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Ensayos sobre un sonido (EM): WOLFGANG BOCK - Cycles 1979 (Colaboración J.J. Iglesias)

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Entramos en el territorio de los Shulzes/Froeses "marca hacendado". No lo digo en plan peyorativo, yo soy uno de ellos! Es simplemente una reacción dentro del negocio musical que lleva ocurriendo desde los primeros tiempos del rock'n'roll. Sale alguien novedoso, pega fuerte, e inmediatamente después viene el pelotón con más o menos talento. Siempre hay alguien que llega el último a la meta. Wolfgang Bock editó esta joya de la EM en 1.980, un poco tarde ya para hablar de un apuntado al boom cosmic kraut. Y escuchando su obra te crees perfectamente su propuesta. Su único álbum salió con el sello Telefunken.Rumores hablan de que iba a hacerlo en el sello IC de Klaus Shulze. De hecho, está producido por él. Pero por mosqueos de última hora no fue posible. También la daliniana portada está hecha por el brillante pintor Urs Amann, creador del arte de Timewind, Blackdance y otras de Shulze.


El disco se distribuye, como era habitual por entonces, en una pieza larga en la primera cara, "Cycles" (18:49). Y cuatro más cortas en la segunda. Esta pieza-título es muy asequible, a pesar de su densidad. Totalmente schulziana, por momentos me recuerda al score de "Twin Peaks". Se incluye batería " de verdad" al modo que El Padre de Todos hizo con Harald Grosskopf. En "Cycles" está Brad Howell, mientras que en la cara B es Herk Hobb el batería. Esto añade fuerza y dinamismo al arsenalanalógico de Bock. El cual usa con profusión el Roland Module System. Una gozada para los sentidos. Si bien "Cycles" es una soberbia pieza de puro Berlin School, me parece errático darle todo el merito del disco, como he leído por ahí.

 Su cara B es igualmente fabulosa. Los casi 8 minutos de "Robsai Patrs I - II" exiben excelentes líneas melódicas, siempre sustentadas por batería orgánica y efectos electrónicos muy imaginativos. Su exposición final con sonido de órgano catedralicío la hace majestuosa. "Changes" (4:42) tiene similitudes con paisajes de "Ommadawn" o "Hergest Ridge" de Mike Oldfield, cuando éste era un músico a tener en cuenta. Mientras que la final  "Stop the World" (10:43), se convierte en mi favorita, por ese aura space rock british que la emparenta más con Tim Blake/Hawkwind que con la escuela berlinesa. Dando aire fesco y variedad a un gran disco de prog electrónico. También cuenta con un grandioso final a base de corales de monjes mellotrónicos, y campanas de iglesia deconstruídas sónicamente. Grabado en Panne Paulsen Studio de Frankfurt por el susodicho Shulze, éste es otro disco de culto dentro de la kosmische musik. Posteriormente Wolfgang Bock se dedicó a hacer música para films y televisión. Ponlo al lado del "Departure from the Northern Wastelands" de Michael Höning. Pronto por estas wastelands rockliquianas.





Temas
A Cycles 
B1 Robsai Part 1 
B2 Robsai Part 2 
B3 Changes 
B4 Stop The World 

Formación
Wolfgang Bock: teclados
Brad Howell (tracks: B1 to B4): batería
Herk Hobb (tracks: A): batería



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Los teclistas del rock: RAY MANZAREK

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Una semana más voy a intentar contaros la vida y obra de un teclista que según mi criterio debe estar en la lista de los mejores. Quizás no haya demostrado ser un virtuoso, aunque lo sea, pero lo que sí consiguió es tener un sonido propio característico y totalmente reconocible. Muchos teclistas de gran talento no llegan a tener su propio sonido pero Ray lo tenía y cualquier persona medianamente puesta en la música es capaz de reconocerlo. Lo cierto es que no viví la época dorada de Manzarek  (65- 73), yo era muy joven, y lo descubrí años más  tarde cuando me compré “Absolutely Live”. Siempre he pensado que la sombra de Jim Morrison fue muy alargada y tapaba la genialidad de los grandes músicos que tenía en el grupo.



Raymond Manzarek nació en 1.939 en Chicago y a muy temprana edad sus padres comenzaron a darle clases de piano. A pesar de que sus primeras inquietudes eran deportivas siguió estudiando hasta obtener una titulación en economía. Durante su adolescencia descubrió el jazz y el blues cambiándole notablemente la forma de tocar el piano. En 1.962 se traslada a Los Ángeles para matricularse en la Universidad de California y cursar estudios de cinematografía, curiosamente en esa universidad también estudiaba Jim Morrison.  Durante ese periodo Ray tenía un grupo junto a sus hermanos llamado “Rick and the Ravens”.  Cuenta la leyenda que Ray y Jim fundaron “The Doors” tras un encuentro transcendental que tuvieron en la Venice Beach.  La primera formación de The Doors estaba formada por miembros del grupo de Manzarek junto a Jim Morrison y al batería John Densmore pero pronto la banda se reformó con la entrada del guitarrista Robby Krieger. Una de las singularidades del grupo es que no tenían bajista  y ese hueco lo cubría Manzarek con su peculiar piano Fender Rhodes. La banda es contratada para amenizar la noche en el Whisky a Go Go y allí es donde el presidente  de la compañía discográfica Elektra los vio actuar y tuvo clara el futuro de la banda.



En 1.967 editan su primer disco “The Doors” conteniendo temas que habían estado tocando durante varios años y que se convertirían en grandes éxitos del grupo, “ Break  on Throught”, “Alabama Song”, “Light my Fire”, “The End”, etc. Dada la rebeldía que manifestaba Jim Morrison, pronto se hizo muy popular entre los jóvenes llegándose a convertir en un verdadero icono juvenil. La fama del grupo iba en aumento  y no solo por su música, las actuaciones de Jim, tanto en los conciertos como en la televisión, estaban cargadas de rebeldía ocasionándole múltiples altercados y problemas con la justicia.





 Su segundo disco, “Strange Day”, llegó ese mismo año y a pesar de la notable calidad de sus temas no obtuvo el éxito de ventas esperado. En la grabación la banda incluía “Moonlight Drive”, un viejo tema compuesto por Jim. La fama del grupo estaba en su punto más alto y las drogas y el alcohol potenciaban el carácter de Morrison ocasionando numerosos escándalos en sus actuaciones. 


Con ese ambiente llega su tercer disco, “Waiting for the Sun”, que alcanza el número uno en las listas con temas como “Hello, I loveYou” o “The Unknown Soldier”. En 1.968 el grupo realiza una serie de conciertos por Europa incluyendo un show en Amsterdan sin Jim Morrison debido a problemas con las drogas.

A pesar del gran éxito del grupo 1.969 fue un año difícil para el grupo debido al incidente ocurrido en el Dinner Key Auditorium de Miami, Morrison perdió el control y fue detenido por provocar diversos incidentes y enseñar su miembro viril al público. Todo esto supuso un gran daño para la banda pero a su vez fue un punto de inflexión para Morrison que se mantuvo más moderado en sus actuaciones dejando más espacio al grupo.


 En Julio de ese mismo año editan “The Soft Parade” un disco con múltiples dificultades en su grabación debido a los excesos con el alcohol de Morrison. A nivel musical el disco contiene un gran número de temas compuestos por Krieger  con algunos arreglos de instrumentos de cuerda y viento que dulcificaban su sonido.



Cuando todo el mundo pensaba que el grupo estaba en fase descendente, editan “Morrison Hotel” (1.969) volviendo a sus orígenes con un sonido más duro y con aires blues. Aquí podemos encontrar uno de mis temas favoritos de la banda, “Roadhouse Blues”, versioneado en múltiples ocasiones.



Con continuación de su éxito actúan en el Festival de la isla de Wight junto a Jimmi Hendrix, The Who, Jethro Tull, etc.  Y editan su primer disco en directo, “Absolutely Live” (1.970).Los problemas de Morrison con la justicia continuaban llegando a ser condenado a ocho meses, sentencia que no cumplió al ser recurrida. La última actuación de The Doors fue en diciembre de 1.970 con un Jim Morrison muy deteriorado físicamente. 


En abril de 1.971 editan “L.A. Woman”, último disco con Jim ya que moriría tres meses después. El disco está cargado de temas con acento blusero estacando la canción que da título al LP.



Tras la muerte de Morrison el grupo estuvo durante algún tiempo buscando cantantes hablándose incluso de la posibilidad de fichar a Iggy Pop, pero finalmente la banda descarto la idea y siguieron adelante como trío. Personalmente pienso que fue un error, la losa de Morrison eran demasiado grande y pesada  y debieron disolver la banda. En este periodo editaron dos discos, “Other Voices” (1.971) y “Full Circle” (1.972), grabaciones bastante mediocres que solo se salvan en algunos momentos por el buen hacer instrumental de Manzarek y Krieger, pero sus voces,  sobre todo la del guitarrista, no llegan a la altura deseada. La separación del grupo se produjo en 1.973.








Para casi todo el mundo después de la Muerte de Morrison la carrera musical de Manzarek cayó en el olvido. Nosotros vamos a intentar rescatarla:

-“The Golden Scarab” (1.973), primer disco en solitario de Manzarek, se hace acompañar por Larry Carlton (Guitarra), Jerry Scheff (bajo) y Tony Williams (batería). Buen jazz rock combinado con ritmos exóticos caribeños.


-“The Whole  Thing Started with Rock & Roll Now It´s Out of Control” (1.974), aparecen en los créditos Joe Walsh y Patti Smith. El disco es  muy irregular.



-“Carmina Burana” (1.984), es la adaptación de la obra clásica de Carf Off para ser tocada por una banda de jazz rock. Ayudado por Phillip Glass y utilizando como director de orquesta Michael Riesman.



A parte de estos discos también fue el director y compositor de la película “Love Her Mandy” (2.006). Realizó colaboraciones con diversos artistas tales como Iggy Pop, Michael McClure, Darryl Lee y editó dos discos con el guitarrista Roy Rogers, “Ballads Before the Rain” (2.008) y “Translucent Blues” (2.011).  Durante algún tiempo formó parte del grupo Nite City llegando a grabar dos discos “Nite City” (1.977) y “Golden Days Diamond Night” (1.978). Oro de sus proyectos fue producir a la banda The X.


