euforia de la locura visionaria se desborda. La música corre ahora como un río estancado que revienta por siglos de putrefacción y muerte, las voces enloquecidas desaparecen y la música se lanza rompiendo la opresión y la pesadilla. Hay un camino a la superficie y hay que recorrerlo rápido y con entusiasmo. 

Un instrumento inusual en Magma es el órgano mientras el Rhodes define quien manda. Las voces se lanzan al éxtasis y a la evolución rítmica se acelera en uno de los pasajes instrumentales más cargados de jazz free avandgarde – rock que puedas imaginarte. La música es áspera y fantástica a la vez. La guitarra de Brian Godding no se atiene a parámetros y quema literalmente. Hacia el final vander recita gritos kobaïanos y las estructuras iniciales corren rápido en compases que se van frenando entre susurros rituales e incómodos. 


Dos piezas engordan el escaso minutaje de los 32 mtos de la pieza: Ork Alarm de Jannick Top con su cello incisivo y sus voces tribales y Coltrane Sundïa donde el voltaje general y la histeria bajan hacia el relax pianístico del propio Vander. Una recomendación es que no oigas a Magma por vez primera en este disco. Tirarás la toalla y probablemente le cojas manía. Es completamente natural. Magma no hace música para oídos convencionales. No lo oigas si no te apetece, seguirás en el mundo amable y agradable de la música. No pasa nada. Pero si entras en esto, no volverás a escuchar la música de igual manera en tu vida. Elige lo que quieras.
Alberto Torró



Temas

A1Köhntarkösz Part One
A2Ork Alarm
B1Köhntarkösz Part Two
B2Coltrane Sündïa






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PREMIATA FORNERIA MARCONI: (undécima parte) - IL Suono Dil Tempo (5 CD Box 2014)

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ROCK PROGRESIVO ITALIANO (primera temporada: clásicos)

Acercándonos al final de esta prodigiosa banda no podía dejar pasar este regalo grabado los días 30 y 31 de mayo de 2014 en Tokyo. Yo lo interpreto como un auto-tributo a lo que fueron ya que se trata de sus 5 primeros discos completamente regrabados y revisitados en directo y eso incluye las dos versiones inglesas. “I lSuono Dil tempo” es el legado definitivo de la PFM conscientes ellos mismos de que no pudieron superar aquel primer empuje progresivo que los hizo famosos en los primeros 70´s, por muy buenos discos que con contadas excepciones realizaron.


 A sí pues: “Un Minuto” (34 mtos”) no necesita presentación. Lo mismo “Un Amico” (32 mts). Su punto culminante: “A Ghosts” (40 mtos) y las dos versiones “Un´Isola” (37mtos) y “The World” (41 mtos). Tenemos suerte los occidentales de que Japon sea nuestra reserva oriental progresiva. Ellos aman sin reservas la música que los occidentales hicimos en los 70´s y tiramos a la basura en los 80´s. Nos dan lecciones de gusto y de amor por la música y ellos tienen mucho que ver en que esta música no haya sido defenestrada. Un grupo progresivo europeo recibe un trato de honor y de respeto en el país del sol naciente. No son tan mezquinos como nosotros lo somos con nuestra propia música. A los occidentales nos queda mucho que aprender. Debería parecernos vergonzoso que en los países orientales nos valoren por nuestra música y en nuestro propio patetismo hablemos casi siempre mal de lo poco que hemos hecho bien. En música los europeos y sus críticos en cada época hemos sido brutalmente desconsiderados con la buena música que hemos hecho. Hemos auto-ridiculizado el rock sinfónico y progresivo, siempre, hasta lo indecible. Por contra hemos elevado las peores músicas en cada cambio generacional. Sobreponemos las tendencias de moda al arte y aun siendo conscientes de que la industria discográfica solo es un negocio inculto que le importa una mierda la música y si eres “músico” o no, seguimos haciendo lo que se nos dice, no lo que queremos hacer realmente. El músico que quiera hacer buena música que se olvide de vivir de ello. Se pudo en los 70´s, es cierto, pero aquello yo lo considero una “anomalía histórica”.

Volviendo a la Premiata ellos pudieron permitirse el lujo de dejar este legado en 2014. En Europa no habrían podido hacerlo y de hecho su último álbum “Emotional Tatoos” de 2017 hasta el título rezuma moda, es un producto bien hecho pero que no va a contentar a nadie salvo si lo metemos en los terrenos del AOR y olvídate de RPI. No voy a comentar este álbum y prefiero dejar la historia de la PFM con la última entrega de Mussida en sus filas y con esta caja de 5 discos impecables y respetuosos con su pasado. ¡¡¡Salve césar morituri te salutant!!!
La próxima semana nos espera Banco del Mutuo Soccorso.
Alberto Torró




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ATAVISMO - Inerte (2017) Entrevista (Rockliquias Bandas)

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Atavismo es una banda procedente de Algeciras formada por Sandra (batería, voz), Mateo (bajo, coros) y Poti  (guitarra, voz).  En 2014 publican su primer disco, "Desisntegración", editado a nivel internacional por Temple of Torturous.  En diciembre de 2015 graban el tema "Split con Grajo". Dos años más tarde ve la luz su segundo LP, "Inerte".


En Rockliquias queremos seguir evolucionando por ello decidimos lanzarnos a la piscina de las entrevistas. Aquí tenéis el resultado:



Rockliquias.- ¿Cuales fueron vuestros orígenes musicales?

Pues empezamos muy jovencitos, en los 90s, con grupos y bandas de la zona, haciendo pocos conciertos, pasándolo bastante mal y sin ninguna infraestructura musical.

Rockliquias.- En que año se formó la banda y cuales fueron vuestros primeros pasos

La banda se formó en 2014, después de la disolución de nuestra anterior banda Mind!, empezamos dando algunos conciertos por la zona y grabando nuestro primer disco Desintegración que salió a finales de 2014.

Rockliquias.- ¿Cuales son vuestras influencias?

Tenemos muchas influencias, pero ninguna de un estilo en concreto, nos gusta todo tipo de música siempre que sea de calidad... desde la psicodelia o el punk hasta el blues o el jazz.


Rockliquias.- En 2014 llega vuestro primer disco, "Desintegración",  como contactáis con  Temple of Torturous

Nos escribieron ellos ofreciéndonos la edición del disco y así fue.

Rockliquias.- En este disco hacéis uso del mellotron y Theremin, contarnos un poco como se planteo el utilizarlos.

Son instrumentos que ya habíamos utilizado en anteriores protectos y bandas, así que no hubo que plantear nada, simplemente siempre han estado ahí para utilizarlos.

Rockliquias.- Independientemente del gran esfuerzo y trabajo que dedicasteis a este primer trabajo posteriormente lo valoró el público.

La cosa fue bien más o menos desde el principio, ya que somos músicos que llevábamos mucho tiempo con otros proyectos y más o menos la cosa empezó a ir rodada desde los comienzos.

Rockliquias.- Como fueron la promoción y los conciertos

La promoción en España es bastante pésima, aunque se hizo lo que se pudo y en los conciertos fue bastante bien, así que ese es el panorama que vive el rock en nuestro país.

Rockliquias.- A finales de 2015 llega Split 7" With Grajo, hablarnos algo sobre este tema

Fue una medió improvisación que salió en un rato y se grabó directamente en el local.

Rockliquias.- Después de dos años llega vuestro último trabajo, "Inerte", cual ha sido la evolución musical del grupo.

No sabría explicarlo, simplemente es una evolución lógica de todo lo que veníamos haciendo.

Rockliquias.- El disco contiene cinco temas con una gran mezcla de estilos incluyendo sonidos propios de vuestra tierra. La tradición musical progresiva andaluza ha sido una de vuestras grandes influencias?

Realmente no, como te he dicho antes tenemos muchas influencias muy dispares, aunque si es clara la influencia del flamenco en nuestra música, no de la música progresiva andaluza, porque realmente solo nos gustan 3 o 4 grupos de Rock Andaluz.

Rockliquias.- Que tema destacarías como el más emblemático del disco.

Ninguno, pienso que el disco hay que oírlo en orden, cada uno tiene un sentido y te expresa una cosa.

Rockliquias. La portada es una bella ilustración, nos podrías decir su autor 

La portada es de Antonio Ramirez, cabeza y mentor de la página web Mentes de Ácido.

Rockliquias.- Desde Rockliquias estamos constatando que el movimiento de bandas progresivas-psicodelicas es muy importante en España. Que pensáis sobre ello?


Movimiento??? No creo que haya muchas bandas de ese estilo en España y encima no nos tienen en cuenta... España es un país donde funciona el fascismo musical y donde el público no tiene cultura por la infraestructura que tenemos desde hace años... hoy en día o eres moderno y vas a la moda o te comen con patatas.

Rockliquias.- Como animarías a los lectores de Rockliquias a escuchar vuestra música

Pues simplemente decirles que lo que hacemos lo hacemos con el corazón en la mano y con mucho trabajo.

Rockliquias.- Por último, cuales son proyectos mas inmediatos.

Tenemos varias bandas paralelas, como Híbrido, R.O.L.F o Galvao... a día de hoy grabar y tocar todo lo posible, como siempre.


