El final llegaba...
Pero aún había mucho que decir en el mundo del "rock" y el "heavy". La magia de los '80 continuaría tanto por grupos jóvenes como por veteranos que todavía contaban con fuelle para rato.
Este año de 1.988 puede que quede más homogéneo, enfocado sobre todo a trabajos del mundo del "heavy metal", salvo alguna excepción que habrá por ahí:
-En el mundo del "rock" ha habido divas difíciles de olvidar y que le han concedido otro enfoque, porque no sólo los hombres sabían colgarse la guitarra y gritar delante de un micrófono (ya lo dijimos en el artículo de las Girlschool). Pues si en los '70 despuntó la genial Janis Joplin y en los '80 estaban la indestructible Wendy O. Williams y la diosa alemana Doro Pesch tampoco hay que olvidar a, la nacida en 1.958 de un padre británico y una madre italiana, Lita Rossana Ford. De hecho, pasar por los '80 sin hablar de ella sería todo un sacrilegio.
Esta "rockera" mezzo-soprano de marca mayor nació en Inglaterra pero a una edad temprana se mudó a Los Ángeles. Influenciada por el gran trabajo de Ritchie Blackmore en Deep Purple (como todos los guitarristas que fueron niños/adolescentes en los '70) decidió aprender a tocar la guitarra a los 11 años. Ya en 1.975, cuando contaba 16, Lita Ford formaría parte de la Historia de la música al interesarse por ella el empresario y cazatalentos Kim Vincent Fowley para introducirla en el seno de una banda de féminas llamada The Runaways. Este grupo muy "punk" muy "rock" básico fue uno de los más importantes de los '70 ya que influenciaron a toda una generación (que alguien les pregunte a L7 o a VIXEN) y de esos que demostró que también las chicas podían dar caña. Aquella lejana formación se componía de la cantante Cherie Currie, las guitarristas Joan Jett y Lita, de la bajista Jackie Fox y de la batería Sandy West. Primero empezaron en clubs y pubs como es lógico hasta que dieron el salto con "The Runaways" en 1.976, donde podíamos ver en dicha portada a la vocalista en desafiante actitud. En "Queens of Noise", orientado más hacia el "hard rock", ya pudimos verlas a todas juntas. La carrera de la banda fue tan espectacular como fulgurante; al tercer álbum se empezaba a palpar la crisis.
Se fueron Cherie Currie haciendo que Joan Jett tomara la voz y Jackie Fox, siendo reemplazada por Vicki Blue, y en 1.977 apareció "Waitin' for the Night". Al igual que ocurrió con Girlschool, al tercer disco prácticamente nadie le dio la misma importancia que a sus comienzos. Por problemas internos que surgían en el grupo, sobre todo por diferencias musicales (Jett se nutrió del "punk" de los Ramones mientras que Ford y West preferían seguir con el "hard rock"), se separaron en 1.979 y la luz de esa mítica y letal banda de chicas se apagó tras un par de LP's más sin ningún interés muy recalcable.
Pero Ford quiso hacer como Cherie Currie, iniciar una carrera en solitario y a ver si lograba éxito en aquel cambiante mundo del "rock" ahora influenciado por algo llamado N.W.o.B.H.M. y grupos como Iron Maiden, Def Leppard y SAXON. Pues fue en 1.983 cuando se realizó su debut a través de la casa Mercury Records, un disco enfocado al "heavy metal" que surgía en EE.UU.. Sería por esa provocativa portada, donde la cantante/guitarrista aparecía engalanada en cuero delante de una tela de araña jigante y con una guitarra partida por la mitad y sangrando (¡ay, las portadas de los '80!), o porque su estilo era muy similar a todo lo que se hacía en aquel momento, pero no consiguió casi ninguna repercusión salvo el interés que despertó en algunos por eso de que una ex-Runaway hubiera realizado un álbum.
Al año siguiente lanzó "Dancin' On the Edge", el último que haría con Mercury, consiguiendo éste alguna atención por parte de crítica y público por igual, llegando al puesto 96 en las listas británicas y al 66 en el Billboard estadounidense. En el trabajo, aparte de esa manera tan salvaje que tenía Ford de tocar las seis cuerdas, se disfrutaba de la batería de Randy Castillo, que luego tocaría en "The Ultimate Sin" de Osbourne, y del teclado de Aldo Nova. Los vídeos de los "singles""Gotta Let Go" (que alcanzó el n.º 1 en el Maisntream Rock) y "Dressed to Kill" rotaron bastante por la MTV; en uno de ellos aparecía el reciente prometido de Lita, el mismísimo Tony Iommi que, por el momento que vivía con Black Sabbath, podía perfectamente ocuparse de otros asuntos sin problemas. El tema "Dancin' On the Edge" hasta fue nominado a los Grammy a la Mejor Interpretación Vocal Femenina de "Rock".
