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Rock Progresivo Español.Rompiendo la oscuridad: EVOLUTION (colaboración de Félix Jota)

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Grupo germano  anteriormente llamados The Vampires, que se afincan en Madrid en 1965, en busca del éxito fuera de su país. Con el sello Sesión consiguen grabar tres singles y dos Ep’s. Participan en el Festival Internacional de Conjuntos Músico-Vocales de León quedando en segunda posición y ganando 25.000 pelas, que para la época era una pasta. 

En 1969 se trasladan a Barcelona, donde coinciden con el guitarrista Tony Ponce y Artur Más, que llevaba el subsello Dimensión dentro de la discográfica Ekipo. Este les sugiere un cambio de nombre y se rebautizan como Evolution. A finales de ese año se publica su primer single, “Fresh garbage”, una versión de los norteamericanos Spirit. En la cara B otro clásico, “You don’t love me baby”, con buena voz y arreglos. 


Antes de que vea la luz su primer y único larga duración se edita otro sencillo, con los temas “Water”, que respira aires soul, y “Loving me (Is not the only thing to do)”, balada algo ramplona. En este ya no estaba el saxofonista Paul Waldhecker, que fue sustituido por T.J. Brown a los teclados. Estos cuatro temas se incluyen en el LP, grabado en los Estudios Gema de Barcelona en 1970 y producido por Miguel Casas. Con un curioso diseño en forma de bolsa con asa, al igual que en su reedición.  También los del siguiente single, “She’s so fine” y la instrumental  “I’m walking high”, que es de lo mejorcito del disco, con un solo de guitarra tremendo.

  Los días 20 y 22 de Noviembre de este mismo año tocan en el Primer Festival Permanente de Música Progresiva, organizado por Oriol Regás, en el Salón Iris de Barcelona. Un mes antes estuvieron en el Kolster Club, en un festival a favor de los damnificados de Girona, junto a Los No, Los Diablos y Los Puntos, entre otros. Luego marchan de gira por Europa y a su regreso quedan bastante decepcionados con las mezclas del disco, al que Miquel Salas añade arreglos de viento dirigidos por el catalán Rudy Ventura. El cabreo de Tony Ponce es mayúsculo. En 1971 participan en el Festival de Granollers de Rock Progresivo y en el Gran Price, en un único recital en España de José Feliciano, junto a Mi Generación.

  En mayo de 1971, se publica su cuarto single, que contenía una versión de un clásico de King Crimson, “In the Court of The Crimson King”, y en la Cara B “Problems”. Su última referencia discográfica sería su sencillo más comercial, con los temas “I must live” y “Pain and pleasure”, impuestos por la discográfica y ya como cuarteto, tras el abandono de T.J. Brown. Esto sería en 1972, año en que Evolution se disuelve. Su único disco está reeditado por Wah Wah Records, tanto en vinilo, con el poster del Primer Festival Permanente de Música Progresiva, como en Cd, incluyendo como “Bonus tracks” los cuatro temas de sus dos últimos singles, que se editaron después de la aparición del  LP.

FORMACIÓN:
DET FERRING: Voz y Piano
WOLFRANG JÜNGER: Bajo
MICKY KLUGE: Batería
PAUL WALlDHECKER: Saxo, Clarinete y Guitarra
TONY PONCE: Guitarra
T. J. BROWN: Órgano
ARTUR DOMINGO: Bajo

DISCOGRAFÍA:
Evolution 
(Ekipo-Dimensión 1970) Referencia 6001-GS  LP




In the Court of the Crimson King / Problems 
(Ekipo-Dimensión 1970) Referencia 4008-B SINGLE



I must live / Pain and pleasure 
(Ekipo-Dimensión 1972) Referencia 4011-B SINGLE





Fresh garbage (Koko 1979)
 Referencia CE 260 CASSETTE Colección Mitos del Rollo Vol.1

Evolution (Arlequín 1979)
 Referencia OST-8.008-B  LP

Grandes Grupos Progresivos 
(Rama Lama 1999) Referencia RO 50842 2 CD’S 
      Junto a Pan & Regaliz y Cerebrum

Evolution 
(Wah Wah Records 2000) Referencia LPS 005 LP

Evolution 
(Wah Wah Records 2003) Referencia WCD 005 CD






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RAINBOW - Down to Frontier 1.979

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 Ritchie Blackmore, uno de los más influyentes guitarristas, lleva semiretidado con su proyecto  Blackmore's Night desde 1.997, demasiado tiempo según mi criterio. Por fin parece que este año volverá a realizar algunos conciertos bajo el nombre de Rainbow. Creo que es un buen momento para recordar algo de esa etapa.


En 1.979 Rainbow había sufrido una remodelación completa. Debido al poco éxito en Estados Unidos Ritchie pensó que debía cambiar la estrategia musical y para ello llamó a su amigo Roger Glober. El grupo se completo con Graham Bonnet (voces), Don Airey (teclados), y Cozy Powell (batería), único superviviente junto con Ritchie de la formación anterior. En Enero comienzan a grabar en los estudios Le Chateau de París lo que sería su cuarto disco, "Down to Earth". lo editan en Agosto consiguiendo un notable éxito con los temas "Since You've Been Gone" (versión de un tema de Russ Ballard) y "All Night Long". Y se embarcan en una gira mundial que les llevaría por Japón, Australia, Nueva Zelanda, parte de Europa y Estados Unidos. 




"Down to Frontier" recopila tres conciertos de Rainbow durante la gira americana del "Down to Earth". Las actuaciones se celebraron en el International Amphitheatre Chicago Illinois (12/10/1979), Rainbow Music Hall Denver Colorado (16/11/1979) y  Hempstead Calderone Concert Hall Long Island New York (30/11/1979). El setlist es muy parecido en los tres conciertos e incluye fundamentalmente temas de su cuarto disco. También podemos oír solos de Blackmore, Don Airey y Cozy Powell ("1812 Overture"). En definitiva una oportunidad para escuchar en directo a Rainbow con Graham Bonnet. Por cierto el sonido es bastante aceptable sobre todo en Denver  y Long Island.


CD1

International Amphitheatre Chicago Illinois


Temas
1. Introduction (2:07)
2. Eyes Of The World (7:30)
3. Love’s No Friend (8:04)
4. Bach Brandenburg Concerto/Over The Rainbow (2:08)
5. All Night Long (7:10)
6. Keyboards Intro (1:47)
7. Lost In Hollywood (7:32)
8. Guitar Solo (3:16)
9. Beethoven 9th (2:14)
10. Keyboards Solo (4:26)
11. Drums Solo incl. 1812 Overture 1 (5:35)
2. Long Live Rock ‘N’ Roll (3:10)
13. Kill The King incl. Guitar Crash (4:06)
14. Long Live Rock ‘N’ Roll (reprise) (1:48)

CD2

Rainbow Music Hall Denver Colorado
Temas
1. Introduction (1:06)
2. Eyes Of The World (7:31)
3. Love’s No Friend (7:17)
4. Since You Been Gone (2:45)
5. Guitar Solo/Brandenburg Concerto/Over The Rainbow (2:23)
6. All Night Long (7:58)
7. Keyboards Intro. (1:37)
8. Lost In Hollywood (5:31)
9. Beethoven 9th (2:26)
10. Keyboards Solo (5:31)
11. Drums Solo incl. 1812 Overture (6:13)
12. Lost In Hollywood (reprise) (1:03)
13. Guitar Solo (1:38)
14. Man On The Silver Mountain (3:47)
15. Blues (1:04)
16. Long Live Rock ‘N’ Roll (3:14)
17. Over The Rainbow (2:55)

CD3

Hempstead Calderone Concert Hall Long Island New York
Temas
1. Introduction (1:07)
2. Eyes Of The World (7:57)
3. Love’s No Friend (8:49)
4. Since You Been Gone (2:53)
5. Guitar Solo/Brandenburg Concerto/Over The Rainbow (2:47)
6. All Night Long incl. Happy Birthday Roger (10:27)
7. Keyboards Intro. (2:00)
8. Lost In Hollywood (6:16)
9. Guitar Solo/Beethoven 9th (4:36)
10. Keyboards Solo (6:11)
11. Drums Solo incl. 1812 Overture (7:00)
12. Lost In Hollywood (reprise) (2:13)
13. Guitar Solo (1:58)
14. Lazy (1:11)
15. Man On The Silver Mountain (4:22)
16. Blues (1:05)
17. Long Live Rock ‘N’ Roll (2:34)
18. Over The Rainbow (2:49)


Formación
Ritchie Blackmore – Guitarra
Graham Bonnet – voz
Cozy Powell – batería
Roger Glover – Bajo
Don Airey – teclados

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Ensayos sobre un sonido (EM): ASH RA TEMPEL VI MANUEL GOTTSCHING - Inventions for Electric Guitar (1974) (colaboración J.J. Iglesias)

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Todo un clásico  de la Berlín School. Hoy traemos uno de esos infaltables de la "musique planante", que decían  los franceses. Aquí  éramos  más  brutos y lo llamaban "rock fumeta". Sin palabras. En realidad, un album en solitario de Manuel Gottsching, que salió con el nombre de su grupo compartiendo portada. Por extraño que parezca, no aparece ni un solo teclado en este disco. Tan solo la guitarra Gibson SG, efectos y tape loops de Gottsching como hilo conductor. Una primitiva TEAC de cuatro pistas y los citados tape loops grabados en ella a diferentes velocidades. Mientras son tratados con efectos, no muy sofisticados ni numerosos, dado el año de edición. Estas reiteraciones de sonidos dan la falsa impresión  de tratarse de secuenciadores, cuando en realidad es todo fruto de la guitarra. En esta gran endogamia creativa que es la música,  podríamos  decir que no es tan "inventions" como reza el título. Pues los primeros álbumes de Achim Reichel (del 71 al 73), otro icono kraut del que hablar en un futuro, ya usaba técnicas  similares. De igual modo, Gottsching se adelantó con las grabaciones reproducidas en cinta sin parar, a los famosos frippertronics de Robert Fripp. Y Steve Hillage también  adaptó  su modus operandi directamente del estilo del alemán. 



El disco hoy comentado cuenta con tres piezas instrumentales. En la cara 1, "Echo Waves" (17'45) y "Quasarsphere" (6'34). La primera de onirismos no muy alejados de los Tangerine Dream de "Rubycon/Ricochet".Pero hecho todo por un solo tipo a la guitarra!!! Un prodigio de sincronización  y laboriosa perfección. Un curro de chinos, vaya (porqué  se dirá  esto si están  todo el día en el badulake viendo culebrones?!!...).Culminando con un sólo de guitarra que recuerda a los hachas de la Costa Oeste, y más  concretamente a John Cipollina. También  a su paisano Michael Karoli (Can).

La segunda pieza es un fiel exponente de cosmic rock antigravitacional,  de inmensa belleza. Sonando por momentos su guitarra como un violín, y te recuerdo que el e-bow no estaba todavía  comercializado. En el lado 2 asistimos a la sesión  hipnótica  que supone "Pluralis" (21'36). Mi propio proyecto electrónico  fue bautizado así  en  honor a semejante derroche de ingenio, técnica  y fantasía. Tomando por referencia las teorías  evolutivas sonoras de Steve Reich o Terry Riley, Gottsching nos adentra en un viaje astral perfecto para incursiones introspectivas  al mismo "yo". Música  más  allá  de adjetivos.  Bellísima  y  llena de recursos. Que nunca cansa. Una obra maestra.Pura kosmische musik grabada y mezclada cuadrafónicamente en los famosos Dierks Studios por Heiner Friesz y Manuel Gottsching.

Llevar esto a los escenarios ya fue (todavía ) más  complicado. El minimalismo secuencial de los tape loops no era fácil  de reproducir con perfecta sincronía  en  directo. Así  que le echó  una mano su amigo Lutz Ulbrich (guitarras, sintetizadores), procedente de Agitation Free. Y que luego formaría  equipo con Gottsching en Ashra.

Un disco excepcional y obligado en una colección  sería de cosmic kraut. Claro que este músico  rara vez defrauda.





Temas

Echo Waves 00:00
Quasarsphere 17:50 
Pluralis 24:26




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THE SIEGEL - SCHWALL BAND - The Siegel–Schwall Band (1.971)

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Lo primero que destaca de este disco es su preciosa portada realizada por el ilustrador  Harvey Dinnerstein y que recibió un premio Grammy a la mejor portada en  1.973. Empezamos bien.


Corky Siegel (piano. armónica, voz) y  Jim Schwall (guitarra, voz) se conocieron a mediados de los 60 en la Universidad de  Roosevelt. Durante algún tiempo estuvieron tocando por la zona de Chicago junto a gente como Junior Wells, Buddy Guy, Billy Boy Arnold, Little Walter, Muddy Waters, etc. En 1.966 firman su primer contrato discográfico con Vanguard Records, ese mismo año se editaría su primer disco, "The Siegel–Schwall Band". A pesar de su gran calidad no consiguieron actuar en los grandes salas de la época ( Filmore). En el 67 llega su segundo disco, "Say Siegel–Schwall". Un año más tarde se interesa por ellos el director de orquesta Seiji Ozawa para colaborar en el proyecto "Three Pieces for Blues Band and Symphony Orchestra", con el que realizan diversos conciertos por Estados Unidos. Ese mismo año editarían "Shake!" y al año siguiente "Siegel–Schwall '70" con el que daría por terminado su vinculación con Vanguard Records. Con su nueva compañía, Wooden Nickel, publicarían 5 discos más antes de su disolución en el 74.


Siegel (piano. armónica, voz) y Schwall (guitarra, voz)  nos presentan un rock blues de muy alta calidad. Muy bien arropados por Rollo Radford (bajo, voz) y Shelly Plotkin (batería) consiguen un sonido muy parecido a la Paul Butterfield o John  Mayall, La forma de tocar el piano en "Devil" o la armónica en "Hush Hush" es claramente Mayall. El disco se compone de cuatro temas grabados en vivo en el The Quiet Knight de  Chicago y tres temas más en estudio ( "Devil", ""I Won't Hold My Breath" y "Leavin".  Por cierto no confundir con su primer disco de 1.966.


Temas
1.- "(Wish I Was on a) Country Road" (Jim Post, Corky Siegel) –00:00 
2.- "Devil" (Siegel) – 03:18 
3.- "Leavin'" (Jim Schwall) – 08:27 
4.- "Corrina" (traditional) – 11:37 
5.- "I Won't Hold My Breath" (Siegel) – 17:40 
6.- "Next to You" (Schwall) – 21:43 
7.- "Hush Hush" (Jimmy Reed) – 26:00

Formación
Corky Siegel – piano, armónica, voz
Jim Schwall – guitarra, voz
Rollo Radford –bajo, voz
Shelly Plotkin – batería

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MAMA'S PRIDE - Mama's Pride (1975) (colaboración J.J. Iglesias)

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Todos los detalles que vemos cuando tenemos este album entre las manos, nos hacen pensar en una banda puramente sureña.Sin embargo eran (son) de St. Louis. De las cenizas de los locales Doc Savage, saldrán  los guitarristas Danny Listón y el excelente solista Máx Baker. Ambos irán  en búsqueda de algo mejor a Los Ángeles como músicos  de sesión. Y allí  se encontrarán  con el batería  Pat Saunders, el bajista Joe Tiren, y el teclista Frank Gagliano. Danny Listón llamará  a su hermano Pat (vocal, slide, guitarras y órgano) y así  quedará  conformada Mama's Pride. Como un sexteto con cinco voces, las de los Listón brothers solistas, y tres guitarristas. Puro sur. El management será  Walden and Brusco de Macon, Georgia. Cuna de los Allman. Puro sur.Y el sello que se fijará  en ellos será  nada menos que ATCO. Junto a Capricorn, los mayores impulsores del southern  rock 70s.


 Este debut será grabado en los Criteria Recording Studios de Miami. Templo sagrado del género. Puro sur. Y la portada y contraportada están  hechas  al estilo picaron y cómplice  de la época : Foto de la banda en plan modosito con mamá,  delante. Todo crapulas en una cama, con unas groupies que tienen pinta de todo menos de monjas, detrás. Puro sur.


Un piano al estilo de Chuck  Leavell nos ofrece la intro de "In the Morning". La voz de Pat  Liston recuerda poderosamente a Gregg Allman. Y el sonido global. Y el feeling. Todo. Pero hecho IGUAL de bien que ellos. Así  que está  claro que The Allman Brothers Band es el grupo idóneo para el sonido de Mama's Pride. El sólo de Máx Baker es emulo del gran Dickey Betts. Bien empastado  con las guitarras de los hermanos Liston  y el infaltable Hammond.
El ritmo, es puro "greasy groove". Atención  al bajo de Joe  Turek en toda la audición. Esto es un temazo. En "Who do you think you're foolin'" el cantante es Danny. Su voz es "menos Gregg" y  "más Van Zant". La slide abrasa como el sol en las llanuras del midwest (o los Monegros, que pa'l caso...). Rock sureño troton lleno de testosterona redneck.

"Blue Mist" es un corte lleno de sinceridad. Perfecto para el debut de The Outlaws. "Laurie Ann" está  hecho para ser tocado en el porche, a la luz de las estrellas. Acústicas  Y finura. Y elegancia. Y caballerosidad del sur...un poco borde. Como Clark Gable  en "Lo que el viento se llevó ".

"Missouri Sky Line" es otro tema para "Brothers and Sisters", con desenfrenada rítmica  funk y guitarra a lo Betts.

El himno "Ole St. Lou" reivindica su tierra, como un "Sweet Home Alabama" del medio oeste:"Bien, has oído  hablar del sur, la costa este y la costa oeste también.  Pero si quieres realmente escuchar el blues, ven a Ole St. Lou". Yeah, pedazo de gozosa canción  que te quitará  todas las penas, man. La juerga de Jack Daniels sigue con "Kind Lovin' Woman". Lo estoy escuchando con auriculares y me dan ganas de invocar con la ouija al Grey Ghost.

"Where Would you be" es otra pasada al estilo de "Midnight Rider". No sólo  mama estaría  orgullosa, también Duane y Gregg. Y un final a lo "Freebird", como debe ser. Terminando está  "Young and Free", con la serenidad acústica  de un Jim Croce. Preciosa. Si este no es uno de los mejores discos de Southern rock de la historia, entonces no tengo ni puta idea de lo que hablo.


En el 77 hubo otro, "Uptown and Lowdown". Ronnie Van Zant iba a producir el tercero, antes del piñazo y de acabar con su cabeza colgando de un árbol. Giraron con Lynyrd Skynyrd,  Allman Brothers Band, The Outlaws, Charlie Daniels Band, Todd Rundgren, Alice Cooper, Reo Speedwagon y Heart. En 1978 son la backing band de Gregg Allman (qué  perro!), y se separan en el 82. Reunión  en el 92 y disco, "Guard your Heart". Lo mismo en el 2006, "Alive and Well", doble en vivo. Y en el 2013 lo celebran en su casa, St. Louis, junto a Ted Nugent, Styx y Reo Speedwagon. Si, del midwest. Pero PURO SUR.



Temas

1.- In The Morning 5:10
2.- Who Do You Think You're Foolin' 3:28
3.- Blue Mist 4:06
4.- Laurie Ann 4:23
5.- Missouri Sky Line 4:08
6.- Ole St. Lou 6:11
7.- Kind Lovin' Woman 4:35
8.- Where Would You Be 6:23
9.- Young And Free 3:43

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NAZZ - Nazz Nazz(1969) (Colaboración Juan Carlos Rustarazo Vicente)

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Fue en este proyecto donde comenzó su andadura uno de los guitarristas más polifacéticos en el mundo del rock. Estuvo con varias bandas, después siguió su carrera en solitario que es muy prolífica en álbumes, y paralelamente ha desarrollado una labor inmensa como productor de muchos grupos importantes dentro del mundillo rockero. Rundgren es un músico de tamaño colosal. Ha estado inmerso en todo tipo de disciplinas dentro del Rock, moviéndose entre la psicodelia, el garage, el progresivo, el rock and blues, el pop y posiblemente donde más cómodo se ha encontrado, el jazz-rock.

Este Lp es el paso intermedio de la magnífica trilogía que lanzó NAZZ. Un grupo donde el joven Rundgren va a destacar por encima del resto descubriéndose como un valor potencial que tenía mucho que ofrecer. La música de NAZZ no es fácil de catalogar; se mueve entre la psicodelia, el pop, el garaje, el rock. Este segundo trabajo es muy ecléctico, tan pronto encontramos un potente riff en una canción, como un tema más sosegado cargado de maravillosos arreglos de piano por parte de Todd. Por supuesto es un disco absolutamente suyo. Con su corta edad, él se ocupará de la composición de todos los temas, los arreglos, la producción y la interpretación en la guitarra.


Temas directos que transmiten buen rollo, ilusión, intensidad y energía. Muchos juegos de voces que funcionan como un instrumento más; una batería muy elaborada que le da mucha solidez a los cortes. Los arreglos son impresionantes, trabajados minuciosamente de forma que confieren a las canciones una vistosidad y riqueza que no pasa desapercibida.

El sonido de estos americanos está ciertamente lleno de influencias de grupos ingleses que ya tenían algo de bagaje en sus arcas, tales como ROLLING STONES, BEATLES, WHO, KINKS, etc. pero con un toque más melódico que muchos de ellos. Eso los hace atractivos, fáciles de asimilar y digerir.

En la segunda cara ofrecen su material más cercano a un rock potente con una guitarra más contundente por parte de Rundgren, más cercano al blues  y el rock'n'roll con arreglos desarrollados por instrumentos de viento y cuerda.

