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Channel: ROCK LIQUIAS
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POP MASINA - Put Ka Suncu

July 1, 2015, 1:38 am
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Este grupo tiene el honor de haber sido el primero en grabar un disco en directo en la antigua Yugoslavia.


El grupo se formó en Belgrado en 1.972 y estaba compuesto por Robert Nemeček (bajo, voz),  Zoran Božinović (guitarra, voz),  Sava Bojić (guitarra, voz)  y   Ratislav Đelmaš (batería). Bojić duro muy poco y Đelmaš fue sustituido por Mihajlo "Bata" Popovic constituyéndose en un "power trío". En el 73 editan su primer disco " Kiselina" y en el 75 llegaría el segundo " Na Izvoru svetlosti". Después de varios cambios en su formación en el 78 se disolvieron.


El disco contiene grabaciones en directo realizadas por el grupo durante 1974 y 1975. Sonido hard rock típico de "power trío" guitarrero muy en la onda del disco en directo de Beck Bogert & Appice. Largos solos de guitarra con una poderosa sección rítmica : los gritos de uno de los miembros del grupo, en el primer tema "Tražim put", son comparables a los más agudos de Ian Gillan. "Negde daleko" es el toque blues del disco. La grabación se cierra con "Put ka Suncu" más de dieciocho minutos de puro desfase.


Algunas muestras

Put Ka Suncu part1
Put Ka Suncu part2


Formación
Robert Nemeček - bajo, voz
Zoran Božinović - guitarra, voz
Mihajlo Popović - batería


y de propina

Kiselina  1.973



Na izvoru svetlosti 1.975



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DAN McCAFFERTY - Dan McCafferty 1.975 (Colaboración Christian Jiménez)

July 3, 2015, 1:56 am
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Dado que este es un artista al que admiro profundamente, tengo que decir que ya tenía ganas de hablar y comentar algo de este álbum.

...Y ni fue una joya en su momento, ni es, ni por asomo, uno de los mejores álbumes de "rock" que se puedan encontrar; es más, es que ni es un álbum de "rock", y eso que en su portada aparece el que fuera vocalista, desde 1.968 hasta 2.014, nada menos, de la clásica banda Nazareth.



La inmensa mayoría sólo reconocería a este cantante por su sobresaliente interpretación en aquella versión que el grupo hizo de la famosa balada "Love Hurts", de The Everly Brothers, y esa inmensa mayoría haría mal, ya que la garganta de William "Dan" McCafferty es capaz de sorprender de mil maneras diferentes.

Su voz en "Moonlight Eyes" es capaz de emocionarte, y, a la misma vez, cuando escuchas "Kentucky Fried Blues", sientes un dolor en el gaznate y te pones a pensar cómo es posible cantar así sin que a uno se le hagan polvo las cuerdas vocales. De un extremo a otro iba en los discos del grupo.
En "Play'n' the Game" su lado más dulce en "I Don't Want to Go On without You" se daba de tortas cuando sonaba "Born to Love". Seguramente pocos serían capaces de sonar tan versátiles.

Precisamente por eso, por la versatilidad, se caracteriza este señor, y, allá por 1.975, quiso desmarcarse momentáneamente de su banda de toda la vida para hacer un pequeño trabajo en solitario. Un trabajo totalmente desligado de lo que hacía con Nazareth, para demostrar que no sólo era bueno como cantante de "rock".
Y eso salta a la vista en este LP, donde el escocés se rodeó de amigos como Roger Glover, Zal Cleminson, Barry St. John e incluso los de su grupo paralelo, y escogió una serie de canciones para interpretarlas él mismo.


Es más que evidente que McCafferty se consideraba un asiduo seguidor de géneros como el "blues", el "funk" o el "soul"; precisamente, para él, el mejor vocalista existente, era el gran Otis Redding, y eso fue algo que quedó palpable en temas como la serenata "Stay with Me", original de Lorraine Ellison, la gran "The Great Pretender", de aquellos Platters, o la divertida y con tonos "reggae""Watcha Gonna do About It?".

También, y si por algo fue conocido este disco, fue por el "single" de aires "pop/soul""Out of Time", perteneciente a The Rolling Stones, que consiguió posiciones más que reconocibles en los Billboard y donde podíamos ver, en los diversos programas musicales ingleses de la época que promocionaban dicho tema, a un McCafferty solo en el escenario, engalanado con botines, anillos y pañuelos de seda de lo más horteras, cantando y bailando al ritmo de dicha canción mientras los chavales espectadores le seguían con movimientos realmente divertidos...¡qué épocas, Dios mío!
Por si fuera poco, con la tradicional "You Can't Lie to a Liar" podemos poner a McCafferty, y sin exagerar, como el blanco con la voz más negra que se haya visto.




Aunque si por algo destaca este álbum es por la cantidad de baladas y temas lentos que nos encontramos.

Claro, McCafferty para entonar melodías suaves y profundas se las pinta solo, y aquí no iba a ser menos. Así que consigue ablandarnos una vez más el corazón con esa de Dylan "Boots of Spanish Leather", "Trouble", de Little Feat; una espectacular "Nightingale", y, en mi opinión, una las mejores y más bellas canciones a las que este hombre ha puesto voz, la versión de aquella de Neil Young "Cinnamon Girl", quizás la más sensible interpretación que Dan McCafferty a la voz, y Manny Charlton a la guitarra, hayan realizado nunca; escucharla, al menos una vez, merece mucho la pena.

Es decir, esto es para los amantes de los Nazareth que quieran continuar disfrutando, acercándose a conocer las ambiciones y gustos de cada uno de sus miembros por separado, y, además, sirve de interés para los demás, para echar la vista atrás y descubrir a una de las más brillantes, y también de las más infravaloradas, voces del mundo del "rock".

Muchos años después, doce exactos, McCafferty volvería a repetir el experimento, fallidamente, en "Into the Ring", ya con temas propios e inclinándose hacia el "pop rock" tipicamente americano de los '80, sin el mismo acierto que su predecesor, por supuesto.






Temas

1.- Honky Tonk Downstairs 00:00 
2.- Cinnamon Girl 03:45 
3.- Great Pretender 08:08 
4.- Boots of Spanish Leather 11:17 
5.-Watcha Gonna Do About It 16:14 
6.- Out of Time 20:09 
7.- You Can't Lie to a Liar 24:02 
8.- Trouble 26:34 
9.- You Got Me Runnin' 28:56 
10.- Stay With Me Baby 33:23

Formación
Dan McCafferty: voz
Zal Cleminson: guitarra
Manny Charlton: guitarra
Roger Glover: bajo
Hugh McKenna: teclados
Ted McKenna: batería
John Punter:percusión
Graham Preskett: violin
Chris Mercer: tenor saxophone

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CHRIS SQUIRE - Fish out of water 1.975 (colaboración J.J. Iglesias) Homenaje

July 4, 2015, 1:27 am
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No hace mucho os comentaba el shock personal que me causó la muerte de Spinetta hace unos años. No acabo de acostumbrarme a que mis músicos favoritos vayan desapareciendo. Y me temo que nunca lo haré. Es duro saber que nombres como Levon Helm, Jack Bruce, Andy Fraser, Edgar Froese, Daevid Allen y muchos otros, que han puesto la banda sonora de tu vida, han dejado ya este plano astral. Ya no los volveremos a ver sobre un escenario. Apunta ahora a Chris Squire. 




Por añadidura, mi banda favorita es YES (aunque muchos creen que es RUSH). Se nos va el hombre de las ropas extravagantes, los bajos imposibles de tres mástiles y botas hasta más arriba de la rodilla. La voz con timbre similar a Jon Anderson y su perfecto apoyo vocal. Y por supuesto líder de YES. De hecho, él poseía el nombre de la banda y era el único miembro que aparece en todos sus discos. Anderson, Bruford, Wakeman & Howe, que eran "mas YES que YES", pro 1.989, tuvieron que cambiarse el nombre al no estar Squire. Así que... ¿qué será ahora de YES?. ¿Volveremos a ver su maravilloso logo de Roger Dean?. Lo último editado en vida han sido discos en directo: "At the Bristol Hippodrome" contenía en su totalidad "The Yes Album" y "Going for the One". "Progeny" es una caja monstruosa de siete conciertos del 72 ( 14 cds!!!) conteniendo el mismo material que "Yessongs". Y "Heaven of Earth", su última propuesta en estudio, se quedaba algo coja en riesgo e inventiva. Aunque no es mal disco, ojo.




Aquí os traigo como recordatorio el, para mi, único disco en solitario de verdad de Chris Squire. Al margen de sus aventuras con Billy Sherwood, Conspitancy, y Squackett, con Steve Hackett.

