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Rock Progresivo Español.Rompiendo la oscuridad: CAI (colaboración de Félix Jota)

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Grupo gaditano nacido de las cenizas de la Orquesta Los Duques, aventura “verbenera” de tres de sus miembros a principios de los 70. En 1978 y ya como cuarteto con la incorporación de Chano Domínguez, editan su primer y magnífico disco “Más allá de nuestras mentes diminutas”. Sería en el modesto sello Trova, siendo la primera referencia de Lacochu. Cuatro largos y complejos temas, donde se mezclan el progresivo, el jazz y la psicodelia que suponen el debut de Cai.


  El disco lo abre “Alameda”,  con una  introducción sinfónica brillante, bajo los teclados de Chano y la voz de Fopi, que mediado el tema, nos acerca más al Rock Andaluz, para luego en su parte final volver al sinfonismo. Nueve minutos más que brillantes a los que sigue la canción que da título al disco. El tema más jazz y “mellotrónico” con algún toque aflamencado de guitarra.

  La segunda cara empieza con el tema más corto y flojo del disco, “Solución a un viejo problema”, que tras un buen inicio continúa con un rock bastante básico. Y para terminar “Pasa un día”, el más enérgico y hard de todos con grandes dosis psicodélicas, que utilizaron mucho en sus directos.


  Pronto descatalogado por su escasa promoción, el disco se convierte en pieza codiciada por coleccionistas de todo el mundo. Se reedita en formato doble Cd en 2007, por Elukeyá Records, incluyendo versiones en directo e inéditos. También en 2014 y con mejor sonido ve la luz en el sello sueco Tone Arm.

  En 1980, de la mano de García Pelayo, logran fichar por CBS y graban “Noche abierta”, con cortes más sencillos, cortos y andaluces. Un disco más comercial, que les llevó a sonar en las emisoras de radio con el tema “Soñé contigo”. Destacan también los brillantes instrumentales “La roca del diablo”, con excelentes toques jazz-flamenco  y ”Alegrías de Cai”. El tema que da título al disco se incluye en el recopilatorio “Andalucía en Rock”. Decir que para este segundo trabajo se incorpora al grupo José A. Fernández Mariscal, como segundo guitarrista.


   “Canción de la primavera”, que sale al mercado en 1981, fue su última grabación para CBS. Más comercial si cabe que el anterior y con marcado acento andaluz. Aunque por esa época todo lo que tuviera ese acento ya iba dejando de interesar a las discográficas que iban por  otros caminos mas “movidos”. El tema que más se comercializó fue “Tu mirada”. Para este disco vuelven a ser cuarteto, tras la marcha de Paco Delgado.


  En 2010, tras 29 años, publican un nuevo álbum, “Metáforas de luz”, en el sello El Bujío Producciones. Proyecto que nace después de varios conciertos por Cádiz y de actuar en la XV Bienal de Flamenco en Sevilla en el año 2008, junto a Alameda y Guadalquivir entre otros. Continúan dos de sus miembros originales, Fopi y Paco Delgado, en un disco lleno de toques jazz, flamenco y algún ritmo caribeño. Bastante flojito, fácil de olvidar y con menos calidad compositiva que sus antecesores.


  En la discografía se incluyen dos de sus directos “no oficiales”, Cortijo de Los Rosales en 1980 y Almería en 1982.
  Chano Domínguez cuenta con trabajos en solitario y destacadas colaboraciones con Jorge Pardo, Gerardo Núñez o Tito Alcedo, más orientados al jazz.
FORMACIÓN:
DIEGO FOPIANI: Voz y Batería
CHANO DOMÍNGUEZ: Teclados
PACO DELGADO: Guitarra
JOSÉ LAUREANO VÉLEZ: Bajo
JOSÉ A. FERNÁNDEZ MARISCAL: Guitarra
KIKO GUERRERO: Batería
BLAS LAGO: Teclados (En Metáforas de Luz)


DISCOGRAFÍA:
Más allá de nuestras mentes diminutas 
(Lacochu 1978) Referencia LC-001 LP
       (Lacochu-Sovisa 1987) Referencia SLP-30911 LP
     (Tone Arm 2014) Referencia TA 0022 CD
    (Tone Arm 2015) Referencia TA 1001 LP




Noche abierta
 (CBS Epic 1980) Referencia EPC-84218 LP
    (Sony Music 1997) Referencia 488558-2  CD


Canción de la primavera 
(CBS Epic 1981) Referencia EPC-85054 LP 
    (Sony Music 1997) Referencia 487449-2  CD


Noche abierta + Canción de la primavera 
(Sony Music 1995) Edición Limitada

Mucho más allá de nuestras mentes diminutas 
(LKY Records 2010) Referencia 3001  2 CD’S


Metáforas de luz (El Bujío 2010) Referencia BJ-201 CD






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Harvey Mandel - Get off in Chicago 1.974

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Harvey Mandel es un verdadero genio de cual ya comentamos su (HARVEY MANDEL - The Snake) hace algún tiempo y no descarto volver a hacerlo. Hoy os presento una  joya de escucha obligada.


Ya hablamos en su día sobre su obra y milagros baste decir que lleva en activo desde mediados de los años 60 editando numeroso s discos y que seguiría en activo si no fuera por el maldito cáncer. Lleva luchando desde el 2.013. Ha formado parte entre otros de Canned Heat y John Mayall y a colaborado con multitud de personajes ilustres vease "Black and Blue" de The Rolling Stones.


Harvey Mandel nos presenta una grabación con un ambiente muy parecido al Super Session de Mike Bloomfield, Al Kooper,Steve Stills. Grabado  en el Streeterville Studio en 1.974. Harvey reunió 17 músicos que en diversas sesiones conformaron el disco a base de mezclar buen blues, jazz, rock y un poquito de funk. En todo momento se respira ambiente de jam session. Buenas improvisaciones y unos temas combiando diversos estilos. Podemos escuchar buen blues en temas como "Jellyroll"o "Highway Blues ", buen jazz en "Local Days" o algo de funk en "Race Track Daddy". Pero sobre todo encontramos muy buena música destacando "Springfield Station Theme", exquisíto tema con un maravilloso Ira Kart al piano.



Temas

1 Jellyroll 00:00
2 High-Test Fish Line 03:55
3 Local Days 09:11
4 Check Me Out 12:47
5 Highway Blues 16:27
6 I'm A Lonely Man 19:37
7 Sweet Lynda 26:06
8 Springfield Station Theme 29:11
9 Race Track Daddy 35:29

Formación

Bajos – Craig Rasband, Don Cody, Ken Little, Nick Tountas
Batería – Bobby Davis, Peter Milio, Phil Johnson, Rusty Jones
Fluta – Dave Cook (9)
Guitarra – G.E. Stinson, Harvey Mandel, John Bishop, Norm Wagner*
Organo – Dave Cook (9), Ira Kart, Judy Roberts
Piano – Dave Cook (9), Ira Kart, Judy Roberts
Vocal – Freddie Fox, Judy Roberts, Ken Little, Vicki Hubly


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Ensayos sobre un sonido (EM): MICHAEL HOENIG - Departure From The Northern Wasteland (1978) (colaboración J.J. Iglesias)

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Hoy traemos al que se suponía iba a ser un nuevo Schulze, y se quedó en una bonita promesa. Eso no quita para que su primer album, "Departure from the Northern  Wasteland", sea uno de los fundamentales (y menos conocidos) de la prog electrónica berlinesa. 



Nacido en Hamburgo pero criado en Berlín, (un pura sangre del genero), del 70 al 74 fue miembro de Agitation Free. Y del 74 al 76 colaboró con el "quien es quien" de la Berlín Scbool: Tangerine Dream, Klaus Schulze, con quien formó  el efímero  dúo  Timewind, y Ashra. Warner vio a un nuevo genio de los sintes,  y quizá por el éxito reciente  de Jean Michel Jarre, le ofrece un sustancioso contrato. 

Editando su debut en el 78, si bien llevaba trabajando en él  desde el 76. Grabado en los propios estudios de Hoenig, Aura, y mezclado por otro nombre clásico,  Konrad Plank. Frente al Arsenal electrónico  del sintetista, compuesto principalmente por Yamaha YC450, el famoso sintetizador de cuerdas Elka Rhapsody 610, Moog Sequencer Complement 8 y varios moogs  y EMS prestados por sus amigos Klaus "Odin" Schulze y Christopher Franke. Tenemos las colaboraciones de Lutz Ulbrich (guitarra, ex-Agitation Free y Ashra), Mickey Duwe (compositor, ex-Ash Ra Tempel) y Uschi Obermaier (voces).


 Claramente destaca la cara A con el tema-título y sus 21 mts. Secuenciadores rubiconianos a go go, etereas guitarras, líneas  melódicas  imaginativas, estupenda elección  de texturas, solos fluidos de sintetizador y atmósfera  de puro viaje astral desde el sillón  de tu habitación. Una composición  trabajada, sin mucho margen para la improvisación , pero con una pura línea  del mejor Tangerine Dream. Una gozada. 


Como siempre en este tipo de discos, se tiende a infravalorar la cara B, la de las "cortas". Los 11 mts de " Hanging Garden Transfer" no me lo parecen, brillando con la intensidad de "Ricochet", por la clara solvencia secuencial. "Voices of Where" (6'19) es un enigmático  tema, con influencia de Terry Riley y voces procesadas. Se sale de la estética  del album, y por eso me gusta y lo veo atractivo. Por último  "Sun and Moon" (4'16) es otro deleite secuencial con bellos pasajes melódicos,  en el cual podemos comprobar porqué  Hoenig sustituyó  sin problemas a Baumann en Tangerine Dream tras su fugaz.escapada al Nepal.

 Al año siguiente, Hoenig tenía  preparado ya "Scatter 1", album que Warner se negó  a editar y que hizo replantearse toda su carrera al sintetista alemán. Dedicándose desde USA al más  lucrativo y fácil  campo de la música  para televisión  y cine. En este sentido cabe destacar la banda sonora de "The Blob" (1988), adelantándose  a lo conseguido años después por Chris Franke en la serie de televisión  "Babylon 5".

"Departure...." sigue siendo considerado un album fundamental y básico  del género electrónico  berlinés.  Y mi valoración  personal es de un 9 sobre 10.

P.D. Repetición  es la imagen de la eternidad en música.  La música  del presente justifica por sí  misma su limitación. La música  del futuro evita este esfuerzo. (MICHAEL HOENIG).




Temas
1. Departure From The Northern Wasteland 00:00
2. Hanging Garden Transfer 21:00
3. Voices Of Where 32:03
4. Sun And Moon 38:15

Formación
Michael Hoenig :teclados



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ARCADIUM - Breathe awhile 1.969 (Colaboración Juan Carlos Rustarazo Vicente)

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Arcadium solo dejó este Lp como testimonio de su existencia para luego desaparecer sin que se supiera nada más de ellos. Gracias a las reediciones ha resucitado y hemos podido constatar el magnífico potencial que encerraban estos chicos. Pero como muchos otros de entonces su paso fue efímero debido a circunstancias muchas veces desconocidas.


Se trata de una obra que contempla psicodelia, progresivo y algo de hard. El que se hallen integrados unos hermanos, los Ellwood, encargados del órgano y la guitarra eléctrica supone que la química, la conexión entre ellos es perfecta. Posiblemente la causa de la gran labor que realizan sus instrumentos, el entendimiento que se produce entre ellos, sea esa relación familiar.


Ciñéndonos a la música, diré que se trata de un trabajo que comprende una serie de inspiradas composiciones, todas ellas a cargo de Miguel Sergides que es la otra pieza fundamental junto a los hermanos Ellwood, con arreglos elaborados que en los temas más largos incluyen pasajes frenéticos órgano-guitarra de excelente ejecución, pasando a otros con atmósferas space y la guitarra de 12 cuerdas de Sergides suavizando la alteración con unos rasgueos titilantes y muy particulares.


El órgano que inunda todos los cortes reverbera y la guitarra eléctrica con aire psicodélico - blues forman una tela de araña magistral creando un todo potente, vibrante y muy atractivo debido también a un bajo que retumba todo el tiempo subiendo y bajando la escala junto a la batería que es capaz de establecer todo tipo de ritmos muy contagiosos.

El sonido del álbum es ciertamente un tanto tortuoso. Hay un constante halo de melancolía que se hace extensivo a la voz de Sergides. Las melodías captan nuestra atención poderosamente ayudado por los ritmos que se inoculan en nuestro interior dejándote llevar. A su vez el teclado en ocasiones realiza incursiones cíclicas que te hacen caer en un estado de trance. Desarrollos que se repiten y giran en los que la guitarra de su hermano pone la nota dinámica con unos solos brutales de punteos, movimientos y diferentes efectos.

La producción es algo tosca. La voz parece quedar rezagada tras los instrumentos. Aun así me parece un disco delicioso que hay que conocer.



Temas
Im On My Way-00:00 
Poor Lady-11:50 
Walk On The Bad Side-15:50 
Woman Of A Thousand Years-23:26 
Change Me-27:03 
It Takes A Woman-31:50 
Birth, Life And Death-35:44 

Bonus Tracks:
Sing My Song-46:02 
Riding Alone-50:20 

Formación
Graham Best...................Bajo y voz
J. Albert Parker................Batería
Robert Ellwood...............Guitarra líder, voz
Allan Ellwood..................Órgano, voz
Miguel Sergides................Guitarra de 12 cuerdas y voz líder

PD: Nuestro amigo Juan Carlos Rustarazo tiene un magnífico blog, Las tierras altas del progresivo, que os invito a visitar. Gracias Juan Carlos por tu colaboración

Por cierto os recuerdo que ese pequeño gesto que es pinchar en 
es muy importante para que el blog continue. El blog es posible gracias a vosotros.

BLUE MAX - Limited Edition 1.976 (colaboración J.J. Iglesias)

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Sigo con mi  particular ciclo de vetustas  novedades recientemente descubiertas. Si os habló de un trío  y de Canadá ya estaréis  pensando en los del "2112" , Triumph, Santers o Mahogany Rush. Pero no. Estos eran unos jovenzuelos en comparación.  Y con ideas frescas.

Blue Max eran de Nova  Scotia y lo componían  Robert Graves, lead Guitar y voz. Supongo que los hermanos Douglas, George a la batería  y Andrew al bajo. Este último ya estaba dándole  a las 4  cuerdas en su primer concierto en el 74, con tan sólo 12 años!!!
Y su único  disco apareció en una corta tirada, de ahí  lo de "Limited  Edition". Sabéis  lo que es en el argot paranormal la palabra "Oopart"? Es el acrónimo  inglés  de "Out of Place Artifact". O sea, artefacto fuera de lugar. Pues eso precisamente es este disco. Blue Max exhibían  un tratado hard rock con total aproximación  heavy hacia lo que se llamaría 4 años después  NWOBHM en la London post punk de la Tatcher.  Estos críos crearon ESE sonido en la helada Canadá  mucho antes.


En la inicial "Sweet Lovin'" recrean el Thin Lizzy sound  a su manera. "Prisoner" lleva algo del debut  de los referidos Rush en sus riffs. Recordemos que tanto los de Lynott como los de Geddy fueron referencias obligadas para los de la añorada New Wave of British Heavy Metal.

Mientras que "Life  Long" podría  venir firmada por Diamond Head o Tygers of Pan Tang.  Dos factores son decisivos en su sonido: la claridad y nitidez global del grupo, y sus melodías  vocales. Las guitarras nunca abruma con distorsiones pasadas de rosca. "Teaser" es un blues rock disfrazado de proto-metal 80s. En 'March of the Trolls" vuelve la épica  de los primeros Rush, los de "Fly by Night" y "Caress of Steel". Pero también los Gaskin o Saracen.

Si escuchan Metallica "The New One" seguro que la destrozan con una de sus típicas  versiones. Más NWOBHM en "Your Friends", adelantándose  a Steve Harris y su proyecto  justo en el año en que lo ponía  en marcha. Acústicas  con prominente bajo nos anuncian "I need you" ,comienzo de balada, pero qué  va! Blue Max no están pa' delicadezas! !! Hard & Heavy del que iba a sonar  en UK cinco años más  tarde: al estilo de Persian  Risk,  Silverwing, Taurus, AIIZ y toda la escudería  underground pinchada por su gurú  Neal Kay  en el Bandwagon....Pero en la Canadá  de mediados 70!. Lo dicho. Los 12 cortes de "Limited  Edition " se adelantaron misteriosamente  como un Oopart rockero.

Dando con uno de los mejores discos del género  sin proponérselo  ni ser parte de él.  Lástima  que se separaran en el 78, porque de haber seguido un poco más se hubieran puesto de moda y a saber si su suerte hubiera sido más  propicia. Andrew y Graves tuvieron, no obstante, posteriores bandas, como Achilles o Mother's Fear. Al menos nos dejaron este maravilloso accidente que fue su único  disco.




Temas
01. Sweet Lovin’ — 2:02
02. Prisoner — 2:29
03. Life Long — 3:42
04. Teaser — 3:15
05. March Of The Trolls — 8:41
06. The New One — 5:10
07. Your Friends — 3:48
08. I Need You — 3:19
09. The Hooker — 4:05
10. Freight Train — 1:24
Bonuses:
11. Something On My Mind (Previously Unreleased) — 2:41
12. Tomorrow’s Sorrow (Previously Unreleased) — 6:11

Formación
Robert Graves — guitarra, voz
Andrew Douglas — bajo
George Douglas — batería

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Rockliquias en los 80: 1.986 Part. 1 (colaboración Christian Jiménez)

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1986 fue el año en que las dos corrientes venidas de América y que dividieron el "heavy" se mostraron en su máximo esplendor:

Primero el "thrash", donde quedaban patente las cuatro fuerzas más poderosas: Megadeth, SLAYER, Anthrax y Metallica. Cada una con su propia personalidad y estilo se ganaron un puesto en el podio del género.

