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RANDY PIE - Fast Forward 1.977 (colaboración J.J. Iglesias)

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El fascinante mundo del coleccionismo discográfico nunca ha dejado de sorprenderme. En una feria reciente, mirando la sección "Kraut", a precios habituales por las nubes, el campeón del cajón es el primer disco de Message, a 150 pavos. Álbum  que tengo, pero que se supone (es verdad) que es raro de cojones. Sin embargo, al lado, en la sección de "todo a 3  euros", me saluda este comestible álbum de Randy Pie, en estado intacto. Ignoro donde está la asamblea de majaras discográficos que dictaminan qué vale pasta y qué no. Para mí este disco es tan raro como el de Message. Reflexiono, y llego a la conclusión de que se encuentra en el cajón de los castigados por su estilo musical. Al fin y al cabo, el tendero es alemán y no consiente su inclusión en el santo cajón del kraut. Que desfachatez. Hoy, kraut rock es toda aquella banda alemana de rock de los 70. Pero no era así por entonces. Había que ser de una fuerte identidad alemana para ser llamado así: Experimental, marciano, psicodélico e improvisativo. Te la tenía que soplar el marketing, lo comercial  y cualquier regla anglosajona. Pero hay, sacrilegio, no todos comulgaron con esas premisas. Lake, Atlantis, Jackknige, Wyoming, Karthago o Randy Pie preferían abrirse paso por caminos más internacionales. Algunos alemanes, como el tendero, todavía no lo perdonan.



 Randy Pie venía de las cenizas de los sixties beat The Rattles. Inicialmente se llamaban Randy Pie & Family y hasta Ritchie Blackmore colaboró en su single "Hurry to the City". Del 73 al 77 se marcaron cinco álbumes, incluido el recomendable doble live "England, England". Siendo "Fast Forward" su última entrega en el 77. Dicky Tarrach era su batería y miembro fundador. Consiguiendo es este disco un super grupo alemán. Con Manfred Thiers al bajo y voz (ex- Gash), Frank Diez a las guitarras ( ex - Atlantis, Armaggedon, Emergency...) y Jean-Jacques Kravetz en los teclados (Frumpy, Atlantis). Siendo el cantante solista nada menos que Peter French (Leaf Hound, Atomic Rooster, Cactus).



 La música de Randy Pie era un hard rock funk a la americana. No muy alejado de Doobie Brothers o cualquier joya west coast. Donde las guitarras y teclados interactuaban con pasmosa brillantez.  La sección rítmica ponía el groove adecuado. Y en esta ocasión, Peter French se hacía valer como frntman absoluto. Para que no quedaran dudas, fue grabado en Los Angeles por Spencer Proffer. productor que subiría su cachet en los cercanos 80 como gurú responsable del sonido hair-metal (Quiet Riot, Motley Crue, WASP...).

Imagina a los últimos Led Zeppelin, con Steely Dan y los Doobie Bros...

Los tenderos del tendero me hicieron un favor.



Temas
A1 Trust Me 00:00
A2 Hijacked 04:57
A3 Stand Up 10:54 
A4 Star Attraction 15:08 
B1 Back Street Boy 21:00 
B2 Work It Out 25:25 4:22
B3 Hot Afternoon 30:05 
B4 Name Of The Game 34:22 
B5 Fast Forward 38:08 

Formación
Manfred Tissy Thiers*: bajo, voz
Jean-Jacques Kravetz: teclados
Dicky Tarrach: batería
Frank Diez: guitarras
Peter French: voz

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WISHBONE ASH - Argus 1.972 (colaboración Christian Jiménez)

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Uno de esos grupos británicos fundamentales en la historia del "rock" y el "heavy metal"; más que nada influenció a bandas como Priest o Maiden en eso de establecer coordinación entre dos guitarras.

Andy Powell y Ted Turner formarían parte, junto a Martin Turner y Steve Upton, de una formación que ofreció una valiosa aportación a la evolución del "rock" que más vale no olvidar.


Este disco fue el más grande de su producción, que no fue poca, sobre todo en aquellos '70, junto con los no menos esenciales "Pilgrimage" ('71) y "No Smoke without Fire" ('78).

Tras el llano, sencillo y "bluesero""Wishbone Ash" ('70) y la joya que es el progresivo "Pilgrimage", la banda parió uno de los mejores álbumes de la Historia, uno de esos que valen por toda una década o por toda una discografía; digamos que "Argus", que así se llamaba, sería algo así como el "Hair of the Dog" de Nazareth o el "Paranoid" de Black Sabbath; el FUNDAMENTAL para conocer al grupo.

Aquí mezclaron, aparte de un "hard rock" brutal, influencias de "rock" progresivo, "jazz", "folk" y "blues" y se convirtió en su mayor éxito comercial.


Vale la pena sentarse y escuchar esas extensas sonatas tan geniales como son "The King will Come" o "Sometime World", el "Time Was", que pone los pelos punta con esos primeros cristalinos acordes de guitarra, o los cortes épicos "Warrior", que para mí es la canción que define el disco, y su "complementario""Throw Down the Sword" (casi doce minutos de una belleza musical sin precedentes).

Con esa envidiable producción que dio Derek Lawrence este "Argus" catapultó definitivamente a la fama a Wishbone Ash y le aseguró su lugar en la Historia del "rock" sin discusión alguna.



Temas
01. Time Was 
02. Sometime World
03. Blowin' Free
04. The King Will Come
05. Leaf And Stream
06. Warrior
07. Throw Down The Sword

Formación
Martin Turner – bajo, voz
Andy Powell – guitarra, voz
Ted Turner – guitarra, voz
Steve Upton – percusión
John Tout - órgano en "Throw Down The Sword"

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Rock Progresivo Español.Rompiendo la oscuridad:EXPRESIÓN (colaboración de Félix Jota)

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Grupo cordobés nacido en 1970, de la mano de Randy López, que formaba el dúo “Libra y Tauro” con José Rafa García. En 1971 realizan una gira por toda España, que les convierte en el mejor grupo cordobés del año, con Pepe Albéniz a las teclas y “El Canijo” a la percusión.


  En 1972, y con Roscka López ya en sus filas, interpretan en la Iglesia de San Pablo de Córdoba la primera “Misa-Rock” hecha en nuestro país. Un auténtico bombazo para la época, que les hace ganar el premio “Córdoba Joven”. Durante los dos siguientes años ponen en escena una “Opera-Rock” en castellano, escenificándola por varias ciudades. El sello Musimar les edita el single “Marrakech”, su única referencia discográfica. Un disco adelantado a su tiempo por el que son galardonados como el mejor grupo de rock andaluz, en 1973.


  Continúan haciendo actuaciones y conciertos en directo, pero no vuelven a grabar. Serán recordados por sus composiciones arábigo andaluzas y por los innumerables premios conseguidos. Temas como “Manifestación” ó “Libertad” les trajeron más de un dolor de cabeza con la censura de aquél tiempo. En 1978 terminan su aventura y pasan a llamarse “Mezquita”, haciendo dos plásticos para Chapa Discos. Randy López ha hecho algún disco en solitario, después de unos años con Medina Azahara. Rafael Zorrilla, batería, falleció en 2001. Esa será otra historia…

  Arabiandrock recupera en Cd los temas inéditos del periodo 1972-1977. No están todos, ya que algunos no se pudieron rescatar, pero una vez más nos ponen en la mano otra “joyita” perdida. A ver si continúan así…

FORMACIÓN:
RANDY LÓPEZ: Voz y bajo
RAFAEL ZORRILLA: Voz y batería
JOSÉ RAFA GARCÍA: Voz y guitarra
ROSCKA LÓPEZ: Voz y teclados


DISCOGRAFÍA:
Marrakech/La luz del fin del mundo (Musimar 1973) Referencia 8512 SINGLE

El eslabón Omeya (Arabiandrock 2011) Referencia ARCD 02 CD










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WET WILLIE - Drippin´ Wet Live [1973]

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Wet Willie fue un grupo que supo unir sus raíces sureñas con buen blues ,algo de jazz y un poco de funk, que nunca viene mal.


Procedentes de Mobile, Alabama, fue el batería  Lewis Ross a varios músicos ( Jack Hall, Jimmy Hall, Ricky Hirsch, John Anthony ) para formar en un principio el grupo "Fox" en el 69. Cuando ficharon por  Capricorn Records cambiaron su nombre por el de Wet Willie. En el 71 editan su primer disco, "Wet Willie", y un año más tarde el segundo, "Wet Willie II". En el 74 llegaría su mayor éxito, "Keep On Smilin,'" alcanzando el puesto 10 en el Billboard.  Posteriormente lanzarían cuatro discos más: "Dixie Rock" (1.975), "The Wetter The Better" (1.976), "Manorisms" (1.977) y "Which One's Willie?" (1.979), y varios en directo.



Wet Willie nos presenta una actuación en el mítico The Warehouse, New Orleans, de 1.973. Como era de esperar escuchamos un rock sureño de alta calidad mezclado con muy buen blues. El setlist está compuesto por algunas versiones de temas como "I'd Rather Be Blind! (Leon Russell", "Shout Bamalama" (Otis Redding), "She Caught the Katy" (Tal Mahal), entre otros y por composiciones propias, "Red Hot Chicken", "Airport" o el blues , "Macon Hambone Blues", donde brillan con luz propia Jimmy Hall ,cantando y tocando la armónica, y el excelente guitarrista, Ricky Hirsch. Un gran disco que se hace demasiado corto.




Temas
1 That's All Right
2 She Caught the Katy
3 No Good Woman Blues
4 Red Hot Chicken
5 Airport
6 I'd Rather Be Blind
7 Macon Hambone Blues
8 Shout Bamalama

Formación
John Anthony: teclados ,voz
Jack Hall: bajo, voz
Jimmy Hallvoz, armónica, saxo
Ricky Hirsch: guitarra, voz
Lewis Ross: batería
invitado:
Jaimoe Johnson: percusión

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Ensayos sobre un sonido (EM): DIDIER BOCQUET - Voyage Cerebral 1.978 (colaboración J.J. Iglesias)

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Volvemos a acercar nuestra vista hacia el fértil caompo del porg electrónico francés de los 70. Probablemente el más creativo después de Alemania. Didier Bocquet comenzó en esa década como batería en bandas de rock progresivo de Francia. Algo que te recordará irremediablemente a Klaus Schulze. En el 77 edita modestamente su debut electrónico "Eclipse", con la principal ayuda de un EMSVCS3. Tres únicos temas componían esta obra, dejando claro que la Berlín School era el leit motiv de este sintetista. 


Al año siguiente lanzaría, también como autoproducción, "Voyage Cerebral", el cual está considerado su mejor acierto. Con más apoyo instrumental, tiene su punto fuerte en una sólida construcción secuencial, en constante metamorfosis. Mientras sus líneas melódicas no pasan desapercibidas por su calidez y fluida composición. Se diría que se adelantó a lo que harían en los primeros 80 Tangerine Dream, con sus "Tangram", "Exit", "White Eagle" o "Logos". Melódicamente "amable" y casi romántico, puedo comprender porqué los aciertos de la kosmiche music se convirtieron en la siguiente década en fertilizante, (humus 0 mierda), para híbridos musicales burgueses. Sí, todavía no he nombrado la temible palabra desde que comenzamos los "Ensayos". Pero no solo el techno fue una cuestinoble evolución del género. También aquella cosa insustancial, edulcorada y de fácil consumo de masas llamada New Age. Y es que en cuanto las discográficas empiezan a meterle mano a algo, prevaleciendo sus "sabios consejos" sobre los creadores, las cosas no tardan en pudrirse. Bien es cierto que hubo una primera oleada de new agers que consiguieron grandes logros. Músicos que venían curtidos de la década anterior. Pero hasta éstos fueron cayendo en lo fácil y soso entrada la segunda mitad de los 80. Y en los 90 ya ni hablamos. Aquello era un cajón de satre lleno de basura de consumo fácil. 


Por fortuna, la música de Didier Bocquet todavía estaba inmersa en la ensoñación psycho electrónica, aunque sus pasajes melódicos pueden presagiar (no nos engañemos, como los de otros grandes íconos teutones), lo que estaba por venir. De cualquier modo estamos ante un excelente álbum de cosmic rock, con ocho cortes de no muy larga duración, pero unidos por el nexo conceptual del título. Tras "Cerebral Voyage", aparecían "Sequences" (1.980) y "Pictures of life" (1.982), de buena resolución pero alejándose de parámetros berlineses. En el 84 Didier Bocquet abandona la música. Quizá se vió el "fregao" que venía con el tema electrónico y prefirió dejarlo todo antes que emponzonarse.

Tu fuente de imaginación es el fuel qe que dispondrá tu imaginaria nave. Solo depende de tí para que tengas un magnífico "Viaje Cerebral".