"Fish out of Water" fue hecho en 1.975. En el pico creativo de YES. Y se nota: Bill Bruford, Mel Collins, Jimmy Hastings o Patrick Moraz entre sus invitados. La voz y Rickenbaker de Squire dirigiendo temas épicos de 11 y 14 minutos. Ramalazos a Cararavan, King Crimson y como no, YES. Más de un atisbo al horizonte de Canterbury, sección de cuerdas, órgano de iglesia y el inconfundible tacto técnico, ya para la historia, de uno de los mejores bajistas de ésta. Una obra maestra del mejor rock progresivo de los 70. Quizá algo oculta por el abrumador peso del resto de esa época. Siempre ha sido uno de mis discos favoritos de los miembros de YES en solitario. Recomiendo su edición de lujo cd + dvd (con promocionales del álbum, toda una rareza), si es que no  está ya descatalogado.

Nos queda el tremendo legado que este hombre ha dejado, sobre todo con YES. Sus obras grabadas y filmadas quedan ya como patrimonio indiscutible de la humanidad. Hasta siempre Chris!. Nunca acabaré de acostumbrarme...






Temas
I. Hold Out Your Hand
II. You By My Side
III. Silently Falling
IV. Lucky Seven
V. Safe (Canon Song)

y de propina algunos videos







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EDEN ROSE - On the way to eden 1.970

July 6, 2015, 2:07 am
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Esta banda  fue el embrión de lo que posteriormente se llamaría Sandrose, uno de los grupos mas conocidos del panorama progresivo francés.


Henrique Garella (teclados) y Christian Clairefond (Bajo) se conoicieron a mediados de los 60 cuando se trasladaron a Paris en busca de fortuna. Intervinieron como músicos de sesión en varios singles y en Marsella conocen a  Michel Jullien (batería) formado el grupo Les Golden. Psteriormete se incorpora el guitarrista Jean-Pierre Alarcen. En 1.970 editan su único disco, "On the way to eden". Realizan una gira por toda Francia y poco a poco se van transformando, con la incorporación de  Rose Podwojny, en lo que serían los Sandrose.


Este grupo francés nos ofrece un excelente rock blues instrumental muy al estilo de Atomic Rooster, temas donde los duelos entre el Hammod de Garella y la magnífica guitarra de Alarcen nos hacen disfrutar de lo lindo. Temas representativos de lo dicho podrían ser "Faster and Faster", "Obsession" o "Feeling in the living". momentos más relajados los encontramos en "Sad Dream" recordando a Procol Harum , o en "Walking in the sea" con apoteósico final. La grabación concluye con "Reinet number" donde el batería Michel Jullien nos muestra sus habilidades.




Temas
1.On The Way To Eden 00:00
2.Faster And Faster 05:14 
3.Sad Dream 08:19
4.Obsession 12:31
5.Feeling In The Living 17:03
6.Travelling 21:25(3:26)
7.Walking In The Sea 24:55
8.Rainyet Number 30:32

Formación
Henri Garella: teclados
Christian Clairefond: bajo
Michel Jullien: batería
Jean-Pierre Alarcen: guitarra

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BLAKULLA - Blakulla (colaboración J.J. Iglesias)

July 8, 2015, 2:06 am
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Hay quien cree que el inmenso panorama creativo de Escandinavia es cosa de ahora. Para ello ha tenido que haber una fecunda historia musical detrás. Y Blakulla colaboró en ella, desde Suecia.




A comienzos de 1.970, Blue Condition eran otro puñado de peludos felices versioneando canciones de Hendrix y Cream. Pronto descubrirían nuevas formas de expresión rockera en constante progresión por aquellos años. Incorporan a un organista y se decantan por temas propios en línea con los primeros Purple. Ya en 1.973 y con la explosión del rock progresivo, descubren a Yes y Genesis, cambiando su nombre a Blakulla y formando ya parte de éste género eterno. Enel 74 les ofrecen grabar gratis ( que tiempos!) una demo que será la llave de su contrato discográfico. Al final del 74, Anette Records los ficha para tres discos. Y en el 75 se editará su debut y único álbum. A finales de año se separan.





"Blakulla" contiene todos los ingredientes que hacen sabroso un bocado de progresivo vintage: Denso órgano Hammond, cabalgadas rítmicas explosivas, buen vocalista y una guitarra solista en constante complicidad con las teclas. A este respecto, supongo que la influencia de Deep Purple seguía siendo muy fuerte.

Los temas están cantados en sueco y sus títulos son igualmente indescifrables. Pero el contenido, el contenido, elegante y de gran gusto, se muestra absolutamente recomendable para los fans de los "The Yes Album-era", Focus, Finch, Birthcontrol o toda la abrumadora cantera del prog italiano, New Trolls, J.E.T., Le Orme. Il Ballettodi Bromeo, Latte e Miele y mil más. Hoy su teclista es un jefazo de la división de Phillips en USA. El cantante trabaja en un sanatorio mental. El batería es músico de sesión. El bajo es periodista. Y su guitarrista es un reputado doctor.

Así que Blakulla quedó como un bello ( y coleccionable) sueño de verano.







Temas
1 Frigivningen 
2 Sirenernas Sång 
3 Idealet 
4 De' Få' La Stå Öppe' Tess Vidare 
5 Maskinsång
6 I Solnedgången 
7 Drottningholmsmusiken, Sats 1 
8 Världens Gång 
9 Erinran 
Bonus
10 Mars 
11 Linnéa 
12 Idolen

Formación
 Dennis Lindegren – voz
Mats Öhberg – guitarra
Bosse “Bo” Ferm – teclados
Hannes Råstam – bajo (01-09)
Steinar Arnason – bajo (10-12)
Tomas Olsson – batería

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NAZARETH - Hair of the Dog 1.975 (colaboración Christian Jiménez)

July 10, 2015, 1:57 am
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Nuestro amigo Christian Jiménez vuelve con una gran colaboración sobre unos de sus discos favoritos "Hair of the Dog" de los Nazareth




En 1.974, "Rampant" se había convertido en un éxito, al igual que sus dos predecesores, y Nazareth se estaban ganando una envidiable reputación en aquellos años. Compitiendo con infinidad de bandas que también practicaban su mismo tipo de sonido, ellos conseguían calar en el público muy fácilmente gracias a su animado "rock" y al buen "feeling" que despedían sus composiciones.
Aunque no eran como FACES. Ellos no sólo fabricaban vibrantes piezas con las que no podías parar de moverte, sino que también eran capaces de mostrar su lado más técnico, progresivo y profesional. Como demostración basta escuchar su "Shapes of Things/Space Safari".

Queriendo llevar ellos mismos la batuta, muy educadamente pidieron a su productor, y bajista de Deep Purple, Roger Glover, que les dejara a su aire, que querían probar a hacer otro esfuerzo sin ayuda de nadie. Manny Charlton ya llevaba tiempo queriendo producir a su banda y, en esa ocasión, lo consiguió.
Y es que hoy en día sería una idea descabellada pensar en hacer un álbum por año, o dos por año, pero en aquella década frenética era así, no había más. Pues este cuarteto sólo necesitó trece días para realizar el LP que nos ocupa.
Y la cosa no les salió nada mal; se hizo sin prisas, sin presiones, y todo el mundo alzó los pulgares por el esfuerzo que los chicos habían hecho. Todos estaban de acuerdo, era el álbum con el que Nazareth conseguirían su lugar en la Historia del "rock".



El secreto se halla, sobre todo, en los "singles", porque Nazareth era una banda de "singles" y eso saltaba a la vista. El primero fue la canción que abre el álbum y la que le da título. Sólo con escuchar esos golpes de batería tan característicos sabes de qué tema se trata.
Una canción netamente "rockera" que te enamora con la primera escucha, de ritmo incansable y con un solo muy peculiar, realizado con un "talk box", que desde siempre McCafferty ha ocultado dentro de una gaita en sus conciertos, para que no olvidemos que vienen de donde vienen.
Y, por supuesto, nadie puede olvidar esa ya inolvidable "Love Hurts". Una de las baladas más famosas de la Historia del "rock", originaria de The Everly Brothers; una canción versioneada cientos de veces por cientos de grupos en cientos de países y utilizada en multitud de películas y series de televisión, además de ser una de las favoritas de William Bailey (más conocido como Axl Rose); una canción donde McCafferty demostraba que no sólo vivía de su cazallosa y rasposa voz.




Pero la cosa sigue:
No sólo están esos dos auténticos himnos, sino que nos encontramos a los Nazareth más duros con una especie de vuelta de tuerca del "Fire and Water" de Free, la durísima "Miss Misery", con unos "riffs" que parecen sacados de los dedos de Tony Iommi, pero no, señoras y señores, es el gran Manny Charlton en plena forma.
"Beggar's Day/Rose in the Heather" nos trae a los Nazareth más progresivos. La primera parte, original de Crazy Horse, despliega una potente ráfaga de crudos "riffs" y un punzante timbre de voz de la garganta de McCafferty llegando, con unos bombazos de batería y una guitarra en "flange" hasta la segunda, que se desata como una dulce y, a la vez, salvaje sonata instrumental.