Un excelente álbum con ritmos contagiosos y melodías bien fabricadas que nos hacen tomar partido, involucrarnos y sentirnos parte de eso llamado "ROCK".



Temas
01) Forget All About It
02) Not Wrong Long
03) Rain Riders
04) Gonna Cry Today
05) Meridian Leeward
06) Under The Ice
07) Hang On Paul
08) Kiddie Boy
09) Featherbedding Lover
10) Letters Don't Count
11) A Beautiful Song

Formación
Todd Rundgren.............Guitarra
Carson van Osten..........Bajo
Robert Antoni...............Teclista y voz
Thom Mooney...............Batería

PD: Nuestro amigo Juan Carlos Rustarazo tiene un magnífico blog, Las tierras altas del progresivo, que os invito a visitar. Gracias Juan Carlos por tu colaboración

Por cierto os recuerdo que ese pequeño gesto que es pinchar en 
es muy importante para que el blog continue. El blog es posible gracias a vosotros.

Rock Progresivo Español.Rompiendo la oscuridad:PAN & REGALIZ (colaboración de Félix Jota)

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Grupo catalán anteriormente llamados Agua de Regaliz, nombre con el que editan su primer single en 1970. “Waiting in the munster’s garden”, con aires de Jethro Tull, y “When you are so bring down”, tema más jazzístico con un buen solo de guitarra, se grabaron para el sello Diábolo en los Estudios Gema de Barcelona.


 Sus ventas fueron escasas, a pesar que hoy día un ejemplar esté altamente tasado y buscado en círculos progresivos. Dos años atrás, el mallorquín Guillem Paris con su grupo Els Mussols ya hacía varios conciertos en directo tocando versiones de Cream y Hendrix. Después de la edición del sencillo participan en el Festival de L’Aliança del Poble Nou y en el Primer Festival Permanente de la Música  Progresiva, en el Salón Iris de Barcelona.



 Diferencias con la discográfica y con su descubridor Ángel Fábregas hacen que tengan que cambiar el nombre por el de Pan & Regaliz, aunque en un principio solo se iba a quedar en Pan. Con Ekipo-Dimensión editan lo que sería su único Lp de título homónimo en Mayo de 1971. En esta grabación ya no participa el batería Jackie García, que se va a hacer la mili, y es sustituido por Peter Van Eeckhout. Antes vuelve a editarse otro single con los temas “Dead of love”, con tremendos toques psicodélicos y buenos solos de flauta, y “Thinking in Mary”, instrumental con toques de blues y jazz. Ambos incluidos en el larga duración, al igual que los dos temas registrados como Agua de Regaliz. El disco contenía otras cuatro piezas, la psicodélica “I can fly”, “A song for the fríend”, “One more day” y la más larga “Today it is raining”. 


Pese a los intentos de Paris por mantener al grupo unido, este se va deshaciendo poco a poco. El bajista Artur Domingo decide unirse a Evolution, y Van Eeckhout a Jarka junto a Jordi Sabatés.  Su última referencia discográfica fue el single “Magic colors”, en 1971. El tema no estaba incluido en el LP, aunque si en futuras reediciones. En 1972, Guillem Paris, en una reunión fugaz con Enric Herrera, Carles Benavent, Emili Baleriola, Salvador Font y Manel Joseph  graban el disco, “Rock on the Rocks”. Conteniendo versiones de clásicos como “El Rock de la Cárcel” o “Zapatos de Gamuza Azul”. Remasterizado y reeditado en formato Cd por el sello Picap en 2010.

  Guillem Paris decide emprender entonces la aventura en solitario, llegando a grabar varios temas para un Lp que nunca se editó (en qué cajón andará). Al estar cantado en castellano y no ser nada comercial, la discográfica decide dar marcha atrás y frustrar el proyecto por el que había apostado Paris, aunque continúa ligado al mundo de la música diseñando portadas, como la del disco “Ortodoxia” de Jarka. También en labores de producción en “Un Grupo Llamado Berta”. En 1979 monta su propio grupo, “Lavanda Paris”, junto al batería Dani Navarrete y los guitarristas Joan Marcet y Joan Vinyals, con el que realiza varias actuaciones incluso en TVE, en el programa Musical Express. 

FORMACIÓN: 
GUILLEM PARIS: Voz y flauta
ALFONS BOU: Guitarras
ARTHUR DOMINGO: Bajo
JACKIE GARCÍA CORTÉS: Batería
PETER VAN EECKHOUT: Batería

DISCOGRAFÍA:
-Waiting in the munster’s garden/When you are so bring down (1970) 
Diábolo Ref. G-10.008 (Como Agua de Regaliz) SINGLE


-Dead of love/Thinking in Mary (1971)
 Ekipo-Dimensión Ref. 4006-B SINGLE

-Pan & Regaliz (1971)
 Ekipo-Dimensión Ref. 6002-GS  LP






-Magic colors/A song for the friend (1972)
 Ekipo-Dimensión Ref. 4010-B SINGLE

-I can fly (1978) KOKO Ref. CE 266 “Mitos del Rollo Vol.4” CASSETTE

-Descubrimiento del Tesoro Musical de los Años 70 (1978)
 Apolo Records Ref. G-505 (Tema “Waiting in the munster’s garden”, como Agua de Regaliz) LP

-I can fly (1979) 
Orange-Arlequín Ref. OST-8004  LP

-Grandes Grupos Progresivos (1999)
 Rama Lama Ref. RO-50842 2 CD’s 
 (Junto a Evolution y Cerebrum)

-Pan & Regaliz (2000) 
Wah Wah Records Ref. LPS-004 LP

-Pan & Regaliz (2002)
 Progressive Line Ref. PL-524  CD

-Pan & Regaliz (2003)
 Wah Wah Records Ref. WCD-004 CD



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Jesus Christ Superstar con Ian Gillan 1.970

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En plena Semana Santa llegan a mi memoria recuerdos de mi adolescencia. Cuando en las emisoras de radio solo se emitía música clásica durante este periodo o en los pubs la música tenía que reducir su nivel sonoro con riesgo de la entrada de los "grises" y el consiguiente desalojo. Lo cierto es que durante algún tiempo esta obra fue lo único que los amantes del rock podíamos disfrutar llegados estos días.


 Se empezó a concebir en 1.967 por unos jovencísimos Tim Rice y Andrew Lloyd Webber que ya disfrutaban de cierto éxito con el musical "Joseph And The Amazing Technicolor Dreamcoat". La obra fue creada como opera rock y por ello se contó para su ejecución con algunos de los interpretes del género del momento (Ian Gillan, Murraid Head, etc) y con la Grease Band, banda que acompañó a Joe Cocker en Woodstock (Henry McCullough (guitarra), Neil Hubbard (teclados), Alan Spenner (bajo) y Bruce Rowland (batería))  . El disco se editó el 27 de Octubre de 1970 obteniendo un notable éxito a pesar de ser censurado en la BBC. Un año más tarde, el 12 de octubre, se entrenaba en Broadway pero sin la participación de Ian Gillan debido a problemas en las fechas (gira de Deep Purple). En el 73 se realizaría la película teniendo como protagonista a  Ted Neeley en lugar de Gillan, pretendía cobrar 250.000 libras.

La película se estrenó en España en la Semana Santa del 75 y en octubre de ese mismo año fue presentada la adaptación teatral española contando como protagonista  con Camilo Sesto (Jesus) que invirtió 12 millones de pesetas, una auténtica fortuna, y Teddy Bautista ( Judas). La obra tuvo muchas críticas debido a la situación política del país. A pesar de todo fue un rotundo éxito.


Se han realizado muchas versiones de la obra pero esta es la original grabada en 1.970 y teniendo como protagonistas a : Ian Gillan (Jesus), Murray Head (Judas) e  Yvonne Eliman ( María Magdalena). En los temas en los que interviene Gillan es totalmente reconocible con su típica forma de cantar y con los gritos que le hicieron famoso con los Purple.




Temas
Cara A:

1. Overture - 0:00
2. Heaven on Their Minds - 3:59
3. What's the Buzz/Strange Thing Mystifying - 8:19
4. Everything's Alright - 12:33
5. This Jesus Must Die - 17:47

Cara B:

1. Hosanna - 21:24
2. Simon Zealotes/Poor Jerusalem - 23:33
3. Pilate's Dream - 28:21
4. The Temple - 29:49
5. Everything's Alright (reprise) - 34:32
6. I Don't Know How to Love Him - 35:01
7. Damned for All Time/Blood Money - 38:42

Cara C:

1. The Last Supper - 43:54
2. Gethsemane (I Only Want to Say) - 51:01
3. The Arrest - 56:34
4. Peter's Denial - 59:55
5. Pilate and Christ/Hosanna (reprise) - 1:01:23
6. Herod's Song (Try It and See) - 1:04:07

Cara D:

1. Judas' Death - 1:07:09
2. Trial Before Pilate (Including the 39 Lashes) - 1:11:24
3. Superstar - 1:16:37
4. The Crucifixion - 1:20:51
5. John Nineteen: Forty-One - 1:24:58

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Ensayos sobre un sonido (EM):VANGELIS - Spiral (1.977) (colaboración J.J. Iglesias)

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Para muchos, Evangelos Odysseas Papathanassiou, o sea, VANGELIS, será ese "tío  pesao y decadente de las grandes corales, con pretensiones clásicas  y bandas sonoras inmensas". Vale. Estoy de acuerdo. Aunque personalmente me gusta "Mythodea", con todas sus virtudes y defectos. Con ese pedazo sinte (sólo hay 40 en todo el mundo) de inacabables teclas y presets mil, y su talento, VANGELIS te puede hacer un album en una tarde tonta de domingo lluvioso. Mientras tú  te ves la trilogía  de "El Señor de los Anillos", él  te puede ir haciendo una banda sonora alternativa a tiempo real. Y lo sabes. Hubo un tiempo en que este músico  griego dominaba sin temor cualquier situación  musical que requiriera valentía  y riesgo. 


De familia adinerada, fue de los primeros en tener un sintetizador en su país.  Desde que dejará la psicodelia con Aphrodite's Child, y comenzará su andadura como teclista pionero en solitario. Metiéndose  en berenjenales exótico -africanos, mediterráneos,  Free jazz rock, sex lounge Music, devaneos Carl Orff (la famosa tonadilla de "Chariots of Fire" ya aparecía  al final de "Heaven and Hell Part 1" en 1975). O haciendo música  cuasi electroacustica  en "Ignacio" , o esa marcianada que no le gusta a nadie más  que a mi que es "Beaubourg". En esa constante inquietud creativa, era de preveer que se metiera de lleno en la cosmic music  de aires alemanes. En su cumbre, dejó  dos obras maestras:"Albedo 0'39" y "Spiral". De hecho, adoro su época londinense en sus Nemo Studios. Rodaje que le vendría  muy bien para esa monstruosidad que compondria en la siguiente década,  "Blade Runner". Ahí  SI que había  un Oscar.


Sin dejar de lado su característica  grandiosidad, "Spiral" (6'57) se beneficia de un adictivo secuenciador que ya forma parte de la historia de la música  electrónica. Melodicamente brillante, sabedor de su capítulo  jazzistico,  nunca olvidadizo con la clásica,  la riqueza de recursos de este tema (y de los que siguen), es espectacular y rotunda.

"Ballad" (8'27) recurre a sabores orientales, haciendo "cantar" al sintetizador. Como si el robot Bender estuviera de visita en el Tíbet. En otros momentos ya asistimos a atmósferas  jazzy de cine negro, como un avance a lo que sería la peli de los replicantes. Encuentro referencias hasta a Piazzolla. La pegadiza "Dervish D." (5'15) también  es un reino de secuenciaciones. Muy "tangerina" y en clave de eufórico blues cibernético.  Iniciamos la cara B con una melodía / sintonía  mil veces escuchada. "To the Unknown Man" (9'02) no abandona la estela Froese, pero se beneficia de la pasmosa facilidad melódica  de Vangelis. Además  de su exquisito gusto dramático. En "3+3" (9'35) deja claro, como en todo el disco, su inclinación  Berlín  School. El secuenciador echa chispas, junto a capas de potente apoteosis electrónica,  siendo el corte más  "alemán ".

"Spiral" es un album perfecto para iniciarse en la vasta discografía  del griego. Que en reglas generales es aconsejable desde sus inicios en los primeros 70, hasta mitad de los 80. Luego ya dependerá  de tu grado de frikismo o nivel masoca. 





Temas

00:00 - Spiral
06:57 - Ballad
15:25 - Dervish D
20:39 - To the Unknown Man
29:44 - 3+3




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STRIDER - Exposed 1.973

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Strider fue un grupo de hard rock de principios de los 70 que tuvo el honor de participar en el Festival de Reading durante dos años consecutivos, 1.973 y 1.974.


La formación original de Strider estaba compuesta por Gary Grainger (guitarra),  Ian Kewley (voz, teclados),  Lee Hunter (bajo) y  Jimmy Hawkin (batería). Procedían del Reino Unido. Su manager, Billy Gaff, era el mismo que el de The Faces y por ello consiguieron actuar junto a The Sensational Alex Harvey Band, Rory Gallagher y The Faces. En 1.973 llegaría su primer disco "Exposed" y un año más tarde el segundo, "Misunderstood", con nuevo cantante,Rob Elliott, y el batería Tony Brock .


Los Strider nos deleitan con un excelente hard rock. La peculiar voz de Ina Kewley y los ramalazos guitarreros de Gary Grainger son sus principales protagonistas.  El disco se inicia con el potente " Flying" y un gran riff de guitarra. El tono se rebaja mínimamente en "Ain't Got No Love" donde el buen rock sigue presente. Por fin nos tomamos un respiro en "Woman Blue" apoyado por el piano de Kewley y un magnífico solo final de guitarra. Las hostilidades continúan en el frenético "Higher And Higher". "Esther's Place" con sus diferentes cambios de ritmo es una pequeña joya. Nuevamente un temas típico de hard rock, "Straddle ". El disco cierra con una versión del  "Get Ready", el tema más largo de la grabación y uno de los mejores. Sonido cercano a grupos como Humple Pie y mas lejanamente Bad Company.




Temas
A1 Flying 00:00 
A2 Ain't Got No Love 06:05 
A3 Woman Blue 10:25 
A4 Higher And Higher 16:08 
B1 Esther's Place 20:05 
B2 Straddle 26:38 
B3 Get Ready 30:30

Formación
Lee Hunter: bajo
 Jimmy Hawkins: batería
 Gary Grainger: guitarra
Ian Kewley: voz, teclados

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PUBLIC FOOT THE ROMAN - Public Foot The Roman (1.973) (colaboración J.J. Iglesias)

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Ya os he comentado en alguna ocasión la excitación  mariana  que me invade, cuál Santa Teresa rockera, cuando descubro alguna de esas escasas joyas 70s que todavía  no había  escuchado. En este caso, la levitación  y regodeo espiritual fue de órdago. Raro nombre y rarísimo grupo de Cambridge. Sonido progresivo British puro e inmaculado. 



Quinteto prog a la clásica  usanza. Doug Small (órgano y voz). Ward  (!?) (bajo). Sean Byrne (cantante solista, guitarra y autor de todos los temas). Greg Knowles (guitarras). Y Jamie Lane  (batería  y voz). Maravillosas armonías  vocales, intercambio de dual guitars con Hammond, y sección  rítmica técnica,  explosiva y muy cómplice. 


"Land Owner" (4'38) abre fuego con hard prog inteligente, de ese que te hace poner las orejas tiesas como buen sabueso y te hace pensar "eh, aquí  hay algo!". Podría  estar en un clásico  album de Man, pues su elegante trabajo de guitarra recuerda a Deke Leonard. "When you lay It down" (5'40) es, definitivamente, una maravilla.  La conjunción  vocal ensamblada a la guitarra solista la conecta directamente con lo mejor de Wishbone Ash. Mas un organo Hammond que parece tocado por el mismísimo Tony Kaye. Y un bajo/batería  que recuerdan a la química  existente entre Squire y White. Así  de seria va la cosa, hermanos feligreses. Cierto aire a pub country rock destila "King for a Day" (3'09). Emparejado a Cochise o Matthews Southern Comfort. Aquí  la solista se luce al estilo Howe, aprovechando la ocasión. Otro prodigio progresivo es "Judas Returns" (6'00). Voz a la Martin Turner y limpia elegancia que desborda calidad. El desarrollo instrumental entre Fender Rhodes y guitarra es excelsior, que diría  Stan Lee. Abriendo el otro lado tenemos otra joya wishboniana que es :Don't bite the Hand" (5'05) . Mezclada con su innegable referencia a los primeros Yes. "One (on my mind)" (4'54) tiene tonos acústicos  y ecos de CSN, aunque con tratamiento más progresivo. Finalizando con la monstruosa "Declian and Fall" (8'31). Cuando creías  que ya lo habían  dado todo de sí en el álbum,se desfogan a gusto con esta exhibición técnica  apabullante. Donde nada está  de más  y todo suena perfectamente en su sitio. Las influencias, cuál fuegos artificiales de fin de fiesta, incluyen a Wishbone Ash, Yes, Badger, Flash, Home o incluso Cressida.


Esto es puro barrizal progresivo para revolcarse como cerdito prog en su gloria!!!

El disco lo editó  Sovereign en UK y Capitol en USA, pero no pasó  nada. Increíble. Después  de girar por colegios mayores , la mitad de la banda muto en The Movies. Decantandose  por el pub rock y editando 5 lps  del 75 al 81. Pero allí  no estaba Sean Byrne, y algo me dice que era el cerebro de esta genial banda. De verdad que la he disfrutado como cuando tenía  14 años y descubría  a todos los grandes. Una pequeña obra maestra que está  pidiendo a gritos una reedición. Lanzo el guante a Esoteric Récords.

Ah, si de verdad existiera el "Ministerio del Tiempo".....





Temas
1.- Landowner 00:00 
2.- When You Lay It Down 04:40 
3.- King For A Day 10:22 
4.- Judas Returns 13:30 
5.- Don't Bite The Hand 19:35 
6.- One (On My Mind) 24:38 
7.- Decline And Fall 29:40

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Rockliquias en los 80: 1.989 Part. 1 (colaboración Christian Jiménez)

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...Bien, aquí estamos, en la recta final de esta larga autopista musical que hemos recorrido...

Ya habíamos visto de todo: a Brian Johnson reemplazando a Bon Scott, a los KISS sin maquillaje, a Rick Allen con un brazo menos, a Ian Anderson batallando por sus similitudes vocales con Knopfler, a los Judas Priest cardándose los pelos y poniéndose trajes de cuero chillón, a Ian Gillan trabajando con Sabbath en una de las peores producciones de los '80, a David Lee Roth largándose de Van Halen, a los Deep Purple del Mark II uniéndose de nuevo, a Coverdale tiñiéndose de rubio e incluso a Phil Lynott diciéndonos adiós tras un ataque al corazón...pero aún quedaba cuerda para un rato más. Todavía no había terminado la década:

        -Para empezar el año 1.989 de la mejor manera es preciso nombrar uno de los álbumes debut más impresionantes de la Historia del "rock", y no es un exageración. El 24 de Enero se estrenaban, a través de Atlantic Records, Skid Row.

Este grupo formado en New Jersey arrastraba una tradición puramente "rockera", y con el auge que tuvieron a finales de los '80 las bandas que praticaban eso que llamaban "sleaze metal" (como L.A. Guns, Faster Pussycat, Guns 'n' Roses...nos podríamos tirar la vida para decirlos a todos...) decidieron subirse al carro y no se engalanaron de coloridos atuendos como Poison. Ellos hacían "heavy", caña de la buena, directa y sin edulcorar; puede que con algún que otro devaneo muy comercial, pero la tónica era "rock" puro y duro. Aunque, antes de hablar de su estilo, retrocedamos un poco más, para conocer ligeramente sus orígenes.

Efectivamente se formaron en New Jersey, en Toms River, en concreto, a comienzos de 1.986 por el guitarrista Dave Sabo y el bajista Rachel Bolan. Buscando integrantes dieron con Robert Affuso como batería, Scott Hill como segundo guitarrista y Matt Fallon. Por razones poco conocidas, ya pueden ser musicales o de otra índole, Fallon fue sustituido por el carismático de Sebastian Bach. Y se quedaron con él, por anecdótico que parezca, tras verle cantando en la boda de Mark Weiss, un conocido fotógrafo metido en en el mundillo del "rock". Por esa época Bach sólo contaba 18 añitos y todo ocurría a principios de 1.987, pero se unió a ellos y lo siguiente fue lo que cada banda hacía para ganarse su pequeña gran legión de fans: tocar en clubs locales lo más duramente posible esperando a que alguien reparase en ellos. Hay que decir que Skid Row tuvieron la mala suerte de llegar demasiado tarde. Bandas emparentadas a ellos, musicalmente hablando, como Cinderella o Great White, eran monstruos inalcanzables, y los más recientes Guns 'n' Roses, Bulletboys y L.A. Guns ya gozaban de una envidiable popularidad. Aún así ellos se propusieron hacerse un hueco en ese tan abarrotado negocio. Pero había algo que ellos tuvieron que los demás no; parecía, realmente, que la suerte iba a sonreír a los de Jersey, y todo porque se metió por medio un nativo de la misma ciudad convertido en superestrella del "rock"...Jon Bon Jovi.

