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Ensayos sobre un sonido (EM):SYNERGY - Sequencer 1.976 (colaboración J.J. Iglesias)

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Hoy presentamos a todo un  pionero de la primigenia electrónica  sintetizada. Un verdadero topo de laboratorio y experto analista en sintetización  modular. Un mago norteamericano de la síntesis  llamado  Lawrence Roger "Larry" Fast. Uno de mis sintetistas favoritos. 

Su carrera y cv son impresionantes. Rumores apuntan a que le echó  una mano a su amigo Rick Wakeman en "Tales from Topographic Oceans" de Yes. Y los sonidos extraídos  con su proyecto instrumental, Synergy,  se han utilizado para juegos de primera generación  para el Commodore 64 y Amiga. A mediados de los 70 se unió  a Nektar, con los que giró  y grabó  "Recycled". Tal vez por eso da las gracias en este disco a su batería Ron Howden, por sus consejos con la percusión,  por supuesto electrónica. Su lista de colaboraciones resulta imbatible: Del 76 al 86 con Peter Gabriel, girando y grabando obras ya para la historia. Su modus operandi,  en conjunción  con Robert Fripp, fue extraordinario. A Kate Bush le ayudó  con su Prophet en "Never for Ever". Produjo a los prog canadienses FM. Lo escucharas en el histórico  "4" de Foreigner. Y con la Tony  Levin  Band, Annie Haslam (Renaissance), Hall and Oates,  Meat  Loaf,  David Bryan ( teclista de Bon Jovi) en la banda sonora de "Netherworld". Además  de poner música  al célebre  documental de Carl Sagan, "Cosmos". Su discografía  como Synergy  abarca una decena de excelentes trabajos,, desde el 75 hasta primeros 90. Sin contar el álbum con la Intergalactic Touring Band. Hecho a su medida y que reúne  a  la mayor cantidad de rock stars de la historia. De éste  tendremos que hablar en un futuro.


"Sequencer " fue su segundo trabajo. Un buen ejemplo de su estilo, que suele ser un balance entre cosmic rock y sinfonismo electrónico , que a veces puede recordar al mejor Rick Wakeman. Aquí  sólo caben cachivaches electrónicos. Con ironía,  siempre apunta en todos sus discos que " no contienen la hoja con las letras " y "no guitars".

"S Scope" (5'50) inicia este muestrario de puro sonido analógico  con todo su apabullante potencial. Moogs  modulares de todo tipo, Oberheims, Eventide y aparatos customizados como los Musitronics campan felices por los surcos de este álbum. En "Chateau" (4'16) la sombra de Walter (luego Wendy) Carlos es evidente, recordando sus célebres  "Switched on Bach". En "Cybersports" (4'39) estaría  más  emparentado con el Vangelis de "Spiral".

Y en "Classical Gas" (3"'00) sería  el Wakeman más  típico  70s. En realidad es al músico  que más  se acerca. Aunque Larry Fast gusta de que absolutamente todo sea síntesis  electrónica. La cara B abre con "Paradox" (7'00) dividida en dos partes: a) "Largo,New World Symphony" y b) "Icarus". Aquí  es posible encontrar cierta referencia alemana, al modo de Edgar Froese o Peter Baumann en solitario.

Finalizando con (Sequence) 14 (11'14). Seguimos por parámetros  más  experimentales. Dejando claras sus dos facetas, la sinfónico -electrónica  y  la experimental, en cada una de las caras del vinilo. Es éste último  tema extraordinario en ambientes sci fi  Y digno candidato para una peli del género.

 Actualmente Larry Fast ha anunciado estar trabajando en el primer material nuevo para Synergy en 20 años. Aunque,fiel a su filosofía  de ir a la última  en tecnología, será  usado sólo material software para su creación. Ya no posee aquellas maravillosas máquinas retrofuturistas que inspiraba sólo  con verlas. Una lástima. Siempre he sido de la opinión  de que si tienes el Museo de Louvre en tu casa, porqué  contentarse sólo con el catálogo? .......




Temas
1- S-scape - 0:00

2- Chateau - 5:47

3- Cybersports - 10:05

4- Classical Gas - 14:43

5- Paradox (a)- Largo New World Symphony - 17:45

6- Paradox (b)- Icarus - 21:32

7- Sequence 14 - 24:48

8- Sequencer 14 (1975 demo) - 36:06




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STILLWATER - Stillwater 1.977

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Stillwater merece estar por derecho propio en el Olimpo de los dioses del rock sureño. Lamentablemente no obtuvo el reconocimiento que merecía. Solo su single "Mind Bender" alcanzó cierta repercusión.


Procedentes de  Milledgeville, Georgia, iniciaron su carrera en 1.972. Fichan por la discográfica del rock sureño, Capricorn y en el 77 editan su primer disco, "Stillwater".  El director Cameron Crowe se inspira en ellos para rodar "Almost famous". En el 78 llegaría el segundo, "I reserve the right". La discográfica pierde el interés por el grupo y pasa 20 años hasta la edición de su tercer LP. "Runnin' Free".


Stillwater nos presenta un rock sureños elegante y de altísima calidad. Su formación la típica de este tipo de grupos. Tres guitarristas (Mike Causey, Bobby Golden y Rod Walker) que nos deleitan con solos encadenados y con muy buenos riffs. Buenas voces a cargo de Jimmy Hall, Sebie Lacey y Rob Walker.  Y una sección rítmica, Allison Scarborough y Sebie Lacey, a prueba de bombas. Sin olvidarnos del teclista Bob Spearman. Temas destacados "Sma's Jam", puro rock sureño, y por supuesto "Mind Bender que recuerda   al "Rocky Mountain Way" de Joe Walsh.





Temas
Rock - N - Roll Loser 00:00 
Out On A Limb 04:13 
Sunshine Blues  08:12
Sam's Jam 11:49 
Mind Bender 21:27 
Universal Fool 25:40 
April Love 32:38 
Fantasy Park 36:47


Formación
Mike Causey: guitarra
Bobby Golden: guitarra
Rod Wlaker: guitarra, voz
Jimmy Hall: voz, percusión
Allison Scarbourough: bajo, voz
Sebie Lacey: batería, voz
Bob Spearman: teclados

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RUBICON - American Dreams 1.979 (colaboración J.J. Iglesias)

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Banda californiana de finales 70 dedicada al hard funk rock de tono negroide y machote, pero hecho por siete valientes blanquitos. Fueron lo que se llama en el argot una "one hit wonder ". Pues su canción  "I'm gonna  take care of Everything " estuvo 11 semanas en el Billboard Top 100 durante 1978. Precisamente el año de su debut, "Rubicon".


Formados por el saxofonista Jerry Martini, ex-Sly and the Family Stone, su reto fue conservar el groove  de su anterior formación,  pero imprimiéndole fuertes dosis de hard rock blanco. Junto a él  estaba Dennis Marcellino al otro saxo y Máx Haskett en la trompeta. Mientras que la "sección  rock" la conformaban Greg Eckler batería,  Jimmy Pugh teclados, y los luego famosos Jack Blades al bajo y Bradley Gillis en las guitarras. Poco después  a "America Dreams" formarían  los titanes del hard AOR Pomp 80s, Night Ranger . Hay que destacar que los siete músicos  cantaban. Y el solista, imagino que Martini, lo hace con verdadera calidad. Los teclados y Hammond están  muy presentes, elevando el nivel de energía con la guitarra solista, ya totalmente extraordinaria, de Gillis. Mientras que nunca he oído  tocar el bajo con tal nivel de técnica  a Blades. Probablemente porque en posteriores discos AOR la manera de producir no deja entrever tanto su virtuosismo. 

Incluyen la mil veces versioneada  "Gimmie Some  Loving" de Spencer  Davis Group en una correcta y funky revisión.  Pero es en sus temas propios donde esta banda echa humo. Como demuestran en sus dos aportaciones para el doble lp en vivo "California Jam 2" (1978) perteneciente al mismo macro festival. Junto a Dave Masón, Santana, Heart, Ted Nugent, Aerosmith, Frank Marino and Mahogany Rush y Jean Michel Jarre (??!!). El bueno de Jack Blades ni intuía  que 10 años después  estaría  compartiendo banda con Nugent en los Damn Yankees. Pero al margen de nombres que se harían  famosos en la siguiente década,  Rubicon fue un gran combo de su momento, aunque éste  fuera efímero. Glenn Hughes hubiera sido feliz en el entorno de esta formación,  Pues reunían todo lo que él  adora: funk sudoroso y el músculo  del hard rock. La brass sección contribuye a que los cilindros de Rubicon escupan fuego. Y sus cuatro integrantes rock remataban la faena con gusto y ganas. Podríamos  decir que les metieron esteroides a los ya grandes War, Rare Earth, Hall and Oates, Earth, Wind and Fire,  Chicago, Parliament/Funkadelic o Commodores.

Shaft se nos vuelve blanco. (También  Nick  Fury se nos ha vuelto negro!!!). Así  que en paz.





Temas

A1 Love Is On The Run 
A2 Hungry For Your Love 
A3 Dr. Spears 
A4 Washington "73" 
A5 Let Yourself Go 
B1 Eyes Of Mary 4:48
B2 Gimme Some Loving 
B3 Higher And Higher 
B4 Too Good To Take For Granted 
B5 America Dreams 

Formación
Bass, Vocals – Jack Blades: bajo, voz
Drums – Greg Eckler: batería
Guitar, Vocals – Bradley Gillis: guitarra, voz
Jimmy Pugh: teclados, voz
Dennis Marcellino, Jerry Martini: saxo, voz
 Max Haskett: trompeta, voz

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Rockliquias en los 80: 1.987 Part. 2 (colaboración Christian Jiménez)

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Cinco más:


        -El 3 de Agosto sucedió un punto de inflexión en el mundo del "rock" (y van...). Habían pasado cuatro años desde que los ingleses Def Leppard arrasaban en las listas con "Pyromania", que aún seguía vendiéndose muy bien.

Habían tenido que superar la tragedia que le ocurrió al batería Rick Allen, la pérdida de un brazo en un accidente de tráfico. Cualquier banda habría sustituido a Allen, pero si algo tenían los chicos era lealtad. Así, superada la crisis y de nuevo bajo la batuta de "Mutt" Lange empiezan a crear algo realmente grande, porque sabían que su momento había llegado y que si pudieron poner el Mundo a sus pies podían hacerlo otra vez.

Y así fue: primera posición en las listas inglesas, estadounidenses, canadienses, australianas, y segunda en otros países de Europa. Doce veces Platino en EE.UU., diez en Canadá, cuatro en Australia y dos en Gran Bretaña; todo Platinos. Siete "singles" que fueron "hits" desde el primer momento: "Animal" 6.º en Inglaterra, "Pour some Sugar on Me" 2.º en el Billboard Hot 100 y 18.º en Inglaterra, "Hysteria" y "Armageddon It" 10.º y 3.º, respectivamente, en el Billboard también y "Love Bites", que por supuesto reventó las listas, siendo 1.º en EE.UU., 2.º en Nueva Zelanda, 6.º en Canadá y 11.º en Inglaterra. ¿Acaso se podía pedir más? Pues todo eso ganó "Hysteria", un triunfo discográfico a todos los niveles. Más de 60 minutos (algo inusual en la época, pero Lange lo hizo pensando en la venta del disco en formato CD) de grandeza musical expuestos en un álbum que demostró que Def Leppard aún seguían vivos y con unas ganas locas de zamparse el Mundo como hicieran cuatro años antes.

Pero antes de que se metiera Lange de nuevo en el proyecto, que previamente iban a llamar "Animal Instict", estaba James Steinman, productor del clásico de 1.977 "Bat Out of Hell", el cual mantuvo unas acaloradas diferencias con Leppard por querer enfocar la producción hacia unos lados musicales equivocados. Además, como admitió Phil Collen, Steinman no aportó ninguna idea, nada de nada, así que poco después estuvo fuera. Entonces la banda decidió aplicar lo aprendido con Lange y autoproducirse. Grabaron con multitud de ingenieros y otros tipos pero nada, no se conseguía un resultado óptimo, y el sentimiento se estaba perdiendo, al igual que el presupuesto del que disponían los chicos. Y es que intentar imitar a un productor con la inventiva de "Mutt" Lange era, cuanto menos, imposible.

Más tarde siguieron las sesiones del disco, volviendo Lange a la producción y comenzando desde cero, pero teniendo que parar todo al poco tiempo por el accidente de coche que todos nos conocemos: el 31 de Diciembre (una buena fecha, sí señor) de 1.984 fue cuando Allen perdió su brazo izquierdo tras chocar su Corvette contra una pared, tras adelantar a otro auto antes de una curva...sin ver la curva, claro. Allen salió despedido por el techo y su preciado Chevrolet dio varias vueltas de campana; su novia Miriam que iba dentro prácticamente no tuvo ningún daño grave, pero a Rick el impacto del asiento le desgarró el brazo por completo. Aun así eso no impidió que el buen hombre siguiera dándole a las baquetas, porque consiguió diseñarse una batería electrónica especial para tocar igual de bien e incluso mejor. La rendición no iba con él y así llegó a ser el primer batería manco de la Historia del "hard rock".
Rick Allen practicó día y noche con su nuevo kit y ayudó a dar otro nivel al futuro disco. Pero la suerte no estaba del lado del quinteto si a todo esto añadimos la afección de paperas del cantante en 1.986 y la cuantiosa cantidad de billetes que se gastaron en la sufrida producción...muy negra estaba la cosa para Def Leppard. Todo se retomó oficialmente en Enero de 1.987, casi dos años y once meses más tarde, aunque nunca habían dejado de componer y grabar, de ahí que había bastantes canciones. Todas ellas realizadas con una excelsa calidad de producción, volviendo a demostrar la valía de Lange en los controles y exprimiendo a los integrantes para sacar lo mejor de ellos. Se podría decir que éste fue el álbum donde mejor liberó sus capacidades si no fuera por el multimillonario "Back In Black". El concepto de Lange era crear un "Thriller" versión "hard rock" y que todos los temas fuesen "singles".


"Hysteria" dejaba atrás el lado más "hard" de Leppard y se metía en el uso de las nuevas tecnologías, fusionando "pop" y "rock" con electrónica, y convirtiendo, para gusto del productor, cada tema en un potencial "hit" para asaltar las listas con facilidad. Además cada uno de esos temas se extendía en el desarrollo para que la banda pudiera explayarse lo máximo posible, pero no se hacían pesados:

        -Así vemos épicas concesiones al "pop rock" en "Armageddon It", "Rocket" (homenaje a los héroes de Leppard: T-Rex, The Rolling Stones, David Bowie...), "Women" o la fastuosa "Gods of War", de más de seis minutos. Algunas mantienen algo de esa vena "rockera" que tenía "Pyromania", como las enérgicas "Run Riot" o "Excitable", "Animal", "Don't Shoot Shotgun!" o la brutal cara "B" del "single""Women", "Tear It Down", más emparentada con el susodicho "Pyromania", aunque todos ellos pasados por la turbina del "pop" y la sofisticación de la mano de Lange.

        -Las más tranquilas, auténticas "power ballads" capaces de definir a la perfección los '80, eran "Hysteria" y una original de "Mutt" Lange, "Love Bites", que fueron dos de las mejores canciones jamás grabadas por el grupo. Cada uno de los integrantes, para recalcar, deslumbraba por sí solo; Elliot cantaba con más sentimiento que nunca, Clark facturaba adictivos "riffs" y exquisitos solos de una precisión apabullante, y la base rítmica de Savage/Allen era perfecta, con este último demostrando toda la capacidad y fuerza interior que poseía.



"Hysteria" fue llamado "pop metal" por todos, alabado por algunos por la nueva dirección que tomaron los de Sheffield, detestado por otros por lanzarse demasiado a lo comercial dejando a un lado lo realizado anteriormente. Pero se convirtió en uno de los más elegantes discos de los '80; grandilocuente, fastuoso y arriesgado en cierto modo. Def Leppard ya no volverían a hacer nada que superara ni que igualara la calidad de este LP. Robert Lange también puede estar bien orgulloso.

En el Monsters of Rock de Donington, en 1.986, todo el público se fijaba muy cuidadosamente en Allen y se preguntaban si es que ahí había una batería oculta o qué narices pasaba. En un momento dado Joe Elliott se acercó al kit de bombos y platillos de dos pisos y le dijo a la audiencia que le gustaría presentar a su querido amigo y compañero Rick Allen. Toda la gente se volvió completamente loca, alzando las manos y dedicándole una de las más tremendas y emotivas ovaciones que se hayan presenciado en un concierto de "rock". Elliott, que le estrechó la mano a Allen, y éste, lloraron como nunca, siendo ese uno de los mejores momentos jamás vividos en un escenario por Def Leppard en toda su carrera.

(Mejor canción: "Rocket").


        -¿Acaso se puede decir algo malo de esta veterana banda de "rock" que ya cuenta con 20 álbumes de estudio, contando directos, y que es influencia seminal reconocida por muchísimos otros artistas del mundillo?

Aerosmith siempre fue una banda de altura, una de las que consiguieron crear un movimientos en EE.UU. con su "hard rock" comercial pero de una fuerte personalidad; muchos les veían como la combinación perfecta entre The Rolling Stones y Led Zeppelin, y desde 1.973 sus discos se convertían en auténticos éxitos de ventas. Sólo con su debut consiguieron Doble Platino y ser una de las novedades americanas con más futuro del "rock" a mitad de los '70.

 El quinteto Tyler/Whitford/Perry/Hamilton/Kramer se destapó como todo un combo de energía imparable, que en 1.975 quedó bien corroborado con la joya intemporal "Toys in the Attic" (Óctuple Platino, cosa que, tratándose de 1.975, no estaba nada nada mal), clásico de clásicos al que siguió "Rocks" ('76), el que más alto llegó a las listas, y que supuso una de las piedras angulares de la discografía del grupo y del futuro movimiento "hard rockero" que explotaría en los '80...Aerosmith se anticiparon nueve años antes con un LP soberbio.

Los excesos y los problemas internos en la formación trastocaron la excelente carrera de una banda que se quedó en su peor momento. Una confrontación con Joe Perry sumado a la adicción a la heroína de Tyler provocó que los '70 no terminaran nada bien, entrando James Crespo en sustitución de Perry. En 1.982 ya se había ido también Brad Whitford y le reemplazó Richard Dufay. El resultado quedó impreso en "Rock in a Hard Place", del que se dice es el peor disco de Aerosmith. El despeque se intentó iniciar en 1.985 con "Done with Mirrors" cuando regresaron los dos guitarristas de siempre, se cambió de Columbia a Geffen Records y les respaldó el productor de Van Halen, Ted Templeman. Fue bien criticado pero no muy bien recibido; de hecho, quedó por debajo de "Rock in...", llegando al 36 en el Billboard. Esto para una banda del calibre de Aerosmith fue un desastre.

Tras los directos "Classics Live" se decide tomar un camino crucial. Todos deberían rehabilitarse de sus excesos y volver limpios. Todos deberían regresar como nunca y despuntar como la inalcanzable banda de "rock" que fueron antaño. El mismo manager afirmó que podrían ser el mejor grupo del Mundo si se desintoxicaban y volvían con las ideas claras. Y así fue.



Retornaron al estudio con un nuevo productor, el también veterano Bruce Fairbairn, curtido tras sus colaboraciones con Bon Jovi, KROKUS, Fast Forward y Black 'n' Blue entre otros. Y aunque se pretendía hacer un "comeback" con "Done with Mirrors"éste fue el verdadero, realizado el 31 de Agosto "Permanent Vacation" resultó ser el disco con el que Aerosmith sorprendió, con el que volvieron más fuertes que nunca, rediseñando todo el estilo y la manera de pensar para una generación de músicos que vivía, sin duda, su segunda juventud.

Este trabajo fue todo un éxito. De estar en puestos ridículos se subió al 11 en el Billboard de EE.UU., donde el LP fue Oro; pocos meses después ya llegaba a Doble Platino. En Canadá se alzó con la 7.ª posición siendo Oro, aunque en Inglaterra y Australia llegó a bajos puestos (37 y 42 respectivamente). Pero eso fue todo un triunfo para los de Boston, que se veían cada vez más hundidos personal y profesionalmente y engullidos por las nuevas generaciones. "Permanent Vacation" fue el disco que les hizo volver a su sitio, una colección de temas fantásticos siguiendo su estilo más puramente "rockero" y combinándolo con el "heavy metal" americano de mitad de los '80 que tanto estaba de moda, dotando al sonido de una energía y potencia sin igual.

Todo en "Permanent..." está hecho para disfrutar. Sus más de 50 minutos garantizan un buen momento donde se han de tener los oídos bien abiertos y pasarlo en grande con las doce canciones que nos brindan Tyler & co.. Grandes muestrarios de ritmo, diversión y fuerza, como ese trallazo inicial llamado "Heart's Done Time", quizá la canción que define lo que nos vamos a encontrar: Tyler cantando como ferozmente, la batería de Kramer resonando demoledora y las guitarras de Perry y Whitford facturando enormes y adictivos "riffs".


Pero ahí están también la "stoniana""Dude Looks like a Lady" (4.ª en el Mainstream Rock Tracks y 14.ª en el Hot 100), la muy bailable "Rag Doll" (12.ª en el Mainstream Rock Tracks y 17.ª en el Hot 100), la intensa balada "Angel" ("hit" de altura que se coronó como la 1.ª en el Mainstream y la 3.ª en el Billboard Hot 100) y otros clásicos intemporales como "Girl keeps Coming Apart", "Permanent Vacation", "Magic Touch" y la acertada y muy "boogie" versión del "I'm Down!" de The Beatles. Un auténtico despliegue musical con invitados como Henry Christian, Drew Arnott, Ian Putz, Mike Fraser o James Vallance tocando cellos, órganos, melotrones, saxofones y trompetas, y una producción de lo más consistente y "heavy" asegura, como ya se ha dicho, una auténtica diversión en 51:38 minutos que se pasan de lo más amenamente y que hacen que quieras volver a querer escuchar el álbum.