Y luego el "glam", que aquel año tuvo una segunda ola muy distinta de la primera, que era más cercana al "hard rock". Poison, Cinderella en América y Tigertailz en Gales lo confirmaban, aunque cada una con sus miras. El éxito de grupos como Europe, Bon Jovi, SHY, Great White y los más posteriores Faster Pussycat o WARRANT confirmaba la gran corriente "pop" y comercialidad a la que se sumaron. Todo eran o canciones para ponerse a bailar y salir de fiesta o baladas de turno para ablandar el corazón a las chicas (y de paso otras cosas).

Los grupos de siempre veían truncadas sus carreras por el poco caso que les hacían las listas de éxitos. Tenían sus grandes legiones de fans, pero aquel fue el momento donde tuvieron que decir "o nos renovamos o morimos", y muchos pasaron por el aro, consiguiendo atractivos e interesantes trabajos...otros se estrellaron y ya está, aunque lo intentaron.

Las corrientes más modernas estaban cogiendo a todos por sorpresa, como pasó con el "power metal" de Helloween o el "black" de Bathory. Mientras, futuras promesas de la música, como Red Hot Chilli Peppers hacían sus estilos separados de toda la moda del momento:

        -Tres increíbles álbumes en estudio y un directo colocaban al "Madman" Ozzy Osbourne como una de las sensaciones del "heavy metal" en mitad de los '80, un auténtico mito viviente que, lejos de vivir bajo la inmensa (aunque en ese entonces muy malograda) sombra de Black Sabbath, se abrió camino y consiguió una infinita legión de fans que no dejaban de verle como un auténtico mesías del "metal"...peligroso, desquicidado, impredecible, drogado la mayoría de veces...pero un mesías.

"Blizzard of Ozz" fue Disco de Platino en 1.980 con "singles" muy exitosos en las listas. De lejos (en cuestión de calidad aunque no en ventas) siguieron "Diary of a Madman" y "Bark At the Moon", que sólo llegó al 24.º puesto en el Billboard. "Speak of the Devil" alcanzó Platino y Oro y se puso en competencia con el mismísimo "Live Evil" de Sabbath. Pero ni los años ni las listas perdonaban. Con su música pasó lo mismo que con la de Sabbath en 1.972, que parecía quedarse estancada. Sí, era muy buena, todos querían ver y oír al "Madman", pero en 1.986 nuevas tendencias estaban destrozando el lado más duro del "heavy metal" y, como ya se ha dicho, si algunas bandas no se renovaban morirían. Iron Maiden llegó con "Somewhere in Time", MAGNUM con "Vigilante"...hasta Judas Priest pasaron agachando la cabeza con el "Turbo".

Todo sonaba más fresco, más pomposo e infinitamente con más gancho comercial; y eso explotó el sr. Osbourne en su siguiente disco. Tras salir de una clínica de desintoxicación en 1.985 el guitarrista Jake Lee le entregó una cantidad considerable de material, pero le advirtió que no se metería en el estudio hasta que no se firmara que él también fuera propietario de las composiciones (un pequeño lío de copyright que se dio en el anterior álbum). El bajista Bob Daisley colaboró en las letras con Ozzy, pero por varios desacuerdos acabó fuera de la nave, tal como ocurrió con el batería Jim DeGrasso. Phil Soussan y Randy Castillo (este último curtido en las garras de Lita Ford),  respectivamente, sustituyeron a los anteriores.

El 22 de Febrero surgió el fruto de todas estas variadas y arduas colaboraciones, y ese fue "The Ultimate Sin", llamado así en el último momento por Ozzy, porque en realidad se iba a titular "Killer of Giants". Y, así fue; el grupo volvió de nuevo a los "charts": 6.ª posición en el Billboard, 8.ª en Inglaterra y 19.ª en Canadá, llegando a Platino en EE.UU. tan sólo dos meses de su lanzamiento, siendo Oro en las tierras inglesas y Platino en las canadienses y el álbum más exitoso en seis años para Osbourne y su banda. Y efectivamente todo suena distinto.



Se abre la puerta hacia lo comercial, la atmósfera sigue siendo oscura pero no tenebrosa, sino que adquiere matices épicos. La maestría no se refugia en la agresividad, sino que se pulen las aristas y se refina la ferocidad del ritmo, de los "riffs" y hasta la voz del "frontman", que suena más "rockera" y menos desequilibrada. Cobra importancia la grandilocuencia de un sonido hecho para ser adictivo gracias a los teclados de Michael Moran, pero sin que deje de ser fuerte y robusto; los solos de Lee son de lo más virtuosos y cada canción es un punto álgido en la colaboración del vocalista y guitarrista.


Lo primero es la entrada de batería tan rítmica y puramente "metálica" que tiene "The Ultimate Sin", clásico instantáneo sin paliativos. Siguen por el mismo camino temas tan duros como "Lightning Strikes", "Never Know Why", la "ultra-épica""Killer of Giants" o la disfrutable "Thank God for the Bomb!", que abre con un "riff" calcado al del "Ain't Talkin''bout Love" de Van Halen (originalidad "habemus"). Las más comerciales son "Secret Loser", que tenía que haber sido "single" (pero no) por tener quizás el estribillo más pegajoso de la discografía de la banda; "Fool Like You", muy recordada por ese "riff" tan emotivo y su increíble solo, y el "single" estrella del álbum: "Shot in the Dark", coescrito por Phil Soussan y que se puso 10.º en el Mainstream Rock y 20.º en las listas inglesas.

A partir de ahí todo fueron conciertos enormes para promocionar como era debido uno de los mejores trabajos del "heavy metal" que se hicieron aquel año, y que sigue sonando igual de fresco y contundente hoy como entonces. En cuestión de popularidad en 1.986 el sr. John Michael Osbourne no se quedó a la zaga comparado con sus competidores más jóvenes, desde luego.

(Mejor canción: "Killer of Giants").



        -Creadores de un estilo trepidante, de tempo rápido, de aplastante base rítmica y de corpulentos "riffs" de guitarra, el quinteto californiano Metallica lidiado por James Hetfield y Lars Ulrich no se subió al carro del "metal" americano que cosechaba cada vez más exponentes en L.A. Ellos se influenciaron de RIOT, de Diamond Head, de aquellos que hacían un "heavy metal" veloz, duro y sin concesiones.

Su debut "Kill'em All", junto a Cliff Burton (bajo) y Kirk Hammet (guitarra), inició todo un género allá por el '83, consiguió Triple Platino en EE.UU. y los chicos se alzaron como nueva fuerza del "metal". La corriente que abrieron se llamaría "thrash" y las bandas que la siguieron fueron innumerables. Su segundo, "Ride the Lightning", alargaba las canciones, creando épicas piezas de una música que basaba su maestría en el dominio de la distorsión, la velocidad y la pesadez a partes iguales. Éste ya fue Séxtuple Platino, pero uno de los mejores, y para muchos el mejor de la discografía del grupo, estaría por llegar.

Con todo ello, el 3 de Marzo, con la discográfica Elektra produciéndoles, salió el monolito "Master of Puppets", Séxtuple Platino nada menos que en Canadá y EE.UU., Oro en Gran Bretaña y Platino también en Australia. Llegó a la 29.ª posición en el Billboard y a una baja 40.ª en tierras inglesas, aunque el impacto fue mayor en Europa (14.º en Suecia, 7.º en Finlandia, 17.º en Holanda...), y para redondear fue el1.er disco de "thrash" certificado con Platino poco después de su lanzamiento. Y aunque "...And Justice for All" ('88) ya fue el "nova más" de la época y le dio a Metallica su más alto lugar en los '80, aquel pretendía ser muy perfeccionista y perdió parte de la frescura y violencia que siempre tuvo la banda anteriormente en pos de querer ser reconocidos como auténticos maestros del género; "Master of Puppets" fue el álbum definitivo, el que separó una época de otra.



Los ritmos machacones de "Ride..." continuaron, pero el perfeccionismo se acentuaba. Los temas cada vez eran más extensos, las líricas seguían tratando la violencia, la oscuridad, la guerra, la locura, etc., pero la velocidad y seriedad se mezclaban. La voz de Hetfield seguía agresiva y colérica (eso no iba a cambiar), pero se incluían cambios de ritmo (¿"thrash" progresivo?) donde se fundían suaves y oscuros pasajes de guitarras acústicas con batallas de "riffs" destructivos a cargo del dúo Hetfield/Hammett. Este último se hizo alumno de Joe Satriani para ser más eficiente en la guitarra y Ulrich hasta dio clases para tocar mejor la batería...en serio iban, desde luego. Recalcar que se mudaron a Dinamarca porque la acústica de los estudios americanos no era la correcta.

"Battery" comenzaba con un rasgeo pausado de guitarras clásicas que presagiaba que ya llegaría la tormenta tras la calma (y no al revés). Pasados los 38 segundos el estrépito comienza; Ulrich aporrea la batería como si le fuera la vida en ellos, y al minuto ya está todo descontrolado. A 100 por hora se desarrolla un tema de vigorosos "riffs" y ritmo frenético. "Welcome Home" o "Sanitarium" era mucho más tenebrosa y "heavy", una donde se percibe ese perfeccionismo que siempre busaca Metallica; su solo final es uno de los mejores del disco. "Damage Inc." o "Leper Messiah" son otras grandes muestras de fuerza bruta y energía pura y salvaje, mientras que "Orion" es una instrumental de ocho minutos que hasta pone en entredicho la grandeza de la otra "The Call of Ktuku", del "Ride...".

Pero el grande del álbum es ese tema que abarca más de ocho minutos y medio y que da nombre al (susodicho) álbum: "Master of Puppets", una canción con un "riff" de entrada ya más que reconocible y con cuatro partes bien diferenciadas: la que llega hasta los 3:34 minutos (que no pasa de ser una "marca de la casa"), la que va desde el 3:35 hasta el 4:50 (donde se suaviza el sonido y sobresalen punteos muy agudos de guitarras en una ejecución sublime y clásicamente "heavy"), la del minuto 4:50 al 5:37 (ritmo machacón de nuevo y Hetfield repitiendo el estribillo) y del 5:38 hasta el final, donde el tema vuelve a coger potencia, y tras algunos "riffs" y solos caóticos, la canción finaliza desvaneciéndose poco a poco cuando el estrépito ya ha tocado a su fin. Podría ser el "War Pigs" o el "Smoke in the Water" de Metallica: una obra de arte del "thrash" y del "heavy" sin concesiones ni edulcorantes añadidos.
Con estas bazas, los californianos se pusieron a la cabeza como los maestros del estilo, dejando detrás a Megadeth (los cuales un servidor los prefiere a estos), Anthrax o SLAYER, y amasando millones con la venta de sus discos. Por desgracia, este sería el último trabajo con el bajista Cliff Burton, que murió en un accidente de autobús, cuando el grupo se hallaba en plena carretera, de gira en Suecia; así que vale la pena escuchar su talentosa mano a las cuatro cuerdas en este, uno de los 100 Mejores Álbumes de "Heavy" de la Historia, y casi mejor lo que le ocurrió, porque para ver lo que hicieron Metallica en los '90...mejor no tener nada que ver...

(Mejor canción: "Master of Puppets").


        -Resultaría curioso preguntar a cualquier seguidor del "heavy metal", hoy en día, si conoce o le suenan de algo los nombres de Minoru Niihara, Akira Takasaki, Masayoshi Yamashita y Munetaka Higuchi...y él se preguntará que de quién coj***s le estás hablando.

Pues muy sencillo, a no ser que seas de Japón, y más concretamente de Osaka, estos cuatro músicos ya pasan desapercibidos para la gran mayoría, excepto para algunos entendidos o para los que sientan algo de apego por las tierras niponas (como un servidor). Y hablamos de LOUDNESS, nada más y nada menos que el grupo que puso de moda en Japón el "heavy metal" en los '80 dentro del tan hortera panorama musical que se vivía por esa época, porque lo que más calaba era sobre todo la música "disco" o la New Wave (la electrónica siempre ha ido de la mano con lo japonés, hasta en la música). Así que, en el año donde Kaoru Akimoto triunfaba con su "Wagamama na High-Heeled Shoes", escuchar a estos cuatro guerreros, amantes del "rock" más fuerte e influidos por el emergente "heavy" haciendo obras de puro "metal" pues era, cuanto menos, una rareza.

Empezaron en 1.981 con Nippon Columbia y con "The Birthday Eve"...y no consiguieron practicamente nada salvo en terrenos "underground", pero era lógico, ya que esa música no tenía mucho tirón entonces. Podría decirse que vivieron casi lo mismo que RIOT en Brooklyn, aunque estos tuvieron algo más de suerte. Disco tras disco ganaban personalidad y una legión de incondicionales fans que disfrutaban a tope con las técnicas de Takasaki a las seis cuerdas y con la voz tan típicamente "metálica" y poderosa de Niihara...y es que bien escuchados uno no diría que son japoneses.
Su tercer álbum les abrió las puertas a América y a las giras internacionales; tan fuerte pegaron que su cuarto trabajo, "Disillusion", fue regrabado en inglés. Con "Thunder in the East" se metieron en el mercado americano al estar respaldados por el manager de Twisted Sister y la compañía Atco Records; ya estaban totalmente consolidados y dieron su primer gran himno, "Crazy Nights" (el vídeo del tema hay que verlo, con la banda en plan Quiet Riot y saliendo "metalheads" japoneses por las calles de Tokyo...benditos '80). Dicho LP se quedó 74.º en el Billboard y la reputación de LOUDNESS crecía y crecía. Y todo esto hizo que "Lightning Strikes" saliera el 25 de Julio; en Japón llamado "Shadows of War" y lanzado cuatro meses antes, el 24 de Marzo, sólo con pequeños retoques en el orden de temas. Este disco se puso más acorde con los tiempos que vivía América, por eso en su tierra natal perdieron cierto número de fans que no comulgaban con sus derroteros tan comerciales.

En realidad "Lightning Strikes", con excelente producción de Max Norman, prosigue con el estilo de "Thunder in the East", dando un sonido más pulido y nítido y quizás con algún devenir comercial, ya que se metieron los teclados del músico Masanori Sasaji, pero sonaba igual de fuerte y duro que su anterior. Abría con un "shred" clásico de Takasaki de punteos limpios y empezaban los golpes de Higuchi en la épica y fastuosa "Shadows of War", uno de los mejores temas de la banda; uno que podría haber pertenecido a RECKLESS o a KEEL facilmente. Las "ultra-heavies""One-thousand Eyes", "Dark Desire", "Black Star Oblivion" y "Face to Face" sólo corroboraban la buena banda de "heavy metal" que era este quintento; canciones veloces y pesadas, llenas de robustos "riffs", baquetazos y solos innumerables y los alaridos de Niihara. El lado más asequible para los americanos se vio en "Let It Go", el más "glam" del LP, y, quizás, "Who Knows?", pero todo estaba en su sitio; "Lightning Strikes" era un álbum de "heavy" por los cuatro costados.



Llegó al 64.º puesto en el Billboard y se quedó en las listas por más de quince semanas. Una posición ridícula para cualquier californiano que quisiera triunfar, pero para LOUDNESS supuso figurar en una lista americana y estar en el mismo sitio que los más grandes. Sólo por ser considerados en los "charts" ya ganaron mucho. De todas formas "Hurrican Eyes" ('87) no era "Lightning Strikes", y al rayo se le apagó pronto la luz, pero no hay que negar la importancia de esta banda para el panorama oriental en un género, tan poco aceptado allá, como el "heavy metal", ni tampoco quitarle mérito a este quinteto (por muchos grupos que salieran de la escena angelina en el "rock" estadounidense) ni obviar la importancia que tuvieron en aquellos años.

Desde entonces ellos siguen haciendo discos, sin parar, con una regularidad sorprendente; como ellos dirían: "minna-san ("compañeros" en japonés)...rock 'n' roll crazy nights!". Hace poco salió "The Sun will Rise Again" y suenan igual de bien; una banda de "rock" buena es buena en todas sus épocas...aunque sea una banda de "rock" japonesa.

(Mejor canción: "Shadows of War").


        -La banda de "hard rock" melódico por excelencia de las tierras del Norte de Europa, y la más injustamente recordada, pues EUROPE fueron presos de su tercer disco, que salió el 26 de Mayo, "The Final Countdown".

EUROPE nacieron siendo FORCE en 1.979 y formados es Estocolmo por el vocalista/teclista Joe Tempest, el guitarrista John Norum, el bajista Peter Olsson y el batería Tony Reno. Como todos, empezaron a base de "covers" y pasaron por multitud de cambios en la formación (Olsson fue reemplazado por un tal John Levén, quien luego se marchó con Yngwie Malmsteen). En 1.982 Tempest mira la portada del disco de Deep Purple "Made in Europe" y piensa que aunque no fuera tan bueno como "Made in Japan" ese nombre seriviría para adoptarlo en el seno de su banda, así que pasaron a ser EUROPE.

Pasaron a grabar su debut homónimo en 1.983 en Hot Records como premio por haber ganado un concurso musical, y el disco se coloca 8.º en las listas suecas; tras "Wings of Tomorrow" al año siguiente con el "single""Open your Heart" que interesó a CBS Records, la banda no hacía sino crecer. Se va Tony Reno y entran Ian Haughland y el teclista Michael Michaeli  En 1.985 participaron en la banda sonora de la película de Staffan Hildebrand (...la cual mejor no ver) "On the Loose" de donde sacaron un "hit", "Rock the Night", y tras otros proyectos musicales finalmente llegan a oídos de Epic Records, quien les ponen al productor Kevin Elson para ayudarles en su próximo trabajo.