Desde Rockliquias sólo nos queda recomendar este magnífico trabajo que os trasladará por pasajes sonoros psicodélicos progresivos con aires andaluces mezclados con algo de space rock. Gran instrumentación con un Poti que se sale a la guitarra y una sección rítmica marcando las bases de los ritmos hipnóticos   que van fluyendo a lo largo de la grabación. 
J.C. Miñana



Temas
1. Pan Y Dolor 00:00
2. El Sueño 8:28
3. La Maldición Del Zisco 19:50
4. Belleza Cuatro 26:08
5. Volarás 31:27



Contacto:



P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70

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FREE WILL - Live at Jabberwocky 1970

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Buceamos en la historia hasta llegar a finales de 1966, en ese momento Joe Whiting (voz, saxo) se asocia con el guitarrista Mark Doyle ( en los 80 trabajaría con Meat Loaf, Bryan Adams, entre otros) para reformar los Ridgewood formando los New Ridgewood. Tras diversos cambios de personal entran en la banda el batería Tom Glaister, el guitarrista Chuck Baron y el bajista Barry Maturevitz. Ya tenemos a los "Free Will".



Durante algún tiempo estuvieron realizando multitud de conciertos por la zona de New York consiguiendo cierta reputación como banda de "directo".  Realizaron memorables actuaciones en Wheels, club nocturno de Manhattan.  Firman un acuerdo por 35.000 dolares para grabar tres discos con la RCA, pero la discográfica les pidió amablemente que cambiaran su nombre por el de "Jukin`Bone".   su primer disco, "Whiskey Woman", ya fue comentado en Rockliquias . 


La grabación nos traslada a 1970, concierto de Free Will en el Jabberwocky, un doble Cd de extraordinaria calidad. Por la red circulan otros bootlegs de la banda (Live at Jordan Elbridge, Cold, Cold Morning)  que algún día rescataremos.  En cuanto a la música la banda se mueve por los caminos del rock blues al estilo de Savoy Brown o Fleetwood Mac. En el primer Cd encontramos  temas de no muy larga duración donde brilla con luz propia su guitarrista Mark Doyle. En el segundo Cd las composiciones llegan a superar  algunas de ellas los 10 minutos mostrando la faceta improvisativa blusera de la banda. En "Free Will Boogie" tenemos una especie de "Medley" de diversos rock'n'rolls. En definitiva un gran documento histórico para los amantes del rock blues.
J.C. Miñana



Temas
Tune Up 00:00 
Good Rockin’ Tonight  00:29 
Big Boss Man 05:06 
Someplace Is Something 10:09 
Handbags To Gladrags 14:06 
The Hunter 20:22 
Help Me 24:56 
Carry Me Home 28:42 
Candy Man 35:11 
Big-Legged Woman 39:16 
Country Road 42:41 
Stormy Monday 46:36 
Needle And Spoon 55:08 
Free Will Boogie 01:05:08 
Bright Lights Big City 01:17:30 
Dink Soup 01:22:10 
Mother Earth 01:28:50  
Ridin’ With The Devil 01:39:23 
Swingin’ Shepherd Blues 01:46:53 

Formación
Joe Whiting - voz, saxo
Mark Doyle - guitarra
George Egosarian - guitarra
John DeMaso - bajo 
Tom Glaister - batería




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THIERRY FERVANT - Univers (1980 / PHILLIPS)

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A sus 73 años, al suizo Thierry Fervant  (Ginebra) poco le queda por hacer en cuanto a música se refiere. Compositor de formación clásica,  editor, productor de discos desde 1964. Ejecutivo de Disques Barclay. Innumerables encargos para televisión y cine. Miembro del Consejo de Administración de SUISA, (como la SGAE de Suiza y "su Teddy Bautista", pero en limpio). Más de 100 discos como productor, desde 60s chanson française  a las teatralidades genesianas de Ange, pasando por el poderoso metal de Vulcain. Sí,  se podría decir que Thierry Fervant fue un sintetista sólo "a tiempo parcial". No hay suficientes horas en el día para él.  Se inició en solitario en 1972 con "L'Aube Ne S'est Pas Encore Levee", pero el grueso de su obra  fue hecho durante la década de los 80.

Cinco interesantes discos del que el conceptual "Univers" fue el primero de ellos. Y junto al último, "Legends of Avalon" (1988), tal vez los mejores.

"Univers" captura toda la magnificencia de su académica formación,  rodeado de sintes todavía  (por fortuna) analógicos,  pues lo digital estaba dando sus primeros pasos. "Le Jardín Aux Fables" (6'33) nos lo emparenta instantáneamente con Space Art, por proximidad. Pero también con Vangelis, en su elegante pomposidad. Bien es cierto que Fervant posee su propio estilo, en el que también roza conexiones con el influyente Jean-Michel Jarre. Es un sinfonismo electrónico lleno de belleza y deudas a la clásica contemporánea de Debussy o Sir Peter Maxwell Davies (en sus acercamientos y técnicas medievales y trabajos cinematográficos,  por ejemplo con Ken Russell). Una preciosa tonada, magistralmente interpretada. 

Sin silencio que fracture,  se le encadena "Univers" (3'37) , una especie de "Oxygene Part IV" muy sui generis , y "fervantizada" para la ocasión. La coral mellotronica es apropiada, al igual que la radiable melodía. 

Sonidos acuáticos hacen de puente para "Empyree" (4'36), electrónica magnífica con tendencia al tremendismo de formaciones niponas al estilo de Vienna, Motoi Sakuraba, Fromage o Asturias.

"La Ronde de Nuit" (3'18) lleva batería  y secuenciación,  con lo que es muy rítmica y llena de dinamismo sinfónico.  Como una mezcla de los Tangerine Dream de "Cyclone" y Space Art. Una buena sintonía para un programa prog de radio.


 El lado B entra con "Spirale" (6'58), que nada tiene que ver con el tema de Vangelis, pero sí bastante con Goblin y Claudio Simonetti. Perfecta música para un "slasher" al uso, ya recién entrados los 80. La "sección de cuerdas" de su parte final es digna de un cuarteto de cámara,  y su resolución final es sencillamente genial, ( a veces las complicaciones no son más que obstáculos ).

"Le Château De Feuilles" (4'23) con sus pajarillos y lejanas campanas de monasterio, nos traslada a cualquier remoto lugar del pasado, ese que viviste en otra vida y ahora no te acuerdas, pobre mortal. Es un tema para reflexiones patafísicas de ésa índole,  lleno de sinfonismos de esos que encantan a mi compi Alberto Torro.

La sana comercialidad de "Le Bal Des Animaux" (3'39) le da más riqueza de matices al trabajo, el cual se me antoja magnífico. 

Y que acaba con "In Fine" (4'40), otra majestuosa melodía de "créditos finales" a la que, si le pones la voz de Jon Anderson, sonaría a su "Olias..."o a Jon & Vangelis. 

Thierry Fervant construyó un bello lienzo electrónico lleno de colores medios, ni chillones ni gris-oscuros. Con la inmensidad en mente y un acabado instrumental excepcional. Una maravilla atemporal para disfrutar en cualquier momento. Sublime.
J.J. IGLESIAS


Temas
01 - Le jardin aux fables 00:01
02 - Univers 06:38
03 - Empyrée 10:04
04 - La ronde de nuit 14:39
05 - Spirale 17:58
06 - Le château de feuilles 24:49
07 - Le bal des animaux 29:15
08 - In fine 32:50





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Champion Jack Dupree ‎– The Hamburg Session 1974

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No se sabe a ciencia cierta cuando nació Willian Dupree, se especula que fue entre 1909 y 1910. A los ocho años se quedo huérfano pasando una temporadita en una institución para niños en su misma situación. Curiosamente Louis Armstrong coincidió con Dupree en ese centro de recogida. El inquiero Willian aprende a tocar el piano de forma autodidacta. 


En cuando puede se traslada a Chicago y se pone a trabajar de cocinero. En Detroit conoce al boxeador Joe Louis quien lo introduce en el mundillo pugilístico llegando a pelear 107 combates con el apodo de "Champion Jack". Su vida musical comienza a los 30 años cuando empieza a colaborar como músico de sesión con gente como  Big Bill Broonzy y Tampa Red. La segunda guerra mundial interrumpe momentáneamente su carrera ya que es apresado por los japoneses durante dos años. Al finalizar la guerra obtiene cierto éxito con el tema "Walkin 'the Blues". En los 60 se traslada a Europa fijando su residencia en Alemania. En el 73 participa en el festival de Montreux  publicando el disco "King Curtis & Champion Jack Dupree: Blues at Montreux". Se traslada a Inglaterra donde reside en los 80. En 1992 muere debido a un cáncer. A lo largo de su carrera publicó más de una decena de discos realizando multitud de colaboraciones con gente como John Matall, The Band, Mick Taylor, Eric Clapton, Alexis Korner, etc.