P.D. Dedicado a la memoria de Piere Boulez

P.D. 2 - "La música es una experiencia sonora casual" . John Cage





Temas

A1 Interface 
A2 Rencontre Psychique 
A3 Eloignement 
A4 Cosmorythme 
B1 Prélude 
B2 Eveil Sidéral 
B3 Amérissage 
B4 Voyage Terre




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Los teclistas del rock: EDDIE JOBSON

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Hola, nuevamente con vosotros para contaros la vida y milagros de los magos de las teclas. Esta vez hablaremos de un músico que no solo se maneja bien con los teclados, también domina a la perfección el violín.  Comencé a tener noticias de él cuando estaba dentro de las filas de Roxy Music pero reconozco que no le presté mucha atención ya que el grupo no es uno de mis favoritos, ya se amigos que la banda es una de las que ha marcado una época  pero su estilo está fuera de mis gustos personales. Mi contacto directo con Jobson fue a través  del grupo “UK” y creo personalmente que fue la etapa más gloriosa de Eddie.



Edwin Jobson nació en 1.955 en la localidad inglesa de Billinghan, a los siete años comenzó a tocar el piano y el violín. Con tan solo dieciséis años pretendía entrar en la Royal Academic  of Music pero la edad mínima para su admisión era de diecisiete años.  Con un grupo de amigos de la universidad forma su primer grupo “Fat Grapple” y actuaron de teloneros de Fairpot Convention  y Curved Air con estos últimos incluso llegó a tocar en uno de sus temas. En 1.973 se produce una gran reforma en las filas de Curved Air y Jobson es reclutado para ocupar el puesto del teclista fruto de lo cual editan “Air Cut” (1.973), la grabación no obtuvo los resultados esperados y Eddie abandono el grupo.



Para entonces Jobson ya tenía cierta reputación en el mundillo musical  y por ello Bryan Ferry se acuerda  de él para la grabación de su disco en solitario “These Foolish Things” (1.973).



 Ese mismo año Brian Eno abandona Roxy Music y es sustituido por Jobson con tan solo diecinueve años. Con esta popular banda grabaría tres discos en estudio, “Stranded” (1.973), “Country Life” (1.974) y “Siren” (1.975). En 1.976 grabarían un disco en vivo titulado “Viva” tras el cual la banda se separaría. Por cierto Jobson había intervenido en la grabación de “USA” (1.975) de los King Crimson, realizando unos “overdubs”. La relación con Ferry continúa interviniendo en su tercer disco en solitario “Let´s Stick Together” (1.976) y ese mismo año edita su primer EP conteniendo dos temas “Yesterday Boulevard” y  “On a Still Night”. También participaría en el primer disco de Phil Manzaneda, “Diamond Head” (1.975) y posteriormente en su segundo disco “Listen Now” (1.977).



Durante la última gira de Roxy Music, Jobson traba  amistad con Frank Zappa y en el 76 entra a formar parte del genial guitarrista. Podemos oír a Eddie en el disco “Zappa in New York “(1.978), grabaciones en vivo realizadas en 1.976.


En 1.977 John Wetton y Bill Bruford (ex- King Crimson) trabajan en la formación de un nuevo grupo, “UK”, para ello cuentan con Eddie Jobson y con el guitarrista Allan Holdsworth (Soft Machine, Gong). Con esta formación editan su primer disco en 1.978, una grabación cargada con temas progresivos con el toque dulzón de la voz de Wetton.


Diversos problemas llevan a la salida de Allan y Bruford de grupo, el hueco es ocupado por el batería Terry Bozzio viejo conocido de Jobson de la época de Zappa. En el 79 editan “Danger Money” y ese mismo año llegaría un disco en vivo “Night After Night”. Las diferencias entre Wetton y Jobson son notables, el bajista quería una línea más comercial del grupo, en 1.980 el grupo da por terminada su andadura.



La trayectoria de Jobson continua cuando Ian Anderson lo recluta para la grabación del disco de Jethto Tull titulado “A” y participa en la gira promocional  de la grabación. 


Por otra parte Eddie tuvo una efímera estancia en el grupo “Yes”cuando Tony Kaye abandonó momentáneamente el grupo en 1.983, incluso llegó a aparecer en el video “Owner of a Lonely Heart”.


En 1.983 llega su primer disco en solitario “”, una grabación que a pesar de las buenas intenciones de Jobson resulta ser una especie de pop progresivo.


 Su segundo disco llegaría en 1.985, “Theme of Secrets”, metido de lleno en la “New Age” y utilizando los últimos artilugios electrónicos, synclavier incluido. Un disco relajante.


Durante los ochenta y los noventa Jobson estuvo dedicado a la composición de bandas sonoras para el cine y para la televisión (Nash Bridges, The Haunted Mansion, Brother Bear, etc.), incluso llego a recibir algunos premios por su labor compositiva en anuncios publicitarios. En 2.000 crea su propio sello discográfico “Globe Music Media Arts” y tras muchos años sin subirse a un escenario e el 2.008 participa en el festival de Kazan junto a Patti Smith, Fairport Convention y varios miembros de King Crimson. Previamente había formado el grupo “UKZ” junto a  Terry  Gunn, Alex Marchacek, Marco Minnermann y Aaron Lipert, editando en 2.009 el EP “Radiation”.




En estos últimos años ha estado actuando junto a músicos de la talla de Marc Bonilla, Simon Phillips, Gary Husband (“Ultimate Zero Tour – Live” (2.010) e incluso ha reunido a John Wetton y Terry Bozzio para una gira de reunión de “UK”. En 2.013 realizó una gira por Japón.


Bueno amigos por hoy  ya vale hasta la próxima.






Os recuerdo que todos podéis participar en esta sección (rockliquias@hotmail.com)


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PROPHET - Prophet 1.985 (colaboración J.J. Iglesias)

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Si preguntas a cualquier enamorado del rock 80s por Prophet, inmediatamente te nombrará "Cycle of the Moon". Gran disco, no lo pongo en duda, pero no el mejor. Apenas  verás a nadie que te hable de este rara avis debut, totalmente imbuido en el prog/pomp más esplendoroso de los 70. 


Fundados a comienzos de los 80 en New Jersey por el bajista Scott Metaxas y el teclados Joe Zujkowski, miembros de Icarian y Tom Fuller's Rock City. Se convirtieron rapidamente en la mejor banda de versiones de su área, revisitando material de Kansas, Boston, Queen y Styx. En el 85 se forma el line-up definitivo, con los miembros mencionados, más Dean Fasano (voz8, Ken Dubman (guitarras) y Ted Poley (batería9. Destacando tres cantantes solistas en Farsano, Metaxas y Poley (que acabaría como frontman en Danger Danger). El sello independiente Total Experience lanza su debut "Prophet" en el 85.


 "Street Secrets" es una joya cantada y tocada por la mano divina de la inspiración de Kansas. Un temazo perfecto para "Monolith" o "Audio-Visions". Teclados espectaculares (con la pequeña ayuda en la sombra de Mitchell Froom, ex-Gamma). Y voz en pura línea con Steve Walsh.

 El hard rock está presente en "Heart of the Night", con sección rítmica demoledora, los Taurus pedals de Metaxas hacen estragos. Y rivalizando con super héroes del gremio como White Sister o Sugarcreek. 

En "Away from you" vuelven los efluvios Kansas, e incluso Streets (banda de Steve Walsh por entonces). Su tratamiento melódico y coral es extraordinario. Ken Dubman arrasa con solos de guitarra que recuerdan a Rickie Sambora. La conexión Bon Jovi es fuerte en esta banda: Del mismo "barrio", su siguiente cantante sería Russell Arcara, procedente de Surgin, grupo en el que también cantó Jon Bon Jovi... 

Y la intro acústica de "Slow Down" de Prophet , fue salvajemente fusilada por este para su "Wanted Dead or Alive"!!Afortunadamente en boca de Farsano se convierte en la típica balada épica que tanto gusta escribir a Kerry Livgren. Los sintes sinfónicos ponen el punto dramático necesario, hasta alcanzar un climax sublime con la guitarra elevándose. Quince años antes la hubiera firmado The Moody Blues. 

La segunda cara abre con "Power Play", coral/Hammond intro digna de "Leftoverture". Sonoridad añeja en contraste con hard 80s. Complejidad Pomp a base se sintes/guitarra en pugna espléndida. Valiente y extraordinario tema. NADIE se atrevía a hacer esto en el 85. 

La power ballad "Everything you Are" atrae sus influencias Styx. 

Mientras que "It's Real" mezcla el pomp-hard-pop-rock como lo hacían los inolvidables City Boy. 

Y "Sail Away" rivaliza en instrumentación y dinamismo con los mismisimos Giuffria. 

Finalizando "Listen to Ya" con ritmos pesados, riffs demoledores y organadas Jon Lord - style. Un tema que avisa lo que vendría con "Cycle of the Moon" en 1.988. Muy buen álbum, aunque tirando ya por los cerros del metal. Cosa que acabarían haciendo en el flojete "Recycle" del 91. Estaba claro que para su líder, Scott Metaxas, era el camino, pues se uniría a los thrashers Nuclear Assault. En el 2.012 hubo un show de reunión, y fin. Probablemente si esta banda no se hubiera dejado llevar por los vientos del momento, hubieran durado más y tendríamos más material del calibre de este extraordianrio debut. Pero optaron por la vía fácil. C'est la vie.


Temas
Street Secrets


Heart of the Night


Away from you

Slow Down

Power Play

Everything you Are


It's Real


Sail Away


Listen to Ya

Formación
Ken Dubman : guitarras
Dean Fasano : voz
Scott Metaxsas : bajo, voz
Ted Poley : batería voz
Joe Zujkowski teclados

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Rockliquias en los 80: 1.985 Part. 1 (colaboración Christian Jiménez)

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..La segunda mitad de los '80 empieza.

El "heavy metal" americano no paraba de evolucionar y en alza. Ya eran incontables la cantidad de grupos que se imitaban y que parecían copias unos de otros. El "thrash" también trajo una oleada de bandas que veían en la rapidez y la distorsión el mejor modo de expresarse musicalmente.

Otros grupos más veteranos seguían sacando discos, siempre respaldados por su pequeña gran legión de fans de siempre, aunque ya sin lograr el éxito de antaño.

Esta lista de 1.985 es similar a la confeccionada del '82, ya que se hallan tanto álbumes de excelente calidad pero sin mucha repercusión como auténticos exitazos de ventas; además comparten cartel bandas de diferentes enfoques artísticos y formas de ver la música. Puede que sea uno de los años más variados, sino el que más:


        -¿El mejor disco de "heavy metal"?...por supuesto que no. ¿El mejor de los '80?...improbable. ¿El mejor de 1.985?...eso es quizás más discutible. Pero es que "The Right to Rock", publicado el 26 de Marzo, tiene la suficiente calidad como para ser denominado como tal.

Todo viene de su fundador, Ron Keel, donde en la creciente escena del "metal" americano, fundó STEELER en Nashville. Tras un tiempo la banda pasó a formar parte de L.A. con cambios en su formación, donde se acomodaron el batería Mark Edwards, el bajista Rik Fox (Hellion) y el virtuoso guitarrista sueco Yngwie Malmsteen. Hicieron su debut en 1.983 y todo acabó ahí.

Al año siguiente, en la misma L.A., Keel decidió formar otro grupo a partir de su apellido. Con Marc Ferrari y Bryan Jay a las guitarras, Kenny Chaisson al bajo y Bob Marks a las baquetas, "Lay Down the Law" vio la luz. Aquel álbum pasó sin pena ni gloria, pero fue suficiente para captar la atención del bajista de KISS, Chaim Witz (o, lo que es lo mismo, Gene Simmons), que se prestaría a producirle al grupo su siguiente trabajo, además de ayudar en las composiciones.

Una impresionante Flying V rodeada de rayos que atravesaba la portada diseñada por John Dismukes, era el símbolo perfecto para representar la fuerza, energía y grandeza que contenía un plástico como este, de puro, arrollador e inclemente "heavy metal" con atisbos de "speed". Entre tanto sintetizador, melodías facilonas y "glammies" por toda la escena californiana en aquella mitad de década, un puñetazo como este se agradecía.


"The Right to Rock" no es otra cosa que eso. Aunque sus integrantes, donde se unió Steve Riley (posterior batería de WASP), lucieran unas pintas muy típicas del "hair/glam" de la época, su música no era igual. Del primer tema al último, convertidos en auténticos himnos, bombardean con trallazos al tímpano del oyente sin compasión alguna, como sucede en "Back to the City", "Electric Love", "So many Girls, So little Time" o el tema título del LP, ya estandarte de "heavy metal" para la posteridad.

También tenemos las más rápidas "Speed Demon" y "You're the Victim, I'm the Crime!", donde la base rítmica de Chaisson/Riley echa chispas, al igual que las rasposas cuerdas vocales de Keel o los "riffs" que se marca Ferrari; "Easier Said than Done" y "Let's Spend the Night Together", versión de la del '67 de los Rolling Stones, mostraban a los KEEL más comerciales.