En 2.002 decidió revivir a  The Doors reuniéndose con Krieger y Ian Astbury formando “The Doors of the 21st Century” que por problemas legales pasaron a llamarse “Riders on the Storm”.  Finalmente en mayo de 2.013 moría a causa de un cáncer hepático.


Para terminar que mejor que en una actuación del 68:







Os recuerdo que todos podéis participar en esta sección (rockliquias@hotmail.com)

Próximos capítulos:

- Don Airey
- Jordan Rudess
- Patrick Moraz
- Eddie Jobson

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DIRTY TRICKS - Hit & Run 1.977 (colaboración J.J. Iglesias)

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Recientemente estuve viendo a un nuevo grupo catalán de retro-hard 70's, Imperial Jade, excelentes ellos. Muy Rival Sons. Y luego hablando con su joven cantante le dije que me recordaban poderosamente a Dirty Tricks. El hombre puso cara de circunstancias y me dijo que los investigaría. No sabía el piropo que les había echado. Estos ingleses tuvieron todos los ases y aun así perdieron la mano de la fortuna. La fama, aunque a niveles de culto, se les reconoce. Su andadura anterior no era floja, precisamente.



 Desde los finales 60 estuvieron envueltos en bandas, algunas de ellas de renombre coleccionista: Cargo, Susan Rams, Aegis, Renia (atención a estos!), The Goose FayreShow, los también conocidos SAm Apple Pie, Blackfeather, Dingoes o Ariel. Ellos eran Kenny Stewart a la portentosa e inimitable voz (este tío era el sonido de la banda). John Fraser Binnie, guitarra solista. Terry Horbury al bajo. Y John Lee, batería. Polydor se fija en ellos, y les ficha. Graban tres carnosos álbumes de hard rock blues. Una versión un poco más heavy de Bad Company / Led Zeppelin. Los imprescindibles "Dirty Tricks" (1.975), "Night Man" (1.976) y el que nos ocupa, "Hit & Run" (1.977). 


Mi favorito por razones personales. Cuando en los 70 me pasaba la vida grabando cosas de la radio, (era el internet de la época, lo creáis o no, ponían programas increíbles, y en las FM caras de LP enteras!!). Grabé un desconocido tema que me volvía absolutamente loco. Saltaba por los sillones haciendo air-guitar y me cagaba en todos los parientes del presentador que no dijo quién cojones eran. Después de muchos años, descubrí que la puñetera canción era "Get out on the Street", segundo corte del "Hit & Run" de Dirty Tricks. Aun hoy me pone los pelos como escarpias (pero no salto por los sillones). Un ritmo trotón, una voz salida de los llameantes parajes del universo de Dante. Una guitarra deseando abrirse paso, hasta que lo consigue con un solo in crescendo que te electriza y te dan ganas de invadir Polonia. Antes de eso, hay un break tribal-salvaje y la sección de ritmo sostiene con mala leche caustica. Y eso, solo en un tema. Jodo. Habían cambiado de batería para este álbum, siendo Andy Beirne el nuevo baquetas, que después se uniría a Grand Prix.
Curiosamente el guitarra formaría Rogue Male, y el bajista en Vardis ( y luego en los extraordinarios psych-hendrix-hard, Outskirts of Infinity). Eso os da idea de que el puente entre le hard rock blues 70's y la inminente llegada de la NWOBHM estaba encarnada en este grupo. 



La selección de temas es sublime. El tema-título no separece a nadie. Luego ese "Got out on the Street" que habré pinchado en radios, bares, conciertos... hasta la saciedad. Siempre con el ¿qué es eso? de alguien, je je...
"The Gambler" se adelanta unos añicos a The Frim, con más adecuada producción yaptitud, (y un final estilo "Starway to Heaven"). ·Road to Deriabah" es el descarado "Kashmir" de la banda, con tímidos teclados. "I've had these dreams before" son unos The Who con efectos guitarreros ambientales. "Walkin' Tall" y "Last Night to Freedom" me recuerdadn al lado prog de Golden Earring. Y "Lost in the Past" podría se el primer Ozzy Osbourne en solitario. De hecho, Dirty Tricks fueron su primer Blizzard of Oz!!!. Pero tuvo que emigrar a USA por culpa del british Montoro, conoció a RAndy Rhoads, y a los Tricks se les jodió el invento. Los tres álbumes estan, (o estaban), reeditados en cd con bonus live. En el caso del "Hit & Run", una versión del "You really got me" adelantándose un año a Van Halen. Y el susodicho "Get out on the Street". Vale... Adorables!!!




Temas

1 Hit And Run 00:00 
2 Get Out On The Street    03:21 
3 The Gambler  09:12
4 Road To Deriabah 14:38 
5 I've Had These Dreams Before 18:52 
6 Walkin' Tall 25:14 
7 Last Night Of Freedom 29:04 
8 Lost In The Past 33:00

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JETHRO TULL - Storm Watch 1.979 (colaboración Christian Jiménez)

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Por encima del "Aqualung", del "Thick As a Brick" y del "Minstrel in the Gallery" no se puede poner ningún álbum de Jethro Tull, pero el arrollador "Storm Watch" les sigue muy de cerca.


Será la temática del deterioro del medio ambiente, y ese aviso del peligro que nos alcanzaría si no cuidamos el planeta que nos lanzó nuestro trovador de Dunfermline; serían esos sonidos afilados, rígidos y fríos de las guitarras o esa atmósfera amenazante y sombría que envuelve al álbum y que ningún otro disco del grupo tiene; o tal vez sería que fue el primer álbum de Tull que cayó en mis manos, pero...¡qué demonios!, fue, es y será el que más me guste de su discografía de los '70.

Y es que este trabajo tiene algo más: fue el que marcó el fin de una época gloriosa y muy fructífera para dar paso a los dañinos '80 y a ese condenado "A" (que a mí me gusta, pero que podría haber estado muchíiiiisimo mejor).


Se da un distanciamiento total de los anteriores "Songs From the Wood" y "Heavy Horses" para crear una maravilla con la que Anderson sorprendió tanto a crítica como a público; quizás por eso este último no respondió de la misma forma, que rechazó un poco el disco, acostumbrado ya a los anteriores...en fin...

No obstante se conforma un LP de magnífica facturación, con un inicio duro y sencillo que es "North Sea Oil". Después de eso lo que cabe destacar por encima de todo son las épicas "Dark Ages", que es una de las mejores y más "heavies" canciones que ha grabado el Sr. Anderson, y la originalísima mezcla de "blues", "folk" y "rock""Flying Dutchman", donde sobresalen esos lametazos de flauta que sólo Anderson sabe pegar para coronar una sobresaliente composición.


Lo demás es un conjunto de buenísimas canciones como aquellas "rockeras" y enérgicas "A Stitch in Time", "Kelpie" o "Something's On the Move", las evocadoras y más suaves "Orion" y "Old Ghosts" y las preciosas "Home", una de las favoritas de Anderson y razón no le falta al hombre; una perla acústica que desprende tranquilidad, paz y mucha nostalgia, y, por supuesto, el segundo tema instrumental del disco, "Elegy", compuesta por David Palmer, que es una canción emotiva, delicada, y sensible en extremo; de hecho emociona cada vez que se oye (da igual la de veces que se haya escuchado).

Una portada impactante pone la guinda a este suculento pastel, que yo creo que hará las delicias de cualquier fan de Jethro Tull que sepa apreciarlo, teniendo más allá de sus miras, eso sí, los discos de los que siempre habla todo el mundo.

En resumen, que hay que escucharlo, sí o sí.




Temas
1. "North Sea Oil" 00:00
2. "Orion" 03:12
3. "Home" 07:10
4. "Dark Ages" 09:56
5. "Warm Sporran" (instrumental) 19:09
6. "Something's on the Move" 22:42
7. "Old Ghosts" 27:10
8. "Dun Ringill" 31:33
9. "Flying Dutchman" 34:14
10. "Elegy" (instrumental) 42:00

Formación
Ian Anderson: voz solista, voces, flauta, guitarra acústica y bajo.
Martin Barre: guitarra eléctrica, mandolina y guitarra clásica.
Barriemore Barlow: batería y percusión.
John Evan: Piano y órgano.
David Palmer: Sintetizadores, teclado electrónico y arreglos orquestales.
John Glascock: bajo en "Flying Dutchman", "Orion" y "Elegy".
Francis Wilson: voz en off.

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Rock Progresivo Español.Rompiendo la oscuridad: MEDITERRANEO (colaboración de Félix Jota)

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Nacen en Alicante a principios de los 70 como septeto y con el nombre de “Huevo Frito”, al amparo del cantante Víctor Carratalá. El grupo se reordena en 1975, pasando a llamarse “Mandrágora”, haciendo diversas actuaciones por todo el territorio levantino, versionando clásicos del rock. El sello “Aphrodita” se fija en ellos y les invita a tocar en la Discoteca II Paradiso junto a Costablanca, que acababan de sacar disco al mercado. A partir de ahí empiezan a tener cierto protagonismo y deciden meterse de lleno en la grabación de lo que será su primer plástico, “Estrechas calles de Santa Cruz”, ya con el definitivo nombre de Mediterráneo y como quinteto. Esto es en los primeros días de un mes de Marzo de 1978, en los Estudios Musigrama.


  La Cara A se abre con el tema que da título al disco, el más sinfónico y que cuenta con la colaboración del pianista de Geyser  Cayetano Lorenzo “Tano”. Tremendas guitarras y buena voz de Víctor en 9 minutos tremendos, con un final espectacular a cargo de la guitarra eléctrica y el piano. “Mediterráneo” comienza suavemente, con guitarras melancólicas que dan paso al jazz sinfónico y latino, con letras que evocan al Mar Mediterráneo. Y para terminar esta Cara el tema mas corto y romántico, “En mi”, destacando la guitarra solista.


  La Cara B comienza con los aires jazzísticos de “Mandrágora”, destacando la parte instrumental del final y le sigue “Rollo atómico”, el tema más largo, con un solo de batería brillante, sin menospreciar a las guitarras y teclados. Fin perfecto para un disco “redondo”.

  En 1979 fichan por Chapa y editan “Tabarca”, no tan brillante como su antecesor, pero todavía válido para el género que nos ocupa. Como el tema sinfónico que da título al disco, el más largo. Y el buen instrumental “Noche de boda”. Sus siguientes trabajos estaban mas orientados a la movida ochentera, llegando a figurar en varias listas de éxitos de la época con el “hit” Nº1 en USA.