La gran respuesta por parte de la crítica y sobre todo de los fans le hizo recuperar la credibilidad que los chicos necesitaban, la que nunca deberían haber perdido. Se emitían vídeos suyos por primera vez en la MTV a cada momento, así que estaba claro que ni el paso del tiempo ni las nuevas modas ni las nuevas bandas de "rock" podían todavía con Aerosmith, que de algún modo u otro habían sido una influencia para todas ellas.

Todo fue viento en popa y, tras varias giras, y una un tanto intensa junto a Guns 'n' Roses, en 1.989 la estela de la banda no podía brillar con más fuerza gracias a "Pump", que tuvo aún más éxito que el anterior, siendo 5.º en el Billboard y 3.º en Inglaterra. Con varios Multiplatinos, vídeos que no dejaban de rotar en la MTV y una masa de fans completamente rendida a sus pies, Aerosmith sobrepasaron el bache de principios de los '80 con muy buena nota. De esas bandas de los '70 que supieron estar a la altura en la etapa posterior con la cabeza muy alta, aunque ocurriera sólo dos años antes de que la década terminase...pero más vale tarde que nunca.

(Mejor canción: "Permanent Vacation").


        -Exactamente pasaron tres años y cuatro días desde que el infame "Under Wraps" saliera al mercado. Un disco que no sólo cambió la carrera del grupo Jethro Tull, sino también la que alteró la voz del vocalista y, además, la vida de los seguidores del legendario trovador escocés.

La confianza que depósito Ian Anderson sobre las nuevas tecnologías del momento y sobre su teclista, aquel chico de pelo rizado llamado Peter-John Vetesse, fue el problema. Porque, por suerte, fue el propio Anderson quien se encargó de las teclas en "The Broadsword and The Beast" ('82) y la jugada no le salió nada mal, pero todos esos matices de "rock" electrónico y de toques "poperos" que edulcoraron a ese disco estuvieron más que logrados, no destrozaron el sonido como con el siguiente. La flauta de Ian se redujo y sólo se escuchaba el jugueteo de las máquinas y las baterías programadas. La gira fue un desastre y la garganta del vocalista quedó hecha polvo por los tonos que tenía que alcanzar y porque tenía disimular lo pésimo de su equipo.

Los fans más acérrimos les dieron de lado. Los '80 sólo habían perjudicado la imperturbable silueta de Tull. El flautista decidió tomarse un descanso y dedicarse a su cría de salmones, aparte de mandar a paseo a Vetesse. Tres años sin dar señales de vida, donde la música "rock" dio varios giros y el negocio empezaba a cambiar bastante, hicieron que Anderson se replantearse una vuelta. Una vuelta por todo lo alto. La que se merecía Jethro Tull. Y así fue.

Se quedaron como miembros oficiales Martin Barre y Dave Pegg, aunque participó el batería Doane Perry y se contó con el regreso de Gerry Conway. Flauta, guitarras, teclados, percusión y los programas de baterías corrieron a cargo de Anderson mientras Barre contribuyó mucho a la composición; según él mismo fue uno de los trabajos donde más colaboró. En este disco el rango de voz de Anderson no podía llegar tan alto como antaño, así que se decide bajar el tono de los temas; se inmiscuye más la guitarra eléctrica y se profundiza en darle un toque épico y espectacular a la producción. Las letras hablan de la guerra, de la hombría, de la sexualidad, de una mujer que Anderson vio en el "backstage" una vez ("Budapest"). Se pretende hacer un LP 100% Tull pero adaptándolo a la época.



El 11 de Septiembre (tres años y cuatro días desde que el infame "Under Wraps" saliera al mercado) se publicó "Crest of a Knave", con resultados satisfactorios, increiblemente satisfactorios. De estar el anterior en el 76 en el Billboard y no ganar nada a estar éste en el 32 y ser Oro en Canadá, Gran Bretaña y EE.UU. hubo un paso grande para el grupo. Y, para sorpresa de todos (aún sigue siéndola) en 1.988, y para disgusto de unos orgullosos Metallica por lo que hicieron en "...And Justice for All", el álbum de Tull se llevó el Grammy en la categoría de "Mejor Trabajo de "Hard Rock/Heavy Metal"". Nadie se esperó algo así; hasta en los periódicos se escribían mordaces e incisivos comentarios del acontecimiento, como si no hubiera más cosas de las que preocuparse. Una controversia que el líder del grupo aclaró diciendo "bueno, nosotros siempre hemos tocado nuestras mandolinas estrepitosamente"... cosas de Anderson. Por si esto fuera poco, los intachables críticos musicales dejaron por los suelos al trobador acusándole de plagiar el estilo de Dire Straits y, sobre todo, de la música de Mark Knopfler.

Ciertamente hay cosas que recuerdan a Straits, pero se debían de bajar los tonos para que la voz de Anderson se adaptara sin dañarse (...pero explíquele usted esto a los redactores sin que esbozen una sonrisa torcida y un incrédulo ceño fruncido). Yo me acojo a las palabras del propio Ian Anderson: "si este fuera un álbum de Dire Straits...entonces sería sin duda el mejor de toda su carrera". Razones no le faltaban. Temas soberbios, cargados de sentimiento, de "hard rock" por un lado y de esencia clásica, "bluesy" y "folk" por otra. "Crest of a Knave" podría ser el "Benefit" de los '80, un disco Tull sin más.



Para empezar ahí desentona la inclemente "Steel Monkey", de dudoso teclado al principio pero de gran carga "rockera", uno de los temas más "hard rock" de la banda. El videoclip del mismo tuvo gran difusión en la televisión. "Raising Steam" y "Jump Start" se mueven por el mismo camino; piezas enérgicas donde se cruzan la precisa flauta de Anderson y la afilada guitarra de Barre, creando piezas de gran fuerza. Muy clásicamente Tull son "Dogs in the Midwinter" y la joya de reminiscencias progresivas "Mountain Men", donde otra vez confluyen melodías muy "folk" y un "rock" asequible y disfrutable. "The Waking Edge" es más pausada, más delicada; la aterciopelada voz de Anderson parece deslizarse entre los ritmos de Conway, el violín de Ric Sanders y los cristalinos punteos de Barre, tal como ocurre en la balada por excelencia de Jethro Tull en los '80, "She Said She was a Dancer", la más emparentada con el estilo de Knopfler, hasta se podría decir que fue la balada que Dire Straits nunca hizo.

Ahora, hablar de "Budapest" es punto y aparte. Parece mentira que una canción que hable de una mujer dé para tanto (ningún grupo de "rock" lo ha hecho mejor). Diez minutos de sonidos dispares y variaciones imperceptibles, de punteos de guitarra acústica y eléctrica que ponen los pelos de punta, concupiscentes lametazos de flauta travesera, sugerentes toques de piano, golpes y redobles de batería dados en el momento justo, sensuales intrusiones de violín...todo eso tiene esta composición, una de las mejores del grupo en toda su carrera, aunque parezca mentira. Una que nos trae recuerdos de aquellas oscuras suites de "Minstrel in the Gallery" y de las sonatas "folk" de "Songs From the Wood". Un tema que no basta con una escucha para captar tanta calidad reunida. Ian Anderson (uno se harta de decirlo) es un genio, y no hace falta irse a 1.972 para comprobarlo.

Ahora, "Rock Island" fue diferente; no gozó del mismo éxito que su predecesor (se puso 56 en el Billboard cuando "Crest..." llegó al 32). Pero aquel 1.987 se dio un regreso más que digno para una banda mítica en la Historia del "rock" que se lo merecía. Que Metallica y Dire Straits se aguantasen un poquito, Jethro Tull estuvieron antes y siempre lo estarán (...y el que se pica ajos come, como dice el sabio refrán).

(Mejor canción: "Budapest").


        -Nacido de inmigrantes italianos instalados en New York y criado en Westbury, Joseph Satriani es sin duda uno de esos genios de la guitarra que cambió la forma de raspar las seis cuerdas con los dedos. Sus técnicas de puro virtuosismo le han colocado en la cima de los "shredders" de la época de los '80 y hoy por hoy su conocimiento debe ser obligatorio para cualquier guitarrista que se precie.

Al darse la muerte de Jimi Hendrix Satriani, que contaba 14 años por aquel entonces quedó sorprendido. Todo el mundo quedaba estupefacto por la ida de aquel dios negro de la guitarra y le alababa sin ninguna vacilación. El joven, decidido, dejó su equipo de football para convertirse en guitarrista.

El buen chico estudió comenzó estudiando música con el guitarrista de "jazz" William Bauer y con el pianista Lennie Tristano a la edad de 18 años. Éste último fue quien más le influenció por su gran técnica y exigencia en la interpretación. En aquellos días también se convirtió en profesor e instruyó a varios chicos en el manejo de las seis cuerdas. Uno de los más notables fue un nativo de Long Island llamado Steve Vai, quien asistía al mismo instituto que Satriani. Ya con 22 años se mudó a California, y allí proseguiría su enseñanza.

Entre sus alumnos se podían contar a algunos de los músicos que sobresaldrían en géneros dispares en el mundo del "rock" en años posteriores, como Alex Skolnick, Richard Hunolt, Phil Kettner, Larry LaLonde y un joven Kirk Hammett. A esto se le sumó el tocar para una banda de San Francisco llamada The Squares, y Greg Kihn le invitó a unirse a su grupo, cuando estaba, dicho sea de paso, en sus puntos más bajos. Aquella colaboración le aseguraría la recompensa por su generosidad, y se llamaría "Not of this Earth", su primer álbum realizado bajo el sello Epic Records, en 1.986.

Cuando su antiguo pupilo y amigo Steve Vai llegó a ser el guitarrista de David Lee Roth para su "Eat'em and Smile"éste alabó en varias revistas especializadas (Guitar World Magazine) a su maestro por la gran influencia que había obtenido de él, lo que hizo que su popularidad aumentase cada vez más.



Así, el 15 de Octubre, y con la colaboración de otros músicos como Jeff Campitelli, Stuart Hamm y Jonathan Mover, se edita, también con Epic, "Surfing With the Alien". Dicho álbum coge y hace despegar, como el "Surfista Plateado" (sí, el "Silver Surfer" de los cómics de Marvel) que aparece en la portada del LP, la carrera del multiinstrumentista. "Una oda al virtuosismo", así queda bautizado este disco que alcanza la 29.ª posición en el Billboard, quedándose más de un año en las listas, siendo primero Oro y luego Platino en EE.UU.; en Australia llega a la 10.ª con Oro y en Gran Bretaña consigue un Disco de Plata. En 1.989 el disco es nominado en los Grammy por la Mejor Interpretación Instrumental de "Rock". Revistas del mundillo como Rolling Stone y The Village Voice ponen por las nubes la técnica compositiva de Satriani, llegando a referirse a él como "el último dios de la guitarra".

Quizá es decir mucho, quizá no. Hay que juzgar escuchando el LP, un documento sonoro rebosante de calidad instrumental que muestra el gran abanico de habilidades que posee el guitarrista. Un gran manejo de los arpegios, de los armónicos, de las técnicas del "sweep picking" y del "tapping" a dos manos, expresado no sólo desde la mera rapidez sino desde una maestría digna de admiración. En los temas de "Surfing With the Alien" los punteos y solos son épicos, directos, donde se respira "heavy metal" en su más pura esencia, pero donde también se aprecia esos retazos de "jazz" que tanto ama Satriani. Además de todo eso el gusto del músico es exquisito, por las enormes influencias que ha ido recogiendo a lo largo de los años gracias a grandes como Eric Clapton, Jeff Beck, Jimmy Page, Ritchie Blackmore y, por encima de todos, su idolatrado Hendrix.



La primera canción que abre el disco de forma tan enérgica es, por supuesto, el tema que da nombre al disco, una canción emocionante, de adictivos solos enlazados con alta precisión; comercial y virtuosa al mismo tiempo. No hace falta que haya voz, por sí misma consigue un valor sin igual. En esa introducción"Hill of the Skull" hallamos una vena épica y emotiva que nos prepara para uno de los mejores temas; ese es "Circles", donde se consigue elevar la espectacularidad hasta límites insospechados en una pieza rápida y variada, combinándose pasajes de verdadero lirismo y calma con solos vertiginosos y tratados epilépticamente.

"Crushing Day" es otra contundente muestra de "heavy metal" instrumental con un "riff" principal inolvidable y unos solos afilados y crudos, que dejarían de piedra al mismísimo Malmsteen. "Midnight" es de admiración por la excelsa belleza que le da Satriani al uso del doble "tapping", evocando el estilo clásico de la guitarra española, seguida del gran cierre "Echo". El "single""Always with Me, Always with You" es nominado también en los Grammy en la desacertada categoría de la Mejor Interpretación Instrumental de "Pop". Los otros "Surfing With the Alien" y "Satch Boogie" alcanzan los puestos 37 y 22 en los Billboard Mainstream Rock respectivamente.

Como siempre la popularidad cumple un papel fundamental y el siguiente "Flying in a Blue Dream" ('89) se colocó más alto en el Billboard y en otras listas, llegando a ser "The Extremist" ('92) el más exitoso, pero fue sin duda "Surfing With the Alien" la joya de su discografía, con la que se destapó ante el Mundo como uno de los más grandes. Su legado sigue estando presente hoy en día y permanecerá en años futuros por mucho tiempo.

(Mejor canción: "Hill of the Skull/Circles").


        -Tuvo que ser un verdadero regalo del cielo para los habitantes de Dallas y Atlanta el presenciar a los legendarios Judas Priest esas dos noches. "Priest...Live!" recoge el testigo de una gira mastodóntica para presentar al Mundo el "Fuel for Life Tour".
Judas Priest no atravesaban buenos momentos en 1.985 y 1.986. Rob Halford llevaba una intensa consumición de drogas y alcohol (problemas con su sexualidad y otros "affairs") y tuvo que ingresar en un centro de rehabilitación donde pasó más de un mes. Recuperado se metió en el estudio con su grupo y tras muchas sesiones de los más variopintas, se grabó "Turbo", el disco más comercial de Priest, acomodado a las nuevas modas de mitad de los '80, introduciendo sintetizadores y fusionando el "techno" con un "heavy/glam" muy americanizado; hasta la propia banda cambió su "look" de cuero negro y cadenas por uno más "hair", muy colorido y llamativo. Estéticamente no tenían nada que envidiarle a HELIX o Autograph.

Aunque "Turbo" fuese Platino en varios países, los de Birmingham perdieron a buena parte de sus más tradicionales fans, pero sin embargo ganaron a bastantes jóvenes con su nueva imagen y que ni siquiera se habían interesado antes por ellos de la misma forma. Así que había llegado la hora de mover los temas del nuevo álbum para que todos se enterasen de que Judas seguía sonando igual de "heavy" incluso si sus guitarras sonaban sintetizadas o si tenían las melenas cardadas.



Tras el fastuoso tour, donde se corroboró el éxito con llenos absolutos y estadios donde casi no se podía respirar de lo abarrotados que estaban, todo se imprimió tras una portada naranja donde unas cuantas manos señalaban hacia delante. "Priest...Live!" salió el 21 de Junio de 1.987, y ya se echaba en falta otro directo de los "Metal Gods", porque ya había llovido mucho desde aquel "Unleashed in the East" grabado en Japón. Este nuevo disco no es sino una perfecta colección de todos sus clásicos de los '80 y de los temas del "Turbo", relegando un poco sus antiguos temas para calar mejor en el joven público del momento.




El espectáculo se inaugura con esa épica entrada del teclado del "Out in the Cold", la mejor canción grabada en las sesiones del "Turbo", donde el público ya estalla en gritos y comienza a seguir la melodía de dicho tema. Tras esto el repertorio a seguir es sencillamente brillante y espectacular (Priest in their best for everyone!); tenemos los himnos "Metal Gods" y "Breaking The Law", donde Tipton/Downing se entregan a tope y regalan solos de lo más vertiginosos, Hill/Holland mantienen la misma base rítmica sólida y aplastante y Halford está pletórico y plenamente capaz de apabullar con unos agudos y unos berridos suprahumanos; hasta "Heading Out to the Highway" suena poderosa y "heavy" a más no poder.

Hay algunos puntos bajos con las más festivas "Parental Guidance", "Private Property" o "Rock You All Around the World" del "Turbo", pero se hacen amenas y disfrutables, sin llegar a aburrir ni quedarse a la zaga con respecto a las demás. Las del "Defenders of the Faith" se interpretan con furia, donde destacan unas monstruosas "Some Heads Are Gonna Roll" y "The Sentinel". Hay momentos memorables, donde Halford pone a prueba la resistencia de sus cuerdas vocales en "Love Bites" o donde el dúo de guitarristas ejecutan esos solos tan imposibles en la cargada de velocidad "Freewheel Burning".

Se revisa el clásico de 1.982 "The Hellion/Electric Eye", que hace enloquecer a los seguidores, y luego se mete "Turbo Lover", haciendo crecer el cariz épico del "show" por momentos. El espectáculo finaliza, como no podía ser de otra forma, con "Living After Midnight" y "You've Got Another Thing Comin'", seguida por todos los presentes entre ovaciones y estrépito (incluido el clásico "Woow, woow, wow, yeah!"). Halford agradece la asistencia, comienzan a sonar explosiones y el último golpe de Holland termina con la actuación, dejando exhausto a un público que parece ha tocado el cielo asistiendo al concierto de su vida...
Después de esto la carrera de los ingleses volvería a dar otro vuelco cuando se metieron en el estudio para devolver a su imagen y sonido la fuerza de las raíces de las que procedían, con "Ram It Down" ('88), un tratamiento de "heavy metal" duro y épico mezclado con el "speed metal" que tan de moda estaba en aquellos momentos que resultó, sin embargo, el punto más flojo y menos inspirado de toda su discografía, aunque aún contiene buenas canciones que sirven para tenerlo en cuenta.

Al margen de todo eso también se grabó el documento audiovisual de mismo nombre en el Reunion Arena de Dallas, Texas, y que presenta un espectáculo asegurado con una banda de altura reinando ante los pueblerinos tejanos entre la parafernalia ochentera del manual del buen "heavy": una escenografía de lo más pomposa y un vestuario de lo más estrambótico y hortera (up the 80's!). La dignidad y sobriedad de Hill y Holland, las sugerentes y ambiguas poses del sr. Halford (se les escapaban muchas cosas a los seguidores de los Priest en los '80), los guiños de Tipton a las fans, sus aires de "gentleman rockero" y sus coreografías tan precisas con su compañero Downing, excedente de chulería con sus movimientos y sus gafas de sol tapándole la cara, garantiza un visionado obligatorio para todo fan del grupo y del "heavy metal" en general.

47.º en Gran Bretaña, 38.º en EE.UU. con Oro y 39.º en Canadá con otro Oro...quizá no fue un triunfo a lo grande (el mercado estaba muy ocupado con Bon Jovi, Whitesnake y EUROPE) pero, ¿acaso importaba? Eran los Judas Priest, los míticos, y escucharlos en directo ya era un privilegio.

(Mejor canción: "You've Got Another Thing Comin'").




Y hasta ahí se quedarían otros diez. En 1.987 la tendencia natural era seguir con el "rock" americano, el "heavy" y el "thrash", pero la corriente del "sleaze" que inauguraron Guns 'n' Roses tendría también sus máximos exponentes en aquellas fechas.

Mötley Crüe por ejemplo se liberaron de ese "glam rock" clásico del "Theatre of Pain" con el éxito de "rock" sucio y callejero "Girls, Girls, Girls", DOKKEN alcanzaron sus mejores puestos con la joya "Back for the Attack", HELIX realizaron su disco más "heavy" desde hacía años y favorito del que escribe, "Wild in the Streets"; otros "glammies", SHY, parieron "Excess All Areas", que contendría uno de los himnos del "hard rock" de los '80 por excelencia, el gran "Break Down the Wall" (véase el videoclip, ochentero total); Great White empezaban a moverse de género con "Once Bitten...", más orientado hacia el "rock" clásico.

Por su parte, Autograph realizarían su último disco, "Loud And Clear", infinitamente superior al anterior, mientras que KEEL se separaban de Gene Simmons en "Keel" y los Night Ranger bajaron un poco la inspiración en "Big Life". Los más progresivos Savatage sacaron el "Hall of the Mountain King", los alemanes Helloween dieron vida a su ambicioso "Keeper of the Seven Keys", el mejor de su discografía. Suicidal Tendencies sorprendían a muchos con su brutal "Join the Army" y Manowar seguían igual de duros en "Fighting the World".

Los veteranos TRIUMPH realizaron "Surveillance", el último con Rik Emmett; los KISS cambiaron el "glam" por un "hard rock" lleno de melodía en "Crazy Nights", DIO despuntó con el aclamado y ya practicamente olvidado "Dream Evil"; los antiguos compañeros de éste, Black Sabbath, seguían tocando fondo con "The Eternal Idol", cantado a partes iguales por Ray Gillen y Tony Martin; HEART volvieron fuerte ese año con "Bad Animals", una 34.ª posición en el Billboard estaba ocupada con "The House of Blue Light", el nuevo disco de Deep Purple después de tres años desde el "Perfect Strangers", así como unos Y&T no muy inspirados sacaron "Contagious" y RUSH su "aorero""Hold your Fire". En todo esto el bueno de Dan McCafferty ponía en la calle su segundo LP en solitario, "Into the Ring", tras doce años desde que publicara el primero.