Y llegó la efímera etapa de gloria. "The Final Countdown" se realizó en varios estudios europeos y americanos y el resultado fue un LP que podría haber salido de cualquier banda californiana de la época, con un sonido "glam/AOR" dominado por teclados (cosa que nada gustó a Norum, quien dejó a la formación, siendo sustituido por el guitarrista de Easy Action, Kee Marcello) y con una imagen de "hair band" a lo Bon Jovi o Great White (que detestaron los más "heavies"). Pero nada, el rompedor álbum quedó 8.º en EE.UU. siendo Triple Platino, 2.º en Canadá con Doble Platino, 9.º en Gran Bretaña con un Disco de Oro (aparte, por supuesto, de alzarse con la 1.ª posición en su país de origen), y que le hizo la pascua a muchas bandas americanas de la época, que las pasaron canutas para ganar en éxitos al "single" más oído del grupo, mundialmente escuchado en las emisoras en la época.



El tema "The Final Countdown" llegó al 8.º puesto en los Billboard Hot 100 y al 18.º en el Mainstream Rock Tracks (hubo otros "singles", ¿pero quién se acuerda de ellos?). Había piezas con una vena más "rockera" (todo lo "rockera" que pudiera ser) como "On the Loose", "Rock the Night", 22.ª en el Mainstream Rock, o "Heart of Stone" mezcladas con las muy comerciales y azucaradas "Ninja", "Cherokee", 72.ª en el Billboard Hot 100, que pudo ser "hit" y no lo fue, o "Love Chaser". Una a nombrar especialmente es la "power ballad""Carrie", el "I Want to Know what Love Is" de EUROPE, que puso el Mundo a sus pies llegando a ser 3.ª en el Billboard Hot 100.

En general la música de EUROPE estaba hecha para triunfar en las emisoras de radio y para competir con todas las bandas americanas que practicaban el mismo tipo el sonido. Sus conciertos eran ocupados masivamente noche tras noche por jóvenes que iban a acompañar a amigas suyas (y a ver si de paso sacaban algo de ellas), unas quinceañeras que se volvían locas al ver a Tempest y compañía en el escenario interpretando la canción de marras al comienzo y al final del "show" y que luego se deshacían en gemidos cuando tocaban "Carrie" (las "teenagers" de ahora tendrían que haber vivido los '80).

Hubo quienes dijeron cosas buenas de ellos, como que eran la nueva promesa del "rock" de la época, y hubo también detractores, además hubo muchísimos, que opinaban igual que John Norum, que el disco estaba muy regido por los teclados y abocado a un exagerado intento de calar en las FM. Otros dijeron que EUROPE sólo se basaba en su imagen de chicos guapos; hasta hubo un crítico que opinó que "The Final Countdown" era "una amalgama entre el "7.800º Fahrenheit" (de Bon Jovi), el "Pyromania" (de Def Leppard) y el "IV" (de TOTO) con más azúcar glasé en el teclado y en la voz del cantante que fuerza en las guitarras, totalmente relegadas a un segundo plano"...fueron un tanto crueles, pero es que razón tampoco les faltaba.

Para paliar esto, los chicos decidieron endurecerse en los tiempos que siguieron, con álbumes tan buenos como "Out of this World" o "Prisoners in Paradise", ya del '91, pero está claro que sin lograr ni el 30% del éxito que lograron con el disco, el cual, y sin ironía ninguna, mostraba la cuenta atrás que les sometió y que hizo que ascendieran al éxito y cayeran al olvido en un abrir y cerrar de ojos. Eso sí, gozaron muy bien de sus "15 minutos de fama".

(Mejor canción: "The Final Countdown").


        -9 de Enero de 1.984: sale a la venta "MCMLXXXIV", sexto álbum de Van Halen, y la banda llega al cénit de su carrera, tanto en ventas como en composición. Para Eddie Van Halen fue su mayor triunfo, para David L. Roth fue la gota que colmó el vaso.
Por ahí mismo es por donde hay que empezar. Roth y Eddie no estaban a partir un piñón precisamente durante la realización del anteriormente nombrado LP. Las tensiones por los grandes egos de los dos músicos se hacían insostenibles en el estudio. Lo peor de todo es que el guitarrista tuvo que lidiar no sólo con Roth sino con el productor Ted Templeman y hasta con la banda, que veía demasiados agujeros en la experimentación del pequeño Van Halen. Agujeros tapados gracias a un disco de ventas multimillonarias, pero eso no fue suficiente.

David Lee Roth era una estrella del "rock", alguien que amaba la fiesta, las mujeres, los coches rápidos, el "glamour" y pasárselo bien mientras cantaba y atraía a sus cientos de miles de fans. Estos aires despreocupados chocaban con la seria personalidad de Eddie, que quería probar nuevos caminos dentro de la música, como ya demostró con "Fair Warning", el disco más "serio" jamás hecho por Van Halen. Por lo tanto la camaradería no iba a durarles mucho más. Cuando la banda disfrutaba de las mieles del éxito por "MCMLXXXIV", al ver que en el seno de la misma no había ninguna actividad, Roth se desligó de los chicos y se metió en el estudio para grabar el EP "Crazy from the Heart". El esfuerzo del cantante salió en 1.985 provocando una sorpresa a muchos de sus seguidores y a los de su ex-grupo, que asistieron casi aterrorizados a la entrada de Sammy Hagar en sustitución del dicharachero y alocado Roth, en lo que fue una etapa convulsa para Eddie y compañía. Por otra parte, David se llevó consigo a Templeman, sabiendo que siempre podría contar con su apoyo, y comenzó una formación junto a William Sheenan, posteriormente bajista en Mr. Big; el batería Greg Bisonete, los teclistas Jeff Bova y Jesse Harms y nada menos que el virtuoso alumno de Frank Zappa, Steve Vai, que venía de su corto paso por Alcatrazz tras reemplazar a Malmsteen, y que conectaría con su lado más pendenciero y salvaje gracias a D.L. Roth.

La 4.ª posición en el Billboard, la 13.ª en Canadá, la 28.ª en Inglaterra siendo Disco de Oro y el Doble Platino en EE.UU., además de los vídeos que constantemente se pasaban por televisión y los numerosos "hits" en los Billboard Hot 100 y en los Mainstream Rock Tracks hizo que "Eat'em and Smile", lanzado el 7 de Julio, fuera todo un éxito de crítica y público en su momento. En directa rivalidad con Van Halen y su "5150", la prensa prefirió el disco de Roth, considerando más fresco, más directo, puede que rozando lo muy técnico a nivel instrumental, pero rebosante de diversión y "rock" en todo su esplendor.

Realmente se podría decir que "Eat'em and Smile" fue el disco que Van Halen nunca realizó; aunque más enfocado hacia el "heavy metal" que hacia el "rock/glam" de matices experimentales de la otra banda, este LP tiene cosas que pueden recordar a "Women and Children First" o quizás al primer disco de Van Halen, pero no podía compararse a ninguno de ellos, ya que tenía personalidad propia. El trabajo vertiginoso y versátil de la guitarra de Vai junto a la espontaneidad de "Diamond" Dave dieron canciones excelentes de "hard rock" visceral como "Shy Boy", "Bump And Grind" o la densa y muy "blues""Ladies' Night in Buffalo?" (sobresaliente solo de Vai). Los mayores exitazos fueron "Yankee Rose" y "Tobacco Road", ambas en 10.ª en el Mainstream, y "Goin' Crazy!", 12.ª también en esas listas, a merced, sobre todo, de los descacharrantes vídeos, que mayormente mostraban a los amigos de Roth pavoneándose y haciendo cabriolas por un escenario, exhibiendo amplias sonrisas socarronas, largas melenas y ropas de lo más coloristas.




"Eat'em and Smile" mostró a unos músicos de "rock" haciendo "rock", que no tenía por qué ser sinónimo de sobreesfuerzo, experimentación y seriedad como presentaban los miembros de Halen. Roth y sus nuevos colaboradores sólo buscaron hacer un disco glamuroso, con clase, pero sin perder un ápice de energía y entretenimiento. En 1.988 salió "Skyscraper", con buenos resutados de ventas, aunque ya sin tener el mismo nivel de reconocimiento que este primer trabajo, uno de los mejores de "hard rock" americano de la década de los '80.



Como curiosidad decir que se hizo también una versión en español de "Eat'em and Smile" llamada (por favor, absténgase a reírse) "Sonrisa Salvaje", con cada canción traducida (de la manera más idiota) para contentar a un sector que siempre había pasado desapercibido para el mundo del "rock": la población mexicana de entre 18 y 25 años. La "gran" idea de reinterpretar el disco fue del bajista Sheenan, que había leído en el periódico que más de la mitad de la población de Mexico estaba comprendida en esas anteriormente mencionadas edades. Como era de esperar esta versión fue un rotundo fracaso y practicamente no se le hizo ni caso...aunque hoy en día sigue resultando (ridículamente) chocante escuchar a Roth cantando en el videoclip doblado de "Yankee Rose" o en el de "Goin' Crazy!", llamado (por favor, absténgase a reírse de nuevo) "¡Loco del Calor!"...en fin...desvaríos de los músicos de "rock". Obviar esto y escuchar el original es lo más recomendable.

(Mejor canción: "Ladies' Night in Buffalo?").


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Rock Progresivo Español.Rompiendo la oscuridad:BARCELONA TRACTION (colaboración de Félix Jota)

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Banda de jazz-rock catalana liderada por Lucky Guri, que acompañado de Jordi Clúa formaban “New Jazz Trío”. Un excelente grupo que logró triunfar en el “Festival Jazz de San Sebastián”, allá por 1973. También es bien recordado su concierto en el Palau de la Música de Barcelona, en 1974. Y sus intervenciones en el local catalán de moda por aquellos tiempos, La Cova del Drac. Dos años antes, Guri había hecho un disco de versiones de los Beatles con Peter Roar, “We are Digging The Beatles”, editado por Diábolo. Junto a Carles Benavent y Max Sunyer.


En 1975 Guri decide que hay que innovar, cambiando de nombre al grupo. A el se une Francis Rabassa, que había formado en Los Gatos Negros, y nace Barcelona Traction, con disco de título homónimo. Compuesto por cinco largos temas instrumentales, tres de ellos composiciones de Guri, mas una versión de James Taylor rebautizada como “Foc i pluja” para cerrar un disco mas “jazzero” que rock, que no tuvo la aceptación esperada. Cuentan con la colaboración de Pedro Díaz y Manel Joseph en la percusión, músicos de Mirasol Colores. En la producción estaba Serrat.

  Participan el los Canet Rock de 1975, 76 y 77, junto a Iceberg o la Dharma, y Guri abandona la formación para enrolarse en Música Urbana. Su sustituto fue Josep María Durán, ex componente de Los No. Rabassa y Clúa se enrolan en la banda que acompaña a Serrat en 1977, por lo que Barcelona Traction se disuelve, después del escaso éxito comercial  de un disco que ha resistido el paso del tiempo. Ambos colaboran también en el disco de Teverano, de 1982.

  Después de casi cinco años y con la primera formación, deciden volver a grabar. El resultado sería “Nano”, hecho en Ibiza durante el año 82. Seis temas en onda jazz, aunque con algún apunte disco-funky. Con la colaboración de Kitflus, tres temas de Guri y tres versiones, como la que cierra el Lp, Blues in Elf, de Don Ellis. Un disco poco valorado en su día y que no ha tenido su justa reedición en Cd.

  Guri continúa su carrera como pianista, acompañando a diversos cantantes en discos y directos. Trabajó también en TV3 como director musical. Rabassa y Jordi Clua siguieron colaborando con Serrat.
  
FORMACIÓN:  
LUCKY GURI: Pianos, Mini-Moog, Percusión
FRANCIS RABASSA: Percusión
JORDI CLUA: Bajo, Contrabajo


DISCOGRAFÍA:
Barcelona Traction (Òliba-Edigsa 1975) Referencia  B-36352  LP
                                   (PDI 1996) Referencia X-80.4194  CD
                                   (Picap 2009) Referencia 910822-01 CD







                 NANO (Auvi 1982) Referencia L7-356  LP




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Pete Frame’s Rock Family Trees

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Recuerdo con cierta nostalgia mis inicios en el mundo del rock. A mediados de la década de los 70 era un adolescente de 14 años con ganas por conocer multitud de grupos. Lamentablemente mis dos únicas fuentes de información eran  las revistas del momento (Vibraciones, Popular 1, Disco Express), que por cierto eran muy buenas, y  los programas de radio. No puedo ni imaginar que hubiera supuesto para mi tener Internet en ese momento. Recuerdo que mi amigo J.J. Iglesias le mantenía los ficheros  a un notable periodista musical de Zaragoza. Es decir, repasaba los periódicos musicales ingleses en busca de noticias sobre los grupos y los anotaba en sus fichas correspondientes. Toda una base de datos manual.

Pues bien, Pete Frame es un periodista musical fundador de la revista ZIGZAG y colaborador en diversas publicaciones musicales. A este personaje le dio por recopilar información de los grupos y crear lo que el llama "Rock Family Tree", una especie de murales donde reflejaba el árbol genealógico de los grupos. La BBC se basó en sus "Rock Family" para realizar dos series de televisión e incluso algunos grupos han incluido su trabajo en las carpetas de sus discos. Es realmente impresionante y muy útil. Con un mero vistazo podemos obtener mucha información.

Tiene publicados varios libros recopilando sus trabajos y se pueden conseguir con facilidad en Amazon a un precio razonable.

Os presento una pequeña muestra  para que los podáis apreciar en su justa medida. Recomiendo descargarlo y ampliarlo.



California Country Rock
Camel
Damn Yankees
Deep Purple
Dio
ELP
Soft Machine
Fleetwood Mac
Flower of Romance
Genesis
Genesis 2
Jethro Tull Savoy Brown Ten Years After
Mayall Clapton Beck Page

New York New Wave
Pink Floyd
Rainbow
Rory Ufo MSG SAHB
Roxy Music & King Crimson
San Francisco 1

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Ensayos sobre un sonido (EM): ROLF TROSTEL - Inselmusik 1.980 (colaboración J.J. Iglesias)

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Este sintetista, para variar berlinés, no muy conocido comenzó  su carrera cuando el boom cósmico  empezaba a decrecer. Y nuevos instrumentos electrónicos  hacían  su entrada en el mercado. Particularmente los PPG Wave Computer 360 (usado profusamente  por Trostel  en sus dos primeros discos) y novedosos gadgets rítmicos,  que le dan un aire de "modernidad" a su clásico  y tradicional sonido berlinés .

Comparado a menudo con Jean Michel Jarre, quizá por su asequibilidad, pienso que está  más  cerca del Schulze de esa época,  que era la misma de Ashra o los Tangerine Dream post-"Logos".
"Inselmusik" fue su primer album, que junto al siguiente "Two Faces" (1981) fueron autoeditados por el propio Trostel. Un esfuerzo que hoy parece de lo más  normal, pero no era así  en 1980, donde editar te tu propio vinilo suponía  una fortuna. Añadase el riesgo de hacerlo en músicas tan minoritarias. Tal vez por su evidente calidad, se vio recompensado  por un contrato con el sello noruego Unión para su celebrado "Der  Prophet" (1982). Para muchos su mejor trabajo. A partir de ahí,  su discografía  se fue distanciando más  en el tiempo. Destacando el album "Musique Intemporel" (1988) junto a Bernd Kistenmacher  y Mario Schonwalder.  Otros orfebres  del sinte a tener en cuenta a partir de los 80 dentro de la Berlín School. 

La música de "Inselmusik" depende en gran medida de líneas  melódicas  suaves y limpias. Con gran carga emotiva en sus colchones sonoros. Subiendo en intensidad in crescendo al modo típico  de Klaus Schulze, pero con las rítmicas  secuenciales propias de la nueva era electrónica que se avecinaba. No descarta en cualquier caso, los pasajes "de misterio" o incluso de épica  cinematográfica. 

Su album del 93, "Narrow Gate to Life" es por ello de lo más  oscuro de su discografía.  Así  que no estamos ante un "amable" de las teclas, aunque sí  que gusta de que primen las melodías.  Los acérrimos  a los iconos alemanes harían  bien en echarle una atenta oreja al material de Trostel, pues en muchos casos supera el nivel de discos no tan fructíferos  de los dioses teutones. Particularmente sus tres primeros lps están a la altura de lo mejor del género,  aunque pasaran  bastante desapercibidos en su día.  Rolf  Trostel tiene un sitio en nuestra galería  de Ensayos, sin duda.



Temas
00:00 Test Tanz (8:18)
08:18. Art Meta (11:41)
19:59 Ur Teil (8:33)
28:32 Skizo (19:00)
Bonus:
47:32 Der Prophet (9:44)





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RAY OWEN'S MOON - Moon 1.971

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Este disco de Ray Owen llegó a alcanzar el número 1 en la lista de singles en Bélgica y fue considerado por la revista Classic Rock como una verdadera joya perdida.


En 1.969 Ray Owen decide abandonar Juicy Lucy, con los que grabó un disco ("Juicy Lucy"), para comenzar su carrera en solitario. Para completar su grupo recluta a los guitarristas Dick Stubbs y Les Nicol, al bajista Sid Gardner y a Ian McLean a la batería. Participan en el festival de la isla de Wight  y en el Midnight Sun de Suecia. En 1.971 editaron su único Lp "Moon" que se perdió en el abismo del tiempo así como la carrera en solitario de Owen. Colaboró de alguna manera con Killing Floor y Vincent Crane, volviendo a reformar a Juicy Lucy años más tarde.