El más producido "The Final Frontier" del año siguiente alcanzaría una mejor posición en las listas, ya que "The Right..." sólo llegaría a un invisible 99.º puesto en los Billboard, pero es el mejor, sin duda; el más crudo, agresivo y a la vez preciso y técnico. La Flying V de su portada sigue brillando tanto hoy en día como cuando salió al mercado. Todo fan del "heavy metal" sabe eso de sobra.

(Mejor canción: "The Right to Rock").



        -En el año 1.985 destacó el trabajo de tres guitarristas veteranos, cada cual en su quinta, del mundo del "rock": Eric Clapton con "Behind the Sun", que llegó a la 8.ª posición en las listas británicas, George Thorogood y sus Destroyers con "Maverick", que fue Oro en EE.UU., pero se me hace imposible obviar ese saber hacer que tuvo otro multiinstrumentista de categoría nacido en las soleadas tierras de Gainesville, Florida, llamado Thomas Earl Petty.

El debut de esta banda siempre arraigada al sentimiento americano, tal como le pasaba al artista Bruce Springsteen, comenzó nueve años antes, sencillamente con "Tom Petty & The Heartbreakers". Vinieron álbumes soberbios hasta llegar al clásico "Damn the Torpedoes", la obra maestra del grupo. Un sencillo "blues" unido a un "rock" de lo más asimilable con matices "pop" influenciados por los grupos británicos de finales de los '60, como pudieron ser The Kinks o The Beatles, y que daba grandes "singles" como "Don't do Me like That", "The Waiting" o "You Got Lucky", es lo que este compositor siempre ha realizado sin probar realmente cosas nuevas pero sin perder un ápice de calidad. La banda que le ha acompañado siempre ha sido perfecta para las directrices marcadas por el líder, por ejemplo el injustamente infravalorado guitarrista Michael Campbell, un también multiinstrumentista de gran gusto y técnica musical, o el pianista Benjamin Tench, encargado de ejecutar su maestría en teclados, pianos, sintetizadores y el órgano Hammond.

Siguiendo, los dificiles '80, pues fue la etapa más inestable para la banda, empezaron con "Hard Promises", un éxito de ventas, y se ven las primeras tensiones al estar "Long After Dark" grabado sin el bajista Ron Blair entrando en el juego Howard N. Epstein. Así llega este sexto trabajo del grupo, "Southern Accents", publicado el 26 de Marzo y en el que el choque de egos se refleja en el contenido del disco, ya que todos tenían una visión diferente de lo que tenía que ser el trabajo final.

Primeramente se pensó en un álbum conceptual, pero tres canciones coescritas por David Allan Stewart, de los Eurythmics, se incluyeron sustituyendo a otras que acabaron desechadas. Una de las anécdotas más interesante del listado de temas fue el referente al exitoso "Rebels"; Petty iba un tanto enfrascado en drogas cuando la primera mezcla que el hizo de la canción no le agradó, y como consecuencia bajó las escaleras e intentó cargarse la pared con su mano izquierda...cosa que no consiguió...



Aparte de ese arrollador "single", que aúna fuerza "rockera" y sensibilidad "popera" y que se colocó en el puesto 5 en el Billboard Rock Tracks, tenemos la sencilla y emotiva "Dogs On the Run", "The Best of Everything", de gran melodía y sentimiento, la ya clásica "Southern Accents", donde los teclados de Tench endulzan una preciosa pieza que se encarga de defender las raíces más sureñas del grupo, algo que alabó la revista Rolling Stone, y, por supuesto, la más recordada "Don't Come Around Here no More", reflejando un contenido más "pop rock" unido al estilo New Wave de su coescritor David Stewart. Dicho "single" se coronó el 2.º en el Rock Tracks, el 13.º en el Billboard Hot 100 y el 20.º en el Top 100 de las listas canadienses.

El disco fue Platino en EE.UU., donde llegó al 7.º puesto de las listas. En Canadá obtuvo un Oro y sólo alcanzó el 23.º en las inglesas. Realmente fueron sobre todo sus "singles" los que más atención acumularon, ya que muchos afirmaron que fue el disco más flojo de la carrera de la banda, sin embargo hay que recordar que no volvieron a llegar tan alto hasta pasados 6 años, cuando el "Into the Great Wide Open" (1.991) se hacía con el Doble Platino en EE.UU. y Canadá.

(Mejor canción: "Rebels").



        -Dire Straits fue uno de esos grupos que trascienden por encima de modas, épocas y novedades de todo tipo.

Parecía mentira que en pleno apogeo del "punk", en 1.978, hicieran su debut con un "rock" descafeinado y muy melodioso, a medio camino entre la música de Bob Dylan, Rick Danko y J.J. Cale, ganándose practicamente a todo el mundo en un abrir y cerrar de ojos, si tenemos en cuenta de que el material giraba alrededor del inmortal "Sultans of Swing". Siete años y cuatro discos después se volvió a iluminar el cielo con "Brothers in Arms", publicado el 13 de Mayo.

La fórmula estuvo en mezclar aquella complejidad que el maestro Mark Knopfler desarrolló en "Love Over Gold" ('82), donde paseó por los caminos del "rock" progresivo, con multitud de variantes musicales que expresó el grupo, enriqueciendo el sonido y no dependiendo únicamente de la guitarra. Knopfler se rodeó de gentes como el bajista John Illsey, los teclistas Alan Clark y Guy Flecther, el saxofonista Michael Brecker y el legendario vocalista de The Police, Gordon Thomas Sumner, más arhiconocido por "Sting".



Todos ellos realizan una labor espléndida en temas muy cuidados, de una instrumentación preciosa y una brillante producción:

        -Primero están los cortes dinámicos y comerciales que llenan el plástico de frescura y un ritmo adictivo, como "One World", "Walk of Life" (7.ª posición en los "charts") y, por supuesto, una para la posteridad y número 1 en EE.UU., "Money for Nothing"; 8 minutos de infarto que se pasan entre juguetones "riffs" de guitarra, sintetizadores, el duo de voces de Knopfler/Sting y un ritmo de lo más contagioso y divertido.

        -Luego están las otras joyas, extensas y preciosas, como "Your Latest Trick", "Why Worry?", o la oscura "Brothers in Arms", quizás una de las mejores de la discografía de la banda y de las más estremecedoras compuestas por Knofler; en ésta, donde parece que los espíritus creativos del Roger Glover de "Final Cut" y del J.J. Cale más clásico se dieran la mano, la belleza trasciende a otro nivel. "Brothers in Arms" es intensa y desgarradora, donde Mark Knopfler, con una voz tersa, muy sutil, casi etérea, consigue transmitir más que en todas las demás canciones del LP, cautivar al oyente y llevarle a un mundo de infinita delicadeza. Es uno de esos temas por los que jamás pasarán los años.

En fin, todo un mazazo en el mundo de la música (y no sólo de la música "rock") con más de 30.000.000 de copias vendidas. Llegó a la 1.ª posición en Inglaterra por diez semanas, donde fue Multiplatino; la misma que alcanzó en EE.UU. y en Canadá, donde fue Nónuple Platino y Diamante, respectivamente; ahí se quedó en las listas de casi todo el Mundo. Sus cinco "singles" coronaban los más altos puestos, la revista "Q" lo colocó en los 100 Mejores Discos Británicos de la Historia y recibió dos Grammies, uno para "Money for Nothing" y otro para el propio disco, a la Mejor Interpretación de "Rock".

Además, su naturaleza debe constar en la Historia, puesto que fue uno de los primeros en convertirse al CD y el primero en hacer ventas millonarias en aquel formato tan novedoso.

(Mejor canción: "Brothers in Arms").



        -Ahora es una de las bandas más infravaloradas de la Historia del "rock", pero es innegable que MAGNUM hicieron, precisamente, historia, el 13 de Mayo cuando su quinto álbum de estudio (mucha coincidencia se ve aquí), "On a Storyteller's Night", salió a la calle.

Empezaron trece años antes en las calles de Birmingham como cuarteto y tuvieron su debut en 1.978, influenciados claramente por el "rock" de corte más progresivo heredado de Jethro Tull y las grandes melodías de KANSAS. La incesante búsqueda de una firme identidad sonora a comienzos de la década les llevó por el terreno de lo comercial entrecruzado con un "hard rock" potente, pero no llegaban a ese punto final, además, los problemas que surgían en su discográfica Jet Records hicieron saltar una alarma. En vez de gastar dinero en productores, les instaron a autoproducirse el que fuera su cuarto álbum, "The Eleventh Hour". Las tensiones entre Jet y MAGNUM desembocó en unos resultados comerciales muy negativos. Entre tanto hubo un ir y venir en los miembros y se produjo un silencio total en el grupo...muchos creían que se habían separado.

Pero tras un tiempo, el teclista Mark Stanway regresa junto al guitarrista Tony Clarkin, el vocalista Bob Catley, el bajista Wally Lowe y el nuevo batería Jim Simpson y fichan por FM Records. Keith Baker, nuevo manager de MAGNUM, sabe tomar las riendas y darles el empujón que necesitan. Y con el experimentado Kit Woolven como productor la máquina está otra vez en marcha. En ese momento apuestan todo a una carta y se la juegan...el resto es historia. Porque como dijo Clarkin, cuando "On a Storyteller's Night" se iba a publicar, ellos eran "una banda acabada y sin ninguna esperanza", así que ese fue el álbum que les unió de nuevo.


En este trabajo se unen grandes melodías y estribillos contagiosos, en la más pura línea "AOR" que tuviera ASIA, con matices épicos, sonidos grandilocuentes y retazos de su "rock" progresivo de siempre. Así encontramos espectaculares y extensas piezas como "Les Morts Dansant", "How Far Jerusalem", o la que da título al disco, donde enormes "riffs" de guitarras se deslizan entre la poderosa voz de Catley, los atronadores baquetazos de Simpson y unos preciosos sonidos procedentes del teclado de Stanway, llenando de opulencia el sonido; este último tema ("Storyteller's") define a la perfección el espíritu del LP, llegando a ser hoy en día una obra maestra del género. Mientras tanto ahí estaban las otras perlas "Endless Love", "All England's Eyes" y el demoledor "single""Just Like an Arrow", aunque todas podrían haber sido "singles", ya que iban sobradas de gancho comercial. Adictivos y muy dinámicos a la vez, demostraban el buen saber hacer de la banda en el campo del "AOR" y el "rock" más asimilable.


Y la hazaña se acababa con la bellísima "The Last Dance", ejecutada sólo con evocadores pianos, teclados y coros de voces que seguían a Catley y que endulzaban el producto final. Un broche de oro, una clásica balada llena de sentimiento y sensibilidad que se puede colocar entre las mejores de los '80, junto a otras maravillas como "Open Arms", "Dream On" o "I Won't Hold you Back".

Incluso teniendo su mejor portada no sería el más vendido de MAGNUM. Sólo llegó a la 24.ª posición en los "charts" aunque consiguiera el Oro en Gran Bretaña. Sin embargo, hoy por hoy, es una piedra angular en su discografía y una obra maestra del "rock" de los '80. Eso nadie se lo podrá quitar a los de Birmingham, que se vieron inmersos en una exitosa gira gracias a la acogida del disco.

(Mejor canción: "On a Storyteller's Night").


        -Los californianos Night Ranger nacieron en los '70 como Rubicon, haciendo "pop" de retazos "funky", y llegaron hasta comienzos de los '80, primero llamándose The Rangers, con su debut "Dawn Patrol". En sus filas se encontraba Bradley Gillis, el que fuera guitarrista para Ozzy Osbourne en el directo "Speak of the Devil", y F. Alan Fitzgerald, teclista que ya puso su saber hacer de manifiesto en Montrose o GAMMA.

Su música era un "hard rock" muy accesible y disfrutable, con grandes baladas dirigidas a las listas. Su primer "single""Don't tell Me you Love Me" se nombró como "una de las mejores canciones de "hard rock" de todos los tiempos", por VH1. Se acercaban al "AOR" pero su base era más "rockera" que la de Loverboy o Survivor, por poner varios ejemplos.

Aquel debut llegaría al 38.º puesto en el Billboard. "Midnight Madness" fue más exitoso todavía, y su álbum que más había vendido, con dos "singles" rompedores, "You Can still Rock in America" y la "power ballad""Sister Christian", que quedaría 24 semanas en el 5.º puesto de los Billboard Hot 100.