  Decir también que “Estrechas calles de Santa Cruz” y “Tabarca” no se han reeditado en Cd. A ver cuando se animan, que ya toca.

COMPONENTES:
VICTOR CARRATALÁ: Voz y Moog
ALFONSO LINARES: Batería
JUANELE GUIJARRO: Bajo
PEDRO JIMÉNEZ: Guitarra
PEPE REY: Guitarra
CAYETANO LORENZO “TANO”: Piano
LUIS ANDRÉS HERNÁNDEZ: Teclados en “Tabarca”
GINO PAVONE: Percusión en “Tabarca”

DISCOGRAFÍA (Seleccionada) :

Estrechas Calles de Santa Cruz (Aphrodita 1978 Ref. AP-2001)


Temas
1.- Estrechas calles de Santa Cruz
2.- Mediterráneo
3.- En mí
4.- Mandrágora
5.- Rollo atómico

Tabarca (Chapa Discos 1979 Ref. HS-35025 Serdisco 1983 Ref. LM-1036)


Temas
1. Tabarca
2. No, no, no
3. Auto de la marcha
4. Noche de boda
5. Arco iris
6. Nada nuevo
7. Miopia
8. Altea



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ANYONE'S DAUGHTER - Adonis (1979) (Colaboración Juan Carlos Rustarazo Vicente)

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Magnífico debut de estos alemanes cuyas letras unas veces eran en su lengua de origen y otras en inglés. Este primer lp es ya un plato fuerte a degustar sobresaliendo por encima de todo la canción que da título al álbum dividida en 4 partes que ocupan toda la 1º cara. En ella nos contarán una estroboscópica y ensoñadora historia sobre el dios griego.



Aunque se encuentran todavía en los 70, la producción de su sonido se acerca a lo que serán los años 80 para este estilo.

La música de "la hija de nadie" se caracteriza por unos desarrollos instrumentales muy sinfónicos y cargados de sentimiento rodeados de atmósferas etéreas y cristalinas,  gracias al sonido de las guitarras que son limpias, sin atisbo ninguno de "hard" a lo largo de todo el disco. Y os aseguro que no se echa en falta.


Músicos bien formados y compenetrados. Canciones con evoluciones complejas, muy bien compuestas, melodías excelentes y perfectamente ejecutadas. Tal vez la voz desmerezca un poco al ser bastante lineal y falta de emotividad.

Rock sinfónico de altura. En algunas ocasiones recuerda a los adorados "Camel". No tienen desperdicio. Si no los conoces, no te retrases en hacerlo.



Temas
1. 00:00:00 Anyone's Daughter Adonis Part I: Come Away
2. 00:07:50 Anyone's Daughter Adonis Part II: The Disguise
3. 00:11:19 Anyone's Daughter Adonis Part III: Adonis
4. 00:19:09 Anyone's Daughter Adonis Part IV: Epitaph
5. 00:24:20 Anyone's Daughter Blue House
6. 00:31:43 Anyone's Daughter Sally
7. 00:36:06 Anyone's Daughter Anyone's Daughter
8. 00:45:22 Anyone's Daughter The Taker (previously unreleased title - live in Schorndorf 1977)
9. 00:54:32 Anyone's Daughter The Warship (previously unreleased title - live in Schorndorf 1977)

Formación
Harald Bareth............Bajo, voz lider
Uwe Karpa.................Guitarra acústica y eléctrica
Kono Konopik...........batería
Matthias Ulmer ..............Teclados, voz

PD: Nuestro amigo Juan Carlos Rustarazo tiene un magnífico blog, Las tierras altas del progresivo, que os invito a visitar. Gracias Juan Carlos por tu colaboración

Por cierto os recuerdo que ese pequeño gesto que es pinchar en 
es muy importante para que el blog continue. El blog es posible gracias a vosotros.

Ensayos sobre un sonido (EM): ZANOV - Green Ray 1.977 (colaboración J.J. Iglesias)

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Después de  cinco entradas de nuestros "Ensayos" pertenecientes al país donde todo comenzó, Alemania, es hora de ver los resultados que la kosmische musik provocó en otros sitios. Sin duda, fue Francia el bastión más fuerte después de los bávaros. De allí pertenece nuestro enigmático personaje. Un "producto" de una época que desapareció sin dejar rastro en los primeros 80. Como abducido por su propia música. Pierre Slakazanov, descendiente de padre ruso, fue todo un héroe de estas músicas. Mira, se puede ser sintetista en la actualidad con un ordenador decente o cualquier teclado, y grabarte tu disco en tu cuarto de estar. Pero no era así en los 70. De hecho, era un "vicio" caro como el demonio. Cualquier sinte o accesorio valía una fortuna, y si nos vamos a los modulares, como una casa, el coche, el perro y la mujer. También era música minoritaria (vale, también ahora), así que el desembolso no te garantizaba para nada su amortización. Tenías que estar muy seguro, muy loco o ambas cosas. Todo "by the face, man"! Por amor al arte.



 Pierre comenzó como guitarrista en los 60 en Les Ambassadors, unos clones de The Shadows de los muchos que había en todo el mundo. Pero este inquieto hombre, currante de ingeniero de computadoras cuando iban a pedales, intuía que algo gordo se estaba gestando con ellas a nivel musical. Durante un viaje a Londres conoce al sintetista francés Serge Ramses en una tienda de sintes. La química se produce y éste le descubre todo un universo nuevo (como él sospechaba). Gracias a Ramses escucha a Schulze y Tangerine Dream. "Ricochet" le abre las puertas de la percepción electrónica. Hace jams en casa de Ramses, que no era una piramide, pero a él se lo parece! Loco por el tema, en 1.975 compra el EMS VCS3 (pequeño pero matón) y el duofónico EMS DK2. Una grabadora 4 pistas y un mezclador, todo de la marca TEAC. Nuestro hombre ya tiene su humilde estudio, no sin dejarse un pastón. Comienza a mover maquetas, hasta que consigue un contacto con Polydor, en Diciembre del 76. Por entonces la escena francesa ya era un hervidero de visionarios. No solo Jean Michel Jarre; Didier Bocquet, Richard Bimat, el propio Serge Ramses, Frederic Mercier, Richard Pihas/Heldon, Joel Fajarman, Space Art o toda la escudería del sello EGG (qué nostálgicos recuerdos me trae ese catálogo!). Además de Tim Blake, que aunque inglés y miembro de Gong, residía en Francia.



 En el 77 edita por fin su tremendo debut, "Green Ray". Un ejercicio titánico, dados los pocos medios del ahora rebautizado Zanov, por entrar en el universo berlinés con un producto a la altura. Lo consigue. Sus tres únicos temas: "Green Ray" , "Machine Desperation" y "Running Beyond a Dream", son dignos descendientes de sus amados T.D. Acercándose a sus logros con un equipo "de juguete". Comparado con la enormidad tecnológica que exhibían los maestros teutones. Las formas cósmicas fluyen en un torrente de ideas que lo acercan al "Cristal Machine" de Tim Blake. Existencialismo electrónico nada artificial. Tras las buenas críticas, adquiere eufórico el secuenciador ARP sequencer 1613 y el semi-modular ARP 2600, todo un clásico. Presenta "Green Ray" en la sala parisina Laser Olympia con un ballet de danza contemporánea, efectos luminotécnicos y diapositivas marcianas. Se embarca "a lo loco" en una gira que tiene que abandonar a mitad. El "yo me lo guiso" no funciona por falta de logística. Eso sí, cumple el sueño de tocar en el Planetario del Palais de la Decouverte, como antes habían hecho sus ídolos alemanes en Berlín. En el 77 compra el raro RMI Harmonic Synthesizer, popularizado por J.M. Jarré en "Oxigene". En el 78 sale otra joya, "Moebius 256 301". Pero por mosqueos con Polydor solo se editan 3.000 copias. Su seguimiento, "In Course of Time", saldrá en 1.982 en la independiente Les Disques Solaris. Fuera de tiempo. Pues había sido concebido en el 78. Frustrado con la industria y sus mamoneos, abandona. Desarrollando su carrera como ingeniero informático, hasta su jubilación. Ahora, libre de presiones, vuelve a la vida artística con "Virtual Future" (2.014), rodeado de programas virtuales marca Arturia (cojonudos!). Material del perido 79-85. Piensa reeditar sus tres discos de los 70 entre este año y el que viene, como se merecen. Bienvenido a nuestras vidas Mr. Zanov

P.D. Gracias por la info al magnífico blog AUDIONAUTAS. Masters!!!




Temas
1. Green Ray (0:00)
2. Machine Desperation (9:42)
3. Running Beyond A Dream (19:42)

Zanov (Pierre Zalkazanov) - teclados



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Los teclistas del rock: DON AIREY

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Hola amigos, en el capítulo de hoy vamos a hablar de un auténtico trotamundos, un teclista que a lo largo de su historia ha pasado por múltiples formaciones y en todas ellas ha dejado su huella. Don Airey es uno de los teclistas más queridos y reputados dentro del mundillo musical, desde 1.974 lleva colaborando con multitud de grupos. Algunas de sus más ilustres participaciones han sido en grupos como Rainbow,  Black Sabbath, Whitesnake, Gary Moore, Colosseum II,  Thin Lizzy, Ozzy Osbourne, Wishbone Ash,  Michael Schenker,  Deep Purple y así podríamos estar un largo rato enumerando sus colaboraciones. Mi primer contacto con el teclista  fue cuando compré “Electric Savage” de Colosseum II, recomiendo a todo el mundo la escucha del tema “The Schord”, la intro y los duelos con Gary Moore son auténticamente increíbles.  Posteriormente su  participación en Rainbow y su memorable “Difficult to Cure” le forjaron una gran reputación. La última vez que tuve la oportunidad de verlo fue con Deep Purple en Murcia y tengo que decir que no estuvo muy fino, su actuación se basó fundamentalmente en hacer mucho ruido y pocas nueces, como se suele decir.


