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Channel: ROCK LIQUIAS
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RANDY HOLDEN - Population II 1.969

August 10, 2015, 1:36 am
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Randy Holden es uno de los guitarristas más olvidados del rock. Después de su paso fugaz por Blue Cheer, grabó un disco y desapareció durante veintisiete años.


Randy Holden nació en Pensilvania (1.945). Comenzó tocando en grupos como The Iridescents , Fender IV  o The Sons of Adam. Con estos últimos abrió el show de los Rolling Stones en el Long Beach Sports Arena. Con los  The Other Half graba un disco y en el 69 se une a Blue Cheer sustituyendo a  Leigh Stephens. Su paso por el grupo se reduce a menos de un año y una reducida intervención en el disco  New! Improved! . Tras abandonar la banda se embarca en el proyecto "Population II" junto al batería Chris Lockheed. Problemas de todo tipo con la compañía discográfica suponen la ruina para Randy y decide alejarse de la música. Veintisiete años después salió de las catacumbas para volver a la vida.


Si tenemos en cuenta que en 1.969 Randy Holden grabó con una muralla de 16 amplificadores Sunn de 200 vatios cada uno, nos podemos imaginar  cual puede ser su sonido.Guitarra llena de distorsión y fuzz dan como resultado unas sonoridades que se adelantaron a su época. Hoy lo llamaríamos proto doom, stoner o cualquier otra de esas etiquetas que tanto nos gusta poner. En realidad es un hombre con su hacha (guitarra) y con una montaña de amplis. Sonidos en algunos casos comparables a los primeros Sabbath. Acompañado por el batería Chris Lockheed, Randy se hace cargo de la guitarra, el bajo y la voz. Recomendado oírlo alto muy alto, como en los viejos tiempos.




Temas
1. Guitar Song 00:00 
2. Fruit & Iceburgs 06:11
3. Between Time 11:12
4. Fruit & Iceburgs (Conclusion) 13:00
5. Blue My Mind 14:55
6. Keeper of My Flame 20:54

Formación
Randy Holden: Guitarra, Bajo, Voz 
Chris Lockheed: batería

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AERIAL - In the Middle of the night 1.978 (colaboración J.J. Iglesias)

August 11, 2015, 12:59 am
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Nos acercamos por Canadá para echar un vistazo a una de esas grandes bandas Pomp (prog + hard) que adornaron el panorama inmenso de los 70. Aerial procedía de la Beatles Tribute Band, Liverpool. 


En el 77 Gary O'Connor (guitarras, bajo, voz) cambiaría el estilo y nombre del grupo por algo más acorde con los tiempos. Malcolm Buchanan con su arsenal teclístico aporta el distintivo sabor progresivo. Laurie Currie en la batería (y teclados/voz), y Brian Miessner al bajo (acústicas/voz) completan el cuarteto. Aquí tenemos muchas conexiones con Rush: Ray Daniels, hombre clave en los comienzos del trío, ficha a Aerial par asu sello Anthem. Posteriormente lo haría con los propios Rush y Max Webster. Estos últimos, otros compañeros de carretera de Geddy Lee y cía. "In the Middle of the Night" (1.978) se grabó en los Phase One Studios de Toronto. Y el bonito diseño de la carpeta corrió a cargo de Hugh Syme. Todo conexiones Rush.




Como mandan los cánones del buen Pomp, las armonías vocales reinan con deliciosos apoyos a la voz solista. Y su anterior experiencia beatleniana facilitó el trabajo. Abre el disco "Harmony" con interludios teclas-guitarra, con mellotron de fondo y un atrapante estribillo. Le sigue el tema título, una fabulosa composición de sabor hard-funk que merodea territorios cercanos a Saga y Toto. El break instrumental en la mitad no estaría de más en un disco de Barclay James Harvest. Gary O'Connor exibe un gusto en sus intervenciones de guitarra excepcional. "Easy Love" fue un single de moderado éxito par el grupo. Un medio tiempo soft de elegantes líneas instrumentales en línea Firefall/Player. "All Right" ofrecesoporte teclístico-vocal similar a los mejores Styx. "If Only I Were Older" podría ser Boston con Rick Wakeman. La segunda cara incide en el sinfonismo hard a lo Styx, Touch o Zon (otros grandes pompers canadienses). "Race the Sun " y "You're Got a Way" funcionarían en un repertorio de Novalis o Hoelderlin. "Indispensable Thomas Hensible" y "Gypsy Face" poseen un aderezo más hard rock, sin perder sus esencias teclísticas reinantes.

Álbum de notable muy alto que tendría un discreto seguimiento con "Maneuvers" (1.980), ya sin Gary O'Connor, que seguiría carrera en solitario. Posteriormente sería conocido como compositor par otros artistas, entre otros Molly Hatchet, 38 Special o Eddie Money.

 Aerial forma parte del panteón de promesas truncadas que, no obstante mala suerte, dejaron huella en forma de pequeñas joyas par la historia. Yen Canadá hubo gran cantidad de ellas. Seguiremos informando.