Ray Owen nos presenta un rock psicodélico con tintes blues y funk. El disco viene cargado de buenos riffs, en el grupo tenemos tres guitarras (Owen, Gardner y McLean). "Talk to Me" aúna todo lo dicho anteriormente, riff pegadizo con un ritmo de bajo muy funk. Buenísima labor guitarrera en "Free Man", y "Don't Matter" nos relaja después de tanto sobresalto con una atmósfera a lo Peter Green. Nuevamente aires funk nos llegan en "Ouiji". El plato fuerte del disco lo encontramos en la versión que hacen del mítico tema de Hendrix , "Voodoo Chile", verdaderamente destacable. En definitiva un gran disco que no tuvo el reconocimiento que realmente merecía.





Temas
Talk To Me 00:00 
Try My Love 05:35 
Hey Sweety  10:37 
Free Man  13:12
Don't Matter 16:21 
Voodoo Chile 22:25 
Ouiji  27:18 
Mississippi Woman 32:16 4:23
50 Years Older 37:48

Formación
Ian McLean: batería
 Sid Gardner: bajo, teclados
 Dick Stubbs: guitarra
 Ray Owen: voz, guitarra, piano
 Les Nicol: guitarra

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ASHBURY - Endless Skies 1.980 (colaboración J.J. Iglesias)

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Concluimos por ahora nuestra pequeña trilogía de "Santos griales" recientemente descubiertos en mis pesquisas por encontrar tesoros perdidos en la historia del rock. Y lo hacemos a lo grande. Con un grupazo de Tucson, Arizona, que editó  su único  album en 1983. 


Primero conocidos como Ashbury South y luego acortando el nombre, este pedazo de disco fue elegido "Arizona Rock Album of Year" y no sin razón. Lo curioso de su estilo es la imaginativa, astuta, original...intuitiva?...mezcla de southern rock con rock progresivo. En realidad, la banda estaba liderada por dos cerebros. Rob Davies como cantante solista y Randy Davies a las guitarras, bajo,voces y teclados. Imagino que hermanos y con esa clara química  que se da en estos casos. 


La cuestión  es que tanto "The Warning" (4'00) como  "Take your Lo ve Away" (3'44), inician el disco al más  puro estilo del debut de The Outlaws. Se diría  que estamos ante descartes de ese disco, de "Hurry Sundown" o "Lady in Waiting". La voz de Rob Davies es gemela a la del gran Henry Paul. Y las composiciones recrean el mejor rock sureño de los 70. Vale, ser de Tucson ayuda, pero no tanto ya el año de edición. Para complicarlo más,  en la siguiente, "Twilight/Vengeance" (5'47) se nos van por ambientes jethrotullianos. Y ahora la voz recuerda poderosamente a Ian Anderson, mientras que la guitarra hard es puro Martin Barre. Y la cosa no decae en "Madman"(5'41), que parece extraída  de "Heavy Horses" o "Songs from the Wood".

Sin olvidar la influencia de The Outlaws e incluso con cierto regusto al "Sultans of Swing" de Diré Straits. La guitarra rezuma finura y buen gusto. Las armonías  vocales, exquisitas, acompañan ambientes del sur. La batería,  que se reparten John Watts y John y Ray es perfecta. Ayudando en esa perfección  rítmica  el bajo de Tony Allmendinger.


La fórmula  de comenzar los temas con acústicas  crea la simbiosis entre prog/southern. Sabor UK/USA, que vuelve a dar sus resultados en "Hard Fight" (4'14). Y cuando irrumpe la solista de Randy, todo explota en un mar de sensaciones y sentimientos. "No Mourning" (2'37) te llevará  a los más  grandes sureños, Marshall Tucker Band especialmente, en una belleza instrumental de pura esencia dixie. "Mystery Man" (5'26) vuelve a su acústica  intro acostumbrada, mientras la voz muta alternando entre Ian Anderson/Henry Paul. Y encanta el ambiente con sinceridad compositiva y emoción  en cada nota. Presta atención  al apartado solista de la guitarra: en todos los temas es de sobresaliente.

Finalizando con el tema-título  en plan guitarra fronteriza mejicanoide, vientos amenazadores del desierto, y un Aqualung con poncho  y colts en plan Eastwood. En los casi ocho minutos de "Endless Skies" oímos tímido sintetizador, rítmicas hard, piano (a cargo de Jerry Van Dielen) y el sinfonismo southern de Ashbury en su pleno esplendor y apogeo. Ennio Morricone a ritmo de espuelas eléctricas. Que te deja con ganas de una discografía  de 15 álbumes. Pero es lo que hay, "Endless  Skies".  A no ser que seas uno de los afortunados que los veas en alguna de sus esporádicas  reuniones.
Tenemos aquí  un disco de 10 rotundo, con calidad estratosférica y que acrecienta su leyenda a cada año que pasa. Personalidad arrolladora.





Temas
A1 The Warning 00:00 
A2 Take Your Love Away 04:01 
A3 Twilight 07:50 
A4 Vengeance 09:36 
A5 Madman 13:38 
B1 Hard Fight 19:22 
B2 No Mourning 23:40 2:40
B3 Mystery Man 26:22
B4 Endless Skies 31:52 

Formación
Rob Davis: Voz
Randy Davis: Bajo, guitarra, voces y sintetizadores
Jerry Van Dielen: Piano
John Watts & Johnnie Ray: Percusiones
Tony Allmendinger: Bajo

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Rockliquias en los 80: 1.986 Part. 2 (colaboración Christian Jiménez)

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Y así concluye 1.986:

        -Si empezáramos a sumar Platinos con este disco nos saldrían 34 como poco, y eso no es decir poco (hoy se ponen todos histéricos cuando el artistucho de "pop" de moda vende 500.000 discos...en fin...). Bon Jovi tampoco es (sólo) la banda "pijo-pop" que calentó a muchas niñatas hace 16 años con la maldita, sosa y ya repetida hasta la saciedad "It's my Life!".

Estos "cowboys" de New Jersey no inventaron nada en el "hard rock" con su debut en 1.984, pero sí que lo definieron, con su imagen inmadura de banda de "rock" y "AOR" a medio camino entre Fortune, Bruce Springsteen, STREET y quizás, pero muy quizás solamente, los Scorpions del "Love at First Sting", pero Jovi siempre tiraban por lo más pegadizo, por las melodías de facilísima asimilación y que servían perfectamente para una noche de fiesta, que no una noche sucia y callejera para acompañar con "Louder than Hell" de Mötley Crüe, sino una noche con clase y desenfreno al mismo tiempo.

"7.800º Fahrenheit" era como más "rockero" y depurado, aunque la fórmula era la misma, arrasar en las listas. A Platino llegó sin problemas con canciones de suficiente gancho como "King of the Mountain", "The Hardest Part is the Night" o la coreable "In and Out of Love". Todo esto estaba muy bien, pero aquel disco no cumplía con las expectativas de la banda, ávida de querer poner a América a sus pies de una puñetera vez; y eso llevó a contratar al ya experimentado compositor Desmond Child y a contar con Bruce Fairbairn en la producción, quien ya respaldó a los de Oregón Black 'n' Blue con su "Without Love".


Esta unión tan fructífera llevó a lo que decíamos antes: dos Discos de Diamante en EE.UU. y Canadá, seis Platinos en Australia, otros tres en Inglaterra, dos en Suiza y hasta uno en España. El primer puesto lo ocupó en muchas listas: la estadounidense, la canadiense, la australiana...; literalmente, "Slippery When Wet", lanzado el 18 de Agosto (nada mejor para sofocar aún más el Verano), consiguió arrasar allá por donde pasó. "Here I am!, rock you like a hurricane!", podría decirse. Este fue EL ÁLBUM, el que hizo historia; si, después está "New Jersey", pero este es el trallazo definitivo que aúna "pop" y "rock" en un mismo sitio. Es a Bon Jovi lo que "Escape" fue a JOURNEY, "4" a Foreigner o "Eye of the Tiger" a Survivor. Aquí hay medios-tiempos como en "7.800º Fahrenheit", pero no decae el ritmo ni la juerga continua. Se siguen hablando de las mismas cosas: de sexo, de emociones, de ánimos, de noches, de chicas, de noches con chicas, incluso del Oeste en una de ellas. Empieza bien y cada tema es mejor que el anterior, cada uno te hace subir la adrenalina y no te da ni un maldito respiro. Eso "era" Bon Jovi, un "rock" muy azucarado, pero "rock" del grande al fin y al cabo:



        -"Let It Rock!" abre eso, algo muy grande, y nos invita al "show" de nuestra vidas con unos altilocuentes "Woo! Wo!" y unos sugerentes teclados; "single" sin ser "single". Pero seguimos con otra mejor, "You give Love a Bad Name" (n.º 1 en el Billboard Hot 100), para unos LA CANCIÓN de 1.986 y para otros muchos LA CANCIÓN de los '80; el vídeo se emite todo el rato en la MTV y todos los jóvenes y jovencitas la disfrutan en un éxtasis carente de medida alguna. ¿Y luego? Pues luego otro "single" que fue n.º 1 también y recurrente de las discotecas, "Livin' On a Prayer", (que luce una entrada sin duda guiño al "rock" clásico escocés, y los que ya la hayan oído caerán en la cuenta de por qué), y así la emoción seguía aumentando. "Social Disease" es una libidinosa oda sexual de puro "pop soul" para públicos masculinos  que comenzaba con unos inolvidables gemidos de mujeres. Termina la primera cara con "Wanted Dead or Alive" (7.ª en el Billboard Hot 100) encajando la épica del West en este algodón de azúcar.

        -"Raise your Hands", más "rockero" y emparentado con los dos primeros LP's de Jovi, empieza la cara B y se convierte en otro himno "glam" ochentero para que cante el público sin cesar. "Without Love" y "Never Say "Goodbye"" son las "power ballads" cargadas de sentimiento que no deben faltar para acabar el disco, lo malo es que están muy juntas, pero tampoco importa mucho. La enérgica "I'd Die for You", muy "Runaway", sigue dotando de mucho carácter a este final del álbum, junto con "Wild in the Streets", que termina con una declaración de principios, la de que estos chicos hacen "rock" del bueno y ya está.

Tanto la música del quinteto Jovi/Sambora/Such/ Torres/Brian como la portada (censurada) de aquella camiseta mojada sobre el busto de una provocativa chica pasaron a la Historia y sus ocho semanas en el1.er puesto del Billboard lo dice todo. El "hard rock" de los '80 le debe mucho a este disco...y ya quisiera el ""pop" de listas" de ahora ser como el de antes...

(Mejor canción: "You give Love a Bad Name").


        -"¿Qué quieres decir con que no creo en Dios? Hablándole todo el día", así empezaba la primera línea del tercer tema de una de las sensaciones discográficas de aquel año.

Segundo (aunque para mí el primero) de los llamados Cuatro Jinetes del "thrash", junto a SLAYER, Anthrax y Metallica, estos californianos liderados por el que fue el guitarrista de Metallica a comienzos de los '80, Dave Mustaine, se ganaron un status envidiable con este su segundo trabajo, "Peace Sells, but Who's Buying?", lanzado el 19 de Septiembre bajo Capitol Records y que llegó a Platino en EE.UU. (aunque se quedara en la 76.ª posición en el Billboard) y Canadá y Plata en Inglaterra, lo que hizo de estos agitadores del mundo del "heavy" ser conocidos como un grupo que tenía mucho que demostrar.

Cuando Metallica se iba a meter con su salvaje debut, "Kill'em All", en 1.983, Dave Mustaine tuvo muchas diferencias con el vocalista/guitarrista James Hetfield y el batería Lars Ulrich, sobre todo debido a sus abusos y excesos con las drogas, quedando ese puesto vacante y cubriéndolo después Kirk Hammet. Así que, siendo expulsado, Mustaine se trasladó a California y formó junto al bajista Dave Ellefson su particular banda, con el concepto de que quería tocar "más rápido y fuerte" que sus ex-compañeros de Metallica. Por un folleto que éste encontró en el suelo de un autobús, en el cual el senador Alan Cranston mencionaba las armas de destrucción masiva, o en inglés "megadeth", Mustaine halló el título idóneo para su cruzada metálica.

Con la audición de numerosos baterías y músicos que dieran la talla, el propio Mustaine se puso a la voz y a las seis cuerdas, y la empresa independiente Combat Records financió el primer proyecto del grupo, "Killing is my Business, and my Business is Good", en 1.985. Sin mucho tino en la producción, el LP se convirtió en un éxito en los círculos "underground" del "heavy". No consiguió mucha repercursión, pero eso animó más al vocalista/guitarrista. Y poco después volvió para grabar el próximo disco, aunque debido a la poca financiación de la que disponían, los miembros decidieron moverse de Combat a nada menos que Capitol Records; estos adquirieron los derechos, Randy Burns se metió en la producción junto a Paul Lani y seis meses después..."¡voilà!", el clásico del "thrash metal" del que se habla hoy: "Peace Sells, but Who's Buying?".



El sonido se percibe con más nitidez, es más audible, el ambiente es más "heavy metal" y menos "underground", pero los "riffs" y ritmos son la esencia misma de una estructura musical caótica: cascadas imparables de aplastantes decibelios inmersos en una velocidad descontrolada; una apisonadora con capacidad propia para destruir. Todas estas características se cohesionan dentro de una precisa organización que funciona como una máquina bien engrasada. En Nuclear Assault todo es anarquía sonora, en Megadeth hasta el desconcierto tiene un orden. En referencia a los textos Mustaine lo critica todo, no deja títere con cabeza; habla de satanismo, de ocultismo, ataca a la sociedad. Analiza, como si su juicio fuera un hacha a punto de blandirse, la política, la religión, la hipocresía del sistema, la violencia, el asesinato, la guerra y hasta el adulterio.


"Wake Up Dead" abre el disco con un ritmo atronador. Bajo (Ellefson), guitarras (Mustaine/Chris Poland) y batería (Gar Samuelson) se compenetran a la perfección y se centran en la pura ira sonora. No dura mucho el discurso cazalloso e iracundo de Mustaine, lo más importante son los solos y los "riffs", porque una melodía vale más que mil líneas. Sigue la más oscura "The Conjuring" para caer en ese juguteo ya mítico que se trae Ellefson al bajo en "Peace Sells", el tema estrella del disco y de la banda. "Devil's Island", que narra la espera de un preso para ser condenado, es otra maravilla rauda y cargada de punteos asesinos "marca Mustaine".

Mucho más tenebrosa suena esa épica introducción "Good Mourning" dominada por guitarras acústicas y los golpes de Samuelson para adentrarnos en la pesadilla que desencadena un psicópata en "Black Friday", la verdadera obra maestra del LP. Regresa el ocultismo con "Bad Omen" y la sorprendentemente más "rockera" versión de Willie Dixon "I Ain't Superstitious", terminando con otro trallazo de categoría como es "My Last Words", que habla de la incertidumbre de un hombre al jugar a la "ruleta rusa".

Todos alabaron el álbum, Rolling Stone, Kerrang!, SPIN, etc., y consideraron a Megadeth con personalidad y fuerza como para triunfar y no para quedarse simplemente a la sombra de Metallica u otros del estilo, y sobre todo destacaron la buena combinación de agresividad y accesibilidad que había creado el grupo de Mustaine. "So Far, So Good, So What!" sería muchísimo más exitoso, y llegaría al 28 en el Billboard, pero sin duda este es el LP que puso a Megadeth en el mapa y el que les llevó a la fama.

(Mejor canción: "Good Mourning/Black Friday").



        -Merecen figurar en esta lista, y no porque sí precisamente, sino porque, aunque su música no pase de ser el típico "heavy/glam" comercial de los '80, su ideología les situó como la primera banda de "heavy metal" cristiano en alcanzar tanto éxito y en ser aceptada por todos.

Los hermanos Michael y Rob Sweet eran muy seguidores de bandas como Van Halen pero no comulgaban con su forma de ver las cosas. ¡Uh!, sus maquiavélicos desenfrenos, sus tan paganas letras y sus actitudes tan inmorales...¡no, no, eso iba en contra de Dios! Pero estos hermanos venidos del Condado de Orange, en California, se colgaron los instrumentos y se prepararon para mandar, por medio de ondas distorsionadas de "hard rock", su mensaje al Mundo. Hasta se formó una especie de lema con las siglas del nombre de la banda STRYPER, salido de un pasaje de La Biblia, nada menos que "Salvation Through Redemption, Yielding Peace, Encouragement and Righteousness", algo así como "la salvación se da a través de la redención, la cosecha de paz, el apoyo y la justicia"...con un par.

Si para Y&T estaba el "In Rock We Trust" para estos era "In God We Trust", y así en 1.984 salió el EP "The Yellow and Black Attack", con los Sweet junto a Oz Fox en la guitarra y Tim Gaines el bajo. Con sus horteras y coloristas vestimentas amarillas y negras empezaron a labrarse un nombre, teloneando a grupos como Bon Jovi o RATT, aunque hubiera muchos que no se creían que de verdad fueran una banda cristiana.

En Mayo del año siguiente ya salió su primer LP, "Soldiers Under Command", una muestra de potente "heavy" con mucho tirón "glam", melodía, teclados y estribillos fáciles, donde destacaron temas como "Battle Hymn of the Republic", "The Rock that Makes me Roll" o la que da título al trabajo. Pero STRYPER no sonaban como los de Jon Bon Jovi. No llegaban al "pop", aunque fuesen muy comerciales. Sus canciones tenían vertientes épicas, éticas y, por supuesto, religiosas, y el tándem Sweet/Fox creaba "riffs" gruesos y de mucha solidez, nada ver con el arquetipo "rock/AOR" de White Sister o Autograph. Esas características se depuraron, se limaron y se plasmaron mejor que nunca en el mejor álbum de su discografía.