Así el 20 de Mayo aterrizó "Seven Wishes", el álbum que más alto llegó de toda su discografía. No aportó nada nuevo al género ni tampoco al grupo. La fórmula era la misma: guitarras sobradas de carisma "rockero" fundidas en un edulcorado toque final que daban los teclados y unas melodías adictivas que te hacían recordar una y otra vez sus estribillos. Pero fue suficiente para que se pusiera en la 10.ª posición en el Billboard y consiguiera Disco de Platino, además de lograr tres "singles" de buenísima acogida en los Hot 100.
Las guitarras de Jeff Watson y Gillis se compenetran muy bien en temas netamente "rockeros" como los acelerados "Interstate Love Affair" y "This Boy Needs to Rock", la más "bluesera" y pomposa "I Need a Woman" o la increíble apertura que es "Seven Wishes". Los nombrados "singles" fueron el medio-tiempo muy "aorero""Sentimental Street" (8.º en el Hot 100), la muy coreable "Four in the Morning" (19.ª) y esa gran balada dominada por los teclados de Fitzgerald y unas emotivas guitarras "Goodbye" (17.ª). Como curiosidad añadir que los amigos Vince Neil y Tommy Lee, de Mötley Crüe, unieron sus voces, junto a Kevin Charles y David Sykes en los coros, para otra excelsa pieza de no menos energía y calidad, "Night Machine".


El dúo de discos que fue "Midnight Madness" y "Seven Wishes" llevaron a Night Ranger a unas cotas de popularidad insuperables y los millones de copias no dejaban de sucederse. Sin embargo sería el interés por otros senderos musicales, pero la estela de popularidad de este "guarda nocturno" fue desvaneciéndose.

Aunque "Big Life" (1.987) dio buenos "singles" sólo llegó a la 28.ª posición en EE.UU.. "Man in Motion", con la salida de Fitzgerald y la entrada de Jesse Bradman, se quedó en un invisible 80.º puesto. Valga ese triunvirato de trabajos ("Dawn Patrol"/"Midnight Madness"/"Seven Wishes") para recordar a una de las mejores formaciones estadounidenses de "arena rock/AOR" de la década de los '80. Razones no faltan para afirmar algo así.

(Mejor canción: "I Need a Woman").





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Rock Progresivo Español.Rompiendo la oscuridad:MEZQUITA (colaboración de Félix Jota)

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Grupo continuación de Expresión, ya comentados anteriormente. Toman el nombre del monumento que hay en su ciudad, Córdoba. Mariscal Romero, después de verlos actuar en directo, los ficha para Chapa y graban dos discos.


 El primero “Recuerdos de mi tierra”, editado en 1979, con preciosa portada del gran Máximo Moreno. Un trabajo sublime aunque con ritmos un tanto acelerados, patentes en el primer y magnífico tema que da título al álbum. Una deliciosa mezcla de rock andaluz con descarados toques arábigos, donde hay que destacar también “Desde que somos dos”, con una obertura excelente y “El suicidio”, en el que las guitarras toman su protagonismo junto a la voz potente de Randy López.


  Decir que los japoneses, una vez más, se nos adelantaron con la reedición. Al igual que los coreanos de Si-Wan. Aquí siempre vamos a la cola…lástima.


  En 1981 editan “Califas del Rock”, trabajo más “hard” y decepcionante si lo comparamos con su antecesor. Menos arábigo y andaluz. “Así soy yo” fue el tema más conocido, editado en formato single, con destacados solos de guitarra y teclados. “Aguas del Guadalquivir”, es el tema más progresivo con un excelente solo de guitarra. “Resaca del amanecer”, penúltimo corte, es el tema más pop-rock y el que salva la Cara B del plástico. Después de esta grabación Randy abandona el grupo y se va con Medina Azahara, con los que graba varios discos hasta entrados los 90. 


  En 2011 se edita “En directo, 30º Aniversario”, con diez temas grabados en directo entre Junio de 2009 y Marzo de 2010, en el Festival Lago Bornos de Cádiz y La Abuela Rock de Montilla. Incluye dos cortes inéditos, “Noche de luna” y “Eso es vivir”.


  Randy López cuenta con dos discos en solitario, “Trec3” (2013) y “Nacido en el siglo XX” (2015), mas orientados al rock, aunque con alguna pincelada progresiva.



FORMACIÓN: 
RANDY LÓPEZ: Voz y Bajo
JOSÉ RAFA GARCÍA: Voz y Guitarra
ROSCKA LÓPEZ: Teclados
RAFAEL ZORRILLA: Batería
EDUARDO VIÑOLO: Batería (En directo, 30º Aniversario)

DISCOGRAFÍA:
-Recuerdos de mi tierra 
(Chapa 1979) Ref. HS-35024 LP
(Crime 1990) Ref. KICP-80 CD
(Si-Wan 1993) Ref. SRMC-3011 CD
(Chapa 1994) Ref. 50635024 CD
(Picar 2007) Ref. PIC-812003-2 CD
           
             


Temas
1 - Recuerdos De Mi Tierra 00:00
2 - El Bizco De Los Patios 07:54
3 - Desde Que somos Dos 12:18
4 - Ara Buza (Dame un beso) 18:08
5 - Suicidio 22:47
6 - Obertura en Si Bemol 30:14

-Califas del Rock 
(Chapa 1981) Ref. HS-35046 LP
(Chapa 1994) Ref. 74321 25992 2 CD




                                  En directo, 30º Aniversario                                    (Navarrock 2011) CD






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SEOMPI - Awul

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Seompi fueron considerados por algunos como los Black Sabbath Tejanos. Con una formación inicial muy inusual, dos bajos y un batería, no llegaron a abrirse camino en la jungla del rock.


Durante los 60 Dave Williams, bajista, fue miembro fundador de los  Headstones. En el 69 es arrestado por posesión de marihuana y tras su salida de prisión forma Seompi junto a Patrick Rockhill bajo y Bill Reid, batería.  Posteriormente reclutarían al guitarrista Mitch Watkins. Graban algunos singles y se mueven sobre todo por la zona de Austin abriendo para gente de la talla de ZZ Top, Buddy Miles, Foghat, and Trapeze. En el 74 Watkins abandona la banda siendo sustituido por Billy "Skid" Rowe. Ese mismo año llegaría su disolución.


El grupo nos ofrece un hard psicodélico verdaderamente oscuro. La grabación recopila los singles que grabaron, versiones alternativas de los mismos y algunos temas inéditos, en total 17 temas.  Composiciones cargadas de buenas guitarras y bajo atronador. Temas destacables podrían ser "Lay on the floor", con un estribillo pegadizo, "Voodoo Chile ", una versión que está a la altura. "Elijah " es uno de los temas inéditos que una muestra una gran calidad. La pena es que quizás la producción no este a la altura.





Temas

1 Summer's Coming On Heavy 
2 Slide, Slide 
3 Almost In A Hole 
4 Lay On The Floor 
5 Kittens 
6 Awol 
7 A Question Of Nobility 
8 Voodoo Chile 
9 Summer's Comin On Heavy 
10 Slide, Slide 
11 Almost In The Hole 
12 Lay On The Floor 
13 And I Ain't Seen Him Since 
14 Do You Not Know 
15 Sticky Situation 
16 Elijah 
17 What Is The Reason

Formación
Dave Williams - Bajo
Patrick Rockhill - Bajo
Bill Reid - batería
Mitch Watkins - Guitarra
Billy "Skid" Rowe - Guitarra
Lee Manley - batería

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Ensayos sobre un sonido (EM): CYBOTRON - Colossus 1.978 (colaboración J.J. Iglesias)

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Aquí tenemos un ejemplo de que éstas músicas tuvieron arraigo en cualquier punto del planeta, incluida Australia ( y sí, también España!). Steve Maxwell "Von Braund", que él mismo se autodefinía como "mitad hombre-mitad máquina", edita en el 75 su debut-solo álbum "Monster Planet" con miembros de formaciones australianas históricas como Billy Thorpe and the Aztecs y Master Apprentices, además de Geoff Green. Influídos por Ash Ra Tempel, Tangerine Dream y Hawkwind. 


Actúan en directo en Melbourne y supone todo un éxito. Así que en el 76, y ya como Cybotron, se consolida el dúo electrónico de Maxwell (sintes, percusión electrónica y saxo) y Green (teclados, órgano y sintes). Editando su magnífico y progresivo álbum homónimo ese mismo año. Seguido del directo "Sunday Night at the Total Theatre"; una autoedición  que los confirma como la electronic band canguril. Para afianzar definitivamente su sonido en el 78 con "Colossus", en el que Colin Butcher se les une como batería y sintes. Y su labor es espectacular y acertada.



 Una clásica secuenciación tangerina da comienzo a "Colossus" (8:07), de épica instantánea favorecida por los ritmos "de verdad", y el saxo de "Von Braund", muy al estilo de David Jackson (VDGG) o Nick Turner. Situando el tema entre Hawkwind y lod T.D. de la época de "Cyclone". Perfecta simbiosis electrorgánica (¿existe ese palabro?) de saxo, batería y sintetizadores. 

Otra intro froesiana da paso a "Eclipse" (10:40) con ese ya clásico sonido propio de Cybotron, sinfonizante dentro de dominios electrónicos. Si hubiera aquí guitarra rítmica, estaríamos hablando de los Hawkwind australianos. Pues sus solos de mini moog deben mucho a Harvey Bainbridge o Tim Blake. Pero los soundscapes incluidos a mitad de tema equilibran la balanza hacía el cosmic kraut. 

En la cara B, "Medusa" (7:41) sigue con ese dilema estilístico entre halcones y mandarinas, creando sin saberlo, su propio estilo. Excelente combinación y exitoso rendimiento. 

Terminando con "Raga in Asia Minor" (15:37) aquí sí, plenamente kosmische, adentrándose por las aguas del "Robycon", con batería entusiasmante, y leves fraseos de saxo que parecen soplados por el espectro pálido de un astronauta fantasmal llamado David Bowie. Un disco sobresaliente si andas jugueteando con la ouija cósmico-electrónica.

 Tras él, se editó "Implosión" (1.980) y , haciendo honor a su nombre, el dúo se separó, siguiendo por un lado Maxwell en estudio. Mientras que Green creó un Cybotron para directos, con bailarines y rollos multimedia. Para liar más la cosa deciden llamarse Cybotron y ponerse a hacer techno-chunda. Estas cosas me asquean. Mientras se rumorea que los Cybotron auténticos dejaron un cuarto álbum incompleto titulado "Abbey Moor" (1.981). Que no os vuelvan locos. Pillar "Cybotron" y "Colossus" y a dormir a pierna suelta.

P.D.- "Cuanto más produces, menos inspirado te sientes" - TODD RUNDGREN.




Temas
1. Colossus (8:13)
2. Eclipse (10:46)
3. Medusa (7:57)
4. Raga In Asia Minor (15:35)
Bonus
5. Ride To Infinity

Formación
- Steve Braund: teclados, saxo
- Colin Butcher : batería, teclados
- Geoff Green: teclados




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Los teclistas del rock: Vincent Crane (colaboración del blog amigo Rockologia - www.rockologia.com)

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Vincent Crane, nacido en 1947, fue pianista, teclista y compositor. Su extraña personalidad se vio azotada por continuos problemas mentales que le hicieron entrar y salir repetidas veces de diversas instituciones: alternaba periodos de depresión con otros de euforia maníaca. Esto condicionó toda su vida y su carrera profesional. 



Muy joven formó parte de The Crazy world of Arthur Brown, participando en su primer álbum, del que destaca este Fire, número uno en 1967. El sonido Hammond que le caracterizó ya está muy presente.





Tras la gira por Estados Unidos decide formar su propia banda junto al batería Carl Palmer (quien poco después se iría para formar Emerson, Lake and Palmer) y el cantante y bajista Neil Graham. Atomic Rooster, que así se llamó, estuvo un tiempo desarrollando su estilo de rock progresivo hasta publicar su primer larga duración en 1970 sin éxito.


Atomic Rooster - Atomic Rooster 1.970


Al poco, Crane se queda solo y recluta al guitarrista y cantante DuCann (John Cann) y al batería Paul Hammon. Con esta formación grabaron un disco estupendo con el sonidohard rock Hammond por bandera, incluyendo el single Tomorrow Night.

Atomic Rooster - Death Walks Behind You 1.970


Ese mismo año 1971 lanzaron un single que llegó al número 4 (su mayor y único single de verdadero éxito) titulado Devil’s answer, basado en las experiencias de paranoia del propio Vincent. 


Atomic Rooster - In Hearing Of Atomic Rooster 1.971


Nuevo cambio de cantante para el siguiente In hearing of Atomic Rooster y una remodelación total de la banda le da un sonido orientado al funk y el soul. La enésima banda incluía al cantante Chris Farllow. Tras dos álbumes de poco éxito Vincent disolvió la historia.
Atomic Rooster - Made In England 1.972



Atomic Rooster -  Nice 'n' Greasy 1.973


Los años siguientes los pasó colaborando con diversos colegas, como músico de sesión o productor, pues de igual modo que su personalidad cambiante le apartaba de todos, su versatilidad con las teclas le hacía genial. Entre sus colaboraciones cabe destacar a Peter Green, Arthur Brown o Rory Gallagher.