La situación era la siguiente. El guitarrista Sabo había sido amigo del vocalista desde hacía mucho tiempo y entre ellos pactaron algo. Al igual que dos socios que se dedican a delinquir se prometen que si uno de ellos va a la cárcel el otro le ha de sacar, Bon Jovi y Sabo se prometieron, seguramente en una noche de borrachera, que si uno tenía éxito en el negocio musical antes que el otro ese otro le debería ayudar y meterle en el mundillo. Jon, con su oficio a tiempo parcial de cazatalentos (recordemos que ya lo hizo con Cinderella) les fue a ver y quedó convencido, así que le instó a su manager Doc McGhee para que asistiera a una de sus actuaciones y también sintió mismo. Skid Row tenían algo: sabían "rockear", su sonido arrojaba fuerza y energía a raudales. Sería una buena captura sin duda. Sin más dilación les puso en bandeja la oportunidad de sus vidas, asegurándoles un contrato con la gran Atlantic Records y, en 1.988, ya se encontraban en los estudios Royal Recorders, de Wisconsin, preparados para componer el material que iba a formar parte de su primer trabajo. Respaldándoles se encontraba el mismísimo Michael Wagener, productor veterano y experimentado donde los haya, así que todo les había salido redondo. La mayoría de los temas fueron idea del bajista Bolan y Dave Sabo, aunque también contribuyeron los demás integrantes y hasta se realizó un tema compuesto por el anterior vocalista, Matt Fallon. No hay más...el resto es historia.


El 24 de Enero saldría a la luz ese LP llamado sin más "Skid Row". En él la banda aparecía en blanco y negro luciéndose en una oscura calle como auténticos chicos malos de barrio; su imagen reflejaba suciedad, dureza, aspereza, como su música. No había humo violeta como en la portada del "Night Songs" de Cinderella, sino un ambiente crudo y nada glamuroso heredado de las clásicas bandas de "rock" de antaño, un ambiente que ya se estaba perdiendo. No es que hubiera mucho donde rebuscar. "Skid Row" era directo, potente y adictivo al mismo tiempo. Heredaba el espíritu de Aerosmith, la fuerza de los Whitesnake y KISS ochenteros, la chulería de Mötley Crüe...era, como se ha mencionado, caña para disfrutar indefinidamente; y no sólo se apoyaban en la imagen del atractivo Sebastian Bach para triunfar, demostraron que todos y cada uno de ellos tenía una fuerte personalidad y que jugaban con mejores cartas que la mera imagen de "bad boys of rock 'n' roll" de la banda. El conjunto no pasa de los 40 minutos con canciones cortas llenas de ritmo y rabia por los cuatro costados:

    


 -Abría la tremenda "Big Guns", como un bofetón en plena cara. "Riffs" destructivos, un estribillo contagioso, una voz de lo más "rockera" y versátil y una base rítmica atronadora a cargo de Bolan y Robert Affuso. A ésta la seguía la más rápida "Sweet-Little Sister", de "divertidas" letras con alto contenido erótico-festivo sobre la decadencia juvenil encarnadas en una jovencita descarriada a la que el vocalista describe como "dulce y pequeña hermana" ("Sé una cosa o dos sobre mi dulce y pequeña hermana. Su madre la matará si se entera de lo que hace, te amará incluso lleno de moretones [...] es una Mona Lisa con un tatuaje nuevo. Ella es mi dulce y pequeña hermana"...apabullante). "Can't Stand the Heartache" es más comercial y de hecho podría haber sido un "single" perfecto; tenía algo de Bon Jovi, pero sin duda sonaba más fuerte por esos solos tan afilados y la batería de Affuso. Los coros y el estribillo la hacen de lo más disfrutable. "Piece of Me", un pildorazo de menos de tres minutos, sin embargo recordaba al "sleaze metal" de L.A. Guns, pero la voz de Bach marcaba la diferencia con la de Phil Lewis; también podía haber sido un "hit", pero quedó relegada por los otros "Youth Gone Wild" y "18 and Life". Y así se podría decir que "18 and Life" fue la ganadora, con un puesto 4 en el Hot 100; una especie de inclemente "power ballad" en la línea de los Scorpions del "Love at First Sting", pero no hablaba de amor, sino de la lucha que un joven problemático (Ricky) mantiene para sobrevivir en un mundo sin sentimientos, acabando en un final trágico. "Rattlesnake Shake" parecía de Tigertailz; de corta duración y entretenida, nos trae una ácida alegría tras la melancólica balada anterior. Otra vez de contenidos sexuales y sugerentes (el hacer de las encantadoras prostitutas Vicky y Lucy) se pasa rapidísima por su estribillo tan repetitivo.

        -"Youth Gone Wild" es el himno por excelencia del LP y uno de los más grandes que jamás se han hecho de "heavy metal". "Nos llaman la juventud problemática, pasamos la vida en juicios, recorremos un sendero interminable, levantémonos y no caeremos, seremos uno para todos y todos para uno, los escritos están sobre el muro. Somos la juventud que se vuelve salvaje", clamaba Bach a pleno pulmón, entre los abrasadores "riffs" de Sabo y Hill, para todos aquellos chicos presos de la sociedad en la que vivían. Se colocó el 20.º en el Mainstream Rock y el vídeo tuvo muchísima rotación en la MTV. Es eso, un himno épico de "hard rock" sin concesiones y hecho para ser vociferado en concierto entre músicos y fans. "Here I Am" es la más parecida al estilo de Aerosmith en "Permanent Vacation" (la voz de Bach aquí es totalmente Tyler). Un estribillo poderoso, un solo fantástico y un ritmo muy bailable nos da otra gran canción para disfrutar sin más. Una muy rápida, llena de furia y con un sonido muy Whitesnake, "Makin' a Mess", anticipaba el final del disco, pero antes había que escuchar la otra gran sonata, "I Remember You" (6.ª en el Hot 100), donde Sebastian Bach se convierte un poco en Axl Rose y presta voz a una de las mejores y más grandilocuentes baladas románticas que jamás se hayan realizado en el "hard rock". Sí, aunque parezca mentira, es una pequeña obra maestra del género (hay que afinar bien los oídos cuando Dave Sabo hace su solo). Y, tal como empezó, termina el disco, otra vez con rabia, ira, mucha energía, con el corte "Midnight/Tornado", y nuevamente con otro genial solo de Sabo.

Skid Row hicieron que los '80 acabaran con mucha clase. Quizá no habría acabado igual la década si no hubiera sido por ellos. El disco fue un pepinazo absoluto, llegando a Quíntuple Platino en EE.UU y Canadá y Oro en Inglaterra y alcanzando el 6.º puesto del Billboard, el 11.º en las listas canadienses, el 12.º en las australianas y el 1.º en las neozelandesas...lástima que llegara sólo al 30 en las inglesas. Tanto fue el éxito que ganaron el premio de la Mejor Banda Novel de "hard rock" en 1.990.

(Mejor canción: "Youth Gone Wild").


        -Si en 1.981 se citaron a las Girlschool (¿dónde estarían en 1.989?) y en 1.988 a Lita Ford, también sería un sacrilegio pasar por los '80 sin hablar de la germana Dorothee Pesch.

Esta nativa de Düsseldorf nacida en 1.964 se convirtió en, y de hecho ahora es, una de las mejores vocalistas de "heavy metal" de todos los tiempos y en la fantasía de miles de millones de fans del "heavy" desde que militó en su banda WARLOCK. Este grupo comenzó sus andanzas en la Alemania Oeste en 1.980 con el nombre de Snakebite, formado por Mike Bastian, Frank Rittle, Thomas Franke y nuestra querida Doro. Tras muchos cambios en la formación y pateando bares y clubs, en 1.982, con Tom Studier y Rudy Graf conocieron a Peter Zimmermann, quien ya trabajaba con los otros "heavies" TRANCE, y que se acabó convirtiendo en su manager. Por aquella época se llamaban WARLOCK. Grabaron unas cuantas maquetas y las distribuyeron por ahí para probar suerte. Y la encontraron en una discográfica belga independiente, Mausoleum Records.

Contrataron a los chicos y el productor Axel Thubeauville, un experto en ayudar a grupos "heavy" de la escena alemana, les respaldó en la grabación de su debut, un tratado de puro "heavy" teutón e influencia seminal para posteriores bandas del estilo, "Burning the Witches", que sólo duró una semana y que vio la luz en 1.984. Este LP fue bien recibido por la crítica y el público y pronto la banda se encontraba girando junto a sus compañeros STEELER. Sin embargo la poca financiación que se invirtió en los conciertos echaron a perder la valía del disco y la credibilidad de la banda, que se vio decepcionada con la discográfica, por lo que decidieron finiquitar su contrato. En 1.985 la más importante Phonogram apostó por ellos y les propuso grabar otro álbum de estudio. Así nació "Hellbound", de la mano del productor Henry Staroste y de la distribuidora Vertigo, que consiguieron que WARLOCK aparecieran en la televisión inglesa. El grupo grabó su primer concierto en vídeo en el Camden Palace de Londres y eso hizo que la Kerrang! les seleccionase como la mejor banda de "heavy metal" en 1.985 y a Doro como la mejor vocalista en Metal Forces. También fue un orgullo para ellos poder tocar en Loreley junto a nombres como VENOM, Pretty Maids o Running Wild.

Y suma y sigue, Rudy se va de WARLOCK, entra Niko Arvanitis y en el '86 graban "True As Steel", que es reeditado en EE.UU. por Michael Wagener. Con ese trabajo despuntan definitivamente, alcanzando su puesto más alto gracias al himno "Fight for Rock". Eso les hace ser parte del festival de Donington, compartiendo escenario con Scorpions, Ozzy Osbourne o Motörhead y con Doro siendo la primera mujer al frente de una formación en dicho festival. Telonearon a WASP, a Bon Jovi, a Def Leppard y hasta a los Judas Priest en su gira del "Turbo". En una ocasión, aprovechando el cumpleaños de Doro, Rob Halford, con su desparpajo habitual, salió e hizo que el público le cantase el "cumpleaños feliz" a la vocalista. Después, ésta tomó una determinante decisión: ir a América a promocionar a su grupo como se merecía, y lo hizo junto al manager Alex Grob. La idea era que WARLOCK se quedasen en EE.UU. para grabar y girar, algo que al guitarrista Peter Szigeti y al bajista Rittle no les hizo mucha gracia, así que decidieron salirse de aquel ajetreo. La prueba de que Pesch se iba americanizando fue la entrada de Tommy Bolan y Tom Henriksen y la colaboración de Cozy Powell en el posterior, último y mejor trabajo de la banda: "Triumph And Agony".

El "single""All We Are!" fue la canción estrella del grupo para la posteridad y el LP subió al 80.º puesto en el Billboard, pero, al igual que los cardenales tardan en desaparecer en la piel, también perduraban las rencillas del primer manager, Zimmermann. Éste cargó contra Doro, por seguir con la banda usando el nombre de WARLOCK, el cual, según él, le pertenecían tanto los derechos legales del nombre como el "merchandise". Al final ganó el caso y la vocalista prosiguió su carrera, esta vez con su propio nombre, DORO. Se le fueron Arvanitis, Bolan y el batería Mike Eurich, aunque permanecieron Henriksen y el productor Joseph Balin y se incorporaron Robert Rondinelli a las baquetas, Jon Levin a la guitarra y Claude Schnell a los teclados para esa nueva experiencia. Grabado en Pennsylvania y New York, el tan esperado LP de la teutona salió el mes de Febrero. Bajo el nombre de DORO y apareciendo ella en la portada, imponente y encuerada, agarrando un martillo y unas tenazas que, a su vez, sujetaban un hierro candente en forma de "D", se presentaba el nuevo esfuerzo bautizado "Force Majeure". Este LP no seguía esa línea tan de "power metal" europeo de WARLOCK, sino que ahondaba en la comercialidad para gustar al público americano de la época. Pero incluso haciendose más comercial lo que ofrecía el álbum era "heavy" sin más, un "heavy" duro, épico, sin paliativos, y que hacía de Doro una heredera digna de Judas Priest, ACCEPT, Scorpions y SAXON a partes iguales; su garganta era una de las bazas indispensables (y su atractivo también), una garganta capaz de llegar a tonos imposibles y de mostrar una versatilidad pasmosa. De repente lanzaba un grito limpio y luego volvía su voz cazallosa y desgarradora, o bien endulzaba sus cuerdas vocales para intepretar baladas. Por eso se ganó el apodo de "Diosa del "Metal"".

"Force Majeure" goza de un repertorio impresionante, abriendo con la épica "A Whiter Shade of Pale", versión de Procol Harum, donde Pesch ya nos seduce con su manera tan inclemente y a la vez sugerente de cantar; si uno presta atención su particular pasión a la hora de entonar puede recordar a la técnica de Coverdale (en una ocasión Joe Lynn Turner dijo: "Parece que David esté foll***o cuando canta"...dejemos eso en suspenso sin profundizar mucho más). Tras esa memorable entrada nos llegaban, afilados como cuchillos, los temas "Save my Soul", "World Gone Wild", "Mission of Mercy" y "Angels with Dirty Faces", con solos electrizantes, golpes de batería que volaban tímpanos y Doro dándolo todo para sus fans; en conjunto, y buscando similitudes, uno parecía estar oyendo una combinación brutal de Ozzy Osbourne, Rock Goddess, Judas Priest y Quiet Riot en uno, y con una impresionante fémina al frente que no tenía nada que envidiarle a Lita Ford, Janet Gardner o Gigi Hangach. La primera cara finalizaba con la dulcísima "Beyond the Trees", sólo interpretada con un piano, un teclado y la hipnotizante voz de Doro. Una balada mágica que no pasaba de los dos minutos y medio y que nos daba uno de los mejores momentos de la carrera de la cantante; una perla musical intemporal.



"Hard Times" reventaba la calma con dureza y con Pesch volviendo por sus fueros a dejarnos patidifusos con sus voceríos. Por la misma línea iba la más pesada "Hellraiser", que cuenta con un solo memorable de Levin y las espasmódicas "Under the Gun" y "I Am what I Am!", que ponen al rojo vivo el ambiente, separadas ambas por otra épica pieza, "Cry Wolf". El lucimiento terminaba con una "power ballad" espectacular: "River of Tears", la mejor del disco sin duda. Doro canta de forma emocionante, acompasándosea la perfección con los golpes de Rondinelli y los grandiosos "riffs" de Levin; el ambiente va "in crescendo" con ese estribillo hecho para ser coreado una y otra vez en concierto por todos los fans, pero de repente la música se desvanece y únicamente escuchamos la voz de Doro Pesch en su propia lengua en un poema final como broche de oro: "Bis Aufs Blut", que reza "Hasta que la sangre no vaya demasiado lejos…".

El álbum se vendió bien en Europa, donde alcanzó la 5.ª posición en Alemania y la 12.ª en Suiza, pero no convenció lo suficiente en EE.UU., así que se quedó en una insignificante 154.ª posición...sin embargo esa fue la única vez que Doro figuró en el Billboard estadounidense. Es igual...¡larga vida a la Diosa del "Heavy metal"!

(Mejor canción: "River of Tears/"Bis Aufs Blut"").




        -Esta banda nacida en West Yorkshire ya tenía tres álbumes de estudio, pero fue este cuarto el que les catapultó a la fama definitiva y el que les abrió las puertas a Norteamérica, además de configurarse como todo un suceso, un presagio místico y enigmático del tipo de música que se realizaría en la década de los '90.

La historia comienza en Bradford, cuando en 1.981 el joven vocalista Ian Atsbury formara un grupo llamado Southern Death Cult. A éste se le unieron Barry Jepson al bajo, Aki Nawaz a la batería y Buzz Burrows a las seis cuerdas. Los devenires y estilo de aquella banda se conocieron como "post-punk", mezclado a una especie de "rock" gótico; algo con lo que, en una época donde lo que primaba era el gusto por la recién estrenada N.W.o.B.H.M., aquellas corrientes eran, cuanto menos, muy extrañas. Ese afán de querer desligarse de toda la moda incipiente hizo que se ganaran el apoyo de los más rádicales y alternativos de la escena "underground" londinense y de la prensa también. Con esa determinación decidieron fichar por una discográfica independiente, Situation Two Records, donde grabaron varias maquetas y "singles" para proseguir con sus rodeos por clubs, bares y pubs, hasta que en 1.983 los muchachos dieron su último concierto en Manchester. Pero no se disgraron sin antes lanzar un recopilatorio de demos y maquetas llamado simplemente "The Southern Death Cult", que aunaba distintos temas hechos en directo, sesiones en Situation Two, etc.. Atsbury, ya en 1.983, se unió al guitarrista Bill Duffy, que ya había estado en otras bandas locales, y nació una segunda versión: Death Cult. A ellos dos llegaron la sección rítmica, el bajista Jamie Stewart y el batería Ray T. Smith, ambos procedentes de Harrow y de otro grupo del mismo palo de corrientes "post-punk", RITUAL.

Esa nueva alineación se presentó al Mundo con una actuación en Noruega, juntos grabaron un EP, "Death Cult", y giraron por Europa y especialmente por Escocia. En esos momentos el batería dejó su puesto vacío pero pronto lo cubrió Nigel Preston, que procedía también de otro grupo célebre en la escena "underground", camaradas y compañeros de escenario de Death Cult desde hacía tiempo, Theatre of Hate. Se metieron en el estudio y crearon otro "single", "God's Zoo" y cuando tuvieron la oportunidad de aparecer en el programa "The Tube" de la televisión londinense cambiaron su nombre (otra vez) de Death Cult a The Cult. Así por fin se pusieron manos a la obra en los estudios Rockfield y dieron vida a su debut a través de la discográfica Beggar's Banquet y producidos por Joe Julian, aunque, tras oír las grabaciones de la batería quedaron de acuerdo en contratar a otro productor y la casa les sugirió a John Brand, que se encargó del resultado final. Por si fuera poco el batería Preston empezaba a no amoldarse a sus compañeros. Ese primer esfuerzo, de nombre "Dreamtime", salió el 10 de Septiembre de 1.984 y fue todo un logro para un grupo que practicaba ese tipo de sonido en un año como aquel, llegando al puesto 21 de las listas británicas, siendo Plata en Inglaterra y colocando el "single""Spirit Walker" en el primer puesto de los UK Indie Charts, algo así como los "charts" británicos independientes. En él sobre todo se aprecia la obsesión que tenía Atsbury por hablar de los nativos americanos y los aborígenes australianos, y sobre todo por el misticismo, costumbres y creencias de los indios y chamanes.

A este increíble éxito siguieron algunas grabaciones en los estudios de la BBC y otros varios "singles" que no dejaban de figurar en los puestos de los Indie Charts, las giras por Europa continuaron y crecía aún más la gran pequeña base de fans del grupo. Un tema que les afianzó fue "She Sells Sanctuary", que llegó al n.º 15 y se quedó ahí por un total de 20 semanas. El comportamiento tan incorrecto de Preston hizo que fuese reemplazado por Mark Brzezicki, batería de los Big Country, y, junto con ese cambio, The Cult ya empezaba a separarse de sus raíces "punk" y sus miras musicales se expandieron hacia otros terrenos, concretamente pusieron el punto de mira en los años '60, demostrado en su segundo LP, "Love", confirmación de lo buena y original banda que podían ser, con un ascenso inmediato al 4.º puesto de las listas y con los EE.UU. fijándose en ellos por primera vez. Las baquetas tomaron otro dueño para los pertinentes tours, Les Warner, y que sirvieron bien para el puñado de temas sueltos que los chicos grababan sin parar. Con el productor Steve Brown rápidamente empezaron a componer otro disco más, y de hecho lo tenían, con un nombre provisional, "Peace", pero el resultado no les satisfacía, por lo que dicidieron mudarse a New York y remezclar una de las canciones con Rick Rubin, quien accedió, pero éste fue más allá. Eso dio pie a que no sólo la canción fuese retocada, sino regrabada junto con el resto del álbum, algo que molestó bastante a Beggar's Banquet por el dinero que habían invertido. Pero aceptaron y se llevó a cabo, y todo desembocó en "Electric", que salió en el '87 con los cuatro músicos en la portada y que fue para muchos el mejor de The Cult, ya desligados de sus orígenes "punk" y ahora tocando un "rock" más duro y más clásico, que ganó nada menos que Disco de Platino en EE.UU..

Tras ser teloneros de unos tales Guns 'n' Roses por las Américas la alineación se fue modificando con el paso del tiempo mientras completaban sus giras, añadiendo y despidiendo a gente (por The Cult pasaron nombres como Eric Singer, Chris Taylor o John Webster). En 1.988 por fin llegó la oportunidad que habían estado esperando. Para ese próximo disco querían hacer algo más grande, algo con lo que gustar de una vez a todos, hasta a sus detractores. Con tanta gente pululando por sus filas se quedaron con un músico de sesión, el batería Mick Curry, y ficharon al ingeniero de sonido de los Aerosmith y productor de los Kingdom Come (...y futuro productor de los Mötley Crüe) Robert Rock. Grabado en los estudios Little Mountain Sound de Vancouver entre Septiembre y Noviembre del '88, con colaboraciones estelares como las de John Webster, Iggy Pop y Mike Fraser, "Sonic Temple" significó la obra maestra de The Cult, con la que se quedaron bordados en la Historia del "rock" para la posteridad. Salió el 10 de Abril y significó un 10.º puesto en el Billboard, 3.º en las listas inglesas, 2.º en Canadá y 6.º en Nueva Zelanda; llegó a acumular un Platino en EE.UU, otro Doble Platino en Canadá y un Oro en Gran Bretaña. Un esfuerzo que merece al menos una escucha en la vida.