Lo mismo ocurre con la "proto-metal""Changin' Times", una de las mejores de todo el álbum y de toda la discografía de los escoceses. Impactante ese cambio de ritmo más acelerado en el minuto 2:56 que recuerda un poco a su otra joya "Silver Dollar Forger", aunque realizada con mucha más rabia y crudeza.

Por otro lado también están la fantástica "bluesera""Whiskey Drinkin' Woman", que trata, con el humor que caracteriza a las letras de la banda, los problemas que una mujer sufre con el alcohol y de cómo su hombre tiene que afrontarlos, y la espectacular "Please, don't Judas Me", una balada épica extraña de encajar en un grupo como Nazareth, cuando pegaría más con otras bandas de "rock" progresivo de principios de los '70.

Un auténtico despliegue de ingenio, maestría y versatilidad, con un sonido sintetizado, oscuro y muy técnico, que sorprende con esa tensión que poco a poco va creciendo hasta el final, con ese largo solo de Charlton acompañado por los coros de fondo que claman "No!...no, don't judas me! No!...Please, don't Judas Me!".

Y para los que tengan ediciones especiales tampoco será fácil obviar esos "singles" y caras "B". En este caso se sacaron muchos, de una línea más comercial y entretenida, como son "Holy Roller", "Down", "My White Bicycle" y la "acedeciana""Railroad Boy", una que creo que podría haber estado entre las grandes "Whiskey Drinkin' Woman" y "Please, don't Judas Me" para añadir algo de color al álbum.

Sin duda el más exitoso trabajo de la formación, vendiendo, al poco tiempo de salir al mercado, más de 2.000.000 de copias (y una cifra así ya era bastante para el 1.975), y uno de los más grandes álbumes de la Historia del "rock"; uno de esos que, como dijo Joel McIver, "sólo llegan cada pocos años"



Temas

1. "Hair of the Dog"
2. "Miss Misery"
3. "Guilty"
4. "Changin' Times"
5. "Beggar's Day/Rose in the Heather"
6. "Whiskey Drinkin' Woman"
7. "Please, don't Judas Me"

8. "Love Hurts"
9. "Down"
10. "My White Bicycle"
11. "Holy Roller"
12. "Railroad Boy"
13. "Hair of the Dog (Single version)"
14. "Beggar's Day (Edit version)"
15. "Holy Roller (Single version)"
16. "Hair of the Dog (Live '75)"
17. "Whiskey Drinkin' Woman (Live '77)"
18. "Love Hurts (Live '77)"
19. "Holy Roller (Live '75)"

Formación
Dan McCafferty - Voz
Many Charlton - Guitarr
Pete Agnew - Bajo
Darrell Sweet - batería

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NATIONAL FLAG - Thank You & Goognight 1.977

July 11, 2015, 1:28 am
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La llegada del punk a mediados de los 70 provocó el fin de la supremacía de los géneros musicales que habían dominado la década provocando que grupos como National Flag no tuvieran la repercusión adecuada.


La banda se formó en Kingston al sur de Londres en 1.973. Actuaron en el Windsor Rock festival y realizaron gira como teloneros de Bertha por UK. Debido a su popularidad en el 75 son invitados a tocar en Japón realizando una pequeña gira y algunas apariciones en la TV nipona. Por fin en el 77 graban "Thank You & Goodnight" con una repercusión mínima ocasionando la separación del grupo ese mismo año. Su última actuación sería en Junio del 77.


La grabación consta de siete temas que nos muestran un gran grupo de hard rock con ciertas influencias a lo Status Quo, "Nervous" y sobre todo "Old Days of Rock and Roll",, ciertas sonoridades a lo Wishbone ash están presentes en dos de los mejores temas del disco, "Captain's Orders" y "Blowing a million".  La épica balada la tenemos en "If I Were a Carpenter". y continua en "Shine in my Sky".   El último tema "Day Out" nos vuelve a mostrar una labor guitarrera, Danny Edwardson y Gary Brewer, con una voz al más puro estilo de Phil Mogg (UFO).




Temas
01 - nervous 00:00

02 - old days of rock and roll 03:52

03 - captain's orders 08:19

04 - blowing a million 21:18

05 - if i were a carpenter 26:07

06 - shine in my sky 30:00

07 - day out 33:37

Formación
Danny Edwardson : guitarra / vocal
Gary Brewer : guitarra / vocal
Seamus Vender : bateria / vocal
Lee Strzistryk : bajo

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ORANGE WEDGE - No One Left But Me

July 13, 2015, 2:57 am
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Joe Farace, guitarrista del grupo, confirmó en una entrevista que el nombre de la banda se debía a que era un tipo de LSD muy popular en aquellos tiempos.


El grupo comenzó  su andadura en 1.968, procedían de Baltimore y durante algunos años estuvieron actuando por la zona de Maryland, Virginia, Delaware y Washington DC, En el 72 consiguen grabar su primer disco, "Wedge", una tirada muy reducida de 500 copias. Dos años más tarde llegaría el segundo, "No One Left But Me". En el 75 Joe Farace, guitarra, deja la banda y en el 78 se disolvieron.



La música del grupo la podríamos definir como un hard rock suave psicódélico. Su primer tema, "S.P." nos muestra un buen riff de guitarra que poco a poco se va diluyendo. En "Hungary Man", uno de los mejores temas de la grabación, tenemos los mejores desarrollos guitarreros. La voz Greg Coulson no me acaba de cuadrar, quizás sea un poco blanda para el género. "Dream" es un delicado instrumental y en "Whiski & Gin" podemos encontrar ciertas raíces blues. El disco finaliza con "The Gate", el tema más largo de la grabación (10:21). En definitiva un disco aceptablemente bueno.




Temas
01 - SP 00:00
02 - Hungary Man 04:14
03 - No One Left But Me 09:07
04 - Dream 15:08
05 - Whisky And Gin 18:18
06 - People 24:10
07 - The Gate 29:50
08 - People 40:10

Formación
Joe Farace - Guitarra 
Don Cowger - Bajo
Tom Rizzo - batería
Greg Coulson - Voz

Por cierto os recuerdo que ese pequeño gesto que es pinchar en 
es muy importante para que el blog continue. El blog es posible gracias a vosotros.
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STARFIGHTERS - Starfighters 1.981 (colaboración J.J. Iglesias)

July 15, 2015, 1:12 am
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¿Por qué creo que la N.W.O.B.H.M. (New Wave of British Heavy Metal), fue el último gran movimiento rockero?. Pues porque a diferencia de otros posteriores como el hair metal o el grunge, donde las coordenadas eran monotemáticas, éste se enriquecía de todo lo inventado hasta entonces. Aproximadamente del 78 al 82, hubo jóvenes combos refrescando el panorama hard, pomp, prog, southern, boogie, glam, metal punk ( y sus primeras semillas thrash), y todo ello bajo unas mismas siglas.




Curiosamente y con el paso de los años, se van recordando a grupúsculos que apenas consiguieron nada ( o que incluso ni pertenecían a este movimiento), que a verdaderos héroes del mismo. Como Starfighters. Formados en Birminghan con el nombre de Savage, (sin relación con los también incluídos en la NWOBHM), y con un fenomenal cantante, Steve Burton, procedente de los punk rockers Suburban Studs. Pero es la conexión con AC/DC lo que hace a Starfighters resaltables. Nada menos que Stevie Young (guitarra rítmica), sobrino de Malcon y Angus, daba el necesario pedigree a la banda. Además de contar con un evidente buen gusto para el hard boogie sureño. Este grupo jugaba en la misma liga que luminarias del género como Vardis, Spider o Dedringer. Gracias a su enchufe familiar, telonean a sus tíos en la gira de "Back is Black" de 1.980. De la que el batería original, Spencer Scramage, les dejaría por problemas personales tras la muerte de su mejor amigo, un tal John Bonham. 



Reemplazado por Steve Bailey, mas Doug Dennis al bajo y Pat Humbly a la guitarra solista (excelente), editan en el 81 su debut "Starfighters". Con el management de Butch Stone y del productor/ingeniero Tony Platt, o sea, el equipo de Krokus. Evidentes similitudes con "One Vice at a Time" o "Headhunters" de los suizos, además del oráculo AC/DC, son escuchadas en este magnífico disco. Y no solo eso. La voz de Burton borda el blues rock, y los flirteos con el southern rock, "Help me", "Silver Lady", "Trigger Happy" los acerca a Molly Hatchet, Georgia Satellites y hasta a los Faces o los Stones. Un álbum entusiasmante que no tuvo la repercusión merecida, pienso que por su mala distribución (Jive Music). En el 83 repiten con "In Flight Movie" con idénticos resultados, a pesar de las buenas críticas de Kerrang!. Tras esto se separan. Y vuelven en el 87 y en el 2.006. Doug Dennis muere en el 2.011 y es sustituido al bajo por el hijo de Stevie Young, Angus (!!!). El año pasado Stevie Young se convirtió en miembro oficial de AC/DC sustituyendo a su tío Malcolm (demencia senil, dicen) en la guitarra rítmica. ¿Sustituirá algún día Angus ( hijo de Stevie) al Angus (tío) en un bucle dimensión-temporal increíble?... Bienvenidos al show que nunca termina!