Así, con esa carrera, Ford decidió dejar Mercury y fue fichada para RCA por la manager y esposa de Ozzy, Sharon Osbourne (...esta mujer estaba en todas partes) y en el Record One de Los Ángeles en 1.987 comenzó a grabarse el nuevo proyecto, que aunaba esfuerzos de bastantes nombres del mundillo del "rock" y el "heavy" dispuestos a colaborar con su amiga. Aquel esfuerzo, con una sensual y glamurosa Ford en la portada y llamado simplemente "Lita" salió el 2 de Febrero y supuso la posición más alta para la artista. Se puso 29.º en el Billboard y sólo 42.º en Canadá, pero fueron los "singles" y esa gran colaboración de otras personalidades lo que le dio tanta fuerza para conseguir una mejor atención. Además, hay una inclinación a sonidos más comerciales en comparación con los LP's anteriores, pero seguía destilando esencia "metálica" por los cuatro costados.
La potencia de los temas, la grandilocuencia que se palpaba con cada canción hacia de éste un álbum grande, más ambicioso e igual de disfrutable sin resultar excesivamente pomposo. Fue a Lita Ford lo que "The Ultimate Sin" fue a Ozzy, un simple "pulir y renovar". Empezaba con el ritmo inolvidable y muy "funk" de "Back to the Cave" (22 en el Mainstream Rock), una canción vigorosa de puro "rock" que abría perfectamente el disco. La seguía la más "metálica" y veloz "Can't Catch Me!", compuesta por Lemmy Kilmister y Ford, cosa que se nota por su dureza muy del rollo Motörhead unida a esos teclados de David Ezrin que recuerdan un poco al sonido de los RAINBOW más fuertes. La densa y muy "osbourniana""Blueberry" fue escrita por el productor Mike Chapman, que cuenta con un solo de guitarra de lo más épico. "Kiss me Deadly" fue la ganadora absoluta; un tema de retazos "pop" muy alegre que destacaba considerablemente y que fue 12.ª en el Hot 100 y 19.ª en Canadá, bautizada como la 76.ª mejor canción de "rock" por el programa VH1 (...en fin, ¡ejem!, si se me permite discrepar sobre ello). "Falling In and Out of Love" (37.ª en el Mainstream), coescrita por Nikki Sixx, cerraba la 1.ª cara; un buen tema, con partes pausadas pero muchísimo más "rockero" que el anterior algodón de azúcar.
El corte "Fatal Passion" abría la 2.ª cara con "rock" del bueno y nada más (¡como toca la guitarra la hija de p**a!), muy misteriosa y ambiental empezaba "Under the Gun", la única que compuso Lita Ford sola, con un toque muy a lo Whitesnake. La emotiva balada "Broken Dreams" nos traía un regusto de HEART (comparen las voces de Ford y Ann Wilson, por favor), y, por fin, la que todo el mundo quería oír, "Close my Eyes Forever", dueto de lo más mítico de Lita y Ozzy Osbourne que fue 8.ª en el Hot 100. Una canción perfecta para acabar, que bebía de aquellas oscuras sonatas de Ozzy como "So Tired" y "Goodbye to Romance". El interés por el vídeo hizo que tuviera gran difusión en televisión, mostrando lo buena que era Lita con la guitarra acústica como con la eléctrica y la apabullante presencia del "Madman" deleitándonos con su inigualable voz y sus gestos faciales que sólo él sabe poner.
Platino en EE.UU. y Oro en Canadá le dio por fin a la italobritánica vocalista/guitarrista el reconocimiento que se merecía. Muy grande, Lita Ford.
(Mejor canción: "Close my Eyes Forever").
-¿Un disco de "pop"? Eso dicen de "Lap of Luxury", que es un disco de "pop". Que ya ni siquiera "pop rock", sino "power pop" y unas cuantas chorradas adjetivadas más, pero la verdad es que no. Y cuando una banda de "rock" es buena es buena, con sus altibajos, ya sea en una época o en otra. Y Cheap Trick siempre lo han sido.
Hay que irse muy muy lejos para averiguar el origen de esta formación de Illinois. Concretamente a 1.967, cuando el guitarrista Rick Nielsen decidió crear FUSE junto al bajista Tom Petterson, emulando a toda la ola de "rock" que venía desde el otro lado del charco, donde cabían The Beatles, Yardbirds, The Who y un etcétera importante. Este grupo surgió de otras bandas locales donde también estaban Joe Sundberg (voz), Chip Greenman (batería) y Craig Myers (guitarra) y su buenísimo debut salió en 1.970 a través de Epic Records, sin lograr ningún éxito y haciendo que los miembros se separaran. Nielsen pasó por NAZZ pero se marchó al poco tiempo y así FUSE se fueron a Philadelphia y modificaron su nombre a Sick Man of Europe, uniéndose Bun E. Carlos más tarde y haciendo algunas giras.