Hoy no voy a meteros el rollo sobre  su vida simplemente analizaremos un poco su obra en solitario, que no es mucha, y nombraremos algunas de sus más sonadas colaboraciones.
En cuanto a su discografía los discos que ha editado hasta la fecha son:




-“K2” (1.988), parece increíble que un personaje que lleva desde el 71 dando guerra haya tardado tanto tiempo en editar su primer disco. Para la ocasión se reunió con un buen grupo de amigos: Gary Moore, Mel Galley, Laurence Cottle, Keith Airey, Colin Blunstone, Genki  Hitomi y Gordon Honeycombe como narrador. El disco es una obra conceptual que trata sobre la dureza  de la mítica montaña. En cuanto a la música la podríamos definir como un rock sinfónico con algunos tintes hard.
 


-“A Light In The Sky” (2.008), pasan veinte años desde su anterior trabajo esta vez para tratar uno de sus temas favoritos, el espacio exterior.  A Don siempre le ha gustado la astronomía y el universo y en este trabajo intenta plasmar sus sentimientos al respecto. Acompañado por Laurence Cottle y  Chris Childs al bajo, Darrin Mooney y Harry James a la batería, Rob Harris a la guitarra, Danny Bowes y Carl Sentance cantando y Lidia Baich. Don Airey mezcla sabiamente  hard rock, sinfónico, jazz, progresivo, géneros que conoce a la perfección después de años de carrera. Temas destacados los instrumentales “”Pale Blue Dot “y “Big Crunch”.
 


-“All Out” (2.011), este quizás sea el disco que más me gusta de Don, acompañado por dos grandes guitarristas, Joe Bonamassa y Bernie Masden, y por los habituales en sus trabajos anteriores (Harris, Airey,Mooney, etc). El sonido es muy cercano a sus trabajos con Rainbow o Deep Purple mezclado con pinceladas progresivas como en “Estancia” cargada de Hammond. Como curiosidad la cover del tema “Fire” de Hendrix.
 

-“Keyed Up” (2.014),  recién salido del horno  y con la presencia estelar de Gary Moore, si  el gran Gary, se rescataron algunos punteos del gran maestro  y alrededor de ellos se construyeron dos temas “Mini Suite “y   “Adagio”. Los músicos son los habituales en los proyectos de Airey reforzados por Graham Bonnet, Simon Macbride, Alex Meadows y Tim Goddver. El bueno de Don Airey recuerda su pasado en Rainbow con una nueva versión de “Difficult to Cure”. Un disco muy recomendable.

Por último vamos a nombrar algunas de las participaciones más destacadas de Don Airey:
Con Cozy Powell
-“Over the Top” (1.979)
-“Tilt” (1.981)

Con  Colosseum II
-“Strange New Flesh” (1.976)
-“Electric Savage” (1.977)
-“War Dance” (1.977)

Con Rainbow
-“Down to Earth” (1.979)
-“Difficult to Cure” (1.981)
-“Finyl Vinyl” (1.986)

Con Ozzy Osbourne
-“Blizzard of Ozz” (1.980)
-“Bark at the Moon” (1.983)

Con Michael Schenker
-“The Michael Schenker Group” (1.980)
-“In the Midst of Beauty” (2.008)
-“Temple of Rock” (2.011)

Con Gary Moore
-“Back on the Streets” (1.979)
-“Corridors of Power” (1.982)
-“Dirty Fingers” (1.983)
-“Rockin´Every Night” (1.983)
-“Run for Cover” (1.985)
-“After the War” (1.989)
-“Still got the blues” (1.990)
-“Old New Ballads Blues” (2.006)

Con Deep Purple
-“Bananas” (2.003)
-“Rapture the Deep” (2.005)
-“They All Came Down the Montreux” (2.007)
-“Live at Montreaux” (2.011)
-“Now What?” (2.013)

Con Living Loud
-“Living Loud” (2.003)
-“Live in Sydney” (2.004)

y por último se me olvidaba, me lo ha recordado J.J. Iglesias, su colaboración con:
Los Pecos
-"Un par de corazones"

Como ya he comentado al iniciar el artículo Don Airey ha participado en más de treinta proyectos diferentes que os invitó a descubrir por vosotros mismos. Saludos y hasta  la próxima.





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Próximos capítulos:

- Jordan Rudess
- Patrick Moraz
- Eddie Jobson

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Rockliquias Actual: Theo Travis' Double Talk - Transgression 2.015 (colaboración J.J. Iglesias)

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MI DISCO DEL AÑO 2.015
Porque como dijo Jeanette, soy rebelde porque el mundo me ha hecho así, me paso por el forro por una vez la filosofía Rockliquiana y os comento mi disco favorito de este año. Nuevo y calentito de fábrica. Y de paso hago honor al título del mismo, instando a los demás colaboradores a que me sigan. Borrando falsas suposiciones, en el caso de que las haya, de que solo escuchamos música viejuna y somos unos nostálgicos. En mi caso, para nada. 


Así que allí voy: Theo Travis es un saxo (casi siempre tenor), flauta y clarinete que ha ido escalando poco a poco los más altos niveles de la escena. Año tras año, paso a paso. He tenido la suerte de verlo en directo dos veces, con Porcupine Tree y Gong. Palabras mayores. También ha hecho cosas con The Tangent (de lo mejor en prog de los últimos años), Robert Fripp, Bill Nelson , Richard Sinclair, No Man, John Fox, David Sylvian, Jade Warroir, Soft Machine Legacy y hasta en el "Meditations" de Uri Geller!! Espero que no le doblara ningún saxo. C.V. impresionante. No me extraña. Su estilo guarda respeto a lo más tradicional de los cánones be-bop. Desde la ortodoxia de Charlie Parker al vanguardismo de John Coltrane. De la elegancia de Mel Collins al progresismo canterburyano de Elton Dean, a quien sustituye ahora en Soft Machine Legacy. A la flauta es un proverbio de sensibilidad y belleza. Double Talk ya ha editado otros discos antes, excelentes. Pero creo que "Transgression" ha puesto el listón muy alto. 



El comienzo de "Fire Mountain" (6:06) es ya eufórico. La guitarra incendiaria de Mike Outram recuerda en técnica y fuerza al Allan Holdsworth del gran "Bundles" de Soft Machine. Idem con el intransigente y protestón saxo de Travis, en línea Karl Jenkins. Y hasta tiene un punto "esquizoide" marca Ian McDonald en King Crimson.

 "Transgression" (12:16) comienza con una picaruela flauta "caravanera", que nos lleva a la engañosa calma de un nostálgico blues. No muy alejado del periodo medio floydiano, como demuestran subliminalmente sus arreglos teclísticos de órgano a lo Wright, por parte de Pete Whittaker (habitual en la John Etheridge Band). Hasta que por el minuto 2:30 se lanzan a un fraseo de puro instinto Camel que te devuelve la esperanza en el ser humano. Travis se desmelena en su saxo homenajeando al desaparecido (y amigo suyo) Dick Heckstall Smith de Colosseum. Volviendo al planteamiento bluesy-Floyd del comienzo. Este corte ya vale el disco. Pero hay más, amigüitos! 

"Smokin' at Klooks" (9:18) es un recuerdo de la infancia de Theo. Su casa paterna estaba al doblar la esquina del famoso garito Klooks Kleek. John Mayall tituló su álbum debut "Live at the Klooks Kleek". Por allí pasaron todos en los 60. Clapton, Hendrix... así que no extraña ese claro ambiente a Fleetwood Mac/Peter Green, el cual tocaba allí asíduamente. Aquí la maravillosa flauta te lleva desde Jeremy Steig a Herbie Mann hasta Thijs Van Leer o Jimmy Hastings. Otra joya. 

"Song for Samuel" (5:32) tiene mucho de los volúmenes 4-5 de Soft Machine. Gran sección rítmica por Nic France (Steven Wilson, David Gilmour, Kate Bush, Robert Wyatt, Allan Holdsworth) en la batería, y los interludios órgano-guitarra en pugna con el saxo. Es el tema más ortodoxo, dentro e lo que es la palabra"jazz". 

"Everything/Feared" (5:35) cuenta con el Fender Rhodes del propio Theo Travis. Ambientación psico-jazzera, flauta lounge y olor a incienso y otras esencias. 

"Maryan" (7:46) es un destacado homenaje al sonido Canterbury, en una versión de Robert Wyatt. Órgano a lo David Sinclair y flauta delicatessen. 

Por si no teníamos suficiente material para el cerebo, "A Place in the Queve" (10:10) es un tema de The Tangent en el que Travis colaboró. Aquí lo lleva a su terreno en una tremenda exposición progresiva. Seguro que Andy Tillison está orgullosa. 

Finalizando, "The Call" (2:55) es una corta pero intensa llamada a la reflexión, en clave floydiana de nuevo. 

Me cuadra totalmente que Theo Travis Double Talk sean los teloneros en la gira europea de David Gilmour. Mezclado y masterizado por Steven Wilson (su "Hand, Cannot Erase" ha sido superado en esta ocasión por su pupilo, en mi opinión), este álbum es de los que ya no se hacen. Fabricación artesanal, buen gusto, inspiración, elegancia, sentimiento... Una obra Maestra atemporal y decididamente recomendada. Mi disco del año, vaya.











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FACES - A Nod is as good as a wink to a blind horse 1.971 (colaboración Christian Jiménez)

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Steve Marriott abandonó a los Small Faces a finales de 1.968 y se uniría a Humble Pie; Ronnie Lane y Kenney Jones contrataron a Ron Wood y Rod Stewart y en 1.969 se formarían los imprescindibles FACES.

En general, sin ahondar mucho, FACES fueron uno de esos grupos de "rock" brillantes, de corte clásico, de sabor añejo, que creaban de la nada perlas de imprescindible valor.
Su discografía sólo cuenta con cinco discos, pero son unos discos absolutamente esenciales para el "rock", se mire por donde se mire.

"First Step" salió en el '70 y, gracias a la presencia de Wood, los caminos que tomaba la banda eran más potentes que la anterior Small Faces. Las influencias de la psicodelia aún están en el aire, aunque lo que destaca es el lado más directo, más comercial y divertido.

"Long Player" cayó al año siguiente. Con este disco, FACES podrían haber dejado por los suelos, y esto no es sólo una opinión personal, a los mismísimos Rolling Stones. Este LP rezumaba calidad, intensidad, energía y un "feeling" arrollador como pocos.


...Y, por fin, llega el álbum que nos ocupa: el maravilloso y fundamental "A Nod is As Good As a Wink, to a Blind Horse".
El secreto residía en que los temas eran "rockeros" al 100% al mismo tiempo que adictivos. Una apuesta por un "rock" vibrante que no te daba un respiro.