Temas

1.-Alley Cat Blues 00:00 
2.-Devil's Driving 03:52 
3.-Don't Touch Me 07:12 
4.-Eyes Tellin' You 10:25 
5.-Help Me 14:00 
6.-Power Crazy 19:22 
7.-Silver Lady 22:18 
8.-Trigger Happy 26:28 
9.-Night After Night 31:05 
10.-Killing Time 36:00

Formación
Steve Burton : Voz
Stevie Young : Voz, guitarra
Doug Dennis : Voz, bajo
Steve Bailey : batería 
Pat Hambly : guitarra

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WEED -Weed! (1.971) (colaboración Christian Jiménez)

July 17, 2015, 1:34 am
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WARPIG y Lucifer's Friend tomaron su sonido de Black Sabbath; TOAD se fijaron en Led Zeppelin y Hard Stuff en Deep Purple...aunque también habían grupos de segunda fila por aquellos tiempos y que pronto se convertirían en referentes para otras muchas formaciones, que inspiraban a otros a darle forma a su sonido, y sería estúpido afirmar que los integrantes de WEED no pusieron sus ojos sobre los británicos Uriah Heep, que, por aquel 1.970 ya llevaban su "Very 'Eavy, Very 'Umble" y empezaban a destacar bastante entre otros muchos grupos de su misma tendencia musical.

Pero hay que nombrar antes al vocalista/flautista Bernd Hohman, al guitarrista Werner Monka y al bajista Reinhold Spiegelfeld, porque pertenecían al grupo alemán Virus y ya había salido a la luz en 1.970 su álbum "Revelation", otra muestra de "krautrock" de la época. Los miembros se disgregaron y a aquel trío de músicos se les unirían el teclista Rainer Schnelle y el batería Peet Becker y este quinteto tomaría el nombre de WEED.



¿Y por qué hablar tanto de Uriah Heep, con lo lejos que estaban de Alemania, en la introducción de este disco? Pues muy sencillo. La discográfica Phonogram decidió introducir en la formación, como una colaboración especial, a nada más y nada menos que al teclista/guitarrista de, precisamente, Uriah Heep, Ken Hensley, algo que tuvo que ser un verdadero honor para los demás miembros de WEED.
El músico británico estaba temporalmente inactivo (pronto dejaría de estarlo para meterse con sus otros compañeros a realizar el mítico "Salisbury") y no le importó formar parte de aquel proyecto musical; es más, fue todo un placer para él.




De ahí que este LP recuerde tanto al "Very 'Eavy, Very 'Umble", aunque también hay ecos instrumentales que nos traen a la cabeza a Nosferatu, otros parecidos con Atomic Rooster o Epitaph...en fin, lo que se cocía (y recocía) por aquellos años.

Había mucho de lo mismo, sí, pero sería una lástima obviar un disco tan genial como es este "Weed!", con temas tan trabajados como son ese rompedor  comienzo "Sweet Morning Light", donde dominan los teclados y un ritmo machacón; una canción 100% Heep. ¡Y atención!, porque aquí tenemos la principal influencia para el tema "I Won't Mind" de los mismos Uriah Heep y que aparecería en su álbum "Wonderworld" del '73...curioso, ¿verdad?
"Slowin' Down" es el tema "rockero" del disco, con un ritmo divertido que parece una mezcla entre Wishbone Ash y FACES, aunque, eso sí, con mucha más contundencia.
Con "My Dream" parece que vamos a escuchar una canción de Raw Material, pero a sus tres minutos ya se meten los teclados y el sonido duro heredado de Heep.
Una sorpresa es la sentida y sensible balada "Lonely Ship", donde Bernd Hohman no podía sonar más clavado a David Byron, y como curiosidad decir que Rob Halford, Glenn Tipton y K.K. Downing (¡sí, los de Judas Priest!) no sacaron sólo de sus mentes las ideas para su composición "Before the Dawn" que aparecería en su "Killing Machine" del '78. Compruébenlo por ustedes mismos.
Para terminar la gran "Before I Die", que unida a la instrumental "Weed", conforma un final épico, de auténtico infarto, con ritmos que bajan y suben de intesidad, que van de menos a más y que todo toma un camino frenético, a lo "Look At Yourself", que la banda parece cruzar diciendo "bueno, chicos, con esto concluye el disco...¡vamos a darle el final "rockero" que se merece, con dos coj***s!".

"Weed!" estaría acusado de sonar "demasiado británico", y, por desgracia, ya no habría más álbumes, pero nos quedamos con una voz pletórica de fuerza, unas ácidas y distorsionadas guitarras, unos ritmos llenos de energía y unas melodías cuidadas que dotan de aún más carácter al sonido de este gran álbum de 1.971.
Hensley seguro que estuvo orgulloso del resultado.





Temas

1. Sweet Morning Light

2. Lonely Ship
3. My Dream
4. Slowin ' Down 
5. Before I Die
6. Weed

Formación
Ken Hensley - voz, guitarra, teclados
Peet Becker - batería
Reinhold Spiegelfeld - bajo
Bernd Hohmann - flauta
Werner Monka - guitarra
Rainer Schnelle - teclados

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WALLENSTEIN - Blitzkrieg (1971) (Colaboración Juan Carlos Rustarazo Vicente)

July 18, 2015, 1:06 am
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Magnífica banda perteneciente a la corriente Krautrock con predilección por la faceta más sinfónica de este movimiento. Los pilares básicos en los que se sostenía el grupo eran Dollase y GroBkopf. De hecho ambos saldrían de la formación unos años después para formar otros proyectos de calado nacional e internacional creando en un primer momento THE COSMIC JOKERS, con una orientación similar a WALLENSTEIN pero más oscuros y espaciales. Dos años después GroBkopf se uniría a las filas de otro proyecto, ASHRA.



El título del Lp (traducido , guerra relámpago) tiene relación con el contenido puesto que arranca con un ritmo vertiginoso al son que marca la batería con un compas muy elevado,  ofreciendo descarga tras descarga de teclados y guitarra. La velocidad hace que no nos ofrezcan apenas descanso, de manera que en una primera escucha puede darnos la impresión de caos, pero una vez que lo vamos digiriendo nos percatamos de que los temas están construidos sobre un inicio y un final similares con una parte central en la que los músicos se expanden a sus anchas fabricando un montón de desarrollos, estructuras, arreglos y solos.


Un álbum, con el que debutan,  dividido en 4 largos temas prácticamente instrumentales, aunque algo de letra recogen. Dollase , el teclista nos descubre su potencial. Se encarga de las composiciones, las letras y de poner la voz. Y realmente es así, puesto que su labor en todos los cortes es esencial. Su contribución al piano es impresionante, con una variedad de cambios y melodías que no tiene comparación. Años más tarde otros grupos de neo-progresivo, en los 90 aprenderán e imitarán ese piano (VERSUS X). Y cuando no es el piano son los teclados o el mellotrón.
Tampoco podemos olvidar a Bill Barone que realiza un trabajo encomiable a la guitarra, ofreciendo intercalados entre los teclados de Dollase solos de guitarra de gran virtuosismo. Parece que la columna vertebral estaba formada como he dicho por el teclista y el batería pero me parece injusto olvidar la guitarra. Lo cierto es que una vez que él abandonó la formación, los siguientes discos que realizó WALLENSTEIN empezaron a perder calidad. Y de hecho cuando se produjo la explosión punk, el cambio de estilo de WALLENSTEIN hacia la nueva ola terminó por deshacer la empresa.
Un disco para explorar y disfrutar con las diversas sensaciones que es capaz de extraer a través de su música.








Temas

1. Lunatic 00:00
2. The theme 12:10 
3. Manhatten Project 21:44 (13:47) 
4. Audiences 35:42


Formación
Bill Barone.:Guitarra acústica y eléctrica, voz
Jerry Berkers: Bajo y voz principal
Jürgen Dollase: Teclados, mellotrón, voz y letras
Harald GroBkopf: Batería y percusiones

PD: Nuestro amigo Juan Carlos Rustarazo tiene un magnífico blog, Las tierras altas del progresivo, que os invito a visitar. Gracias Juan Carlos por tu colaboración


Por cierto os recuerdo que ese pequeño gesto que es pinchar en 
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AVALANCHE ‎– Perseverance Kills Our Game 1.979

July 20, 2015, 2:01 am
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La música de Avalanche es pura belleza instrumental ideal para momentos tranquilos donde solo nuestra mente nos traslade a las praderas de cualquier valle perdido.