La grabación nos muestra diversas sesiones grabadas en Hamburgo por Jack Dupree junto a músicos Alemanes. Todos estos artistas militaban en grupos bastante conocidos del panorama musical alemán. En las sesiones participaron Rainer Baumann (guitarra) de Frumpy, Achim Reichel (guitarra) de Rattles y Wonderland, Gaggy Mrocek (guitarra) de Kin Ping Meh, Steffi Stephan (bajo) de Udo Lindenberg Panikorchester, Jean-Jaques Kravetz de Fumpy, Atlantis y Randy Pie, y por último Ringo Funk (batería) de Atlantis. En cuanto a la música nos movemos por los terrenos del blues. Tenemos boogie-woogie en temas como "Woodpecker " o "Jumping In The Wood", rurales como "Big Birtha`s House", más rockeros como "I`m Going Home" y algunos donde sólo interviene Dupree al piano. En definitiva un disco curioso donde se mezcla el sentimiento blusero americano con músicos alemanes.
J.C. Miñana



Temas
A1 Woodpecker 00:00 
A2 Jumping In The Wood 04:05
A3 Big Birtha`s House 07:15 
A4 Cold Cold Winter 10:48 
A5 Creole Kids Dance 16:39 
B1 Who Threw The Gin In The World? 20:40 
B2 Kick Allee (Living In The South) 28:18 
B3 Florida Diary 29:10  
B4 I`m Going Home 33:16 
B5 I`m Gonna Hang Up My Dancing Shoes 37:40 

Formación
 Steffi Stephan: bajo
Ringo Funk: batería
 Gaggy Mrocek: guitarra
 Achim Reichel, Rainer Baumann: guitarra
 Stefan Wulff: teclados
 Jean-Jacques Kravetz: teclados
 Champion Jack Dupree: piano, voz



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BLUE DREAM - Volume Won (2018 / TREEHOUSE)

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Aparte de ser una gama de mandanga herbal de la wena, Blue Dream es el nombre de un cuarteto de Illinois, Chicago. Con él retomamos novedades que van destacando en el panorama rockliquiano. Esto es, retro-rock en cualquiera de sus formas, de personalidad alta y bien definida en los 70, más o menos.


"Volume Won" es su primer larga duración,  teniendo previamente una "Demo" del 2014. Justin Sanetra (cantante solista), Anthony Cook (guitarras), Jimmy Russell (bajo) y Danny Awisha (batería) son sus cualificados componentes.

En éste debut, optan como intro, titulada misteriosamente "!" (1'10) por emular las eclosiones nucleares de Frank Marino en sus Mahogany Rush. Para entrar en materia con "Ufo" (3'08) y advertir que la sección de ritmo tiene mucho que decir en el sonido de Blue Dream. No sólo parece el bajo de Jack Bruce, sino que el tema explica una melodía muy Cream, sin perder el don de la actualidad. Y el batería es, por decirlo pronto y rápido,  una mala bestia salida de los avernos percusivos. Además de contar con un sonido característico. 

"Freedom Eyes" (2'40) es puro Hard Psych viajando por el vortice temporal con descansada comodidad. 

El aplastamiento craneal que supone Iz What it Iz" (3'43), - hazlo con cascos y me lo cuentas-, vuelve a la resurrección a ilustres zombies como Poobah, Stonewall, Sir Lord Baltimore o Morgen. Brutos pero con cabeza. Con detalles psico-progresivos inesperados. 

Como en "Locked in a Dazed" (3'38) y su inteligente acidez, subliminalmente destroza-psiques. Su cantante no es un lanzamiento de la NASA en cuanto a espectacularidad , pero se cree lo que canta, y yo también. Y eso ya es bastante.

Vuelve esa máquina rítmica que es Danny Awisha, cogiendo las riendas de "Turn on & Tune in" (3'22), con una original perspectiva stoner jazzyficada que me levanta la boina. Con preciosa wah wah y sentido de la agilidad en el tema. 


"Dropouts" (1'42) es un detalle con un instrumental de muy buen gusto. Psicodelia con todas las letras y enigmática exposición conlleva "Swiss Alps" (4'41), al que contribuye un pedal muy efecto-teclados bien certero y colocado, literal. Otra pequeña joya.

 "Sippin' the Sauce" (2'44) es un bucle espiral absurdo y hasta comercial, en su irreal procedencia. Digno de una paranoia fruto de Guru Guru. 

El monstruo del lago Ness de éste disco se llama "The Battle of Cicero" (12'17). Una especie de "Moby Dick", u homenaje a ésta. Para aquellos que dicen odiar los solos de batería,  les recordaré que aquello surgió por derivación - extensión de las formas del jazz. Y pasa lo que pasa. Que los hay buenos y malos. Soberbios y aburridos. Con chispa o sosisimos. Escuchar éste tema y a su protagonista,  el grandísimo Danny Awisha, es placer de los dioses del Olimpo. Grabado en vivo, en analógico y en cinta, estilo viejuno (como todo el disco),  con un sonido muy especial. Y con la fiereza, rapidez, reflejos, agudeza, astucia,  sorpresa, energía,  técnica,  rabia, fuerza, odio, aptitud, actitud, calidad y mala hostia propios de un batería sagrado de los 60 - 70s. Te tumba de la silla, lo juro. Digno de Christian Vander, pero en Stoner Psych contexto. Una sobrada maravilla que no me canso de escuchar. Con el añadido condimento de efectos guitarreros fuera de éste plano existencial, y sonidos urbanos de la puta calle. NADIE hace esto hoy día en su debut de estudio. Olé sus cojones. Y John Bonham riendo orgulloso con su eterno cubata en la mano, como el chatico de "Trailer Park Boys". Descomunal hazaña.

Aún nos queda "Vibrations" (3'50) para darnos la  puntilla a base de wah wah - stilette y ritmo apisonadora. Otro agujero negro para perderse y no volver.....a no ser que ya hayan sacado el "Volume Too"..... 


Éste disco salió el 31 de Diciembre del 2017. El mejor de ése año? De éste?  Nos acordaremos a la hora del recuento final al acabar 2018? Aseguro que con ésa portada, sí. Una de las mejores que he visto en mucho tiempo. Con su inquietante simplicidad que te da que pensar, como aquellas joyas del comienzo del equipo Hipgnosis en los primeros 70. Hasta en eso sorprenden Blue Dream. Más "Batallas de Cicero", quiero. O al menos su misma rebelde valentía. Que sigan así y el rock puede dormir tranquilo.
J.J. IGLESIAS



Temas
1.  ! - 0:00
2.  UFO - 1:16
3.  Freedom Eyes - 4:24
4.  Iz What It Iz - 7:03
5.  Locked In A Daze - 10:44
6.  Turn On & Tune In - 14:22
7.  Dropout - 17:47
8.  Swiss Alps - 19:39
9.  Sippin' The Sauce - 24:11
10. The Battle Of Cicero - 26:56
11. Vibrations - 39:10





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MAGMA - Wurdah Ïtah (1975)

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La primera versión del segundo movimiento de Theusz Hamtaahk sería en un principio considerado como un trabajo en solitario de Christian Vander para una película sobre una versión de Tristan e Isolda, extraño film de la época llamada “arte y ensayo” de un director llamado Yvan Lagrange y se llamaría Wurdah Ïtah. Al poco tiempo sería considerado el quinto álbum de Magma, aunque en esta ocasión el trabajo se reduce a cuatro únicos miembros. Vander tocaría aquí los teclados, piano acústico y Fender Rhodes, además de su batería, percusión y voz, Stella y Basquit a las voces, y al bajo Jannick Top.


 Una versión minimalista de Magma aunque en su escucha no lo parezca en absoluto por la riqueza de recursos e imaginación vocal que emplean. Las voces en este disco, sin necesidad de grandes coros y excesos épicos, son realmente fabulosas. Tampoco es un disco fácil, pero es mucho más agradecido y lírico que los anteriores. 12 piezas relativamente cortas que forman un todo a modo de suite y tremendamente variado en melodías, ritmos y estructuras. Vander es un músico total, tan bueno en los teclados como percusionista. Además, su voz es única en todo el panorama de cantantes conocidos y por conocer. Su voz es un instrumento solista capaz de deslumbrar con extrañas improvisaciones como si de un saxo coltraniano se tratase, hay que oírlo para creerlo y en futuras composiciones llegará al éxtasis y entenderéis lo que quiero decir. 

El idioma köbaiano en realidad no tiene traducción, aunque algunos lo han intentado. Es una forma fonética exclusivamente creada para su música. Una genial excentricidad sin duda y realmente acabas convencido de que ningún otro idioma, incluso el francés propio se adaptaría a esta forma tan especial de música increíble. 

Wurdah Ïtak se iría enriqueciendo en sus posteriores versiones en directo, y como en todas las grandes composiciones magmáticas sus formas se amplían en colorido y en sensaciones constantemente cambiantes. Así pues, la música de Magma en sus casi 50 años de existencia, es una composición constante. La terminología que el propio Frank Zappa empleaba para su música como “continuidad conceptual” es mucho más exacto en el caso de Magma. El mundo de Kobaïa parece no tener ni principio ni fin. 