En 1980 reformó Atomic Rooster y editó dos discos con poco éxito y cerró definitivamente la banda. 

Atomic Rooster - Atomic Rooster 1.980



Atomic Rooster -  Headline News 1.983


Su último coletazo profesional lo dio con Dexys Midnight Runners en 1985.

Finalmente, Vincent Crane se suicidó en febrero de 1989.

P.D. : Muchas gracias a Rockologia por su colaboración

Os recuerdo que todos podéis participar en esta sección (rockliquias@hotmail.com)


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GODLEY & CREME - Freeze Frame 1.979 (colaboración J.J. Iglesias)

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Con permiso de la ELO y Roxy Music (sobretodo sus tres primeros discos), la banda Art Rock británica por antonomasia fue 10 C.C. Un cuarteto en el que confluían la melodía comercial más acertada por parte de un 50 %: Eric Stewart y Graham Gouldman. Mientras que la otra mitad, Kevin Godley  y Lol Creme ponían el punto disparate, lo inesperado y experimental. Esta combinación funcionó satisfactoriamente, hasta que una parte se hartó de la otra. Así, Stewart y Gouldman siguieron con 10 C.C. Mientras que Godley and Creme pudieron dar rienda suelta a sus progresismos. 


Debería haber elegido su primer álbum, el triple "Consequences" (1.977), como objeto de reseña, por su investigación y experimentación increíble. Pero aunque es el álbum favorito de Steven Wilson, no es el mío. Prefiero su posterior decantación por el universo Zappa. "L" (1.978) y este "Freeze Frame" (1.979) me parecen más indecorosos. Me explico. En ellos se juega con la experimentación que se espera del dúo, incluido su particular invento-gadget, el famoso gizmo. Un prototipo de lo que sería luego el más asequible e.bow. Pero no se deja de lado una sana comercialidad sarcástica heredada directamente de Mr. Frank Zappa.

 De hecho, el tema que abría este álbum, "An Englishman in New York" (5:50), se oyó en la radio fórmulas y sinfonolas de bar de tapas hasta la saciedad. Y era un tema experimental. Hoy por hoy, conseguir eso resulta impensable. Hay que ser un puto genio para llegar a esos niveles de "engaño" al sistema y la masa media. Y gadley & Creme lo eran. No solo inventando cacharros y haciendo buena música para todo el público, también como directores de vídeo clips. Pero de eso hablamos luego.

 "Random Brainwave" / "I Pity Inanimate Objects" (8:02) van unidos y forman una maravillosa majarada vocal digna de The Mothers of Invention. Con subliminal instrumentación extraordinaria.Godley y Creme son estupendos multiinstrumentistas. Pero para las frippianos guitarras está Phil Manzaneda poniendo el punto paranoide idóneo a esta más que audible marcianada.

 "Freeze Frame" (4:45) parece en apariencia, un corte funk típico de las discos de ese año. Pero alrededor de él se ocultan un sinfín de sonidos, arreglos y zappismos varios, que te hacen imaginar a John Travolta con tentáculos, en plan marcianos babeantes de los Simpson. 

Comenzamos la cara B con "Clues" (5:23), una mezcla de Zappa y el Rpbert Fripp de "God Save the Queen" y "Exposure". 

"Brazilia, (Wish you were here)" (6:10) se adelanta al sonido de Porcupine Tree y toda la factoría K-Scope.

 "Mugshots" (3:51) podría estar en "Joe's Garage" o "Sheik Yerbouti", y  a la vez agradar a tu madre. 

Por último "Get well soon" (4:37) es un tema pop con la pequeña ayuda de Paul McCartney. 

Es este un LP de "progresivo engañoso" más que disfutable. Recomiendo sus siete discos que forman su discografía. Puedes ponerlo al lado de "Listen Now!" de 801, banda de Phil Manzaneda. Godley & Creme le devolvieron el favor en ese fabuloso disco y tanto estilo como sonido son muy similares. Ah! sí, el tema de los vídeo-clips. 

No me resisto a endosaros una "pequeña lista de artistas que contaron con estos genios como directores: Asia ("Heat of the Moment"), Yes ("Leave it"), Peter Gabriel/ Kate Bush ("Don't Give up"), Perter Gabriel ("Biko"), George Harrison, Status Quo, Elton John, Ultravox, The Police, Lou Reed, Sting, Inxs, Howard Jones, Eric Clapton, Graham Parker, Duran Duran, Visage, Toyah...


Temas
An Englishman in New York


Random Brainwave" / "I Pity Inanimate Objects


Freeze Frame


Brazilia, (Wish you were here)

Mugshots



Get well soon


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Rockliquias en los 80: 1.985 Part. 2 (colaboración Christian Jiménez)

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..Y los últimos 5 álbumes de este año llegan:

        -Uno de los mejores álbumes de 1.985 según las revistas especializadas; 1.º para Sounds, 4.º para Classic Rock y 6.º para Kerrang!. En Gran Bretaña fue n.º 1 por 41 semanas siendo Platino y dos de sus "singles", "Kayleigh" y "Lavender", llegaron al 2 y al 5, respectivamente; 47 en EE.UU., siendo su más alto puesto, aunque donde mejor funcionó fue en Europa, que consiguió 3.ª posición en Alemania y 6.ª en Suiza.

Tras el éxito del anterior "Fugazi", 5.º en Inglaterra siendo Oro, y la grabación del directo "Reel to Reel", los integrantes de Marillion se trasladaron en Febrero al Berlín dividido, al del muro, recomendados por el productor Chris Kimsey, quien quería grabar con ellos en su propio estudio. Allí, en aquel ambiente tan caótico y extraño, vivieron la experiencia más grande de sus vidas y todo el escenario sirvió como fuente de inspiración para crear el disco más exitoso de toda su carrera, "Misplaced Childhoood", que salió al mercado el 17 de Junio.


En tal inmensa obra maestra conceptual de 41 minutos se hallan temas profundos, reflexivos, autobiográficos; el amor perdido, la dura infancia, los recuerdos del pasado, el éxito y el fracaso en la vida. Una extensa grabación de casi tres meses y que hizo que los de EMI se tirasen de los pelos porque querían ver el álbum acabado, y porque presionaban al grupo para que compusieran "singles" rápidamente. Y es que la discográfica quería no solo respaldar a una banda que alardeara de virtudes progresivas y experimentales, sino que también fabricara "singles" para que fueran en éxitos masivos de continua escucha en la FM:

        -Pues esta hazaña musical comienza con "Pseudo Silk Kimono", rodeándonos los dulces teclados de Mark Kelly y unos precisos punteos del bajo de Pete Trewavas y la guitarra de Steve Rothery mientras Fish comienza diciéndonos que está "envuelto en la seguridad de un kimono de falsa seda usando brazaletes de humo y desnudo de todo entendimiento". Cuando la suave y desgarradora poesía finaliza se enlaza con la famosa "Kayleigh", de pausado y a la vez juguetón ritmo, que trata sobre la dureza de la ruptura, aunque centrado disimuladamente en una antigua relación del propio cantante. Tras esta clásica "balada" llega la emotiva "Lavender", conducida sobre todo por los suaves teclados y una batería constante en su ejecución. Uno de los mejores momentos está en la extensa "Bitter Suite", compuesta a su vez de cinco partes, donde las dosis de belleza musical son indescriptibles, dominando siempre una atmósfera muy tersa, casi intangible, donde puedes llegar a sentir que flotas en ella. El final de la primera cara del disco termina de forma épica con la más estridente "Heart of Lothian".



        -Con unos redobles y un tono más vibrante empieza "Waterhole" unida a "Lords of Backstage" siguiendo la misma tónica para dejar sitio a la otra gran suite "Blind Curve", de cinco partes también, donde el quinteto está en la cúspide de su creatividad, dotando de numerosos cambios de ritmo sus nueve minutos y medio y hablando de felicidad, rendición, dolor, guerra e incluso política. La parsimonia estalla con "Childhoods End?", la más "rockera" del disco y donde Marillion se expresan con rabia, reflejándose en las letras como el niño de la portada del álbum y tornando de la soledad a la esperanza. Se termina todo con "White Feather" con la misma fuerza y rompiendo con todos los tópicos de la patria (banderas, uniformes, políticos) para asegurar que pueden avanzar y vivir siendo ellos mismos, en cuerpo y alma, por encima de todo.

Una travesía que colocó a Marillion en la inmortalidad, siendo referencia para miles de artistas que quisieron hacer su mismo tipo de música, aunque sin llegarles siquiera a la suela de los zapatos. Uno de los mejores y más excitantes e interesantes trabajos de los '80.

(Mejor canción: "Blind Curve").


        -Muchísimo antes de que Kurt Cobain llegara con sus Nirvana y en los '90 pusieran patas arriba al mundo del "rock", en el mismo Seattle se formó otra buenísima banda que llegó al pico más alto de su popularidad aquel 1.985, y hablamos de HEART.

Desde 1.963 existía esta banda únicamente compuesta por hombres, pero las hermanas Ann y Nancy Wilson entraron en sus filas diez años después; y tres años después de aquello, en 1.976, su debut ya estaba en la calle. "Dreamboat Annie" consiguió el Platino rápidamente.

Se convirtió en uno de los LP's más interesantes de aquella época, ya que era un grupo de liderado por dos mujeres ofreciendo un intenso "hard rock" a lo Led Zeppelin con momentos de verdadero lirismo y hasta haciendo alguna concesión al "folk rock". En su carrera hubo salidas y entradas de integrantes, y, como en todas las bandas, discos buenos y discos no tan buenos.

Entrados los '80, con "Bebe le Strange", se metieron en la moda de la New Wave con influencias "punk" y con "Passion Works" rompieron su relación con Epic Records y empezaron a modelar un sonido melódico que alcanzaría su máxima en su siguiente trabajo. Y así llegamos a "Heart", la piedra angular de su discografía.



Ficharon en Capitol y, cambiando de apariencia, de estilo, de tendencias y de miras, el quinteto (Ann) Wilson/(Nancy) Wilson/Howard Leese/Mark Andes/ Denny Carmassi no lo pudo hacer mejor. Se renovaron y se reciclaron y ofrecieron un disco con una serie de temas brillantes. Todo suena tremendamente ochentero, con una producción cuidada y un sonido pulido mezclando bellas melodías muy "aoreras" con contundencia "rockera" a partes iguales, y el resultado fue un n.º 1 en el Billboard de EE.UU., llegando a Quíntuple Platino, donde estuvo 92 semanas, un 19 en Inglaterra donde consiguió el Oro y el 3.er puesto en Canadá. Los distintos "singles" no dejaban de sonar constantemente en la radio y ya eran auténticos éxitos.

Guitarras agresivas, y batería y voz pletóricas se muestran en la apertura "If Looks could Kill", del mismo modo que en "Shell Shock" o en "The Wolf", pero la atmósfera pega giros de infarto en las más comerciales y melódicas "Never" (2.ª en el Mainstream Rock), clásico de clásicos, y "All Eyes" o en las preciosas "Nobody Home", "These Dreams" (1.ª en el Billboard Hot 100) o esa ya inmortal y espectacular balada de los '80 "What About Love?" (3.ª en el Mainstream); piezas dulcísimas, sonatas cargadas de sentimiento que bien demuestran el saber hacer de Nancy a la guitarra y esa voz inigualable de Ann, una voz sobrada de expresividad y emotividad a la hora de interpretar; la mejor voz femenina del "AOR".



Ese equilibrio entre dinamismo "rockero" y melodías de fácil asimilación llenas de lirismo, seña de identidad del grupo desde sus inicios, desembocó en eso, en el mejor trabajo que realizaron desde su debut y en uno de los discos más recordados de la década de los '80.
Así siguieron, ofreciendo buenísimos álbumes aunque ya ninguno iba a superar este excepcional "Heart" ni por asomo, pero muchos de ellos, como "Bad Animals" ('87) o "Brigade" ('90), sirven para demostrar el grandísimo grupo de "rock" que han sido y que son, y que serán por siempre.

(Mejor canción: "What About Love?").
       

        -Fue en L.A. donde surgieron todas las bandas más representativas del "metal" americano en aquella primera mitad de los '80; el centro de un auténtico "boom" musical que no acabaría hasta la década posterior. Pero en otros sitios también había nombres que bien deben recordarse.

Como se dijo en la "2.ª parte de 1.984", Black 'n' Blue salieron de Oregon, Bon Jovi de New Jersey y King Kobra de Phoenix...el mismo lugar que los que nos ocupan, ICON. Estos venían de llamarse The Schoolboys, banda del guitarrista Dan Wexler, donde estaban Stephen Clifford (voz), Tracy Wallach (bajo), John Covington (batería) y David Michael Phillips (guitarra), que luego se marcharía, precisamente, a King Kobra. Éstos grabaron un EP, y dos de sus miembros (Covington y Phillips) se largaron, siendo sustituidos más tarde por John Aquilino y Pat Dixon.