"To Hell with The Devil", grabado con el músico de sesión Brad Cobb en sustitución de Gaines y el teclista John Van Tongeren, salió el 24 de Octubre y demostró lo grandes que podían ser estos californianos y que creer en Dios no es pecado en la música "heavy". Llegó a Platino en EE.UU. consiguiendo la 31.ª posición en el Billboard, su puesto más alto jamás logrado en las listas; el vídeo del "single""Calling on You" fue tan difundido en la MTV que quedó como el 2.º más visto del momento y además recibió una nominación a los Grammy. Actualmente está en la lista de los "100 álbumes de "heavy metal" que hay que oir antes de morir". El sonido no había cambiado en este disco, simplemente la batería de Rob Sweet sonaba más atronadora, los punteos con gancho en las guitarras se acentuaron y los coros se hacían más grandilocuentes de lo que ya fueron en "Soldiers Under Command".



Su apertura "Abyss", de aura misteriosa y oscura, traía el himno "To Hell with The Devil", que era, por supuesto, el mejor tema, aunque no el que más repercusión tuvo; pero da igual, hoy es un clásico donde STRYPER predican con más fuerza que nunca su fe a base de un ritmo pesado, afilados "riffs" y la tremenda y rompedora voz de Mike Sweet. Todas las demás están en un peldaño más bajo, sin perder su calidad, como las muy "heavies""The Way", "Rockin' the World" (en mi opinión la que contiene el mejor solo del disco después de "To Hell...") o "More Than a Man", y las más comerciales llenas de coros "Singalong Song", "Calling on You" (para las radios el tema estrella) o "Holding On"; cada una de esas piezas convertía el estadio donde tocaba el grupo en su capilla particular para que su "mensaje" calara en los jóvenes oyentes de la época.

Dos años después llegaría el todavía más comercial "In God We Trust", que aunque alcanzó la misma posición los "charts" que éste, ya no tuvo la misma pegada ni la misma repercusión, llegando sólo al Oro en tierras estadounidenses. Pero "To Hell with The Devil" es un clásico, por mucho que duela...de acuerdo, no es "Back In Black", "The Number of the Beast" o "MCMLXXXIV", pero sí un fantástico y muy disfrutable álbum de "rock", y muy interesante también dentro del "glam" de los '80 al tratarse todo ese concepto musical desde una perspectiva tan dispar como la religiosa.

(Mejor canción: "Abyss/To Hell with The Devil").


        -Hoy en día permanece como una de esas rarezas dentro de la música, un LP que no es otra cosa que una monumental colaboración de cuatro músicos que pretendían ofrecer muchas cosas al mundo del "rock" y el "heavy", un proyecto realizado por un "supergrupo" que no gozó del mismo éxito que otros, como ASIA a principios de los '80 o los más clásicos Broken Glass; Beck, Bogert & Appice y Blind Faith. Un "supergrupo" está compuesto por almas inquietas, por gente que no puede estar parada interpretando un sonido en el seno de una banda para el resto de su vida, le ocurría a John DuCann, a Ronnie James Dio, a Steve Vai, etc. Personas que siempre están buscando el modo de conectar con su lado más virtuoso, con el otro "yo" que tienen escondido y que posee la maestría que les falta por alcanzar. Todo puede comenzar por Tony MacAlpine.

Un multiinstrumentista capaz de soprender al piano, a los teclados o a la guitarra por igual; influenciado desde pequeño por la música clásica y convertido en todo un virtuoso en la era donde el "shredding" dominaba el panorama del "heavy metal". La competencia era de lo más variopinta: Malmsteen, Vai, Satriani..., pero sus técnicas vertiginosas como el "sweep tapping" y su saber hacer con la mezcla de géneros como el "rock", el "jazz" y el "heavy" hicieron que se ganara una sólida reputación. En el juego entran los otros tres siguientes. El bajista Rudy Sarzo pertenecía a la tropa de Quiet Riot a finales de los '70 y comienzos de la década se unió a bandas como ANGEL y pasó por el grupo de Ozzy Osbourne, desempeñando su labor en el directo "Speak At the Devil" y entablando amistad con el batería Tommy Aldridge (un hombre que ya mostró su saber hacer con Pat Travers y Gary Moore). Tras el accidente de Randy Rhoads Sarzo se marchó de nuevo a QR e hizo fortuna con "Metal Health" en 1.983, mientras Aldridge siguió con el "Madman" en "Bark At the Moon". Los ires y venires con DuBrow hicieron que el bajista se marchara de la banda.

El destino quiso que el guitarrista MacAlpine, el bajista Sarzo y el batería Aldridge unieran sus fuerzas para desempeñar uno de los proyectos más brutales y sorprendentes del año. Pero en todo esto faltaba un vocalista que diera la talla en todo este embrollo relacionado con el mundo del "metal". El elegido fue, el originario de Orlando, Bob Rock, un joven cantante que venía de una banda de versiones llamada VICE formada junto a Chris Impellitteri. Los cuatro músicos (aunque en el juego ya estaba Craig Goldy pero se marchó para ser parte de DIO), afiliados a Roadrunner Records, juntaron sus virtudes musicales y parieron una obra mayúscula de puro "heavy metal" sin concesiones, de poder y energía electrizante, de velocidad, calidad y maestría por igual de proporciones épicas...de virtuosismo, ni más ni menos.



Esa obra se llamaría "Project: "Driver"" y se realizaría bajo el nombre de M.A.R.S. (MacAlpine/Aldridge/Rock/ Sarzo). Dicho LP se distribuyó en Europa a través de Roadrunner y en América a través de Shrapnel Records y no alcanzó el éxito de masas que se pretendía porque no estaba cohesionado con el momento, porque su propuesta no era comercial, no comulgaba con todas las tendecias "american rock" del año 1.986, aunque MacAlpine utilizara teclados. El ritmo constaba de una ejecución aplastante y rápida; los "riffs" de guitarra eran sólidos, feroces y los solos intrincados, 100% metálicos, y la voz de Rock se revelaba como una muy prometedora fuerza dentro del género.

La música expuesta estaba más en concordancia con el clásico "heavy" europeo, con bandas como RAILWAY, ACCEPT, TT Quick o puede que con los del otro extremo, Manowar, donde se erguían esculpidos en granito auténticos himnos atemporales como la "maideniana""Writings on the Wall", las de aderezos "power metal", siendo tratadas casi epilépticamente, "Unknown Survivor" y "Nations on Fire", la cual inicia el disco. Otras sí gozaban de comercialidad ligeramente emparentada con lo hecho en EE.UU.; "I can See It in your Eyes", "Slave to my Touch" y "Fantasy" podrían haber sido interpretadas por ICON o KEEL. Mención aparte tienen la épica balada "You and I", donde podemos ver lo versátil que es la garganta de Rock y lo emptivo que puede resultar MacAlpine; el "Freewheel Burning" de M.A.R.S., "Stand Up and Fight", un tema insignia para ser coreado en un concierto junto a miles de fans, y la fastuosa "Nostradamus". Ésta es una pieza, la mejor del LP, de más de seis minutos, donde el guitarrista se explaya a los teclados durante un minuto y 45 segundos para introducirnos en una atmósfera misteriosa, pero no tenebrosa como pudiera surgir en la banda de Ozzy Osbourne, sino de fantasía futurista, de ensueño, quizá heredada del sinfonismo de Keith Emerson, cuyo ininteligible halo se rompe con los baquetazos de Aldridge, unos gruesos "riffs" y la ruda voz de Rock, y que alcanza sus puntos altos gracias al estribillo y ese manejo tan mágico de las seis cuerdas de MacAlpine. Un tema que merece figurar en la Historia como uno de los mejores del "heavy metal" de los '80.


Tras este esfuerzo, que recibió críticas mixtas en su momento, cada músico se fue por su lado. MacAlpine resplandecería en trabajos como "Maximum Security" ('87) y "Eyes of the World" ('90); Rock se marchó con su amigo Impellitteri y participó en el grupo JOSHUA y en su debut, nombrado como uno de los mejores de "hard rock" melódico de la Historia; Sarzo y Aldridge se unieron en el directo de Osbourne "Tribute" y más tarde en el "Slip of the Tongue" de Whitesnake...y nunca más se supo. Aquella unión fue única, un punto de inflexión para cada uno de los miembros de M.A.R.S..

"Project: "Driver"" ahora es una rareza de coleccionista, apreciada por los pocos que supieron apreciarla en el momento de su lanzamiento, cuya fecha exacta es desconocida, pero sí se sabe que salió el 25 de Octubre de 1.990 en CD. Pues una rareza con una clase, carisma y profesionalidad que ya quisieran otras de más repercusión.

(Mejor canción: "Nostradamus").



        -Tal como ocurrió con Blue Öyster Cult o Thin Lizzy, que poseían una discografía rica y variada y era más adecuado hacerse con un directo para tener una buena recopilación de sus mejores temas, se podría ver del mismo modo con KROKUS...pero de manera distinta.

Estos suizos originarios de Solothurn, comenzaron a mediados de los '70 como grupo de "rock" clásico e inmiscuyéndose en el progresivo. Pero en aquella época otra formación que abarrotaba locales como era AC/DC influyó mucho en los miembros, y éstos decidieron moverse en esa dirección. Como Chris von Rohr no cumplía con las expectativas requeridas para ser el vocalista fue contratado Marc Storace, con una característica voz que unía el timbre de Bon Scott y el tono abrasivo y rasgado de Udo Dirkschneider.

En 1.980 tuvieron su primer éxito con "Metal Rendez-vous", sobre todo con el "single""Bedside Radio".  Y aunque fueron definidos como los AC/DC suizos, y con sus posteriores "Hardware" y "One Vice at a Time" (su disco más AC/DC) hasta acusados de sonar calcados a sus coetáneos australianos, ellos siguieron adelante. En 1.983, con el más "heavy""Headhunter", se ganaron definitivamente EE.UU., llegando al Oro, a la 25.ª posición en el Billboard y creando clásicos como "Stand And be Counted", "Eat the Rich" o la épica "Screaming in the Night". Pero como siempre ocurría si no sonabas en la radio la gente no te escuchaba, así que la música de KROKUS se fue haciendo cada vez más comercial, y las muestras fueron "The Blitz" ('84) y el posterior "Change of Address" ('86), con el que iniciaron su caída en picado. Sin embargo ya se hacía obligatorio un directo para que no quedara todo en estudio.

Y si ellos hacían algo bien era descargar todo su potencial en vivo, como buena banda de "rock/metal" que era. Así que aquel Octubre "Alive and Screamin'" llegó y mostró a los suizos haciendo vibrar a todo un público en sus muchas giras por EE.UU. y Canadá. Con un repertorio de nueve temas de puro "rock" que situa a KROKUS en su mejor entorno (envueltos en sudor, paseando su chulería por todo el escenario y luciendo largas melenas y típicos ropajes de cuero chillón) se configura un "show" que se hace breve pero intenso, con toneladas de buen "feeling" e infinitas dosis de energía "rockera".



El concierto abre con la arrolladora y muy "acedeciana" apertura "Long Stick goes Bloom", que abría también su álbum "One Vice at a Time", donde Storace despliega todo su potencial, al igual que sus compañeros Fernando von Arb y Mark Kohler a las guitarras, facturando sus característicos y crudos "riffs" mientras Tom Keiser y Jeff Klaven completan el sonido con una base rítmica brutal. Luego tenemos momentos fantásticos con los recordados "singles""Midnight Maniac" (The Blitz)  y "Eat the Rich", el mejor; tras éste, precisamente, cambia un poco el ambiente con los seis minutos de la gran "Screaming in the Night", mencionada como la "power-ballad" de KROKUS, con una audiencia siguiendo el ritmo con fuertes palmadas y Storace sonando más emotivo que nunca.
De hecho los mejores momentos del disco son los pertenecientes a la época del "Headhunter", aunque se hecha en falta alguna canción de "Hardware" (1.981). Aunque "Hot Shot City" sigue sonando sobrada de energía por muy comercial que se viera en "Change of Address". Tras "Midnight..." viene uno de los clásicos, "Bedside Radio", ejecutado con mayor espectacularidad y rapidez y el público enloquece por momentos.

La versión de "Lay me Down" continúa con el buen ambiente, que sigue sin decaer, para llegar a "Stayed Awake All Night", que da el momento más divertido del concierto con su tan disfrutable y pesado ritmo, casi "blues", donde destaca el trabajo de Keiser y Klaven. Y la noche acaba a toda pastilla con la violencia de "Headhunter", muy cercana al sonido de los alemanes ACCEPT y una de las más "heavies" de toda la discografía de la banda. El incendiario solo de von Arb y los grandes tonos que alcanza Storace repitiendo el título de la canción terminan con el espectáculo de forma enardecida y dejando a sus seguidores con ganas de más y más.

"Alive and Screamin'" no llegó alto, sólo al puesto 97 en el Billboard, pero confirmó lo grandes que eran estos máximos exponentes del "rock" en Suiza sobre un escenario. Después de esto se mudarían de Arista Records a MCA intentando sobrevivir sacando discos, pero ya sin la calidad de antaño...
(Mejor canción: "Screaming in the Night").


Otros 10 (y van 70). Pero cabe destacar qué más cosas se hicieron aquel 1.986. Como ya se dijo este fue el año de las dos corrientes que vivían su estelar apogeo: "glam" y "thrash", así que la cantidad de trabajos que se pueden contar de cada uno es infinito.

Debutaron en el '84, pero con "Shot in the Dark" Great White iniciarían su camino al estrellato; los más "heavies" KEEL obtuvieron su mejor puesto en los "charts" con "The Final Frontier"; RATT empezarían, sin embargo, su gran declive con "Dancing Undercover", por muy Disco de Oro que fuera; Quiet Riot se deshicieron del pendenciero y cizañero DuBrow tras "QR III", Rough Cutt terminaron su carrera con "Wants You!". Otros también "heavies" a más no poder, WASP, tuvieron que comercializarse por la presión discográfica y sacaron "Inside the Electric Circus", infinítamente más inferior que el previo "The Last Command"; producidos por Gene Simmons, le pasó lo mismo a Black 'n' Blue al realizar su tercer disco "Nasty, Nasty"; Killer Dwarfs hicieron "Stand Tall", King Kobra "Thrill of a Lifetime", los cafres liderados por Geoff Tate, Queensrÿche, "Rage for Order" y el genio de las seis cuerdas, Malmsteen, atacó con su "Trilogy", del que dicen que es su mejor trabajo.

Por otro lado los canadienses VOIVOD sorprendieron ese año con el inclasificable "Rrröööaaarrr", KREATOR con "Pleasure to Kill", Possessed con "Beyond the Gates", unos jóvenes Sepultura con su debut "Morbid Visions" y puede que uno de los mejores álbumes de "thrash" de 1.986, "Game Over", también debut venido de la mano de Nuclear Assault. Y hablando de joyas del "thrash", uno no puede olvidar el "Reign in Blood" de SLAYER, que sirvió para que se alzaran como uno de los grandes del género.

Los veteranos proseguían sus andanzas enfocando sus miras al momento en el que se encontraban. Ya se dijo: unos tuvieron más suerte que otros. Los teutones ACCEPT hicieron su último buen disco, "Russian Roulette"; Black Sabbath se caía y se hundía en el olvido, porque un disco que se llame "Black Sabbath's (Featuring Tony Iommi) Seventh Star" indicó que las cosas no iban bien en el seno del grupo; AC/DC se intentaban recuperar de sus batacazos contribuyendo en la banda sonora de la película "Maximum Overdrive", del escritor Stephen King, con "Who Made Who". Iron Maiden decepcionaron a sus más clásicos y "metaleros" fans cuando sacaron "Somewhere in Time" (que no deja de ser exactamente lo mismo de siempre añadiendo sonidos sintetizados y teclados, pero...), idéntico asunto que vivieron Judas Priest con "Turbo", su álbum más comercial y totalmente desvinculado del potente "heavy metal" de "Defenders of the Faith". Hasta Priest pasaron por el aro en 1.986, cardándose todos el pelo y vistiendo unas ropas coloridas de cueros chillones que ríanse ustedes de Mötley Crüe; todo para conquistar el mercado americano, claro. Sí decepcionaron, y a base de bien, Van Halen incluyendo a Sammy Hagar en su banda y grabando "5150". Otros más "rockeros" como MAGNUM se metían en el "AOR" y el "pop rock" con "Vigilante", como TRIUMPH con "The Sport of the Kings"; sin embargo, unos que ya iban de cabeza por eso del "AOR", los escoceses Nazareth, se reciclaron y sacaron su vena más enérgica en "Cinema", uno de sus mejores trabajos, y no sólo de los '80.

Debutaron una de las mayores promesas del "glam", Cinderella, con su "Night Songs"; otros en el género, Poison, se enmarcaron en el "pop/hair metal" y vaya si crearon escuela con su propuesta en "Look What the Cat Dragged In", directamente para conquistar al público femenino siguiendo los "looks" de New York Dolls (aunque no su música); también estuvieron los de Florida, Crimson Glory, con su álbum homónimo; el proyecto de Steve Hackett y Steve Howe junto a Max Bacon, Jon Mover y Phil Spalding, GTR, que llegó al 11 en el Billboard; unos renacidos ELP como Emerson, Lake & (Cozy) Powell; los "aoreros" ingleses FM con "Indiscreet", los "heavies" SWORD con "Metallized", el grupo que se hizo Vinnie Vincent tras salir de KISS, Vinnie Vincent Invasion...y muchos más.