El peculiar timbre de voz de Stewart dejó aquí una serie de temas capitales. Temas como la genial introducción "Miss Judy's Farm", de gran fuerza y ritmo incansable, al igual que "That's All you Need" y "Too Bad", de las más fuertes de esta banda. Trallazos que ponen la carne de gallina con la primera escucha.


Pero FACES siempre tenían un lado suave y delicado, como toda banda en aquellos '70, y, cómo no, sus baladas corroboraban ese hecho.

Creo que "Love Lives Here" es una de las más preciosas composiciones que jamás he oído. La melodía del piano de Ian McLagan y la tremenda garganta de Stewart, que aquí daba lo mejor de sí, ponen el listón más alto que nunca. "Debris", cantada por Lane, es otra de las joyas; una semi-acústica perfecta.

Pero si por algo destaca esta pedazo de obra de arte es por la versión de Chuck Berry del "Memphis, Tennessee", una canción de esas que hace que no puedas dejar de mover los pies siguiendo el genial ritmo que contiene, y, por encima de todo, el gran "hit", "Stay with Me", la más recordada y más famosa; puro sentimiento hecho música, señoras y señores, sólo decir eso.


En definitiva, uno de los mejores discos que circularon por la prolífica década de los '70.

Wood entró en los Stones y Stewart realizó otra brillante carrera en solitario, pero quedará el legado de estos genios de la música "rock": "First Step" ('70), "Long Player" ('71), "A Nod is As Good As a Wink, to a Blind Horse", "Ooh!, La La!" ('73) y el directo "Coast to Coast-Overture and Beginners" ('74).

Grandes, muy grandes.
Vale la pena escuchárselo, ¿eh?






Temas
1. "Miss Judy's Farm" (Rod Stewart, Ronnie Wood) - 3:42
2. "You're So Rude" (Ronnie Lane, Ian McLagan) - 3:46
3. "Love Lives Here" (Lane, Stewart, Wood) - 3:09
4. "Last Orders Please" (Lane) - 2:38
5. "Stay with Me" (Stewart, Wood) - 4:42

6. "Debris" (Lane) 4:39
7. "Memphis, Tennessee" Incorrectly titled on original US pressings of the album as simply "Memphis" (Chuck Berry) - 5:31
8. "Too Bad" (Stewart, Wood) - 3:16
9. "That's All You Need" (Stewart, Wood) - 5:05

Formación
ROD STEWART - voz
RONNIE LANE - bajo, guitarra acústica, percusión ,voz
RONNIE WOOD - guitarras, backing vocals on "Too Bad", harmonica
IAN McLAGAN - teclados, backing vocals "Too Bad"
KENNEY JONES - batería
HARRY FOWLER - steel drums on "That's All You Need"

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Rock Progresivo Español.Rompiendo la oscuridad: KHORUS (colaboración de Félix Jota)

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Grupo sevillano y de los más desconocidos del Rock Andaluz. Liderado por los hermanos Carmona, Fernando y Jesús, entraron en los Estudios Playsur para grabar una maqueta que no interesó a ninguna compañía discográfica. Esto fue en 1975, cuando crean el tema “Suite”, con un sonido sinfónico y excelentes guitarras y teclados con improvisaciones varias. Dividido en diez partes y con una duración de mas de 24 minutos.


  Hicieron varios conciertos en directo, y según cuentan sonaban muy bien. Con una gran aceptación por parte de su público. Ese gran trabajo cayó en el olvido hasta que Arabiandrock decide recuperarlo y editarlo en Cd. Esto sería en 2010, después de 35 años!!!. El disco también incluye dos temas grabados en directo en Huelva en 1978. 

  Tras su separación, los dos hermanos Carmona decidieron hacer música más sinfónico-electrónica, montando el proyecto “Bola” en 1979. Se presentan en el Teatro Lope de Vega de Sevilla ese mismo año y luego recorren toda la geografía andaluza. Como pasara con Khorus, su música se quedó sin editar. Parece ser que estaban muy adelantados en esa época y nadie creyó en ellos.

  Fernando crea en 1982 el Grupo Q, después del abandono de su hermano Jesús. Fue uno de los pioneros en el sonido tecno-pop alcanzando un notable éxito con un single grabado para Ariola titulado “La nueva generación”.

FORMACIÓN (KHORUS):
FERNANDO CARMONA: Guitarras
JESÚS CARMONA: Teclados
CARLOS NIETO: Batería
JUAN FALERO: Bajo

DISCOGRAFÍA: 
Suite (Arabiandrock 2010) Referencia ARCD-01





Temas

KHORUS SUITE

1 - Suite
2 - Bonus Track con dos temas en directo en Huelva 1.978:
1072
Dagas flameantes en los horizontes vencidos de Córdoba


FORMACIÓN (BOLA):
FERNANDO CARMONA: Voz, Guitarras y Teclados
JESÚS CARMONA: Voz, Teclados e Instrumentos Electrónicos 
DISCOGRAFÍA:
Bola, Banda Electrónica (Maqueta 1980)






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LESLIE'S MOTEL - Dirty Motel 1.972

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Leslie's Motel adoptaron su nombre de un local de alterne que se encontraba enfrente de donde ensayaban, Su música muy influenciada por  The Allman Brothers desde que algunos de sus miembros vieron actuar a The Allman Joys.


La banda procedía de  Louisville, Kentucky y en el 71 tres miembros de The Oxfords, Richard Bush (teclados), Mike Seibold (guitarra) y  Bill Tullis (voz, guitarra), deciden montar el grupo. Posteriormente se les unirían Roy Blumenfeld procedente de Blues Project.  En el 72 grabaron algunos temas que no vieron la luz hasta  el 2.009. Durante cinco años estuvieron realizando actuaciones junto a Ted Nugent, Charlie Daniels, Freddie King, Harvey Mandel, Rory Gallagher, Harvey Brooks, Mike Bloomfield . Incluso John Lee Hooker invitó a Bill Tullis a tocar con él.





Temas grabados en 1.972 que no vieron la luz hasta el 2.009 y que nos muestran un rock sureño de altísima calidad con claras referencias a The Allman Brothers. temas como "Step Down Baby"o "My Seet Woman" con referencias claras a Dickey Betts por parte de su guitarrista Kike Seibold y como no influencias de Gregg Allman en la labor de Richard Bush. La labor rítmica de Ray Barrickman (bajo), Paul Hoerni (bateria) yRoy Blumenfeld (batería), también es muy destacable, su labor es más que evidente en "Blister" o "Latino Motel" con percusiones a lo Santana y una guitarra que trata de emularlo. Una verdadera joya que bajo ningún motivo debéis dejar pasar. 







Temas
01. Step Down Baby 00:00 
02. Interlude 03:40
03. My Sweet Woman 05:24
04. Blister 10:00
05. Reason Why 17:47
06. Windmills 22:06
07. Latino Motel (Prelude/Interlude/Qualude) 26:35
08. Movin' Rock & Roll 35:27
09. Dirty Sheets [Live] 38:46

Formación
Bill Tullis  : voz, guitarra
Mike Seibold : guitarra, voz
Richard Bush : teclados
Ray Barrickman : bajo, voz
Paul Hoerni : batería
Roy Blumenfeld : batería

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Ensayos sobre un sonido (EM): SVEN GRÜNBERG - Hingus 1.981 (colaboración J.J. Iglesias)

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Aquí tenemos a un sintetista estoniano ( de Estonia, no de los Rolling), enamorado de la por entonces ya pasada corriente berlinesa. E imagino que pasándolas putas para dar forma a un proyecto de estas características en la antigua URSS. Tela. Claro que también hubo sintetistas en España por esos tiempos... ¿Quién da más?

Sven Grünberg lideró en los 70 la  banda progresiva Mess, otro hito. Este tío era un valiente o hacía oposiciones a funcionario para currar en un gulag siberiano. Mess no editaron nada en su momento, comprensible, pero Grünberg recopiló su material editándolo en un CD en 1.996. Parece ser que le tenía cariño a esta banda, pues su debut en solitario se tituló igual,"Mess" (1.980). Siendo "Hingus" (1.981) su segunda obra.


La cara A de ésta se compone de un solo tema, la suite "Osa" dividida en cuatro partes. Música llena de misticismo e influencia oriental. Puede ser comparable al primer Kitaro o los pasajes "Cecil B. De Mille-style" de Vangelis. Sin perder su fuerte conexión alemana. 

En la cara B, "Teekond" (5:35) es un corte sensible y muy imaginativo. Mientras que "Valgusas" y sus 17:50 minutos se convierte en mi pieza favorita. Recordándome a los Tangerine Dream de esa época, (cuando ya se decidieron por "medio componer"), el Padre de todos , Schulze y sobretodo, a Between y Popol Vuh. De hecho, Sven tiene mucho de Florian Fricke, en su modo de acometer pasajes oníricos, moldeándolos hacía terrenos místico-orientales. No sé porqué, pero escuchando ésto me da por trasladarme al Tibet, en reflexiones muy budistas. Y juro que no me he fumado nada. Me ocurre como cuando escucho a los citados Popul Vuh, pero entonces es la jungla amazóniza el lugar imaginado. Imagino que influído por las pelis de Werner Herzog. Si este director hubiera descubierto a Grünberg, seguro que le hace un encargo. Y si escucha su álbum "Milarepa" (1.993) filam una película expresamente para esa música. Otro recomendado. Al igual que "Om" (1.988), "Prana Symphony" (1.995) y "Hukkunud Alpinisti Hotell" (2.001). Nuevamente tenemos que hablar de un triunfo creativo manufacturado con muy pocos medios. Parece que es entonces cuando la imaginación se dispara para dibujar preciosas abstracciones sonoras. "Hingus" es una para la galería de arte.

P.D. - "E.M. es la representación acústica del espacio entre su nacimiento y su muerte". EDGAR FROESE.




Temas

1. Hingus 1 - 0:00
2, Hingus 2 - 7:33
3, Hingus 3 - 9:58
4. Hingus 4 - 17:06
5. Teekond - 23:18
5. Valgusxis - 28:57




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Los teclistas del rock: JORDAN RUDESS

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Hola amigos, hasta ahora habíamos hablado de verdaderos dinosaurios del rock, teclistas que forjaron las bases del rock sinfónico en los años 70, hoy vamos  a contar la historia de un teclista que  a pesar de ser uno de los más extraordinarios virtuosos del género no salto  a la fama hasta  la publicación de su segundo disco en 1.993 y obtuvo su confirmación al entrar a formar parte de  Dream Theater en 1.999. La característica  fundamental de Rudess, sin lugar a dudas, es su virtuosismo unido a un gran amor por la tecnología, no olvidemos que tiene una compañía, “Wizdom Music”, dedicada al desarrollo de productos tecnológicos musicales.