En los años del imperante "glam" y "sleaze", donde reinaban aún los maquillajes, las plataformas, las camisetas rasgadas y los cueros chillones desde 1.985, parecía mentira que despuntara un disco con un sonido tan arrollador, tan machacón, tan feroz y desgarrador, con una base rítmica tan demoledora, unos distorsionados "riffs" tan agresivos y una voz tan directa y estridente. Realmente es un presagio de toda la música "rock" y "grunge" que vendría en los '90. Pero aquí The Cult suenan más "heavies" que nunca y también más comerciales, aunque no es un "heavy""de la época", es un "heavy" intemporal, sucio, corrosivo, lleno de potencia y a la vez repleto de gancho y melodía. Puede que haya un aroma "aerosmithiano" muy perceptible en algunos, ya que el productor es Bob Rock, pero no, The Cult son mil veces más agresivos; su energía "punk" les sigue inevitablemente a todas partes:
       


 -Se adivina con esa larga carta de presentación que es "Sun King" (18.ª en el Mainstream), repleta de ritmo y rabia; una más pesada es "Soul Asylum" (que ya sabemos de donde viene el nombre de aquel grupo), que guarda algo de esencia "blues" y homenaje a los '70, todo ello aplicado al universo musical del disco; "Week Up Time for Freedom" es otra maravilla, con ese estribillo tan puramente "rockero" y esas melodías tan cambiantes. Se podría decir que "Edie" es la "power ballad" del álbum, y la más melódica, otra que se puso la 17.ª en el Mainstream y donde destaca la gran labor de Duffy a la guitarra más que nunca.

        -Luego están los fuertes cortes "Fire Woman", éxito total de The Cult que alcanzó la 4.ª posición en el Mainstream; la muy "sleazy" y "bluesera""Sweet Soul Sister", 14.ª en la misma lista y también de adictivo ritmo e increíble con esa sección desde el minuto 3:01 hasta el 3:42, donde los '70 brillan más que nunca; más rápida se desarrollaba "New York City", un inmisericorde tratado de "punk" melódico (por llamarlo de algún modo) bastante emparentado con The Stooges (¿será porque colabora Iggy Pop en los coros?). Las más Aerosmith son "Automatic Blues" y "American Horse", grandes canciones excitantes y con mucho "feeling", pura dinamita cuando suena en el tocadiscos.

En general, esto es "Sonic Temple": "rock" a raudales, ni más ni menos. Su portada también lo demostraba, con ese espectacular Bill Duffy a la guitarra delante de un fondo rojo donde aparecía difuminado Ian Atsbury. También se podría decir que los '90 no habrían sido lo mismo sin estos ingleses. Obra de arte allá donde las haya.

(Mejor canción: "Sun King").




        -Great White siempre fueron una de esas bandas californianas de "hard rock" que gustaban porque se encuadraron muy bien en el panorama del momento. Aunque su carrera fue casi siempre sinónimo de altibajo, han logrado ser uno de los grupos más recordados de los '80, y no sólo por aquel accidente que todos nos sabemos.

De la mano del nacido en Montebello, California, el vocalista Jack Russell, influenciado por gente como Robert Plant y Steven Tyler y tras muchas bandas proyecto que no resultaban, conoció en 1.977 al guitarrista Mark Kendall y los dos decidieron unirse, primero llamándose Highway (vendrían muchos nombres más) y dando un último concierto como WIRES hasta que en 1.979 Russell fue encarcelado por un delito (una especie de robo que salió mal). La banda se separó y Kendall continuó por sí solo. Primero reclutó a tipos posteriormente famosos como Steve Riley, Don Costa...y como necesitaban cantantes probaron primero con John Bush, que luego militaría en Armored Saint, mucho más tarde con Butch Say, e incluso con la fémina Lisa Barker (que distinta habría sido la historia si en Great White se hubiera quedado ella a la voz). No así organizaron varios conciertos con la cantante durante algún tiempo y llamándose ahora Dante Fox, hasta que ella se fue a las filas de los Exciter de George Lynch.

Después de 18 meses, Russell ya estaba de nuevo en la calle y se atrevió a hablar con Kendall de nuevo. Como no habían conseguido practicamente nada dio el visto bueno y se quedó con él finalmente. Y con todo ese asunto atado y bien atado dieron su primer concierto en el Trobadour de Hollywood. Ya en 1.981, Alan Niven, quien pertenecía a la independiente Greenworld y había trabajado con Mötley Crüe, se convirtió en el manager de la banda y se grabaron varias maquetas; fue en uno de esos encuentros donde Niven les sugirió que cambiaran de nombre, de Dante Fox a Great White. El origen tiene su gracia: hacía referencia no al Gran Tiburón Blanco si no al mismísimo guitarrista Mark Kendall, a su aspecto, más bien. Todos le llamaban así por su melena rubia blancuzca, su Fender de color blanco y sus zapatos blancos, así que les pareció divertido y, además, apropiado.

Great White eran entonces Russell, Kendall, Lorne Black al bajo y Gary Holland a la batería. Estos muchachos se metieron en el esudio y grabaron un EP de cinco temas llamado "Out of the Night" en la también independiente Aegean Records, creada por Niven. Éste fue convenciendo a las emisoras de radio locales, como KMET o KLOS-FM, para que hicieran rotar las canciones y les dieran la difusión que se merecían, y lo hicieron. Con eso llegaron a tocar en sitios como el Perkins Palace de Pasadena o el Palace de Hollywood, y así EMI se fijaron en ellos y les contrataron para hacer su primer LP.

Aquel disco, que sólo llegó al 144.º puesto en el Billboard, era puro "rock" americano sin más se puede decir; no tuvo muchísima repercusión, pero pudieron girar con grandes como Whitesnake en Inglaterra y Judas Priest en EE.UU. en el "Defenders of the Faith Tour". Tras la marcha de Holland se contrató a Audie Desbrow y se pusieron en marcha con su segundo disco, el cual fue reeditado por Capitol Records, que acogió a la banda en su seno por cuestiones obvias: era 1.985 y todas las discográficas se hacían con todos los grupos que pudiesen para vender y vender...¿importaba si uno de Capitol era la copia de la copia de uno de Elektra o de Polydor? No, pero así era el negocio.

"Shot in the Dark" también era puro "heavy" americano. La voz Russell era una amalgama de la de Steven Tyler y Brian Vollmer y el sonido no se distinguía mucho de lo que hacían DOKKEN, ICON o Rough Cutt, sin embargo tenían carisma y gustaron; el vídeo de la canción "Face the Day" tuvo mucha difusión por la MTV. Así aceptaron al teclista Mike Lardie (músico de sesión) como uno más de ellos, se embarcaron, precisamente, con DOKKEN y empezaron a cimentar su base de fans, que creció con rapidez. En 1.987 sorprendieron con el producido por Mark Kendall y Mike Lardie "Once Bitten...", auténtico éxito de ventas que coronó la posición 23 del Billboard y que fue Platino en EE.UU., ayudado sobre todo por los "singles""Rock Me" y "Save your Love" que llegaron ser novenos en los Mainstream Rock Tracks; ese trabajo sonaba más "heavy" menos "glam" que el anterior y se notaba que ya empezaron a virar hacia un estilo más emparentado con el "rock" clásico que explotarían totalmente en el siguiente LP.

Si con "Once Bitten..." lograron despuntar en el mercado decidieron seguir con la oportuna continuación, y esa fue "...Twice Shy", aunque ya sin el bajista Lorne Black, que fue reemplazado por Tony Montana (por la canción de Ian Hunter "Once Bitten, Twice Shy", la cual fue versionada en el propio disco). Grabado en los estudios Total Access Recording, en Redondo Beach, salió el 12 de Abril y supuso el punto más alto de Great White en toda su carrera, alcanzando el 9 en el Billboard y el 22 en las listas canadienses, con cuatro "singles" convertidos en "hits". Ese éxito definitivo radicaba de nuevo en el ligero cambio de estilo; seguían siendo Great White, pero también siguieron el ejemplo de muchos de los grupos de "rock" americano de entonces, como KISS, Bon Jovi, Cinderella, etc., que aplicaron a su sonido un toque de "rock" clásico para así, se podría decir, saldar la deuda que tenían con sus ídolos de la década anterior. Quizá fue por la irrupción de gente como L.A. Guns o Guns 'n' Roses, que volvieron a hacer un "rock" más setentero olvidándose del "glam", pero es cierto que los Cinderella de "Night Songs" no eran los mismos que los de "Long Cold Winter" y los KISS de "Crazy Nights" no tenían nada que ver con los KISS de "Hot in the Shade". El "Gran Blanco" también se hizo un lavado de cara y todos quedaron a gusto con ello.



Los temas eran cada vez más extensos, las guitarras eran más AC/DC y menos DOKKEN e inevitablemente se percibía un gusto por el "blues" más añejo. Todo esto se hace palpable con la tremenda "Move It", de divertido ritmo y unos "riffs" muy simples y "rockeros", siguiendo con la pesada "Heart the Hunter", heredera total de Aerosmith. La mejor del álbum era "Highway Nights" sin duda que destilaba una irresistible esencia "rockera" en sus casi seis minutos de duración. Por el mismo camino seguían otras perlas como las "zeppelianas""Mista Bone", 18.ª en el Mainstream Rock, "Baby's on Fire", la de aires "country""Bitches and Other Women" o la increíble versión del "Wasted Rock Ranger" de Brad Baker. Uno de los "hits", 5.º en el Hot 100, fue la adictiva "Once Bitten, Twice Shy", la más setentera del disco, y los triunfadores definitivos fueron "The Angel Song" y "House of Broken Love" (inspirada en la mala relación que llevaban Russell y Kendall), con las posiciones 18.ª y 7.ª en el Mainstream, respectivamente.

Gracias a "...Twice Shy", que llegó a Doble Platino en EE.UU. y Canadá, Great White se convirtieron en una de las bandas de "rock" más populares de finales de los '80. Incluso fueron nominados a un Grammy en la categoría de Mejor Interpretación de "hard rock". Eso significa que no hay que recordarles sólo por aquel accidente sucedido en el club The Station en Febrero de 2.003, donde la pirotecnia usada en el escenario hizo arder el lugar y alrededor de 100 personas perecieron en él. Sin duda uno de los más trágicos acontecimientos jamás sucedidos ligados al mundo del "rock".

(Mejor canción: "Highway Nights").



        -Habían sido maltratados por multitud de grupos conservadores que veían en ellos la imagen perfecta de corruptores de menores y los cuales debían ser detenidos a toda costa antes de que los jóvenes sufrieran más. Ciertamente ese ha sido el sino de Steven E. Duren (o Blackie Lawless) & co..

Pero WASP no había nacido siendo WASP. Lawless venía de una banda llamada SISTER de mediados de los '70. Más tarde, ya con Randy Piper, Tony Richards y Rik Fox se formaba la primera encarnación de la banda en Los Ángeles, a comienzos de los '80. Estos herederos de The New York Dolls, KISS y Alice Cooper a partes iguales destacaron enormemente en sus actuaciones por los grandes y salvajes espectáculos que montaban, en los que se disfrutaba de pirotecnia, lanzamiento de sangre falsa y carne cruda al público, alguna que otra monja apareciendo semidesnuda en un potro de tortura y otras demencias surgidas de la retorcida mente del fundador Lawless. En uno de esos conciertos tan desmadrados fueron contemplados por Rod Smallwood, el manager de Iron Maiden, y quedó patidifuso; era difícil no hacerlo.

El contrato con Capitol Records cayó al poco tiempo. WASP ya tenían discográfica. El bajista Rik Fox decidió emigrar a las filas del STEELER de Ron Keel y Yngwie Malmsteen (menudo error cometió) y se fichó primero a Don Costa y luego a Chris Holmes, lo que hizo que el bajo fuese ocupado por Lawless. El EP que realizaron, "Animal", fue bastante controvertido en el mundo de la música en aquellos años (hoy no habría sido lo mismo); en él aparecía una entrepierna con una hoja de sierra en el medio y unas manos cubiertas de sangre (muy del estilo de Blackie). (La jod**a de) Tipper Gore y sus amiguitas del P.M.R.C. cargaron contra ellos como dobermans, pero eso les dio más publicidad, tal como ocurrió dos años antes cuando Maiden eran acosados por grupos religiosos conservadores.

El debut homónimo apareció el 17 de Agosto de 1.984 y causó un gran impacto. WASP se revelaban como una de las bandas más duras y bárbaras del género. Nadie era como ellos; KISS y Mötley Crüe, en vivo, organizaban espectáculos, pero no de la misma índole; WASP habían llevado a otro nivel el oscuro y teatral mundo de Alice Cooper para una música agresiva, letal, y además, adictiva..."heavy" en estado puro. Con el beneplácito de sus jóvenes fans y el odio de los padres de sus jóvenes fans fueron convirtiéndose en uno de los grupos definitivos del movimiento del "heavy metal" que había comenzado en L.A.. Al año siguiente ficharon a Steve Riley como batería y grabaron una de sus obras de arte, "The Last Command", otra bomba de napalm musical que simplemente profesionalizaba y pulía lo hecho en "W.A.S.P.". Las canciones sonaban más consistentes, se experimentaba con la duración; era más grande, más épico, y lo demostraron joyas intemporales como "Widowmaker", "Wild Child" o "The Last Command". Tras este álbum se llega a un punto bajo, "Inside the Electric Circus", en el que ya no estaba el guitarrista Randy Piper. En la alineación entró el bajista de King Kobra, Johnny Rod, y Lawless decidió manejar de nuevo la guitarra. Pero el resultado no fue el mismo. Capitol presionó al grupo para que fueran más comerciales, y el resultado desemboca en un álbum bastante repetitivo y con una no muy acertada producción. Aunque a los fans les pareció bien a la crítica no y mucho menos al líder de WASP. Mientras tanto, los grupos conservadores atacaban todo lo que podían, con la pesada de Tipper Gore al frente, a los chicos. Las amenazas de muerte siempre planeaban sobre los integrantes como halcones (a Blackie le llegaron a disparar dos veces). Toda esta controversia no hacía más que generarles publicidad.

En 1.987 ofrecían su primer disco en directo, "Live...in the Raw", ya sin el batería Steve Riley, que se marchó a las filas de unos jóvenes L.A. Guns. Muchos pasaron por el puesto de las baquetas hasta que se las quedó Frankie Banali, anterior batería de Quiet Riot, aunque nunca fue un miembro oficial. Aquel LP sin duda demostraba lo grandes e igualmente brutales que eran WASP en vivo, con un repertorio básico para entender a la banda. Pero algo crecía dentro de Lawless, y era un odio tremendo a las discográfias, que contrataban a bandas mediocres porque sí sólo para hacer un poco de dinero, a los grupos extremistas, a los censores, a la religión, a los políticos que creaban las guerras. Así que cogió y se desahogó como nunca creando auténticos clamores que sacaron la ira que llevaba dentro. 



Eso es "The Headless Children", publicado el 15 de Abril, no una oda a la perversión sexual o a las emociones fuertes, como el debut del grupo, sino un canto, de una violencia y crudeza sonora inusitada, a la difícil vida en esa corrupta y decadente sociedad en la que Blackie Lawless vivía. Es una visión concreta de una época en concreto. Es su protesta contra el Mundo. Así que, por todo, este cuarto disco es la obra maestra, el más grande de toda la discografía de WASP. Las estructuras son muchísimo más complejas, la producción saca a relucir un sonido épico y durísimo, hay cambios de ritmo inesperados, solos de guitarra que ponen los pelos de punta y una sección rítmica destructiva. Es EL DISCO; aportaron frescura, fuerza y rigurosidad al "heavy metal" del momento:

     

   -La tenebrosa y fría atmósfera de "The Heretic" abría el disco, cada vez aumentando su intensidad, hasta ofrecer una incendiaria pieza de siete minutos. Tortura, melancolía, depresión y preocupación por la juventud era el tema dominante. Lawless nunca se tomó tan en serio sus textos. "The Real Me" era la potente versión de The Who, que le venía que ni pintada al LP, ya que la crisis de indentidad es algo que al vocalista siempre le ha interesado. "The Headless Children" es la que mejor representa el trabajo; unas tétricas voces dan paso a la batería de Banalli y a un "riff" legendario mientras multitud de sonidos extraños se suceden en el ambiente; el tema es un sendero que te muestra la destrucción de la sociedad en su máximo esplendor y la voz de Lawless es la guía: "Padre, ven a ayudarnos de esta locura en la que estamos inmersos. Dios de la creación, ¿es que estamos ciegos? Porque muchos son esclavos que adoran armas que escupen truenos; los niños que has creado han perdido la cabeza. Este monstruo que llamamos Tierra está sangrando, porque la juventud ha sido relegada por mucho tiempo. Esto que hemos hecho crece y se alimenta del odio de los millones que son enseñados a cantar la canción", vociferaba enfadado Blackie, sus versos estaban tejidos con una desesperación reprimida y sus gritos la reventaban. Al final todo se acelera y da paso a la acción, a la velocidad, al "dejar de decir y empezar a hacer". "Thunderhead" es más personal, más intimista, ahora se habla de los problemas de un hombre en concreto: suicidio, mentiras, decadencia, drogas, alcohol, todo en uno en casi siete minutos de brutalidad musical que contó con la colaboración de otros artistas como Kevin Wallace, Jimi Image y la mismísima Lita Ford (también estaba por ahí Ken Hensley a los teclados). La agresiva "Mean Man", sin embargo, está dedicada al estilo de vida tan salvaje de su compañero Chris Holmes.

        -"The Neutron Bomber", otra enérgica pieza más emparentada con la época del "The Last Command", habla de un tal Ronnie, un ser que viene del Este, definido como una bestia y como el desequilibrado rey del terror...cada uno que saque sus conclusiones sobre a qué (o a quién) hace referencia. Este pildorazo nos trae "Mephisto Waltz", una delicada introducción en la más pura línea de aquellas melancólicas instrumentales que Black Sabbath hacía en los '70; tras esta pausa para abstrerse durante un minuto y medio, llega quizá una de las más grandes baladas de "heavy metal" de todos los tiempos. WASP lo intentaron con "Sleeping in the Fire" y "Cries in the Night", pero es "Forever Free" la más intensa, desgarradora y emotiva: "Me desplazo solo, no puedo ver esta carretera hacia ninguna parte, y los susurros de las sombras me llaman por la orilla de los olvidados bosques. Ahí cayó ella, en la oscuridad de la noche, con un suspiro fuera de la luz del Cielo, y dijo "no llores por mí, te estoy abandonando". El viento grita su nombre sobre la brisa, pero no puedo retenerla por más tiempo. Algún ángel caído ha venido, se ha desplomado sobre mi alma y me ha robado el amor que escuché. Aunque los Señores del tiempo dicen que nunca se muere ella me dice "no llores por mí, porque estaré cabalgando sobre el viento, siendo libre para siempre"", decía la letra. Nunca Lawless ha compuesto una canción tan emocionante, lacrimógena y redonda; difícil es no soltar alguna lágrima si se presta atención al tema por entero. Se recupera la dureza tras la calma con "Man Eater", otra que también recuerda a las del "The Last Command"; tanto su música como sus letras son potentes, reivincando la inmortalidad y la persistencia en el tiempo del espíritu del "heavy metal" a través de un incansable viaje en moto por distintos parajes y situaciones de peligro. Y la reivindicación no puede terminar mejor con "Rebel in the F.D.G. (Fucking Decadent Generation)", y es que el título lo dice todo; es autobiográfica hasta la médula y hecha para concienciar a los jóvenes y a esas personas dormidas y dominadas por la estúpida sociedad que habitan. Blackie Lawless se convierte en un predicador furioso, escupiendo fuego por la boca con sus cazallosos y chirriantes gritos.

Personal, crítico, demoledor, vigoroso, frío, transgresor y "heavy" a más no poder es este "The Headless Children". Hasta su portada, donde aparecen personalidades como Hitler, Mussolini, Manson, Khomeini o Stalin, ya es simplemente legendaria, y aunque sólo llegase al 48 en el Billboard WASP recibieron críticas positivas (por fin) y, como era de esperar, hicieron historia.

(Mejor canción: "The Headless Children").




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Rock Progresivo Español.Rompiendo la oscuridad:GUADALQUIVIR (colaboración de Félix Jota)

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Grupo de jazz rock creado por Manglis en 1977, año en el que hacen su primera actuación en TVE de la mano de Gonzalo García Pelayo, en un especial de “Popgrama” dedicado a la música sevillana. Después de colaborar en el disco de Miguel Ríos “Al-Andalus”, Manglis se marcha a Ibiza, donde coincide con Uwe Mulrich, bajista del grupo alemán Embryo, que le invita a viajar a su país para hacer unas colaboraciones con ellos. Ya en 1978 regresa a Madrid y contacta con el manager Pepe Varela, que le propone grabar un disco y participar en el Festival de Móstoles junto a Triana e Imán. Miguel Ríos también se los lleva como grupo de acompañamiento y como artistas en el propio Festival “La Noche Roja”, que se celebró con gran éxito en el verano del 78.


 En el mes de Septiembre comienzan con la grabación de su primer LP en los Estudios Emi de Barcelona y Kirios de Madrid, producido por el propio grupo, donde colaboran Kitflus y Manuel Marinelli. El disco tiene siete temas instrumentales en onda jazz-rock y sale a la venta en vinilo color verde, lo que hace que sea muy apreciado por los coleccionistas. Como single se extraen los temas “Baila gitana”, con estructura jazzística y buenos solos de guitarra, y “El Manglis”, tema de más de siete minutos compuesto por Andrés Olaegui, que lo describe así: “Tan relajante como intenso, con solos llenos de marcha y una estructura fácil de seguir”. Por supuesto está dedicado a su compañero y abre la Cara B del LP. 