Debutaron unos imitadores de tercera de Guns 'n' Roses llamados Faster Pussycat, los de gales Tigertailz, una cafre mezcla entre Mötley Crüe, Hanoi Rocks y The New York Dolls, con "Young And Crazy"; los estrafalarios Bad News, los angelinos LION con "Dangerous Attraction", los Testament con, según la crítica de entonces, "uno de los discos que no han hecho los cuatro grandes" (que ya sabemos quienes son), "The Legacy", y Coroner y su "R.I.P.", con el que rompieron moldes en el mundo del "thrash".
En directos no podemos olvidar el rocambolesco "Live...in the Raw" de WASP, ese gran homenaje a Randy Rhoads que hizo Ozzy en "Tribute", el grandioso doble de LOUDNESS llamado "8186 Live" y el realizado por Meat Loaf en el Wembley Arena, "Live at Wembley", sin contar las actuaciones grabadas de Iron Maiden ("Twelve Wasted Years"), Gary Moore ("Live in Stockholm: Wild Frontier"), Alice Cooper ("The Nightmare Returns") y el tributo a Cliff Burton de Metallica ("Cliff'em All").


Y había muchos más, mientras que el final de la década empezaba a verse en el horizonte, aunque aún quedaban dos buenos años antes de que la mortífera y dañina etapa de los '90 llegara...1.988 también llegará.





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Rock Progresivo Español.Rompiendo la oscuridad: DIEGO DE MORÓN (DIEGO TORRES AMAYA) (colaboración de Félix Jota)

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Gran guitarrista flamenco, de Morón de la Frontera. Hijo de Luis Torres “Joselero” y sobrino de Diego del Gastor. En 1977 Gonzalo García Pelayo lo junta con los grupos Triana y Granada, para grabar un Lp magnífico de título homónimo en la Serie Gong de Movieplay. Sería en los Estudios Sonoland de Madrid. Dos años antes se editan otros dos discos dedicados a su tío Diego, pero estos pasaron bastante desapercibidos.  Se grabaron después de la vuelta de Diego de Estados Unidos, donde pasó un tiempo. No le fue bien la experiencia, según el todo era muy frío y no había vida ninguna, aparte de la dificultad del idioma.

  De los ocho cortes del disco, Diego compone siete. “Aire fresco”, que fue editado en single, estaba basado en un tema de Atahualpa Yupanqui. Sin duda el más destacado y comercial, aunque el mejor tema es “Despertar”, donde el mellotrón de Carlos Cárcamo y la guitarra flamenca se combinan a la perfección en sus más de siete minutos. También destacar “Sin descanso” y “Serena calma”, con los teclados de Jesús de la Rosa y la batería de J.J. Palacios “Tele”.
  Los pocos años y la inmadurez de Diego en aquél tiempo hicieron que rompiera su contrato con la discográfica Movieplay, lo que le llevó a irse a Cataluña junto a su hermano José Luis. Allí le proponen hacer varios conciertos junto a un violonchelista, adaptando varios temas flamencos. Incluso actúan en tierras italianas, pero no volvió a grabar disco alguno. Hubo un intento con Ricardo Pachón, pero el proyecto quedó en el aire.


  Su disco del 77 fue remasterizado y reeditado en 2005, en formato cd digipack, y en tirada limitada. En 1997, Fonomusic, dentro de la colección “Cultura Jonda” y en su Cd 21, hace también una reedición del disco, pero solo aparecen seis temas. Faltando “Despertar” y “Serena calma” y completándolo temas de sus dos primeros trabajos, los del año 1975. El vinilo original sigue estando muy cotizado por coleccionistas.


DISCOGRAFÍA:
A Diego Vol.1 
(Movieplay Gong 1975) Referencia 32.713 LP


A Diego Vol.2 
(Movieplay Gong 1975) Referencia 32.714 LP


Diego de Morón 
(Movieplay GONG 1977) Referencia 17.0914 LP
A Diego el del Gastor en Morón (Cultura Jonda 21) Fonomusic 1997 Referencia CD 1420 CD
Diego de Morón (Dro East West 2005) Referencia 5046771612 CD Digipack




Cara A:
1. Aire fresco (bulerías) 00:00 
2. Recuerdo de Julia (soleá) 04:14 
3. Te hubiera entregado todo (alegrías) 08:41 
4. Sin descanso (tangos) 13:23 4:06

Cara B:
1. Despertad (rondeña) 17:30
2. Serena calma (tarantas) 25:06 
3. Recovecos (bulerías) 29:00 4:18
4. Sueños rotos (media granaina) 33:22 

MÚSICOS:
DIEGO DE MORÓN: Guitarra 
J.J. PALACIOS “TELE”: Arreglos y Batería. Temas 1, 4, 6 y 7
JESÚS DE LA ROSA: Arreglos y Teclados. Temas 1, 4, 6 y 7
CARLOS CÁRCAMO: Arreglos y Teclados. Temas 2, 3, 5 y 6 
MIGUEL ÁNGEL BULLIDO: Batería y Percusión. Temas 2, 3, 5 y 6
CHICHO HIPÓLITO: Bajo. Temas 2, 3, 5 y 6
GUSTAVO GONZÁLEZ : Teclados. Temas 2, 3, 5 y 6
ENRIQUE CARMONA: Bajo

Aire fresco/Sueños rotos
 (Movieplay Gong 1977) Referencia 02.1162 SINGLE




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SWAMPGAS ‎– Swampgas

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Swampgas no vio su trabajo publicado hasta pasado algún tiempo después de su ruptura. Cosas que suelen pasar en el mundillo discográfico.


Pocos datos tenemos sobre el grupo. La banda se formó a finales de los 60 y estaba formada por Kim Ornitz (voz ),Baird Hersey (guitarras), Jock Davis (bajo) y Ricky Salter (batería). Llegaron a ser teloneros de Grateful Dead  lo que les proporcionó su primer contrato discografico. En el 70 graban temas para un disco pero por problemas económicos no ve la luz hasta un año después de su desaparición.


Swampas nos presenta un rock sureño cargado de psicodelia y de buen rock. El disco comienza con el potente "Potato Strut, buenos riffs a cargo de Hersey. Su segundo corte ,"Don´t", comienza tranquilo pero poco a poco se va entonando con una guitarra con cierto toque funk. "The Waiting, E Train Blue" es uno de mis temas preferidos. La calidad voz de Kim Ornitz lo llena todo. Y por fin llegamos al tema estrella"Traped in the City", gran instrumentación psicodélica. La segunda cara más de los mismo combinando temas potentes con baladas de gran calidad. Destaca "Eulogy".




Temas
1. Potato Strut 00:00
2. Don't 05:14
3. The Waiting, E Train Blue  09:59 
4. Trapped In The City 16:20
5. Eulogy 22:43
6. Frolic Child 25:55
7. Pala 31:35
8. Egg Shells 36:20

Formación
Kim Ornitz - voz
Baird Hersey - guitarra
Jock Davis - bajo
Ricky Salter - batería

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Ensayos sobre un sonido (EM):BAUMANN / KOEK - "Baumann /Koek" 1.979 (colaboración J.J. Iglesias)

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Podría  Nadal jugar al mismo nivel que lo hace con equipamiento de los años 50-60? Mi ilustre colega Juan Carlos Miñana y yo te diremos que rotundamente , no. Muchas horas compartidas jugando al tenis lo atestiguan. 

Por eso cuando cae en mis manos un  disco de prog-electrónica 70s manufacturado artesanalmente con cuatro cacharros me quito  el sombrero. Ahora parece relativamente fácil  hacerlo. Hazlo en 1979. 

Más  todavía  cuando ese álbum puede estar a la altura de los dioses. Es éste  un disco que puede llevar a equívocos. 

En primer lugar por el nombre. Este Baumann no es el Peter de los Tangerine Dream. Sino otro de nombre más  alemán  de pura cepa, Wolfgang. Que estando en la tienda de discos de su propiedad, Francoise Récords, se le ocurrió  formar un dúo  electrónico con su amigo Eta  Koek. Algo que también  me recuerda nuestro proyecto de adolescencia, entre Miñana y yo, Cygnus....que no pudo ser por $$$$, la mili y demás  cabronadas de la vida. Sin embargo estuvimos haciendo cosas similares sin vernos ni tener comunicación  durante años. 

Pero éstos  pudieron crear su sueño. Se fueron a Synthesizerstudio Bonn, emblemática  tienda de teclados donde se fraguaron multitud de citas entre músicos. De allí  saldrían  futuras alianzas musicales, ilusiones, esperanzas, albums  y algún  que otro éxito,  como Kraftwerk. Baumann  y Koek  compraron un ARP 2600 de segunda mano. Pero viendo que no era suficiente para completar su sonido,  se hicieron con un ARP Sequencer, un Solina String y un EKO Compurhythm, además  del indispensable cuatro pistas. Así  es como salió su único  disco autofinanciado, en edición  de 1000 copias.

En el inicio de "Yarabbim" (11'50) ya dejan claras sus intenciones berlinesas.  De hecho este disco es una orgía  de secuenciación  bien ejecutada. Con fondos del Solina creando oníricos  paisajes melódicos. Estupenda entrada en materia. Por si lo del nombre no podía  llevar a suficiente confusión,  todavía  lo enredan más  con el título  del siguiente tema : "TD-Mem"(8'15). Zigzagueantes  secuencias en metamorfosis y ambientes místico -opresivos. Puro Tangerine Dream. Dando la vuelta al vinilo aparece "Gamabol" (11'39), con larga intro Kraftwerk style cercana a "Radioactivity". Para volver al redil rápidamente  de "Rubicon/Ricochet" con secuenciación  cambiante y entorno melódico  asiático -surrealista. En "Where" (5'20) asistimos a una banda sonora imaginaria, en la que la ciencia ficción  y la acción  irían  perfectas. Derroche  de imaginación  en unos apretados cinco minutos. Finalizando con "Sequencer-Roll" (2'18), como bien dice el título,  una quedada secuencial a ritmo de rock'n'roll. Chuck  Berry del siglo XXX, o una reinterpretación berlinesa de los delirios de Suicide. 

Baumann  and Koek crearon otro incunable del género.  Desconocido, fascinante y absoluta rareza. Aún  reunieron esfuerzos para que fuera mezclado por el gran Conrad Plank. Seguramente éste  factor también  tiene que ver con su éxito  creativo. Posteriormente una compañía  de discos "marca acme" les editó  una segunda tirada de 5000 copias. Y aquí  termina otra enigmática  historia de la escuela de Berlín.  Ríase  usted de la de Harry  Porter!!!




Temas
01 Yarabbim 00:00
02 TD-Mem 12:06
03 Gamabol 20:11
04 Where 31:54
05 Sequencer-Roll 37:16




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CHICHEN SHACK - Go Live 1.974

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Chichen Shack es un grupo fundamentalmente de rock blues con más de 20 discos a sus espaldas  y con muy diversas formaciones siempre teniendo como maestro de ceremonias al guitarrista y cantante Stan Wedd.


La carrera de Chicken Shack comenzó a mediados de los 60 teniendo en su formación a Christine Perfect, más conocida como Christine McVie ( Fleetwood Mac). Participó en los dos primeros discos del grupo "40 Blue Fingers, Freshly Packed and Ready to Serve" (1.968) y "O.K. Ken?" (1.969). posteriormente fue sustituída por Paul Raymond. La banda grabó siete discos antes de tomarse un respiro de tres años (1.974 -1.976).  Stan Webb volvió a refundar la banda y ha continuado hasta la actualidad.



Chicken Shack  nos muestran en esta grabación su concierto de despedida temporal. Fue grabado en la Universidad de Brunel, Londres, el 26 de octubre de 1.973. El disco salió en un principio solo en Alemania y Japón, y también  lo podemos encontrar como "Goodbye Chicken Shack". El disco nos presenta rock blues teniendo como protagonista casi único al guitarrista Stan Webb, solo en el tema Wedd's boogie podemos admirar la maestría de Dave Wilkinson a los teclados. Temas clásicos (Thrill is gone") combinados con otros propios y con emblemas del rock como "Tutti Frutti". A destacar "Poor Boy" y por supuesto "Webb's guitar Shuffle".





Temas
01. Spoken Intro / Everyday I Have The Blues 
02. Thrill Is Gone 
03. Going Down 
04. You Take Me Down 
05. Webb's Boogie 
06. You're Mean
07. Poor Boy 
08. Webb's Guitar (Boogie) Shuffle 
09. Tutti Frutti

Formación
Stan Webb – voz, guitarra
Rob Hull – bajo
Alan Powell – bateria
David Wilkinson – teclados

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TWELFTH NIGHT- Live at the Target 1.981 (colaboración J.J. Iglesias)

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Me sorprende lo poco que hemos tratado (por ahora), la llamada segunda generación del rock progresivo británico. Curiosamente, los nunca satisfechos fans buscadores de ultra-rarezas de la NWOBHM, comienzan ahora a descubrirla....erróneamente.  Incluyendo bandas de este estilo en sus recopilaciones. No me sorprende, pues coinciden en fechas, lugar, ediciones autofinanciadas y misma cultura underground. Así  que han adoptado aquella movida a la suya propia. Aunque la historia no fuera realmente así. Siempre fueron corrientes musicales que iban por separado. Puede que coincidieran  en Reading y otros festivales, e incluso alguno de los grupos de la inolvidable NWOBHM, pudiera catalogarse de progresivo. Como Saracen, Limelight, Gaskin, Shiva o Fireclown.

Pero mientras los más  emblemáticos  (y el pelotón ) venían de las cenizas del punk, que de hecho les influyó  decisivamente, los Lahost, Haze,  Solstice, Quasar, Liaison, Tamarisk, Jadis y muchos más,  tenían  al progresivo UK  70s como influencia primordial. Y Génesis en particular. Creando lo que hoy se conoce como Neo Prog. Más  paralelismos: los metálicos  tuvieron bandas que sobresalieron (Saxon,  Diamond Head, Def Leppard), y una triunfó,  Iron Maiden. En la "Second Generation of British Prog" también hubo ejemplos destacados: Pendragon, Pallas, IQ o Twelfth Night.  Y uno triunfó,  Marillion.


Twelfth Night fueron de los que más  se merecieron ese escurridizo éxito,  Y bien cerca estuvieron de atraparlo. Llegando a ser parte de la escudería  de management Hit and Run Music, que llevaba también  a Peter Gabriel y Génesis. Andy Revell (guitarra) y Brian Devoil (batería ) comenzaron con su sueño en 1978. Por sus iniciales y cambiantes filas pasaron el nunca olvidado vocalista Geoff  Mann  (fallecido en el 93) o la cantante norteamericana Electra Macleod. Con la que grabaron su primer single autofinanciado en 1980. 

Tras la marcha de ésta,  se autoeditan  "Live  at  the  Target " en Febrero del 81. Y lo hacen como cuarteto instrumental. Con Revell y Devoil, más Rick  Battersby (teclados) y Clive Mitten (bajo de 6 cuerdas). El disco se grabó  en el Target Club de Reading, los días 15 y 16 de Enero de 1981, con una mesa de 8 pistas. "Fur  Helene", "After the  Eclipse" y "East to West" son las tres largas piezas que ocupan el lado A. En la primera, podemos encontrar similitudes con los Ashra y Steve Hillage de la misma época. Fluidez melódica  con pedalera  de guitarra, bajo preponderante y teclados ambientales. La segunda se acerca a los Camel de "Mirage/Snow Goose/Moonmadness". Ya podemos advertir el aire dramático tan marca de la casa en futuras obras. Excelente composición,  con el sobresaliente apoyo del bajo, una constante en el modo de expresión de Twelfth  Night. En el último  corte asistimos a otro homenaje a Steve Hillage, sin tanto misticismo y con una base rítmica  espléndida. Los teclados imprimen cierto sabor arabigo-andaluz, no muy alejados de nuestros Imán  Califato Independiente.


"Sequences" ocupa toda la cara B en un Tour de force de increíble  maestría  instrumental ofrecida por los cuatro músicos. Acercando posturas con el más  melódico  Germán rock. Sofisticación y preciosismo al mismo nivel que unos Grobschnitt, Novalis, Rousseau, Bel Air o Anyone's Daughter. Éste  sería el primer Tour que incluiría  míticos  conciertos en el Marquee. 

Ya con Geoff Mann definitivamente, grabarán el cassette-álbum "Smiling at Grief"( luego en cd), y en 1982 saldrá  su obra maestra absoluta "Fact and Fiction". Tras la marcha de Mann, entra Andy Sears (ex-Canis Major) y tocan en el Hammersmith  Odeon  abriendo para Pallas. Con él  rozaran  el éxito  entrando en Virgin/Charisma. Gran persona el Sears, pude conocerlo en el festival progresivo de Tiana. Luego colaboraría  con los españoles Galadriel (otros amigos!) en su 'Calibrated Collision Course". Después, separaciones, reuniones, idas  y  venidas,  hasta el 2012, que como The  Cryptic Clues, aparecen los fundadores Devoil-Mitten-Revell. Para tocar otra vez como Twelfth  Night  en 2014 junto a Dean Barker (teclados) y Mark Spencer ( guitarra,bajo,teclados,voz).

"Live at the  Target" no es quizá  su disco más  representativo, pero es el primero y es absolutamente fantástico.  Y posee todo el encanto de aquellos paladines solitarios que lucharon en tiempos más  que hostiles, por preservar viva la llama del rock progresivo.



Temas
Fur  Helene

After the  Eclipse


East to West


Sequences



Formación
- Rick Battersby : teclados
- Brian Devoil : batería
- Clive Mitten : bajo
- Andy Revell: guitarra

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STEPPENWOLF - Live at Filmore West 1.968

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Podemos decir sin temor a equivocarnos que el tema "Born to be wild" fue una losa demasiado pesada para los Steppenwolf. Hoy vamos a escuchar una de sus actuaciones en el Filmore.


En enero de 1.968 Steppenwolf editan su primer disco. La grabación contenía, "Born to be wild" y "The Pusher", temas que servirían de banda sonora de la pelicula "Easy Rider"(1.969). Esto supuso un auténtico bombazo para el grupo llevándoles de manera fulgurante hacia el estrellato. Editarían cinco discos más ("The Second" (1.968), "At Your Birthday Party" (1.969), "Monster" (1969), "Steppenwolf 7" (1970) y "For Ladies Only" (1971)") hasta su primera separación en 1.972. Posteriormente se volverían a reunir con diversas formaciones.

La grabación nos presenta la actuación de los Steppenwolf en el Filmore el 27 de Agosto de 1.968. Ese día también actuaban Santana y The Staple Singers entre otros. Hacia unos meses que habían presentado su primer disco por ello en el setlist podemos escuchar varios temas del mismo, ""Your Wall's Too High", " Born to be wild"( una versión extendida), "Desperation", "The Ostrich" y "The Pusher".  También escuchamos  un adelanto de lo que sería su segundo larga duración, "Tighten Up Your Wig", "Disappointment Number (Unknown)", "Lost and Found by Trial and Error", "Hodge, Podge, Strained Through a Leslie" y "Resurrection". Completan la actuación dos renombrados blues, "Hoochie Coochie Man" y "Baby Please Don't Go". En definitiva psicodelia con buen blues, una buena muestra de las capacidades del grupo en aquella época.




Temas
00:00 Your Wall's Too High 12:50 
12:50 John Kay Remarks 02:01 
14:51 Hoochie Coochie Man 05:51 
20:43 John Kay Remarks 01:09 
21:52 Born To Be Wild 08:03 
29:56 Desperation 06:20 
36:16 The Ostrich 09:13 
45:29 Tighten Up Your Wig 04:19 
49:49 Disappointment Number (Unknown) 04:14 
54:04 Lost And Found By Trial And Error 02:43 
56:47 Hodge Podge, Strained Through A Leslie 10:11 
1:06:59 Resurrection 04:29 
1:11:25 Baby Please Don't Go 10:30 
1:21:54 The Pusher 06:09

Formación
John Kay - voz, guitarra, harmónica
Michael Monarch - guitarra
Goldy McJohn - teclados
Rushton Moreve (aka John Russell Morgan) - bajo, voz
Jerry Edmonton - batería , voz

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Ensayos sobre un sonido (EM):ROGER POWELL - Airpocket 1.980 (colaboración J.J. Iglesias)

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Estamos ante otro de esos sintetistas norteamericanos investigadores de la electrónica.  A niveles más  allá  que del simple músico. Programador de sintes  analógicos  en los 60, y protegido de Robert Moog. También  diseñador para ARP. Contribuyó  a la evolución  del sistema midi.Puedes ponerlo al mismo nivel que Larry Fast. De hecho construyó un sintetizador especial para Peter Gabriel. Además  de girar con David Bowie. Pero es con Todd Rundgren, uno de los últimos genios vivos, donde ha desarrollado toda su actividad musical. Bien en compañía  de éste,  bien con su grupo, Utopía.


En 1973 debutó  en solitario con "Cosmic Furnace". Siendo este "Airpocket" su segundo album. El despliegue de medios es, (como en el caso de Larry Fast), impresionante. Varios modulares Moog, EMS sequencer, computadoras de todo tipo y tratamientos software (en 1980!!!),ARP String Ensemble, Fender Rhodes, y percusión  computerizada de todo pelaje. Grabado en los Utopía Sound Studios en Woodstock, propiedad de Todd Rundgren, y editado en su mismo sello, Bearsville. 


"Lunar Plexus" es una estupenda entrada a su micro-universo, con similitudes a J. M. Jarre, Synergy, o Eroc  (batería /sintetista de Grobschnitt). "Landmark" posee un fuerte aire funk,cantada por el propio Powell, y con la guitarra rítmica  de John Holbrook. Se puede apreciar la fuerte influencia de Todd Rundgren en todo el corte. En  "Airpocket" apoya Mark Styles con el RMI Keyboard Computer. Aquí  recuerda poderosamente a las líneas melódicas del Kraftwerk de finales 70. Excelente.