En el saco de los directos se podría nombrar el que Pete Townshend grabó en el Brixton Academy de Londres, "Deep End Live!"; el "Live! Live! Live!" de los reunidos clásicos "bluesies" Bachman-Turner Overdrive; el "Live Desire" de los "glammies" finlandeses SMACK, el que realizaron Hawkwind en el Hammersmith Odeon, "Live Chronicles", y, por supuesto, el primer directo, aunque fuera EP, de DIO, "Intermission", grabado en el Sport Arena de San Diego y que alcanzó el 22 en los "charts" británicos.

Aquel año no sólo se hicieron celebraciones, claro está. El mundo del "rock", en general, perdió al multiinstrumentista de la conocida The Band, Richard G. Manuel, que se quitó la vida el 4 de Marzo; a uno de los genios del "blues", Sonny Terry, el 11 de Marzo; al guerrero Phil Lynott el 4 de Enero y a uno de los mejores bajistas del mundo del "heavy" el 27 de Septiembre, Cliff Burton, en el accidente de autobús que todos recuerdan; Metallica ya no fueron lo mismo sin él.

Que todos estos genios descansen en paz.




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Rock Progresivo Español.Rompiendo la oscuridad:MÚSICA DISPERSA (colaboración de Félix Jota)

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Grupo catalán liderado por el madrileño J. Manuel Bravo “El Cachas”, del que también formó parte el cantautor Jaume Sisa, que venía del Grup de Folk. Ambos habían colaborado en un EP de 1969, Miniatura, junto a Pau Riba. 

Solo editaron un Lp de título homónimo, en 1970. Grabado en los Estudios Gema de Barcelona con Lluís Montero como ingeniero de sonido. Un fiasco, ya que no se vendieron ni  500 copias de un trabajo incomprendido en su momento, y hoy día objetivo de muchos coleccionistas. A pesar de estar reeditado tanto en LP como en Cd. La portada, con diseño de Selene, es magnífica, con olas en relieve inspiradas en la pintura china. El disco contenía diez temas, todos de una sola palabra, con sonidos innovadores y originales cercanos al folk-rock y a la psicodelia. 

  Se abre con “Diálogo”, donde destacan la guitarra y la voz fémina. Le siguen “Hanillo”, tema en que “El Cachas” hace unos buenos solos de flauta. “Swani” y “Rabel” son los temas  más “serios”, al igual que “Arcano” y “Eco”, con unos silencios más que misteriosos. “Hanillo” y “Swani” se editaron en single antes de la aparición del LP. En sus directos utilizaban todo tipo de artilugios y cachivaches, lo que les supuso más de un problema con el público, que creía que se les vacilaba. Gualberto les acompañó en algunas de sus pocas actuaciones y también Tapi a la batería. 




Estuvieron en el “Primer Festival Permanente de la Música Progresiva”, celebrado los tres últimos meses de 1970 en el Salón Iris de Barcelona. En el “Electric Toxic Claxon So”, junto a Pau Riba y Om ese mismo año y en el Colegi Sant Ignasi de Sarriá junto a Pau & Jordi.

  Albert Batiste decía: “Una tarde de Otoño de 1969 fui a ver a “El Cachas”. Estuvimos escuchando a los Rolling Stones y luego quedamos con Sisa. Pasamos por el piso de Selene y estuvimos improvisando con los bongós y las guitarras. Salimos a la calle y estuvimos tomando cervezas y asistiendo a las conversaciones surrealistas de Sisa. Seguimos callejeando y nos fuimos cada uno a su casa, no sin antes quedar para ensayar el día siguiente. Y así…todos los días durante un año inolvidable e irrepetible”.
  


Tras ese año inolvidable que decía Batiste, Música Dispersa se disuelve. “El Cachas” marcha al Servicio Militar y Sisa continúa con la grabación de su primer Lp “Orgía”, en el que colabora Batiste antes de enrolarse con la Orquesta Platería.

FORMACIÓN:
J. M. BRAVO “El Cachas”: Voz, Flauta, Guitarra y Mandolina
JAUME SISA: Voz, Percusión, Guitarra y Swannie
ALBERT BATISTE: Voz, Bajo, Armónica, Órgano y Batería
SELENE: Voz, Piano, Bongós, Flauta y Realización de Portada
JOSÉ Mª VILASECA: Batería

DISCOGRAFÍA:
Hanillo/Swani (Diábolo 1970) Referencia SN 20.367 SINGLE

Música Dispersa
 (Diábolo 1970) Referencia S-30.011 LP
(Diábolo 1971) Referencia D-1002 LP
 (Edigsa 1979) Referencia 30011 LP
    (PDI 1992) Referencia X-802760 CD
               (Actual Records 1995) Referencia CD 80 2001-14 CD
             (Wah Wah Records 2002) Referencia  LPS 011 LP
              (Discmedi Blau 2004) Referencia DM 896-02 CD 






Temas
Temas
1.- Dialogo
2.- Hanillo
3.- Cromo
4.- Swani
5.- Gilda
6.- Rabel (popular)
7.- Eco
8.- Cefalea
9.- Arcano
10.- Fluido
11.- Citara





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CAMEL - On the Road 1.972

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 Camel es uno de mis grupos favoritos y durante los setenta fue uno de los pilares básicos en el rock sinfónico y en el sonido Canterbury.
La historia de Camel es por todos conocida y ya la hemos relatado en Rockliquias, baste decir que sus inicios como Camel comenzaron en el 71 y con diversas formaciones y vicisitudes se han mantenido hasta nuestros días  Para mi la formación original: Andrew Latimer (guitarra, flauta, voz), Peter Bardens (teclados, voz), Doug Ferguson (bajo) y Andy Ward (batería), es la que forjó las mejores obras del grupo. Posteriormente los cambios de formación  fueron modificando algo su esencia aunque Latimer siempre mantuvo una linea compositiva parecida. Afortunadamente parece que Andrew ha superado sus problemas con el cáncer y lo podemos seguir disfrutando.


La grabación nos presenta a unos Camel  en sus  inicios como grupo.  Se trata de una actuación grabada en la emisora WQIV de Nueva York el 19 de noviembre de 1972.  Cuatro temas que nos dan una buena muestra de la capacidad musical de la banda. El setlist está compuesto por "Lady Fantasy" y "White Rider" que no verían la luz en un disco oficial hasta la publicación de "Mirage" en el 74.  También podemos deleitarnos con "Six Ate" de su primer disco "Camel" (1.973). Y por último un largo tema "God of Light Revisited" (14:24), perteneciente al primer disco de Peter Bardens, "Answer". En definitiva un disco para disfrutar.




Temas
"Lady Fantasy" (Camel) - 13:45
"Six Ate" (Latimer) - 6:11
"White Rider" (Latimer) - 9:56
"God of Light Revisited" (Bardens) - 14:24

Formación
Peter Bardens – Teclados, voz
Doug Ferguson – bajo, voz
Andrew Latimer – guitarra, voz
Andy Ward – batería
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Ensayos sobre un sonido (EM):JEAN MICHEL JARRE "Rarities" (1968 - 1973) (colaboración J.J. Iglesias)

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La carrera de Jean  Michel  Jarre es fácilmente  comparable con la de Mike Oldfield. Músicos  sujetos durante toda su vida a un disco-icono, con más  altibajos que una montaña rusa y, de vez en cuando, alguna obra maestra. Rock stars al viejo estilo, que gustan del lujo, glamour y los placeres de la vida a lo bruto. Esto no le ha hecho un favor a sus trayectorias. La comercialidad simplona, querer agradar a todo el mundo, y la avidez por la pasta fácil  son una peligrosa tentación. Siempre en constante disputa con el arte. Pocos saben que antes del fenómeno  "Oxygene", Jean  Michel Jarre  ya tenía  dos albums.  "Deserted Palace" (1972) y la banda sonora "Les Granges Brulees"(1973),ambos muy recomendables. Además  de una trayectoria en bandas de rock como guitarrista/cantante desde los finales 60. A pesar de ser hijo del gran Maurice Jarre, el joven Jean  Michel estaba más  influido por las corrientes vanguardistas, en aquellos primeros 70.


Ingresando en el "Groupe de Recherches Musicales" dirigido por el maestro de la música  concreta, Pierre Schaeffer, el cual fue también su mentor. "Rarities" forma parte de un doble cd titulado "Essentials and Rarities" (2011),dedicado a su amigo fallecido Francis Dreyfus, dueño de la discográfica  francesa de mismo apellido, que trabajó  y ayudó  estrechamente a Jarre desde sus inicios.  Pero "Rarities" apareció  felizmente en vinilo, desechando el "Essentials", que no deja de ser un simple "best of".

La mayoría  de este material está  hecho en los nacientes 70, con arcaicos procesamientos de sincronización  manual de cinta analógica,  Revox A77, los socorridos  VCS3 y AKS synths y órgano  Farfisa. Pare usted de contar.


Lejos de las innovaciones electrónicas  y artilugios futuristas que exhibirá  a partir de "Oxygene" y su posterior montada en el dólar.  Esto ES kraut. Primitivo, tosco, escueto y de válvulas  burbujeantes. Con recuerdos a la  "concrete musique", electroacustica  y vanguardismo integro. Sin miedo a no gustar. Son 14 cortos temas, excepto "Windswept Canyon" (7'39), que incluyen su primer single "La Cage/Erosmachine ",algunos cortes de sus dos primeros lps y material inédito de alto contenido kosmische.

Lleno de imaginación  y sorprendentes logros. Y hecho con cuatro trastos. Emparentado en línea  estilística  con Cluster, Harmonia. La Dusseldorf , Walter/Wendy Carlos o los primerisimos Kraftwerk. Frente a tanto medio posterior, pero menor nivel de inspiración,  este "Rarities" alucina, ensoña y fascina. Una pequeña joya imprescindible del (a veces) genio francés. 




Cara A
"Hapiness is a Sad Song" - 5'52 - 1968 
"Hypnose" - 3'28 - 1970
 " Erosmachine" - 2'57 - 1969
 " La Cage" - 3'22 - 1969
 " Song of the Burnt Barns - Chanson des granges brulées " - 2'44 - 1973 
" Rainforest Rap Session " - 1'39 - 1971 
" Roseland le Pays de Rose " - 2'01 - 1973



Cara B
 "Windswept canyon" - 7'39 - 1970 
"The abominable Snowman" - 0'52 - 1970 
" Deserted Palace" - 2'21 - 1970 
" Black Bird" - 3'06 - 1972 
" Music Box Concerto" -- 2'40 - 1971 
" Iraqi Hitch Hiker " -- 2'24 - 1971
 " The Burnt Barns -- Les granges brulées » - 3'13 - 1973




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Boot - Boot 1.972

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Resulta curioso que Boot tuviera como teloneros a los Lynyrd Skynyrd y se enfrentaran en un concurso de bandas en la Universidad de Florida a los mismisimos The Allman Brothers.


Su origen lo podemos fijar en Florida y desde mediados de los 60 sus cuatro miembros ( Eliassen, O'Borck,  Bruce Knox y Mike Mycz. ) estaban dando guerra con diversos grupos (The Kingsmen, The Split Ends, Blues of Our Time) hasta adoptar el definitivo, Boot. En el 72 graban "Boot" y realizan actuaciones con Canned Heat, BB King, Neil Diamond, Detroit Wheels, etc.  En el 77 volverían a grabar.


Boot nos presentan ocho temas de un hard rock psicodélico, bastante light, de alta calidad. El disco comienza con "Hey Little Girl" ritmo hard rock al estilo Status Quo para pasar en "Danny's Tune " mostrandonos sus actitudes vocales a lo John Mayall en "Room the move".  El tercer tema "Liza Brown " nos sigue mostrando buenos riffs rockeros. "Andromeda" posee un buen solo central y en "Destruction Road" nos ofrecen sus dotes con el slide guitar. Y así podemos seguir con el ritmo hasta finalizar con "  What You're Missing" con un poderoso riff inicial.




Temas
01. Hey Little Girl    00:00 
02. Danny's Tune    04:12
03. Liza Brown   09:42 
04. Andromeda   12:33 
05. Destruction Road  17:53  
06. Reach Out    23:10 
07. What Are The Doing To Me?    26:29 
08. What You're Missing    30:10

Formación
 Dan Eliassen: bajo, voz
 Bruce Knox: guitarra, voz
Jim O'Brock: batería
Mike Mycz: guitarra, voz

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VAN LEER "I Hate Myself (for loving you) (1987) (colaboración J.J. Iglesias)

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1987. Estamos en pleno vortex de los peinados imposibles que desafían  a la gravedad, y vestimentas rococó  a lo Luis XIV. El heavy melódico  USA y el AOR triunfan en todo el mundo. Whitesnake edita su "1987" y todo se revoluciona, vía  MTV. Y quién  diríais que se apunta  a esos nuevos sonidos? Un puñado de tíos  calvos,  "old farts" talluditos y feotes con pinta de oficinistas. Liderados por un veterano del rancio (por entonces) progresivo 70s. Sinceramente,  a quién  se le ocurrió  la idea? De verdad creían  que iban a acercarse a los efebos  guaperas  "zoolanders" rockeros del momento? Y desde Bruselas, que es donde se grabó? Los ejecutivos de Ariola debieron coger algo del bolsillo de la cazadora de Thijs Van Leer, directamente llegado de su querida Ámsterdam.



Ahora bien, la música  ya es otra cosa. Porque es sensacional. Vale, lleva la típica  producción  ochentero, con sus baterías  hinchadas (aunque aquí  no tanto) y sus vicios sonoros del momento. Pero este es uno de los mejores discos AOR 80s que se hicieron en Europa. Y me conozco unos cuantos. Fresca todavía  su aventura hispana con Miguel Ríos. Más  fresco aún  su amago junto a Jan Akkerman en aquel "Focus" (1985) que no llegó  a nada. Al bueno de Thijs Van Leer le convencen (o lo emborrachan) para que lidere una banda de puro AOR a su nombre. Gracias al cielo la música  es escrita por él.  Michael Gillespie canta con soltura y convence. Además  apoya con guitarra y sintetizador. El ritmo está  muy presente con Luis Luz (percusión ), Peter Vlietstra (batería ) y el gran Bobby Jacobs (bajo). La guitarra la domina sobradamente Jan Peter Eerenberg. Un Steve Lukather europeo. Y los teclados (mayormente digitales último  modelo), algo de flauta y un poco de su característico  yodelling  (en el tema "Shock Treatment"), se lo dejan a Van Leer. A estas alturas de la comedia te creerás  que esto es un surrealismo y que de dónde   he sacado este disco. Ciertamente parece extraído  de una realidad paralela.


Pero créeme,  el viejo Van Leer deja a un lado su crepitoso Hammond, y sus barroquismos introspectivos.  Para lanzarse a la piscina del puro AOR USA en la línea  más genuina de Toto. De hecho es al grupo al que más  se asemejan. Con excelentes canciones de un ejercicio de estilo más  que encomiable. Cualquiera de los 10 temas de este album podrían  haber salido en un episodio de " Miami Vice" sin ponerse coloraos! ! Y atención,  Porque sus arreglos prog, jazzy,  funk...son inteligentisimos. Se diría  que fruto del cerebro de David Paich o los hermanos Porcaro. Pero no, es el gran Thijs Van Leer demostrando su capacidad para amoldarse a todos los terrenos. Este es uno de los discos AOR-Soft más  disfrutables, raro, desconocido (por los expertos del género ) y recomendable de este estilo.

Y sin un rayo del sol de California. Si te gustan éstas  músicas, la gozaras,  porque  es una joya. Pero como seas un cerrado friki de Focus esperando otro"Hamburguer Concerto", deberías  abstenerte. Porque este es un "Hamburguesa  Concerto".  Yo me lo paso dpm  escuchando esta maravillosa boutade del maestro.
Pronto volvería a reunir a su banda madre, hasta hoy. Y Bobby Jacobs es ahora el bajista de Focus. Un curioso y estupendo artefacto este album,que a la vez no deja de ser una divertida anécdota  en la carrera del grandísimo  Van Leer.




Temas
1.- I Hate Myself (for Loving You) 00:00 
2.- My Inspiration 04:46 
3.- I Think of You 09:30
4.- Tempted 15:30
5.- Too Good to Be True 19:43
6.- Manchildren 24:08 
7.- Hollywood Blues 28:56 
8.- You Got Me 35:00 
9.- Sensitive Boy 39:59 4:41
10.- All Because of You 44:44 
11.- Shock Treatment 49:11 

Formación
Peter Vlietstra - batería
Bobby Jacobs- bajo
Jan Peter Eerenberg - guitarra
Luis Luz - percusión
Michael Gillespie - voz, teclados, guitarra
Thijs van Leer - teclados, flauta

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Rockliquias en los 80: 1.987 Part. 1 (colaboración Christian Jiménez)

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Continuaba la segunda mitad de los '80.

Pocos recordaban ya lo que significaba las palabras "heavy metal" en su más pura esencia. Todo estaba practicamente dominado por el mercado americano, por las FM, por la emisión de vídeos en la MTV. La fiesta del "glam" no acababa, y todo fue, aunque parezca mentira, por un cuarteto llamado Poison. Multitud de grupos que practicaban un "hard rock" comercial se comercializaron aún más y adaptaron su imagen a los nuevos tiempos.

El "AOR" podía seguir teniendo sus seguidores, pero no era lo mismo. Desde la caída de ASIA y lo que hizo MAGNUM en "Vigilante" el género había bajado mucho el listón, aunque todavía había por ahí cosas que merecían la pena escucharse. En el "hard rock" hubo grupos que se rehicieron a sí mismos fusionando las nuevas tecnologías con su sonido de siempre.