Este quinto álbum te engancha a la primera, aunque también es cierto que yo ya llevaba una buena dosis de escuchas previas de otros de sus discos para estar lo suficientemente “familiarizado” con el asunto. Wurdah Ïtah te recarga las pilas y la serotonina cerebral sin necesidad de Prozak. Ya va incluido. De la mitad hacia el final pareces estar escuchando extrañas y salvajes danzas eslavas de la Rusia ancestral con mi querido Stravinsky incluido (este es un apunte personal) La música es exultante, llena de vida y energía y tiene partes verdaderamente maravillosas que te aíslan por completo de la insulsez de la vida cotidiana. Como un mundo paralelo imposible.

 La música de Magma penetra en la piel y los sentidos casi sin darte cuenta y sientes un especial privilegio de haberlos conocido. La pasión que ponen en lo que hacen acaba en una complicidad entre músico y oyente. Es difícil de explicar, hay que sentirlo y esa es la magnificencia de la música, el arte más grande que el hombre ha creado. Creo que soy lo suficientemente explícito.
Alberto Torró









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Banco Del Mutuo Soccorso: (primera parte)

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ROCK PROGRESIVO ITALIANO (primera temporada: clásicos)
                                                                            
La historia de esta banda romana corre paralela en tiempo y espacio a la PFM. Como ellos, fueron los principales embajadores del rock progresivo italiano en el mundo y al mismo tiempo de los pocos que han mantenido su existencia a lo largo de décadas. Al igual que la Premiata Banco inicia su andadura a finales de los sesenta siendo una banda de canciones pop y dentro del mundillo de la canzone comercial que acaparaba de singles el mercado. Aquello duró lo justo, porque la gran revolución del rock importado ya comenzaba a hacer sus estragos en países con tradiciones distintas a la anglosajona. España para variar, pudo haberse enriquecido al igual que Italia de los nuevos sonidos allende fronteras, pero al igual que el ahora maquillado, teníamos  al general paco y a la inquisición medieval en plena forma y aquello no pudo ser, salvo pequeñas y tímidas intentonas. Italia no tenía las restricciones culturales de las que nosotros gozábamos con ardor mariano y letanía. Eran ya Europa y sus libertades, con su encantador horterismo desde luego, pero un horterismo colorista de amplia apertura que gozaba de libertades de las que nosotros en 1970 eran el vagón muy atrasado de la cola. Ves las fotos de la juventud italiana de la época y la española y no hace falta que te explique más.


Bueno. En Italia había algo extraterrestre para nosotros que era educación musical, ya fuese académica o por tradición y lo cojonudo del caso es que cada banda progresiva inicial del país casi vecino, tenía un nivel instrumental, que para sí nos hubiese gustado. Daba igual teclistas que guitarristas, bajos, vientos o cantantes, todos lo hacían bien y por eso cuando hablamos de RPI le damos un lugar de preferencia y honor dentro del rock progresivo internacional. 

El primer disco de cada uno de sus grupos o intérpretes solista ya tenía un poso de calidad garantizado. Así sí. Al Igual que la PFM, Banco no grabó su primer LP hasta 1972, aunque ya llevaban un tiempo pateando escenarios. La música de Banco tiene las mismas premisas clásico académicas que la Premiata, pero a diferencia de éstos y probablemente por la forma de cantar de Francesco di Giacomo están mucho más cerca de la escena lírica italiana y de la forma operística. Su música es más “densa” y oscura que la de sus colegas. Más “dramática y sentida” si se me permite la expresión y tremendamente clásica en su composición. No hay una tendencia fusión jazz en sus guitarristas como en el caso de Franco Musida. Tanto Marcelo Todaro y  Rodolfo Maltese  más el bajista Renato D´angelo fueron sus cuerdas más prestigiosos, tienen más base rock por un lado y tradicionalista por otro. 


La tendencia de Banco es más clásico sinfónica que de fusión-jazz. Su líder a nivel composición es un poderoso teclista llamado Vittorio Nocenzi. Que toca un arsenal analógico sin nada que envidiar al propio Emerson. Su hermano Gianni Nocenzi es el pianista virtuoso que completa esta banda de dos teclistas. Los bajistas han ido cambiando progresivamente pero el batería Pier Luigi Calderoni está considerado uno de los grandes percusionistas italianos y una institución en su país. 


El disco de 1972 en forma de hucha de barro, representa prácticamente el logo de la banda. Los tres super tracks de este trabajo serían R.I.P ( descanse en paz), Metamorfosi y El giardino del Mago una extraña suite musicalmente de difícil clasificación que ocuparía toda la cara dos del primer vinilo. La forma de proceder de Banco en las composiciones solía contener un largo despliegue instrumental al inicio y unos epílogos cantados efusivamente en clave drama operística por el orondo, bonachón y barbudo cantante y front man del grupo Francesco Di Giacomo. Su fina y característica voz no la encuentras en ningún otro grupo italiano del estilo y es su marca de originalidad. 


La música de Banco está llena de rápidos cambios de ritmo y contrastes altamente elaborados. Metamorfosi es una barbaridad a la ELP que precisa su tiempo para digerir y también un tema fijo en sus actuaciones. Su música a veces torna ensombrecida y altamente dramática cosa que jamás hizo la Premiata y también aviso que pueden cargar a quien no guste de “exceso de ornamento” compositivo y ramalazos a la Pavarotti. Con todo un clásico del rock sinfónico italiano con todos los ingredientes y excesos que a muchos nos gustan.
Alberto Torró



Temas
1 In volo – 00:00
2 R.I.P. (Requiescant in pace) – 02:17
3 Passaggio – 09:00
4 Metamorfosi – 10:17


Il giardino del mago – 21:10
a) ...passo dopo passo
b) ...chi ride e chi geme...
c) ...coi capelli sciolti al vento...
d) Compenetrazione







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FRANCISCO VALDIVIA - El Tiempo Del Sol (2017 / FV) (Rockliquias Bandas)

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Sin mucha información anterior, tengo aquí el disco del sevillano Francisco Valdivia que editó éste año pasado. Él mismo se encarga de todo tipo de guitarras "y artefactos", voces, teclados y percusión. También ha contado con invitados que irán apareciendo en nuestro análisis. La preciosa portada, obra de Pepe Miñarro, refleja a la perfección la música que nos espera.


En "Nubes de Luz" (6'43) nos adentramos en un ejercicio genesiano puro, nada de Neo Prog, época "Wind & Wuthering". Título que define muy bien el interior de éste álbum. Con delicadas guitarras acústicas,  fantasiosos arpegios, y pinceladas teclisticas exquisitas. Mellotron incluido que le sienta a la pieza estupendamente. Es un tema poeticamente cantado con mucho gusto. Finaliza con recuerdos de Hackett, sobre inmenso fondo mellotronico y analogía moog. De verdad, precioso.

"Estrella del Sur" (2'56) sigue por esquemas líricos instrumentales, en una onda Anthony Phillips que continúa en la acústica intro de "Restitución" (4'43). La voz de Valdivia es apropiada a su música, casi  de juglar medieval contando añejas historias folclóricas pérdidas en la memoria del tiempo. Un todopoderoso mellotron arropa su voz en un sinfonismo 70s que resulta reconfortante, aliviador y a la vez sorprendente.... De que alguien esté "tan loco" de preservar tanto buen gusto olvidado. Otra joya. A éstas alturas el estilo de Valdivia queda bien resuelto en su idea de "restituir" el sinfonismo más clásico. En la instrumental "La Ciudadela " recrea más jugoso Downer Rock con recuerdos a grandes del género, Fruup, Fantasy, Spring o BJH.


Aparecen invitados en "El Tiempo Del Sol" (4'54). El mencionado Pepe Miñarro a la voz solista, y Néstor Urquía al bajo. Es otro pequeño "private part and pieces" con la nostalgia poética, algo tristona, de Anthony Phillips. Música que te invita a bajar del enloquecido tren de vida cotidiano, con sus prisas, obligaciones, presiones, neuras, pagos, miedos, amenazas, mentiras y demás "ventajas de la vida moderna".  O sea, mierda pura. En cambio te adentras en un introspectivo mundo aparte, lleno de paz, verdor, sonidos naturales, silencio y buenas vibraciones. Justo lo que te ofrece el planeta sin la intervención del odioso ser humano.

 En "Ceres" (4'27) cuenta con los sintetizadores y artefactos de Koldo Barroso. Aportando un embellecimiento planeador  casi kosmische. Mientras la voz, percusión y acústicas siguen conservando la delicadeza bucólica propia del estilo de Valdivia. La eléctrica adopta sentimiento psicodélico,  para completar.


Otro de los momentos álgidos  es "Phobos" (11'37) , con momentazos sinfónicos de la mejor tradición. El recuerdo a Genesis sigue muy presente , y no sólo por las acústicas,  mellotron y sonido Hackett. Sino por sus inspirados ambientes y estimable estudio de la composición .
 Lo mismo podemos decir de "Voces en el Viento" (7'52), de apacible cadencia Phillips ,- una vez más -, con letra derrochando poesía e imaginación. 