"Windows" (profético? )  es absoluto y puro sonido Utopía. También  cantada con elegancia por Roger Powell. Vuelve John Holbrook a la rítmica. Podría  estar perfectamente en "Adventures in Utopia". Algo que continúa  en "Emergency Splashdown", la tercera y última  que cuenta con su voz. La selección  de sonidos es soberbia, el sólo de Moog espectacular, y acaba sonando como un híbrido  mutante Rundgren/Bowie.

La cara B es totalmente instrumental y, a juzgar por los títulos de las piezas, de tono conceptual y fantástico. 

"Morning Chorus" la abre con un sólo de e-bow guitar a cargo del mismísimo Todd Rundgren."March of the Dragonslayers" tiene un aire descriptivo similar a Greenslade. En "Prophecy" los teclados emulan a guitarras eléctricas,  Algo que se agenciaria para su propio estilo en un futuro Derek Sherinian. Tiene cierto regusto jazz rock, al modo de Patrick Moraz en solitario. "Sands of Arrakis" refleja el ambiente fílmico  de ciencia ficción perfectamente. 

Para terminar con "Dragons'n'griffins/mr triscuits theme". Entrando sin disimulo en el jazz rock al estilo de Jan Hammer o Return to Forever época  "Hymn of the Seventh Galaxy". Aqui acompañado por la bateria de Cleve Pozar. Una maravillosa y plácida  escucha para después  de comer. "Airpocket" fue votado album n. 1 por los lectores de Keyboard Magazine en 1980. Posteriormente el mismo Roger Powell sería  columnista de esta publicación.  No ha sacado muchos más  trabajos en sucesivos años (tres más ) dedicándose  a  acompañar a su viejo amigo Todd. Otro gran album para vuestras mentes enfermas.



Temas
1 Lunar Plexus 00:00
2 Landmark 04:08 
3 Air Pocket 08:08
Guitar – John Holbrook
4 Windows 11:53 
5 Emergency Splashdown 16:00
Guitar – John Holbrook
6 Morning Chorus 21:00
Guitar – Todd Rundgren
7 March Of Dragonslayers 22:59 
8 Prophecy 26:20 
9 Sands Of Arrakis 29:48
10 Dragons'n'Griffins / Mr. Triscuits Theme 35:20
Drums – Cleve Pozar




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The Dennis Coffey Trio - Hair & Thangs (1.969)

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Dennis Coffey es un gran guitarrista que todos hemos oído en alguna ocasión pero que solo unos pocos conocen algo de su historia, vida y milagros.


Dennis Coffey nació en 1.940 en Detroit y con 15 años ya estaba dando guerra en la grabación del tema "I'm Gone" de Vic Gallon. A principios de los 60 se une a  The Royaltones con los que consigue sus primeros hits, "Poor Boy" y "Flamingo Express". En los 60 participó como músico de sesión en multitud de grabaciones en la  Motown Records (The Temptations, Diana Roos,  Freda Payne, The Supremes, etc). En 1.969 llegaría su primer disco en solitario, "Hair & Thangs" y en el 71 llegaría el segundo, "Evolution", que contenía el hit "Scorpio" llegando hasta el puesto 9 en el  Billboard Hot Soul Singles y el 6 en el  Billboard Hot 100. Un año más tarde (1.972) participa en la grabación del éxito de los Gallery, "It's So Nice To Be With You, y 1974 compone la banda sonora de "Black Belt Jones" (película de artes marciales, muy de moda en aquella época). Dennis seguiría editando discos regularmente y colaborando en multitud de grabaciones. Contar toda su vida nos llevaría a escribir todo un libro.


En este primer trabajo de  Dennis Coffey en solitario se hace acompañar por el gran organista Lyman Woodard, Disco casi en su totalidad instrumental (podemos oír algunos coros)con sonido Motown y bastantes toques rock. El listado de temas está lleno de versiones. Tenemos tres de la ópera "Hair". El disco se inicia con una gran versión de "Let The Sunshine" y también podemos escuchar "Aquarius" y "Sodomy".  Versiones de dos éxitos de los Beatles, "Get Back" y "Hey Jude". y las menos conocidas "Do Your Thang" de Charles Wright y "It's Your Thing" de los hermanos Isley. Como composiciones propias tenemos "Hair & Grits" (una de mis favoritas), "Iceberg Thang" y la fugaz "Electric Thang". Duelos entre guitarra y órgano que nos harán disfrutar de lo lindo.





Temas
01-Let The Sunshine 00:00 
02-Hair & Grits 06:52
03-Get Back 12:07 
04-Aquarius 14:15 
05-Sodomy 17:51
06-Do Your Thang 18:38 
07-Hey Jude 22:03 
08-Iceberg's Thang 27:58 
09-It's Your Thang 33:34 
10-Electric Thang 36:14

Formación
DENNIS COFFEY-guitarra
LYMAN WOODARD-órgano
ANDREW SMITH-batería
BOB BABBITH-bajo
MELVIN DAVIS-batería
TONY NEWTON-bajo

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C. K. STRONG - C.K. Strong 1.970 (colaboración J.J. Iglesias)

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Cuentan rumores que esta banda no debió  llamarse C.K. (Carey-Kewley), sino C. K. W. Strong. Pues la suma de su tercer miembro básico,  Geoff Westen (guitarra, órgano, piano y ocasional voz solista) era un aporte fundamental. También es cierto que los principales compositores eran Lynn Carey (Suprema dama de la voz solista) y Jefferson Kewley (lead and Leslie Guitar, coros). Siendo la sección  de ritmo bastante pasajera. En éste  su único  disco eran Ron Grinel (batería ) y Christopher Brooks (bajo, coros).

C. K. STRONG se lo curraban con bastante éxito  por el maremagnum hippie de San Francisco. En una época  donde la competencia era salvaje. Que para destacar había  que ser bueno de cojones,  vamos. Y ellos iban sobrados. Tocando con Creedence Clearwater Revival y Canned  Heat en un mismo cartel y dejándolos  con la boca abierta. Epic  vio claro el potencial  rock blues de la banda y los encerró  en los CBS Studios de Hollywood en 1969. El album saldría  en el invierno del 70, haciéndose  hueco a codazos entre maravillas, obras maestras y mostruosidades  varias de aquel mágico  momento. Las crónicas  los describen como una muy bien engrasada maquinaria de psych rock blues al puro estilo de Haight Ashbury. Y con una valquiria rubia, realmente una belleza, que subía  tres octavas sin despeinarse. Comparaciones instantáneas  con Janis Joplin no le hacen justicia. En algunos momentos de este album, la Carey llega a registros que dudo seriamente en la sureña bebedora de Southern Comfort. Más  cerca están  de Kate Bush, por sus increíbles  inflexiones vocales.

Las dos guitarras se entremezclan en una tela de araña bluesistica,  mientras la sección  rítmica  sujeta todo con pilares de acero.  Su blues groove  recuerda más  a  los de la British Invasión, en especial a Fleetwood Mac. Equilibrando ese desfase geográfico  la voz de Lynn, muy joplinesca, pero con tonos mucho más  limpios y no tan desgarrados. Esto ya se demuestra en la inicial "Stormbird" (2'52), dominada por voz espectacular y Leslie guitar. "Baby let  me out" (7'10) saca el Freddie King  que Jefferson Kewley lleva dentro. Brutal en sentimiento Lynn. "Affairs" (2'47) lleva el gran apoyo de órgano de Geoff, además  de su voz solista de buen mimbre. Es un corte gospeliano con la ayuda a las congas de Jackie Mills, productor del disco (Buffalo Springfield). En "Trilogy" (9'09) se juntan tres cortes en modo encadenado: "John the Baptiste/Rain/Lazy Down Blues". Dejando claro que C. K. Strong  no se conforma con el simple blues, y gusta de adornar con arreglos psych su propio material. Unos años más  tarde esto sería  hard rock. Aquí  lo dejamos con el término "proto" delante.


La cara B comienza con "Been so Long" (3'40), cantada por Geoff y ayudado por su piano (Otis Spann style). El cuarteto se acerca a premisas del primer Clapton en solitario.

"Mean Hearted Woman" (8'08) es un bluesazo de esos desesperados que solía  bordar la Janis, y que Lynn lo somete con facilidad a sus escalas imposibles. El órgano y las dos guitarras hacen el resto. Y de maravilla, oiga.

"Rolling Down the Highway" (4'10) vuelve a traernos a Westen como vocalista. En un tono algo rasgado que puede recordar levemente a Gregg Allman. "Daddy" (4'35) finaliza este efusivo disco con hard blues de peso y la desorbitada voz de la Carey disfrutando entre dos guitarras tremendas.

Poco después  de todo esto, Lynn Carey entraría  en el universo de Neil Merryweather (Heavy Cruiser), y grabarían el estimable album de Ivar Avenue Reunión en el mismo año 70. Junto a Barry Goldberg y Charlie Musselwhite,  entre otros. Para después  formar los inolvidables hard rockers  Mama Lion. Editarían  dos fabulosos lps  entre el 72-73. Lynn sería  hasta conejita Playboy, puedes admirarla en las fotos que circulan por Internet. Y no me vengas con rollos políticamente  correctos. Si te gusta la belleza DEBES ver esas fotos. Su carrera en solitario no sería  tan alucinante, pero con lo que dejó  en sus días  hippies me conformo.




Temas

A1 Stormbird 00:00
A2 Baby Let Me Out 03:06
A3 Affairs 10:23 
A4 Trilogy: 13:16 
 A4.1 John The Baptist A4.2 Rain A4.3 Lazy Down Blues 
B1 Been So Long 22:33
B2 Mean Hearted Man 26:18 
B3 Rolling Down The Highway 34:28 
B4 Daddy 38:26

Formación
Jefferson Kewley - guitarra
Geoff Westen - gguitarra, teclados, voz
Chistopher Brooks - bajo
Ron Grinell - batería
Lynn Carey - voz

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Rockliquias en los 80: 1.988 Part. 1 (colaboración Christian Jiménez)

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El final llegaba...

Pero aún había mucho que decir en el mundo del "rock" y el "heavy". La magia de los '80 continuaría tanto por grupos jóvenes como por veteranos que todavía contaban con fuelle para rato.

Este año de 1.988 puede que quede más homogéneo, enfocado sobre todo a trabajos del mundo del "heavy metal", salvo alguna excepción que habrá por ahí:

        -En el mundo del "rock" ha habido divas difíciles de olvidar y que le han concedido otro enfoque, porque no sólo los hombres sabían colgarse la guitarra y gritar delante de un micrófono (ya lo dijimos en el artículo de las Girlschool). Pues si en los '70 despuntó la genial Janis Joplin y en los '80 estaban la indestructible Wendy O. Williams y la diosa alemana Doro Pesch tampoco hay que olvidar a, la nacida en 1.958 de un padre británico y una madre italiana, Lita Rossana Ford. De hecho, pasar por los '80 sin hablar de ella sería todo un sacrilegio.

Esta "rockera" mezzo-soprano de marca mayor nació en Inglaterra pero a una edad temprana se mudó a Los Ángeles. Influenciada por el gran trabajo de Ritchie Blackmore en Deep Purple (como todos los guitarristas que fueron niños/adolescentes en los '70) decidió aprender a tocar la guitarra a los 11 años. Ya en 1.975, cuando contaba 16, Lita Ford formaría parte de la Historia de la música al interesarse por ella el empresario y cazatalentos Kim Vincent Fowley para introducirla en el seno de una banda de féminas llamada The Runaways. Este grupo muy "punk" muy "rock" básico fue uno de los más importantes de los '70 ya que influenciaron a toda una generación (que alguien les pregunte a L7 o a VIXEN) y de esos que demostró que también las chicas podían dar caña. Aquella lejana formación se componía de la cantante Cherie Currie, las guitarristas Joan Jett y Lita, de la bajista Jackie Fox y de la batería Sandy West. Primero empezaron en clubs y pubs como es lógico hasta que dieron el salto con "The Runaways" en 1.976, donde podíamos ver en dicha portada a la vocalista en desafiante actitud. En "Queens of Noise", orientado más hacia el "hard rock", ya pudimos verlas a todas juntas. La carrera de la banda fue tan espectacular como fulgurante; al tercer álbum se empezaba a palpar la crisis.

Se fueron Cherie Currie haciendo que Joan Jett tomara la voz y Jackie Fox, siendo reemplazada por Vicki Blue, y en 1.977 apareció "Waitin' for the Night". Al igual que ocurrió con Girlschool, al tercer disco prácticamente nadie le dio la misma importancia que a sus comienzos. Por problemas internos que surgían en el grupo, sobre todo por diferencias musicales (Jett se nutrió del "punk" de los Ramones mientras que Ford y West preferían seguir con el "hard rock"), se separaron en 1.979 y la luz de esa mítica y letal banda de chicas se apagó tras un par de LP's más sin ningún interés muy recalcable.

Pero Ford quiso hacer como Cherie Currie, iniciar una carrera en solitario y a ver si lograba éxito en aquel cambiante mundo del "rock" ahora influenciado por algo llamado N.W.o.B.H.M. y grupos como Iron Maiden, Def Leppard y SAXON. Pues fue en 1.983 cuando se realizó su debut a través de la casa Mercury Records, un disco enfocado al "heavy metal" que surgía en EE.UU.. Sería por esa provocativa portada, donde la cantante/guitarrista aparecía engalanada en cuero delante de una tela de araña jigante y con una guitarra partida por la mitad y sangrando (¡ay, las portadas de los '80!), o porque su estilo era muy similar a todo lo que se hacía en aquel momento, pero no consiguió casi ninguna repercusión salvo el interés que despertó en algunos por eso de que una ex-Runaway hubiera realizado un álbum.

Al año siguiente lanzó "Dancin' On the Edge", el último que haría con Mercury, consiguiendo éste alguna atención por parte de crítica y público por igual, llegando al puesto 96 en las listas británicas y al 66 en el Billboard estadounidense. En el trabajo, aparte de esa manera tan salvaje que tenía Ford de tocar las seis cuerdas, se disfrutaba de la batería de Randy Castillo, que luego tocaría en "The Ultimate Sin" de Osbourne, y del teclado de Aldo Nova. Los vídeos de los "singles""Gotta Let Go" (que alcanzó el n.º 1 en el Maisntream Rock) y "Dressed to Kill" rotaron bastante por la MTV; en uno de ellos aparecía el reciente prometido de Lita, el mismísimo Tony Iommi que, por el momento que vivía con Black Sabbath, podía perfectamente ocuparse de otros asuntos sin problemas. El tema "Dancin' On the Edge" hasta fue nominado a los Grammy a la Mejor Interpretación Vocal Femenina de "Rock".


Así, con esa carrera, Ford decidió dejar Mercury y fue fichada para RCA por la manager y esposa de Ozzy, Sharon Osbourne (...esta mujer estaba en todas partes) y en el Record One de Los Ángeles en 1.987 comenzó a grabarse el nuevo proyecto, que aunaba esfuerzos de bastantes nombres del mundillo del "rock" y el "heavy" dispuestos a colaborar con su amiga. Aquel esfuerzo, con una sensual y glamurosa Ford en la portada y llamado simplemente "Lita" salió el 2 de Febrero y supuso la posición más alta para la artista. Se puso 29.º en el Billboard y sólo 42.º en Canadá, pero fueron los "singles" y esa gran colaboración de otras personalidades lo que le dio tanta fuerza para conseguir una mejor atención. Además, hay una inclinación a sonidos más comerciales en comparación con los LP's anteriores, pero seguía destilando esencia "metálica" por los cuatro costados.


La potencia de los temas, la grandilocuencia que se palpaba con cada canción hacia de éste un álbum grande, más ambicioso e igual de disfrutable sin resultar excesivamente pomposo. Fue a Lita Ford lo que "The Ultimate Sin" fue a Ozzy, un simple "pulir y renovar". Empezaba con el ritmo inolvidable y muy "funk" de "Back to the Cave" (22 en el Mainstream Rock), una canción vigorosa de puro "rock" que abría perfectamente el disco. La seguía la más "metálica" y veloz "Can't Catch Me!", compuesta por Lemmy Kilmister y Ford, cosa que se nota por su dureza muy del rollo Motörhead unida a esos teclados de David Ezrin que recuerdan un poco al sonido de los RAINBOW más fuertes. La densa y muy "osbourniana""Blueberry" fue escrita por el productor Mike Chapman, que cuenta con un solo de guitarra de lo más épico. "Kiss me Deadly" fue la ganadora absoluta; un tema de retazos "pop" muy alegre que destacaba considerablemente y que fue 12.ª en el Hot 100 y 19.ª en Canadá, bautizada como la 76.ª mejor canción de "rock" por el programa VH1 (...en fin, ¡ejem!, si se me permite discrepar sobre ello). "Falling In and Out of Love" (37.ª en el Mainstream), coescrita por Nikki Sixx, cerraba la 1.ª cara; un buen tema, con partes pausadas pero muchísimo más "rockero" que el anterior algodón de azúcar.



El corte "Fatal Passion" abría la 2.ª cara con "rock" del bueno y nada más (¡como toca la guitarra la hija de p**a!), muy misteriosa y ambiental empezaba "Under the Gun", la única que compuso Lita Ford sola, con un toque muy a lo Whitesnake. La emotiva balada "Broken Dreams" nos traía un regusto de HEART (comparen las voces de Ford y Ann Wilson, por favor), y, por fin, la que todo el mundo quería oír, "Close my Eyes Forever", dueto de lo más mítico de Lita y Ozzy Osbourne que fue 8.ª en el Hot 100. Una canción perfecta para acabar, que bebía de aquellas oscuras sonatas de Ozzy como "So Tired" y "Goodbye to Romance". El interés por el vídeo hizo que tuviera gran difusión en televisión, mostrando lo buena que era Lita con la guitarra acústica como con la eléctrica y la apabullante presencia del "Madman" deleitándonos con su inigualable voz y sus gestos faciales que sólo él sabe poner.
Platino en EE.UU. y Oro en Canadá le dio por fin a la italobritánica vocalista/guitarrista el reconocimiento que se merecía. Muy grande, Lita Ford.

(Mejor canción: "Close my Eyes Forever").


        -¿Un disco de "pop"? Eso dicen de "Lap of Luxury", que es un disco de "pop". Que ya ni siquiera "pop rock", sino "power pop" y unas cuantas chorradas adjetivadas más, pero la verdad es que no. Y cuando una banda de "rock" es buena es buena, con sus altibajos, ya sea en una época o en otra. Y Cheap Trick siempre lo han sido.
Hay que irse muy muy lejos para averiguar el origen de esta formación de Illinois. Concretamente a 1.967, cuando el guitarrista Rick Nielsen decidió crear FUSE junto al bajista Tom Petterson, emulando a toda la ola de "rock" que venía desde el otro lado del charco, donde cabían The Beatles, Yardbirds, The Who y un etcétera importante. Este grupo surgió de otras bandas locales donde también estaban Joe Sundberg (voz), Chip Greenman (batería) y Craig Myers (guitarra) y su buenísimo debut salió en 1.970 a través de Epic Records, sin lograr ningún éxito y haciendo que los miembros se separaran. Nielsen pasó por NAZZ pero se marchó al poco tiempo y así FUSE se fueron a Philadelphia y modificaron su nombre a Sick Man of Europe, uniéndose Bun E. Carlos más tarde y haciendo algunas giras.

Por fin se hacen llamar Cheap Trick tras ver un concierto de SLADE ("cheap trick" es "truco barato" en inglés y esto fue lo que dijo Petterson que aquellos hacían en el escenario para ganarse al público...sería sin mala intención) y graban unas maquetas oficiales en 1.974 , pero algo no cuadraba, y era el vocalista Randy Hogan, así que el reemplazo le llegó pronto con Robin Zander. Otra demo con éste y sus continuas giras abriendo para enormes bandas como The Who, QUEEN y KISS hacen que el productor de Aerosmith, Jack Douglas, fije su punto de mira en ellos. Con el apoyo de Tom Werman al final fichan en Epic Records de nuevo (no olvidemos que FUSE grabaron en esa casa) y Douglas les planta un contrato y la oportunidad de hacer un disco. Viniendo todo rodado en 1.977 salió "Cheap Trick", una genial obra de su tiempo, que va desde el regusto Beatle, pasando por el "glam" de SLADE y con una potencia "hard rockera" vibrante y arrolladora (Joey Ramone era fan de suyo). No fue tremendísimamente exitoso, pero fue la primera piedra.

A partir de ahí todo fue subir: "In Color", producido esta vez por Tom Werman, llega a Platino y significa su primera obra maestra, yéndose a terrenos más comerciales pero todavía la vena "rockera" destaca de forma incendiaria. "Heaven Tonight" vuelve a ser un éxito con la fórmula que todos saben: melodía y fuerza. "Surrender" se convierte en un "hit" y las giras cada vez son más emocionantes, llegando a pisar el mítico Budokan y firmando uno de los directos más grandes de los '70, "Cheap Trick at Budokan", Triple Platino en EE.UU. y que les pone en el lugar que se merecen en la Historia del "rock". Por si todo eso es poco terminan la década con "Dream Police", su obra de estudio definitiva; musicalmente no pueden sonar ni compenetrarse mejor. Pero ahí empieza el principio del fin.