A pesar de darse a conocer al gran público con 36 años su actividad ha sido bastante intensa. Al margen de su obra en solitario ha realizado multitud de colaboraciones con gente como Vinnie Moore, Steve Wilson, Paul Winter, David Bowie,  Neal Morse, Morgenstein, etc. Por supuesto su reputación se ha forjado en grupos como Dixie Dreg ( el grupo de  Steve Morse), Liquid Tension Experiment  super grupo (Tony Levin, John Petrucci, Mike Pornoy y Jordan Rudess) con los que grabó dos discos en estudio y como no con la gran banda de progresivo Dream Theater con los que sigue en la actualidad y ha grabado nueve discos en estudio ( “Metropolis Pt. 2”, “Six Degrees of Inner Turbulence”, “Train of Thought”, “Octavarium”, “Systematic Chaos”, “Black Clouds & Silver Linings”,  “A Dramatic Turn of Events”, “Dream Theater” y "The Astonishing") y tres en vivo( “Live Scenes From New York”, “Live at Budokan” y “Score”).

Hoy vamos a intentar dar un resumido repaso a su discografía en solitario:

“Arrival” (1.988), este primer disco de Rudess se editó en cassette  bajo el nombre de Rudes. Es una obra intimista, Jordan utiliza básicamente el piano para crear sus pasajes sonoros en los cinco temas que contiene la grabación. 



“Listen” (1.993), este disco le sirvió para obtener el reconocimiento mundial y ser elegido como “Best New Talent” por la revista Keyboard. Le acompañan Barbara Bock (voz), Jim Simmons (bajo), Chris Amelar (guitarra) y Ken Mary (batería). En este disco Rodess comienza a emplear toda la artillería electrónica dando como resultado una especie de pop progresivo.
 





“Secrets of the Muse” (1.997), en esta obra Jordan se enfrenta en solitario a multitud de inspiradas improvisaciones.  Es una delicia escuchar a Rudess tocar el piano, la sensibilidad que desprende en temas como “Stillness” o “Cradle song”, no está al alcance de cualquiera.
 





“Resonance” (1.999), nos toca seguir disfrutando del mejor Rudess al piano.



“Feeding the Wheel” (2.001), en este disco Rudess cuenta con la colaboración de grandes músicos, Terry Bozzio, Steve Morse,  John Petrucci, Billy Sheehan, dando como resultado un disco con grandes pasajes instrumentales del mejor rock progresivo.



“4NYC” (2.002), la grabación sirve de homenaje a las víctimas del 11 de Septiembre. Parte del disco se grabo en vivo en el Helen Hayes Performing Arts Center tan solo trece días después de la tragedia debido al afán de Rudess en ayudar de alguna forma a las víctimas.  Laos temas grabados en estudio tienen una gran carga emocional.


“Christmas Sky” (2.002),  en este LP Jordan nos muestra los clásicos villancicos de toda la vida (“White Christmas”, “Silent Night”, “The Little Drummer Boy”, etc) ejecutados magistralmente al piano y con el sello Rudess.






“Rhythm of Time” (2.004), para esta grabación Jordan se rodea de un gran arsenal de buenos guitarristas (Satriani, Greg  Howe, Steve Morse, Vinnie Moore, Jakubovic) con estos miembros y alguno más (Dave Larue, Morgenstein) el resultado es un gran disco de rock progresivo que hará las delicias de los amantes de Dream Theater.


“The Road Home” (2.007), es un álbum de covers de temas de rock sinfónico, “Dance on a Volcano” (Genesis),  “Sound Chaser” (Yes),  “Just the Same” (Gentle Giant), “Tarkus” (Emerson, Lake & Palmer) y una Medley al piano interpretando partes de “Soon” (Yes),  “Supper´s Ready” (Genesis),  “I Talk to the Wind” (King Crimson) y “And You and I” (Yes). El único tema original es “Piece Of the π” . Como invitados Neal Morse, Steve Wilson, Kip Winger, entre otros.



“Notes of the Dream” (2.009), nuevamente encontramos a un intimista Rudess al piano tocando en su mayoría temas de Dream Theater, incluso algunos anteriores a su entrada en el grupo.




“All Thatt is Now” (2.013), grabado en el salón de su casa con  su piano Steinway D y financiado por la contribución de 1.000 seguidores del artista. Clásica, progresivo, jazz, qué más da, todo se reúne en una gran sensibilidad musical y un virtuosismo fuera de toda duda.



"Explorations" (2.014): un proyecto que hacía tiempo (2.010) que Jordan llevaba en su cabeza. Con la colaboración del director  Eren Başbuğ y la Sinfonietta Consonus (grupo de cámara polaco conexperiencia en la música de DREAM THEATER al haber grabado un disco de tributo orquestal titulado “Symphonic Theater Of Dreams”), edita esta magníca obra para piano y orquesta. La suite " Explorations for Keyboard and Orchestra" es todo un lujo sonoro.





Bueno amigos creo que por hoy ya vale, espero que disfrutéis con este genio que en otra época  hubiese sido uno de los grandes de la interpretación y composición clásica.








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HAWKWIND - Warrior on the Edge on Time 1975 (colaboración J.J. Iglesias)

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Antes de acabar tan terrible año, este se nos lleva a otro guerrero. Lemmy ha muerto. No me extendere hablando de lo que supone su perdida para la comunidad del rock en general. Tampoco haré una biografía, para eso ya están los wiki-oráculos. Sólo un recordatorio de que antes de ser un icono con Motorhead, la más aplastante rock'n'roll band de la historia, (nunca digas "heavy", aún puede volver del más allá!!!), fue el bajista y ocasional cantante de Hawkwind. Otra de mis bandas favoritas. Vaya año, dos paladines del Rickenbaker fallecidos. Mientras Chris Squire lo utilizaba como un astuto maestro de esgrima, Lemmy lo hacía como un bazooka de peli de Rambo. 


Pero la personalidad superaba cualquier virtuosismo o falta de él. "Warrior on the Edge of Time" supuso la sofisticación del hard psych de álbumes anteriores. Entrando de lleno en el progresivo sin perder ni un sólo rasgo de identida. Su líder y único miembro original en la formación  actual, Dave Brock en las guitarras, sintes, voz y bajo ocasional. Los alocados sacos coltranianos, flauta y voz de Nik Turner. Posterior enemigo irreconciliable de Brock cual personajes de su propio comic sci-fi. El inimitable Lemmy al bajo. Simón House (High Tide, Catapilla, Third Ear Band y futuro Bowie member ), al mellotron, teclados y violín. Los baterías Simón King y Alan Powell (Vinegar Joe) dando cuerpo rítmico , junto a Lemmy nada menos, a una muralla acorazada. El maestro de la ciencia ficción,  el escritor Michael Moorcock, recitando sus desvaríos poéticos en "The Wizard blew his horn" y "Warriors". Y la maciza Stacia bailando desnuda en vivo, para deleite de quinceañeros de la época.  Brandy Bubbles y sus kaleidoscopicos light-shows ponían la guinda. Hawkwind en estado puro. "Hall of the Mountain Grill" y "Space Ritual" se hallaban recientes. La banda, en inspiración  divina. Se adelantaron al punk, afterpunk, industrial, nwobhm, gothic, techno y demás variables contemporáneas  a golpe de anfetas y marihuana. Simón House fue elemento decisivo de este, mi disco favorito de la banda. Un álbum dominado por el mellotron, una novedad en el sonido de la nave Halcón. Y el violín incomparable de este magnífico  músico. Interactuando con los vientos de Turner. Un torbellino de sonidos/sentidos.

 Temazos  como "The Demented Man" lo constatan. A la vez que desarrollan y enriquecen el estilo de la banda. "Assault and Battery" es ya un himno eterno de la mitología Halcón. Al igual que "Magnu", "Opa-Loka","Spiral Galaxy 28948" (fino instrumental con el número de nacimiento de Simón House)."Kings of Speed",tema que debía haber aparecido en el lp del proyecto de Moorcock, Deep Fix. La apocalíptica "The Golden Void". O la aportación  de Turner en la brillante "Sting Seas". El single "Motorhead" aparece en el cd, no en el álbum original. Cantado por Lemmy y profetizando muchas cosas. Entre la rebeldía y forma de vida del gran bajista. 


Detenido en la frontera canadiense por posesión de mandanga y expulsado de la banda automáticamente,  (como si los demás fueran unos angelitos). Acabará el Tour americano Paul Rudolph, guitarrista de Pink Fairies y Deviants, al bajo. Fue el final de la época gloriosa de Hawkwind. Vendrían buenos álbumes, pero ninguno histórico. Y a Lemmy le hicieron un favor. Montó Motorhead y pasó a la eternidad. Hoy, la pijisima barriada de Notting Hill, antaño bastión hippie de los 70, llora a su mejor guerrero. También el Rainbow Bar de Los Ángeles, donde Lemmy se pasaba las horas muertas jugando a las tragaperras. Es seguro que él no quiere lloros. O vendrá a por ti a darte una colleja por nenaza y comeyogures. Mientras te susurra con voz cazallera al oído "Love me like a Reptile"......




Temas

Assault And Battery - Part One5:34
The Golden Void - Part Two4:37
The Wizard Blew His Horn2:00
Opa-Loka5:40
The Demented King4:20
Magnu8:40
Standing At The Edge3:45
Spiral Galaxy 289483:55
Warriors2:05
Dying Seas3:05
Kings Of Speed 3:25

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AC/DC - Highway to hell (colaboración Christian Jiménez)

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-19 de Febrero de 1.980...Ronald Belford Scott, a sus 33 años de edad, había fallecido a causa de una intoxicación aguda por alcohol, o, en palabras de cualquier entendido del tema, por haberse ahogado en su propio vómito; el caso es que ese fue uno de los sucesos más impactantes en el mundo de la música y un auténtico palo para los miembros de AC/DC...