  Después de este año tan intenso, donde hacen más de noventa actuaciones (Marbella Rock, Selva Rock, Teatro Monumental de Madrid…) son elegidos grupo revelación del año y se toman un respiro antes de grabar su segundo larga duración, “Camino del concierto”. Otra vez producido por el propio grupo y hecho en los Estudios Eurosonic de Madrid, con Pepe Loeches como ingeniero de sonido. Sería en 1980. En este nuevo trabajo mantienen la propuesta del anterior, quizás tirando un poco más hacía el rock andaluz, con colaboraciones importantes como la de Pedro Ruy Blas y Diego Carrasco. Abre la Cara A el tema que da título al disco, lento, melancólico y con un buen solo de guitarra acústica. Sigue “Ostalinda”, donde aparece la flauta de Pedro Ontiveros perfectamente compaginada con las guitarras de Manglis. Esto se vuelve a repetir en “Flor de almendro”, el tema más corto. Para cerrar esta primera parte, “Esclavos de la belleza”, la pieza más larga con casi ocho minutos de duración. En la Cara B otros cuatro temas, destacando “El vuelo de una lágrima”, con un tremendo solo de guitarra. Editada también en single junto a “Ostalinda”. 


Tras este segundo trabajo, Manglis abandona el proyecto y graba en solitario dos LP’s para Movieplay, “Escalera al cielo” en 1981 y “Dandy” en 1983. Ambos pasarían totalmente desapercibidos. Nunca se han reeditado. Colaboró también con Triana en varios conciertos. En 2006 junto con su banda “Manglis Compás Machine” publica “Mandala” y a día de hoy está preparando otro nuevo disco. Pedro Ontiveros decide también marcharse y entran en el grupo Jaime Muela y el teclista Javier Mora.

 Con nueva formación graban en 1983 en los Estudios Caskabel de León “Después del silencio”, disco que dedican a la memoria de la voz de Triana Jesús de la Rosa, fallecido poco tiempo atrás en trágico accidente de automóvil. Este nuevo trabajo está más orientado al jazz, con colaboraciones de Jorge Pardo y, de nuevo, Pedro Ruy Blas. En total siete temas, destacando la pieza que da título al LP, que se edita en single al año siguiente junto a “Deseándote”, el corte número dos. No consiguen el reconocimiento deseado y después de algunos directos deciden poner fin al proyecto. Una lástima que este trabajo no esté reeditado en CD. Andrés Olaegui colabora en algunos discos de Pata Negra y Kiko Veneno y en el año 2000 forma Andrés Olaegui Trío junto a Yago Salorio y Luis Abela, llegando a publicar cinco años después el disco “Como niños”, en el sello francés Musea.

FORMACIÓN:
ANDRÉS OLAEGUI: Guitarra Eléctrica
LUIS COBO “MANGLIS”: Guitarra Eléctrica y Acústica
LARRY MARTIN: Batería
JAIME CASADO: Bajo
PEDRO ONTIVEROS: Saxo Soprano y Flauta
JAVIER MORA: Teclados (en “Después del Silencio”)
JAIME MUELA: Flauta (en “Después del Silencio”)

DISCOGRAFÍA:
Guadalquivir
 (EMI-Harvest 1978) Referencia 10C 262-21.534 LP
                        (EMI-Gold 1997) Referencia 7243-8567902-5 CD





Camino del concierto 
(EMI-Harvest 1980) Referencia 10C 264-021.676 LP
   (EMI-Gold 1997) Referencia 7243-8235812-1 CD



Después del silencio 
(Caskabel 1983) Referencia CK-022  LP




Todas sus grabaciones para Discos Emi
 (Rama Lama 1998) Referencia RO 50512  2 CD’s





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Roy Buchanan - Amazing Grace Evanston 1.974

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Roy Buchanan fue descrito por algunos como el más grande guitarrista desconocido del mundo. Cuenta la leyenda que declinó unirse a los Rolling Stones. Su vida podría ser un buen guion cinematográfico, murió ahorcado con su propia camisa en una cárcel americana.


En el 74 Roy ya tenía una gran reputación. Durante los 60 había acompañado a diversos músicos ( Dale Hawkins,  Ronnie Hawkins,  Freddy Cannon, Merle Kilgore) y editado varios singles con una peculiar forma de tocar la guitarra. Durante la primera mitad de los 70 editó cinco discos en solitario: "Roy Buchanan" (1.972),  "Second Album" (1.973), "That's What I Am Here For" (1.974), "Rescue Me" (1.974) y "Live Sotck"(1.975). Y posteriormente siguió con diversas compañías editando diversas grabaciones hasta su muerte en 1.988.


Roy Buchanan nos presenta su actuación en Evanston el 14 de Diciembre de 1.974. Un mes antes había grabado su actuación en el Town Hall de New York , para lo que sería su "Live Stock" del 75. Para mi gusto el setlist de Evanston es mucho mejor que la  oficial.  La grabación comienza con un sensacional "Done Your Daddy Dirty", instrumental de más de 7 minutos donde Roy nos muestra todo su arsenal guitarrero, Le siguen "Reelin' And Rockin'", típico rock'n'roll y "Hot Cha", tema pausado al estilo Buchanan con un soberbio órgano Hammond, tocado supongo por Malcolm Lukens ( la información sobre la banda de este concierto es prácticamente nula). En "Delta Woman Blues", Roy nos muestra toda su sensibilidad blusera. También podemos escuchar clásicos como "Can I Change My Mind", "Hey Joe/Foxy Lady" o "Johnnie B. Goode." . La noche se completa con "Further On Up The Road", " I'm Evil", "I Hear You Knockin'" y su gran éxito "Sweet Dreams".




Temas
1.- Done Your Daddy Dirty 00:00
2.- Reelin' And Rockin' 07:02
3.- Hot Cha 09:17
4.- Delta Woman Blues 14:15
5.- Can I Change My Mind 22:15
6.- Hey Joe / Foxy Lady 28:59
7.- Johnnie B. Goode 36:50
8.- Further On Up The Road 40:35
9.- I'm Evil 43:12
10.- I Hear You Knockin' 49:19
11.- Sweet Dreams 52:03

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Ensayos sobre un sonido (EM):POPOL VUH - In den garten Pharaos (1971) (colaboración J.J. Iglesias)

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Este es otro de los pilares básicos  de la kosmische musik. Popol Vuh (hubo otra banda noruega de mismo nombre, rebautizada luego como Popol  Ace), extrae su nombre del libro sagrado de los Mayas. Eso lo define todo. Religiosidad y espiritualidad (y espiritismo, añado), son las claves de su música. Si Edgar Froese es a Tangerine Dream, Florian Fricke es a Popol Vuh. 


Brillante pianista clásico  en los 60, toma contacto con la emergente electrónica a través  del director de la Orquesta de Cámara  de Múnich, Eberhard Schoener. Famoso por sus posteriores discos avant garde con Police (!!?). El cual poseía  el primer sintetizador que hubo en Alemania. Ahí  es nada. Fricke forma Popol  Vuh en el 69 y convence a su discográfica,  Liberty,  de que le construyan un modular para sus delirios cósmicos. Estos acceden convencidos de que tienen un filón al estilo del "Switched on Bach" de Walter Carlos, un superventas del momento. Pero el resultado de "Affenstunde" (1970) dista mucho de parecerse a ese disco: Uno de los primeros exponentes de la música  cósmica alemana, atraerá  la atención del  público underground más  vanguardista. Algo que continuará en el siguiente, "In den garten Pharaos" (1971 / Pilz). Maravillosa muestra de raga-electrónica  meditativa, firmemente enraizada con la espiritualidad hippie del momento. Aunque lo de Fricke es sincera convicción,  y no por esnobismo o tendencias de moda. Le acompañan Frank Fiedler (sintetizador y mezclas) y Holger Trulzsch (percusionista, ex-Embryo). Florian agrega a su modular, órgano  y piano eléctrico. 


Dos únicos  temas componen este álbum: "In den garten Pharaos"(17'39) y "Vuh" (19'58). El primero muy meditativo y nada estridente. Jam-raga-moog a ritmo de percusión y sedantes atmósferas introspectivas. El segundo, de magnificencia catedralicia gracias al órgano  ( Popol  Vuh tocó  mucho en templos e iglesias). Y un acercamiento en estilo similar al Tangerine Dream de ese año. De hecho, Fricke colaboró  en "Zeit" con su moog. Dos largas piezas muy distintas entre sí pero ambas fascinantes. A partir de aquí,  nuestro hombre experimenta un cambio religioso, convirtiéndose al cristianismo e hinduismo (!?). Desde entonces todas sus obras carecerán del elemento electrónico,  dedicándose  al piano y otros teclados acústicos. Creando algo así  como una "acoustic cosmic music". Dicho de otro modo, sembraría  la semilla que fructificaría  diez años después como New Age. Todo un visionario de la música  meditativa y la llamada "World music". Buen crítico  de cine y creador de películas  amateur en los 60, su amistad con el director Werner Herzog le llevaría  a ser su "musa sonora" en muchas de sus películas. Creando la banda sonora entre otras, de "Aguirre", "Nosferatu", "Fitzcarraldo","Coeur de Verre" o "Cobra Verde". No cabe duda que la misteriosa música  de Popol  Vuh, las surrealistas visiones de Herzog y la inquietante jeta de Klaus Kinski no dejan indiferente a nadie. Florian Fricke murió  en 2001 dejando una impresionante colección  de música espiritual,melancólica y de inmensa belleza. Realmente indispensable.



Temas
00:00 In den Gärten Pharaos
18:12 Vuh
Bonus
38:40 Kha-White Structures 1
49:20 Kha-White Structures 2




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SOD - Face the Music 1.972

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Sod grupo básicamente de rock blues pero con una sección de viento increíble con la que nos transporta por diversos estilos musicales.



Procedente de Los Ángeles comenzaron su andadura  a comienzos de los 70. Su formación inicial la componían: Don Phillips (guitarra), Robert "California" Arnold (voz, bajo), Larry Devers (batería), Joseph "Jojo" Molina (teclados), Richard "Rick" Kellis (vientos), Michael Green (vientos) y el luchador profesional de la NWA, Jay York como percusionista. En el 71 editan su primer disco, "Sod", y un año más tarde llegaría "Face the Music" teniendo como productor a David Axelrod y con cambios en su sección percusiva. Entro un nuevo batería, Highme Devers, y otro percusionista, Pat Chico Murphy.


SOD nos ofrecen un gran rock blues muy influenciado por su magnífica sección de viento dándole un carácter que algunos definirían como "horn-rock". La primera cara es una Medley con cinco temas donde nos encontramos con "Rock 'N' Roll Express" y "(Hey You) Quit Havin' So Much Fun", donde la sección de viento es la que marca el camino. También podemos escuchar un clásico blues como "Blues Route" y buenos riffs de guitarra en "Blues Root". Y por supuesto la unión de ambos mundos (guitarra-vientos) en "Makin' Tracks". La segunda cara más de lo mismo, un impresionante Don Phillips (guitarra) se intenta abrir camino entre las trompetas, saxo y demás de Richard Kellis y Michael Green. En algún momento me recuerda lejánamente al directo de John Mayall, "Jazz-bluess fussion" (1.972). Gran disco.




Temas
A1 Rock 'N' Roll Express Medly: Rock 'N' Roll Express 00:00 
A2 Blues Route 03:20 
A3 Blues Root 05:27 
A4 Makin' Tracks 07:27 
A5 (Hey You) Quit Havin' So Much Fun 11:24 
B1 Face The Music 16:01 
B2 The First Verse 18:21 
B3 House Rules 21:07
B4 Pushie 27:14

Formación
 Robert "California" Arnold: bajo, voz
 Pat Chico Murphy: congas
 Highme Devers: bateria, voz
 Dirty Don Phillips: guitarra
Jojo Molina: teclados, trompeta
Rick Kellis : saxo, voz percusión
 Michael Green: trompeta, percusión

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BATDORF AND RODNEY - Off the Shelf (1971) (colaboración J.J. Iglesias)

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Aaaaaah, la primavera. Con su colorido, sus flores....sus bichos asquerosos y el odioso polen. Que me hace parecer un extra de "Walking Dead"!!! Algo de bueno tiene. Me hace desempolvar mis viejos discos hippies west coast y disfrutar de "wenas vibraisions". Y éste  que nos ocupa, quizá  sea uno de mis top 3 favoritos del género.  Nunca le estaré suficientemente agradecido a mi buen amigo Juan Tarancon (Mr.  Twangsville), el habermelo descubierto 20 años atrás. 

John Batdorf y Mark Rodney se conocieron en Las Vegas. Pero ambos eran de Hollywood, tierra idónea  para sus soleadas músicas. Su química  fue instantánea en aquel primer encuentro en el coffee shop de la Universidad donde curraba Batdorf. Rodney era un virtuoso de la acústica  (virtud heredada seguramente de su padre, el famoso trompetista de jazz Red Rodney). La voz de Batdorf era sensacional, y armonizada con la de su compañero, oro puro. Ambos tocaban acústicas. Con la cabezonería del que se siente seguro, consiguieron que los escuchará nada menos que el gran Ahmet Ertegun. El cual los ficha ipso-facto para Atlantic Récords. Menudas orejas tenía el tío  Ahmet!! También  los bautiza como Batdorf and Rodney y editan en el 71 "Off the Shelf ". Obra maestra underground (a pesar del sello) del jipismo más  recalcitrante y maravilloso. Junto a los músicos  de sesión  John Barbata  (batería) y Chris Etheridge (bajo). Más las sensacionales voces/acústicas  del melenudo dúo. "Oh my Surprise" es de esos cortes frescos que te hacen amar la vida (aunque no sepas porqué ). No pasa el tiempo por este álbum, eso es seguro. "Me and my guitar" es un prodigio de sencillez compositiva y profundo feeling. Incluyendo algo de eléctrica  bien tocada, con sólo compuesto." Can you see me" es el tema más  largo, seis minutos, desarrollado en modo totalmente progresivo. La acústica  de Rodney nos lleva por diversos pasajes mentales con la sabiduría  de un maestro de las seis cuerdas. Y la melodía  vocal se muestra triunfadora. Nada que envidiar a Crosby, Stills and Nash.

La melancólica "Working Man, Blind Man" (podría  ser un himno sindical para nuestro país ), es otra joya. Algunas notas de piano adornan una canción  trabajada con gusto infinito. Qué  arreglos, my god! Finaliza este lado con "You are the one", otra gema en un baúl  lleno de tesoros. Donde cada canción  pugna por ser mejor que la siguiente. Algo inusual, de verdad. Esto continúa  en la segunda cara. Pero voy a dejar que lo descubrais  por vosotros mismos. Así  No rompo la magia de descubrir este disco por primera vez.

Para 1972 pasan a Asylum Récords, sello más  acorde con su estilo (y casa del country rock). Y editan su homónimo  segundo gran trabajo. Giran con todos los grandes, entre otros Bread, The Young Bloods, Dave Masón o Seals and Crofts. Y en el 75, ya para Arista, aparece su final y también recomendado, "Life is You". El dúo  se disuelve por diversos motivos artísticos. Y la erosión  de la amistad permanente.

John Batdorf seguirá  con Arista, editando en el 76 el único  álbum de Silver. Banda de efluvios Eagles que merece una entrada en el blog por derecho propio.

La sensibilidad y carisma de Batdorf and Rodney ha traspasado la prueba del tiempo con sobresaliente. Parecerá pura nostalgia (no lo es) pero ya no se hacen músicas  así. Mientras a mí  me ayudan a pasar un poco mejor las alergias y la puta primavera.


Algunos de sus temas
Oh My Surprise

Me And My Guitar


Can You See Him

You Are The One


Don't You Hear Me Callin'


Where Were You And I


Never See His Face Again

One Day

Let Me Go


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Rockliquias en los 80: 1.989 Part. 2 (colaboración Christian Jiménez)

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-Siempre han existido los "supergrupos". Ya se ha hablado aquí de esas personalidades inquietas de distintos grupos con algún punto de estilo musical en común que han deseado experimentar y formar proyectos de corta o larga duración. ASIA y M.A.R.S. lo fueron en los '80, Contraband (Rick Black/Michael Schenker/Tracii Guns/Share Pedersen/Bobby Blotzer) en los '90 y hubo muchos otros en los '70. A veces lograban éxito y decidían continuar, otras sólo conseguían grabar un disco, girar un poco, llevarse unos cuantos aplausos y poco más. El 11 de Mayo de 1.989, cuando el debut de Badlands se puso a la venta, se confirmó la existencia de un "supergrupo" dispuesto a triunfar.


Para hablar de esto primero tenemos que hablar del guitarrista Jakey L. Williams, más conocido como Jake E. Lee. Éste genio de las seis cuerdas nació en Virginia y se crió en San Diego, y estuvo muy influenciado por los gustos musicales tan dispares que había en su familia. A una temprana edad empezó a dar lecciones de piano y, más tarde, se interesó por tocar la guitarra, adorando a gente como Jimi Hendrix, Tony Iommi o Jimmy Page, con el objetivo de llegar a ser un guitarrista de "rock". Pasó por muchas bandas de joven y ya en 1.980 se unió a unos chicos llamados Mickey Ratt, que luego acabarían mudándose a L.A. (¡y tendrían muchísimo éxito!). Con ellos grabó unas cuantas maquetas; una de las más famosas fue el tema "Tell the World", que saldría en el primer EP de RATT. Lee dejó RATT para irse a otra banda en apogeo llamada Rough Cutt, los cuales estaban producidos nada menos que por Ronnie Dio. Éste, tras escuchar atentamente al guitarrista le ofreció unirse al grupo que iba a formar en solitario, que aceptó sin rechistar, y, aunque no le duró mucho aquello, aportó parte de la composición de "Don't Talk to Strangers" que saldría después en el debut de DIO (estuvo en todas partes, como podemos ver).

La suerte le llegó cuando el bajista Dana Strum, de los Slaughter, recomendó a Lee a Ozzy Osbourne, que aún estaba dolido por la pérdida de Randy Rhoads, tras una audición para buscar guitarristas que ocuparan el puesto. Strum ya había recomendado a Rhoads previamente, así que sabía qué hacía. El "Madman", indeciso entre quedarse con ese joven, o sacar a George Lynch de las filas de DOKKEN, adoptó al pequeño nativo de Virginia en su seno. Así fue como ganó una invidiable reputación tocando para Osbourne junto a Bob Daisely, Tom Aldridge y Don Airey en el exitoso "Bark At the Moon", pero a Lee se le cruzaron los cables cuando él no figuró en la composición de muchos temas del LP, así que, cuando Osbourne salió de su tratado de rehabilitación le presentó otra cantidad nueva de material pero le advirtió que no la interpretaría a menos que figurase como el creador. Tras algunos rifirrafes Jake E. Lee llegó a la cúspide como guitarrista en el multiplatino "The Ultimate Sin", pero todo acabó cuando recibió una carta de la "Madwoman" (Sharon Osbourne) donde le decían que estaba despedido del grupo (véase "Rockliquias 1.986; Parte I") Herido profundamente toma la decisión de seguir por su cuenta. Y en todo este embrollo va y se mete Ray Gillen.

Gillen era un vocalista originario de New York que tuvo la suerte de militar en Black Sabbath cuando se fijaron en él, aún estando en el grupo de Bobby Rondinelli. La mala relación que había entre Tony Iommi y Glenn Hughes se podía palpar en el ambiente, así que Gillen fue invitado a entrar en la mítica (y malograda) formación. Su paso fue breve pero intenso, aunque pocos quieren recordarlo, ya que "The Eternal Idol" ('87) fue un disco que Black Sabbath compusieron al borde del desastre, con dos cantantes, dos guitarristas, dos bajistas y tres productores. No así, Gillen, que fue sustituido por Tony Martin, se forjó una sólida reputación. Cuando tenía pensado juntarse con John Sykes para crear otra banda Jake Lee le propuso eso mismo también, así acabaron unidos. Juntos establecieron las pautas a seguir, necesitaban un bajista y un batería. Los dos fueron fáciles: Gillen se trajo a su compañero de Sabbath Eric Singer para manejar las baquetas y Lee al bajista de STEELER Greg Chaisson, a quien conoció en las audiciones para militar en Ozzy Osbourne (¿quién iba a decir que el espíritu de Black Sabbath tuviera tanto que ver en estos acontecimientos musicales?).

Con los contactos que tenían estos cuatro personajes con managers y discográficas no tardaron en involucrar en el proyecto a Atlantic Records. Con el productor Paul O'Neill, quien participó en la composición de material, se metieron en los estudios One on One de Los Ángeles y dieron rienda suelta a su creatividad y a sus ganas de hacer un buen álbum con el que pudieran ser considerados como grandísimos músicos. Y lo demostraron con creces en ese debut homónimo, "Badlands", realizado, como se ha dicho, el 11 de Mayo. Lo que plasmaron fueron sus gustos, sus influencias y lo que aprendieron de todas sus experiencias en el negocio. De principio a fin el cuarteto nos ofrece una colección de piezas soberbias y llenas de potencia homenajeando a los clásicos de los que siempre disfrutaron en su juventud. Hay cierto aroma de Led Zeppelin, reminiscencias de los RAINBOW, Deep Purple y Aerosmith de los '80, pero sobre todo se percibe un amor especial por los Whitesnake (de los '70 y de los '80 a partes iguales), todo eso contemplado a través del prisma del "heavy metal" americano de finales de los '80. La guitarra de Lee, como siempre, crea "riffs" incendiarios, la base rítmica de Chaisson y Singer se configura aplastante y arrolladora y la pletórica garganta de Gillen nos trae recuerdos de un furioso Coverdale encontrándose con Sammy Hagar y dándose de tortas con Dave Meniketti...la lista de similitudes puede ser interminable (también se le puede comparar en algún momento con Don Dokken o Paul Shortino).