Por fin se hacen llamar Cheap Trick tras ver un concierto de SLADE ("cheap trick" es "truco barato" en inglés y esto fue lo que dijo Petterson que aquellos hacían en el escenario para ganarse al público...sería sin mala intención) y graban unas maquetas oficiales en 1.974 , pero algo no cuadraba, y era el vocalista Randy Hogan, así que el reemplazo le llegó pronto con Robin Zander. Otra demo con éste y sus continuas giras abriendo para enormes bandas como The Who, QUEEN y KISS hacen que el productor de Aerosmith, Jack Douglas, fije su punto de mira en ellos. Con el apoyo de Tom Werman al final fichan en Epic Records de nuevo (no olvidemos que FUSE grabaron en esa casa) y Douglas les planta un contrato y la oportunidad de hacer un disco. Viniendo todo rodado en 1.977 salió "Cheap Trick", una genial obra de su tiempo, que va desde el regusto Beatle, pasando por el "glam" de SLADE y con una potencia "hard rockera" vibrante y arrolladora (Joey Ramone era fan de suyo). No fue tremendísimamente exitoso, pero fue la primera piedra.
A partir de ahí todo fue subir: "In Color", producido esta vez por Tom Werman, llega a Platino y significa su primera obra maestra, yéndose a terrenos más comerciales pero todavía la vena "rockera" destaca de forma incendiaria. "Heaven Tonight" vuelve a ser un éxito con la fórmula que todos saben: melodía y fuerza. "Surrender" se convierte en un "hit" y las giras cada vez son más emocionantes, llegando a pisar el mítico Budokan y firmando uno de los directos más grandes de los '70, "Cheap Trick at Budokan", Triple Platino en EE.UU. y que les pone en el lugar que se merecen en la Historia del "rock". Por si todo eso es poco terminan la década con "Dream Police", su obra de estudio definitiva; musicalmente no pueden sonar ni compenetrarse mejor. Pero ahí empieza el principio del fin.
"Nothing Remained Sacred", decían Judas Priest en "Screaming for Vengeance", y es verdad. "All Shook Up", como su propio nombre indica, dejó a público y crítica temblando, y es que los '80 fueron infernales para muchos grupos setenteros. "Power pop", experimentación y una horrible portada a lo New Wave les hizo perder mucha credibilidad. La ida de Tom Petterson, algunos proyectos puntuales, como colaborar para la banda sonora del film "Heavy Metal", y un asunto legal bastante turbio que hubo por ahí con CBS Records hizo que la banda se hundiera sin remedio. Salían algunas cosas aceptables, como "Next Position, Please" ('83), que recuperaba esa energía de antaño que ya ni se notaba, con John Brant al bajo y Todd Rundgren a la producción. "Standing On the Edge" fue un aparentemente último hurra, ayudados por bastante gente que no quería ver a un grupo de tal categoría en el barro.
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"The Doctor" fue, como siempre se ha dicho, una inutilidad. Sintetizadores por aquí y allá, secuencias de programación para la batería, reducción de la guitarra...hasta retazos "funk" había (fue a Cheap Trick lo que "Under Wraps" a Tull). ¿Se puede tocar fondo?, sí, por supuesto. Eso hacían muchos grupos sin dirección. Afortunadamente llegó Petterson otra vez y Epic ayudó a la banda metiendo a algunos compositores para un nuevo esfuerzo. Se pretendía salir del atolladero; se pudo hacer antes pero no les había salido ni por allá pasó, así que había que intentarlo. Y a saber quién fue el que dio en la tecla, pero no pudo dar mejor, porque "Lap of Luxury" salió el 12 de Abril y aunque muchos lo nieguen fue un regreso más que aceptable de este grupo. Después de ver cómo "The Doctor" caía 115 en el Billboard, que este LP subiera hasta el 16 en EE.UU., por 45 semanas, y el 11 en Canadá y se echara a la espalda dos Discos de Platino, uno respectivo de cada país, fue un logro, un reencuentro con la fama de antaño, una deuda con las listas.
Éste fue el 2.º álbum de su carrera que más éxito cosechó desde aquel "Dream Police", es decir, que merece un poco de atención. La fórmula no fue tampoco un secreto mágico, pero ayudaron las decisiones y estrategias tomadas. Aquí lo que se hace es teñir de "AOR" un disco muy "rockero" y "popero" a partes iguales. Uno que si Cheap Trick hubieran hecho en 1.980 en puesto del "All Shook Up" habrían vuelto a conseguir una obra maestra y nadie se habría decepcionado. Hay reminiscencias de sus trabajos de los '70, no mucha, pero sí esa energía característica de un grupo que, a todos los efectos, es un grupo "rock", y del bueno:
-Los ritmos más contundentes y también comerciales sobresalen en los muy dinámicos cortes "No Mercy", "Let Go" o la veloz "All Wound Up", participando en ellos hasta cuatro compositores externos: Jon Lind, James Scott, Janna Allen y Todd Cerney. Están otras muy puramente "aoreras" a lo Night Ranger como "All We Need is a Dream", "Space" o "Never Had a Lot to Lose" y una que les emparenta, pero diametralmente hablando, con los Foreigner del "Agent Provocateur", "Wrong Side of Love", donde a Zander le sale una voz casi calcada a la de Lou Gramm.