Este grupo holandés procedía de Moodrecht cerca Gouda.Reputedly  y se formaron a mediados de los 70. Comenzaron tocando en las iglesias de la zona teniendo en su formación a Ene Blom junto con Rob Dekker en los teclados, Daan Slaman en la guitarra, Marcella Neeleman en flautas, Fred Dekker en el bajo y Johan Spek en la batería.  En 1.979 graban "Perseverance Kills Our Game", una tirada muy corta de 500 copias. Poca gente se entero  y se desvanecieron en el tiempo.


La música que desarrolla la banda es de una verdadera belleza  mezclado folk instrumental con toques progresivos. Temas como "Cola-tik", "Maiden Voyage", " Images Of Long Gone By" o "Gimmick For 20 Fingers" me recuerdan mucho a Pentagle y John Renbourn. Los toques progresivos los podemos encontrar en la exquisita "Hymn On Wind And Water", el piano y la guitarra se combinan mágicamente creando ambientes extraordinarios. La guinda del pastel la pone el tema final "Oblivion", once minutos donde se mezclan lo progresivo y el folk de manera magistral.




Temas
1. Lodalientje 00:00
2. Cola-tik 03:55
3. Hymn On Wind And Water 06:41
4. Maiden Voyage 11:59
5. Gimmick For 20 Fingers 18:58
6. Transcendence (for Leo) 20:13
7. Images Of Long Gone By 27:25
8. Oblivion 29:54 

Formación
- Rob Dekker : teclados
- Daan Slaman : guitarra
- Jan Blom : voz, guitarra, bajo
- Marcella Neeleman : flauta
- Fred Dekker : bajo
- Johan Spek : batería

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LES DUDEK - Say No More 1.977 (colaboración J.J. Iglesias)

July 22, 2015, 1:31 am
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Debilidad personal absoluta. He escogido éste álbum de entre los cuatro que publicó en los 70 al azar. Cualquiera me hubiera valido. He aquí a un guitarrista eminentemente sureño con una elegancia, buen gusto y suficiente eclecticismo para no aburrir jamás.



 Sin duda aprendió bien de los señores feudales a los que sirvió como mercenario de élite en los 70. Boz Scaggs, The Steve Miller Band (lo encontrarás en los créditos de sus discos más icónicos), Steve Nicks, John Kay & Steppenwolf, Dave Mason, María Muldaur, Bobby Whitlock... y por lo que tal vez es más conocido: Haber colaborado en el ·"Brothers & Sisters" de The Allman Brothers Band. Además de tocas algunas fechas con ellos. Y sustituir a Duane Allmanno lo hace cualquiera, tío!. En el famoso LP toca solista en "Ramblin' Man" ) la sigue tocando en directo hoy en día), y acústica en "Jessica". De la última un recuerdo agridulce. Asegura que tuvo bastante que ver en la composición, de la que no fue acreditado. Dickey Betts y sus trapicheos, hay que darle de comer aparte. Más conexiones Allman. Cuando Gregg se hartó de la hoy recauchutada diva, Cher, ésta se lió con Dudek. Colaborando en el efímero grupo de ella, Black Rose, (con un álbum e impagables imágenes en youtube); Y en la banda sonora de la peli de moteros "Masque", que ella protagonizaba. 




En el 76 Les Dudek forma con Mike Finnigan (teclista en muchas jams de Hendrix) y Jim Krueger, The DFK Band, con un buen disco editado. Probablemente por su amistad con Boz Scaggs, en "Say no more" aparecen David Paich (teclados) y Jeff Porcaro (batería). No olvidemos que Toto se formaron como "backing band" de Scaggs. La técnica a la guitarra de Dudek es intachable, además de cantar fantásticamente. En sus surcos encontraremos funk, jazz rock(tony Willians en la batería y David Sancious al órgano en "Zorro Rides Again") y por supuesto southern rock condimentado con esencias explosivas y picantes. 


Tanto su destreza guitarristica como su repertorio son similares al gran Tommy Bolin de "Teaser" o "Private Eyes". Sobresalir cortes en "Say no more" sería injusto. Se escucha de tirón con facilidad. Al igual que los absolutamente recomendables "Les Dudek" (1.976), "Ghost Twon Parade" (1.978) y "Gypsy Ride" (1.980). En la actualidad sigue editando de vez en cuando, aunque la magia de los 70 queda muy lejos. Lo mejor es encontrárselo en vivo en cualquier biker-fest, tocando para etílicos moteros y siliconizadas rubias con olor a gasolina.





Temas
1.- "Intro" - 00:00 
2.-"Jailabamboozle" -  00:17 
3.-"Lady You're Nasty" - 04:53 
4.-"One to Beam Up" (Les Dudek, Alan Feingold) 10:29 
5.-"Avatar" - 13:57 
6.-"Old Judge Jones" - 20:42 
7.-"Baby Sweet Baby" - 25:21 
8.-"What's It Gonna Be" - 27:30
9.-"Zorro Rides Again" - 32:27
10.-"I Remember" - 38:18

Formación:
Gerald Johnson: bajo
Jeff Porcaro: batería
Alan Feingold: teclados
David Paich: Teclados
Ted Straton: teclados

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ATOMIC ROOSTER - Death Walks Behind You (colaboración de Christian Jiménez)

July 24, 2015, 12:54 am
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De esos grupos clave para entender la evolución del "rock". Atomic Rooster resultó fundamental en el progresivo y a través, además, de sus anteriores y posteriores formaciones creadas por sus ex-componentes en el "hard rock" de la década de los '70.



Siguiendo los pasos de The Crazy World of Arthur Brown, Vincent Crane formó este grupo en 1.969 con Nick Graham como bajista/vocalista, Carl Palmer a las baquetas y él mismo a los teclados.
Su primer LP salió en 1.970 y se ha llegado a convertir en uno de los más entretenidos de "rock" progresivo de los '70.
Entonces Crane se fijó en el virtuoso guitarrista John DuCann, que ya había demostrado su valía en el álbum homónimo de Andromeda. Éste se puso a las voces sustituyendo a Graham y Crane sustituyó el bajo por sus teclados. Palmer también se marcha poco después para ser reemplazado por Paul Hammond.

Este "power" trío sabe conformarse en una coherente y enérgica estructura y pare una obra de arte para la Historia: "Death Walks Behind You".



Este aplastante trabajo colocó a Atomic Rooster en un lugar privilegiado en el panorama musical de los '70.
Con la inclusión de DuCann se completa el grandilocuente sonido del anterior LP y se factura un estilo potente, desbordante de energía, ira y contundencia, convirtiendo a la banda en una de las primeras en mezclar el "hard rock" con el progresivo.
La mejor prueba es el tema que da nombre al disco, una canción de aire tenebroso, con ese "riff" principal tan significativo y recordado y ese demoledor piano que sólo Crane podía manejar tan bien.
También tenemos joyas como las más comerciales "Tomorrow Night" y "I Can't Take no More", otras instrumentales como "V.U.G." o esa "Gershatzer" donde Crane, Hammond y DuCann crean un enfrentamiento brutal entre teclados, batería y guitarra, y la poderosa "Sleeping for Years".
Para finalizar tenemos el "single" de aire "funky" que publicaron al año siguiente, "Devil's Answer", y que logró llegar al 4º puesto de las listas británicas convirtiéndose en su tema más exitoso.
El disco se corona en el nº 12 de los "charts" y lanza a Atomic Rooster al estrellato...

Algo que no supieron aprovechar, por desgracia.
Se incorpora a la voz Peter French, procedente de las filas de Leaf Hound, y graban "In Hearing of Atomic Rooster" ('71). En este trabajo intentaron explotar el éxito que generó el "Devil's Answer", adentrándose en terrenos de "blues" y "funky", y dejando un tanto de lado el "rock" progresivo que les había caracterizado, sin la fortuna y el acierto que el grupo mostró en el "single".
DuCann se va y forma junto a Hammond, Hard Stuff, y French se marcha poco después a CACTUS, tocándole el turno a Chris Farlowe...

De todas formas nos queda el testimonio de un trío acojonante que supo dar lo mejor de sí en esta obra maestra.






Temas

1. "Death Walks Behind You"
2. "V.U.G."
3. "Tomorrow Night"
5. "Seven Streets"
6. "Sleeping for Years"
7. "I Can't Take no More"
8. "Nobody Else"
9. "Gershatzer"

Formación
Vincent Crane – teclados, voz

John Du Cann – guitarra, voz

Paul Hammond – batería

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MENDELBAUM -Mendelbaum 1969-1970

July 27, 2015, 1:39 am
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Mendelbaum fue una de las muchas bandas que se forjaron en San Francisco a finales de los sesenta pero que no tuvieron la repercusión adecuada fuera de esa zona. Algunos de sus miembros posteriormente se incorporaron a formaciones de gran renombre. Su guitarrista, Chris Michie, formó parte del grupo de Van Morrison y el batería , Keith Knudsen, tocó junto a Johnny Winters antes de entrar en los Doobie Brothers .