Y hablando de los "riffs" incendiarios de Lee uno no puede olvidarse del que abre el disco y perteneciente a esa colosal "High Wire", donde Gillen no puede pretender parecerse más a Robert Plant, abusando de su capacidad para entonar altas notas durante varios segundos; un disco de "hard rock" no podía tener una introducción mejor que esta. Pero la siguiente es mejor; si en "High Wire" le referencia era Plant, Coverdale lo es para Gillen y los Whitesnake del "Slide It In" para el resto de la banda en la pesada "Dreams in the Dark", con Lee quemando sus cuerdas como si se sintiera un poco Micky Moody y con Eric Singer y Chaisson creando un ritmo muy duro, clásico y despidiendo esos aires de "rock" setentero. La dulce instrumental "Jade's Song" de Lee traía otra perla "zeppeliana" que llegó al 38.º puesto de los Mainstream Rock Tracks, "Winter's Call", donde se combinan a la perfección una primera parte muy delicada que nos hace flotar en una nube de algodón para luego recibir sorprendidos la guitarra de Jake Lee y los baquetazos de Singer y volver a La Tierra para así disfrutar de un durísimo tema de puro "rock". Algo de Y&T y Whitesnake se unía en la más rápida "Dancing On the Edge", un corte agresivo de nuevo muy "heavy" y adictivo por su repetitivo estribillo y que empezaba con ese característico y juguetón rasgueo de Lee.

La más representativa del LP era la extensa y cambiante "Streets Cry Freedom", otra inclemente pieza que empezaba pesada muy a lo Whitesnake de nuevo, con una atmósfera envolvente que calentaba el ambiente hasta que en el minuto 1:10 la batería estallaba y seguía con un estilo muy "blues" para acelerar en el 2:57 el ritmo, emparentándose con la anterior "Dancing On the Edge", aunque esta seguía con ese toque "blues" a partir del minuto 4:07 entre los gruesos y vigorosos solos de Lee y los gritos de Gillen. Una canción llena de matices y calidad que tendría que figurar como uno de los mejores cortes de "hard rock" jamás hechos en los '80. Otra rápida y que era evitar no seguirla a ritmo de "headbanging" era "Hard Driver", la más básicamente "metálica" del disco más ligada al estilo de Rough Cutt o Great White, y otra vez con Gillen clavando a Coverdale; el solo épico que hace Lee merece una mención especial y el clímax que consigue la canción con los ritmos de Singer desde el minuto 3:46 al 4:17 es algo increíble. No se apartaban ni dejaban caer la adrenalina las otras "Rumblin' Train" y "Devil's Stomp", esta última volviéndonos a traer esos añejos recuerdos de Zeppelin, con Jake Lee a los teclados, y, como hizo "Winter's Call", combinando partes realmente duras con otras de verdadero lirismo. Volvemos a sentir una nostalgia un tanto lacrimógena con la gran balada "Seasons", la versión "heavy" de "Stairway to Heaven"; Gillen vuelve a desplegar todo su potencial mientras Lee nos regala uno de sus mejores momentos con una interpretación épica.

Badlands tuvieron un éxito momentáneo y fugaz. Con este debut llegaron al n.º 57 en el Billboard, consiguiendo un Oro en las Américas, al 39 en Gran Bretaña y varios de sus vídeos tuvieron mucha rotación en la MTV. Lástima que muchos les vieron como una banda de "hard rock" americano más, porque es una terrible equivocación. En los años '90, con la grabación de "Voodoo Highway" dejaron de tener suerte, principalmente por la marcha de Eric Singer a KISS y por las disputas que hubo entre Jake Lee y Gillen por la dirección musical tan comercial en la que él pretendía encaminarse. En 1.993, por desgracia, Gillen moriría de V.I.H., lo que hizo que el mundo del "rock" se quedara sin otro fantástico cantante. Al menos podemos disfrutar de su voz en esta pequeña joya del género (no, no voy a contar el "The Eternal Idol" de Sabbath)

(Mejor canción: "Streets Cry Freedom").




        -El padre de lo conocido como "shock rock", un hombre que cambió el modo de concebir el "hard rock" en los '70, un artista inimitable aunque imitado hasta la saciedad que influenció a toda una generación de posteriores músicos, Alice Cooper, pseudónimo de Vincent D. Fournier, pasó por una situación incierta, convulsa y muy dañina por los ochenta hasta que vivió un renacer, y no solamente creativo, en 1.986 con "Constrictor", el disco que le devolvió al panorama musical del momento, la credibilidad y el apoyo de los fans, tanto jóvenes como ya maduros, que siempre se mereció. Pero para llegar aquí antes hay que hablar de varias cosas.
Y es que Alice Cooper (como banda) destacaron mucho en la época por realizar un "hard rock" que aunaba el "glam" que se cocía en Gran Bretaña, influenciado por T. Rex, y el gusto por clásicos como The Rolling Stones, The Doors y The Who, pero su líder Fournier iba un paso más allá. Él le dio una vuelta de tuerca a la manera de representar el género, inventando el espectáculo en el escenario, un espectáculo que mostraba el lado más oscuro, teatral y salvaje del "rock". Para Alice Cooper eso se definía en "decadencia y sexo", en contraposición con el lema "paz y amor" que llevaban a cuestas los "hippies" de entonces. Tras de un trío de discos sin mucho éxito ni repercursión realizados a través de discográficas independientes, el grupo (Fournier/Glen Buxton/Michael Bruce/Dennis Dunaway/Neal Smith) se unió al productor Bob Ezrin y se realizó "Love It to Death", que sí que se vendió mejor, sobre todo por su "single""I'm Eighteen". La Warner Records vio que estos chicos tenían potencial y algo novedoso y les contrataron. Se marcharon de Straight Records y Warner les reeditó el álbum y le dieron más publicidad; los esfuerzos dieron sus frutos: de no figurar en las listas lo hicieron en 1.971 en el 35.º puesto del Billboard y ganaron un Disco de Platino en EE.UU.. Tras hacer más y más conciertos-espectáculo y hacer crecer su reputación llegó "Killer", otra maravilla que fue Platino y con la que se les consideró la nueva promesa del "rock" americano. Pero de repente ocurre un punto de inflexión en la historia del género: en verano de 1.972 sale el "single""School's Out" y la gente se vuelve loca por Alice Cooper. Una canción que se escuchaba en todas las emisoras, que se puso en el Top Ten en América, 1.ª en Inglaterra y que colocó el álbum, de mismo nombre, 2.º en el Billboard y 4.º en las listas británicas vendiendo más de un millón de copias.

Cuando se habla del grupo se habla de auténticas estrellas, cosa en la que estaban de acuerdo millones de jóvenes y que sin duda no estaban de acuerdo los padres de esos jóvenes. Como siempre, el sector más conservador veía como demonios, almas corruptas y depravados a aquel quinteto que lo único que pretendía era hacer algo nuevo en la música, cosa que a Mary Whitehouse, una activista cristiana a la que un día le dio por oponerse a los sistemas tan liberales de la sociedad británica, no le importó un pimiento y presionó a la BBC para que retirara el videoclip de "School's Out" de las televisiones. El bueno de Fournier le envió un ramo de flores por toda la publicidad que la dama le hizo...inconscientemente. Y aquello fue un "suma y sigue": luego vino la obra maestra del grupo, "Billion Dollar Babies", n.º 1 tanto en EE.UU. como en Inglaterra. Por aquel entonces Buxton abandona el barco por problemas de salud y "Muscle of Love", mucho menos exitoso, se convierte en el último de la banda y todos los miembros empiezan a tener sus primeras rencillas y desacuerdos, por lo que deciden darse de un descanso de cada uno. Pero Fournier, que se muda a Los Ángeles y se convertiría en una auténtica estrella mediática, le echa narices a la cosa y comienza una carrera en solitario adoptando el nombre de la banda, lo que le da algún que otro problema legal. Así que en el '75, y ya con Atlantic Records y la colaboración de Ezrin, los guitarristas Dick Wagner y Steve Hunter, y hasta el actor Vincent Price como narrador, saca la joya conceptual "Welcome to my Nightmare", uno de sus más representativos LP's, quedando 5.º en el Billboard y cosechando un éxito sin precedentes, dándole un aliciente a Fournier, quien ya optó por seguir en solitario.

Y ahí fue donde empezó la debacle, lo que se notó en las bajas ventas de sus álbumes. "Alice Cooper Goes to Hell" aún se mantuvo decentemente, pero con "Lace & Whiskey" Alice Cooper empezaba a mostrar signos de debilidad, y más aún mostró su obsesión por el alcohol, lo que le hizo meterse a rehabilitarse en el sanatorio de New York y lo que le llevó a componer el semiautobiográfico "From the Inside" en 1.978, que tampoco es que tuviera mucha atención, ya que las dispares modas del "punk" y el "disco" empezaba a irrumpir en el "rock", aunque si pegó fuerte la balada "How you Gonna See me Now?". La entrada de los '80 tampoco auguraba nada bueno: con "Flush the Fashion" ('80) y "Special Forces" ('81) , producidos por Roy T. Baker, Cooper se metió en la New Wave; "Zipper Catches Skin" ('82) se orientaba más hacia el "punk" y a la agresiva ejecución de guitarras y con "DaDa" ('83), de nuevo ayudándole Bob Ezrin, puso punto y final a su descenso a los infiernos. Su adicción al alcohol volvió y la cocaína no le trajo buenas experiencias, así que fue hospitalizado poco después y se mantuvo en un paréntesis que aprovechó para rehabilitarse, aparecer en espectáculos, colaborar con otros artistas, ser nominado a los Grammy y otras cosillas más. Y como se ha comentado antes, pasaron tres años hasta que el genio fuera fichado por MCA Records y retornase con "Constrictor", un álbum donde explotaba el "heavy metal" que pitaba en EE.UU. en aquellos días, con "hits" como "Teenage Frankenstein" y "He's Back, the Man Behind the Mask" (usada para "Viernes 13 VI: Jason Vive") ganándose una nueva base de fans y recordando a los antiguos que el nombre de Alice Cooper podía seguir brillando con el mismo esplendor de antaño con grandes tours y "shows" muy recordados por muchos. En 1.987 le dio otra bofetada a sus competidores más jóvenes con "Raise your Fist and Yell", aún más duro que el anterior, aunque no tan exitoso, y que hizo que el tema "Prince of Darkness" fuera usado para la película de John Carpenter "El Príncipe de las Tinieblas". Entre muchas de las hazañas que se sucedían en sus espectáculos está esa en la que casi se muere asfixiado por la cuerda que usaba un especialista en uno de sus conciertos.

Y así uno llega al 18.º disco del artista, el que le puso definitivamente en su sitio, el que le devolvió el título de "estrella" con mayúsculas y con el que Fournier quedó de nuevo en la Historia del "rock" con todas las letras de su nombre grabadas a fuego. Tras salir de MCA fichó por Epic y contó con Desmond Child a la producción, quien le dio ese toque de comercialidad necesaria a los temas para despuntar en las listas, John McCurry a la guitarra, Hugh McDonald al bajo, Robert Chouniard a las baquetas y Alan St. John en el teclado, además de una buena ristra de colaboradores, que se volcaron a fondo para ayudar a su querido amigo e ídolo Alice Cooper (Joe Perry, Joey Kramer, Steven Tyler, Richie Sambora, Kip Winger, Jon Bon Jovi). El LP se llamó "Trash", donde aparecía un Alice cabizbajo, vestido de cuero y con una espectacular camiseta de sí mismo sobre un fondo gris muy áspero. Salió el 25 de Julio alcanzando muy buenas posiciones en los "charts" (20.ª en EE.UU., 2.ª en Inglaterra, 19.ª en Canadá, 5.ª en Australia, aunque donde mejor funcionó fue en Europa) y llegando a Platino en EE.UU., Canadá y Nueva Zelanda y a Oro en numerosos países europeos, además de quedar nominado en los Grammy. La razón: esa "chispa" que puso Child en el disco y que dotó de más comercialidad para calar en el público con una serie de canciones llenas de rabia "rockera" y un gancho comercial la mar de adictivo. Diez temas inolvidables de "heavy/glam metal", cada uno con su particular garra y disfrutable ritmo:

   


   -Esa introducción pesada y densa que conducía a un estribillo contagioso era la baza de "Poison", arrasador "single" que se puso 7.º en América y 2.º en tierras inglesas, siendo uno de los "hits" por excelencia de Alice Cooper, quien ya es identificado con este tema cada vez que alguien lo oye. La guitarra de Guy Mann lucía muy "metálica" en la siguiente "Spark in the Dark", otro inclemente corte emparentado al "heavy" de la época. "House of Fire", muy "glam" ella, se ganó su fama gracias al vídeo que la acompañó y que se retransmitió bastante por la MTV; en general esta era más "rockera" que la anterior, de enérgicos "riffs" y coreables estribillos, en la más pura línea de Whitesnake. "Why Trust You?" era otra buena muestra de cómo hacer un "single" sin ser llamado "single", y también es una de esas donde el grupo suena más comercial. La "power ballad""Only my Heart Talkin'" se convirtió también en un "hit", figurando 19.ª en el Mainstream.

       

 -Entre golpes de batería, teclados oníricos y la tenebrosa voz de Fournier se presentaba un tema muy duro con algunos aires de Aerosmith, "Bed of Nails", con Kane Roberts a la guitarra creando cortantes "riffs" siguiendo al cantante en sus adictivos estribillos. La más animada del álbum, que parecía sacada de alguno de los discos de los '80 de KISS, era "This Maniac's in Love with You", un tema a decir verdad muy Cooper, y no sólo por lo que decía ("Mi corazón ha sido atrapado en un amor agobiante; el chico de la terapia dice "te queda como un guante". Estoy cruzando la línea en mi cerebro, la línea entre el placer y el dolor [...] Esta locura me devorará. No hay nada más que puedas hacer: este maníaco está enamorado de ti; tu temor más grande se ha hecho realidad: este maníaco está enamorado de ti"), sino por el ritmo tan contagioso y "popero" que tiene. En el extremo estaba "Trash", una canción más vigorosa y "metálica", y que criticaba sin compasión a una prostituta con aires de dama, como bien contaba: "No es tu forma de gatear a través del suelo del prostíbulo, ni como me maldices al golpear la puerta del dormitorio, ni como me haces sudar por un puñado de dinero fácil, es el modo en que amas lo que te convierte en basura. Puedes patearte las calles con todo tu destello barriobajero, pero cuando golpeas las sábanas te conviertes en basura"...poético que era Fournier. A modo de "power ballad" seguía "Hell is Living without You", más lenta y emotiva, con Sambora y Steve Lukather dándolo todo en las melodías y solos a la vez que la base rítmica de McDonald/Chouniard; pudo haberse hecho como "single" pero no, y es un misterio, porque habría funcionado muy bien. Para terminar con fuerza la rápida "I'm your Gun!", que parecía traer aires de clásico "rock 'n' roll" pero con todo el peso del "heavy metal" ochentero, destacando el pedazo de solo que se marca John McCurry en pocos segundos.
Y así se acabaron los '80 para Alice Cooper, renaciendo como una personalidad como él se merecía, recuperando la fama y prestigio que había perdido por culpa de tantos altibajos. Por eso "Trash" se convirtió en (y se cita como) uno de los mejores trabajos de su discografía. Este personaje de gran importancia en el mundo de la música jamás seá olvidado, ni por fans ni por otros artistas que recibieron su enorme influencia. Larga vida a Vincent Damon Fournier.

(Mejor canción: "Poison").




        -Puede que una de las mejores bandas que salieron en el rollo ese del "sleaze rock" que inauguraron Guns 'n' Roses en 1.987. Sin embargo nunca hay que considerar a L.A. Guns como unos Guns 'n' Roses de segunda, sino como un fantástico grupo de "rock" que consiguió dar mucha caña en aquel tramo final de los años '80 gracias a dos estupendos álbumes, su homónimo debut y el que vamos a comentar aquí: "Cocked And Loaded".

Pero la historia de estos macarras angelinos tiene un origen y desarrollo un tanto vertiginoso. Se formaron en 1.983 por el guitarrista Tracy Richard Ulrich, o Tracii Guns, como más tarde se le conoció, junto al vocalista Michael Jagosz, el batería Robert Gardner y el bajista Ole Beich. Con un bajo presupuesto, producido por Chuck Rosa y en una discográfica independiente, Raz Records, grabaron un EP llamado "Collector's Edition N.º 1". Tras esta única colaboración entre esos miembros, Jagosz se fue y entró un nativo de Indiana a sustituirle, archiconocido después por W. Axl Rose, a las filas de la banda (cuando aún no había Guns 'n' Roses ni nada). Fue un fugaz momento, ya que Rose se largó de nuevo con su amigo de la infancia, Izzy Stradlin, y el guitarrista Chris Weber, para crear Hollywood Rose. Hubo una separación en 1.984, Rose se juntó otra vez con los L.A. Guns, pero reformó su banda con sus compañeros y Tracii decidió unirse a Axl en sustitución de Chris Weber, que se había ido a New York, llevándose consigo a su bajista y su batería. Así nacieron los Guns 'n' Roses, un nombre compuesto por los apellidos artísticos de Tracii y Axl.

Duff McKagan se puso en la batería, tras irse Ole Beich. También partió Tracii por una disputa que surgió con el cantante, siendo reemplazado después por Saul "Slash" Hudson. Y, tras unos cuantos tours, McKagan se fue y entró Steve Adler, conformando así la clásica alineación de Guns 'n' Roses. Por otro lado, finalizando 1.985, el vocalista Paul Black y Tracii reorganizaron su antigua banda, reclutando al otrora cantante de los Dogs D'Amour, Robert Stoddard, ocupando las seis cuerdas, al batería Nickey Alexander y al bajista Mick Cripps, quedándose como quintento. Así llegaron a tocar en varios clubs y locales y la discográfica Polygram se fijó en ellos. Cuando parecía que las cosas iban a estabilizarse, la actitud tan pésima de Black encendió la luz de alarma de Tracii y de los ejecutivos de la compañía. La razón era que los chicos debían de escribir y hacer canciones a lo Bon Jovi, Poison, RATT, etcétera, porque era lo que pitaba por entonces (hasta que salió el debut de Guns 'n' Roses y se les quitó la tontería viendo que podían ser también muy rentables en ese estilo), y Black no, el quería hacer algo más duro, más "punk", y, al ver que la banda estaba siendo manipulada por la discográfica, los mandó a todos a la mi***a y se fue por otro camino.

Black ya no estaba, pero entró el frontman de los GIRL, Phil Lewis, en el juego. Cripps se fue a la guitarra porque también emigró Stoddard y el bajo lo cogió Kelly Nickels, que venía de los Faster Pussycat y Sweet Pain. Por fin, y con Polygram y Vertigo respaldándoles, pudieron grabar su primer LP, producido por Jim Faraci. "L.A. Guns" salió a comienzos del '88, conteniendo canciones de la etapa de Black ("Bitch is Back", "No Mercy", "Winter's Fool" y algunas más) y otras reinterpretaciones de temas que poseían Lewis y Nickels de sus bandas GIRL ("Hollywood Tease") y Sweet Pain ("Shoot for Thrills"). El debut llega al 50 en el Billboard y al 73 en Gran Bretaña, ganándose un Oro y presentando a L.A. Guns como un combo explosivo de personalidad, calidad y con ganas de triunfar, haciendo música "rock" sin más, heredera del espíritu de los '70 y encontrándonos referencias y ecos a AC/DC, Aerosmith o Mötley Crüe, e, inevitablemente, a Guns 'n' Roses. Una música potente, con energía y adictiva, con excelentes cortes como los anteriormente citados más la balada "One-Way Ticket" y esos breves pildorazos "Sex Action", "Nothing to Lose" o "Down in the City". La imagen de los chicos, llevando tachuelas, cuero y envueltos en tatuajes, los colocó como uno de los bastiones del movimiento "sleazy" que comenzó a darse en ese momento.

Por desgracia los cambios no dejarían de darse. Nickey Alexander se fue y llegó una sorpresa para los chicos: Steve Riley, anterior batería de los "ultraheavies" WASP. Éste apareció mientras el debut se estaba terminando de realizar, así que fue aceptado como miembro oficial cuando salió a la calle. Acumulando fans rápidamente y haciendo tours sin descanso las ganas de sacar otro trabajo antes de que acabara el año llegaron. Y se metieron otra vez en el estudio para crear su mejor disco y el que les haría ser lo que son hoy. Esa vez se quedaron en los controles tres productores: Tom Werman, John Purdell y Duane Baron, que dotaron de un sonido más pulido y menos sucio al material que escribían los angelinos. También hay que nombrar las colaboraciones que hicieron Rick Nielsen y Robin Zander, de Cheap Trick, en el LP. Y el 22 de Agosto ya se podía ver en las tiendas esa portada "rockera" a más no poder (con el dibujo de la mujer montada sobre un revólver para dispararlo) donde salía el título "Cocked And Loaded". Efectivamente, iba a ser el éxito definitivo del grupo, con un 38.º puesto en el Billboard, ganando un Oro. No era mucho, pero con él L.A. Guns pudieron ser reconocidos por méritos propios, y no mantenerse bajo la sombra de los ya todopoderosos Guns 'n' Roses, como una de las bandas más prometedoras y célebres de la escena angelina de finales de los '80. Este disco profundizaba en la consolidación, ya que el debut homónimo sólo había sido una carta de presentación; ahora sólo quedaba perfeccionarse. Fue fácil con la actitud tan decidida que tenían y más aún teniendo a un genio como Riley en sus filas.