Pero si por algo destacó 1.987 fue por un chaval llamado William Bruce Bailey, un delicuente convertido en estrella de "rock", que fue conocido por Axl Rose, y del que ya se hablará:


-Natural de Belfast, al Norte de Irlanda y nacido el 4 de Abril de 1.952. Cuando se habla de Robert William Gary Moore son palabras mayores en la Historia de la música "rock", ya que desde 1.973 su manera de expresarse a través de su instrumento de seis cuerdas le convirtió en todo un virtuoso del género.

Ya a la edad de 14 años tuvo su primera guitarra en condiciones y cuando contaba 16 se mudó a Dublin. Su objetivo era convertirse en un gran músico y se vio influenciado enormemente por el gran Peter Green de Fleetwood Mac, quien fue su mentor personal. También retuvo cosas que aprendió de Albert King, que le fascinaron de Elvis Presley y de The Beatles. Pero cuando presenció en un concierto a Jimi Hendrix sabía que su estilo se iba a enfocar hacia el "rock" de corte "blues" a partir de aquel mismo momento.

En Dublin hasta se unió a un grupo llamado Skid Row (que poco tiene que ver con el que todos creemos) junto a Brendan Shields. Más o menos ahí fue cuando empezó su amistad con otro carismático músico llamado Phil Lynott. Pasó por Inglaterra y EE.UU. y ya en 1.973 formando la Gary Moore Band salió su primer disco,"Grinding Stone"; dicho disco fue lanzado por la discográfica COSMOS y considerado como Álbum del Año por la KTAC-FM. En 1.974 se unió a Lynott y al grupo Thin Lizzy por primera vez tras la marcha de Eric Bell. Tras varios ires y venires en 1.978 realizó su segundo LP, "Back on the Streets" y colocó el "single""Parisienne Walkways" en el Top Ten de los "charts" británicos junto a su camarada Lynott. "Black Rose", además, llegó al 2.º puesto en las listas inglesas haciendo de éste uno de los mejores discos de Lizzy. 

Los '80 comenzaron con devaneos en el "pop" en "G-Force", proyecto de Moore junto a Willie Dee, Tony Newton y Mark Nauseed. Vinieron "Corridors of Power" y "Victims of the Future", más enfocados hacia el "hard rock" y que no hicieron más que incrementar su popularidad y éxito, llegando este último a ponerse 12.º en las listas inglesas. "Run for Cover", hecho con la gran colaboración de muchas amistades (entre ellas Glenn Hughes, Don Airey, Bob Dailsey, Gary Ferguson y por supuesto Lynott) ganó el Plata en Gran Bretaña y le dio a Moore uno de sus más exitosos "singles": "Out in the Fields", 5.º en las listas.


Y con esta subida por las escaleras de la fama llegamos al 9 de Marzo, fecha en la que salió "Wild Frontier", culpable de que el guitarrista alcanzara su más alta posición en los "charts", figurando 8.º y siendo Disco de Plata. Si decimos que fue n.º 1 en Finlandia y en Noruega, que llegó a Disco de Platino en Suecia y que sólo se quedó en el 139 en el Billboard, podemos deducir que funcionó mejor en Europa que en EE.UU., y así fue. A Moore poco le importaba, ya que obtuvo su mejor puesto en los '80. El disco no sólo sacaba a relucir el lado del guitarrista más arraigado a su tierra natal irlandesa (cosa que eso a un estadounidense de 1.987 se la traía bien floja), sino que estaba dedicado a la memoria de su compañero de fatigas desde hacía muchos años Phil Lynott. De hecho, en la portada original del LP aparecían las líneas "para Philip".

En este nuevo trabajo, Moore se metió en el arriesgado juego de fusionar "rock" con tecnología, algo que muchas veces salía bien y otras aseguraba el porrazo al artífice del experimento. En este caso fue un dardo musical certero. La batería electrónica de "Wild Frontier" le da al disco otro cariz, otra atmósfera más moderna y fresca sin hacer perder la fuerza que caracterizaba a la música del multiinstrumentista. Aquí figuran como trío el bajista Bob Daisley y el teclista Neil Carter junto al guitarrista/vocalista.


No puede abrir mejor el trabajo que con "Over the Hills and Far Away", de ritmo trepidante y matices épicos, con el resonar de la batería electrónica y las gaitas de por medio, pretendiendo hacer protagonista al oyente cabalgando a lomos de un tema inclemente de puro "heavy metal" por las amplias llanuras de Irlanda; ejemplo perfecto de tradición y modernidad en uno; el tema llega como "single" al 20.º puesto. Luego tenemos otras de muy parecidos toques "metálicos" como la espectacular "Thunder Rising" o "Wild Frontier", las más comerciales y americanizadas "Friday on my Mind", versión de los australianos Easybeats, y "Take a Little Time".

Para acentuar el lado más sentimental, clásico y "blues" del guitarrista ahí están "Crying in the Shadows", la muy "whitesneakiana""Strangers in the Darkness" y hasta una regrabación de la instrumental "The Loner" de Cozy Powell, perteneciente a su álbum "Over the Top" ('79) donde colaboró el propio guitarrista. Sin duda uno de los mejores plásticos de Gary Moore y de los años '80 hecho por un instrumentista de "rock" de las seis cuerdas. El éxito de "Wild Frontier" no sería superado hasta tres años después con el "Still Got the Blues", que ya fue Platino en varios países.

El 6 de Febrero de 2.011 a Moore se le paró el corazón en el Hotel Kempinski de nuestra malagueña ciudad de Estepona, por un abuso considerable de alcohol, al igual que su compañero Lynott dos décadas antes (mucha coincidencia...). A los 58 años de edad, nos abandona este virtuoso músico dejando tras de sí un legado incalculable, que personalidades como Adrian Smith, Zakk Wylde, Tony Iommi, Eric Singer, Paul Gilbert, Kirk Hammett, Ozzy Osbourne o Brian May han reconocido muy orgullosamente.

(Mejor canción: "Over the Hills and Far Away").



-Uno de los Cuatro Jinetes del Apocalipsis, junto a Metallica, Megadeth y SLAYER, en la época de los '80, y, ahora, uno de los mayores referentes e influencia fundamental para todo seguidor que se precie de ese género por excelencia donde las guitarras distorsionadas dominaban el estilo, y hablamos del "thrash metal".
Esta banda fue formada en la Costa Este de EE.UU., en Queens, New York, a mediados de 1.981, por los guitarristas Scott Ian y Dan Lilker. Aquella primera encarnación de la banda se completó con el vocalista John Connelly, el bajista Paul Kahn y el batería Dave Weiss, aunque esta temprana formación pasó por muchos cambios. Pasaron por el seno del grupo gente como Gregory Walls, Greg D'Angelo y Neil Turbin.

Connelly se marchó y se quedaron en un quinteto grabando una maqueta en 1.982. El grupo mayormente tocó en el área de New Jersey y New York por algunos meses y comenzaron a hacerse un nombre al mismo tiempo que los lejanos Metallica en ese momento. Pero la estabilidad no era algo que iba a reinar de forma perpetua. Los cambios siguen cuando se va el guitarrista Walls, siendo reemplazado poco después por Robert Berry, y éste, a su vez, por Dan Spitz, que venía de otra banda de New Jersey, Overkill. De paso D'Angelo se larga y entra Charles Benante. Mientras tanto, a fines de 1.983, Scott Ian contrae amistad con el propietario de Megaforce Records, Jon Zazula.

Aquel hombre habría de iniciar una auténtica ola musical que cambiaría el "heavy metal" para siempre, ya que lanzó con su sello el debut de Metallica, "Kill'em All". Así que, para proseguir con su trabajo de cazatalentos, decide fichar a Anthrax y grabar un par de "singles", producidos por nada menos que el guitarrista de Manowar, el llamado Ross, "the Boss". Finalmente esa relación da frutos y en 1.984 sale el debut del grupo, "Fistful of Metal", un verdadero "puñetazo" de "heavy" tratado casi espasmódicamente que puso a Anthrax como una de las promesas de ese género tan brutal, rápido, directo y sin concesiones llamado "thrash". Tras acumular éxito también se van acumulando tensiones y Lilker se marcha, sufriendo un posterior ataque "mustaineiano" al formar Nuclear Assault con el olvidado John Connelly.

Para rematar se despide a Turbin y se llega al punto clave para el grupo. Ese punto fue la garganta de Joseph Belladonna, que cantó en el segundo disco de Anthrax, lanzado el 30 de Octubre de 1.985, "Spreading the Disease", el cual hizo que creciera el éxito de los neoyorkinos entrando en el Billboard en la 113.ª posición, gracias, sobre todo, a ese pildorazo que abre el LP llamado "A.I.R.". Belladonna poseía una voz puramente "heavy", fácil de modelar distintos tonos y timbres y de alcanzar notas altísimas en muchos de los gritos que pegaba. En aquel año Ian, su antiguo compañero Dan Lilker y el cantante Bill Milano se bautizan como Stormtroopers of Death y graban un disco llamado "Speak English or Die", con el que sientan cátedra en los umbrales del "hardcore" más delirante.

Así llegamos, tras giras y conciertos y unas ventas que no dejaban de subir, al tercero de aquella progresión, para muchos, hasta para los propios Anthrax, la piedra angular de su discografía, "Among the Living", que salió el 22 de Marzo. Dicho álbum se vuelve uno de los más alabados del género por fans y críticos por igual y deja a los de Queens como uno de los bastiones absolutos de la cada vez más sólida fortaleza del "thrash metal". La competición que aguantaban era importante: Metallica tuvo su "Master of Puppets", Megadeth su "Peace Sells, but Who's Buying?", ya empezaban Exodus con "Pleasure of the Flesh" o Testament con "The Legacy", pero Anthrax tenía un as bajo la manga con el que no podían perder. Ese as se llamaba Eddie Kramer, contratado por los integrantes, y que iba a darle otra dimensión a su sonido.

Erróneamente el veterano productor tenía en mente el disco más importante de la década de los '80, que fue el "Pyromania" de Leppard y tuvo que calibrar "bien, estos chicos quieren modernizarse, darle a su música un nuevo enfoque". Así que en los estudios Compass Point de las Bahamas, justo en el momento en que Kramer iba a comenzar la mezcla del primer tema ("Caught in a Mosh") entró en la sala de control Scott Ian...y quedó literalmente horrorizado cuando vio lo que había hecho el productor. Éste quería darle al álbum sonido pomposo, moderno, acorde con las nuevas modas, y chocó con la mentalidad de Ian, quien desde pequeño se había criado con dinosaurios como Los Ramones, AC/DC, Ted Nugent o Black Sabbath. El guitarrista quería volver a aquella época y hacer que el trabajo tuviera un estilo básico, duro, simple, directo y en toda la cara, lo que hizo que hubiera una discusión bastante fuerte, pero a las pocas horas volvieron de nuevo y Kramer les presentó las mezclas sin retoques...y las cabezas de los integrantes explotó. Eso querían, y así iba a sonar "Among the Living".

Todo es como quería Ian: fuerte, desgarrador, lisa y llanamente "thrash" hecho para reventar altavoces, pero también es verdad que el disco parece más grande, más inmenso en comparación con los anteriores. Unas partes más de clásico "heavy metal" se cruzan con tempos rapidísimos y agresivos ofreciendo un resultado tan interesante como sangrante. Esa premisa se cumple a la perfección en el tema que da título al LP, muestra del pontecial del grupo; aunque también están otros sublimes trallazos como "I Am the Law", "Indians", "One World" o "A Skeleton in the Closet", extensas piezas llenas de ferocidad difíciles de imitar. Mención aparte tienen el más "metalero" y no menos "thrash""Caught in a Mosh" y la joya de más de siete minutos "A.D.I. (Arabic Douche Intro)/Horror of It All", que comenzaba con esa recordada intro de guitarra acústica tan tenebrosa para terminar a mil por hora (como de costumbre). En ellas se habla de relatos de terror, de héroes de cómics, de las drogas, de personajes famosos caídos en desgracia...la imaginación no tuvo límites en esta obra.




Se coloca el 62 en el Billboard siendo Oro en EE.UU. y nada menos que en la 12.ª posición en Gran Bretaña; "Caught in a Mosh" es catalogada 29.ª por VH1 en su lista de "Las 40 Canciones más Grandes del "Metal"". "State of Euphoria" ('88) tendría más éxito, pero "Among the Living" es el que les hizo despegar por fin y llegar a las masas. Fue un triunfo personal para Ian & co., que lo consideraron EL ÁLBUM de Anthrax, el que sentó las bases de su sonido y del género que hacían. Un álbum dedicado a la memoria del (por aquel entonces recientemente) fallecido Cliff Burton...él seguro que estaría orgulloso.

(Mejor canción: "A.D.I. (Arabic Douche Intro)/Horror of It All").



-Cinco señores de largas melenas cardadas, poses de lo más sugerentes y ropas de amplia gama de colores, acompañados de la despampanante Tawny Kitaen (que ya puso termómetros en ebullición en aquella clásica portada del "Out of the Cellar" de RATT) rompen los picos de audiencia en la MTV con un tema de seis minutos y medio que aunaba una melodía muy adictiva y una potente base "metálica" (muy parecido todo al "Black Dog" de Zeppelin). Como dijo Xavi Martínez, de la Popular 1, Whitesnake en 1.987 "sufrieron lo mismo que el protagonista del famoso libro de Kafka, una metamorfosis". Porque, si todos hacemos memoria, los Whitesnake de comienzo de los '80 eran una banda con amplias influencias de "blues" y "hard rock" clásico que inevitablemente vinieron del paso que tuvo Coverdale por Deep Purple. Junto con Paice y Lord de aquel grupo, Bernie Marsden, Mick Moody y Neil Murray, la "serpiente blanca" se desataba como un combo perfecto de energía, de "rock" básico; eran auténticos, tanto en estudio como en escenario, y llegaban a transmitir unos sentimientos indescriptibles a través de su música sin necesidad de edulcorarla, como pasó más tarde.

"Ready An' Willing" y "Come an' Get It" son LP's de marca mayor, grandes discos rebosantes de pasión y calidad y que desprenden esencia de "rock" por los cuatro costados. "Slide It In" supuso un punto y aparte, un vestigio de lo que vendría más tarde; los fans lo consideraron uno de los clásicos, aunque se notaba que la comercialidad iba en aumento. Pero precisamente lo que deseaba el cantante con todas sus fuerzas era despuntar, alcanzar el puesto más alto en las listas, porque el éxito del que gozaba la "serpiente" en América no era el mismo que en Inglaterra. Así que David Coverdale quería que EE.UU. hiciera lo mismo que hacían las mujeres con él, ponerse a sus pies...y lo haría.

Lo primero era buscar sangre nueva, así que, ni corto ni perezoso, el vocalista despidió a todo el grupo. Mel Galley, Moody, Colin Hodgkinson, Lord y Cozy Powell abandonaron el barco y de sexteto pasaron a ser un cuarteto tras varios cambios aquí y allá. Se fichó a John Sykes, que venía de Thin Lizzy, al batería Aynsley Dunbar (tras más de 50 pruebas a otros) y se quedó Neil Murray al bajo, que ya había colaborado con el cantante, el cual se llegó a teñir de rubio platino su melena para lucir una imagen "no tan aburrida" (palabras del propio David). Metamorfosis completada, ya sólo quedaba grabar el álbum. Una problématica sinusitis hizo que Coverdale tuviera que parar las sesiones y todo quedó en suspenso. Se dice que Sykes sugirió a otro vocalista para continuar, lo que le aseguró el despido inmediato, también se acepta lo que dijo el guitarrista de David, que fue un caso de megalomanía y ya está. En el proceso llegaron a ayudar el teclista Don Airey y los guitarristas Vivian Campbell y Adrian Vandenberg.



Y por fin el 7 de Abril salió al mercado "1.987" y, como no podía ser de otro modo, rompiendo las listas de éxitos. Como que fue Múltiple Platino en EE.UU. llegando a la 2.ª posición, Quíntuple Platino en Canadá con la 5.ª posición y Platino en Inglaterra (8.º en los "charts") y en Nueva Zelanda (2.º). La nueva criatura de Coverdale hizo su deseo realidad: América se puso a los pies del ambicioso "frontman". Difícil no hacerlo con un LP de tal grandeza. De todas las versiones que hubo del disco la mejor sigue siendo la inglesa, que comenzaba con esa opulenta apertura que era "Still of the Night", (dicho "single" llega 16.º en los "charts" ingleses) la que mejor reflejaba lo que nos íbamos a encontrar; un sonido que cambió por completo la vida del grupo. Del "rock" de vena clásica se viró a un "heavy" muy americano, muy hecho para ser comercialmente exitoso y a la vez "metálico"; las guitarras eran más cortantes y el ambiente rezumaba pomposidad y grandilocuencia. Hasta Coverdale suena diferente, utilizando unos registros mucho más agudos, y su forma de cantar se vuelve más potente y glamurosa de lo normal.


Lo podemos observar en auténticos pildorazos de "heavy metal" como "Give me All your Love" (22 en el Mainstream Rock), "Straight for the Heart" o "Bad Boys", en los más elaborados himnos "Don't Turn Away", "Here I Go Again" (triunfal "hit" n.º 1 en el Billboard) y "Children of the Night", y en las dos grandes baladas del álbum: "Looking for Love", que tiene uno de los mejores solos que se hayan hecho en el seno del grupo, y la original de Tina Turner "Is This Love?" (2.ª en el Billboard), la después "power-ballad" por excelencia de Whitesnake. En ese mercado dominado por temas hechos para atrapar al oyente con facilidad, dominado por gente como David Lee Roth, Bon Jovi, Mötley Crüe, Great White o RATT, a la "serpiente" no le pudo salir más redonda la jugada.