-Curiosidades "abemus" con "Don't be Cruel!", divertida versión del clásico de "rock 'n' roll" de Elvis Presley que se hizo con el 4.º puesto en el Mainstream Rock, y las más pausadas: la melancólica "Ghost Town" y, cómo no, la super-balada que se sacaron de la manga Robert Mitchell y Nick Graham "The Flame", y que interpretada por los chicos de Cheap llegó al 1.er puesto de los Mainstream Rock Tracks, consiguiendo dicho "single" Platino y haciendo que fuera SU CANCIÓN de los '80. De hecho, para muchos seguidores del grupo hay dos canciones: "Surrender" y "The Flame".
Como se ha dicho: ritmos adictivos y edulcoraciones muy de los '80 pero con una pequeña inyección de "rock" en el producto final. Los críticos musicales no lo tuvieron como un "comeback", sino más bien como un intento de reconciliarse con las listas y ya está, pero "Lap of Luxury" nos hace escuchar a los mejores Cheap Trick de los '80, los que, hundidos hasta las cejas por una discografía llena de errores, por una lucha constante de egos y por unas decisiones desastrosas, reflotaron y se dejaron ver de nuevo. No olvidemos que fueron una de las mejores y más divertidas bandas americanas de los '70...y que no merecen ser olvidados.
(Mejor canción: "All Wound Up").
-¿Por qué? Es una buena pregunta. ¿Por qué precisamente aquí? Pues, aunque parezca mentira y con las pintas que llevaban, Poison no han sido sólo un granito más en la inmensa montaña del "glam" de mitad de los '80; claro que no eran KISS y ni siquiera podían compararse con los geniales Cinderella, que realizaron su debut en el mismo año.
Y es que, últimamente parece que el 70% de fans de Poison no lo reconocen así de buenas a primeras. Una vez llegué a leer una reseña de la banda que aseguraba que había seguidores declarados de Sigue Sigue Sputnik y hasta de STRYPER, pero que no había de Poison. Pues tendría que haber muchos a finales de los '80, porque este cuarteto se convirtió en el máximo exponente de aquello llamado "pop metal". La historia comienza nada menos que en 1.979 en Pennsylvania, y no en L.A., cuando Bret Michaels se unió a su amigo de la infancia Rikky Rockett para formar una banda local llamada Spectres. Más tarde, éstos harían equipo con el bajista Robert Dall y el guitarrista Matt Smith y de Spectres pasaron a ser PARIS.
Formados como cuarteto fueron de bar en bar y de club en club, siendo, mayormente, un grupo que hacía covers de rock. Así, como siempre pasa, se ganaron sus seguidores y todo parecía ir viento en popa. Pero si querían triunfar de verdad no se podían quedar en Mechanicsburg, así que tomaron la decisión de mudarse todos a la soleada Los Ángeles y de paso cambiarse el nombre de nuevo, esta vez de PARIS a Poison. Todos las pasaron bastante p***s para sobrevivir casi sin dinero en una ciudad desconocida pero estaban dispuestos a lograrlo. Así destacaron volviendo a tocar en los pubs y clubs angelinos, donde se vivía mejor el ambiente en el que ellos querían despuntar. Pronto se interesaron en ellos y la posibilidad de ser conocidos de verdad parecía llamarles a su puerta; pero Smith estaba a punto de convertirse en padre entonces, por lo que se separó de los chicos para volver a su Pennsylvania natal.
Primeramente se inició la búsqueda de otro guitarrista, por donde pasaron Steve Silva y "Slash" (¿de cuanta credibilidad gozaría actualmente si en vez de meterse en Guns 'n' Roses se hubiera metido en Poison?), pero fue el neoyorkino C.C. DeVille el elegido. Con todo establecido en 1.986 firman por la independiente Enigma Records y por algo menos de 25.000 dólares graban su primer LP. "Look What the Cat Dragged In" amasó millones en poco tiempo, mientras que los integrantes hacían que miles de jovencitas se calentaran con ellos y perdían su credibilidad de cara a los críticos entendidos y fans del "rock" y "heavy metal" de siempre. Para muchos adultos Poison no eran sino una burda, estrafalaria y hortera copia de New York Dolls, Hanoi Rocks y Mötley Crüe y su estilo no les sorprendía; simplemente mucho descaro, canciones de fiesta, sexo y drogas y melodías facilonas para las listas, algo que KISS ya hacían una década antes.