Una dura introducción, "Letting Go", muy a lo Mötley Crüe, dejaba claro que tenían mucho que decir. Seguía como un guantazo en la cara (un chiste muy fácil) "Slap in the Face", con la misma rabia, con un espíritu pendenciero e imparable de puro "hard rock", donde Lewis canta de una forma más feroz que en el primer disco, los solos de Guns se vuelven más "heavies" y cortantes y los golpes de Riley le otorgan un matiz de furia extra al sonido. "Rip and Tear" se llegó a convertir en el himno de la banda, una canción que se escuchaba en todos los clubs y tascas en 1.989. Un tema con un gran "riff" de entrada, un "feeling" impresionante y un estribillo de lo más contagioso, que decía "Desgarrando y Rompiendo; sacudiendo la casa y aceptando el desafío. Desgarrando y Rompiendo; a la mujer de Mulholland no le importa nada" (al igual que los Crüe estos también eran muy sentimentales...), pero que si por algo destacaba era por ese final que cogía carrerilla en los últimos segundos y se volvía desquiciado. Otro himno intemporal sería el que empezaba con esos toques tan gruesos de Kelly Nickels en el bajo, "Sleazy Come Easy Go", de nuevo muy adictivo por su repetitivo estribillo y su ritmo tan divertido, y su letra, que nos contaba cómo una chica, que "odia a sus padres y detesta vivir en un parque de caravanas" decide irse a Hollywood para vivir una vida llena de experiencias salvajes. El tema, con ese título, también pretende presagiar la fugacidad del movimiento "sleazy" al que pertenecían, ya que, como a la chica de la letra, la diversión se pasa muy rápido. "Malaria" era más grande, era uno de esos temas con los que L.A. Guns deseaban mostrar su madurez.




Más pesada, más dura que cualquier otra del LP, recoge el testigo del "heavy metal" que se llevaba practicando en EE.UU. desde mediados de los '80. Tiene cosas de Aerosmith, de Whitesnake, de Rough Cutt; suena colosal, vigoroso, sin duda uno de los mejores esfuerzos en la carrera del grupo, aunque, sin embargo, se queda corto por culpa del mejor tema del álbum: "Magdalaine", más acelerado que el anterior y combinando guitarras acústicas con eléctricas y cambios de ritmo inesperados en un pepinazo de "rock" fastuoso de más de seis minutos con el solo más épico que Tracii Guns se haya marcado en toda su carrera; sin duda un presagio de lo que L.A. Guns harían en su "Hollywood Vampires" ('91). El resto no se queda a la zaga, simplemente "rock" macarra y del que te hace sudar para disfrutar con los oídos bien abiertos, como demuestran "Wheels of Fire", "Never Enough", "Give a Little" o "I'm Addicted!/Seventeen Crash", que contaba con esa introducción tan enérgica, versión "sleazy", de Willie Dixon (en algunas ediciones hubo otra versión, "Rock Candy", de los Montrose, que por desgracia no se pudo disfrutar en la original). Mención aparte tiene la balada del grupo y auténtico "hit", "The Ballad of Jayne", para muchos la más conocida y por la que se hicieron tan famosos (lo que es un craso error), con unas cristalinas guitarras y con los chicos sacando su lado más sensible; esta vez Phil Lewis no nos hablaba de peleas, cerveza, chicas descarriadas y demás "accesorios" del mundo del "rock", si no del amor profundo que se sentía por una mujer que se había ido: "Siempre estuviste en mi mente, como esos días de verano de mi infancia bajo el Sol. Lentamente los deseos se transforman en tristeza, y el tiempo no cicatriza a un arma rota [...] Ahora está rompiendo corazones en el Cielo, brillando con luminosidad en el firmamento. Sigo escuchando su voz en el viento; sí, sigo pensando en ti por las noches". Desde luego aportó un matiz de madurez en lo que se refería a las letras y el estilo.

Todo esto son alicientes para acercarse a estos genios que, si bien su punto más alto y profesional lo alcanzaron a principios de la década que vendría con "Hollywood Vampires", aquí no se quedaron cortos para facturar un álbum rebosante de carácter, vitalidad, personalidad y muchos coj***s. Con el "grunge" cayeron y quedaron enterrados, pero para muchos críticos y fans fueron uno de los pilares a finales de la etapa ochentera, y también considerados por otros tantos (donde me incluyo) mejores que los Guns 'n' Roses, en el estilo que practicaron.

(Mejor canción: "Magdalaine").




        -Mötley Crüe, en 1.987, era sinónimo de "rock", de chicas, alcohol, drogas, motos y juergas hasta el amanecer y más allá. Una banda que empezó en 1.981 a hacer historia en el mundo del "rock" gracias a su inmejorable debut "Too Fast for Love", que inauguró una nueva corriente en las inmediaciones de Los Ángeles y que se extendería hasta principios de la década siguiente.

El sonido que el cuarteto Neil/Mars/Sixx/Lee imprimió en aquel primer y rudimentario LP era sucio, descarado, directo, despojado de todo aquello que pudiera llamarse "edulcorantes musicales". Con él comenzaron una ola de éxitos, de altibajos y de experiencias a cual más alucinante, pero así eran ellos: vividores de primera clase. El 26 de Septiembre de 1.983 este híbrido de Aerosmith, KISS y The New York Dolls sacó a la calle "Shout At the Devil", y con él comenzó su verdadero ascenso. Más "heavy" y mejor producido que el anterior llegó a hacerse con Cuádruple Platino en EE.UU. y dio uno de los más recordados himnos de "hard rock" de todos los tiempos: "Shout At the Devil". No es que fuera más serio; los Crüe hablaban de peleas callejeras, de cuántos litros de cerveza se echaban al hígado, de cuántas "groupies" se fo***ban en una noche, de dinero, drogas y "rock 'n' roll life...on and on"...es decir, hablaban de la decadencia sólo que desde el lado "benthamiano", siempre con el mayor optimismo y socarronería. Pero con ese segundo subieron muchos peldaños y empezaron a girar sin descanso por EE.UU. e internacionalmente. Por desgracia, esa vida llena de excesos sufrió su mayor tragedia cuando Vince Neil tuvo un accidente frontal con su coche, lo que le hizo pasar 18 días en la cárcel. En el siniestro, el copiloto, nada menos que el batería de Hanoi Rocks de aquel entonces, Nick Dingley, acabó muriendo. Dingley, sustituto de Gyp Casino en el seno de los finlandeses, devolvió la alegría y esperanza a una banda que se estaba desintegrando, así que su muerte dejó un profundo dolor en el corazón de los Hanoi y, especialmente, en el de Michael Monroe, que desde entonces no puede ver a Neil. Cuando en 1.985 los Crüe hicieron el genial "Theatre of Pain", el más básicamente "rockero" y menos "metálico", lo dedicaron a la memoria del desaparecido batería.

El estilo de "Theatre of Pain" fue nuevamente recibido con una sorpresa por los fans, que se esperaban algo en la línea de "Shout At the Devil". Pero en 1.987 volvieron a virar de dirección con "Girls, Girls, Girls", una declaración de intenciones en toda regla. El gusto por esa vida descarriada donde sólo había fiestas, carreras con motos en el Sunset Strip, escapadas con prostitutas y borracheras en clubs de "striptease" no podía representar mejor el espíritu del disco, que salió el 15 de Mayo despuntando en el 2.º puesto del Billboard y convirtiendo a las canciones "Girls, Girls, Girls", 12.ª en el Hot 100, 20.ª en el Mainstream Rock e himno nacional para 1.987 (porque aparte del "Welcome to the Jungle" el tema que más se llegó a escuchar era ese), y la "power ballad""You're All I Need", en las más exitosas de la carrera del grupo por entonces. Aquí, con las mismas temáticas, aunque osureciendo ligeramente su visión de la "rock 'n' roll life", pasaron a hacer un sonido de nuevo más duro, con retazos "blues" y más emparentado con el rollo que llevó Aerosmith en "Permanent Vacation".

Siete meses y ocho días después del lanzamiento del cuarto álbum del grupo les ocurrió a los chicos uno de los acontecimientos más escalofriantes. Al bajista Nikki Sixx se le paró el corazón después de ingerir una dosis de heroína que, al contrario de lo que él pensaba, le hizo más mal que bien. Oficialmente fue declarado muerto al llegar al hospital, pero el médico que le atendió (fan de Crüe, dicho sea de paso) hizo lo posible por revivirle, y lo consiguió, administrándole una dosis doble de adrenalina directa al corazón (después veremos cómo influyó esa experiencia en una canción del disco que estaría por llegar). En general, así lo pasaban: de susto en susto, de botella en botella y de juicio en juicio. No muchas bandas de "rock" de los '80 igualaron el récord de Mötley Crüe. Los managers Doug Thaler y Doc McGee ya habían visto suficiente y tomaron una decisión: cancelar los conciertos del grupo por Europa, con el terrorífico presentimiento de que podrían volver a EE.UU. metidos en bolsas para cadáveres. Todos los integrantes ingresaron en rehabilitación para desengancharse de las drogas. Todos salvo el guitarrista Mick Mars, que lo llevó a cabo por su cuenta.

Y, como en todos los períodos de rehabilitación, se reflexionó bastante sobre el futuro. Los Crüe estaban destrozados y su equipo empezaba a ver que no aguantarían mucho más si continuaban su estilo de vida. La cura les sirvió para tomarse las cosas más en serio que nunca, para hacer un nuevo disco como una banda nueva, sonando mejor que nunca y gustando a todo el mundo. Más o menos pasaron por lo mismo que Aerosmith en 1.987: tras su cura llegó la reinvención. La cosa empezaba a marchar cuando llegó el productor canadiense Robert J. Rock para ayudarles. Rock, que ya había trabajado con bandas como Kingdom Come y, más recientemente, con The Cult en su LP "Sonic Temple", que fue todo un éxito, le inyectó ese plus de fuerza final que los chicos habían necesitado siempre. Y aunque llegó a describirlos como "cuatro cap***os de L.A. que sólo saben beber y tener ganas de matarse los unos a los otros" acabó creando el mejor álbum de toda la discografía de Mötley Crüe. Todo sonaba más "heavy" que en "Shout At the Devil" y más definido que en "Girls, Girls, Girls". Era un disco grande, con una resonancia especial. Los golpes de la batería restallaban como bombas, los solos de Mars eran más virtuosos que de costumbres y la voz tan peculiar de Neil se mostraba más versátil y feroz que nunca. "Dr. Feelgood", que salió a la venta el 1 de Septiembre, era eso, un LP inmenso, inconmensurable, titánico si se prefiere. Se jugaba con el "heavy", con el "rock" clásico, con devaneos hacia el "blues", con ritmos cachondos como ellos solos que poseían una garra y un "feeling" tremendos. La producción de Rock fue de primerísima categoría y los chicos sonaron mejor que nunca, ayudados por un montón de gente, amigos y fans de los angelinos, como Rick Nielsen, Bryan Adams, Steven Tyler o la formación de Skid Row al completo.




Abría brutal la introducción "Terror in Tinseltown", donde se escuchaban unas sirenas de ambulancia y el latido de un corazón (un recuerdo de aquella vez...) para pasar al mítico "riff" inicial de "Dr. Feelgood" (6.º en el Billboard Hot 100), uno de los temas más emblemáticos del grupo, que hablaba de un tal Jimmy, un carismático camello ignorado por policías corruptos que siempre hace sentir bien a los demás y que "siempre se encontrará vendiendo azúcar a la gente tan amable de la calle. [...] El es el único, le llaman "Dr. Feelgood"". Unas guitarras acústicas de los más sensuales anunciaban "Slice of your Pie", uno de esos temas "marca de la casa" de Crüe, divertidos y muy descarados (el final está basado en "She's so Heavy", la de los Beatles). Basta fijarse un poco en la letra: "Un tatuaje muy sexy arrastrándose por su pierna, después de que la pille me arrestarán. [...] Con labios para lamer, es una gatita con un látigo que me desnuda. Ey, preciosa, con esos dulces, dulces ojos, ordéname cojer otro pedazo de tu tarta"...como siempre Neil tan delicado para estas cosas. La más dura "Rattlesnake Shake" tenía cierto aires de Aerosmith y Skid Row, y proseguía con esa línea tan graciosa de hablar sobre féminas ardientes y dispuestas a hacernos pasar un buen rato. Al final el tema se vuelve todo un concierto, con trompas, pianos y un coro lleno de voces cantando el estribillo. La "heavy" por excelencia era el otro himno "Kickstart my Heart" (18.º en el Mainstream Rock), una pieza veloz y llena de "feeling""rockero" basado en aquel encuentro que Sixx tuvo con la muerte y en el sentimiento que despertó en los miembros. Se adivina en la letra: "Cuando empezamos en esta banda todo lo que necesitamos fueron risas; los años pasan rápido, diría que conseguimos dar caña. Cuando entro en cólera o subo al escenario la adrenalina recorre mis venas, y diría que aún seguimos dando caña. ¡Reinicia mi Corazón, la esperanza nunca acaba!".

"Same Old Situation" (34.ª en el Mainstream Rock) sonaba demasiado refinada musicalmente hablando. Aunque la guitarra de Mars siga siendo bestial en sus "riffs" los estribillos llegan a recordar a los de Poison, sobre todo por esos "¡I Say "no, no, no"! ¡No, no no!". Lo que más confundía era ese deje de Neil, que hacía que la voz se le pareciera a la de Bret Michaels. Afortunadamente ahí estaba otra muy sensual y de ritmos muy "funkies", "Sticky Sweet", con Neil ya sonando más personal y pendenciero y un solo genial de Mars, aunque lo mejor es su base rítmica tan bailable y las letras, que cuadran a la perfección con la música. De cerca (muy cerca, cogidas de la mano), la seguía "She Goes Down", que empezaba con el sonido de una cremallera bajándose y una risita femenina sin rastro de inocencia en ella. Quizá demasiado extensa (habrían bastado tres minutos), pero lo que se pretendía es que la fiesta no acabara con tanto respetir el estribillo del tema, que decía "Ella va hacia abajo, hacia abajo, durante toda la noche". Lo mejor es esa parte que va desde el minuto 3:09, sólo con Lee y Neil  acompasados y con este último sonando de lo más sugerente, hasta el 3:33, donde escuchamos otra vez la cremallera (cerrándose, en este caso). Más sentimentales eran las "power ballads""Without You" (8.ª en el Hot 100), grandísimo corte musical con un desconocido Neil poniéndose melancólico echando de menos a una chica que ya no está; la introspectiva "Don't go Away Mad, Just go Away", muy Aerosmith por otro lado, que muestra un bello contraste entre guitarras acúscticas y eléctricas, y la más bonita y reveladora de las canciones que el grupo jamás haya hecho, "Time for Change", una con un sentimiento muy a lo "Youth Gone Wild", sólo que en balada: "Escuché a algunos chicos contándome cómo habían perdido la fé por el modo del que habían estado hablando de la paz en el Mundo y de la guerra en las calles. Las líneas de sus rostros eran profundas, sí. Una revolución o "alargar la mano para alcanzar el día"; llegamos tarde, chaval. Ahora es el Momento de Cambiar, porque nada permanece igual. Siento el futuro en las manos de nuestra juventud, sin más mentiras", nos decía su rompedora letra. Aquí el bajo lo tocó Bob Rock y Sixx se ocupó del piano y el órgano, conformando una canción llena de matices y belleza perfecta para cerrar el LP y sus conciertos.

Llegaron a lo más alto: 1.er puesto en el Billboard, 4.º en las listas inglesas, 5.º en Australia y Nueva Zelanda, 7.º en Canadá. Para mediados de los '90, "Dr. Feelgood" ya era Séxtuple Platino, Triple en Canadá, Oro en Gran Bretaña y los temas "Kickstart my Heart" y "Dr. Feelgood" fueron nominados a los Grammy. Críticos y fans estuvieron de acuerdo: fue el mejor de los Crüe. Finalmente, en 1.991, la banda se llevó el premio en los American Music Awards al Mejor Disco de "Heavy/Hard rock" del Año. Qué grandes han sido y serán...¿qué sería del mundo del "rock" sin estos adorables angelinos?

(Mejor canción: "Terror in Tinseltown/Dr. Feelgood").



        -Todo el Mundo sabía que "Rising Force" fue uno de los mejores álbumes instrumentales de los '80 jamás grabados, o puede que sea el mejor de la década, aquél que hizo que miles de adolescentes amaran la guitarra por encima de todas las cosas y a su prójimo, Yngwie Malmsteen, como a ellos mismos.

El admirado, envidiado y repudiado, todo a partes iguales, guitarrista sueco, se elaboró una prometedora carrera y disco a disco ascendía cada vez más a la cima. Su tercer álbum, "Trilogy", realizado en 1.986 y que alcanzó la 44.ª posición en el Billboard, junto a Marc Boals a la voz y Anders Johanson a la batería, demostró el poderío que guardaba este multiinstrumentista en las yemas de sus dedos y la fuerza y virtuosismo que imprimía en sus temas a través de la posesión que desencadenaba en él el aura de su guitarra, ejecutando la mejor mezcla posible de sus influencias neoclásico-sinfónicas con su gusto por el "heavy metal" a toda pastilla. Su fama creció mucho y su maestría fue de boca en boca por el mundillo; hasta KISS pensaron en ficharle y sustituir a Vinnie Vincent (cosa que, de haberse materializado una unión tan disparatada como esa, se habrían dado tal cúmulo de despropósitos que merecería la pena dedicar un artículo entero a comentarlo). Lo único que le llevaba de cabeza era su ego; por eso era también muy conocido el amigo Malmsteen. Como dijo Xavi Martínez de la Popular 1 "El amor que Yngwie Malmsteen siente por su propia persona es inversamente proporcional al desprecio que siente por todos los que le rodean". Hasta que llegó Ritchie Blackmore, el ídolo del sueco por excelencia, y dijo en una entrevista que aquel chico era bueno tocando su instrumento, pero que por qué no dejaba de imitarle y buscaba su propio estilo...palabras que calaron en lo más hondo del guitarrista, que desde entonces ya no sintió lo mismo por Blackmore, su otrora guía espiritual.

Ya en 1.987 metió en sus filas, quizás por su intento de superar (que no "igualar" esta vez), a Blackmore, al vocalista Joseph A. Mark Linquito, también conocido como Joe Lynn Turner, un hombre que venía de prestar su voz a dos fantásticos álbumes del grupo RAINBOW, "Difficult to Cure" ('81) y "Straight Between the Eyes" ('82) y el menos interesante "Bent Out of Shape" ('83), que había iniciado una carrera como solista con "Rescue You" ('85) y que además había participado en numerosos trabajos de distintos artistas, como Michael Bolton, Cher, Lee Aron, Don Johnson o el grupo TNT. El veterano bajista Bob Daisley también se unió a Malmsteen para figurar en el siguiente álbum, el cual llevaría por título "Odissey". Y ya no como Yngwie Malmsteen, sino como Yngwie Malmsteen's Rising Force, nombre con el que bautizó a su proyecto. Pero antes de que aquel LP se hiciera realidad, al guitarrista le tocó pasar por una serie de hechos bastante traumáticos: el primero fue estrellar su Jaguar contra un árbol y quedarse en coma por una semana y el segundo fue perder a su madre por un cáncer. Aguantando todos esos problemas, "Odissey" salió el 8 de Abril de 1.988 y significó el punto más bajo con respecto a composición y pasión por parte del sueco pero el más alto con respecto a los "charts", y es que llegó al 40 en el Billboard, su más alta posición hasta la fecha. Sus devaneos hacia un "heavy metal" más comercial, sobre todo por el peso que ejercía Turner en la voz, hizo que muchos seguidores se quedaran un tanto decepcionados pero también que otros sintieran interés por él. Canciones como "Heaven Tonight", "Crystal Ball" o "Déjà-Vu", no exentas del virtuosismo de siempre, por supuesto, marcaban las nuevas pautas a seguir, y se alzaron como nuevos éxitos.