Chris Michie nació en Nueva York (1.948) y siendo adolescente se traslada a Wisconsi donde comienza su carrera musical en algunos grupos locales. En el 69 se traslada a San Francisco entra en contacto con el batería  Keith Knudsen y se forma la Mendelbaum Blues Band. Rapidamente obtienen cierto renombre actuando en locales como el Rock Club, The Cabaret o el mítico The Matrix donde también actuaron The Jefferson Airplane, The Greateful Dead o Santana.  Tuvieron la suerte de actuar junto a B.B. King, Albert King, entre otros.  En el 70  graban unos temas para la Warner Brothers para su futuro primer disco que nunca vió la luz. En el 71 Michie decide abandonar el grupo y la banda se desvaneció.


Nos encontramos ante un doble cd de una banda con los sonidos propios de San Francisco de finales de los 60. Mucha psicodelia mezclada con pinceladas folk, country y raíces blues con una buena instrumentación guitarrera acompañada por una buena sección de viento, George Cash, y un buen órgano Hammond.  El primer cd contiene algunos de los temas de lo que debió ser su primer disco, unos 35 minutos de buena psicodelia. El segundo cd contiene las actuaciones del grupo en The Matrix y en el Filmore West en el 69. Temas destacados "Last Saturday Night" y "Every Day & Every Night". La guitarra, órgano, saxo, sección rítmica y armonías vocales te harán disfrutar de lo lindo.



Temas
CD1
1. Days Gone By - 00:00
2. Since I Met Her - 04:08 
3. Oh, Yes, Yes! - 07;34
4. Key Of Be - 11:18 
5. No Hiding Place - 18:29 
6. All My Life - 23:57 
7. Walk With Me - 26:44 
8. I'm A Fool - 29:29 
9. Blood Of The Nation - 31::50

CD2
1. Wars To Rainstorms - 36:43 
2. Rhyme Of Time - 40:43 
3. No Reason - 44:08
4. They Don't Know - 48:30 
5. Message For The People -50:15 
6. What To Do - 53:39 
7. Last Saturday Night - 58:05 
8. Learning To Die - 01:05:11 
9. Lost Hope - 01:07:48 
10.Every Day And Every Night - 01:13:03 
11.Drivin' Wheel - 01:21:20
12.Since I Met Her -01:27:19

Formación
Chris Michie - guitarra, voz
Tom LaVarda - bajo, piano, voz
Keith Knudsen - batería, voz
George Cash - saxo, voz
Ronnie Page - teclados (Disc 2, Tracks 1-8)
J. D. Sharp - teclados

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REFUGEE - Live in Concert, Newcastle City Hall, 1.974 (colaboración J.J. Iglesias)

July 29, 2015, 1:19 am
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Este es uno de esos grupos "favoritos" de aquellos ineptos juntaletras de finales de los 70 que se empeñaron en cargarse el género progresivo por sus santos cojones. Reunía todas las virtudes/defectos que les encantaban para ponerlos a parir sin más excusa que su "pretenciosidad" y "virtuosismo gratuito". Me pregunto cómo podría se sino, rock progresivo, algo que no incluyera estas facultades. Es como si yo digo que la música clásica es basura porque toca mucha gente. O el punk una cutrez porque critican al sistema. Un sin sentido ridículo, lo de aquellos "críticos", ("ande andarán", por fortuna!!). 





 La bendita pretenciosidad de Refugee venía directamente de los últimos movimientos del gurú del género, Mr. Keith Emerson. Tras dejar The Nice para formar E, L & P, sus dos miembros restantes toman caminos en solitario. Brain Davidson's Every Wich Way para su batería, Jackson Heights para el  bajista-cantante Lee Jackson. Este último le propone , tras unos albumes para Vertigo, unirse a su banda a Patrick Moraz. Teclista prodigio suizo que ya venía de los fabulosos Mainhorse. Este le dice que no, que mejor se montan  un trío explosivo a lo The Nice/E.L & P. Y con el percusionista Davidson de vuelta crean Refugee. Banda de ireprochable solvencia técnica muy similar a los holandeses Trace, Por poner otro ejemplo ( de muchos), de trío dominado por últimos ingenios electónicos ( mini moog, AKS synth, clavinet, mellotron, marimbaphone y los clásicos Hammond y Rhodes), en alegre concordancia con el rock, clásic y jazz. 



Editan en Charisma su homónimo debut  en 1.974. Disco imprescindible si te gustan estos adorables excesos de buena música por el morro. Debería haber comentado este único disco del trío, pero como soy un friki incorregible ( en Big Banf Theory les haría falta uno como yo!), me decanto por este "Live"editado por el sello Voiceprint en el 2.007. Queda dicha la recomendación de su único oficial de estudio. El sonido de "Newcastle 74" es bastante bueno, como el de un bootleg de buena calidad. Y es un documento excepcional para oír como se las gastaban estos fieras ante una audiencia de peludos universitarios inmersos en pot of weed esencias. Incluye temas de su recién editado álbum, más un corte de The Nice y "She Belongs to me " de Bob Dylan, (siguiendo la tradición de la Manfred Mann's Earth Band de sintonizar un tema dylaniano). A destacar los casi 20 minutos de "Grand Canyon Suite", donde Moraz se lko pasa en grande con sus juguetes. Nada que envidiar a Emerson y Wakeman. Ya se pueden apreciar sus grandes influencias jazzisticas.




Terminan con una "Refugee Jam" pseudoimprovisada con clavinet enloquecido y rebelde solo de mini moog. Tras esto, ya sabes, Yes le propone a Moraz sustituir a Wakeman, y se marcan mi disco favorito de éstos, "Relayer". En el que la influencia del suizo resulta definitiva.







Temas
1. Outro - Ritt Mickley 
2. One Left Handed Peter Pan 
3. The Diamond Hard Blues Apples Of The Moon 
4. Someday
5. Papillon 
6. She Belongs To Me 
7. Grand Canyon Suite 
- a. The Source 
- b. Theme For The Canyon 
- c. The Journey 
- d. Rapids 
- e. The Mighty Colorado
8. Refugee Jam 

Formación
Brian Davison : batería
Lee Jackson :bajo, voz
Patrick Moraz : teclados

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CACTUS - Restrictions 1.971 (colaboración de Christian Jiménez)

July 31, 2015, 2:39 am
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Concebido inicialmente, en 1.969, como un proyecto musical que unía a Carmine Appice y Tim Bogert con el guitarrista Jeff Beck, el cantante Rod Stewart y la xilofonista Adele Smitchell, cosa que no pudo llevarse a cabo por el grave accidente automovilístico de Beck, CACTUS es una de esas formaciones consideradas, hoy en día, de auténtico culto, para echar la vista hacia atrás y ver la contribución que grupos tan maravillosos, como éste, dio al "hard rock" de la década de los '70.



Finalmente decididos a sacar la banda por su cuenta, Appice y Bogert contratan al cantante Rusty Day, llegado de The Amboy Dukes, que lideraba Ted Nugent en sus años de psicodelia, y al guitarrista Jim McCarty.
Creada la formación sacan en 1.970 su álbum debut, un cóctel de rabia "rockera" al estilo de Zeppelin con retazos "blues" y pinceladas de "rock" sureño y "boogie rock", pero, sobre todo, mucho, mucho carisma donde sobresalía esa rasposa y gruesa voz de Day y la crudeza de un sonido que bien se podría decir que se muestra como pionero de lo que, poco tiempo después, se conocería como "heavy metal" americano.



Este "Restrictions" es el tercero de su corta pero a la vez sorprendente producción.

Como en sus dos anteriores LP's encontramos grandes dosis de fuerza a base de potentísimos guitarrazos y una batería mercenaria, como en "Evil", una de las mejores muestras; un pildorazo de poco más de tres minutos cargado de intensidad.
Más extensos son el tema que le da título al álbum, quizás uno de los más progresivos del grupo con esos cambios de ritmo tan marcados, y la mítica "Guiltless Glider", con esa guitarra de McCarty cabalgando ferozmente entre una aplastante base rítmica para terminar en un pasaje de auténtico lucimiento de Appice, demostrando su maestría a las baquetas.
Cabría nombrar "Alaska", uno de esos temas típicos de la banda, de pura onda "blues", con un sonido más tranquilo, aunque animado a la vez, que no se diga, y la nostálgica armónica de Day dominando la composición; diría que es una de esas canciones que podrías escuchar perfectamente en un bar de Texas a las cinco de la tarde.
Aunque para animada la más "boogie" del disco: "Sweet Sixteen", un corte muy disfrutrable y entretenido de ritmo incansable que trae, como un perfecto broche de oro, la dura "Bag Drag", donde el sonido de una conclusión infinita se une a las voces de los integrantes y a unas guitarras acústicas que, definitivamente, presagian el verdadero final del disco.
Con un suave rasgueo de guitarra y el eco de la armónica, resonando de fondo, se termina uno de los mejores trabajos de "hard rock" americano setentero que jamás he oído.