Pero ocurrió como con EUROPE: a las jóvenes les volvían locas, y ese era un gran sector. Y hubo muchos chicos que bailaban al son de sus temas, no se crean ustedes. Muchas revistas no los tomaban en serio, otras sí, pero salían en ellas, que era lo más importante. ¿Qué más daba que el americano medio, amante del "rock" de Deep Purple, Ted Nugent y Lynyrd Skynyrd, despreciara a esos melenudos con pinta de furcias de tercera clase al verlos en una revista si luego cogía su hija la misma revista y se quedaba mirándolos durante horas (y haciendo otras cosas)? Los estadios se llenaban de gente, la MTV rotaba siempre sus vídeos (sobre todo el de "Talk Dirty to Me") y ese primer álbum llegó a Triple Platino en 1.987...tarea conseguida. Ya sólo había que seguir. Tras su rápido ascenso al estrellato hicieron tours con RATT, Quiet Riot, Bon Jovi y Cinderella entre otros. En 1.987 grabaron una versión del "Rock 'n' Roll All Night!" de KISS para el film "Golpe al Sueño Americano". Con ganas de continuar con la fiesta se meten en los estudios Conway Recording de Los Ángeles seleccionando primero a Paul Stanley como productor, pero siendo Tom Werman el encargado. Un hombre que había trabajado con Cheap Trick y Twisted Sister supo darle el sonido que necesitaban Poison de una vez por todas.
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Y así se hizo "Open Up and Say..."Ahh"!", que salió al mercado el 3 de Mayo. Sí, los más serios prefirieron llevarse el "Operation: "Mindcrime"" de Queensrÿche, pero esa portada donde salían unos ojos verdes y un rostro rojo de apariencia felina (censurado el original, claro) no se le podía resistir a los chavales de entonces. Dentro del disco la cosa no es que cambie mucho, la verdad, sólo hay matices que le dan un valor, se podría decir, aceptable. Con la tontería dicho álbum llegó al 2.º puesto en el Billboard con un Quíntuple Platino ganado en EE.UU., al 7.º en Australia, al 18.º en las listas británicas con un Oro, al 10.º en Canadá con un Cuádruple Platino y se colocaron cuatro "singles" en el Hot 100...nada más y nada menos. Se sabe lo que hay de sobra. Se habla de lo mismo: mucha fiesta, encuentros sexuales, romances (buenos y malos) y rebeldía, mucha rebeldía. Ahí tenemos cortes "superdivertidos de la muerte" como "Back to the Rocking Horse", "Look, but You can't Touch!", "Love On the Rocks" o "Good Love", y uno más "rockero" de lo normal, "Tearin' Down the Walls", que defendían la juerga eterna de los '80. Los cuatro "hits" mencionados fueron la versión de aquella clásica "Your Mama don't Dance" (10.ª en el Hot 100 y que demostró que los chicos no tenían mal gusto para la música), la bailable "Nothin' but a Good Time" (6.ª), la melódica "Fallen Angel" (12.ª) y, por encima de todas, una de las baladas que puso música a los corazones de todos los jovencitos en los '80, "Every Rose has its Thorn", y que quedó 1.ª en los Billboard por más de tres semanas (parece mentira que una canción que Bret Michaels escribió por un romance fallido con una "stripper" de un club de L.A. diera para tanto).
Como se ha dicho, no cambió mucho el estilo, pero las guitarras sonaban más "rockeras" que en el anterior "Look What the Cat..." y el conjunto era más consistente. Tenía aspecto de LP más profesional que de demo. Todas las anteriormente citadas canciones han salido en muchas películas y series de TV, así que el espíritu de Poison siempre seguirá estando ahí, aunque a muchos les pese. ¿Qué pasó después?...lo de siempre. Poison fue una banda enmarcada en una época y momento determinado, como RATT, como WARRANT, y esas bandas, fuera de sus épocas, no han sabido moverse con la misma facilidad.
Cuando se habla del "rock" americano de los '80 uno no puede evitar acordarse (aunque no se quiera, se acaba recordando) de aquella portada del "Look What the Cat..." donde aparecían los cuatro miembros del grupo, realizando el mítico gesto de la protrusión bilabial (labios echados hacia delante con mucha sensualidad), que aunque ya existía años a (se cree que fue Punky Meadows, guitarrista de ANGEL, quien lo puso de moda) fueron ellos sus máximos exponentes. Hasta por eso se recordará a estos infravalorados chicos del "glam" más fiestero de finales de los '80.
(Mejor canción: "Every Rose has its Thorn").
-Fue "Álbum del Año" para muchas importantes revistas de la época: Rolling Stone, Kerrang!, Sounds; sí, no fue el más exitoso en la carrera del grupo que lo realizó, pero él mismo recibió las ovaciones tanto de críticos como de público por embarcarse en tal proyecto. Eso consiguieron Queensrÿche al facturar "Operation: "Mindcrime"" el 3 de Mayo.