Con estos álbumes en la cartera ya hacía falta que los fans tuvieran un regalo como se merecían, un LP que recogiera el testigo de un espectáculo sin precedentes, y era contemplar a Malmsteen en directo, derrochando toda su energía en el escenario. Antes de que acabara la década tenía que hacerse un disco en directo, esa era la premisa. Y, por sus muchas giras para presentar el nuevo "Odissey" y el nuevo vocalista, aterrizaron en la Rusia del Telón de Acero, la U.R.S.S., y se dispusieron a grabar su actuación en el SKK Stadium de Leningrado, una actuación épica de más de una hora de duración con los entregados seguidores rusos vociferando de fondo. Aquel álbum se llamó "Trial by Fire" y salió a la venta el 12 de Octubre, con un "set list" de infarto, presentando sobre todo temas donde Joe L. Turner también pudiera lucir bien sus cualidades, los del "Trilogy" y "Odissey"; cierto es que los del primero quedan mejor en boca de Marc Boals que en la del ex-RAINBOW, pero igualmente Turner demuestra su gran capacidad como cantante. Aunque si alguien demuestra sus capacidades bien es Malmsteen, que deja patidifuso al público con su técnica, su virtuosismo, sus "shreddings" y sus espasmódicos "sweep pickings":

       

 -El "show" abre con la veloz e inclemente "Liar", del "Trilogy", empezando con el primer juego de cuerdas del sueco y la batería atronadora de Anders Johansson. Y es cierto, Turner no ha sonado tan poderoso y feroz como aquí, soltando agudos imposibles mientras Malmsteen seguía con sus alardes de dios de las seis cuerdas acompañado por su teclista Jens Johansson; un comienzo de lo más "heavy" para calentar motores. Sigue la más pesada "Queen in Love", también del mismo disco, creando con sus estribillos una atmósfera envolvente y épica dando paso al emotivo y también épico solo de Yngwie; una de sus bazas es la espectacular base rítmica de la canción, donde Anders y Barry Dunaway se entregan a fondo. Llega una del "Odissey", "Déjà-Vu"; el solo y los riffs que salen de la Fender del sueco hacen que el instrumento eche chispas, literalmente. Se repite unas cuantas veces el estribillo, puramente "heavy", Yngwie se chulea un poco más y Anders concluye con un golpe de batería. Y todo esto...¿a qué conduce? A la obra maestra de Malmsteen por excelencia, esa suite instrumental que cambió el rumbo del "heavy metal" en 1.984: "Far Beyond the Sun", uno de los mayores alardes de virtuosismo jamás vistos en el género. Los ocho minutos que dura ni se aprecian porque nadie sería capaz de medir el tiempo cuando está siendo ejecutada una pieza de tal maestría. Todo se ha de olvidar y lo único que se debe hacer es convertirse en un testigo mudo y pensar que el cielo se puede alcanzar con el mástil de una guitarra. Tras esta gran composición el grupo interpreta una de las que guarda más similitud con RAINBOW y Blackmore y de las más comerciales, "Heaven Tonight", exitoso "single" que le dio a "Odissey" el gancho comercial que necesitaba. Muy adictiva y con un dulzón estribillo, donde Jens se expresa mejor que nunca a los teclados, nos deja también otro impresionante solo de Malmsteen.

        -Después de este pedazo de chicle musical llega la mejor "Dreaming", que seguía a "Heaven Tonight" en "Odissey" también, y que comienza con una delicada ejecución de guitarra acústica. La preciosa melodía de esta canción, de gran emotividad, la convierte en la balada por excelencia de Malmsteen, que pone los pelos de punta cuando interpreta su solo, tan cargado de pasión. Un teclado muy típicamente ochentero abría "You don't Remember, I'll Never Forget", una con cierto regusto a Whitesnake y RAINBOW mezclado con unas melodías bastante emparentadas a las del grupo Fortune, pero siempre la guitarra era la que marcaba la diferencia. Es, junto a "Heaven Tonight", la canción más disfrutable, comercial y melódica del "set list". Otra instrumental viene a dar caña de nuevo, esta vez la que cerraba "Trilogy", "Trilogy Suite Op. 5", que en el disco de estudio duraba siete minutos, pero que con las improvisaciones de infarto que se marca Malmsteen se convierte en una "suite"épica de diez minutos (la más larga del concierto), donde de nuevo la base rítmica demuestra gran solidez. Los envolventes teclados y unos punteos de excelsa grandilocuencia musical avisaba al público de que empezaba "Crystal Ball", una de vena más "heavy" pero también de mucha garra comercial. La última instrumental llega otra vez con Yngwie dando una lección magistral de guitarra clásica para empezar con la gran "Black Star", una de las mejores de aquel "Rising Force" hasta llegar al 1:21, donde después volvían esos milimetradamente vertiginosos solos y que se unían, tras seis minutos, a la versión "metálica" del "Spanish Castle Magic", clásico de clásicos donde los haya del ídolo del sueco, Jimi Hendrix. En este tema tan rítmico y contagioso el propio Yngwie Malmsteen presta su voz junto a Turner. Esta canción es el broche de oro perfecto para acabar con mucha clase un "show" de altura como este, mientras la audiencia bolchevique ovaciona al grupo con silbidos y aplausos sin fin.

"Trial by Fire" no tuvo agraciados resultados en el Billboard, sólo quedando en la 128.ª posición, porque verdaderamente, la estrella de Malmsteen ya se estaba apagando para muchos, y ahí estaban otros que suscitaban mucho más interés (Steve Vai, Joe Satriani y Tony MacAlpine eran más admirados). Sin embargo esa estrella aún centelleaba con la suficiente fuerza como para que se viera su brillo desde aquel concierto en la lejana Unión Soviética hasta cualquier otra parte del planeta. Como curiosidad añadir que la grabación en VHS salió el 1 de Julio de 1.991, un documento visual indispensable para cualquier fan...y no sólo del sueco.

(Mejor canción: "Far Beyond the Sun/Heaven Tonight").




...Y hasta aquí llega el último año de esta extensa lista que nos ha servido de repaso para saber que en los '80 también hubo obras musicales de categoría. Aunque 1.989 dio muchas más piezas (unas mejores que otras) que merecen nombrarse.

Sin ir muy lejos podemos contabilizar el último de esa etapa tan convulsa que vivió KISS, "Hot in the Shade" (uno de los de más larga duración que realizaron), al igual que el último que realizaron los más veteranos Jethro Tull o Nazareth, "Rock Island" (el intento de Anderson de rebatir esas críticas que le acusaban de sonar como Knopfler) y "Snakes 'n' Ladders" (uno de los discos más "heavies" de los escoceses de toda su carrera), respectivamente. Pudimos ver el intento de seguir de aquel Frankenstein musical que era Black Sabbath, esa vez con Tony Martin a las voces en "Headless Cross", y el último de Uriah Heep en los '80 tras cuatro años de silencio, "Raging Silence", con Bernie Shaw al micrófono; el otro gran éxito de Aerosmith llamado "Pump", quedó 5.º en el Billboard llevándose Siete Discos de Platino sólo en EE.UU.; un reorganizado Michael Schenker junto a Robin McAuley hundía aún más su credibilidad con "Save Yourself" y el sr. Coverdale repetía la misma fórmula del anterior "1.987" en "Slip of the Tongue", infinitamente inferior a aquél.

Por otra parte los "glammies" Britny Fox dejaban de captar el interés de la crítica cuando realizaron su segundo LP, "Boys in Heat" y los White Lion continuaban con "Big Game". Los suizos CHINA realizaron uno de los mejores discos de "AOR" europeo, "Sign of the Sky"; en aquel género también podría destacar la labor de los Bon Jovi noruegos, RETURN, con su tercer LP, "Straight Down the Line", y los alemanes ACCEPT dejaban de gustar a muchos fans al meter a David Reece como vocalista en "Eat the Heat". Individualmente Gary Moore terminaba con el "hard rock" que tanto le caracterizó en los '80 con "After the War", Joe Satriani se llevaba cada vez más elogios tras hacer "Flying in a Blue Dream", Eric Clapton llegaba al 2.º puesto de las listas británicas con "Journey Man" y Tom Petty se desligaba de los Heartbreakers con "Full Moon Fever", que se puso 3.º en el Billboard.

En otros terrenos los brasileños Sepultura se hacían un hueco en la Historia del "heavy" y un nombre en el "thrash" gracias a la obra maestra "Beneath the Remains", los "hardcoreros" Suicidal Tendencies sacaban la rareza "Controlled by Hatred/Feel like Sh*t...Déjà-Vu",  el genio danés del "black metal", King Diamond, sacó el conceptual "Cospiracy" y los irreverentes White Zombie, referencia para muchas bandas de "heavy" y "nu metal" de mitad de los '90, el "Make Them Die Slowly". En el mundo del "thrash metal" uno no puede olvidar los esfuerzos de dos de los Cuatro Grandes del "Thrash" Alemán: KREATOR con el aplastante "Extreme Aggression" y SODOM y su celebrado "Agent Orange" (los otros dos son TANKARD y Destruction), ni aquel disco que se llegó a convertir en uno de los más representativos del género, "Fabulous Disaster", de los Exodus.

Los debuts no se quedaron a la zaga en cuanto a cantidad. Por ejemplo ahí está el homónimo de los angelinos XYZ, producidos por Don Dokken y realmente sonando como la banda del cantante; los liderados por John Sykes, Blue Murder, también salieron aquel año producidos por el requerido Bob Rock; otros de L.A., Bad English, querían seguir con la moda del "hard rock" lleno de melodía; más "glammies" también quisieron probar suerte en el género, imitando a sus predecesores, aunque sin darse cuenta que el final de todo aquellos iba a estar muy cerca, como los ultrafiesteros WARRANT, que debutaron con "Dirty, Rotten, Filthy, Stinking Rich", los tejanos Dangerous Toys, los de Illinois Enuff Z'Nuff, los rusos Gorky Park, apadrinados por el siempre amable Bon Jovi; las dos bandas del mismo nombre, Pretty Boy Floyd, una estadounidense y otra canadiense, y los medio "funkies" medio "rockeros" de Boston, Extreme, que tendrían más éxito ya entrada la posterior década con aquella balada llamada "More than Words".
También salieron, de la Roadrunner, los canadienses Annihilator con "Alice in Hell" y los "thrashers" cristianos Deliverance. Entre tanto, un hombre que sería un referente en el llamado "rock" industrial, Trent Reznor (y que hizo que no pudiéramos ver a Rob Halford con los mismos ojos), debutaba con "Pretty Hate Machine", a la vez que lo hacían también las muy "heavies" Phantom Blue, y ese jovencito de Seattle, Kurt Donald Cobain (encargado de arruinar a todas aquellas bandas de "hard rock" y "heavy" americano en 1.991), no se pudo estar quietecito y sacó "Bleach".

En cuestión de directos podemos quedarnos con los de los veteranos RUSH y MAGNUM, "A Show of Hands" e "Invasion Live", respectivamente; el de los de Phoenix Sacred Reich, "Alive At the Dynamo"; aquel de los recordados "heavies" Stormwitch, "Live in Budapest", el del genio Frank Zappa, "You Can't do That on Stage Anymore, Vol. III", y el segundo intento de los clásicos SAXON, "Rock 'n' Roll Gypsies", no tan acertado como su mítico "The Eagle has Landed".


Y hasta aquí este extenso e intenso repaso por la década de los '80. Una década donde se vivió una explosión de creatividad y espectacularidad, un torrente de magia musical incomparable y una renovación de la etapa anterior que muchos vivieron con mayor o menor acierto. Una década de modas, muchas de ellas aún vigentes hoy día y otras recuperadas tras largos períodos de espera. Los años '90 no empezarían mal para muchos. El "hard rock" era lo que predominaba, la "fiesta" aún seguía para muchos, como demostraron Firehouse, Pretty Boy Floyd, Wild Boyz, Tigertailz, L.A. Guns, Dirty White Boy, Poison, Wildside, RATT y mayormente WARRANT, que arrasaron en 1.990 con el "hit""Cherrie Pie". Pero algo empezaba a cambiar; los '90 se adivinaban mucho más crudos que los '80. La era Reagan había concluido en 1.984 y la de Goerge H. Walker Bush estaba próxima a acabarse. Esa nueva fase que venía se atisbaba más cruda; el muro de Berlín cayó, se reunificaron y se desintegraron varios países de la Unión Europea, comenzaba la post-Guerra Fría, la Dama de Hierro dimitió de su puesto de Primera Ministra (al fin) etc.

Y socialmente hablando el multiculturalismo y los medios de raíces alternativas se extendían haciendo furor entre los jóvenes, algo que hizo que la MTV cambiara de miras y se centrara en las nuevas corrientes musicales que surgían; todo lo anterior quedaba desfasado u "hortera", como se le llamaría coloquialmente. Los jóvenes veían el mundo de un modo más realista, más crudo, más violento (la Guerra del Golfo o el Genocidio de Ruanda hicieron mucho) y el primero en darle esa "patada al culo de un Mundo adormilado", como dijeron en las revistas de la época, fue el sr. Kurt Cobain, como ya hemos nombrado antes, que, con su "Nevermind" creó el "grunge rock" ("rock" sucio de toda la vida, con sonidos más distorsionados, llenos de melodía y con letras muy pesimistas y deprimentes), se convirtió en el ídolo de miles de jóvenes que siguieron su ejemplo y de jovencitas que se morían por sus huesos, y acabó con todas las demás bandas que podrían haber tenido éxito en los '80 pero que salieron demasiado tarde.

Otros también acabaron con sus anteriores etapas, como Pantera, que se convirtió en máximos exponentes del llamado "groove metal", Metallica dio un giro a su carrera con el amado y (más) odiado "Black Album". Aquellas bandas de "glam" y "heavy" americano intentaron adaptarse a las modas alternativas y nadie les prestó atención; para casi todos ya eran unos dinosaurios. Sin embargo el regusto de los '70 volvió con KYUSS (que heredaron el sonido de Black Sabbath), Pearl Jam (de Led Zeppelin) o The Black Crowes (de Humble Pie y The Rolling Stones). Sí, los '80 acabaron para no volver nunca más, y es que las modas de entonces no son las de ahora; aunque en nuestra memoria quedarán para siempre aquellos viejos LP's de aquellos grupos que con sus canciones bien tocaron la fibra sensible a toda una generación, o bien les hicieron bailar, o bien les hicieron coger un instrumento e imitarles, o bien les hicieron recordar a esa chica que tanto querían o bien les hicieron prepararse para una noche de fiesta sin fin. Esa fiesta nunca se irá de nuestra memoria, y ha sido excitante recordar tantísimos nombres de bandas y discos.

Pues...larga vida a aquellos que consiguieron dar tanto desde 1.980 hasta 1.989, porque su llama siempre seguirá despidiendo un calor infinito y jamás se apagará. De hecho hay varios nombres a los que hay que dar gracias a Dios de que hayan existido en esos años, como los de los/las inmortales Ozzy Osbourne, Robert Halford, Phil Lynott, Lita Ford, Ronnie J. Dio, "Dimebag" Darrell Abbott, Angus Young, David Gilmour, Glenn Hughes, Alice Cooper, Yngwie Malmsteen, Kelly Johnson, David Coverdale, Eddie Van Halen, David L. Roth, Gary Moore, Doro Pesch, Ian Anderson, Steve Harris, Scott Ian, Rick Allen, Ann Wilson, Michael Monroe, Joe Satriani, Paul Stanley, Dave Mustaine, Lemmy Kilmister, Michael Schenker, Freddie Mercury, Akira Takasaki, Sebastian Bach...y muchos, muchísimos más. Sería imposible nombrarlos a todos, pero sí se podría decir que sin ellos nada habría sido lo mismo.

Aquí he llegado a reseñar según mi propio criterio los 100 Mejores Discos (aunque parezca mentira) de los '80, pero nunca estaría de más darle un repaso a los 100 Mejores de los '90 o de los '70...aunque eso ya se hará en otro momento.


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Rock Progresivo Español.Rompiendo la oscuridad: UNIÓN PACIFIC (colaboración de Félix Jota)

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Grupo madrileño formado en 1970 por Fernando Sánchez, que empezaron versionando a Led Zeppelin o Deep Purple. Eran de Vallecas y ensayaban en un pésimo local cerca del Puente. En 1975 marchan al servicio militar varios de sus componentes, por lo que la formación se restructura, yendo su música por caminos más sinfónicos y progresivos. Así queda constancia en una maqueta de cinco temas, todos ellos de Pepe Marchante, que muchos años después sube a la red para deleite y disfrute de todos a los que nos gusta este mundo, claro. Tres de los cortes son improvisaciones, uno de más de veintidós minutos. Los otros dos temas son “Pesadillas”, de casi doce minutos, y “Porque has dejado el mundo atrás”, incluido en el ilocalizable recopilatorio “Ni lo uno ni lo otro…sino todo lo contrario”, editado por el sello Beverly en 1977. Junto a ellos los grupos Indiana y Vade Retro. Al parecer las copias fueron destruidas y solo quedaron unos pocos ejemplares, por lo que hoy día es misión imposible encontrar un original. Y si aparece habría que rascarse bien el bolsillo. Eso si, los audios se encuentran en la red fácilmente.

  En 1978 Mariscal Romero los ficha para Chapa, subsello que dirige dentro de Zafiro. Su estilo se vuelve más rockero y son encasillados dentro del Rock Urbano, junto a grupos como Asfalto y Leño. Editan un primer single con los temas “A tu marcha”, con buenos momentos de teclado, y la casi instrumental “Escapa”, que también son incluidos en el segundo volumen del recopilatorio “Viva el Rollo”, subtitulado como “Rock del Manzanares”. Posteriormente aparecen en varios de los compilados que editó Chapa. Un año más tarde se lanza un segundo single, “Detrás de ti”, más rock, y “Volver a sentir”, para mi la mejor canción de su corta discografía. Lástima que no lograran grabar un LP, debido a los constantes cambios en su formación. 

Hicieron varios conciertos por todo el país acompañando a Mariscal Romero y después de la entrada de Fortu y Paco Laguna en el grupo, estos empiezan a armar otra de las bandas punteras de los ochenta, “Obús”. Ahí acaba la historia. Varios de sus componentes siguen ligados a la música en grupos heavy, Tony Acebes en Bella Bestia y Fernando Sánchez en Venganza son algunos ejemplos. Por su parte, Pepe Marchante, al que personalmente quiero agradecer su colaboración para que escribiera estas líneas, sigue su carrera como músico de sesión con diferentes artistas, entre ellos Moris o John Paul Jones. Luego monta su propio grupo a finales de los noventa, “956”, con el que edita su único trabajo discográfico, el Cd “What I need” en 2001. Un buen disco de rock.

FORMACIÓN: 
FERNANDO SÁNCHEZ: Batería (1970-1980)
ALBERTO MARTÍNEZ: Bajo (1970-1978)
GONZALO SÁNCHEZ: Guitarras (1970-1975)
GERMÁN SÁNCHEZ: Teclados (1970-1976)
ALBERTO MORENO: Guitarras (1970-1975)
ISIDRO RODRÍGUEZ: Guitarras (1975-1976)
JUAN LÓPEZ CLEMENTE: Guitarras, Voz y Flauta (1975-1979)
PEPE MARCHANTE: Guitarras (1975-1977)
FORTU SÁNCHEZ: Voz (1978-1979)
PACO LAGUNA: Guitarras (1978-1979)
QUIQUE: Bajo (1978-1979)
TONY ACEBES: Guitarras (1978-1979)

DISCOGRAFÍA:
-A tu marcha/Escapa 
(Chapa Discos 1978) Referencia H-33.003 SINGLE


-Detrás de ti/Volver a sentir 
(Chapa Discos 1979) Referencia H-33.019 SINGLE


PARTICIPACIÓN EN RECOPILATORIOS:
-Ni lo uno ni lo otro…sino todo lo contrario 
(Beverly 1977) Referencia L-30.017-B  LP 
TEMA: Porque has dejado el mundo atrás 

-Viva el Rollo Vol.2 Rock del Manzanares 
(Chapa Discos 1978) Referencia HS-35.004 LP
TEMAS: A tu marcha y Escapa

-Rockopilación (Chapa Discos 1979) 
Referencia HS-35.016  LP  
TEMA: A tu marcha

-Titis, el Sonido Chapa (Chapa Discos 1979)
 Referencia HP-001  LP  
TEMA: A tu marcha

-Dos Años del Sonido Chapa (Chapa Discos 1980)
 Referencia HS-35.030/31 2 LP’s  
TEMA: A tu marcha

Aquí tenemos la maqueta que grabaron




Temas
1.- Improvisación 1
2.- Improvisación 2
3.- Improvisación 3
4.- Porque has dejado el mundo atrás
5.- Pesadillas
Single 1
6.- A tu marcha
7.- Escapa
Single 2
8.- Detrás de ti
9.- Volver a sentir



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RORY GALLAGHER - Live From Holland 1.979

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Rory Gallagher es uno de los guitarristas mejor considerando dentro de la jungla del rock. En mi larga trayectoria no he encontrado a nadie que hable mal de Rory. Era una persona entrañable que inspiraba confianza. Lamentable su prematura muerte.


En 1.979 Rory Gallagher tenía una solida reputación avalada por sus diez discos en solitario. Ese año había publicado "Top Priority" ( Sep. 1.979) y se embarco en una gira por todo el mundo llevando como compañeros de viaje a Gerry McAvoy (bajo) y Ted Mckenna (batería).


La grabación nos presenta a Rory Gallagher en Stadsschouwburg, Sittard, Holanda, el 18 de Octubre de 1.979. La banda estaba realizando la presentación de su disco "Tpo Priority" y dentro de una extensa gira actuó en cinco ciudades holandesas.  El setlist está compuesto por temas del "Top Priority" y clásicos de toda su carrera musical, "Tattoo'd Lady", "Bullfrog Blues", etc. También podemos escuchar temas acústicos como "Out On The Western Plain", " As The Crow Flies"o " Going To My Hometown". Esta grabación constituye una alternativa muy valida al "Stage Struck".





Temas
Disco.1
01: Wayward Child 00:00
02: Tattoo'd Lady 05:50
03: I Wonder Who 12:12
04: Follow Me 19:15
05: Bought And Sold 26:10
06: Member Introduction 
07: Keychain 31:42 
08: Secret Agent 38:10
09: Bad Penny 43:30

Disco.2
01:  59:10 
04: Moonchild 01:05:10
05: Shadow Play 01:12:50
06: Bullfrog Blues 01:25:16
07: Sea Cruise 01:33:05
Bonus
08: Too Much Alcohol / Chrismas with from Rory (Dutch radio) 01:37:05


Formación
Rory Gallagher: guitarra, voz
Gerry McAvoy: bajo
Ted Mckenna: batería

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