"El Tiempo Del Sol" parece un disco hecho en otra época. Cuando los detalles y las emociones  contaban, y eran indispensables. Por encima de la técnica,  aunque ésta,  por supuesto, importe. No creo que veas  nunca a Francisco Valdivia en el Be Prog,  ni cosas parecidas....Algo tan bonito no podía ser muy conocido, claro. En éstos fríos y mezquinos tiempos, no me sorprendería que lo prohibieran. Porque en su profunda belleza, reside su mensaje subversivo.  Un perfecto bálsamo  para curar heridas profundas.
J. J. IGLESIAS




Contacto:




P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70

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Pop & Blues Festival '70 Hamburg

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A finales de los 60 los grandes conciertos se convirtieron en una moda en Estados Unidos. Lógicamente esta tendencia llego a Europa donde también se reunieron miles de jóvenes en un gran numero de festivales multitudinarios. Hoy toca hablar del celebrado en Hamburgo en 1970.


El festival se realizó en el Ernst-Merck Halle durante la Semana Santa del 70, más concretamente los días 28, 29 y 30 de Marzo. Por sus escenarios pasaros grupos como Black Sabbath, Alexis Korner, Amon Düül II, Chicken Shack, The Nice, Man, The Groundhogs, Tomorrow`s Gift, Steamhamer y muchos otros. Se calcula que asistieron unas 14.000 personas, aún así fue un total fracaso económico debido a una pésima organización.


La grabación nos muestra una selección de la actuación de algunos grupos alemanes en el Festival Pop & Blues de Hamburgo del 70. Por una parte tenemos a uno de mis grupos favoritos, Frumpy, participaron de pura casualidad ya que no estaba previsto que lo hicieran. "Duty" y "Floating" son los dos temas que podemos escuchar de esta banda en una de sus primeras actuaciones. Como siempre una sensual  Inga Rumpf (voz) y  excepcional el trabajo de Jean-Jacques Kravetz. 
Thrice Mice aporta el tema "Vivaldi's Revival", rock progresivo con tintes jazz marcados por el saxo de Wolfgang Buhre. Otra de las bandas es Tomorrow's Gift con "Sound Of Which", casi veinte minutos  donde se mezcla el progresivo, free jazz y soul con cantante femenina, Ellen Meyer . Sphinx Tush tiene su pequeño documento sonoro con "Crashville", desfase guitarrero total.  Beatique In Corporation, grupo desconocido para mi, aporta "Going Straight", "Things We Said" y "Sunwave", krautrock total. En definitiva una muestra de la participación alemana en el evento.
J.C. Miñana




Temas

1 –Frumpy - Duty 00:00
2 –Thrice Mice - Vivaldi's Revival 07:35 
3 –Beatique In Corporation - Going Straight 14:40 
4 –Tomorrow's Gift - Sound Of Which  18:19 
5 –Frumpy - Floating 38:11
6 –Beatique In Corporation  - Things We Said 50:21 
7 –Sphinx Tush - Crashville 55:40 
8 –Beatique In Corporation - Sunwave 01:00:21



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EMBRYO - Father Son and Holy Ghosts (1972 / UNITED ARTISTS)

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La excitante escena musical de Múnich a finales de los 60 vería nacer a otro de sus grandes nombres en 1969, Embryo. Su líder nos dejó éste pasado Enero, dejando la historia del Kraut rock un poco más huérfana. Adiós,  Christian Burchard. Miembro anterior de Amón Duul II, (aparece en su debut, "Phallus Dei"). Éste percusionista, batería,  experto en marimba y derivados, vocal y teclados, ya venía de hacer sus incursiones en la escena jazzistica Free de los 60, junto a The Contemporary Trío. De allí saldría también Edgar Hofmann (saxo y violín), que junto a Lothar Meid (bajo) formarían el núcleo principal de Embryo. Éste jazz background sería fundamental para la posterior solidificación en el estilo del grupo. Uniendo experimentación,  étnica y psicodelia como condimentos indispensables. 


Tras el tremendo debut "Opal" (1970), llegaría "Embryo's Rache" (1971). En él se incluía el tema "Spain Yes, Franco Finished" , ( para qué andarse con tontadas), que les obligaría a cancelar su gira española de ese año. En 1972 aparece el álbum que hoy traemos. Realmente, yo aconsejo toda la década discográfica de los 70 de Embryo sin miramientos. Aquí lo acompañaban además de Hofmann, David King  (bajo, flauta, marimba, vocal) y Sigi Schwab (guitarras y percusiones exóticas). Proveniente éste último de los excelentes Wolfgang Dauner's Et Cetera. Como se puede apreciar, una formación que no incluía teclados en ésta ocasión. 

La sesión se iniciaba con el magnífico "The Special Trip" (5'56), con la batería de Burchard destacando claramente, bien sustentada por la incuestionable técnica de King. Se añaden violín,  flauta y una lisergica guitarra que nos recuerda todo, en conjunto, a unos exóticos Can.


Después del escaso minuto de "Nightmares", bella melodía con acústica y marimba primordialmente, llega "King Insano" (4'48). Que contiene suficiente inspiración jazz-psych en sus cinco minutos, como para llenar un álbum de alguien más mediocre. Efectos phaser en la batería,  violín,  saxo, bajo-mantra, en un casi crimsoniano devenir donde descansa una apacible flauta a lo Ian McDonald.

"Free" (6'19) posee un subliminal estilo hendrixiano en su canto, y psicodélica /finísima guitarra (muy Shuggie Otis). Es una gozada seguir la evolución de todos los instrumentos dentro de un sosegado ambiente de "hippie boite" llena de humo "creativo".

 Dando la vuelta a la placa aparece "The Sun Song" (8'48), con ese importante elemento étnico tan presente en el estilo de Embryo. Si a un combo psicodélico alemán de primeros 70, le añadían saxo, flauta y violín  de aromas orientales, la combinación era jugar a caballo ganador. Y si a eso unimos su experiencia en jazz, eso ya era el séptimo cielo.


"Marimbaroos" (2'56) es una pequeña fantasía para ese instrumento principalmente, con cálido violín a la David Cross.

 Finalmente "Forgotten Sea" (9'09) atrapa la magia de Embryo por esas fechas, con su predisposición jammer con experimental jazz y psych rock perfectamente empastados y ensamblados. Un placer seguir los devaneos solistas de cada instrumento y cómo hacen diana en su conjunción grupal. Efectivo y extraordinario.

Con la muerte de Christian Burchard se nos va uno de los tres líderes -percusionistas de su propio combo, en la experimental centroeuropa 70s. Junto a Maní Neumaier de Gurú Gurú y Christian Vander de Magma. El Kraut vuelve a estar de luto.

"Ese grupo hippie alemán,  Embryo, donde acostumbraba a tocar Mal Waldron, ellos hacen cosas interesantes, sabes, tío? Son creativos, buenos músicos y sólo tocan buena mierda". MILES DAVIS (Barcelona, 1975).
J.J. IGLESIAS



Temas
00:00 The Special Trip
05:50 Nightmares
06:48 King Insano
11:29 Free
17:44 The Sun Song
29:25 Forgotten Sea






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Brunning Sunflower Blues Band - Bullen St. Blues 1968

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Un anuncio en el periódico musical Melody Maker puso en alerta a Bob Brunning, necesitaban bajista. Se presenta a la audición y allí estaba Peter Green , su amigo John McVie había rechazado la oferta de entrar a formar parte de  Fleetwood Mac y necesitaba un bajista. Poco le duró la alegría a Bob, tres meses, McVie se lo pensó mejor  y se incorporó al grupo. Pero Brunning no se desanima y entra a formar parte de  Savoy Brown aunque nuevamente por poco tiempo. A finales del 68 deja la
banda y decide buscar un trabajo seguro   como profesor, ocupación que mantendría hasta su jubilación como director de escuela en 1999.


A finales de los 60 Brunning compatibilizaba sus labores docentes con diversas colaboraciones musicales. Una de ellas con Bob Hall (teclados) fructificó en la formación de  Brunning Sunflower Blues Band en 1968. El grupo publicó tres discos: "Bullen St. Blues" (1968). "Trackside Blues (1969) con la colaboración de Peter Green y I Wish You Would (1970). En 1971 la banda dejó de existir. Posteriormente Hall y Brunning regresaron en los 80 con "Deluxe Blues Band" pero eso es otra historia. Brunning murió en 2011 de un ataque al corazón.