Hay que irse a finales de los '70 y empezar con el guitarrista Mike Wilton para saber cómo fueron los orígenes de este grupo que era una fuente de sonido habitual para todas las tascas de "heavy metal" en EE.UU.. En 1.980 Wilton unió fuerzas con el batería Scott Rockenfield que conoció en Seattle y así nació Cross+Fire y más tarde, tras tocar versiones de Iron Maiden o Judas Priest, a estos músicos se les añadieron el guitarrista Chris DeGarmo, antiguo amigo de Wilton, y el bajista Ed Jackson, cambiando su nombre por el de The Mob (Black Sabbath también influenció lo suyo en su época con Dio). Con ganas de tocar en algún que otro festival local buscaron un cantante adecuado para ellos, y llegaron a fijarse en el "frontman" de Babylon, Geoff Tate. Decidió colaborar, pero no resistió mucho porque no le interesaba sólo hacer versiones. The Mob, ya en 1.981, decidieron grabar unas cuantas maquetas. Sin vocalista fijo se llamó de nuevo a Tate. Las cuatro canciones fueron rechazadas hasta que llegaron a Easy Street Records, propiedad de Kim Harris, quienes les ofrecieron un contrato y, tras bastantes negociaciones y movimientos de hilos por aquí y por allá, pusieron en rotación varias "demos" a través de 206 Records, aunque antes de eso había que volver a cambiar de título. De The Mob se llamaron primero Queen of the Reich, como una de sus maquetas, pero para evitar parecer "heavies" nazis jugaron con el nombre y lo modificaron a Queensrÿche. Aquel primer EP tuvo mucha difusión, incluso internacionalmente para sólo un puñado de copias que salieron. Hablamos de 1.983 y Tate regresa al grupo después de un cambio de impresiones que tuvo tras marcharse anteriormente otra vez. En ese año ganaron popularidad poco a poco y abrieron para otras bandas.
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En uno de esos conciertos estaba uno de los ejecutivos de EMI, Mavis Brodey, convencido hasta la saciedad por Kim Harris para que viera al grupo. En efecto no se decepcionó con los chicos e "ipso facto" les entregó un contrato con la gran empresa. ¿Estar en la casa discográfica de Deep Purple, Iron Maiden y Scorpions? Fue algo que no se podía rechazar. El EP se rehizo y entró moderadamente en el Billboard, aunque eso les hizo abrir para grandes nombres del momento, como Twisted Sister, DIO o Quiet Riot. En 1.984 ya grabaron su primer disco, "The Warning", junto al productor James Guthrie. Lo que ofrecían Queensrÿche no eran teclados ni "glam" ni comercialidad al uso, lo suyo era puro y duro "heavy metal"; la esencia de Iron Maiden estaba en su sonido. Tuvieron la suerte de telonear a KISS en su "Animalize Tour" para promocionarse, y ya en 1.986 salió "Rage for Order", un más que digno LP donde experimentaban con teclados, variaciones hacia lo progresivo y unas letras mucho más políticas y socialmente críticas, aunque la discográfica pretendiera que el grupo adoptara una imagen "hair" apropiada para aquel año. Fue Oro y llegó al 47 en el Billboard (gran seña de que el "heavy" clásico en aquel momento tenía poco que hacer), lo que hizo que aumentara la base de fans sobremanera gracias, además, a los tours y giras frenéticas con Bon Jovi y Ozzy. Pero entonces la banda se guardaba algo que querían hacer, un as bajo la manga, un trabajo de categoría para no ser nombrada como "una de esas bandas típicas de los '80" en años futuros. Y ese as se llamó "Operation: "Mindcrime"". Un intento por realizar un álbum conceptual épico y de proporciones colosales (porque si Maiden pudieron con "Seventh Son of a Seventh Son"...¿ellos no iban a poder?). Dicho álbum narra una historia más cruda y oscura y menos fantasiosa que la del grupo británico. Así, cada canción cuenta una parte de la misma. Vamos a desgranarla:
-La suite "I Remember Now/Anarchy X/Revolution Calling" nos mete en la travesía que vamos a realizar, girando todo alrededor del heroinómano y anteriormente radical frustrado Nikki que, tirado en una camilla, es incapaz de recordar su pasado, hasta que todas esas imágenes regresan a él violentamente. Su desprecio por la sociedad hipócrita, manipuladora y corrupta que le rodea y dado a su pobreza económica hace que termine colaborando para una supuesta organización secreta dispuesta a organizar una revolución inminente.
-Ya "Operation: "Mindcrime"" nos da detalles de esto; a la cabeza de esa secta se halla un misterioso político y demagogo, el Dr. "X", que consigue lavar el cerebro de Nikki y volverle una marioneta y un asesino pronunciado simplemente la palabra "mindcrime".
-El querer hacer que la sociedad tome conciencia y se termine con el sistema decadente lo escuchamos en "Speak" ("¡Escuchadme!", nos grita Tate) y "Spreading the Disease".