Temas

1.- Harmony 00:00 
2.- In the Middle of the Night 03:28
3.- Easy Love 08:38 
4.- All Right 11:53 
5.- If Only I Were Older 15:00 
6.- Indispensible Thomas Hensible 18:06 
7.- Race the Sun 23:22 
8.- You've Got a Way 27:14
9.- Gypsy Face 31:59
10 - Moments Like This 37:34

Formación
Brian Miessner: bajo, voz
Laurie Currie: batería
Gary O'Connor: guitarra, voz
Malcolm Buchanan: teclados

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LAFAUCI - Lafauci 1.978

August 15, 2015, 2:55 am
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Lafauci es un grupo de "southern rock" que a buen seguro nos hará pasar un buen rato y por ello merece tener su rinconcito este blog.



Esta bandas de Luisiana comenzó su recorrido a mediados de los 70. Su formación estaba integrada por Sal Lafauci (voz, batería y órgano) , Weil (bajo), Steve Dodds (guitarra) y Keith Guidroz (guitarra). En el 78 consiguieron lanzar 1.000 copias de su único disco "Lafauci". Su buen rock sureño no fue suficiente para que su carrera perdurase en el tiempo.


El primer tema, "Flowing River", nos puede hacer pensar que estamos ante un grupo de rock progresivo, sobre todo por los teclados del invitado Billy Stround. Nada más lejos de la realidad, este grupo nos muestra un rock sureño de pura cepa, basta oír temas como "Ride Chester," , "Lovingyou is right", "My Woman" o "Let the good times Roll". Escuchando estos temas nos recordaran a gente como Outlaws  o Molly Hatchet, con la voz ruda de Lafauci y el tratamiento de dobles guitarras de Dodds y Guidroz. Temas más tranquilos los encontramos en "Special Love" o en "Help Yourself".




Temas
1.Flowing River 00:00
2.Ride Chester 02:38
3.Lovin You is Right 05:19
4.Special Love 08:20
5.My Woman 12:30
6.Let The Good Times Roll 15:24
7.Help Yourself 17:55
8.Mary,Mary 22:07
9.Don't Be a Traitor 24:45

Formación
Sal Lafauci ) - voz, batería
Chip Weil - bajo
Steve Dodds - guitarra
Keith Guidroz - guitarra
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THE HUMAN BEAST - Volumen One 1.970

August 17, 2015, 2:34 am
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The Human Beast fue una banda con un sonido oscuro e inquietante que no tuvo éxito pero que puede llegar a hipnotizarnos con su música.


Lo cierto es que los datos sobre el grupo son escasos. Procedían de Edimburgo y se formaron a finales de los 60. La banda estaba formada por John Romsey (batería) , Ed Jones -(bajo, voz ) y  Gillies Buchan (guitarra,voz). Ficharon por DECCA y en 1.970 editaron "Volumen One" teniendo como productor a  Ray Horrics.


Este trío escocés desarrolla una música que se mueve por los caminos de heavy psicodélico. Temas con sonido oscuro donde predomina la guitarra de Gillies Buchan y su abuso del Wah wah, y una notable sección rítmica con un jovencísimo batería, John Romsey, apenas 16 años.  El primer tema, "Mystic Man", es uno de los más destacados. También podemos encontrar ciertos sonido raga en alguno de sus temas, " Appearance Is Everything, Style Is A Way Of Living". Su versión de "Maybe Someday" de  The Incredible String Band, es más que notable.




Temas
1.- Mystic Man- 00:00
2.- Appearance Is Everything, Style Is A Way Of Living- 06:53
3.- Brush With The Midnight Butterfly-11:30
4.-Maybe Someday-16:56
5.- Reality Presented As An Alternative-23:20
6.- Naked Breakfast-28:23
7.- Circle Of The Night-31:35

Formación
John Romsey :batería
  Ed Jones : bajo, voz 
  Gillies Buchan :guitarra,voz


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PETE CARR - Not a Word on it 1.976 (colaboración J.J. Iglesias)

August 19, 2015, 1:25 am
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No hace Mucho traíamos por aquí a Les Dudek, un guitarrista ligado a la gran familia Allman. Hoy hacemos una segunda parte con otro estupendo músico de sesión de este instrumento. Y también relacionado con la Allman Brothers Band. 





Pete Carr comenzó como bajista en The Hourglass, junto a los luego famosos hermanos Gregg y Duane, Paul Hornsby y Johnny Sandlin. Posteriormente pasaría a Muscle Shoals Rhythm Section, siendo reputado sesionero par artistas de la talla de Joan Baez, Bob Seger, Boz Scaggs, Paul Simon, Rod Stewart, Wilson Pickett o Hank Willians JR. También formaría parte del dúo Leblanc & Carr. En los 70 grabó cuatro albumes en solitario (más similitudes con Dudex), y aquí traemos uno de ellos. En él encontramos algo así como "southern-fusión", si es que existe esa etiqueta. Y probablemente así es, si nos fijamos en otros ilustres ejemplos Dixie Dregs, Sea Level o el propio Les Dudek. Totalmente instrumental, la guitarra de Pete Carr brilla en unas composiciones construidas entre influencias de Jeff Beck, Duane Allman, Dickey Betts o Roy Buchanan.