Entonces llegó Mike Varney, productor de WASP y STEELER, y les fichó para Capitol Records, modificando el nombre del grupo y la imagen de éste. Lucieron como todos sus demás coetáneos: melenas cardadas, ropa muy colorida, cueros brillantes, camisas rasgadas, etc.. Su debut en 1.984 fue un gran disco de "heavy metal" de principio a fin, destacando dos himnos del género, "Rock On through the Night" y la emitida en la MTV "On your Feet". Su música era un dinámico y potente cruce entre Quiet Riot y HELIX, donde cobraban mucha importancia los mortales "riffs" del dúo Wexler/Aquilino.



Pero de repente Capitol les hace un lavado de cara y el estilo del grupo cambia totalmente. Digamos que ICON fue de esas bandas que se ponían en manos de sus discográficas a "pies juntillas" y si fracasaban la misma casa les echaba, contrataba a otros y asunto arreglado. Pero en esta ocasión no pudieron dar mejor en el clavo; parecía que el experimento iba a salir bien por una vez. Para el nuevo trabajo se ficha al veterano Eddie Kramer y al compositor Bob Halligan Jr., del "heavy/glam" se vira a un "hard 'n' heavy" melódico y se profundiza en eso, en la melodía, en detrimento de la agresividad y la contundencia. El resultado fue, dando igual la posición en la que se colocara en el Billboard (es mejor no decirla), el 3.er mejor álbum de la Historia del "rock" melódico, según la revista Kerrang!. "Night of the Crime", publicado el 20 Septiembre, no alcanzó el estrellato, ciertamente porque el momento del "AOR" estaba pasando y lo que más tiraba al público era el fulgurante "heavy metal" americano, pero si hubiera salido a comienzos de década habría sido uno de los números 1.



Con las espectaculares "Missing", "Naked Eyes", "Take Another Shot at my Heart" o "Hungry for Love" se pueden ver por donde van los tiros; algo así como un explosivo cóctel entre White Sister, MAGNUM y DOKKEN. Efectivamente, Clifford "ablanda" su voz, se hace más comercial el sonido y lo rodea un opulento ambiente de teclados, endulzando la potencia que seguía ofreciendo la banda, porque los "riffs" y solos de Wexler y la base rítmica seguían siendo impresionantes. Para demostrarlo ahí están las más "heavies""Raise the Hammer", "White of their Eyes" y la mejor, "Out for Blood", que comienza con una apabullante introducción de guitarra acústica fundiéndose poco a poco entre un virtuoso e intrincado "riff" y los teclados, desembocando así en su parte más feroz y que recuerda a los ICON de su debut.

El grupo acabó separándose de Capitol y también lo hizo Stephen Clifford, ellos siguieron junto a Jerry Harrison, pero ya sin el acierto de antaño. Por suerte nos dejaron obras de arte como este "Night of the Crime". Escucharlo una vez no es suficiente, ni dos, ni tres...

(Mejor canción: "Out for Blood").


        -La banda por antonomasia de "power metal", la que lo puso de moda, ni más ni menos. Cierto, ya se hacía tiempo antes; en Armageddon y en su "Buzzard" podemos atisbar los orígenes, también en el "Exciter" de Judas Priest...

Pero los '80 eran diferentes. El "power metal", todavía llamado "speed" en aquella época, no era sino "heavy" con mucha rapidez, desligado del "thrash" pues las voces eran más agudas, gritonas, "limpias", por definirlo de algún modo, y no tan sumamente violentas. Ahí había otra diferencia: el americano del europeo. En América pues se podía nombrar a Manowar. El de Europa era más épico, más trepidante, y en sus líricas había guerreros, demonios, mundos de fantasía que alimentaban la imaginación del oyente.

La lista es interminable, pero siempre estarán a la cabeza (dentro de sus propios estilos) los finlandeses Stratovarius, los italianos Rhapsody, los suecos Hammerfall, los alemanes Blind Guardian, RAGE, Primal Fear, Gamma Ray, Iron Savior, y, como no, sus maestros Helloween. Éstos en su EP de 1.985 ya demostraban de qué pasta estaban hechos. Metallica podía haber encontrado a la horma de su zapato, según el redactor Xavier Russell de Kerrang!
Las andaduras de la banda comenzaron en 1.978 con un grupo local de Hamburgo llamado GENTRY con el vocalista/guitarrista Kai Hansen. Así se sucedieron muchos años y cambios en la formación. Aquel EP ya bajo el nombre de Helloween vendió 40.000 copias y se presentaba un futuro prometedor aunque estuvieran en competencia directa con Running Wild. Con todo eso en Octubre salió el ya legendario "Walls of Jericho", con una espectacular portada (las portadas de este tipo de bandas siempre han sido increíbles) de Uwe Karczewski y un sonido que resultaba ser una frenética, poderosa y sólida combinación de Judas Priest, Iron Maiden y el manejo rapidísimo de guitarras a lo Yngwie Malmsteen.

Todo es contundencia, opulencia sonora cargada de velocidad que no da un respiro. Su estridencia fluye por solos y "riffs", que se convierten en entresijos difíciles de percibir con claridad a la primera escucha, y auténticos bombardeos a la batería. Un claro ejemplo son las "heavies" a más no poder "Heavy Metal is the Law", "Guardians", "Gorgar" o el himno "Metal Invaders". La vena más épica e inlcuso progresiva se ve en "Walls of Jericho/Ride the Sky", "Phantoms of Death" y la cúspide del disco "How Many Tears", donde hay cambios de ritmo y sonidos que cortan la respiración.



En todas estas piezas destacan sobre todo el trabajo de guitarras de Michael Weikath y Kai Hansen, capaces de cascarse raudos solos como quien chasquea los dedos. Solos intricados de tonos agudos que casan a la perfección con la profundidad de la garganta de Hansen; la base rítmica de Markus Grosskopf/Ingo Schwichtenberg está hecha para que retumbe bien en los oídos, sin miramientos.




Y Harris Johns realiza un buen trabajo en la producción; aunque es obvio que el posterior "Keeper of the Seven Keys" sería el mejor, pero este "Muro de Jericho" tuvo fuerza propia como para quedar en la Historia como el clásico que es y como referencia para comprender la evolución del "heavy metal" en Europa.

Críticos y público estuvieron de acuerdo y aún lo están hoy día.

(Mejor canción: "How Many Tears").


        -Se dijo que se iba a hablar de ello, y así es. Ya van tres, con este, pero si pienso en un directo a nombrar del año 1.985 no sería (para desgracia de muchos) el "World Wide Live" de Scorpions, sería sin duda "Live After Death". Puede que uno de los directos más grandes y recordados de "heavy metal" de la década de los '80. Ha pasado a ser algo así como el "Made in Japan" de Iron Maiden, salido el 14 de Octubre.
No es para menos: más de 320 días, 180 conciertos, 7.770 habitaciones de hotel usadas, 6.390 cuerdas de guitarras y 3.760 baquetas para presentar a todos, desde Polonia el 9 de Agosto de 1.984 hasta Laguna Hills el 5 de Julio de 1.985, su "Powerslave". "The World Slavery Tour" se llamó la gira, y representaba cómo el Mundo quedaba prisionero de la fuerza y poder de La Dama de Hierro. Escuchar este álbum es ser partícipe de un auténtico fenómeno musical ocurrido en todos los escenarios de la época:



        -Uno cierra los ojos y empieza escuchando al público, luego el clásico discurso de Winston Churchill y la arrolladora apertura que es "Aces High"; los archiconocidos "singles""Two Minutes to Midnight", "The Trooper" y "Flight of Icarus" se meten al público en el bolsillo definitivamente.

        -Esto deja espacio para esa extensísima y cambiante "Rime of the Ancient Mariner" en la segunda cara, donde los momentos en los que se escucha el poema de S.T. Coleridge junto a los silbidos del público crean una atmósfera estremecedora. De la grande "Powerslave" se pasa a las míticas "The Number of the Beast" y "Hallowed be thy Name" (ya en la primera cara del segundo disco).

        -Nada puede superar tal derroche de energía y soberbias canciones; la audiencia está cada vez más exhausta y los gritos no dejan de sucederse; pero eso es una equivocación y vuelven los tiempos más "punks" y jóvenes de la banda con el estandarte "Iron Maiden", que en boca de Dickinson suena tremendamente más épico. El conocido "riff" de "Run to the Hills" que todo el mundo ya conoce desata un coro de voces del público siguiendo a los músicos y la primera cara se cierra con un mercenario "Running Free" tratado durante más de 8 minutos con unos Steve Harris y Nicko McBrain luciéndose mientras Dickinson, con su desparpajo habitual, habla, pregunta, grita e insta a la muchedumbre a vociferar el estribillo del tema (muchedumbe que obedece sus órdenes ciegamente).


       -La segunda cara del segundo disco comienza con reminiscencias del pasado al ser "Wrathchild" la siguiente, nuevamente mejor cantada por Dickinson que por Di'Anno. Las progresivas "Twenty-two Acacia Avenue" y "Children of the Damned" nos trae las épicas "Die With your Boots On" y "Phantom of the Opera", llenas de velocidad y sentimiento y con unos solos espectaculares de Smith y Murray.

Todo termina siendo Platino en EE.UU, donde se pone en la 19.ª posición; Oro en Gran Bretaña, donde llega a la 2.ª; Doble Platino en Canadá. Además, los "singles""Running Free" y "Run to the Hills" consiguieron el puesto 19 y 26 respectivamente y el audio del vídeo de la gira logró el 2.º puesto en el Billboard y un certificado de Platino en EE.UU. y de otro Doble Platino en Canadá. La jugada salió redonda y eso, miles de millones de fans, lo recuerdan aún hoy en día con el mismo fervor de antaño.

(Mejor canción: "Running Free").


Y ahí están los 10 discos. Todos ellos navegando entre diferentes estilos.

Y es que en el año 1.985 continuaba la evolución de géneros y seguían los que más atraían al público. Así, en el ámbito del "hard rock" con tintes "AOR" tenemos el "That's the Stuff" de Autograph, el "Astra" del supergrupo ASIA, el 4.º de Loverboy "Lovin' Every Minute of It", el debut de los californianos Fortune o el más orientado al "pop""Knee Deep in the Hoopla" de Starship, anteriormente Jefferson Starship, anteriormente Jefferson Airplane.
Por otro lado el "heavy metal" acumulaba trabajos como el más comercial "Metal Heart" de los alemanes ACCEPT, el "Not Afraid of the Night" del grupo DAGGER, "The Last Command" de los WASP, "Screamin''n' Bleedin'" de Angel Witch, "Delirious Nomad" de Armored Saint; "Under Lock and Key", el más "glam" de DOKKEN, o el  caso de Alcatrazz, que estrenaban al guitarrista Steve Vai con "Disturbing the Peace", en sustitución de Malmsteen. Como ya se dijo sobre guitarristas, Eric Clapton vino con "Behind the Sun", 8.º en los charts británicos, Adrian Vandenberg y su "Alibi", George Thorogood con "Maverick", Jeff Beck con "Flash", cada vez más metido en el "pop rock"...

En las tierras estadounidenses "glam" y "thrash" se juntaban en las audiencias y había dos bandos muy bien diferenciados: los que se lo pasaban en grande con la comercialidad del "Invasion of your Privacy" de RATT, el "Soldiers Under Command" de STRYPER, el "Long Way to Heaven" de HELIX, el "Come Out and Play" de Twisted Sister, el 2.º de Bon Jovi "7.800º Fahrenheit" o el más "rockero" de Mötley Crüe "Theatre of Pain" y los que abrazaban la brutalidad de SLAYER y su "Hell Awaits", el debut de Megadeth "Killing is my Business, and my Business is Good!", el "Spreading the Disease" de los neoyorkinos Anthrax o el "Endless Pain" de KREATOR.

Los más experimentados seguían por amplios derroteros, como el mantenimiento definitivo de KISS en el "heavy" con el "Asylum", el hundimiento la nave de AC/DC, que se hundía cada vez más, con su "Fly On The Wall", la inmersión en las nuevas tecnologías de ZZ Top con "Afterburner"...y seguían Y&T con "Down for the Count", Aerosmith con "Done with Mirrors", Cheap Trick con "Standing On the Edge", RUSH con "Power Windows", los "glammies" KIX con "Midnight Dynamite", el bueno de DIO con "Sacred Heart", y suma y sigue...

Debutaron, como ya se ha dicho, Fortune, DAGGER, KREATOR, Megadeth, también los "thrashers" Exodus, los "heavies" Halloween (que no Helloween) con "Don't Metal with Evil", Overkill, los "ultra-heavies", herederos de Manowar, WARRIOR y David Lee Roth con el EP "Crazy from the Heart" tras su calurosa salida de Van Halen. Onslaught, London, Vicious Rumors, los de New Jersey Whiplash, los suecos TREAT y los polacos KAT con "Metal & Hell" son otros a nombrar.