Volviendo algunos meses atrás, "Powerage" y "If you Want Blood you've Got It" alcanzaban el Top 20 en las listas británicas y el Mundo estaba completamente rendido a sus pies...pero aún faltaba algo...

AC/DC no sonaban en las emisoras americanas, y el pastel americano era un manjar muy suculento para los ejecutivos de Atlantic Records. Lo cierto era que el grupo no tenía todavía un "hit", no en EE.UU.; y decidieron tomar medidas drásticas.

Lo primero era echar al productor y hermano de Angus y Malcolm, George Young (cosa que no se tardó mucho en hacer), y, lo segundo, cambiar de vocalista. Una idea descabellada si tenemos en cuenta de quién estamos hablando, pero así eran las cosas en 1.979.
Como quitar a Bon de enmedio era algo imposible se centraron en la primera tarea. Teniendo en la cabeza que AC/DC tenía que ofrecer un sonido más accesible para poder entrar en la FM, se fichó a un sudafricano llamado Eddie Kramer.

Este hombre había sido ingeniero de sonido para The Beatles, Rolling Stones y Jimi Hendrix, y productor de Derek & The Dominoes, Led Zeppelin y KISS, así que no se podía decir que no entendía de qué iba el tema. Desgraciadamente nadie andaba a gusto con él. Los hermanos estaban en pie de guerra por la decisión de cambiar de productor y que Scott se pusiera a beber más que nunca no ayudó a la situación, aparte de otros muchos problemas.

Pasó algún tiempo hasta que el manager Michael Browning nombró a un tal Robert John "Mutt" Lange, alguien famoso por su eficiencia y meticulosidad a los mandos, alguien que había producido a City Boy, Boomtown Rats, Graham Parker y The Motors, alguien que nada tenía que ver con el carácter arrollador y frenético de AC/DC...alguien que iba a sacarles del agujero.

Se contó con Tony Platt para que ese nuevo sonido que inventó "Mutt", más pulido y más técnico, tuviera también mucha esencia "rock". Básicamente, si George Young no era alguien sutil, paciente y perfeccionista, Lange era la otra cara de la moneda; insistía en que todo debía sonar "en perfecto equilibrio". Una anécdota para la Historia es la vez que Scott llegó al estudio y se puso a cantar una canción...¡puede que fuese la mismísima "Highway to Hell"!, el caso es que el vocalista no podía más y Lange le insistía en que coordinase bien la respiración, el tono, el timbre y su voz en general, a lo que Bon le espetó, entre insultos, que lo hiciera él mismo si tan bueno era. Sin tan siquiera levantarse del asiento, Lange lo bordó y dejó a todos boquiabiertos...y no fue su única hazaña.


El resultado fue uno de los mayores trabajos de "hard rock" de la Historia, un compendio de virtudes; un cóctel de ácido "blues", "rock" potente y sin concesiones; un muestrario de pildorazos emocionantes, duros, pero totalmente disfrutables y bailables. En definitiva, un disco del que todo el mundo se sintió orgulloso.
Se colocó en el 8 en Inglaterra el 17 en América, llegaría a vender en poco tiempo casi 7.000.000 de copias y, lo que era más importante, fue un pilar fundamental para la banda, un antes y un después; el primero donde alguien les supo sacar el jugo de verdad, donde alguien se esmeró para sacarles el verdadero talento. La mente del Sr. Lange fue capaz de crear una obra de arte.

Y es que, repasando el disco nos encontramos un repertorio "made in AC/DC", pero mejorado y pulido.

Esas piezas por las que no pasan los años son trallazos como "Beating Around the Bush", "Shot Down in Flames", "If you Want Blood you've Got It" o "Get It Hot". Abrasadores, cañeros, empedernidos, crudos, pero de gran entretenimiento.
Uno de los más exitosos "singles" fue el más pausado "Touch Too Much", una oda a la perversión en su mejor significado, al igual que la divertida "Girls Got Rhythm". Y es que la lasciva mente de Bon Scott era un pozo sin fondo para este tipo de temas.

Pero nos vamos a otros terrenos...
"Walk All Over You"; mi debilidad de este disco. Una de las mejores de AC/DC, a lo "Riff Raff" sólo que mucho más punzante y con esos buenísimos cambios de ritmo que la caracterizan.
"Love Hungry Man"; quizá una de las más comerciales de la banda y la línea que "Mutt" Lange les obligó a cruzar. Una canción del que ellos mismos reniegan y que aún hoy en día sigue sonando en las FM americanas.
"Night Prowler"; puede que el "blues" más descarnado y desgarrador de toda la Historia. Una canción que te pone los pelos de punta, literalmente, desde su comienzo con ese aterrador suspiro hasta las extrañas palabras que profiere Bon: "shazboz...nano nano..." (en realidad, sacadas de la frase extraterrestre que decía el cómico Robin Williams en la serie "Mork and Mindy").

Y, por los siglos de los siglos, quedará esa única, esa maravilla de maravillas, ese himno mundial fácil de reconocer sólo con tres malditos acordes, ese "Highway to Hell", no sólo una de las más conocidas de la banda, sino de la música "rock" en general (hay ignorantes y empalagosos que se creen fans de AC/DC sólo por haber escuchado esta canción...no sabría expresar con palabras la repugnancia que siento hacia ellos, sinceramente).
En una ocasión, un amigo mío me dijo que si yo no había escuchado "War Pigs", "Runnin' With the Devil", "Smoke on the Water", "Stairway to Heaven", "Aqualung" y "Highway to Hell" no era alguien digno para discutir sobre música "rock", y en cierto sentido tenía razón.

Volviendo al principio, AC/DC tenían eso, el Mundo a sus pies, hasta que el Mundo le quitó a su preciado cantante.

Un joven de pelo rizado, grandes brazos y una gorra calada hasta las cejas, llamado Brian Johnson, sustituiría al gran Scott y la banda llegaría a niveles estratosféricos en la década de los '80 con su "Back In Black"...sin embargo "Highway to Hell" sigue siendo el "álbum testamento" de Bon, cuyo recuerdo sigue latiendo, y seguirá por tiempo indefinido, en el corazón de miles de millones de "rockeros", para que jamás olvidemos que él fue LA VOZ de AC/DC en los '70 y que, para muchos, incluyendo un servidor, aún lo es.

Pero, como las letras de "Highway to Hell" rezan, "Livin' easy, livin' free".

(Mejor canción: "Highway to Hell").














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Rock Progresivo Español.Rompiendo la oscuridad: BORNE (colaboración de Félix Jota)

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Nacen en Barcelona en el año 1977 y dos años más tarde se edita lo que sería su primer trabajo discográfico, “Exprime la naranja”, dentro del Sello Chapa. Disco instrumental de rock laietano con matices andaluces.


 El primer tema, ”Azahara”, es de lo mejorcito, con excelentes guitarras y teclados. Le siguen “El abuelo romance”, con toques  de jazz-rock andaluz y otra de las joyitas, “La música de las fonts”, el más largo y experimental. En “Very funky” parecen dejar una muestra de lo que sería su segundo Lp, editado tres años después y totalmente descartable dentro del género progresivo.



 La Cara B se abre con el tema que da título al disco, otra fusión de jazz rock sinfónico con algún toque latino y voz (qué curioso!) de Paloma San Basilio. “La boda gitana” es más alegre y menos flamenco, no así “Rumbacústica”, con unos toques tremendos de guitarra flamenca a cargo de Víctor Molero. “La Macarena”, más alegre y desenfrenada da paso al ultimo corte del álbum, “No veo nada (y no quiero ver más)”, con toques classic-jazz.


  Estuvieron en el cartel de algunos de los festivales más importantes de la época, como el “Calella Camping Rock” de 1977, el “Canet Rock” de 1978 ó el “Selva Rock” de 1979. Del Lp se extraen dos sencillos, el primero con los cortes que abren ambas caras y un segundo promocional con el tema “El abuelo romance”. Decir que, en nuestro país, no ha tenido su justa reedición. Tan solo los japoneses se acordaron…

  Los hermanos Oca, después de Borne, se embarcan en varios proyectos como Dossier o La Luna les Canta, mas orientados al pop-rock.
FORMACIÓN:
JOSÉ MIGUEL OCA: Bajo
SERGIO OCA: Batería
VÍCTOR MOLERO: Guitarras
RICARDO RAUET: Teclados

DISCOGRAFÍA:
Exprime la naranja (Chapa Discos 1979) Referencia HS-35015  LP


Temas
A1 Azahara 
A2 El Abuelo Romance 
A3 La Música De Las Fonts 
A4 Very Funky 
B1 Exprime La Naranja 
B2 La Boda Gitana 
B3 Rumbacustica 
B4 La Macarena 
B5 No Veo Nada (Y No Quiero Ver Más)


Azahara/Exprime la naranja (Chapa Discos 1979) Referencia H-33.018  SINGLE

El abuelo romance (Chapa Discos 1980) Referencia HSP-11  SINGLE



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BUX - We come to play1.976

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Bux no obtuvo el éxito deseado pero sirvió para que algunos de sus miembros se curtieran y posteriormente triunfaran en otras formaciones.  Punky Meadows y el bajista Mickie Jones tuvo éxito con la banda de Ángel y Ralph Morman como cantante en el primer disco en solitario de Joe Perry y en Savoy Bown.


  Procedentes de Boston se formaron en los inicios de la década de los 70 de las cenizas del grupo Caddy Warbux. De la mano del manager de Aerosmith, Frank Connolly fichan por Capitol Records con quien graban en el 73 su único disco. La compañía discográfica no lo editó hasta el 76 cuando la banda ya se había disuelto hacía dos años.


La música que nos presenta la banda es un excelente hard rock con toques boogie rock. Su magnífico cantante, Ralph Morman, está muy bien acompañado por el juego de dobles guitarras de James Newlon y Punky Meadows.  Temas muy destacados pueden ser "Highway " , "Crosstown Girl" o "If You Want Love ". También podemos encontrar el tema original "White Lightning" que posteriormente sería grabado por Angel en el 77.