"Nothing Remained Sacred", decían Judas Priest en "Screaming for Vengeance", y es verdad. "All Shook Up", como su propio nombre indica, dejó a público y crítica temblando, y es que los '80 fueron infernales para muchos grupos setenteros. "Power pop", experimentación y una horrible portada a lo New Wave les hizo perder mucha credibilidad. La ida de Tom Petterson, algunos proyectos puntuales, como colaborar para la banda sonora del film "Heavy Metal", y un asunto legal bastante turbio que hubo por ahí con CBS Records hizo que la banda se hundiera sin remedio. Salían algunas cosas aceptables, como "Next Position, Please" ('83), que recuperaba esa energía de antaño que ya ni se notaba, con John Brant al bajo y Todd Rundgren a la producción. "Standing On the Edge" fue un aparentemente último hurra, ayudados por bastante gente que no quería ver a un grupo de tal categoría en el barro.



"The Doctor" fue, como siempre se ha dicho, una inutilidad. Sintetizadores por aquí y allá, secuencias de programación para la batería, reducción de la guitarra...hasta retazos "funk" había (fue a Cheap Trick lo que "Under Wraps" a Tull). ¿Se puede tocar fondo?, sí, por supuesto. Eso hacían muchos grupos sin dirección. Afortunadamente llegó Petterson otra vez y Epic ayudó a la banda metiendo a algunos compositores para un nuevo esfuerzo. Se pretendía salir del atolladero; se pudo hacer antes pero no les había salido ni por allá pasó, así que había que intentarlo. Y a saber quién fue el que dio en la tecla, pero no pudo dar mejor, porque "Lap of Luxury" salió el 12 de Abril y aunque muchos lo nieguen fue un regreso más que aceptable de este grupo. Después de ver cómo "The Doctor" caía 115 en el Billboard, que este LP subiera hasta el 16 en EE.UU., por 45 semanas, y el 11 en Canadá y se echara a la espalda dos Discos de Platino, uno respectivo de cada país, fue un logro, un reencuentro con la fama de antaño, una deuda con las listas.

Éste fue el 2.º álbum de su carrera que más éxito cosechó desde aquel "Dream Police", es decir, que merece un poco de atención. La fórmula no fue tampoco un secreto mágico, pero ayudaron las decisiones y estrategias tomadas. Aquí lo que se hace es teñir de "AOR" un disco muy "rockero" y "popero" a partes iguales. Uno que si Cheap Trick hubieran hecho en 1.980 en puesto del "All Shook Up" habrían vuelto a conseguir una obra maestra y nadie se habría decepcionado. Hay reminiscencias de sus trabajos de los '70, no mucha, pero sí esa energía característica de un grupo que, a todos los efectos, es un grupo "rock", y del bueno:



       -Los ritmos más contundentes y también comerciales sobresalen en los muy dinámicos cortes "No Mercy", "Let Go" o la veloz "All Wound Up", participando en ellos hasta cuatro compositores externos: Jon Lind, James Scott, Janna Allen y Todd Cerney. Están otras muy puramente "aoreras" a lo Night Ranger como "All We Need is a Dream", "Space" o "Never Had a Lot to Lose" y una que les emparenta, pero diametralmente hablando, con los Foreigner del "Agent Provocateur",  "Wrong Side of Love", donde a Zander le sale una voz casi calcada a la de Lou Gramm.

        -Curiosidades "abemus" con "Don't be Cruel!", divertida versión del clásico de "rock 'n' roll" de Elvis Presley que se hizo con el 4.º puesto en el Mainstream Rock, y las más pausadas: la melancólica "Ghost Town" y, cómo no, la super-balada que se sacaron de la manga Robert Mitchell y Nick Graham "The Flame", y que interpretada por los chicos de Cheap llegó al 1.er puesto de los Mainstream Rock Tracks, consiguiendo dicho "single" Platino y haciendo que fuera SU CANCIÓN de los '80. De hecho, para muchos seguidores del grupo hay dos canciones: "Surrender" y "The Flame".

Como se ha dicho: ritmos adictivos y edulcoraciones muy de los '80 pero con una pequeña inyección de "rock" en el producto final. Los críticos musicales no lo tuvieron como un "comeback", sino más bien como un intento de reconciliarse con las listas y ya está, pero "Lap of Luxury" nos hace escuchar a los mejores Cheap Trick de los '80, los que, hundidos hasta las cejas por una discografía llena de errores, por una lucha constante de egos y por unas decisiones desastrosas, reflotaron y se dejaron ver de nuevo. No olvidemos que fueron una de las mejores y más divertidas bandas americanas de los '70...y que no merecen ser olvidados.

(Mejor canción: "All Wound Up").


        -¿Por qué? Es una buena pregunta. ¿Por qué precisamente aquí? Pues, aunque parezca mentira y con las pintas que llevaban, Poison no han sido sólo un granito más en la inmensa montaña del "glam" de mitad de los '80; claro que no eran KISS y ni siquiera podían compararse con los geniales Cinderella, que realizaron su debut en el mismo año.

Y es que, últimamente parece que el 70% de fans de Poison no lo reconocen así de buenas a primeras. Una vez llegué a leer una reseña de la banda que aseguraba que había seguidores declarados de Sigue Sigue Sputnik y hasta de STRYPER, pero que no había de Poison. Pues tendría que haber muchos a finales de los '80, porque este cuarteto se convirtió en el máximo exponente de aquello llamado "pop metal". La historia comienza nada menos que en 1.979 en Pennsylvania, y no en L.A., cuando Bret Michaels se unió a su amigo de la infancia Rikky Rockett para formar una banda local llamada Spectres. Más tarde, éstos harían equipo con el bajista Robert Dall y el guitarrista Matt Smith y de Spectres pasaron a ser PARIS.

Formados como cuarteto fueron de bar en bar y de club en club, siendo, mayormente, un grupo que hacía covers de rock. Así, como siempre pasa, se ganaron sus seguidores y todo parecía ir viento en popa. Pero si querían triunfar de verdad no se podían quedar en Mechanicsburg, así que tomaron la decisión de mudarse todos a la soleada Los Ángeles y de paso cambiarse el nombre de nuevo, esta vez de PARIS a Poison. Todos las pasaron bastante p***s para sobrevivir casi sin dinero en una ciudad desconocida pero estaban dispuestos a lograrlo. Así destacaron volviendo a tocar en los pubs y clubs angelinos, donde se vivía mejor el ambiente en el que ellos querían despuntar. Pronto se interesaron en ellos y la posibilidad de ser conocidos de verdad parecía llamarles a su puerta; pero Smith estaba a punto de convertirse en padre entonces, por lo que se separó de los chicos para volver a su Pennsylvania natal.

Primeramente se inició la búsqueda de otro guitarrista, por donde pasaron Steve Silva y "Slash" (¿de cuanta credibilidad gozaría actualmente si en vez de meterse en Guns 'n' Roses se hubiera metido en Poison?), pero fue el neoyorkino C.C. DeVille el elegido. Con todo establecido en 1.986 firman por la independiente Enigma Records y por algo menos de 25.000 dólares graban su primer LP. "Look What the Cat Dragged In" amasó millones en poco tiempo, mientras que los integrantes hacían que miles de jovencitas se calentaran con ellos y perdían su credibilidad de cara a los críticos entendidos y fans del "rock" y "heavy metal" de siempre. Para muchos adultos Poison no eran sino una burda, estrafalaria y hortera copia de New York Dolls, Hanoi Rocks y Mötley Crüe y su estilo no les sorprendía; simplemente mucho descaro, canciones de fiesta, sexo y drogas y melodías facilonas para las listas, algo que KISS ya hacían una década antes.

Pero ocurrió como con EUROPE: a las jóvenes les volvían locas, y ese era un gran sector. Y hubo muchos chicos que bailaban al son de sus temas, no se crean ustedes. Muchas revistas no los tomaban en serio, otras sí, pero salían en ellas, que era lo más importante. ¿Qué más daba que el americano medio, amante del "rock" de Deep Purple, Ted Nugent y Lynyrd Skynyrd, despreciara a esos melenudos con pinta de furcias de tercera clase al verlos en una revista si luego cogía su hija la misma revista y se quedaba mirándolos durante horas (y haciendo otras cosas)? Los estadios se llenaban de gente, la MTV rotaba siempre sus vídeos (sobre todo el de "Talk Dirty to Me") y ese primer álbum llegó a Triple Platino en 1.987...tarea conseguida. Ya sólo había que seguir. Tras su rápido ascenso al estrellato hicieron tours con RATT, Quiet Riot, Bon Jovi y Cinderella entre otros. En 1.987 grabaron una versión del "Rock 'n' Roll All Night!" de KISS para el film "Golpe al Sueño Americano". Con ganas de continuar con la fiesta se meten en los estudios Conway Recording de Los Ángeles seleccionando primero a Paul Stanley como productor, pero siendo Tom Werman el encargado. Un hombre que había trabajado con Cheap Trick y Twisted Sister supo darle el sonido que necesitaban Poison de una vez por todas.

Y así se hizo "Open Up and Say..."Ahh"!", que salió al mercado el 3 de Mayo. Sí, los más serios prefirieron llevarse el "Operation: "Mindcrime"" de Queensrÿche, pero esa portada donde salían unos ojos verdes y un rostro rojo de apariencia felina (censurado el original, claro) no se le podía resistir a los chavales de entonces. Dentro del disco la cosa no es que cambie mucho, la verdad, sólo hay matices que le dan un valor, se podría decir, aceptable. Con la tontería dicho álbum llegó al 2.º puesto en el Billboard con un Quíntuple Platino ganado en EE.UU., al 7.º en Australia, al 18.º en las listas británicas con un Oro, al 10.º en Canadá con un Cuádruple Platino y se colocaron cuatro "singles" en el Hot 100...nada más y nada menos. Se sabe lo que hay de sobra. Se habla de lo mismo: mucha fiesta, encuentros sexuales, romances (buenos y malos) y rebeldía, mucha rebeldía. Ahí tenemos cortes "superdivertidos de la muerte" como "Back to the Rocking Horse", "Look, but You can't Touch!", "Love On the Rocks" o "Good Love", y uno más "rockero" de lo normal, "Tearin' Down the Walls", que defendían la juerga eterna de los '80. Los cuatro "hits" mencionados fueron la versión de aquella clásica "Your Mama don't Dance" (10.ª en el Hot 100 y que demostró que los chicos no tenían mal gusto para la música), la bailable "Nothin' but a Good Time" (6.ª), la melódica "Fallen Angel" (12.ª) y, por encima de todas, una de las baladas que puso música a los corazones de todos los jovencitos en los '80, "Every Rose has its Thorn", y que quedó 1.ª en los Billboard por más de tres semanas (parece mentira que una canción que Bret Michaels escribió por un romance fallido con una "stripper" de un club de L.A. diera para tanto).



Como se ha dicho, no cambió mucho el estilo, pero las guitarras sonaban más "rockeras" que en el anterior "Look What the Cat..." y el conjunto era más consistente. Tenía aspecto de LP más profesional que de demo. Todas las anteriormente citadas canciones han salido en muchas películas y series de TV, así que el espíritu de Poison siempre seguirá estando ahí, aunque a muchos les pese. ¿Qué pasó después?...lo de siempre. Poison fue una banda enmarcada en una época y momento determinado, como RATT, como WARRANT, y esas bandas, fuera de sus épocas, no han sabido moverse con la misma facilidad.

Cuando se habla del "rock" americano de los '80 uno no puede evitar acordarse (aunque no se quiera, se acaba recordando) de aquella portada del "Look What the Cat..." donde aparecían los cuatro miembros del grupo, realizando el mítico gesto de la protrusión bilabial (labios echados hacia delante con mucha sensualidad), que aunque ya existía años a (se cree que fue Punky Meadows, guitarrista de ANGEL, quien lo puso de moda) fueron ellos sus máximos exponentes. Hasta por eso se recordará a estos infravalorados chicos del "glam" más fiestero de finales de los '80.
(Mejor canción: "Every Rose has its Thorn").


        -Fue "Álbum del Año" para muchas importantes revistas de la época: Rolling Stone, Kerrang!, Sounds; sí, no fue el más exitoso en la carrera del grupo que lo realizó, pero él mismo recibió las ovaciones tanto de críticos como de público por embarcarse en tal proyecto. Eso consiguieron Queensrÿche al facturar "Operation: "Mindcrime"" el 3 de Mayo.

Hay que irse a finales de los '70 y empezar con el guitarrista Mike Wilton para saber cómo fueron los orígenes de este grupo que era una fuente de sonido habitual para todas las tascas de "heavy metal" en EE.UU.. En 1.980 Wilton unió fuerzas con el batería Scott Rockenfield que conoció en Seattle y así nació Cross+Fire y más tarde, tras tocar versiones de Iron Maiden o Judas Priest, a estos músicos se les añadieron el guitarrista Chris DeGarmo, antiguo amigo de Wilton, y el bajista Ed Jackson, cambiando su nombre por el de The Mob (Black Sabbath también influenció lo suyo en su época con Dio). Con ganas de tocar en algún que otro festival local buscaron un cantante adecuado para ellos, y llegaron a fijarse en el "frontman" de Babylon, Geoff Tate. Decidió colaborar, pero no resistió mucho porque no le interesaba sólo hacer versiones. The Mob, ya en 1.981, decidieron grabar unas cuantas maquetas. Sin vocalista fijo se llamó de nuevo a Tate. Las cuatro canciones fueron rechazadas hasta que llegaron a Easy Street Records, propiedad de Kim Harris, quienes les ofrecieron un contrato y, tras bastantes negociaciones y movimientos de hilos por aquí y por allá, pusieron en rotación varias "demos" a través de 206 Records, aunque antes de eso había que volver a cambiar de título. De The Mob se llamaron primero Queen of the Reich, como una de sus maquetas, pero para evitar parecer "heavies" nazis jugaron con el nombre y lo modificaron a Queensrÿche. Aquel primer EP tuvo mucha difusión, incluso internacionalmente para sólo un puñado de copias que salieron. Hablamos de 1.983 y Tate regresa al grupo después de un cambio de impresiones que tuvo tras marcharse anteriormente otra vez. En ese año ganaron popularidad poco a poco y abrieron para otras bandas.



En uno de esos conciertos estaba uno de los ejecutivos de EMI, Mavis Brodey, convencido hasta la saciedad por Kim Harris para que viera al grupo. En efecto no se decepcionó con los chicos e "ipso facto" les entregó un contrato con la gran empresa. ¿Estar en la casa discográfica de Deep Purple, Iron Maiden y Scorpions? Fue algo que no se podía rechazar. El EP se rehizo y entró moderadamente en el Billboard, aunque eso les hizo abrir para grandes nombres del momento, como Twisted Sister, DIO o Quiet Riot. En 1.984 ya grabaron su primer disco, "The Warning", junto al productor James Guthrie. Lo que ofrecían Queensrÿche no eran teclados ni "glam" ni comercialidad al uso, lo suyo era puro y duro "heavy metal"; la esencia de Iron Maiden estaba en su sonido. Tuvieron la suerte de telonear a KISS en su "Animalize Tour" para promocionarse, y ya en 1.986 salió "Rage for Order", un más que digno LP donde experimentaban con teclados, variaciones hacia lo progresivo y unas letras mucho más políticas y socialmente críticas, aunque la discográfica pretendiera que el grupo adoptara una imagen "hair" apropiada para aquel año. Fue Oro y llegó al 47 en el Billboard (gran seña de que el "heavy" clásico en aquel momento tenía poco que hacer), lo que hizo que aumentara la base de fans sobremanera gracias, además, a los tours y giras frenéticas con Bon Jovi y Ozzy. Pero entonces la banda se guardaba algo que querían hacer, un as bajo la manga, un trabajo de categoría para no ser nombrada como "una de esas bandas típicas de los '80" en años futuros. Y ese as se llamó "Operation: "Mindcrime"". Un intento por realizar un álbum conceptual épico y de proporciones colosales (porque si Maiden pudieron con "Seventh Son of a Seventh Son"...¿ellos no iban a poder?). Dicho álbum narra una historia más cruda y oscura y menos fantasiosa que la del grupo británico. Así, cada canción cuenta una parte de la misma. Vamos a desgranarla:

      

  -La suite "I Remember Now/Anarchy X/Revolution Calling" nos mete en la travesía que vamos a realizar, girando todo alrededor del heroinómano y anteriormente radical frustrado Nikki que, tirado en una camilla, es incapaz de recordar su pasado, hasta que todas esas imágenes regresan a él violentamente. Su desprecio por la sociedad hipócrita, manipuladora y corrupta que le rodea y dado a su pobreza económica hace que termine colaborando para una supuesta organización secreta dispuesta a organizar una revolución inminente.

        -Ya "Operation: "Mindcrime"" nos da detalles de esto; a la cabeza de esa secta se halla un misterioso político y demagogo, el Dr. "X", que consigue lavar el cerebro de Nikki y volverle una marioneta y un asesino pronunciado simplemente la palabra "mindcrime".

        -El querer hacer que  la sociedad tome conciencia y se termine con el sistema decadente lo escuchamos en "Speak" ("¡Escuchadme!", nos grita Tate) y "Spreading the Disease".

        -A través de un sacerdote corrupto, el padre Williams, a Nikki les son ofrecidos los servicios de una prostituta metida a monja llamada Mary. Una parte más oscura viene aquí con "The Mission", cuando "X" descubre que Nikki empieza a cuestionarse su trabajo al encariñarse con Mary, ya que despierta poco a poco de su control. Se cierra así la primera cara...

        -La extensa "Suite "Sister Mary"" habla de la la orden que le es encomendada a Nikki. Él ha de asesinar ahora a la monja y al padre Williams. De hecho él va a la iglesia y mata al cura, pero al intentarlo con ella se ve incapaz, así que toma una decisión...la de huir.
        -Se lo comunica a su manipulador con el sonido de "The Needle Lies", que  acelera de nuevo el tono con rápidos "riffs" y ritmos frenéticos.

        -Al decirle el Dr. que él es sólo un adicto y de que sólo sobrevivirá si cumple sus órdenes, ya que sólo él le puede proporcionar su dosis diaria, éste se va a buscar a Mary pero se la encuentra muerta, algo que nos cuenta "Electric Requiem/Breaking the Silence".

        -Seguidamente llega "I Don't Believe in Love/Waiting for Twenty-two", con Nikki preguntándose si es que la mató sin saberlo o qué ocurrió de verdad ("¿Qué has hecho?", se pregunta el personaje rompiendo en gritos). La verdad era que ella se suicida antes de que muera él, pero es algo que Nikki desconoce, comenzado a caer en un círculo de locura infinito. Corre por las calles, la busca desesperadamente, la llama a gritos, pero no da con ella.

        -La policía le encuentra y descubren que lleva un arma. Así le arrestan por ser sospechoso del asesinato del Padre Williams y de Mary. "My Empty Room/Eyes of a Stranger" termina diciéndonos que él sufre practicamente de pérdida de memoria, y es hospitalizado en un manicomio, donde ve en la televisión las noticias, informando sobre una reciente ola de asesinatos políticos. "Lo recuerdo ahora", termina diciendo, volviendo al principio de toda la historia.

Una obra de arte bien revisada. El sonido del grupo se eleva a otro nivel. Dramática, fantasiosa, oscura, violenta, realista, surrealista, trágica, impactante...todo eso es "Operation: "Mindcrime"", un LP que hay escuchar de vez en cuando para rememorar una auténtica joya del género. Sólo llegó al 50 en Billboard, al 58 en Gran Bretaña y al 75 en Canadá...toda una injusticia; una de las mayores que se cometieron, pero al final fue Platino poco después en EE.UU., por ello Queensrÿche siguen estando muy orgullosos.

(Mejor canción: "Suite "Sister Mary"").



        -De todas las bandas de "glam metal" y "hair" que surgieron en la segunda mitad de los '80, seguramente Cinderella sea una de las más dignas, sino la que más.

Su debut, "Night Songs", se dio el mismo año que el "Look What the Cat Dragged In", de los otros "glammies" Poison, pero la historia de la banda realmente comenzó tres años antes, en Philadelphia, cuando el guitarrista/vocalista Tom Keifer decidió formar una banda junto al bajista Eric Brittingham, luego uniéndose Michael Smith (guitarrista) y Tony Destra (batería). Estos dos músicos se separarían de Keifer para formar más tarde Britny Fox, otra de las bandas de "heavy glam" de finales de década (quienes, aquel mismo 1.988, sacaron un más que correcto debut).

El cuarteto empezaba a ganarse una pequeña reputación tocando en clubs y bares; se dice que el mismísimo Gene Simmons (cazarrecompensas de marca mayor) se interesó por ellos para llevarlos a Polygram, pero declinaron esa oferta, quizá por el entrometido de Jon Bon Jovi. El vocalista de los de New Jersey vio en el Empire Rock Club de Philadelphia al grupo y quedó maravillado con ellos, tanto que fue a ver a uno de los hombres de A&R, Derek Shulman, para que fuera a verlos y firmar por ellos antes de que se adelantara otro. Así fue como se cruzaron.

Shulman no andaba muy convencido y quería ofrecer primero un contrato de seis meses, pero tras unas arduas negociaciones acabó cogiéndoles y Cinderella quedaron dentro de Mercury Records y llegaron el guitarrista Jeff LaBar y el batería James Drnec. La grabación de ese primer LP fue un tanto dispar, en algunas canciones tuvo que ocupar las baquetas un músico de sesión llamado Jody Cortez y luego entró en la nave Al Barker. El trabajo se hizo con la colaboración de Tony Mills, Jeff Paris y hasta de Bon Jovi, que prestó su voz para los coros. Aquel primer esfuerzo conjunto tuvo de nombre "Night Songs" y fue un verdadero exitazo de ventas, llegando al 3 en el Billboard con Doble Platino y al 15 en Canadá.