Tan orgulloso estuvo Coverdale de "1.987" que lo consideró el verdadero álbum de la banda, llegando a despreciar los anteriores y diciendo que los Whitesnake auténticos eran los actuales...sin comentarios. En fin, que supo aprovecharse bien del éxito del LP, cosa que no ocurrió con "Slip of the Tongue" ('89), más que nada porque se dedicaba a repetir tres cuartos de lo mismo que el anterior y porque Vai no fue el mejor fichaje que se pudo hacer, ya que su concepto era muy diferente al de Whitesnake, aunque éste junto a Rudy Sarzo, Tommy Aldridge y Adrian Vanderberg sí aparecieron en el vídeo que se hizo del "Still of the Night", que estuvo grabado con otros músicos (cosas que se hacían).
Ahora, "1.987" ha quedado como uno de los mejores de aquel año y aquella década; un trabajo que hay que tener en un pedestal por todo lo que representó (...aunque un servidor prefiere la etapa clásica de Whitesnake ('78-'82) a pies juntillas).

(Mejor canción: "Still of the Night").



-Pasar de ocupar la posición 151 en el Billboard a ocupar la 11, de la 72 en Gran Bretaña a la 51, y de no ganar nada a conseguir Doble Platino en EE.UU. y Platino en Canadá, debe ser un verdadero premio para una banda que demuestra haberse esforzado. Así de orgullosos tuvieron que sentirse White Lion.

Esta banda formada en 1.983 por el cantante danés Mike Tramp cuando se mudó a New York, junto al guitarrista Vito Bratta, fichó por Elektra Records tras reclutar al bajista Feliz Robinson, que ya venía del grupo ANGEL, y al batería Nick Capozzi. En 1.984 grabaron su debut, llamado "Fight to Survive", puro "rock" americano que hizo que el "león blanco" aguantara mil y una comparaciones con otros coétaneos de su momento. Desgraciadamente el álbum fue rechazado por la discográfica debido al producto final, finiquitando el contrato con ellos.

Tras este desmoralizador batacazo, bajista y batería deciden marcharse a otro sitio y aquel trabajo queda en suspenso hasta que una compañía llamada Gran Slam decide hacerse con los derechos, sacando el LP bajo el sello Asylum Records y como propiedad también de Elektra. Dicha compañía quebraría poco después, pero no sin lograrse un resultado positivo. El debut llegó, como se ha dicho, a la 151.ª posición en el Billboard 200, lo que atrajo la atención de Atlantic Records, quienes decidieron comprar de nuevo los derechos de "Fight to Survive" y contratar a la banda. Poco después de que la base rítmica se largara, se inmiscuyen en el proyecto el anterior batería de Anthrax, Greg D'Angelo, en sustitución de Capozzi, y el bajista David Spitz, curiosamente hermano del guitarrista de Anthrax, Dan Spitz (increíble que dos bandas que no tenían nada que ver musicalmente estuviesen tan conectadas). Este último bajista decide moverse a Black Sabbath y le reemplaza James Lomenzo. Este cuarteto, ya dentro de una gran casa como es Atlantic, se mete en el estudio para concebir la obra más exitosa de toda su carrera.



"Pride", que sale a la venta el 21 de Junio, es fruto de seis semanas de esfuerzo en grabaciones bajo la producción de Michael Wagener y con una colaboración exhaustiva entre Tramp y Bratta. De esas sesiones salen cuatro exitosos "singles" y un disco que hace alcanzar el estrellato a una banda por entonces desconocida. Es la sorpresa de aquel año, que coloca a White Lion como nueva promesa del "rock" U.S.A. y al guitarrista Bratta como una de las sensaciones por su técnica instrumental, llegando a figurar como Mejor Guitarrista Novel por la revista Guitar World. A esto sumamos el gran interés que tiene la MTV en retransmitir sus videoclips y ya tenemos un triunfo en las páginas del "rock" de los '80.

Pero, ciertamente, ¿qué tenía "Pride"? No era más que "hard rock" americano, con un sonido comercial a lo White Sister, con una voz que no era muy diferente de la que ofrecían Jack Russell o Joe Elliott y con un grupo que lucía unas pintas típicas de una banda "AOR" de los '80, como podía ser MAGNUM. Pero en todo esto se mezclaban esos gruesos "riffs" de Bratta similares a los que hacía Amir Derakh en Rough Cutt, unos pasajes de verdadero lirismo que podrían haber facturado TRIUMPH por ejemplo, una base rítmica llena de vigor que poco tenía que ver con el "glam" de Poison o el "AOR" de Night Ranger (que D'Angelo fuera batería de Anthrax tuvo algo que ver), y sobre todo, una actitud puesta en la música para triunfar.



La muy "metálica""Hungry" abría con fuerza el LP. ICON podrían haber hecho esta canción. Siguen temas de un gancho comercial irresistible como "All Join our Hands", "Sweet-Little Loving", "Tell Me" (25.ª en los Mainstream Rock Tracks) y "Don't Give Up!"; las otras, sorprendentes muestras de virtuosismo, "Lonely Night" o "Lady of the Valley", una verdadera maravilla de casi seis minutos y medio donde confluye la dulce acústica de unas cristalinas guitarras con una energía desbordante heredada de los mejores RAINBOW, ensalzan el trabajo sobremanera. Para acabar tenemos la "aorera""Wait", "hit" que fue 8.ª en los Hot 100, y la tierna balada "When the Children Cry", el éxito de White Lion y su más reconocida canción (3.ª en el Billboard Hot 100 y 7.ª en el Mainstream Rock).

Unas intensas giras donde llegaron a compartir escenario con STRYPER y Ozzy Osbourne y otras leyendas como KISS, AC/DC y Aerosmith, incrementaron la popularidad del "león" haciendo que las ventas de "Pride" subiesen como la espuma. Lo que viene después es otra historia; dos años después llegó "Big Game", que no tuvo el mismo impacto que el anterior y que sólo obtuvo Oro en EE.UU. y bueno, lo de siempre cada vez que una banda de este tipo se topaba con los crudos y oscuros 90's...aún así les podemos recordar gracias a maravillas como esta.
Curiosidad a recalcar: todos conocerán aquella estupenda comedia americana de 1.986, protagonizada por Tom Hanks y Shelley Long, "Esta Casa es una Ruina". Al final del film, en la boda de la pareja, podemos ver a unos superentregados White Lion con una ficticia cantante al frente, Louise Robey, que vemos cómo se contonea mientras recibe la sugerente sonrisa de Alexander Godunov. Un interesante momento en la Historia del cine y el "rock" de los '80.

(Mejor canción: "Lady of the Valley").


-21 de Julio de 1.987...una fecha a recordar porque ya nada sería lo mismo en el "rock". Parece mentira que un sólo disco, de doce temas, de casi 54 minutos de duración, fuera a marcar un antes y un después para decenas de cientos de miles de músicos y jóvenes de la época y para la música en general.

Pero hay que irse un poco más lejos, a la vida de un chaval de barrio de Lafayette, Indiana, llamado primeramente William Bruce Rose y luego Bailey. Tras una infancia bastante tortuosa con su padre biológico y con su padrastro encontró un refugio en la música (donde cantaba en el coro de su instituto y quiso formar un grupo junto a un amigo del lugar, Jeff Isbell, más conocido como Izzy Stradlin) y en los problemas de la calle. Llegó a convertirse en un delicuente muy requerido en las comisarías y para evitar cargar con más problemas se mudó a Los Ángeles en 1.982, con 20 años, cambiándose el nombre por el de W. Axl Rose.

Pasó por algunas formaciones y grupillos locales hasta que decidió hacer Hollywood Rose, junto a su amigo Isbell, que también se había ido a L.A., y un guitarrista llamado Chris Weber. Consiguieron grabar algunas maquetas en 1.984, pero hubo infinitos cambios de integrantes que se iban y venían y volvían; varios problemas internos hicieron que Weber se fuera, metiendo en todo esto a Saul Hudson (bueno, o "Slash"), miembro de los Road Crew. Isbell no estaba contento y se fue a LONDON y Steve Adler, compañero de Hudson, se unió a Hollywood Rose, aunque ese año se separaron. Cuando se dio la nueva reunión pasó por las filas de aquella banda el futuro guitarrista de L.A. Guns, Tracii Guns, y se llamaron esta vez Guns (por Traci) 'n' Roses (por Axl), regresando Isbell otra vez...y así, como el tambor de una labadora, el futuro de ese grupo giraba y giraba hacia lo incierto...

En esos giros se quedó Guns 'n' Roses así: W. Axl Rose, Saul "Slash" Hudson, Izzy Stradlin, el bajista Duff McKagan y Steve Adler. Este quinteto recorrió bares, clubs y pubs hasta la saciedad y empezaron a interesarse por ellos los dueños de algunas discográficas, primero locales y luego otras más importantes. Así fueron fichados por la casa Geffen y sacaron en 1.986 un EP llamado "Live ?!*@ Like a Suicide" bajo la filial UZI Suicide Records. Varias copias (10.000) salieron y eso procuró el porvenir de las "pistolas y rosas".

Hubo varias "demos" para el futuro disco producidas por Manny Charlton (un triunfo para Axl, ya que Nazareth era su grupo favorito) y Spencer Proffer, pero para el LP primero se le preguntó a "Mutt" Lange, que pedía mucho dinero, y luego a Michael Clink, productor de TRIUMPH, que aceptó. La mayoría de los temas que se escogerían ya estaban escritos anteriormente, las letras hablaban mayormente de la supervivencia en las calles, de las drogas, de sexo, de las peleas, de la mala sociedad y tras varias semanas, siendo censurada la espectacular portada original creada por Robert Williams (sí, la de los robots y la mujer violada), salió "Appetite for Destruction".

Dicho álbum alteró para siempre los pilares del movimiento "hard rockero" que se había establecido en Los Ángeles, ya que ni el estilo ni la música de Guns 'n' Roses eran "glam"; muy poco tenían que ver estos chicos con Poison, Bon Jovi, EUROPE o Cinderella. Ellos portaban sucias chaquetas de cuero negro, cinturones de tachuelas y cadenas, pelos revueltos y descuidados, pantalones vaqueros rotos, su actitud era más "rockera" y menos "hair", casi "punk"; puede que un estrafalario combinado de Los Ramones, Mötley Crüe y The Rolling Stones. A ese nuevo "estilo" se le llamó "sleaze rock", aunque siempre vendrían definiciones distintas.



Había temas con garra que cazaban al joven oyente sin dificultad, temas de descarnados "riffs", base rítmica sencillamente demoledora y el añadido de la chirriante y gritona voz de Rose, como "Night Train", "My Michelle", "Rocket Queen", "You're Crazy" o ese himno inmortal para toda una generación que fue "Welcome to the Jungle". Canciones veloces, potentes y de puro "rock" por un sitio y suficientemente comerciales para sonar todo el rato en la radio por otro. Ahí están para confirmalo la gran "Paradise City" ("riff" copiado del que Tony Iommi hizo en "Zero, the Hero", perteneciente al "Born Again") y la "balada" del LP, "Sweet Child o' Mine". Con todas estas bazas "Appetite for Destruction" no tarda en subir puestos rápidamente.

Se coloca el n.º 1 en el Billboard con nada menos que 18 veces Disco de Platino (que ya lo quisiera cualquier banda novel de la actualidad), 5.º en Inglaterra con Triple Platino, 7.º en Canadá con otro millón de copias. Alcanza altas posiciones en otras listas y llega a Platino en otros tantos países (incluyendo Alemania, Argentina, Japón...). El "single""Welcome to the Jungle" queda 7.º en el Hot 100, "Paradise City" 5.º también en el Hot y "Sweet Child o' Mine" rompe con todo siendo 1.º en el Hot, 6.º en el Mainstream Rock y en los "rock charts" ingleses por igual y 7.º en los canadienses.


Fans y críticos se ponen de acuerdo y el disco pone a todos a sus pies. Claro está, no faltaron los detractores, pero es como todo; muchos les odiaron (Metal Hammer), les consideraban una cutre y mala copia de Aerosmith y Hanoi Rocks, otros les alabaron (The Village Voice, Rolling Stone), les agradecieron que le devolvieran al "rock" su esencia más rebelde y su esplendor de antaño. Sea como fuere, una banda de "hard rock" en aquellos tiempos no pudo empezar de mejor manera su carrera. Se harían otros discos, se pasaría por las listas en altos puestos otra vez, pero sin la expectación de entonces; Axl y compañía no pudieron ni podrán repetir lo mismo.

Muchas veces "Appetite for Destruction" es el álbum con el que se define la segunda mitad de la década de los '80 y, aunque a muchos nos disguste (como al que escribe estas líneas), ya es un hito de proporciones mayúsculas en la Historia del "rock", se mire por donde se mire.

(Mejor canción: "Welcome to the Jungle").



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Rock Progresivo Español.Rompiendo la oscuridad:FORMAS (colaboración de Félix Jota)

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Grupo sevillano de la localidad de Brenes, que inicia su andadura en 1977 con el nombre de Huracán. Ese mismo año pasan a llamarse Formas, con algún cambio en la formación. Empiezan haciendo actuaciones por todo el territorio andaluz, coincidiendo en algunas con Carlos Cano. En 1980 se edita su primera referencia discográfica de la mano del músico sevillano Pepe Alonso. Este había escrito un himno para el Betis, equipo de fútbol hispalense, y propone al grupo grabarlo, en versión instrumental y cantada. Tuvo cierta repercusión, pues lo incluían en su repertorio en directo. El single sería publicado por el sello Cardisc.



  En 1981 ve la luz su primer y único larga duración, “Largos sueños”. Editado por Surcosur y producido por Pepe Alonso. El ingeniero de sonido fue Ángel Gil y se grabó en los Estudios Sonoland de Madrid. El primer corte, “Soleá”, se convierte en su mayor éxito comercial. Una composición de Paco Ortega y del malogrado Julio Matito, fallecido dos años atrás. El tema entra en la lista de los 40 Principales e incluso lo graban para TVE, por lo que la compañía lo lanza en formato single. La emisora les exige un pago para que su música siga sonando en las ondas, al cual no acceden. Tras este revés siguen actuando en directo con asiduidad, aunque ya no sería lo mismo. Eran malos tiempos para convivir con Alameda o los Medina. Los temas “Primer amor” y “Gitanilla” se publican también en sencillo, quizás los más melódicos, destacando también el brillante instrumental “Aroma sureño”, que cierra el disco. Un Lp por el que hoy día se siguen pagando altas cifras entre los círculos coleccionistas. No ha sido reeditado en CD, por lo que tiene más valor si cabe. A ver si sellos expertos como Wah-Wah o Guerssen se ponen a ello. No estaría mal. Aunque muchos lo clasifiquen como “Rock Andaluz de Serie B”.


  Curioso que en 1982 se editara de nuevo, pero esta vez solo en cassette, formato tan de moda por aquellos años. En 1985 se trasladan a Málaga para grabar un segundo disco, “Sol de Acuario”, con sonidos alejados del rock andaluz y la colaboración de nuevo de Paco Ortega en “Samba del Tardón”. ¡Se editó solo en cassette!, aunque no por eso deja de ser objetivo de coleccionistas, llegándose a pagar hasta 50 pavos por el. Este trabajo tuvo muy poca repercusión, por lo que Formas se disuelve definitivamente, aunque siguieron actuando por diversos pueblos como orquesta.

FORMACIÓN:
SEBASTIÁN GAONA: Voz
MANUEL LÓPEZ: Guitarra
FRANCISCO GARCÍA: Bajo
ANTONIO REGÁS: Batería
JOSÉ M. BLANCO: Teclados

DISCOGRAFÍA:
Largos sueños 
(Surcosur 1981) Referencia SSD-5004 LP
        (Volador 1982) Referencia SSC-2007 Cassette




Soleá/Ahí abajo la tierra 
(Surcosur 1981) Referencia SSS-5004 Single

Primer amor/La gitanilla
 (Surcosur 1981) Referencia SSS-5007 Single





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BABY GRANDMOTHERS - Baby Grandmothers 1.967 - 1.968

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A mediados de la década de los 60 la psicodelia se extendió como la pólvora por toda Europa, teniendo en Suecia uno de sus principales exponentes. Baby Grandmother, a pesar de su corto recorrido, estuvieron a la vanguardia de este género musical.


Baby Grandmothers se formó en el 67 en las calles de Estocolmo y actuanba habitualmente en el club Filips. En el 68 editan el single " Being Is More Than Life" y son contratados como teloneros en la gira de Jimi Hendrix por Suecía.  También son invitados a participar en la versión sueca de "Hair" junto al teclista Mecki Bodemark con el que formarían  el grupo  Mecki Mark Men llegando a editar un par de discos.


Baby Grandmothers solo editó un single por lo tanto lo que tenemos aquí es una recopilación de temas del 67 al 68, algunos de los cuales están en directo. Su música hoy la definiríamos como una variante del stoner pero en aquella época era puro desfase psicodélico.  Los temas se vuelven rápidamente  improvisaciones guitarreras, "Being Is More Than Life" pasa de los 5 minutos a los 19 en directo. Posiblemente Kenny Håkansson, el guitarrista, no fumaba solo tabaco. Disco recomendado a aquellos  que les gusta la psicodelia y el desfase sonoro, yo soy uno de ellos.



Temas
1. Somebody Keeps Calling My Name (9:14)
2. Being Is More Than Life I (5:40)
3. Bergakungen (16:19)
4. Being Is More Than Life II (19:44)
5. St. George's Dragon I (7:03)
6. St. George's Dragon II (0:57)
7. Raw Diamond (1:30)

Formación
Kenny Håkansson: guitarra, voz
Bengt Linnarsson: bajo
Pelle Ekman: batería

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