En cuestión de directos podíamos nombrar el “9012 Live: The Solos”, de YES; el “Alive in ‘85”, de Kingfish; “Live in Detroit” de los canadienses THOR; el último de Hanoi Rocks “Rock ‘n’ Roll Divorce”; “Open Fire”, de Y&T, que salió antes que el “Down for the Count” o el gran “Stages” de TRIUMPH que fue Oro en su tierra natal…

Y para acabar por todo lo alto hay que nombrar dos acontecimientos que es preciso nombrar:

-El primer concierto de “Rock in Rio”, celebrado del 11 al 20 de Enero, con artistas de la talla de QUEEN, AC/DC, Whitesnake, Iron Maiden, Ozzy Osbourne, Scorpions…aquello SÍ era “Rock in Rio” y no lo de ahora…

-Y el “Hear ‘n’ Aid”, una inmensa colaboración que multitud de estrellas del “rock” y el “heavy” de los ’80 hicieron con la intención de recaudar dinero para África, que era el tema de obsesión por aquel entonces (ya lo hacían varios grupos de músicos). En esa ocasión Ronnie Dio fue aconsejado por Vivian Campbell y Jimmy Bain, miembros de su grupo para contribuir también a la causa como hicieron U.S.A. for Africa.
Así que se reunieron personalidades varias como Rob Halford (Judas Priest), Ted Nugent, Dave Meniketti (Y&T), Blackie Lawless (WASP), Paul Shortino (Rough Cutt), Adrian Smith y Dave Murray (Iron Maiden), Yngwie Malmsteen, Don Dokken, Vince Neil (Mötley Crüe), Carlos Cavazo (Quiet Riot) y hasta los actores de la película y banda ficticia Spinal Tap. Ocho vocalistas principales, once solos de guitarra y muchas voces en los coros para interpretar el tema insignia de la colaboración: “Stars”.
Luego acompañaría a tal canción otras en directo de diversas bandas como KISS, Motörhead, RUSH o ACCEPT y un vídeo documental que muchos recuerdan con cariño. Un momento para mantener en la Historia de la música



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Rock Progresivo Español.Rompiendo la oscuridad:LA PROPIEDAD ES UN ROBO (colaboración de Félix Jota)

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Curioso grupo catalán nacidos al amparo de Perucho’s, que hacían música improvisada en sus conciertos. Estuvieron activos entre 1976 y 1979 y no grabaron disco alguno. Los audios aquí disponibles son de un directo en Cunit, en 1977, uno de más de 34 minutos y el otro es un fragmento extraído del Libro CD “La Ciudad Secreta” de 2013. Dura unos ocho minutos.


  La calidad no es muy buena, pero cosas así creo que merece la pena recordar. Sus directos en el Saló Diana, la Floresta y Cunit fueron los más aclamados. En algunas ocasiones fueron comparados con Velvet Underground y en otras hasta con King Crimson (palabras mayores). 


   Por el grupo pasaron gran cantidad de músicos de la progresía de la época, entre los que destacan Enric Cervera y Eduardo Polonio. Comenzaron su andadura en Agosto de 1976 en el Casal de la Floresta, acompañados por algunos miembros de Perucho’s. Según contaba Jordi Carbó compartían “casa, local de ensayo, vida, música e incluso adicciones”.









FORMACIÓN:
JAUME MARTÍ: Guitarra
CHARLY FERRÉ: Bajo
JAVIER SANCHEZ: Batería
JORDI CARBÓ: Saxo
CHRISTOPHER COOPER: Trompeta




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ODYSSEE - Odyssee 1.974

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Odyssee fue un grupo alemán  de mediados de los 70 que se desmarcó  del Krautrock, tan de moda en esa época, para realizar un progresivo  con dobles guitarras.


Poco o nada se sabe de este grupo. Algunos fijan su nacimiento en Essen, Alemanía  pero lo cierto es que salvo su formación ( Manfred Dietmers  batería, Peter Kortmann guitarra, Roger Röttges bajo y Daniel Toplak guitarra), y las grabaciones que realizaron en 1.974, editadas posteriormente en el 98, no tengo ningún datos más sobre ellos.


Odyssee nos presentan cuatro temas, tres de los cuales superan los diez minutos, marcados por el rock progresivo con tintes psicodélicos. Largos pasajes instrumentales donde las dobles guitarras nos recuerdan  a los queridos Wishbone Ash. Tema muy destacable "Circum Navigationed Hazard", donde los cambios de ritmo y los sonidos guitarreros nos recuerdan claramente sus influencias.




Temas
1 Ithaki 00:00 
2 Circum Navigationed Hazard 04:54 
3 Deliverance 19:40 
4 Final Enigmatic Blaze of Glory Days 30:20

Formación
Peter Kortmann : guitarra
Manfred Dietmers : batería
Roger Röttges : bajo
Daniel Toplak : guitarra



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Ensayos sobre un sonido (EM): BRIAN ENO AND HARMONIA - Tracks and Traces (colaboración J.J. Iglesias)

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En nuestra querida zona de confort experimental 70s, hemos hablado bastante de la Berlin School, corriente cósmica que ayudó a consolidar el genero kraut. Pero todavía no habíamos tocado la otra vetiente paralela, el sonido Dusseldorf. Berlín era lo cósmico, la oda al universo ( o multiverso) y al viaje a las estrellas. Dusseldorg, lo maquinal industrial y robótico. La deshumanización matemática, lejos, ( o quizá más cerca) de lo espiritual. Cinco grupos fueron los pilares en los que se sustentó esta otra forma de entender la kosmische musik: Kraftwerk, Neu!, Harmonia, La Dusseldorg y Cluster. Estos últimos formados por los alquimistas electrónicos Dieter Moebius y Joachim Roedelius. Que juntando fuerzas con el ex-Neu!, Michael Rother (guitarras, efectos), crearían Harmonia. Trío precursor del ambient rock, con dos únicos y fundamentales álbumes: "Musik von Harmonia" (1.973) y "De Luxe" (1.975).


 Por aquellos días, Brian Eno ya se movía inquieto con su carrera en solitario, e intuía que en Alemania se estaba cociendo la verdadera vanguardia del rock. Así que contactó con Harmonia, para él "la banda más importante del mundo" en esos momentos, y  mantuvo una provechosa estancia en sus feudos, aprendiendo. Absorbiendo conocimientos kraut como una esponja. Conocimientos que tan buenos resultados le darían en un cercano futuro.

Aunque "Tracks and Traces" fue grabado en el 76, no fue editado hasta Noviembre del 97 (dejando clara la miopía de las discográficas). Siendo reeditado en el 2.009 con tres adicionales cortes. En total 12 temas de corta duración, exceptuando "By the Riverside" (9:31), "Sometimes in Autumn" (15:49) y "Weid Dream" (6:39). Siendo "Lunebrug Heath" ek único cantado, con la inequívoca voz de Eno.


La música de este exquisito álbum puede llevarte a dimensiones surrealistas cristalinas, líneas de sintetizador repetitivas-evolutivas, melodías naif con misterioso trasfondo, ambientes mecánicamente sensibles, como los de Kraftwerk de su etapa de "Autobahn" o "Trans-Europe Express". Ni que decir que la química entre los cuatro llega a niveles de sincronía cercanos a la telepatía. Con guitarras e instrumentos no sintetizados camuflados hábilmente como si lo fueran.

La ensoñación (que no aburrimiento!), pasajes oníricos, extraños o de total suspense hacen pensar en lo mucho que estos tipos se adelantaron a su tiempo, y cuánto se han intentado emular. Una vez que Eno se vio impregnado por la magia y fascinación alemana, se llevó la fórmula secreta a su tierra, "inventando" (ja!), la música ambient. Y ayudando a su amigo David Bowie a ser visto como un "innovador" (roja!) en su trilogía de Berlin. Como de costumbre, los verdaderos wizards, se quedaron en la sombra, el underground y el limbo propio de los genios incomprendidos. Manda huevos.

P.D. - "No experimentamos de forma consciente. Somos un grupo de gente desconcertada viviendo una situación confusa" (CAN).





Temas

1. Welcome - 0:00
2. Atmosphere - 3:02
3. Vamos Companeros - 6:26
4. By the Riverside - 11:01
5. Luneberg Heath - 20:31
6. Sometimes In Autumn - 25:27
7. Weird Dream - 41:15
8. Almost - 47:58
9. Les Demoiselles - 53:28
10. When Shade Was Born - 57:30
11.Trace - 59:00
12. Aubade - 1:00:31

Formación
Michael Rother – guitarra, teclados, drum machine
Dieter Moebius – teclados, mini harp
Hans-Joachim Roedelius – teclados
Brian Eno – teclados, bajo, voz




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JETHRO TULL - This Was 1.968 (colaboración Fco Javier Pérez Martínez )

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Hoy traigo  el primer LP de la banda británica de rock progresivo Jethro Tull, famosa por su flautista y vocalista Ian Anderson el cual toca la flauta travesera, la armónica y la guitarra acústica en ocasiones. Con una personalidad un tanto extraña  trasladada a su música fue lo que le dio la fama a finales de los 60s pasando a la historia como el flautista del rock por excelencia. Este disco fue lanzado en Octubre de 1968, la banda se había formado a finales de 1967 y estuvieron trabajando en el blues hasta sacar su primera obra maestra. "This Was" reflejaba como era la banda en ese momento y como iba a ser más o menos en el futuro pero hablando de blues como algo temporal que posteriormente abandonarían para hacer un rock progresivo y sinfónico más puro. This was no es solo un simple disco de blues, es blues progresivo con tintes de Jazz y rock sinfónico, en canciones como "Serenade To A Cuckoo" o "Round" por ejemplo. También tiene temas de Hard Blues como "A Song For Jeffrey" o "Cat's Squirrel" (Cover). También tiene  alguna que otra psicodelia bien apañada y esta considerado un buen disco de Folk Rock, por su ambientación.



El guitarrista era Mick Abrams estuvo solo presente en este disco porque el quería seguir con un estilo más cercano al blues, así que se fue tras la salida del disco y formó la banda Blodwyn Pig, ¿adivinad quién lo sustituyó en Jethro tull.?..el guitarrista de Black Sabbath Tony Iommi que en aquellos entonces estaba comenzando paralelamente con la banda "Mitology/earth" que posteriormente pasaría a ser Black Sabbath en 1969. Respecto a Iommi estuvo en varios conciertos tocando las canciones de This Was (Entre ellos el mas famoso "Rock N Roll Circus de los Rolling Stones") hasta que se salió en 1969 y no llegó a participar en la grabación del siguiente disco de la banda "Stand Up".




A SONG FOR JEFFREY
Aquí esta subtitulada, es la típica letra de una canción de blues, abandona su casa, su mujer, vende su coche, se marcha lejos, huye de todo... el vídeo del concierto es el rock n roll circus, si os fijáis en el guitarrista el Toni Iommi (y sí le faltan varios dedos en la mano, toca con dedales metálicos). Es mi canción preferida del disco y del grupo, hard blues rock en toda regla.



CAT'S SQUIRREL
Cover de esta tradicional canción de blues original de Doctor Ross (1961), aunque yo diría que se inspiraron mucho en la de Cream (1966) para hacer su versión.


IT'S BREAKING ME UP
Más blues tradicional, "Me estas rompiendo el alma nena" esta canción es blues puro, es la tristeza.



DHARMA FOR ONE
Es una canción que habla del "Dharma" que es una practica budista y de otras religiones orientales que sirve para protegerse del sufrimiento, la canción habla de la búsqueda de la verdad, de la libertad de la mente, etc...

La canción tiene un largo solo de batería al final, y el resto es básicamente ese blues progresivo con tintes de jazz fusión y rock sinfónico del que hablé.



MY SUNDAY FEELING
Este tema habla de viejos recuerdos nostálgicos, del pasado y de una mente atormentada.



SERENADE TO A CUCKOO
Es un tema "Jazzístico" cover de Roland Kirk (1964) el cuál fué una gran inspiración para Ian Anderson. Muy Sinfónico.


ROUND
Este tema dura menos de un minuto, puramente instrumental también como serenade to a cuckoo.


BEGGARS FARM
Granja de mendigos, este tema se utilizó de fondo en uno de los primeros documentales que se hicieron del Woodstock. Habla de la pobreza y de la vida alternativa hippie que decidían tomar muchos jóvenes de aquella época.



SOME DAY THE SUN WON'T SHINE FOR YOU
"Algún día el sol no querrá brillar para ti nena" otra canción de blues notable, problemas sentimentales y una mujer de por medio...