En este primer disco de Brunning Sunflower Blues Band nos ofrecen sobre todo buen blues. Posiblemente la experiencia de Brunning con  Fleetwood Mac y Savoy Brown le sirvió para configurar el sonido de la banda.  Blues sin estridencias y sin fuegos de artificio, sólo sentimiento y buen hacer. Como temas destacados podíamos citar "Gone Back Home", "Shout Your Name And Call It" y por supuesto el "boogie-ragtime" que se marca Bob Hall al piano en "Sunflower Boogie ".
J.C. Miñana




Temas
Gone Back Home 00:00 
Hit That Wine  04:06
Bullen Street Blues  06:40
No Idea 10:43
Shout Your Name And Call It 13:20
Take Your Hands Off Me 15:27
'Fore Time Began 18:00
Something Tells Me 23:29
Big Belly Blues 26:39
Sunflower Boogie 29:45
Rockin' Chair 33:16

Formación
- Peter French - voz
- Mick Halls - guitarra
- Colin Jordan - guitarra
- Big Sunflower (Bob Hall) - piano
- Bob Brunning - bajo
- Jeff Russell - batería



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THE OLD MAN AND THE SEA - THE OLD MAN AND THE SEA (1972 / SONET)

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Dinamarca en los primeros 70 era un hervidero de colores psicodélicos,  drogas de toda clase y libertades (sexuales) ilimitadas. Y Christiania es un buen ejemplo de lo que allí se cocino. Lo que nos lleva a lo que nos importa, la música. Y con eso no pretendo ser inapetente en otras materias, conste. Tremendas formaciones psico-progresivas aparecieron en aquel libertario y utópico ambiente. Ache, Secret Oyster, Burnin Red Ivanhoe, Hurdy Gurdy, Savage Rose, Tomrerclaus o Day of Phoenix, por poner unos pocos. En ésa eufórica escena comenzó nuestro grupo de hoy, The Old Man and the Sea, en los felices días de 1968.


 Pronto despuntan como otro nombre interesante a seguir en el panorama underground, con su mezcla hippie de Atomic Rooster y Jethro Tull....a grandes rasgos. Llegan a abrir conciertos de Led Zeppelin y Ten Years After, y eso no se lo dejan a cualquiera. Y en 1972 consiguen un pequeño contrato con Sonet,  en el que editan su homónimo debut en una irrisoria cantidad de 500 copias. Los integrantes de ésa grabación eran Tommy Hansen (órgano,  teclados,  voces), Benny Stanley (guitarras), Knud Lindhard (bajo, voces), Ole Wedel Petersen (voz solista, percusión ) y John Lundvig (batería). El único disco de The Old Man and the Sea cumple los dos requisitos indispensables para ser un buen santo grial disquero que se precie : 1) Ser raro de cojones (ergo, vale un pastizal si encuentras un original). Y 2) Es tan cojonudo como para merecer seguirle la pista.

Y "Living Dead" (7'53) ya te deja anonadado con su avalancha organistica,  guitarra flamigera,  voz andersoniana y ritmos Squire - Bruford de impoluta ejecución. Ponle el condimento Hard Rock al "The Yes Album" y et voila! Aquí están TOMATS .Una entusiasmante entrada para abrir boca, de primer progresivo con posos psych. 

La delicada intro acústica de "Princess" (6'02) augura explosión organistica con "bajooka" y toda la banda a una recreando prog del weno con miras claras a Yes pero sin ponerse coloraos. Calidad nada acomplejada. Vamos, que podrían ser ellos perfectamente. Si bien su organista Tommy Hansen me parece superior a Tony Kaye, y al nivel de un Brian Auger, que ya es decir.

By the way a esto, el comienzo de "Jingoism" (6'54) tiene un salvaje parecido al "Indian Rope Man" del susodicho and the Trinity. Lo que se perdona por el desparpajo instrumental y vocal que expone TOMATS en alarde cualitativo de cosa fina y pizpireta. Dicho en el idioma del "Salvame", que "se pasan tres pueblos, los jodios". Excelente sería poco decir. 

Interludio pseudo-sacro nos muestra el "Prelude" (1'13) wakemaniaco.  Cosa ésta que viene a cuento porque "The Monk Song (Part 1)" (5'55) va por esos eclesiales derroteros. Los efluvios afirmativos no pierden fuerza, las corales armónicas son expresivas, sosteniendo la estupenda voz de Petersen. Que aquí, como en la ballena, todo es aprovechable. Hace acto de presencia la flauta travesera  (Poul Åge Hersland), en una línea bastante Focus.


"The Monk Song (Part 2)" (3'40) entra en tromba hard a meta casi a la par que Uriah Heep, y hasta el Hammond tiene esencias made in Hensley. Sobrada - cadabrante. 

Por si no era suficiente, que sí,  "Going Blind" (10'31) pilla respiraciones Tull del "Benefit", flauta en el lote, y suspiros de palidez Procol Harum. En otra joya con breaks y recovecos instrumentales de arquitectura gaudiana difícil de limpiar (esos rincones....). El sólo de Stanley mira a los ojos directamente a Mick Box, y sin apartar la mirada. Bien secundado por el poder de las cuatro cuerdas de Lindhard, amo de la burra compositiva en ésta rola, que junto a Hansen se lo comen todo escribiendo prácticamente todo el álbum.


 Esto señores, es un espécimen progresivo de mil pares de cojones. Y perdonen la expresión,  pero me desato cuando oigo algo tan bueno. De hecho creo que me voy a invadir Polonia.....La de arriba, que la otra ya está. 

En el 2003 apareció el cd "1972 - 75" con material destinado a un segundo álbum que nunca salió. Como pueden deducir, hasta ese año llegó "la broma" de TOMATS. El debut ha sido objeto de piratadas mil, pero una reedición legal hecha por la banda, puede salirte por 15 euros guarros en su página Facebook. En la que aparecen en una fotografía actual, quizá una vuelta?....
Y colorín colorado,  El Viejo y el Mar me han desbordado.
J.J. IGLESIAS



Temas
01. Living Dead — 7:51
02. Princess — 6:01
03. Jingoism — 6:52
04. Prelude — 1:11
05. The Monk Song, Part 1 — 5:53
06. The Monk Song, Part 2 — 3:37
07. Going Blind — 10:29
Bonus:
08. Circulation — 5:58
09. Lady Nasty — 7:49
10. Nasty Backbone — 4:23
11. Roll The Dice — 3:17
12. The Jam (Live) — 7:19



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MAGMA - Live hhaï - Köhntark (1975)

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El primer live de magma se grabó en parís en 1975. Todo un doble LP abierto con fotos interiores como mandaban los cánones de la época y un atractivo programa que presentaban algunas piezas inéditas hasta el momento como “Hhaï”, “Lïhns” o un pequeño adelanto de lo que sería Ëmëhntëht-Rê. Algunas secciones del Mekanïk y una poderosa versión completa de “Köhntarkosz” en sus dos partes. Para las hordas magmáticas con camiseta de logo inconfundible, este es uno de los lives esenciales y álbum de culto de los 70´s. 


Vinilo difícil de encontrar y el que aquí escribe intenta averiguar de su existencia en cada feria de discos. Me dice Jota Iglesias que Magma se han puesto de moda entre jóvenes frikis de las actuales generaciones. Yo me temo que sea una moda snob como tantas otras y como buen escéptico de la vida que soy me temo lo peor: “que oigan, pero no escuchen”, que den pábulo a lo “raro” tan solo por ser bizarro o marciano (kobaïano que para el caso es lo mismo) y se queden en lo superficial, es decir que no entren en la música tan solo por fardar de raritos y diferentes. He vivido ya tantas veces este dilema que me resulta totalmente familiar. No cuestiono la autenticidad de algunos, que la habrá sin duda, pero permitidme un alto grado de incredulidad en este jubilado amante de la música que siempre aborreció de las modas.


Vander tuvo en Magma lo mejor del panorama musical francés más avanzado a su tiempo y siempre con un currículum de músicos provenientes tanto del jazz como de las corrientes de vanguardia. En esta actuación se rodeó de un equipo impresionante: Benoit Widemann y Jean Paul Asseline a los teclados. Bernard Paganotti (padre) al bajo-fuzz terrorífico. Un jovencísimo Didier Lookwood verdadero maestro al violín que acojona oírlo. El guitarrista Gabrid Federow y Klaus y Stella más Christian Vander a las voces. La grabación es setentera pero tremenda. La interpretación de los músicos se sale de la norma: hasta los bretones de Astérix dirían que están locos estos franceses!!!. La energía musical trasciende los cánones establecidos y el oyente acaba empequeñecido, aturdido ante tal burrada. La música penetra en la piel y en los sentidos como una descarga eléctrica. No es música para temerosos, timoratos, pijos, ñoños, gilipollas o happyflowers. Poperos y maistream abstenerse y la lista de adjetivos se alargaría hasta el infinito y más allá. Yo aviso, luego no se me quejen weys. Magma son las hordas de Spartaco y Atila juntos. Te entrarán sudores y orgasmos escuchando a Vander cantar “Hhaï” y un sentimiento mágico en “Lïhns” que contrasta con la barbarie sonora. Si encuentras éste disco siéntete bendecido por los dioses y por la ira de Júpiter.
Alberto Torró



Temas
1. Köhntark (Part One) 0:00 
2. Könntark (Part Two)15:48 
3. Ëmëhntëht-Rê (Announcement) 31:58 

4. Hhaï 40:10 
5. Kobah 49:30
6. Lïhns 56:08
7. Da Zeuhl Ẁortz Mëkanïk 1:01:04
8. Mëkanïk Zaïn 1:07:20 



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BANCO DEL MUTUO SOCCORSO (segunda parte) - DARWIN (1972)

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Prácticamente grabaron su segundo trabajo casi a continuación del primero y en el mismo año. Al igual que la PFM la leyenda de Banco se inmortalizaría en sus tres primeros discos, todos ellos, considerados obras maestras del progresivo sinfónico, no solamente italiano sino a nivel mundial. Sin embargo, cada uno de ellos va superando al anterior. Ahora su concepto se basa en la figura del naturalista británico Charles Darwin y en su teoría de la evolución de las especies. Darwin supuso un antes y un después en la oscuridad de la mente humana y en las fantasías absurdas del creacionismo religioso. Probablemente la biología le deba casi todo a esta luminaria del siglo XIX, La infamia y la mezquindad de sus contemporáneos le persiguió en la rancia y beata Inglaterra victoriana y su aporte a la ciencia moderna es impagable y enorme, pero lógicamente estamos hablando de música por mucho que me apasione el tema y no os voy a dar el coñazo.