La música que se hallaba dentro era una mezcla explosiva del "hard rock" de toda la vida a lo AC/DC (la voz de Keifer era lo mejor) y un glamour típico de esas formaciones de los '80, tipo Great White o Rough Cutt. Sus canciones tuvieron mucha rotación en la radio, sus vídeos en la MTV y los críticos alabaron el disco y las canciones salvo, como se dijo, "la horrible portada" (que no era otra que los cuatro miembros engalanados de arriba a abajo con unas pintas de lo más "hair" en una calle con un humo violeta por detrás). En el programa VH1 "Night Songs" quedó 5.º en la lista de Los Mejores 5 Álbumes con las Peores  Portadas (había "tops" para todo). A pesar de eso Cinderella tuvo un comienzo de lo más prometedor en el mundo del "rock", abriendo, después de la entrada del batería Fred Coury, para grandes como Van Halen, Bon Jovi, los japoneses LOUDNESS y David Lee Roth.

Pero algo estaba a punto de cambiar en el sonido del grupo. Tom Keifer, compositor de todos los temas, decidió mover el estilo del grupo en otra dirección, lo que significaba desvincularse del saco en el que les habían metido, porque ciertamente Cinderella poco tenían que ver con Poison, RATT o Autograph (también buenas bandas, pero de matices diferentes). Keifer se introdujo, al igual que harían otros como Great White, Bon Jovi o KISS, en unos derroteros más "blueseros" y puramente "hard rockeros", rindiendo el merecido tributo a los clásicos que amaba, donde se hallaban Aerosmith, The Rolling Stones, AC/DC, Humble Pie, Deep Purple y un larguísimo etcétera. Para la nueva obra se contó con más personal de lo habitual; figuraron, entre otros, el guitarrista Jay Levin, Richard Criniti al piano y órgano, John Webster a los teclados y los baterías Denny Carmassi y Cozy Powell. Volvieron a tener a Andy Johns en la producción, pero también se encargaron de ella Keifer y Brittingham, para darle ese nuevo sonido que se deseaba...y el resultado no pudo ser mejor.

El 21 de Mayo sale a la venta la obra maestra, "Long Cold Winter", con una posición 10 en el Billboard y teniendo el Doble Platino casi instantáneamente como su predecesor, y que pronto sería Triple Platino; se queda en la 30.ª en Gran Bretaña, en la 24.ª en Canadá y coloca nada menos que cuatro "singles" en los Hot 100. Dicho LP descoloca a todo el mundo, que recibió con sorpresa el giro que dieron musicalmente, y un sector mucho más clásico empiezan a verles como grandes sucesores de las bandas de "hard rock" de los '70. Ciertamente dejaron cautivados a crítica y público por el esfuerzo, que merece más de una escucha para saber qué se está escuchando.



Abre "Bad Seamstress Blues/Fallin' Apart at the Seams" con una introducción de lo más setentera con esa guitarra tan "bluesy", las harmónicas de fondo y la voz tan cazallosa y sureña de Keifer, un combo de las gargantas de Rusty Day y Ronnie Van Zant, para pasar a la segunda parte, más a lo AC/DC y Aerosmith (en uno). Los gritos desgarradores de Keifer, el adictivo ritmo de Brittingham y Coury y los sensuales "riffs" de LaBar garantizan un comienzo de lo más grandioso. En la misma línea tenemos el intenso "blues""Long Cold Winter", que lo podrían haber interpretado Stan Webb o Billy Gibbons, pero no, es Jeff LaBar de Cinderella en su máxima expresión, siendo esta la mejor canción del disco y quizá de toda su discografía. Los dedos del guitarrista se queman tocando notas llenas de sentimiento y Keifer se deja las cuerdas vocales para facturar una maravilla musical de otra época.
Del mismo modo también encontramos las más potentes y comerciales "If you Don't Like It", "Gypsy Road" (51.ª en el Hot 100), "Fire And Ice", o "Take me Back"; cortes de básico y divertido "rock" de los que Aerosmith habrán recomendado más de una vez. Se completa el repertorio con las melódicas "Coming Home" (20.ª), "The Last Mile" (36.ª) y esa preciosa balada que puede pasar como una de las más brillantes de los '80, "Don't Know What you Got till it's Gone" (una que Dan McCafferty o Kevin DuBrow hubieran soñado cantar) y que se puso 12.ª en el Billboard Hot 100.

En resumen, que en vez de quedarse como dólmenes y ser encasillados, los chicos de Philadelphia hicieron bien al apartarse del resto de sus coétaneos para que cuando se les nombrara no se hiciera como una banda más de "glam metal" de los '80. Un enorme tour con Ozzy Osbourne, Bon Jovi, Scorpions y Mötley Crüe les puso en la cúspide de su carrera. Cinderella tenían ya su hueco en la Historia del "rock" y negar eso es una estupidez.

(Mejor canción: "Long Cold Winter").



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Rock Progresivo Español.Rompiendo la oscuridad: MÚSICA URBANA (colaboración de Félix Jota)

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Banda de jazz-rock catalana liderada por el arreglista y compositor Joan Albert Amargós, que recluta a varios músicos de Máquina! con la idea de formar un supergrupo, con aires mediterráneos y algún toque andalucista. Para su primera formación decide contar con Enric Herrera y Emili Baleriora, pero después de algunas discrepancias, estos deciden abandonar tras los primeros ensayos. 


El primer disco, de título homónimo, se edita en 1976 ayudado de una buena promoción de la sala Zeleste. En formato single de promoción se editan los temas “Font” y “Caramels de mel”. Su concierto de debut fue en el Teatro Monumental de Madrid, con bastante éxito, lo que les lleva a hacer más directos, alguno de ellos acompañando a Serrat y a Guillermina Motta. 



Participan también en el Canet Roc, Festa de Lluna Plena, el 30 de julio de 1977, junto a Pau Riba y Oriol Tramvia entre otros.  Esta actuación quedó registrada en el doble Lp “Canet Roc”, editado por RCA ese mismo año. El tema, “Agost”. Junto a su primo y guitarrista Feliu Gasull , graba en el 77 “Feliu i Joan Albert”, un disco lleno de excelentes toques de piano y guitarra flamenca.


 Con Blay Tritono y La Rondalla de la Costa aparecen en el disco “Tatuaje”, banda sonora original de la película de Bigas Luna, con arreglos y dirección musical a cargo de Amargós, basados en piezas de Toni Amorós. Grabado en los Estudios Gema 1 de Barcelona en otoño de 1976 y publicado al año siguiente por Zeleste-Edigsa.


  Para la grabación de “Iberia”, en 1978, entran en el grupo Jordi Bonell, Jaume Cortadellas y Matthew L. Simon, tras el abandono del guitarrista Cabanach y de Lucky Guri. Este nuevo trabajo se graba en Madrid, con cambio de sello discográfico, RCA, y con tintes más progresivos que el anterior. Cabe destacar el tema "Invitation au xiulet" y el más largo y que cierra la Cara B, “Vacances perdudes”, con una duración de algo más de doce minutos. 

En 1979 actúan en “Popgrama”, en TVE, y en el Festival de Jazz de San Sebastián acompañando a Jordi Sabatés, pero sin la presencia de Amargós. Estuvieron discretos, aunque luego, con la formación al completo dieron uno de sus mejores conciertos. El último de su corta trayectoria. Punto y seguido para Amargós. Con Carles Benavent publica algunos trabajos de jazz fusión como “Dos de copas” (1983) y “Colors” (1991).

  Afortunadamente, sus dos discos están reeditados en formato Cd, aunque todavía se pueden conseguir en vinilo a un precio módico. A ver si en breve tenemos reedición de “Tatuaje”.


DISCOGRAFÍA:

Música Urbana 
(Zeleste-Edigsa 1976) Referencia UM-2033 LP
   (PDI 1994) Referencia X-80.3331 CD
      (Picap 2009) Referencia 910811-01 CD




Temas
“Agost” (J. A. Amargós).
“Violeta” (J. A. Amargós).
“Vacas, toros y toreros” (J. A. Amargós).
“Font” (C. Benavent).
“Caramels de mel” (J. A. Amargós).
“El Vesubio azul” (J. A. Amargós).

Formación
JOAN ALBERT AMARGÓS: Piano, Clavicordio, Sintetizador Moog, Saxo, Clarinete, Flauta, Trombón y Violins Logan
LLUIS CABANACH: Guitarras
CARLES BENAVENT: Bajo, Contrabajo y Guitarra Acústica
SALVADOR FONT: Percusión
LUCKY GURI: Teclados y Sintetizador Moog
AURORA AMARGÓS: Castañuelas

B.S.O. Tatuaje
(Zeleste-Edigsa 1977) Referencia UM-2037 LP




Iberia 
(RCA Victor 1978) Referencia PL-35177 LP
           (Nuevos Medios 1996) Referencia 15 645 CD




Temas
Temas

1 En Buenas Manos 00:00
2 Invitation Au "Xiulet" 04:53 
3 "Pasacalle" De Nit 12:52 
4 Pasodoble Balear 16:01 
5 Vacances Perdudes 24:11


Formación
JOAN ALBERT AMARGÓS: Teclados, Saxo, Clarinete y Silbidos
CARLES BENAVENT: Bajo Eléctrico, Mandolina y Cuica
SALVADOR FONT: Batería y Percusión
JORDI BONELL: Guitarras
MATTEW L. SIMON: Trompeta y Fliscorno
JAUME CORTADELLAS: Flautín y Flautas




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Jerry Garcia & Merl Saunders / Keystone Companions: The Complete 1973 Fantasy Recordings 4CD

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Jerry Garcia y Merl Saunder colaboraron estrechamente durante muchos años fruto de la cual hoy podemos disfrutar de verdaderas joyas musicales. Hoy vamos a analizar una de ellas.


Merl Saunders (teclista) nació en el pueblo californiano de San Mateo en 1.934. A los 10 años ya tocaba el piano. Fue discípulo del gran Jimmy Smith. Colaboró con multiples artistas de la talla de Harry Belafonte , Frank Sinatra , Lionel Hampton , Miles Davis , BB King , Bonnie Raitt , Paul Butterfield  y por supuesto Jerry Garcia.  Con más de veinte discos en el mercado murió en 2.008.

Jerry García (guitarra) nació en San Francisco en  1.942. Líder indiscutible de una banda de culto, Grateful Dead, y con una innumerable lista de grabaciones con muy diversas formaciones. Un auténtico icono de la psicodelia. Un ataque al corazón acabo con su vida en 1.995.

La colaboración de estos dos genios comenzó en los inicios de la década de los 70. Era muy habitual verlos actuar en el mítico local, Matrix de San Francisco. En el 72 Merl Saunders edita "Heavy Turbulence" teniendo como guitarrista a Jerry Garcia. Sus colaboraciones serían multiples en diversos discos, proyectos (The Legion of Maria, Reconstruction, etc) y actuaciones. Se dice que Merl enseñó algo de la teoría musical del jazz a Garcia y le ayudó a recuperarse después del coma diabético.


La grabación nos muestra la actuación de Jerry Garcia (guitarra) y su amigo Merl Saunders (teclados), acompañados por John Kahn(bajo) y Bill Vitt (batería). Dicho evento se celebró los días  10 y 11 de Julio de 1973 en el Keystone club en Berkeley. Esta edición consta de cuatro Cd's, anteriormente se habían editado otras en formato doble. El setlist lo componen versiones de temas muy conocidos (podemos encontrar varias de Dylan y  el   'The Harder They Come" de Jimmy Cliff) y multitud de pasajes que son exquisitas jams sessions. Un paseo por el blues, jazz, rock, etc. Todo bien mezclado y sabiamente agitado. Un placer para los sentidos.




CD 1:

1. Hi-Heel Sneakers
2. Keepers [Previously Unreleased Take]
3. The Harder They Come
4. It Takes A Lot To Laugh, It Takes A Train To Cry [Previously Unreleased Take] 
5. It's Too Late (She's Gone) 
6. My Funny Valentine [Previously Unreleased Take] 
7. Mystery Train

CD 2:

1. I Second That Emotion 
2. Someday Baby 
3. Merl's Tune 
4. It Ain't No Use 
5. Positively 4th Street 
6. How Sweet It Is (To Be Loved By You) [Previously Unreleased Take]

CD 3:

1. It Takes A Lot To Laugh, It Takes A Train To Cry
2. Keepers
3. One Kind Favor
4. That's All Right, Mama 
5. The Harder They Come [Previously Unreleased Take]
6. My Funny Valentine 
7. Money Honey

CD 4:

1. Someday Baby [Previously Unreleased Take]
2. Merl's Tune [Previously Unreleased Take]
3. Like A Road Leading Home
4. How Sweet It Is (To Be Loved By You)


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Ensayos sobre un sonido (EM):ROBERT SCHRODER - Floating Music (1980) (colaboración J.J. Iglesias)

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El título  de este disco ya nos dice todo. Nacido en Aachen (Alemania), Robert Schroder puede ser considerado como el primero de los nuevos sintetistas de la segunda generación kraut. Constructor de sus propios modulares, entabló  una fuerte amistad con Klaus Schulze (aka "el puto amo"), "acosándole" con cartas y cintas conteniendo su música. Su insistencia dio resultado, y Schulze se interesó  por su obra. Fichándole para su sello Innovative Communication (IC). De allí  saldrían  nombres como  Baffo Banfi , Mickie D's Unicorn, Din A Testbild o P'Cock. 


En 1979 Schroder debuta con el romántico  (y recomendado) "Harmonic Ascendant". Donde la guitarra acústica y el cello tenían  un papel preponderante, a la par que los planeadores  teclados. Al año siguiente edita "Floating Music", de nuevo producido por Klaus Schulze. Esta vez son los sintes de Schroder los protagonistas absolutos. Según  el texto de la contraportada escrito por Schulze, éste  vinilo fue grabado a 45 rpm para una perfecta resolución  de sonido. Pero puede ser tocado a 33 rpm para conseguir un efecto diferente. Entiendo su propuesta, dado que hablamos de abstracción  musical, pero no puedo imaginar ni un sólo disco del planeta en que poniéndolo  a otras revoluciones no te dé  un "efecto diferente"....


"Floating Music"/"Divine my Future"/"Pastime" componen la cara A en casi 18 minutos de música ininterrumpida. De corte berlinés,  sí,  pero si de algo se le puede "acusar" a Schroder es de tratar de ser siempre desesperadamente original. Encadena de forma natural, sin alejarse de su estilo romántico  y debussyano. Sólo al final de la suite se lanza a un juego rítmico que resuelve como su epílogo. 

Dando la vuelta al vinilo volvemos a tener cinco títulos que van enlazados y con duración  similar a su lado gemelo.

"Out of Control" crea construcciones secuenciales no alejadas de la banda de Froese por esos años. Su sentido de la melodía es muy resaltable. Tanto que podríamos  decir supera en ese campo al propio Schulze, a pesar de estar muy influido por él . Las reiteraciones evolutivas son tejidas  con inteligencia, adentrándote en su mundo con pasmosa naturalidad. 

En "Meditation for the next part" tenemos uno de los momentos cumbres de la escucha. Mientras que las finales "Shadows in the night"/"Rotary Motion" (recuerda, siempre unidas) atraen ambientes misteriosos de rítmica electrónica  in crescendo. Formando un clímax "rockero" ( si trasladamos los sintetizadores a guitarras eléctricas  sonaría a hard rock!!!) de innegable originalidad. 

Sus cinco primeros discos no decepcionan. Después ya hay que ir con cuidado en su discografía,  pues ha picoteado de todo entre la veintena de su producción. De todos modos, Robert Schroder es otro valor de peso si hablamos de progresivo electrónica. Y este disco es un muy buen exponente de su gran creatividad.




Temas
A1 Floating Music 
A2 Divine Future 
A3 Pastime 
B1 Out Of Control 
B2 Visions 
B3 Meditation For The Next Part 
B4 Shadows In The Night 
B5 Rotary Motion




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Estus - Estus

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Nuevamente tenemos en Rockliquias a Marc Bell, más conocido como Marky Ramone. Ya hablamos de él en su etapa en Dust. Hoy lo tenemos en Estus, un grupo muy diferente a lo que haría posteriormente en los Ramones.


Marc Bell después de finalizar su proyecto con los Dust decide incorporare a Estus  (1.973) junto con Tom Nicholas (voz, guitarra), John Nicholas (bajo, voz) y Harry Rumpf (teclados, voz). Abren algunos conciertos para grupos como Aerosmith, Quicksilver Messsenger Service y B.B. King.  En el 73 editan "Estus" y prácticamente firman su desaparición.


Los Estus nos presenta un hard rock psicodélico light. Voces suaves, demasiado para mi gusto, acompañadas de buenos riffs de guitarra y en ocasiones una sección de cuerda. El disco se inicia con una pegadiza "90 M.P. H.", de las más destacadas de la grabación."On The Wings " combina la citada sección de cuerda con buenísimos solos de guitarra. " McCloud" es un corto instrumental para el lucimiento de su guitarrista Tom Nicholas. "Goodbye" y "Inside Out You Look The same" mantienen un ambiente relativamente relajado hasta llegar al tema más recomendable "Sweet Children". En definitiva un disco que sin ser una joya nos puede hacer pasar un buen rato y de paso volvemos a recordar al bueno de Marc ( Marky Ramone).




Temas
1.  90 M.P.H. (Tom Nicholas) - 00:00 
2.  On The Wings (John Nicholas, Tom Nicholas) -  04:27
3.  McCloud (Tom Nicholas) - 11:40 
4.  Goodbye (J. Nicholas, T. Nicholas) - 14:09 
5.  Inside Out You Look The same (John Nicholas) - 19:14 
6.  Sweet Children (J. Nicholas) - 24:44 
7.  Truckin’ Man (J. Nicholas, T. Nicholas) - 30:59 
8.  In The Morning (Harry Rumpf) - 35:05 
9.  B.M.D. (J. Nicholas, T. Nicholas) - 39:43 

Formación
Tom Nicholas - voz, guitarra, teclados
John Nicholas - bajo , voz
Harry Rumpf - voz, guitarra, teclados
Marc Bell: batería

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EMERSON, LAKE AND POWELL - Emerson, Lake and Powell (1986) (colaboración J.J. Iglesias)

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"Keith Emerson, bye. Se va una parte de mi vida". Este mail se lo mandé  a mi querido amigo, y boss de éste  blog, Juan Carlos Miñana. A lo que él  me contestó :" Y de la mía ". Así,  escueto, con pocas palabras. No hacían  falta. Porque estoy seguro que al igual que yo, le habían  invadido un torbellino de recuerdos de nuestra adolescencia. En la que la música  de Emerson, Lake and Palmer fue nuestra constante banda sonora. 


Esos mismos recuerdos que me asaetearon cuando entré  en la Sala Apolo de Barcelona, un 25 de Noviembre de 2005. Y me encontré  frente a frente con el inmenso prototipo modular Moog tantas veces visto y soñado en innumerables fotos. Tuve el placer de ver a la Keith Emerson Band, junto a unos cientos de personas, en aquel único  y sensacional concierto. Uno de los mejores de mi vida. Con una suite que estrenaba de 50 mts (que luego editaria en 2008). Con un "Tarkus" guitarrero y devastador. Con un Emerson simpático  y amable, dándolo  todo sin importar que aquello no fuera un macro estadio lleno hasta la bandera. Al terminar el show, intenté  sin éxito  que me firmará el box set de "The Return of the Manticore". No pudo ser. Había  otros vips de Barcelona que tenían  su enchufe para ver al maestro. 

Mientras que su guitarrista, era ignorado como un Don nadie. Entable  conversación  con él. Hablamos de Quango y lo difícil,  por aquellos días, de trabajar con un John Wetton que estaba semidestruido  por su adicción  al alcohol. Algo que por fortuna, terminó  bien para el ex-Crimson. Aquel ignorado guitarrista sería  requerido después  por Roger Waters para su gira mundial de "The Wall". Y hoy está  "a la derecha de Dios padre" como guitarra de la Steven Wilson Band. Era Dave Kilminster. Emerson siempre supo rodearse de los mejores. Y como la historia tiende siempre a resumirse con injustos tópicos,  os hablaré  de que, si se me permite el chiste malo de humor negro, hubo vida para Emerson después  de su aclamado trío. Hay algo más  que "Trilogys", "Tarkus" y "Karn Evil 9s". Nadie ha reparado en el legado post-ELP que deja el gran Emerson.  Comenzando con su "Piano Concertó n 1" del "Works". Toda una cara de piano clásico  a la altura de Prokofiev. Y mi pieza favorita del Maestro.


En 1986 lanza este más  que notable "Emerson, Lake and Powell". Demostrando una vez más,  que siempre se juntó  con  los mejores. En "The Score" (9'10), Cozy Powell atrona  parches entre sonidos épicos  de Kurzweil y Korg. Mientras que "Learning to Fly" (3'52) y "The Miracle" (7'02) hacen brillar a un Lake perfecto para tesituras Pomp.

La cara B anuncia fanfarrias de circo romano con la especial "Touch and Go" (3'35). "Love Blind" (3'08) es una delicia de esas que borda Greg Lake, con arropo perfecto del Maestro. La jazzy-blues "Step Aside"(3'42) nos recuerda una de las fuertes influencias de Keith, el jazz. Te recomiendo que veas su mano a mano con Óscar Peterson en dvd. Lake en su salsa baladistica maravillosa en " Lay Down your Guns" (4'20). Finalizando con la tremenda versión  de "Mars, The Bringer of War" (7'53) de "The Planets", de Gustav Holst.  Olvida a Diamond Head y más a Metallica. Esta pieza se hizo para la magnificencia  teclistica de Keith Emerson. 