CACTUS fue un combo perfecto de energía, chulería y rabia que, por desgracia, quedó allí, en la época de mayor gloria para el "rock", la década de los '70.
Tras este irrepetible "Restrictions" los productores y managers creyeron que lo mejor era que la banda explotase las influencias que llegaban del otro lado del charco, así fue como ficharon a Duane Hitchings para los teclados, como Rusty Day fue despedido (gran error, ¡¡grandísimo error!!) y como entró Peter French a las filas de CACTUS; un vocalista también del estilo de Day, aunque mucho más flojo, todo hay que decirlo, y que ya había estado en otra banda también de culto, Leaf Hound, y entre la tropa de la siempre cambiante Atomic Rooster, grabando con ellos el flojo "In Hearing of Atomic Rooster" (1.971).
Realizaron "'Ot 'n' Sweaty" en 1.972 y luego se disolvieron definitivamente, volviendo Bogert y Appice con Beck para grabar al año siguiente, precisamente, el ya legendario "Beck, Bogert & Appice", quizás uno de los mejores álbumes de la Historia del "rock" que jamás se hayan hecho.

...Pero eso ya es irse demasiado lejos. Centrándonos en 1.971 tenemos este LP, también imprescindible en una formación mítica que no debería pasar desapercibida para nadie.
Un LP que hay escuchar con los oídos bien abiertos y saboreando cada una de sus siete perlas musicales, porque ninguna de ellas tiene desperdicio, desde luego.




Temas

1. "Restrictions"

2. "Token Chokin'"
3. "Guiltless Glider"
4. "Evil"
5. "Alaska"
6. "Sweet Sixteen"
7. "Bag Drag/A Mean Night in Cleveland"

Formación
Tim Bogert – bajo, voz
Carmine Appice –batería, voz
Jim McCarty – guitarra
Rusty Day – voz

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KARTHAGO - Live at the Roxy 1.976

August 3, 2015, 2:14 am
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Karthago fue un grupo alemán, no confundirlos con el grupo húngaro del mismo nombre, que tuvo en su filas al bajista  Glenn Cornick (ex Jethro Tull).


Joey Albrecht (guitarra) y Gerald Luciano Hartwig (bajo) llevaban desde el 68 trabajando juntos en la banda "Blues Machine". En 1.971 deciden formar Karthago junto al percusionista  Thomas Goldschmitt. Ese mismo año fichan por BASF y antes de iniciar las grabaciones de su primer disco, "Karthago", se incorporan al proyecto Ingo Bischof (teclados) y Wolfgang Brock (batería). El disco tuvo un notable éxito, no solo en Alemania, en Francia también obtuvo cierta repercusión lo que les sirvió para realizar giras por Austria, Suiza, Holanda, Bélgica, Francia, Suecia, Dinamarca y Finlandia.  Su segundo disco, "Second Step", llegó en 1.973 , el batería Brock había sido sustituido por Norbert Lehmann que en unos meses deja el grupo para entrar en  Epitaph, Konstantin Bommarius ocuparía su lugar. En el verano del 74 Hartwig deja el grupo y entra Glenn Cornick. Llega su tercer LP, "Rock 'N Roll Testament", notablemente influenciado por los numerosos cambios en las filas del grupo.  En 1.976 llegó su primer disco en directo "Live at the Roxy" con el regreso del bajista Hartwig. Ese mismo año decidirían disolverse.  A pesar de todo Albrecht reunió a varios músicos en el verano del 77 para editar "Love is a Cake".


Este doble Lp nos muestra las actuaciones de la banda en Hamburgo y en el Roxy de Berlín en enero de 1.976. Su música nos muestra un rock muy sólido con matices funk y progresivo. Buenos solos de guitarra ,teclados, y con unas percusiones muy al estilo Santana.  En temas como "Rock 'n roll Testament" y sobre todo "We Gonna Keep It Together" pueden llegar a sonar como los Allman Brothers. El ambiente creado en "Thema in C" por el piano eléctrico me recuerda a la época del "Lotus" de Santana. "Highway Seeker (Did Nobody Tell You)" sireve para el lucimiento de Albrecht (guitarra) y en "We Give You Everything You Need" el turno les llega a Hartwig (bajo), Funk (batería) y Goldschmitt (percusión). Como fin de fiesta el conocido "Going Down" (Freddie King).  En definitiva un gran disco en directo.









Temas


1 The World Is Like A Burning Fire 00:00 
2 Sound In The Air 05:40 
3 Rock And Roll Testament 10:35 
4 We Gonna Keep It Together 15:36 
5 Thema In C 23:00
6 The Second String Rambler 33:40
7 Wild River 46:19 
8 Highway Seeker (Did Nobody Tell You) 53:25
9 We Give You Everything You Need 01:09:40
10 Going Down 01:23:30 
11 See You Tomorrow In The Sky 01:29:00

Formación
Gerald Hartwig: bajo
Ringo Funk: batería
Reinhart Bopp: guitarra
Joey Albrecht: guitarra, voz
Ingo Bischof: teclados
Tommy Goldschmidt: percusión

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Rockliquias Actual: MORTE MACABRE - Symphonic Holocaust 1.998 (colaboración J.J. Iglesias)

August 5, 2015, 2:03 am
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La tendencia del ser humano por simplificar la historia no es ajena tampoco al rock. Así, mientras muchos iluminados ven a la década de los 90 como "la del grunge", olvidan alarmantemente que fueron los años en que, por fin, resucitó el rock progresivo. La rancia prensa musical ya nada podía hacer contra las desprejuiciadas nuevas generaciones que descubrían , fascinados, los olvidados vinilos prog. de sus padres. De ahí saldrían nombres que ya forman parte de nuestra historia progresiva más reciente (si es que se puede aplicar esta palabra a un resurgir que ya ha cumplido 20 años). El norte de Europa estuvo especialmente fino. Anglagard ( su "Hybris" ya forma parte del Olimpo Prog, con los más grandes), White Willow, The Flower Kings, Anekdoten o Landberk, hicieron poner los radares en dirección a Escandinavia.




Nicklas Berg (Rhodes, theremin, guitarra y bajo) y Peter Nordins (batería, percusión) de Anekdoten, Stefan Dimie (bajo y moog) y Reine Fiske (guitarra, violín, Rhodes) de Landberk. Crearon esta fantasmagoría sónica llamada Morte Macabre. Su único disco, "Symphonic Holocaust". Obra maestra de este grupo que no ha tenido continuación, aunque los rumores de una vuelta siempre están en el aire. El sonido de Morte Macabre giraba en torno al sagrado armatoste de los 70, el mellotrón, Instrumento icono del rock progresivo. Los cuatro miembros del grupo atacan este "proto-sampler" con pasión maquiavélica. Y la temática del disco es el terror las pelis de miedo. Algo manido hasta la saciedad en el metal, pero que demuestra aquí ( una vez más), cual es su verdadero hábitat musical: el campo del rock progresivo. Los maestros Goblin, Gracious, Museo Rosenbach, King Crimson, Pink Floyd o Tangerine Dream en los 70 exploraron el género progresivo-terrorífico entre otros muchos, con perfecta solvencia. Su idiosincrasia fílmica y descriptiva lo hace ideal para estos menesteres. Temas extraídos de "City of the living Dead", "The Beyond", la sobrecogedora "Lullaby" de "Rosemary's Babe" (Roman Polanski), "Beyond the Darkness", "Cannibal Holocaust" y "Golden Girls". Películas series B de cine de barrio que ví de adolescentey me marcaron. 




Para terminar en la cara D del álbum doble con "Symphonic Holocaust" de casi 20 minutos, trabajo original de la banda de magnitudes colosales. Este disco da para un ensayo o tesis doctoral, señores. Esto es música que retrata el mal desde un punto de vista interior, sincero y diabólicamente humano. Una oda a la temporalidad de la carne y al inevitable paso del tiempo. La vida y la muerte como una sola cosa. Estamos ante un disco único en su género. Primordial. Pero si quieres emociones de índole similar, puedes indagar en la obra de Anima Morte. Totalmente influidos por esta monstruosa materpiece. "Cuarto Milenio" debería atender a ésta sombría rockliquia.