La estructuración de este álbum concepto es variada: desde épicas y complejas piezas como “L´evolucione” y “La conquista della posizione eretta” que ocupan la cara a del vinilo y son puro rock sinfónico retorcido de alta factura técnica, con conversaciones de teclados a tutti – Emerson con arreglos fantásticos de viento (clarinete-oboe), pasajes difíciles de batería, bajo y guitarra con un gusto compositivo de alta tradición barroco- clásica y académica que hará las delicias del sinfónico más exigente. Le debió costar lo suyo al homínido conseguir ponerse en pie, a juzgar por la descriptiva y sensacional pieza que lo describe. No hay comparación técnica con muchos grupos famosos ingleses de la época, que no cito por no hacerles sombra, pero Banco utilizan fórmulas de composición mucho más avanzadas y complejas que algunos encumbrados. 


La cara b es mucho más ecléctica, variada e intimista y en algunas ocasiones dulcemente melódica pero siempre con un sentimiento dramático en la esencia y con un cántico de Di Giacomo que roza la excelencia. No es un disco fácil de asimilar porque hay mucha temática sonora que debe escucharse debidamente. Con razón este disco está entre los favoritos y veteranos degustadores progresivos. La riqueza de ideas e imaginación de los años setenta no ha sido superada y lo siento por aquellos que opinan que los medios digitales y las nuevas tecnologías del progresivo moderno y sus alardes han superado aquella época. Lo siento vuelvo a decir, porque su ignorancia es absoluta y los tiempos analógicos les dan mil vueltas. En esta cara dos desde la danza de los reptiles y los 750.000 años donde no había amore o no podíamos imaginar de qué forma, la música es sencillamente extraordinaria, novedosa y milenaria a la vez, descriptiva y extraña. Un regalo para los oídos y para nuestra imaginación. Tiempos que no volverán y lo sabes.
Alberto Torró



Temas
  L'evoluzione - 00:00
    La conquista della posizione eretta -14:02

    Danza dei grandi rettili - 22:39
    Cento mani e cento occhi - 26:20
    750.000 anni fa...l'amore? -31:40
    Miserere alla storia -37:19
    Ed ora io domando tempo al tempo ed egli mi risponde... non ne ho! - 43:18






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The Grassland Sinners - Let It Ride 2017 (Entrevista) ( Rockliquias Bandas)

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The Grassland Sinners es una banda catalana que lleva luchando por abrirse camino desde 2015.  La relación de premios que han obtenido en diversos concursos realmente impresiona ( 1r Premio del Jurado, Sonomav 2016, 1r Premio del Público, Sonomav 2016, Mejor Banda del Barcelonés, Santako Sound 2016. Finalistas, Cirera Rock 2016. Mejor Banda, Fimuca 2017, 2º Premio, Cirera Rock 2017, Finalistas, Concurs de Música de Badalona 2017). Toda una garantía de su buen hacer musical. En marzo de 2017 autoeditan su primer Cd, "Let It Ride". 


Rockliquias se ha puesto en contacto con The Grassland Sinners para que nos cuente sus vivencias:


Rockliquias - ¿ Cuál era el recorrido musical de los miembros de la banda antes de formar el grupo?

Algunos de los miembros de The Grassland Sinners tienen formación musical y otros no, pero todos nosotros hemos estado en un buen número de proyectos anteriores, y llevamos ya unos cuantos años de conciertos, ensayos y grabaciones encima. Todos sabemos lo complicado que es tirar adelante una banda de temas propios, pero poco a poco parece que vamos creciendo, y por supuesto seguimos aprendiendo!


Rockliquias - En 2015 se formó  The Grassland Sinners, contarnos algo de vuestros primeros pasos.

Nos conocimos por casualidad a partir de unas jam sessions que se organizaban de tanto en tanto en un local de ensayo en Hospitalet de Llobregat, cerca de la mítica sala Salamandra. Inicialmente, tocábamos e improvisábamos sobre versiones de grupos que nos gustaban simplemente por diversión, pero tras algunos meses hubo tan buena química que empezamos a probar con ideas propias, hasta que casi sin darnos cuenta ya teníamos un buen puñado de canciones terminadas, y una banda de temas propios lista para salir a tocar.


Rockliquias - Habéis participado en numerosos concursos               ¿ pensáis que es un buen método para la promoción de la banda?

Hoy en día toda promoción es poca, así que por supuesto, los concursos son una herramienta más y puede ser muy útil. En nuestro caso, y gracias a haber ganado varios de estos concursos, la verdad es que nos ha funcionado bastante bien, tanto para empezar a mover el nombre de la banda como para coger rodaje y experiencia en directo, e incluso para grabar nuestro primer disco.



Rockliquias.- ¿ Hasta la grabación de vuestro primer disco,  ha habido cambios en vuestra formación?

Durante nuestros primeros meses de vida éramos un quinteto: Germán (voz), David (guitarra), Aleix (guitarra), David (bajo) y Oriol (batería). Cuando se empezaba a definir el estilo que íbamos a hacer (bastante cercano al rock clásico), el primer batería (Oriol) decidió abandonar el proyecto porque le apetecía hacer algo más orientado al soul. Fue entonces cuando entró Edu a la batería, y pocos meses después Revi a los teclados: esa es la formación actual de sexteto, y es también la formación que ha grabado el disco: Germán (voz), David (guitarra), Aleix (guitarra), David (bajo), Revi (teclado) y Edu (batería).


Rockliquias - ¿Cómo conseguisteis la financiación?

La grabación de nuestro primer disco ‘Let It Ride’ fue un pequeño milagro: el disco fue el premio por haber ganado el concurso Santakosound & Vision 2016 en la categoría de ‘Mejor Banda del Barcelonés’, por lo que todo el proceso de grabación, mezcla y mastering fue totalmente gratuito para nosotros.


Rockliquias - ¿Cómo fue vuestro trabajo con la producción de Marc Ferrando?

¡Marc es un crack! Fue fantástico trabajar con él, se encargó de que todo fuera muy fácil y fluido. Además, teniendo en cuenta que la banda llevaba en activo menos de un año cuando entramos a grabar, el ‘temple’ de Marc fue de gran ayuda para conseguir un disco lo más consistente posible. Él fue quien se encargó de toda la grabación, de la mezcla y también del mastering. En cuanto a la producción artística, Marc nos dejó total libertad, solo nos echaba una mano cuando teníamos dudas. Teníamos un tiempo de estudio limitado para completar la grabación, pero gracias a él lo aprovechamos todo lo que pudimos.



Rockliquias - ¿Cómo está funcionando la promoción de vuestro disco?

No estamos en ninguna discográfica ni en ninguna promotora, por lo que prácticamente toda la promoción del disco la llevamos directamente nosotros. A pesar de eso, hemos logrado que el disco esté presente en todas las plataformas musicales digitales (Spotify, Bandcamp, iTunes, Google Music, SoundCloud, YouTube, etc.), lo cual nos ha dado alas para llegar prácticamente a cualquiera que tenga conexión a internet. En cuanto a las ventas, a día de hoy hemos superado las 300 copias físicas vendidas, con venta tanto online como en nuestros conciertos. No es gran cosa, pero con los tiempos que corren no está tan mal! Como detalle curioso, podemos decir que hemos vendido y enviado varios discos a países como Estados Unidos, Alemania o Brasil. Ventajas de la globalización, supongo. ;)


Rockliquias - La portada del disco es obra de Jalón de Aquiles, ¿Como se fraguó la idea?

La idea de la portada es totalmente original de Jalón. Nosotros simplemente le pasamos las canciones, junto con algunas ideas, palabras y conceptos sueltos. Él fue quien hizo todo lo demás. Está claro que Jalón es un artistazo, estamos encantados con el resultado tanto de la portada como de la contraportada y del libreto interior… Es realmente un disco muy muy bonito a la vista.


Rockliquias - Respecto a vuestra música ¿Como la definiríais?

Definir la música es, en general, algo prácticamente imposible. El estilo de The Grassland Sinners podría entrar a grandes rasgos dentro del “rock clásico”, pero todavía estamos buscando definir un poco más nuestro estilo. Si todo va bien, tras el próximo disco quizá podremos responder mejor a esta pregunta.



Rockliquias - Qué tema o temas destacaríais de la grabación?

Somos seis músicos y todos tenemos nuestra canción o canciones favoritas, y casi todos tenemos una diferente. Quizá los que le llaman más la atención a la gente en general son los 4 o 5 primeros temas del disco, pero realmente no podríamos destacar ninguna canción por encima de las demás.