Un discazo de notable alto que repetiría  puntuación  al año siguiente con Three (o Emerson, Berry and Palmer). Dejando claro que las diferencias siempre fueron entre Lake y Palmer. Suma el monstruoso live "Boys Club Live  from California" de Emerson, Marc Bonilla y Glenn Hughes. Has oído "Tarkus" en la voz del ex-Deep Purple?!!! Fuera de este mundo. El orquestal "Three Fates" con Terje Mikkelsen. Esto por la parte de álbumes notables. De sobresaliente, "Inferno", banda sonora de la película  de Darío Argento. Y "Keith Emerson Band featuring Marc Bonilla" del 2008. Estoy seguro que si indagas vas a sacar más  material relevante del Maestro ("Changing States", por ejemplo).

No puedo añadir mucho más de lo que ha significado éste  músico  para mí.  Mi fanzine "Atropos" se llamó  así  por él. Y mi figura de resina de Rock Iconz acompaña siempre mis audiciones. Seguro que ahora se lo está  pasando pipa con su nueva formación : Emerson, Lemmy and Powell. ELP, al fin y al cabo.





Temas

The Score9:10
Learning To Fly3:52
The Miracle7:02
Touch And Go3:35
Love Blind3:08
Step Aside3:42
Lay Down Your Guns4:20
Mars, The Bringer Of War7:53


Formación
Keith Emerson – teclados
Greg Lake – voz, bajo, guitarra
Cozy Powell – batería

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Rockliquias en los 80: 1.988 Part. 2 (colaboración Christian Jiménez)

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Y con esto concluye el penúltimo año de esta genial década:

        -Al igual que resultaba imposible pasar por los '80 sin hablar de la divas del "hard rock" Lita Ford también resulta imposible hacerlo sin colmar de elogios a quien fue y será (aunque ya no esté entre nosotros) uno de los más hábiles guitarristas del "heavy metal", hoy cumpliéndose ya once años y tres meses de su trágico asesinato, "Dimebag" Darrell Abbott.

Para hablar de esta pequeña joya del género, hoy ya olvidada por el 90% de los fans del grupo junto con todos los demás discos de su etapa ochentera, hay que irse un poco más lejos. Hasta más o menos 1.985, cuando increíblemente Pantera habían sido considerados como algo más que la típica banda local que copiaba la música de los grandes. Cierto es que ellos alababan y se influenciaron de monstruos inalcanzables como Scorpions, Van Halen, Judas Priest o sus más coetáneos Mötley Crüe, pero a partir del tercer disco del grupo se empezó a perfilar su futura silueta de gran formación dentro del mundo del "heavy". Ese disco fue "I Am the Night", una rareza digna de coleccionarse para conocer el pasado de Darrell & co.. El LP salió con apenas 30.000 copias, y en él el "glam" de los comienzos empezaba a tornarse con furia hacia un "heavy" con toques de ACCEPT, pinceladas de Quiet Riot y reminiscencias de los KISS más metálicos. Pero en todo esto se veían una serie de tensiones en el seno de la banda; mientras Darrell deseaba virar el sonido hacia caminos más duros el vocalista Terry Glaze quería seguir manteniéndose dentro del estilo "glam/hair" que tanto estaba de moda en aquellos momentos. Podemos encontrar alguna que otra similitud en la relación entre Glaze y "Dimebag" y la que tuvieron que finiquitar un año antes Eddie Van Halen y David L. Roth; en fin...que el sr. Glaze se marchó con viento fresco.

Y es que al guitarrista le tiraba más el otro movimiento que tan en boga estaba también en la época, el del "thrash". Tuvieron una influencia importante los trabajos "Master of Puppets" (Metallica), "Peace Sells, but Who's Buying?" (Megadeth), "Reign in Blood" (SLAYER) y "Spreading the Disease" (Anthrax) para el tejano. Ése era el contexto en el que quería enmarcar su estilo, también respetando sus miras de clásico "heavy". Pantera se mantuvo en un paréntesis total probando nuevos cantantes que encajar con el cambio que pretendía el líder. Se consideró a Richard Mythiasin, que ya militó en Agent Steel, y a Matt L'Amour, de DIAMOND, entre otros, pero la atención recayó en un nativo de Nueva Orleans llamado Phil Anselmo, que ya había estado en otras bandas.

"Dimebag", que era un ser inquieto para eso de la música, junto con su hermano Vinnie Paul y el bajista Rex Rocker ya llevaban compuesto parte del material. Cuando llegó el nuevo vocalista ya estaba prácticamente todo realizado. Como él mismo dijo "yo me encontré en una sala con un micrófono delante, eso es todo". Se volvió a recurrir a los estudios de siempre, Metal Magic, propiedad del padre de Vinnie Paul y Darrell; aquel, junto con el que era guitarrista de KEEL, Marc Ferrari, se encargaron de la producción, lo que le dio un matiz diferente a todo el conjunto comparado con los trabajos anteriores. Ferrari, además, cedió un tema de su propia cosecha que se pretendió incluir en el álbum de KEEL de 1.987, "Keel".

Entre las anécdotas a contar está esa de que el mismísimo Dave Mustaine invitó a Darrell a unirse a sus Megadeth; casi sucedió si no hubiese sido porque el líder de aquel grupo rechazara la propuesta de "Dimebag", que no era otra que la de que en el lote metiera también a su hermano, pero Megadeth ya contaba con un batería, así que se declinó aquella jugosa oferta. Ya hechas las canciones con muchos cambios de enfoque musical y grabado el disco, éste se puso a la venta el mes de Mayo y cosa curiosa acabó en el Billboard estadounidense figurando en la posición 133, atrayendo la atención de unos cuantos fanáticos del mundillo. Quizá no fuese un "Pyromania" o un "Defenders of the Faith", pero sí un disco al que hay prestarle un poco de atención. El tópico de ignorar la etapa anterior a los '90 de los tejanos hay que desterrarlo ya, porque "Power Metal" puede quedar perfectamente como uno de los LP's más intensos de finales de los '80, y quien diga lo contrario es que carece de oído. El disco, de diez temas y menos de 40 minutos, es un tratado breve pero arrollador de puro "heavy metal", inclemente y afilado, sin concesiones. El "glam" predominante de los tres anteriores desaparece sin dejar rastro y todo lo que queda es una base feroz y llena de rabia. Si "Cowboys from Hell" fue la joya de Pantera "Power Metal" fue el diamante en bruto, aquel que sólo necesitaba pulirse un poco, pero que en su áspera superficie ya se apreciaban las aristas que determinarían el futuro éxito del grupo.

Se nos presentan auténticos himnos al "heavy" más clásico, como "Proud to be Loud" o el inicial "Rock the World", una declaración de principios que ya dejaba claro quienes eran Pantera y que tenían mucho que demostrar, pero vemos que hay una amalgama de vertientes musicales muy perceptible. "Over and Out", "Power Metal" y el corte "Down Below", regrabado aquí y perteneciente al "I Am the Night", sacan el lado más bestia de los chicos, especialmente el de Vinnie Paul y su doble bombo; devaneos hacia el "speed metal" y rozando las paredes del "thrash", son las piezas más abrasivas del LP, confluyendo con las más pesadas "P.S.T. 88" (cantada por "Dimebag"...que no es que gozara de mucha capacidad vocal este hombre), "Death Trap" y "Burn!", de corte más clásicamente ochentero. "We'll Meet Again" (teclado incluido tocado por Jerry, el padre de los hermanos Abbott) y "Hard Ride" son la prueba de que el aspecto más comercial no se ha ido aún; estas dos parecen ser épicas baladas pero no llegan a serlo, que se quedan a medio camino entre la furibunda interpretación de Anselmo y esos virtuosos solos que se marca Darrell en un abrir y cerrar de ojos (a recalcar el de "We'll Meet Again", porque es uno que merece atención). "Riffs" y solos de lo más irascibles a cargo de un "Dimebag" desquiciado, una base rítmica que destroza paredes de cemento y una de las voces más impresionantes que también se hayan visto en esto del "heavy".



Aquí Anselmo no canta con esas tonalidades tan graves y cavernosas que adoptaría más tarde en los posteriores álbumes; aquí se dedica a lanzar agudos imposibles, en la línea del mejor Halford, y estridentes gritos de tonos rasgados, todo ello haciendo gala de un pletórico rango vocal espectacular. La imagen también cambió: en la portada del álbum se podía ver a los cuatro integrantes (Anselmo con una mata de pelo que ya quisiera tener ahora) diciendo adiós a aquellos maquillajes tan aparatosos, camisetas con brillantina rasgadas, pelos cardados y a aquellos pantalones y leotardos tan coloridos. Su "look" era más serio: chaquetas de cuero negro, vaqueros, muñequeras también negras, cinturones de balas...pasarían por la típica banda "thrash" de los '80.

Poco después todo cambiaría. Llegarían los '90, Pantera ficharían por una discografica mucho más importante, olvidarían lo hecho y se renovarían totalmente, llegando a crear escuela con su nueva manera de hacer "metal". Junto a Exhorder llegaron a ser los máximos exponentes de lo conocido como "groove" (algo así como un "thrash" más melódico y de gran distorsión sonora). Pero antes de que la década terminase ya eran una banda de altura...es algo que se sabe sin tener que recurrir solamente al celebérrimo "Cowboys from Hell".

(Mejor canción: "Rock the World").




        -La última banda que pertenecía a esa sagrada cuadrilla que ya todos conocemos como "Los Cuatro Grandes". SLAYER fue un grupo que por una cosa u otra nunca lograba el estrellato como sí les sucedió a Megadeth o Metallica. Quizá por eso de que su imagen y letras estuvieran vinculadas con el satanismo...pero no como ocurría con Iron Maiden, realmente SLAYER han mantenido siempre una imagen satánica que les ha traído problemas más de una vez y el que sus canciones hayan hablado de cosas como torturas, invocaciones diabólicas o campos de concentración no les ha ayudado mucho.

Lejos de todo lo moral y ético uno se centra en lo puramente musical y ve lo que es SLAYER. Una de las mayores influencias del mundo del "thrash", siendo un referente para muchas bandas de "metal" extremo. Aunque no empezaron siéndolo y ya está. SLAYER se formó en 1.981 en la Costa Oeste entre el guitarrista Kerry King y el batería Dave Lombardo, uniéndose poco después el otro guitarra, Jeff Hanneman y el chileno de origen Tom Araya a la voz. Como coincidían en gustos tocaban en clubs sobre todo versiones de Judas Priest y Iron Maiden. Ahí ya fue cuando comenzaron a flirtear con pentagramas, cruces bocabajo y toda esa parafernalia diábolica. La oportunidad les llegó cuando abrieron para una banda llamada BITCH en el club Woodstock de Anaheim, ya que fueron presenciados por un antiguo periodista musical convertido en productor llamado Brian Slagel, propietario de Metal Blade Records. Cuando acabaron el buen hombre les ofreció que grabaran una canción para un recopilatorio llamado "Metal Massacre", a lo que aceptaron y así consiguieron su primer contrato. Siguiendo esa tónica en 1.983 los chicos se meten en el estudio, y sin dinero para hacer un LP en condiciones se ven obligados a autofinanciarse. De esas sesiones donde hasta los padres de King aportaron dinero surgió el primer álbum de "thrash metal" extremo.

Metallica no sonaban como estos cafres. SLAYER asentaron las bases de una nueva manera de entender el "metal" con "Show no Mercy". El debut supuso el salto al mundo de la fama para el grupo y para la discográfica. Así se pusieron a realizar tours, aún sin mucho dinero en los bolsillos, un EP llamado "Haunting the Chapel" y tuvieron que lidiar con la idea del guitarrista Kerry King cuando decidió irse a los Megadeth de Mustaine. Aquello hizo que el músico se encontrara en una encrucijada entre ambas formaciones durante un tiempo, pero regresó al seno de sus SLAYER. Mientras "Show no Mercy" continuaba haciendo dinero el grupo grabó su segundo disco, "Hell Awaits", donde se extendían en la duración y tornaban aún más oscuro su sonido en detrimento de la velocidad y la rapidez. Fue su primera incursión en lo que podríamos denominar "thrash" progresivo, siempre con la temática satánica de fondo, por supuesto. Gracias a "Hell Awaits" SLAYER ganaban cada vez más popularidad y se llegó a convertir en uno de los mejores LP's de 1.985, no sólo por la opinión del público sino también por la de la crítica. De Metal Blade pasaron a formar parte de Def Jam, al firmar con Russell Simmons, para meterse en su tercera creación con el productor Rick Rubin respaldándoles. Y de "Hell Awaits" se fueron al otro extremo con "Reign in Blood", uno de esos álbumes esenciales del estilo.

Éste dejó las estructuras complejas para otra ocasión y se centró en la rápidez de nuevo. Pero no es una rapidez caótica porque sí, sino una rapidez llena de matices y madurez...aunque a uno le cuesta encontrarla, puesto que es el más rápido de SLAYER y también el más cafre. Aunque Columbia se negara a distribuir el álbum lo hizo Geffen y así consiguieron un Oro y se metieron por fin en el Billboard apareciendo en la 90.ª posición. Para todos los fans es el mejor, es el que se llevarían a todas partes...pero "Reign in Blood" sólo sería la punta del iceberg. SLAYER se fueron de gira junto a bandas como WASP u Overkill, sufriendo el abandono de Lombardo por su precaria situación económica, siendo este reemplazado por Tony Scaglione, aunque el mítico batería regresó al poco después.

En 1.987 Rick Rubin insistió en que el grupo grabase la versión de "In-a-Gadda-da-Vida" para el film "Golpe al Sueño Americano" (la única manera de encontrar a Poison y SLAYER juntos). Los de California no estuvieron demasiado satisfechos con el producto final (Kerry King dijo que aquella versión era un pedazo de mi***a) pero el tema fue el primero de ellos que se emitió en la radio. Y llegamos a 1.988, cuando, junto a Rubin otra vez, se meten en los estudios Hit City West de Los Ángeles para dar forma a una creación que ni ellos mismos imaginarían. En esta ocasión vuelven a cambiar de miras; querían dar un vuelco a su música y no repetirse, querían seguir impactando. Fue la primera vez que se sentaron a discutir seriamente lo que iban a hacer. Así que echaron la vista atrás, a su "Hell Awaits", y sustituyeron la rapidez por algo más consistente.

"South of Heaven", que salió el 5 de Julio, es un giro en la autopista discográfica de SLAYER. Los tempos se reducen, suenan más oscuros y menos descabellados, más pesados y menos veloces. Se sigue manteniendo un nivel de violencia sonora increíble, pero las chispas de la llama que saltaban en "Reign in Blood" aquí se reducen y el fuego se apacigua bastante. Araya también modifica su forma de cantar, su agresividad desciende a la par que el sonido y prueba con agudos vocales que nunca había hecho. Es un LP para dejarse envolver, para entrar en su densa atmósfera de distorsionados solos salidos del Infierno y golpes de batería apocalípticos. A la primera no, pero tras dos o tres veces de escucha acaba gustando más y más.

La primera, "South of Heaven", abre con un "riff" muy Sabbath. Una canción pesada, dura, agresiva, que nos muestra lo originales y buenos que pueden ser los chicos; las "heavies""Live Undead" (atentos al agudo de Araya) y "Behind the Crooked Cross" son las que más nos pueden recordar a Metallica (por la voz sobre todo), aunque el estilo de SLAYER es inconfundible; se sigue la línea ya delimitada con piezas de lo más abrasadoras como "Read Between the Lies" o "Mandatory Suicide", se versionea la joya de los Priest "Dissident Aggressor" y se mantiene el espíritu juvenil de "Show no Mercy" en "Ghosts of War" y "Silent Scream". En contraposición tenemos la cambiante y épica "Spill the Blood", que cierra el álbum en la misma onda que "South of Heaven".



Fue el que menos le gustó a Kerry King, quizá porque su contribución a la causa fue menor que en anteriores ocasiones (estaba en el rollo ese del matrimonio), y fue toda una sorpresa para los seguidores y para la crítica del momento, que no lo miraron con buenos ojos al principio, pero SLAYER alcanzaron el puesto más alto del Billboard, el 57; "South of Heaven" fue Oro en tierras estadounidenses y canadienses, y llegó nada menos que al 25.º en Inglaterra, con Plata, y al 23.º en Alemania. Y, sobre todo, se puede considerar ya como el 4.º bastión del "thrash" junto a "Master of Puppets", "Peace Sells, but Who's Buying?" y "Among the Living" y como uno de los mejores discos de "thrash metal" de la Historia. Ahí es nada.

(Mejor canción: "South of Heaven").




        -En 1.986, MAGNUM eran una banda de "AOR" que había realizado el disco con el que se metieron definitivamente en el género, "Vigilante". Dicho LP tampoco era tan malo, simplemente, echando la vista atrás, resultó demasiado comercial en comparación con el anterior y mejor "On a Storyteller's Night", obra capital de la banda.

Aquel "Vigilante" consiguió un 24.º puesto en Inglaterra, exactamente el mismo que el previo, aunque la diferencia entre ambos es notable. Pero aquel hizo que las ventas de la compañía Polydor Records vieran un incremento bastante notable, así que con más presupuesto salieron los vídeos que promocionarían aún más a esos renovados MAGNUM. Con el éxito se embarcaron en tours incansablemente y en festivales; mientras tanto, los integrantes, en sus muchas giras por el Mundo ya iban componiendo el material para su próximo disco. En 1.987 se metieron en el estudio para grabar su disco definitivo, el que les ayudaría a cerrar una etapa. Para la hazaña pensaron en contar con los productores Roger Taylor y Dave Richards, quienes habían producido el anterior, pero hubo algunos conflictos con estos. Así recayó la labor sobre Albert Boekholt, quien se mudó con los chicos a los estudios Wisseloord en los Países Bajos.

Uno más que nada puede explayarse en el contenido de "Wings of Heaven", dejando a un lado la portada, que ya no estaba realizada por Rodney Matthews (el que creó la de "Storyteller's"). La historia sobre dicho álbum no es muy extensa; tras la intentona tan comercial que pretendieron con "Vigilante", lo que decidieron fue volver a 1.985 y fijarse en el material que grabaron para "On a Storyteller's Night", combinando tanto el poder del "hard rock" con la belleza de las melodías.



Con el éxito que habían tenido muchas bandas americanas del momento como Guns 'n' Roses, Whitesnake y los más veteranos Aerosmith, MAGNUM, al igual que su compañía, Polydor, quisieron conseguir algo con lo que destacar en el mercado norteamericano. Por ello se endurecieron, pero para nada perdieron ni un ápice de su carisma ni la melodía de los teclados de Mark Stanway desapareció. Sólo se equilibró el resultado final; lo que parecía inconsistente por culpa de la intromisión total del "AOR" en "Vigilante" aquí se consolidó y el sonido pareció reestablecerse, ofreciendo un repertorio de infarto:

        -"Days of No Trust" abre con mucha energía el LP. Una canción con una melodía muy emocionante y un ritmo bastante alegre que hace contraste con lo que habla. Clarkin la escribió en parte en Suiza tras terminar "Vigilante" y en ella se comenta los diferentes aspectos que azotan la vida de las personas, como las mentiras, la melancolía, los poderes políticos, la pérdida de la esperanza, aunque claro, musicalmente no se pretendió que sonara depresiva. En el minuto 4:54 las guitarras se desvanecen y dejan paso a un dulzón teclado que cierra maravillosamente la canción.

        -Se sigue con la grandilocuente "Wild Swan", de más de seis minutos. Progresiva a veces, "aorera" de vez en cuando, pero "rockera" hasta la médula, resulta una de las mejores por sus cambios de ritmo y por la potencia de la voz de Catley. Casi a la mitad surge una de las más espectaculares vueltas de tuerca en el sonido, con Stanway dándolo todo en los teclados y haciéndonos sentir las letras que el cantante nos grita y que Clarkin escribió al ver un documental en la televisión donde unas aves, aún siendo cazadas, se movían e incluso volaban: "Por encima del mar, sobre las Alas del Cielo, donde la plata corta como una navaja...me despido de esos barcos del océano donde viajábamos en la noche". Como se puede entrever, se habla de la libertad, de la búsqueda de un lugar en el que estar a salvo, con lo cual enlaza muy bien con la anterior "Days of No Trust".

            -Los bombazos de batería tan resonantes nos traen recuerdos de aquellas "Lonely Night" y "Midnight", que vienen de "Start Talking Love", una de las más comerciales del LP, con una estructura muy "rockera" y "aorera" a partes iguales. Puede parecer una especie de mezcla entre Foreigner y Bon Jovi, pero con la personalidad incomparable de MAGNUM. Escrita por Clarkin a la luz de una vela y con una botella de vino, se habla del amor perdido y la reflexión de una separación.

        -Los oníricos efectos que crean Mickey Barker al golpear los platillos, Clarkin con su cristalina guitarra acústica y los sintetizaores de Stanway, que envuelve un ambiente casi de cuento oscuro de hadas, se desarrollan en "One Step Away". Catley nos cuenta cómo un hombre es persuadido por un malvado espíritu que le tienta a ir con él, pero él acaba resistiéndose y le insta a dar "un paso atrás". Es una canción fácil, disfrutable, más experimental que las anteriores se podría decir, musical y líricamente hablando.

        -Unos delicadísimos teclados entran con la cálida voz de Catley y unos rasgueos casi tímidos de guitarra en la impresionante "power-ballad""It must Have been Love", uno de los puntos álgidos de "Wings of Heaven". La ternura de HEART y la pomposidad sonora de ASIA se cruzan en una soberbia composición, con voces del Coro de Gospel de Londres incluídos, que nos ofrece el punto de vista de una mujer sobre una relación amorosa.
Clarkin quiso cambiar ese cliché de "el chico es quien habla de la chica" que abundaba en las baladas de "rock".