-A través de un sacerdote corrupto, el padre Williams, a Nikki les son ofrecidos los servicios de una prostituta metida a monja llamada Mary. Una parte más oscura viene aquí con "The Mission", cuando "X" descubre que Nikki empieza a cuestionarse su trabajo al encariñarse con Mary, ya que despierta poco a poco de su control. Se cierra así la primera cara...
-La extensa "Suite "Sister Mary"" habla de la la orden que le es encomendada a Nikki. Él ha de asesinar ahora a la monja y al padre Williams. De hecho él va a la iglesia y mata al cura, pero al intentarlo con ella se ve incapaz, así que toma una decisión...la de huir.
-Se lo comunica a su manipulador con el sonido de "The Needle Lies", que acelera de nuevo el tono con rápidos "riffs" y ritmos frenéticos.
-Al decirle el Dr. que él es sólo un adicto y de que sólo sobrevivirá si cumple sus órdenes, ya que sólo él le puede proporcionar su dosis diaria, éste se va a buscar a Mary pero se la encuentra muerta, algo que nos cuenta "Electric Requiem/Breaking the Silence".
-Seguidamente llega "I Don't Believe in Love/Waiting for Twenty-two", con Nikki preguntándose si es que la mató sin saberlo o qué ocurrió de verdad ("¿Qué has hecho?", se pregunta el personaje rompiendo en gritos). La verdad era que ella se suicida antes de que muera él, pero es algo que Nikki desconoce, comenzado a caer en un círculo de locura infinito. Corre por las calles, la busca desesperadamente, la llama a gritos, pero no da con ella.
-La policía le encuentra y descubren que lleva un arma. Así le arrestan por ser sospechoso del asesinato del Padre Williams y de Mary. "My Empty Room/Eyes of a Stranger" termina diciéndonos que él sufre practicamente de pérdida de memoria, y es hospitalizado en un manicomio, donde ve en la televisión las noticias, informando sobre una reciente ola de asesinatos políticos. "Lo recuerdo ahora", termina diciendo, volviendo al principio de toda la historia.
Una obra de arte bien revisada. El sonido del grupo se eleva a otro nivel. Dramática, fantasiosa, oscura, violenta, realista, surrealista, trágica, impactante...todo eso es "Operation: "Mindcrime"", un LP que hay escuchar de vez en cuando para rememorar una auténtica joya del género. Sólo llegó al 50 en Billboard, al 58 en Gran Bretaña y al 75 en Canadá...toda una injusticia; una de las mayores que se cometieron, pero al final fue Platino poco después en EE.UU., por ello Queensrÿche siguen estando muy orgullosos.
(Mejor canción: "Suite "Sister Mary"").
-De todas las bandas de "glam metal" y "hair" que surgieron en la segunda mitad de los '80, seguramente Cinderella sea una de las más dignas, sino la que más.
Su debut, "Night Songs", se dio el mismo año que el "Look What the Cat Dragged In", de los otros "glammies" Poison, pero la historia de la banda realmente comenzó tres años antes, en Philadelphia, cuando el guitarrista/vocalista Tom Keifer decidió formar una banda junto al bajista Eric Brittingham, luego uniéndose Michael Smith (guitarrista) y Tony Destra (batería). Estos dos músicos se separarían de Keifer para formar más tarde Britny Fox, otra de las bandas de "heavy glam" de finales de década (quienes, aquel mismo 1.988, sacaron un más que correcto debut).
El cuarteto empezaba a ganarse una pequeña reputación tocando en clubs y bares; se dice que el mismísimo Gene Simmons (cazarrecompensas de marca mayor) se interesó por ellos para llevarlos a Polygram, pero declinaron esa oferta, quizá por el entrometido de Jon Bon Jovi. El vocalista de los de New Jersey vio en el Empire Rock Club de Philadelphia al grupo y quedó maravillado con ellos, tanto que fue a ver a uno de los hombres de A&R, Derek Shulman, para que fuera a verlos y firmar por ellos antes de que se adelantara otro. Así fue como se cruzaron.
Shulman no andaba muy convencido y quería ofrecer primero un contrato de seis meses, pero tras unas arduas negociaciones acabó cogiéndoles y Cinderella quedaron dentro de Mercury Records y llegaron el guitarrista Jeff LaBar y el batería James Drnec. La grabación de ese primer LP fue un tanto dispar, en algunas canciones tuvo que ocupar las baquetas un músico de sesión llamado Jody Cortez y luego entró en la nave Al Barker. El trabajo se hizo con la colaboración de Tony Mills, Jeff Paris y hasta de Bon Jovi, que prestó su voz para los coros. Aquel primer esfuerzo conjunto tuvo de nombre "Night Songs" y fue un verdadero exitazo de ventas, llegando al 3 en el Billboard con Doble Platino y al 15 en Canadá.