Rockliquias - Habéis participado en conciertos con grupos internacionales?

No por el momento, pero es algo que evidentemente nos encantaría hacer. Quizá con un poco de suerte podría aparecer alguna oportunidad en 2018, ¡crucemos los dedos para que así sea!



Rockliquias - Los sonidos de vuestros temas son netamente setenteros, supongo que estará plenamente relacionado con vuestras influencias?

Unas cosas más bonitas de la música es crear algo nuevo a partir de la combinación de todo lo que has escuchado antes, de manera que al final todo se va realimentando y renovando, todo a la vez, a lo largo de las décadas. Toda la música tiene sus raíces y sus influencias, y nosotros evidentemente tenemos las nuestras: The Black Crowes, Led Zeppelin, The Faces, Screamin’ Cheetah Willies, Gov’t Mule, ZZ Top, Blackberry Smoke, Ben Harper, The Doors… y seguro que muchas más de las que ni siquiera somos conscientes.


Rockliquias - ¿ Cuáles son vuestros proyectos futuros?

En este momento estamos llevando a cabo la 2ª mitad del “Let It Ride Tour”, la gira de presentación de nuestro primer disco. Durará hasta el mes de junio de 2018 y nos habrá llevado por más de 20 ciudades de España. Después, empezaremos a grabar nuestro segundo trabajo, que probablemente tendrá un formato de EP de 4 o 5 temas. Si todo va bien, lo grabaremos aquí y lo masterizaremos en Estados Unidos.



Rockliquias - Qué le diríais a nuestros lectores para que se compraran el Cd y fueran a vuestros conciertos?

Lo único que podríamos decir es que, tanto el disco como nuestros conciertos, nos salen directamente del corazón. Es felicidad pura. Somos unos privilegiados, porque estamos haciendo algo que nos encanta, nos divertimos muchísimo con ello, y al parecer parte de esa felicidad se transmite a través de las canciones y de los conciertos. Simplemente, escuchad dos o tres temas del disco. Si os gusta lo que oís, todo lo demás lo decidís vosotr@s. It’s only rock & roll, but we like it!!


The Grassland Sinners nos ofrecen un puñado de temas, en concreto diez, cargados de buen rock setentero con ciertos aires "southern". Todos los elementos para hacernos pasar un buen rato y disfrutar de este gran trabajo. Buenos riffs llenos de sonidos hard rockeros con un excelente cantante que domina el género a la perfección. La banda combina temas potentes como "Mr. Cadillac" o "Sweet Magnolia" con otros mas relajados como "Hey You" o "Tear in the Rain", uno de mis temas favoritos junto a "Love Me Like The Last Time", genial el riff inicial.

En definitiva The Grassland Sinners es un valor por el que deberías apostar si quieres disfrutar con un trabajo bien hecho.
J.C. Miñana






Contacto:



P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70

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AUM - Live at Avalon Ballroom 6/4/1969

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En 1968 Bill Graham, que estaba metido en todos los "fregaos" musicales de la época, abrió la agencia de representación Millard. Entre sus cliente teníamos a bandas como Grateful Dead, , Cold Blood , It's A Beautiful Day, Santana, Elvin Bishop Group, Sanpaku y AUM. La idea de Bill era llevar el ambiente del Fillmore a los locales de los suburbios y el norte de California. El compartir representación hizo que Gretaful Dead y Aum coincidieran en multitud de actuaciones. En más de una ocasión el guitarrista de Aum, Wayne Ceballos , compartió tablas con Jerry García.


Recordemos brevemente la trayectoria de Aum. Se formaron en 1968 teniendo en sus filas a Wayne Ceballos (guitarra, voz), Kenneth Newell (bajo) y Larry Martin (batería). Editaron dos discos: "Bluesvibes" y "Resurrection". Finalmente en 1970 dieron por finalizada su carrera.

Los conciertos en el Avalon Ballroom llegaban a su fin y Bill Graham organizó tres días de actuaciones teniendo como plato estrella a los Grateful Dead. Como grupos invitados unos emergentes Flying Burrito Bros. y el trío Aum. El evento fue retransmitido KPFA, que buena labor realizaban las Fm's en aquella época. En el "setlist" de Aum sólo cuatro temas: "I Need You", composición totalmente inédita,  "Little Brow Hen" de su álbum debut "Bluesvibes" y dos temas del "Resurrection", el magnífico blues "A Little Help From You" y la jam- improvisación "Bye Bye Baby". Noche de buen rock blues al estilo Cream con el permiso de "Slow Hand".
J.C. Miñana



Temas
1.  I Need You 00:00
2.  Little Brown Hen 05:31
3.  A Little Help From You 08:20
4. Bye-Bye Baby 21:03




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RADIOPHONIC WORKSHOP - Burials in Several Earths (2017 / ROOM 13) (Ensayos News)

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Ésta reseña podría pertenecer perfectamente a nuestra "Serie Pioneros". Pero vamos a conmemorar como se merece el hecho de un nuevo trabajo del Radiophonic Workshop después de 33 años de silencio. Sí señores, esto es una novedad,  por parte de unos "sintetistas de bata blanca" que lo comenzaron todo.


 En 1958, Desmond Briscoe y Daphne Oram montaron en la BBC un equipo-laboratorio que se encargara de los sonidos, scores y efectos de sus series, por entonces en plena explosión de la ciencia-ficción. Así nació la BBC Radiophonic Workshop, surgiendo de sus manos inmortales músicas para el desarrollo de la electrónica. Los ingleses nacidos por esos años llevan en su ADN impresas las primeras melodías cibernéticas de series como Doctor Who,  The Hitchhiker's Guide to the Galaxy o Quatermass and the Pit. De aquel laboratorio de locos por el sonido saldrían Delia Derbyshire y Brian Hodgson, o lo que es lo mismo, la semilla de White Noise. Compositores experimentales, ingenieros de sonido e innovadores musicales. Un colectivo del que sus supervivientes han participado en éste "Burials in Several Earths". Peter Howell, Roger Limb, Dr.Dick Mills,  Paddy Kingsland y Mark Ayres. Con invitados como Martyn Ware  (The Human League / Heaven 17) y Steve "Dub" Jones (The Chemical Brothers).

Como decimos, desde 1985 nada había publicado éste interesante colectivo. Y ésta vez, libres de guiones y otras ataduras temáticas o cronológicas,  se han inclinado por la absoluta improvisación libre. Entrando al estudio con cero nivel de trabajo previamente compuesto. Irónicamente,  suele decirse que la tecnología obró en contra de la creatividad del equipo. Acostumbrados a desenvolverse con primitivos artefactos, cintas de magnetófono y artísticos "corta y pegas". "Tenemos algunos sintetizadores analógicos, un piano, una guitarra, un theremin y autoharp. Es lo que había en la habitación. Pienso que éstas limitaciones son una de las cosas que realmente funcionan para "Burials...." Es el primer corte de los cinco, cuatro de ellos de largo recorrido. En sus 19 mts sorprende. Aún sabiendo que estamos ante auténticos pioneros septuagenarios que ya "jugaban" con los trastos electrónicos décadas antes de la psicodelia y el kraut. Moebius, Roedelius, Eno o Schnitzler fueron alumnado posterior. 


Para "Things Buried in Water" (22'01) se inspiraron en el sumergido Titanic (o cualquier barco hundido), y la cantidad de historias que el agua escondió. Así que muchos de los sonidos son de síntesis analógica acuática. Sin perder un claro objetivo cinematográfico,  que resulta imprescindiblemente descriptivo. Déjenme que les diga que ésta pieza es una pequeña obra maestra en sí misma. Y estoy seguro de que Cluster o Edgar Froese pensarían lo mismo. 

En "Some Hope of Land" (25'15), la experimentación no está reñida con fases melódicas de singular belleza. Podemos aplicar los términos "kosmische", "kraut" o "space" aquí?  Concretamente, sí. Pero no debemos olvidar que está hecha por exploradores sonoros mucho más mayores que esos géneros. Que cuidan la longitud de onda de un ruido blanco como si fuera una cadencia de notas en música clásica. Todo está "minuciosamente improvisado". Hay unos cuantos cientos de años de experiencia, si sumamos la edad de los ejecutantes. Otro maratón de creatividad y fructífera avalancha de abstracción dadaista.

"Not Come to Light" (3'58) recuerda a aquellas películas sci-fi en blanco y negro de la RKO, con alienígenas de aspecto a Robbie el Robot y monstruos del pantano a los que se les veía la cremallera.


 Mientras que, ya en el final, "The Stranger's House" (11'23) es un ejercicio que pasaría un examen de síntesis Dusseldorf, particularmente de unos primeros Kraftwerk, que personalmente me parecen los más aventureros.

"Burials in Several Earths" es una equivocación temporal. Un feliz accidente del destino de unos arcaicos innovadores. Que , al margen del año y su tiempo, siguen y consiguen descubrirnos más sensaciones auditivas por medio de la electrónica que ellos mismos crearon. Un extraordinario derroche de imaginación sin límites. 
J.J. IGLESIAS









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