        -El toque de "Vigilante" aparece de nuevo en "Different Worlds", una canción muy adictiva prácticamente dominada por los teclados y una secuencia de programación que sin embargo habla de algo que los chicos vieron en un viaje a Niza. Primero se encontraron con la parte rica de la ciudad y luego, cerca de allí, con la pobre. Degradación y opulencia en un mismo sitio; aquello conmovió a Clarkin, que convirtió a Catley con sus letras en una especie de predicador que se quejaba de aquella situación de justicia, aunque el tema tenga el mismo estilo musical dicharachero que la también melancólica "Days of No Trust".

        -Una muy emparentada con la anterior es "Pray for the Day", aunque con una melodía más emocional y desgarradora. Iglesias austríacas, recuerdos de inocentes que perecieron en el muro de Berlín y asesinatos injustificados se cruzan con unos gruesos "riffs" de guitarra, un ritmo enérgico y sólido, un épico solo de Clarkin, un estribillo inolvidable y unos golpes sobre las teclas del sintetizador que parece pretender sumergirnos en el imaginario que plantea Catley para nosotros: "recuerda, en el borde (o en la frontera, según cómo quiera interpretarse), cuando la sangre se movía como el agua...asesinados por intentar escapar mientras el Mundo observaba estremecido".



        -Los fantasmas de Mark Knoplfer y Steve Howe pululan inevitablemente por la obra de arte del LP, "Don't Wake the Lion", una maravilla progresiva de diez minutos, dividida en dos partes, oscura, casi tenebrosa, de una maestría colosal. Una pieza que vale por todo un disco, por toda una discografía y por toda una vida. Es a MAGNUM lo que es "Budapest" para Tull o "Brothers in Arms" para Dire Straits. La guerra, la violencia, el paso del tiempo ("demasiado viejo como para morir joven", nos dice Catley) y los sentimientos de ira reprimidos ("no despiertes al león", como reza el título) dan forma a una no tan compleja estructura, pero sí repleta de deliciosos matices, especialmente la apabullante atmósfera que se consigue desde el minuto 2:46 al 4:01. Finalmente se acaba de manera trepidante regalándonos un broche de oro perfecto, la confirmación de que MAGNUM son maestros en su estilo.

"Wings of Heaven" sale a la venta el 11 de Julio, llegando al 5.º puesto en las listas británicas donde logra un Plata y con tres "singles" coronando los Tops, siendo el trabajo más exitoso de MAGNUM  en toda su carrera. Nunca repeterían un álbum tan irresistible, adictivo y fascinante. Obras maestras como esta, enmarcadas en el género del "AOR", no aparecen así como así cada dos días.

(Mejor canción: "Don't Wake the Lion").


        -Puede que para otro grupillo americano de la época, tras un arrasador éxito de ventas en todo el Mundo, como fue "Slippery when Wet", siguiera una línea descendente. Les solía pasar a muchos, pero, afortunadamente eso no le ocurrió a Bon Jovi.

En 1.986 se convirtieron en uno de los mayores grupos de "pop metal" gracias a su tercer LP, un trabajo que les encaramó a lo más alto de las listas y les hizo girar frenéticamente por todas partes para presentarlo. El Slippery when Wet Tour finalizó en Octubre de 1.987, habiendo sido cabezas de cartel para el Monsters of Rock en Inglaterra, y los integrantes se tomaron un tiempo de descanso. Con tanto momento para reflexionar decidieron componer demos sin ir en ninguna dirección en concreto, hasta que se tomaron en serio el trabajo a realizar y empezaron con la idea de un doble álbum, idea posteriormente rechazada por Mercury Records por lo costoso que eran ese tipo de LP's.

El guitarrista Richard Sambora y Jon Bon Jovi se pusieron a trabajar en maquetas, intentando primero encontrar un "single" que fuera el próximo "hit", pero como una vez dijo Bon Scott "nosotros no nos sentamos a escribir "hits", simplemente hacemos una canción que pueda funcionar bien en la radio. La discográfica nos obligó a hacer un "single" y así salió "Rock 'n' Roll Damnation"". Es decir, sentarse a hacer un éxito de ventas así como así es lo peor que pudieron hacer los dos músicos, porque tenían en la cabeza un tema que igualara a "You give Love a Bad Name", y eso era muy complicado ya.

Desesperados tuvieron que volver a contar con la ayuda de Desmond Child, con quien hicieron el material pertinente. Todo fluyó de una manera diferente y empezó a dirigirse hacia un nuevo concepto. Realmente no querían lo mismo que "Slippery when Wet"; sí, ansiaban un éxito, pero repetir la misma fórmula no iba a funcionar por muchas bandas que lo siguieran haciendo. Con Desmond Child salieron "Bad Medicine" y "Born to Be my Baby", la cual se grabó acústicamente (primer signo de cambio) pero por la insistencia de Bruce Fairbairn se regrabó con guitarras eléctricas y dotándola de un toque más "hard rockero". La producción fue un tanto diferente; Fairbairn traspasó un poco de sus experiencias con Aerosmith al sonido dulcificado de Bon Jovi.

Cuando se tenían las canciones, lo decisivo fue lo que vino después. Aquí los chicos, decididos a apartarse del movimiento que ellos mismos habían comenzado (bueno, comenzado...), imprimieron a su nueva creación mucha más versatilidad, para conseguir algo diferente y que les hiciera poner el listón muy alto como para repetir la misma jugada después. Así se introducen muchos más instrumentos y colaboraciones, como cellos (tocados por Audrey Nordwell y Scott Fairbairn), trombones (interpretados por el mismo Bruce Fairbairn), guitarras acústicas, harmónicas, órganos, etc., además de añadir coros a varias canciones para acentuar el carácter épico que querían conseguir. Hacen un homenaje a su tierra natal, New Jersey, y llenan el producto final de cowboys, polvo del desierto y espíritu de pistoleros, aparte de rendir tributo a los ídolos de los que se influenciaron, como Bruce Springsteen, Tom Petty o Aerosmith. Ponen toda la carne en el asador y el 19 de Septiembre ponen en circulación su nueva criatura, llamada simplemente como su lugar de origen, "New Jersey". El LP deja bien claro que la llama de Bon Jovi tiene luz para rato colocándose en un principio en el 8.º puesto de los Billboard y escalando puestos hasta llegar al primero por cuatro semanas.

El experimento del quinteto sale a la perfección. Se pone en primera posición en un buen puñado de listas: la inglesa, la australiana, la neozelandesa, la suiza, etc., consigue Platino en Austria, Alemania, Finlandia y España, Doble Platino en Australia y Gran Bretaña, Quíntuple Platino en Canadá y hasta la friolera de 7 Platinos en EE.UU., teniendo cinco "singles" coronando el Top Ten de los Hot 100. Otra vez se convierten en la banda más grande del año y, aún en 1.989, "New Jersey" sigue en 4.ª posición. Y es que hay que rendirse ante la grandeza de tal obra maestra. Ese regusto a algodón de azúcar que tenía el previo "Slippery..." se sustituye por una atmósfera más "rockera", densa y épica. La versatilidad que plantea el sonido hace de cada tema algo único, extendiéndose en duración para corroborar el grado de perfeccionismo y profesionalidad al que ha llegado el grupo:

      -"Lay your Hands on Me" empieza de forma grandilocuente, entre redobles, gritos y unos afilados punteos, para dar paso a uno de los mejores temas jamás compuestos por Bon Jovi. Un aspecto muy "soul" y clásico se rompe en el minuto dos con una canción de puro "rock" en la línea de los Aerosmith del "Permanent Vacation". Miles de bandas que han seguido el estilo de Bon Jovi, como RETURN o XYZ (cada uno en su línea), tuvieron que escuchar esta canción hasta hartarse. Si "Lay your Hands on Me" sonaba bien, "Bad Medicine" suena mejor, de ritmo fuerte y potente, sigue esa tendencia a endurecerse con el enfoque, por supuesto, a las listas...así acabó la 1.ª del Hot 100. La que más recuerda al "Slippery..." es "Born to Be my Baby" (la similitud entre ésta y "Livin' On a Prayer" es más que obvia), y además es una de las más "glam", otra hecha para triunfar. "Living in Sin" tiene una carga más emotiva, aunque eso no le sirvió para no ser vetada de la MTV por el contenido sexual que tenía el videoclip de dicho tema. "Blood On Blood" termina la primera cara, sin duda la mejor del disco; un pedazo de tema de seis minutos, de bellísimo teclado, de ritmo incansable y que trata de la lealtad y la amistad, con una interpretación vocal de Jovi que va más allá de lo inimaginable y un manejo a las seis cuerdas por parte de Sambora que pone los pelos de punta. Partes pausadas con partes épicas hace de esta (sin temor a equivocarse) la mejor canción de toda la discografía de la banda.
      



-Muy clásicamente se abre la segunda cara, con otro tema muy Aerosmith, "Homebound Train", seguido del denso y más pausado "Wild is the Wind", definido por los teclados de Bryan, unos sólidos "riffs" y ese tono tan rasgado de la voz de Jovi; un gran tema que podría haber sido un "hit" sin problemas. El lado más "westamerican" sale a relucir en "Ride, Cowboy, Ride", una pequeña introducción de mucho sentimiento "country" que se enlaza con la gran "Stick to your Guns". Generalmente la segunda cara del LP es más emotiva y emocionante que la primera. "Ya que los hemos metido en situación, désmosles ahora unos himnos grandiosos", debieron pensar los integrantes de Bon Jovi con respecto a sus fans. Y eso se nota porque después sigue la clásica "power-ballad""I'll be There for You", de inolvidable estribillo y solo, y que también esclaó sin problemás el Hot 100 hasta ser la 1.ª de la lista. Sigue la más netamente "rockera""99 in the Shade", para coger energías para el final y, para acabar con este pastel, la guinda la pone "Love for Sale", un curioso corte de aires "country" mezclado con un regusto añejo al estilo de los primeros Whitesnake (¿será por la voz que pone Jovi?). En algunas ediciones venía como "bonus track" la versión de la versión del "Love Hurts" de Nazareth (que parece que nadie va a versionear el original de The Everly Brothers), para rematar la faena con clase, aunque un servidor prefiere a McCafferty, la verdad.

Y con eso se acabó la carrera de Bon Jovi clásica. Lo siguiente serían álbumes que mandaban cuesta abajo al grupo poco a poco. Algo se podía salvar de algunos trabajos, pero no había la magia que se respiraba en los '80. Definitivamente los '90 no hicieron bien a este tipo de bandas. Hasta que ya, para tocar fondo (porque en mi opinión tocan fondo, uno muy oscuro) hacen el "Crush" sólo con el maldito y pesadísimo "It's my Life" de las narices teniendo éxito...en fin. Ahí estarán siempre "Bon Jovi", "7.800º Fahrenheit", "Slippery when Wet" y "New Jersey", una saga de discos a cual más inolvidable.

(Mejor canción: "Blood On Blood").



        -Una de las formaciones americanas básicas de los '80. Claro, no nos podemos dejar a Rough Cutt, WASP o Quiet Riot, pero DOKKEN siempre fueron de los más importantes y recordados. Paso a paso se fueron labrando una reputación envidiable en la escena californiana e internacionalmente y su discografía clásica resulta imprescindible si se quiere conocer y entender el "heavy metal" de la época.

Capitaneada por el carismático Don Dokken, la historia de este grupo comienza en 1.976 con la primera que tuvo el vocalista, Airborn, y con la que tocaba en varios clubs de L.A.. En esa primera encarnación se hallaban el bajista Juan Croucier y el batería Robert Blotzer, los que después militarían en RATT. En 1.979 se grabaría la primera maqueta de DOKKEN, producida por Drake Levin y esta vez con Steven Barry al bajo y Gregory Pecka a la batería. Aquello significó la carta de presentación, un "single" llamado "Hard Rock Woman", pero como banda siguieron los cambios para que Don quedara satisfecho. Aquel mismo año DOKKEN era Greg Leon (guitarra), Gary Holland (batería), Gary Link (bajo) y el vocalista.

Éstos hicieron un tour por Alemania donde conocieron al productor Michael Wagener, quien realizó, antes de que los chicos se separasen de nuevo, una grabación con ellos y la lanzó sin su consentimiento a través del sello Repertoire Records. A comienzos de los '80 volvieron a pasar por las tierras germanas con nueva sangre, George Lynch y Mick Brown más la vuelta de Juan Croucier. Allí siguieron grabando "demos" con Wagener y el manager de unos emergentes ACCEPT, Gaby Hauke, lo que les aseguró el contrato con Carrere Records. Así que, realizado a mediados de 1.981, salió el todavía básicamente "hard rockero""Breaking the Chains", con Peter Baltes tocando en varias canciones, aunque no se acreditara al final mientras Don Dokken colaboraba en el "Blackout" de los Scorpions haciendo los coros (y que casi sustituye a Klaus Meine por la enfermedad de cuerdas vocales que éste arrastraba).

Con eso DOKKEN empezó a cimentar su fama en Europa antes que en EE.UU., cosa curiosa. Allí ya se ganaron una base sólida de fans cuando regresaron a hacer las Américas. El manager Cliff Bernstein les consiguió meter en Elektra y la posibilidad de reeditar aquel primer LP en su tierra natal. En 1.983 vio la luz la nueva edición que pasó sin pena ni gloria, aunque metiéndose en el Billboard. Teloneando a grandes como Blue Öyster Cult y realizando vídeos para la televisión la fama empezaba a crecer. Pero después de hacer el vídeo para el tema "Breaking the Chains", Croucier se largó a hacer fortuna con RATT, siendo reemplazado por Jeff Pilson.

El despegue absoluto vino con el más "heavy""Tooth and Nail", confirmación total de la banda, que consiguió Disco de Platino y subir puestos frenéticamente en el Billboard. Al año siguiente las modas del momento cambiaron ligeramente a DOKKEN cuando hicieron "Under Lock and Key" en 1.985, cambiando su imagen por una más "glam" y puliendo su sonido para ser más comerciales, lo que les valió para otro Platino. Seguían teloneando a enormes como AC/DC, Judas Priest y DIO y se podía decir que ya tenían a EE.UU. en el bolsillo, siendo considerados como una de las mejores bandas de Los Ángeles en aquellos '80. Después de una gira con sus amigos Scorpions se metieron en el estudio para grabar una canción que formaría parte de la banda sonora del film "Pesadilla en Elm Street 3".

Con el definitivo "Back for the Attack" tenían su lugar asegurado en la Historia del "rock". Fue 13.º en el Billboard con Platino y 25.º en Canadá. El título ya lo decía: un trabajo de categoría que dejaba atrás todo rastro de la dulcificación de "Under Lock and Key" para ofrecer un sonido consistente y puramente "heavy" con trece perlas en su interior difíciles de olvidar; muchas de sus mejores composiciones se hallan aquí. Con todo eso salieron a patear escenarios junto a Van Halen, Metallica y Scorpions entre otros para el Monsters of Rock de 1.988. Y fue, precisamente, en esas giras de Abril, donde se embarcaron al país del Sol naciente, la cuna para que la nueva criatura de DOKKEN naciera. Los numerosos tours que hicieron entre tantos fans nipones de "heavy metal" americano dieron como resultado la ambición de querer congelar ese momento en el tiempo. ¿Y cómo se hacía eso? Grabando un disco en directo que recogiera la energía que DOKKEN eran capaces de imprimir en cada uno de sus shows, y que era mucha. Todo con la clase que implicaba el grabarlo en Japón, en la tradición de los grandes LP's en vivo de los '70. De hecho, si se presta atención, muchos clásicos de la música dieron sus mejores trabajos actuando en los escenarios asiáticos. Allí estuvieron Deep Purple en su "Made in Japan", Judas Priest en el "Unleashed in the East", Scorpions en "Tokyo Tapes" o MSG en su mítico "One Night at Budokan". Tocar en los legendarios Budokan (Tokyo) y Hammersmith Odeon (Londres) era la confirmación del esplendor que poseía todo grupo de "rock", y ya que estaban en uno de esos escenarios aprovecharon esa oportunidad, porque no iban a ser menos que otros.

Y como los japoneses, para eso de seguir a ídolos, se las pintan solos, su nivel de exigencia es siempre muy elevado, así que el nivel de DOKKEN tuvo que crecer sobremanera, interpretando un repertorio de trece temas grandiosos y creando un espectáculo sin igual. La expectación crecía mientras empezaban esos épicos primeros acordes de "Unchain the Night", lo que daba pie a una banda pletórica de cualidades, la misma que se expresaba de forma letal en "Tooth and Nail", con un Don Dokken dejaba alucinando a cualquiera con su gran registro vocal y su peculiar tono de voz, con los afilados y vertiginosos solos de George Lynch y esa potente base rítmica que eran Pilson y Brown. Los temas que mejor suenan son la épica "Dream Warriors", "Standing in the Shadows", "Heaven Sent", el instrumental "Mr. Scary", que nos deja claro que Lynch es uno de los mejores guitarristas de "heavy metal" de los '80, y ese fastuoso "Kiss of Death"...los del "Back for the Attack" como es lógico, pero había otros clásicos del repertorio de la banda que no podían dejarse atrás. Como, por ejemplo, están "When Heaven Comes Down", "It's not Love", la "power-ballad""Alone Again" y "Just Got Lucky", todas de gran sentimiento, fuerza y dinamismo, hechas para dar un show de altura. Aunque en la versión original el repertorio fue ligeramente distinto el concierto terminaba con "In my Dreams". Dokken, Lynch y Pilson gritaban a coro el estribillo de la canción y un grito enfevervorecido de la audiencia dejaba paso a una gruesas guitarras y una batería demoledora. Terminando con el clásico golpe de batería, acababa la actuación.



En algunas ediciones aparecían extras y una canción de estudio, "Walk Away". El LP, de nombre "Beast from the East" y puesto en circulación el 16 de Noviembre, obviamente quedó por debajo de "Back for the Attack", siendo 33.º en el Billboard con un Disco de Oro; no así estuvo nominado en 1.990 a la Mejor Intepretación de Metal, que perdió por culpa del "One" de Metallica. De todas formas este ya clásico doble directo goza de suficiente calidad para ser de los más grandiosos de la época. Uno puede empaparse aquí de lo mejor de DOKKEN sin tener que hacerse con toda su discografía.

(Mejor canción: "Kiss of Death").




Así terminaba 1.988, con una serie de trabajos grandiosos, pero si eso no ha sido suficiente...

También podemos nombrar la resurrección que vivieron AC/DC con "Blow Up your Video", su reconciliación absoluta con crítica y fans tras unos discos más que mediocres; el esfuerzo para mantenerse a flote que hacían los suizos KROKUS con "Heart Attack", el colosal "Seventh Son of a Seventh Son" de Iron Maiden, el decente "Reach for the Sky" de RATT, que mejoró lo hecho en el previo "Dancing Undercover", el intento de volver a gustar los fans que vivieron Judas Priest con el durísimo aunque poco exitoso (¿y por qué no lo fue?, me pregunto yo) "Ram It Down" o la vuelta de Ozzy a sus raíces más metálicas y menos comerciales con "No Rest for the Wicked". Vimos cómo STRYPER se hacían más comerciales con "In God We Trust", declaración de intenciones por todo lo alto; el duelo interpretativo entre los Van Halen de Sammy Hagar en "OU812" (que llegó al n.º 1 del Billboard) y David L. Roth en "Skyscraper" (que llegó al 6), un cambio de estilo en EUROPE y su "Out of this World", la confirmación total de que Manowar eran muy buenos con el aclamado "Kings of Metal", la evolución de Guns 'n' Roses en "Lies", el último "hurra" que se marcaron Black 'n' Blue en "In Heat" o el hundimiento hacia la repetición que vivió Malmsteen en "Odissey", con J. Lynn Turner a la voz. Unos que sí gozaron de un merecido éxito nuevamente fueron RIOT con su "Thundersteel".

Por otro lado teníamos el esfuerzo más grandilocuente de Metallica en "...And Justice for All", que fue Óctuple Platino en EE.UU., y los más exitosos de Anthrax y Megadeth: "State of Euphoria" y "So Far, So Good, So What?", respectivamente. Los hornos nucleares emitían humos en forma de calavera en el "Survive" de Nuclear Assault, King Diamond nos hacía pasar miedo con aquella casa de "Them" y los "hardcoreros" Suicidal Tendencies se ponían ante un mausoleo en "How will I Laugh Tomorrow?" inaugurando un género muy prometedor.

En ese año también se estrenaron en el negocio los duros Bulletboys, los L.A. Guns con su obra homónima, que al principio fueron considerados unos Guns 'n' Roses de segunda, pero desmentirían eso al año siguiente. Parientes de Cinderella, los otros "glammies" Britny Fox también consiguieron bastante éxito con su debut al igual que las súper "rockeras" féminas VIXEN. Unos tuvieron también mucho éxito, pero en su país de origen, los suizos CHINA. Podemos contar además a Masters of Reality, los "thrashers" SADUS o ese primer disco del guitarrista Chris Impellitteri.

En los directos que se hicieron habría que contabilizar el "Alive!" de los guerreros polacos TURBO, el de Deep Purple "Nobody's Perfect", el que grabaron Mötorhead en su paso por el festival Giants of Rock, "Nö Sleep at All"... Está también por ahí el de los icónicos Iggy Pop, "Live at Whiskey-a-Go-go", y Frank Zappa, "Guitar", y el de los veteranos Supertramp y Pink Floyd, "Live '88" y "Delicate Sound of Thunder", respectivamente.

Y en todo este jaleo no podemos obviar a Living Colour y su "Vivid", que con él revolucionaron el mundo del "rock" a partir de sus derivaciones hacia el "funk", el "jazz" y el "hip-hop", abriendo una nueva brecha musical para la década posterior.

...y con todo este bullicio los '80 se disponían a terminar. Dentro de poco se comentará 1.989, con el que ya daremos carpetazo y tentetieso a esta gran década que ya se merecía de una vez por todas un reconocimiento así de extenso.




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