La música que se hallaba dentro era una mezcla explosiva del "hard rock" de toda la vida a lo AC/DC (la voz de Keifer era lo mejor) y un glamour típico de esas formaciones de los '80, tipo Great White o Rough Cutt. Sus canciones tuvieron mucha rotación en la radio, sus vídeos en la MTV y los críticos alabaron el disco y las canciones salvo, como se dijo, "la horrible portada" (que no era otra que los cuatro miembros engalanados de arriba a abajo con unas pintas de lo más "hair" en una calle con un humo violeta por detrás). En el programa VH1 "Night Songs" quedó 5.º en la lista de Los Mejores 5 Álbumes con las Peores Portadas (había "tops" para todo). A pesar de eso Cinderella tuvo un comienzo de lo más prometedor en el mundo del "rock", abriendo, después de la entrada del batería Fred Coury, para grandes como Van Halen, Bon Jovi, los japoneses LOUDNESS y David Lee Roth.
Pero algo estaba a punto de cambiar en el sonido del grupo. Tom Keifer, compositor de todos los temas, decidió mover el estilo del grupo en otra dirección, lo que significaba desvincularse del saco en el que les habían metido, porque ciertamente Cinderella poco tenían que ver con Poison, RATT o Autograph (también buenas bandas, pero de matices diferentes). Keifer se introdujo, al igual que harían otros como Great White, Bon Jovi o KISS, en unos derroteros más "blueseros" y puramente "hard rockeros", rindiendo el merecido tributo a los clásicos que amaba, donde se hallaban Aerosmith, The Rolling Stones, AC/DC, Humble Pie, Deep Purple y un larguísimo etcétera. Para la nueva obra se contó con más personal de lo habitual; figuraron, entre otros, el guitarrista Jay Levin, Richard Criniti al piano y órgano, John Webster a los teclados y los baterías Denny Carmassi y Cozy Powell. Volvieron a tener a Andy Johns en la producción, pero también se encargaron de ella Keifer y Brittingham, para darle ese nuevo sonido que se deseaba...y el resultado no pudo ser mejor.
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El 21 de Mayo sale a la venta la obra maestra, "Long Cold Winter", con una posición 10 en el Billboard y teniendo el Doble Platino casi instantáneamente como su predecesor, y que pronto sería Triple Platino; se queda en la 30.ª en Gran Bretaña, en la 24.ª en Canadá y coloca nada menos que cuatro "singles" en los Hot 100. Dicho LP descoloca a todo el mundo, que recibió con sorpresa el giro que dieron musicalmente, y un sector mucho más clásico empiezan a verles como grandes sucesores de las bandas de "hard rock" de los '70. Ciertamente dejaron cautivados a crítica y público por el esfuerzo, que merece más de una escucha para saber qué se está escuchando.
Abre "Bad Seamstress Blues/Fallin' Apart at the Seams" con una introducción de lo más setentera con esa guitarra tan "bluesy", las harmónicas de fondo y la voz tan cazallosa y sureña de Keifer, un combo de las gargantas de Rusty Day y Ronnie Van Zant, para pasar a la segunda parte, más a lo AC/DC y Aerosmith (en uno). Los gritos desgarradores de Keifer, el adictivo ritmo de Brittingham y Coury y los sensuales "riffs" de LaBar garantizan un comienzo de lo más grandioso. En la misma línea tenemos el intenso "blues""Long Cold Winter", que lo podrían haber interpretado Stan Webb o Billy Gibbons, pero no, es Jeff LaBar de Cinderella en su máxima expresión, siendo esta la mejor canción del disco y quizá de toda su discografía. Los dedos del guitarrista se queman tocando notas llenas de sentimiento y Keifer se deja las cuerdas vocales para facturar una maravilla musical de otra época.
Del mismo modo también encontramos las más potentes y comerciales "If you Don't Like It", "Gypsy Road" (51.ª en el Hot 100), "Fire And Ice", o "Take me Back"; cortes de básico y divertido "rock" de los que Aerosmith habrán recomendado más de una vez. Se completa el repertorio con las melódicas "Coming Home" (20.ª), "The Last Mile" (36.ª) y esa preciosa balada que puede pasar como una de las más brillantes de los '80, "Don't Know What you Got till it's Gone" (una que Dan McCafferty o Kevin DuBrow hubieran soñado cantar) y que se puso 12.ª en el Billboard Hot 100.
En resumen, que en vez de quedarse como dólmenes y ser encasillados, los chicos de Philadelphia hicieron bien al apartarse del resto de sus coétaneos para que cuando se les nombrara no se hiciera como una banda más de "glam metal" de los '80. Un enorme tour con Ozzy Osbourne, Bon Jovi, Scorpions y Mötley Crüe les puso en la cúspide de su carrera. Cinderella tenían ya su hueco en la Historia del "rock" y negar eso es una estupidez.
(Mejor canción: "Long Cold Winter").
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