Temas
1 Crosstown Girl 00:00
2 Highway                 03:31 
3 It's Your Baby        08:00 
4 If You Want Love  11:39 
5 White Lightning   16:23 
6 Come on Down    21:30 
7 Buy Me a Bottle    25:02 
8 When Your Time Has Come 28:41
9 Next Train 33:35

Formación
Ralph Morman : voz
James Newlon - guitarra
Punky Meadows - guitarra
Mickie Jones : bajo
Wiley Crawford : teclados
Rocky Isaac - batería

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Ensayos sobre un sonido (EM): CULTURAL NOISE- Aphorisms Insane (1980) (colaboración J.J. Iglesias)

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Hubo una vez una santísima trinidad del prog electrónico llamada Tangerine Dream. La encarnación  como trío formada por Franke-Froese-Baumann logró un estilo y sonido anhelado como santo Grial por cualquier aspirante a sintetista/aprendiz de mago. "Phaedra", "Rubycon", "Ricochet" y "Stratosfear". Sin olvidar el soundtrack de "Sorcerer", film de culto de William Friedkin. Ahí estaba el germen de la piedra filosofal electrónica. Que quedaría coronada con el impresionante "Encore". Doble en vivo demostrativo de que cada concierto de estos tres genios era un nuevo álbum. Como podemos certificar ahora con esa colección  de bootlegs que pulula por la red para nuestro gozo y nirvana. 




Hubo intentos serios de aspirantes a ese sagrado trono inaccesible para muchos. Y el único disco de Cultural Noise, "Aphorisms Insane", estuvo a punto de conseguirlo. Salió en el año 80, cuando la mandarina somnoliento había descuidado la guardia levemente. Y sus patrocinadores fueron nada menos que la CBS. Señores, estamos hablando del disco que pudo codearse sin complejos con los arriba citados. Alguien lo consiguió!!! Procedentes de Austria, Walter Heinisch a la guitarra, micro moog y mellotron M400. Gerhard  Lisy al ARP2600, VCS3, ARP Sequencer y EMS Digital Seq. Y Karl Kronfeld al Roland Studio System 700 y Roland Analog Seq. Un trío clónico austríaco con arsenal de profesionales, ideas a borbotones, y encarando  un material mágico. 



En la cara A, "After the Selfdisintegration in Time" (19.35). Ritmo secuencial trepidante, melodías acuosas sintetizada, guitarra Froese style y movimientos melódicos de arrogante ingenio. Cara B, "Pursuing the in time Disintegrating Reality" (20.42). Más aciertos del nivel antes expuesto, mellotron pesadillesco y casi genesiano. Eléctricas psych cristalinas y floydianas. Ensoñación cósmica en estado neto. Sci-fi  music de magnético  poder e irrealmente bella. Una maravilla que no cansa. La similitud tangerina no empaña un discazo de sobresaliente sobrado. Exquisita obra maestra del género tan enigmática como su posterior historia: la NADA. Simplemente se pierde el rastro de Cultural Noise como si una envolvente niebla del Triángulo  de las Bermudas se hubiera ceñido sobre su estudio. Un original en vinilo se acerca a los 100 machacantes. "Aphorisms Insane" es indispensable. Y Tangerine Dream, los "buenos", la hubieran firmado gustosos.

P. D.- "Yo no com pongo mi música.  Me limitó a transcribir las vibraciones que recibo. Soy un receptor que transmite las ondas esparcidas por la galaxia". KARLHEINZ  STOCKHAUSEN.



Temas
1. After The Selfdisintegration In Time (0:00)
2. Pursuing The In Time Disintegrating Reality (19:42)

Formación:
Walter Heinisch - mellotron, synthesizer, guitar
Gerhard Lisy - synthesizers
Karl Kronfeld - synthesizers





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Los teclistas del rock : PATRICK MORAZ

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Hola queridos lectores hoy nos encontramos ante un músico que a pesar de haber sido miembro de dos de los más afamados grupos de la historia del rock sinfónico, parece como si hubiese  pasado de puntillas por el panorama musical. Sus composiciones nos muestran claramente que estamos ante un músico de formación netamente clásica  y que por inquietudes personales eligió el rock como expresión musical.


  
Patrick Moraz nació en Villars-Sainte-Croix, Suiza, en 1.948, desde muy pequeño empezó a estudiar violín y piano destacando fundamentalmente en este último instrumento. En esa etapa de su vida tuvo la oportunidad de conocer a la gran pianista rumana Clara Haskil la cual influyó notablemente en el joven Patrick. Se matriculó en el conservatorio de Lausana para estudiar armonía y contrapunto, y con tan solo nueve años ya estaba dando conciertos de piano. Gracias a que su padre era propietario de varios restaurantes y teatros, conoció a Louis Armstrong, Maurice Chevalier, Lionel Hampton, Duke Ellington, etc. Incluso llegó a recibir algunas clases de John Lewis del Modern Jazz Quartet. Todas estas influencias acabaron formando a Patrick y lo convirtieron en un gran pianista llegando a ganar el premio al mejor solista en el festival de jazz de Zurich con tan solo dieciséis años.


En 1.964 se traslada a Inglaterra con la intención de aprender inglés  y para completar su salario de cocinero en una escuela comienza a dar conciertos en pequeños locales. Al poco tiempo es denunciado por el secretario de músicos locales y es expulsado del país, pero Patrick no se rinde y vuelve a Inglaterra y aprueba el examen de cualificación de inglés ( Proficiency). En 1.968 decide dedicarse plenamente a la música como músico profesional  y funda el grupo  de rock progresivo “Mainhorse” grabando en el 71 un único legado.



 Ese mismo año realiza la banda sonora de la película “Le salamandre” (Alain Tanner) y un año más tarde el grupo se disuelve. Después de realizar una gira con el Ballet de Brasil por el lejano Oriente se embarca con su amigo Guy Bovet en la composición de la banda sonora de  “L´invitacion” (1.973) que gana el festival de Cannes.

En 1.973 forma un nuevo grupo “Refugee” junto a dos afamados músicos, Lee Jackson y Brian Davison, que habían pertenecido al grupo “The Nice” junto a Keith Emerson. Un año más tarde editan un único disco “Refugee” y  Patrick es invitado a formar parte de “Yes” tras la marcha de Rick Wakeman.





 Con gran entusiasmo entran en el estudio de grabación para componer lo que sería el séptimo disco del grupo en estudio, “Relayer “ (1.974). 




Con una portada del mítico Roger Dean y con tan solo tres temas en su interior, uno de ellos de veinte minutos, la grabación se convierte en un notable éxito que culmina con una gira multitudinaria por todo el mundo. En el 75 los miembros del grupo deciden dedicarse a sus proyectos personales tiempo que es aprovechado por Patrick para grabar su primer disco en solitario, “Story of I” (1.976). La grabación es premiada como el mejor disco de teclados del año por la prestigiosa revista “Keyboard” y Patrick obtiene el título de mejor nuevo talento. 



Yes se vuelve a reunir para realizar una gira presentación de los trabajos personales de sus miembros al término de la cual Moraz es invitado a marcharse. Un año más tarde graba su segundo disco en solitario “Out in the Sun” (1.977), siguiendo la línea de su anterior trabajo, ritmos brasileños cargados de sintetizadores y sinfonismo. 



En el 78 llegaría su tercer trabajo, “Patrick Moraz", una de sus mejores producciones, el disco nos muestra una lucha entre lo primitivo y lo moderno todo ello expresado con el lenguaje de los sintetizadores y la percusión.



Dada la fama que tenía Patrick por aquellos tiempos, The Moody Blues, lo contratan para la gira de presentación de su “Octave” (1.978), dado que su teclista oficial, Mike Pinder, los había dejado en la estacada. Con esta banda estuvo del 78 al 91 grabando cinco discos, “Long Distance Voyager” (1.981), “The Present” (1.983), “The Other Side Of Life” (1.986), “Sur la Mer” (1.988) y “Keys of the Kingdom” (1.991). En este último disco solo participó en algunos temas ya que fue despedido por el grupo ante de completar la grabación. 


Patrick siempre se quejo por su escasa participación en la composición de los temas de la banda. Tras su marcha el grupo se portó realmente mal con Moraz quitando sus fotos de los discos en los que había participado y declarando que no fue un miembro del grupo si no un mero asalariado. Patrick tuvo que acudir a la justicia para reclamar sus derechos y a pesar de ganar en los tribunales recibió una ridícula indemnización.

Durante todo el tiempo que estuvo con los Moody Blues, casi trece años, Patrick siguió trabajando en sus discos en solitario:

-“Future Memories Live On Tv” (1.979), que como su nombre indica fue grabado en directo en la televisión suiza. Patrick mezcla dos de sus elementos preferidos la experimentación y el jazz. Memorable su interpretación al piano en “Black Silk”.




-“Coexistence” (1.980) fue un disco realizado a dúo junto al flautista “Syrinx” y obteniendo una sonoridades realmente curiosas.




-"Music for Piano and Drums” (1.983), esta vez la colaboración es con su amigo Bill Bruford que ya había participado en “Out in the sun”.


-“Timecode” (1.984), disco decepcionante  totalmente pop y fruto del momento que estaba viviendo con Moody Blues.



-“Future Memories II” (1.984), siguiendo la línea del anterior “Future Memories”, improvisando sobre la marcha  los temas.


-“Flags” (1.985), nuevamente colaborando con Bruford.


-“Human Interface” (1.987) , disco plenamente sinfónico y donde coquetea con la música clásica, “Modular Synphony”


-“Windows of Time” (1.994), a pesar de su desastrosa portada el interior nos muestra a Patrick con su querido piano realizando múltiples improvisaciones. Genial.


-“Patrick Moraz in Princeton” (1.995) nuevamente solo con su piano e interpretando algunos clásicos del jazz y variaciones propias.


-“Resonance” (2.000),  sigue con el piano y asombrando por su virtuosismo

-“Esp – Etudes, Sonatas, Preludes” (2.003), disco que recibió fuertes críticas por aquellos falsos amantes de la música clásica que desprecian que un melenudo entre en sus dominios.



-·"Change of Space” (2.008), vuelve Moraz con sus cacharros electrónicos  y su sinfonismo.



-En 2.012 se editaron dos viejos conciertos en directo: “Live at Abbey Road” (1.987) y “Music for piano and drums: Live in Maryland” (1.984) este último junto a Bruford.

- Por último este mismo año (2.015) editó  Moraz Alban Project - "MAP" con su amigo el batería Greg Alban.




Y para cerrar que mejor que un vídeo con los Yes:






Os recuerdo que todos podéis participar en esta sección (rockliquias@hotmail.com)

Próximos capítulos:

- Eddie Jobson

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