Temas 
Apoteosi Del Mistero


Threats Of Stark Reality


Sequenza Ritmica E Tema


Lullaby

Quiet Drops


Opening Theme


Suoni Dissonanti


The Photosession


Symphonic Holocaust



Formación

Stefan Dimle: bajo, teclados
Peter Nordins: batería, teclados
Reine Fiske: guitarra, teclados
 Nicklas Berg: teclados, bajo

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JUDAS PRIEST - Sin after Sin 1.977 (colaboración Christian Jiménez)

August 7, 2015, 6:32 am
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1.977: una fecha clave para muchas bandas de "rock" de la época.
Ted Nugent llegó con su álbum más vendido, el mítico "Cat Scratch Fever"; AC/DC hicieron que los de Atlantic se pusieran de rodillas ante ellos con su "Let There be Rock"; los Lynyrd Skynyrd rindieron tributo a sus caídos con "Street Survivors"; QUEEN conquistaron al mundo con su "We Will Rock You!" y su "We Are the Champions", ambos del "News of the World" y un descontento Ian Anderson se cortó sus barbas y melena, se largó a vivir al campo y creó "Songs From the Wood", uno de sus álbumes más brillantes...todo esto mientras el "punk" que inauguraron Los Ramones, y que explotaron bien los Sex Pistols, dominaba la escena popular de la música.
Pero para una banda original de Birmingham, que tan sólo hizo dos álbumes en una compañía menor como era Gull Records y que se estaba ganando a pulso el tener un puesto privilegiado en el mundo de la música, fue un momento realmente crucial en su carrera.




Y es que Judas Priest rozaron el techo de su creatividad y virtuosidad discográfica con su rompedor y sobresaliente "Sad Wings of Destiny", álbum de álbumes y esencial si se quiere entender las palabras "heavy metal". Puede que Black Sabbath y otras bandas empezaran a darle forma al género, pero fueron Halford y compañía quienes lo inventaron como concepto musical y casi como modo de vida cuando en el '78 aparecieron llevando el cuero negro que representaría la manera de vestir que tenía que llevar realmente ese término musical.
Pero el caso es que en el '77 CBS se interesó por los chicos y les ofreció un nuevo contrato. Estaba claro que Gull no les trataba como se merecían y la oportunidad más grande se presentó de repente, así que ni se lo pensaron.
Lo malo, y a día de hoy es todavía una molestia, es que Gull se quedó con los derechos de los dos primeros discos de la banda ya que el juicio lo perdieron como siempre los músicos y, como siempre, quienes ganaron, fueron los ejecutivos.

Pero todo estaba a punto de cambiar: Alan Moore es despedido, la compañía le propone al bajista de Deep Purple que haga de productor (quien ya había hecho una labor excelente con los "Razamanaz" ('73) y "Rampant" ('74) del grupo Nazareth) y un joven de 19 años llamado Simon Phillips se pone a las baquetas.
Todo esto lleva al mismo destino, grabado en los Estudios Pinewood, uno de los más poderosos, enérgicos y, dicho sea de paso, míticos álbumes de "heavy metal" que se hicieron por aquellos '70, "Sin After Sin".

Y es que, si en "Sad Wings of Destiny" encontrábamos un sonido muy pulido, unas guitarras con sonidos afilados y cristalinos al mismo tiempo y una voz limpia y pletórica, en este disco el ambiente se torna mucho más tenebroso y el sonido cambia ligeramente para hacerse más agresivo, al igual que la voz de Halford, que parece mostrar incluso cierto aire de enfado en sus inflexiones.




Pues agárrense:
-Este periplo comienza con el tema que (practicamente) da título al álbum: "Sinner", una inclemente canción imprescindible en la discografía de la banda y una de las más grandes que hayan hecho.
Lo que nos encontramos es una voz, como ya comenté, más agresiva y rasposa, para que encaje bien con el sonido de unas guitarras corrosivas que realizan espectaculares batallas de "riffs" entre sí, aunque si por algo destaca es por ese solo de K.K. Downing en mitad de la composición y que, sin exagerar, pone los pelos de punta.
-Luego nos vamos con el más comercial del LP, también de ejecución obligatoria en sus conciertos y a día de hoy un verdadero "diamante" musical, "Diamonds and Rust" (que fue decisión de Glover el que acabara en el disco...sabia decisión), una vuelta de tuerca de la recordada canción de Joan Baez que encaja perfectamente entre la primera y la que viene después.
-"Starbreaker", otra mucho más "rockera" donde despuntan su divertida batería del principio y el ritmo tan Purple que tiene.
-"Last Rose of Summer" es, posiblemente, una de las baladas más sensibles que el grupo realizó, donde aquí los dulces sonidos que desprenden las cuerdas de Tipton se funden delicadamente con la satinada voz del cantante, aquí mostrándonos la gran versatilidad de sus cuerdas vocales. Inolvidable ese "the last rooose...of the summeeer..." que se va repitiendo a lo largo de los últimos 2:49 minutos y que se mezcla con las finas notas que van apagándose poco a poco para dar paso a la que es mi favorita de todo el álbum.
-"Let us Prey/Call for the Priest", la mejor. Un tema 100% Priest, como puede serlo "Stained Class" o "Tyrant", donde, tras ese primer minuto de introducción, comienza el bombardeo de Phillips, seguido de un contagioso "riff" de guitarra y los fuertes tonos de Halford. Frénetica y sin darte un respiro, es capaz de ponerte a 1.000 por hora las pulsaciones con su ritmo incansable y sus vertiginosos aunque milimetrados solos de guitarras, donde Tipton descarga enfermizas toneladas de notas rapidísimas y Downing le contesta como diciendo "¡¿pero tú qué pretendes, cap***o?, ¿ir más rápido que yo? J***r, te vas a enterar!". Todo se descontrola en esos escasos 50 segundos pero de una manera muy precisa, y e ahí la maestría de los dos guitarristas. Se podría decir que es la primera de "speed metal" de la historia, si no hubiera sido por Armageddon y su "Buzzard".
-Una pieza que se describiría como un corrosivo "blues" viene detrás, "Raw Deal", dicho sea de paso es la primera declaración de Halford de sus tendencias homosexuales (sólo hace falta fijarse un poco en lo que dice la letra), y que sus irreverentes "riffs" con sus cambios de ritmo tan entretenidos conforman una sinfonía áspera y a la vez divertida de escuchar.
-Vamos terminando y nos metemos de cabeza en la más lóbrega del disco, la melancólica balada "Here Come the Tears". Finas cuerdas en el minuto 1:09 nos enseñan la tristeza que el señor Halford quiere impregnarnos para en el 1:59 romper en gritos con su plegaria de dolor seguido de un emotivo y emocionante solo y acabar como acababa "Last Rose of Summer", repitiendo todo el rato el título. Es inevitable que la carne no se ponga de gallina en esos últimos segundos de la canción.
-Pero la delicadeza se va al carajo cuando una tremenda explosión y un juguetón rasgueo, unido a la base rítmica de Hill y Phillips, y el redoble de las baterías que éste hace, trae consigo el agudo chillido del vocalista que presagia el espectacular final: "Dissident Aggressor", la más extrema muestra de "heavy metal" setentero y la primera canción de "thrash metal" de la historia (por mucho que se empeñen en que lo es el "Sheer Heart Attack" de QUEEN).
El más desquiciado de los solos restalla sin control alguno, deseando arañar los tímpanos de los oyentes y la velocidad va creciendo por momentos mientras Rob Halford pronuncia con más ira que nunca los últimos versos.




Certificado como "Oro", y llegando al 23 en los "charts", "Sin After Sin" se convirtió en una piedra angular en la discografía de Judas Priest. Gracias a él pudieron desembarcar en las costas americanas y compartir cartel con grupos de la talla de Foreigner o REO Speedwagon, pero lo mejor llegó cuando el grupo puso los pies en el Oakland Coliseum siendo teloneros de los mismísimos Led Zeppelin y tocando frente a 120.000 fans durante dos días.
Algo que les consagró aún más. Les Binks llegaría poco después y se meterían en el estudio para hacer el no menos impresionante "Stained Class" y darle más orgasmos (musicalmente hablando) al mundo...pero todo el mundo se sabe la historia...poco después ya se habrían convertido en los dioses indiscutibles del "heavy metal".

En este tercer disco daban sus primeros pasos, o más bien zancadas, para, justamente alcanzar ese título. En fin, aquí lo que hay son 40:36 minutos de esplendor que hay que escuchar con los oídos bien abiertos...¡y ya está!





Temas
0:00 Sinner
6:44 Diamonds and Rust
10:11 Starbreaker
15:02 Last Rose of Summer
20:39 Let Us Prey/Call For The Priest 
26:51 Raw Deal 
32:52 Here Come The Tears
37:29 Dissident Aggressor
40:37 Race with The Devil
43:44 Jawbreaker

Formación
Rob Halford: voz
K.K. Downing: guitarra eléctrica
Glenn Tipton: guitarra eléctrica y coros
Ian Hill: bajo
Simon Phillips: batería 

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