MOVE ON ALONE
Del estilo de la anterior, habla de mujeres y de problemas, es un tema lento más bien sinfónico, pero cabe destacar que aquí el cantante es Mick Abrams. El músico de sesión Dave Palmer colaboró en este tema.


La edición en CD y mp3 cuenta con dos canciones extra que no se incluyeron en el LP originalmente que son:

LOVE STORY


CHRISTMAS SONG



FULL ALBUM


Respecto al LP pertenece a la discográfica Chrysalis, reedición de 2014 pero es la discográfica que lo publicó originalmente. 180 gram vinyl at 33rpm... no más de 20€ por internet, difícil de encontrar en tiendas, y si lo encuentras de segunda mano de ediciones españolas. Es un gran disco, la gente cuando habla de Jethro Tull solo se acuerda de los otros, pero yo como amante del blues sinceramente este es el que más me gusta, la línea del blues progresivo, subgénero del blues que a finales de los 60s se estaba forjando por parte de gente como Ten Years After, Deep Purple, Iron Butterfly, Steppenwolf o Santana. 

Muchas gracias a Fco javier Pérez Martínez por su gran colaboración


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ALKANA - Welcome to my Paradise 1.978 (colaboración J.J. Iglesias)

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En esta larga búsqueda que cumple 40 años este 2.016, intentando encontrar siempre ese disco pluscuamperfecto que te alegre la vida, cada vez se me hace más difícil dar con él. Quizá porque ¿ ya los conozco todos? Pensar eso sería una temeridad. Descubro discos de los 70 casi todos los días, con mayor o menor fortuna. Pero dar con uno de esos que dices, joder, bingo!... Uno que esté a la altura de un primero de Boston, o un clásico de Journey, Head East, Angel, Petra... eso no resulta ya tan fácil en mi caso. Así que cuando cae a mis curtidas orejas algo como este único disco de Alkana, tengo que celebrarlo como una lotería premiada. Y en cuestión de un mes he descubierto dos o tres santos griales más que os iré comentando en próximos Rockliquias.


Esta es una banda formada en la californiana San Bernandino, y liderada por el excepcional desconocido Danny Alkana a las guitarras. Un tipo, no exagero, con el talento de Ronnie Montrose. Y secundado por un extraordinario cantante en la persona de Jack Rucker. Guardándoles las espaldas, el bajista Craig Willians (RIP) y Don McLaughlin en la batería. Funcionando de forma más que solvente. Un cuarteto de hard rock testosterónico con arreglos prog, en la California de finales 70, con este nivel y que no llegó a nada? Cierto. Tal vez porque "Welcome to my Pasadise" apareció en la más que modesta disquera Baby Bird Records. Y se convirtió en uno de esos artefactos coleccionistas que vale su peso en oro, literal: 450 euros!!!


La apertura de "California Rock'n'Roll Queen" podría pasar por un outtake del mencionado debut de Boston. Todo en este tema parece estar hecho para la Les Paul de Tom Scholz y la voz nunca olvidada del gran Brad Delp. Pero no. Son unos "don nadie" llamados Alkana con una portentosa habilidad para componer bellezas hard. 

La juerga sigue con "Montezuma's Sweet Revenge", "On Our own" y "Freedom Lady". Y en este caso tendremos que recordar el monstruoso debut de Montrose. Una influencia decisiva en Alkana. Los solos de guitarra brillan con cegadora intensidad cuando Danny se desmelena. Y se desmelena mucho. Un guitar hero de primera división jugando en la liga de solteros contra casados.


En la cara B, solo tres temas. El primero, "Paradise", y el último "Head Games", en el mismo plano entusiasmante de Montrose. Pero los 11 minutos de "The Tower" se salen de la norma. Casualidad que se titule como un clásico del debut de Angel?. Desde luego éste  "The Tower" es puro alarde Pomp/Prog como el de los angelicales de Giuffria. Pero yo lo veo más cercano a otros gigantes del gremio, Starcastle. Hasta la forma de cantar de Rucker, los coros, arreglos, solos, estamos ante la perfección absoluta. Que redondea una Obra Maestra así, con mayúsculas. 

De la que apenas sabemos nada en su posterioridad. Danny Alkana entraría en unos tales Excalibur. Mientras que Jack Rucker lo haría en el sensacional debut "Deliver Us" (1.983) de Warlord. Pero el "Welcome to my Paradise" de Alkana se ha convertido por derecho propio en uno de mis indispensables recientes. Estad atentos, porque la búsqueda ha dado apasionantes frutos últimamente. Seguiremos informando... 



Temas
Tracklist:
01.california rock'n'roll queen 00:00
02.montezumas revenge 05:41
03.on our own 09:00
04.freedom lady 15:30
05.paradise 20:14
06.the tower 25:40
07.head games 37

Formación
Danny Alkana: guitarra
Jack Rucker: voz
Craig Willians: bajo 
Don McLaughlin: batería


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PANTERA - Projects in the Jungle 1.984 (colaboración Christian Jiménez)

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Esta va a ser la primera vez que hable exclusivamente de un disco en este blog desligado de la década de los '70, y sin duda es un disco muy especial y curioso a partes iguales.


La razón es que dentro de siete meses, en Agosto (concretamente dentro de seis meses y tres semanas), se cumplirán ya 50 años del nacimiento de uno de los mejores guitarristas que ha dado el "hard rock" y el "heavy metal": Darrell Abbott, conocido mundialmente como Dimebag Darrell...desgraciadamente hace poco más de un mes se cumplieron también once años de su trágico asesinato. Y este virtuoso de las seis cuerdas va unido al nombre de una de esas bandas clave para la evolución del "metal" en los '90. La que cambió todo a comienzos de aquella década cuando entregó su obra maestra "Cowboys from Hell" al mundo.

Sin embargo yo me voy a ir más lejos, seis años atrás de ese trabajo.

Y es que mucho antes de que fueran llamados "creadores del "groove metal"" (término equivocado, porque Exhorder llegó antes), este singular grupo comenzó sus andanzas en las áridas tierras de Texas. Allí, en el verano de 1.981 se juntaron Don Hart (vocalista), Darrell (guitarra) y Vinnie Paul Abbott (batería), Tom Bradford (bajista) y Terry Glaze (guitarra) influenciados mayormente por Van Halen, KISS, Judas Priest y Scorpions, y la explosión de bandas de "heavy metal" que se vivía en aquellos años como Mötley Crüe, DOKKEN y Quiet Riot, y ellos, lejos de querer seguir con el "hard rock" sureño de Molly Hatchet, querían emular esos fuertes himnos de los que cada uno de los otros grupos poseía, los potentes "riffs" que esos guitarristas lanzaban y los sonidos tan contundentes que caracterizaban a ese estilo de música.
Algo más tarde, Hart y Bradford se marcharon; Glaze quedó como vocalista y entró Rex Brown para ocupar el bajo. Así se quedó la formación y se llamaron oficialmente Pantera.

Realizando tours regionales se convirtieron en la banda "underground" favorita del lugar y llegaron a telonear a gente como STRYPER y Quiet Riot, e inmediatamente se metieron en el estudio de grabación de Jerry Abbott, productor y compositor de "country" y además padre de Darrell y Vinnie, los emprendedores de toda aquella operación.


A ese primer disco lo llamaron "Metal Magic", por ser el nombre del estudio donde fue concebido. Vemos, efectivamente, que KISS era la mayor influencia del grupo, con un "glam rock" muy adictivo y melodías facilonas pero ellos tenían a su favor algo muy especial, y era la técnica de guitarra de Dimebag, que facturaba solos vertiginosos y "riffs" de singular dureza no muy acorde con el típico "glam" americano.

Así llegaron con un nuevo esfuerzo llamado "Projects in the Jungle" en 1.984, un año muy prolífico para el "heavy metal", para aportar también su grano de arena al género que hacía estragos en los jóvenes ávidos de emociones (musicales) fuertes, junto al debut de WASP, al "Powerslave" de Iron Maiden, al "Rollin' Thunder" de Mad Max o al "Out of the Cellar" de RATT (y más y más...)



Este segundo trabajo fue el mejor de aquel trío de discos con el vocalista Terry Glaze antes de la llegada de Phil Anselmo, y goza de una calidad infinitamente superior al anterior, ejecutando un sonido aún más duro y pulido sin olvidar la comercialidad en sus composiciones ni la melodía pudiendo emparentarse de algún modo con sus coetáneos Def Leppard o SAXON y sus sonidos del "Pyromania" y "Crusade", respectivamente:

        -El pistoletazo lo inicia "All Over Tonight", un tema que no puede representar mejor el significado de "heavy metal", donde podemos ver el increíble registro vocal de Glaze, que nos tira a la cara agudos alucinantes; la facilidad con la que Dimebag le daba a los armónicos "squeals" en una guitarra de tonos sintetizados y hacía caóticos solos como si tal cosa, como si hubiera tenido un momento de inspiración divina por la aparición de la Virgen y, no menos importante, el tándem rítmico Rex/Vinnie Paul tan aplastante.

        -Con esta misma tónica la sucesión de temas que nos da el álbum sigue por los mismos derroteros. Más "heavy metal" lleno de velocidad en las frenéticas "Out for Blood", "Killers" y una que marcaría el comienzo de la vertiente más extrema de la banda en años venideros: "Projects in the Jungle", donde casi se llega a juguetear con el "thrash metal", por ese buen saber hacer de Vinnie Paul al doble bombo.

        -En otro lado más "standard" tenemos los clásicos himnos "heavy" que toda banda tenía que tener. Es el caso de "Like Fire", la semi-balada "In Over my Head" con teclado a lo Edward Van Halen llevado por Glaze y la mítica "Heavy Metal Rules", una que debería figurar entre esos inolvidables temas que los grupos de los '80 de la misma pasta hacían para reivindicar una y otra vez que estaban orgullosos de hacer el mejor género del mundo, que era el que ellos hacían (porque si Judas Priest tuvieron su "Metal Gods", TT Quick su "Metal of Honor" y ACCEPT su "Metal Heart"...¿por qué Pantera iban a ser menos?) y que servían para que sus acérrimos y jóvenes fans levantaran los puños y gritaran sus estribillos cuando eran interpretados en directo por esos músicos, que sonreían al ver que sus esfuerzos para calar entre las masas no habían sido en vano (...benditos años).

        -Y ya en otro plano más suave y comercial nos encontramos con las baladas que no podían faltar y que sacaban el lado sensible de los integrantes, que son "Only a Heartbeat Away", con Glaze sonando a lo David L. Roth en los primeros 40 segundos y una atmósfera más densa y la que cerraba el disco, y una de mis favoritas de todo el amplio abanico que tiene este género, "Takin' my Life", con una base rítmica redundante sin llegar a cansar, unos suaves teclados y coros que envuelven el ambiente y un precioso, y a la vez potente solo, que se repetía a mitad y al final del tema para darle un carácter más épico que sentimental a la canción.



Con este variado y colorido muestrario y con la portada tan clásicamente "metálica" que les dibujó Mario Aguirre Pantera empezaban a marcar su seña de identidad sin dejar de lado sus influencias más cercanas, siguiendo con una prometedora carrera en el mundo de la música y dando la bienvenida a Phil Anselmo en 1.987 tras despedir a Terry Glaze, ya que éste siempre se inclinaba hacia tendencias más comerciales cuando a los chicos de la banda les dio por seguir una senda más dura al querer explotar el filón musical que grupos como Megadeth o Metallica empezaban a extender y que gustaba tanto a los jóvenes del momento. Pero por entonces eran sólo cuatro muchachos de Texas que empezaban a ver su sueño hecho realidad, que era el de pasar de fans a músicos y el de querer hacerse un hueco entre todos los nombres que abarrotaban el negocio en esos años.

Así que no hay que olvidar que estos tejanos no empezaron con "Cowboys from Hell"; que no fue su debut, aunque ellos mismos lo califican como su debut oficial; que mucho antes de que se pusieran los pantalones vaqueros hasta las rodillas y ese aspecto tan alternativo iban con melenas cardadas, llamativos atuendos de cuero, muñequeras de pinchos, cinturones de pirámides y otras esperpénticas parafernalias que estaban en el ABC del buen músico del "heavy metal" sobre cómo vestir adecuadamente para la ocasión. Seguro que Dimebag también se sentía orgulloso de esta primera etapa ochentera de la banda.

Pero lo que es seguro es que este hombre tiene que tener el Valhalla a sus pies a golpe de guitarra. Así que...
R.I.P., Diamond Darrell.





Temas
01 - All Over Tonite (00:00)
02 - Out For Blood (03:34)
03 - Blue Lite Turnin' Red (06:43)
04 - Like Fire (08:20)
05 - In Over My Head (12:20)
06 - Projects In The Jungle (16:14)
07 - Heavy Metal Rules! (19:20)
08 - Heartbeat Away (23:37)
09 - Killers (27:33)
10 - Takin' My Life (31:02)

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