Hasta tres teclistas respaldan al jefe: Tim Hansen, Clayton Ivey y el gran Chuck Leavell (Allman Brothers/ Sea Level /Rolling Stones9. Harvey Thompson añade el necesario gusto jazzy son su saxo. Roger Clark y Tom Ready eran batería y percusiones, respectivamente. Y el bajo corría a cargo de su amigo y compañero de dúo, Lenny Le Blanc. 






"Tuscumbian Lover" abre el álbum con influencia del eterno Roy Buchanan, par pasasr a un desarrollo jazzistico-sureño muy similar al clàsico Allman "In Memory of Elizabeth Reed". Esto se vuelve característico en el estilo de componer de Pete Carr. Le sigue "Fox Fire" con más southern feel y un fogoso saxo. No quedaría extraña en un álbum de Sea Level. El ritmo calipso de "Journey with the Breeze" deja entrever el respeto que Carr siente por el Jeff Becj de "wired" o "Blow by blow". Algo que continúa  en "on Lucifer's Knee". Volvemos al puro sonido Allman en la espectacular "Theme from Sparke". La segunda cara sigue dando una lección de guitarra maestra southern-fusión, desembocando en la explosiva "Twisted Hair" de siete minutos magníficos, en cabalgada eufórica al más puro estilo Dickey Betts.

En 1.978 editaría el también recomendable "Multiple Flash", que se encargaría de promocionar teloneando a Lynyrd Skynyrd en la fatídica gira de "Street Survivors", sí, la del accidente aéreo.
"Not a Word on it" resulta un estupendo disco instrumental / de ahí su título), que entra con facilidad y se escucha son sumo agrado. Otra joya oculta donde nos muestran diversos estilos en perfecto equilibrio, para crear uno propio. Un guitarrista no muy conocido pero de indudable primera división.



Algunas pequeñas muestras

Tuscumbian Lover


FireFox


Journey With The Breeze


On Lucifer's Knee


Theme From Sparkle


Broken Stone


Twisted Hair


Formación

Pete Carr: guitarra
Roger Clark: batería
Clayton Ivey: teclados
Jim Henson : teclados
Chuck Leavell: teclados
Lenny LeBlanc: bajo
Tom Roady: percusión
Harvey Thompson: saxo

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URIAH HEEP- Sweet Freedom 1.973 (colaboración Christian Jiménez)

August 21, 2015, 1:37 am
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Las dos palabras Uriah Heep son ya sinónimo de "lóngevo" y, además, sirven también de referencia para muchas bandas de "heavy metal"...que pregunten a King Diamond, a Immortal, ¡o a Metallica, sin ir más lejos!



Efectivamente, este grupo que comenzó a gestarse a mediados de los '60 entre David Byron, Alex Napier, Paul Newton y Mick Box como The Stalkers para luego llamarse SPICE, se ha convertido en uno de esos que son absolutamente imprescindibles para comprender el "rock" progresivo, para encontrarse con lo que sería el embrión del "hard rock" progresivo antes de que llegara gente como Rush y hasta para ver lo que serían los comienzos del "heavy metal" que luego exprimirían Judas Priest.
El caso es que después de que el ex-Toe Fat Ken Hensley se les uniera, esta banda supo, desde su aparición en 1.970 con su "Very 'Eavy, Very 'Umble", conjugar pasajes de puro "rock" con otros llenos de verdadero lirismo y sinfonía. Ese debut se ve como una mezcla entre el "Death Walks Behind You", de Atomic Rooster, y el "Time And a Word" de YES; se amalgamaba potencia, rabia y mucha precisión a la hora de crear melodías gracias al quinteto, que era David Byron a la voz, Ken Hensley a los teclados, Paul Newton al bajo, Ollie Olsson a las baquetas y Mick Box a la guitarra.
Esto fue un despegue más que bueno para los ingleses para acumular energía y más ganas de seguir con el negocio, y así salió "Salisbury" poco después.

Uno tras otro los discos de Heep impactaban en la escena musical del "hard rock" y acumulaban cada vez más éxitos y legiones de fans que los apoyaban incondicionalmente, aunque se viesen más de una vez comparados con sus coetáneos Deep Purple, pero los resultados comerciales se notaban de lejos...
Eso sí, sin duda temas como "Look At Yourself", "Sweet Lorraine", "Easy Living", la balada "Come Away, Melinda" o "Lady in Black" ya son de escucha obligatoria en la discografía de la banda.
Y así, siguiendo por los senderos musicales y viendo un auténtico baile de miembros, porque eso del ir y venir estaba mucho a la orden del día en Heep (ni Byron se salvó, que se fue en el '77), consiguieron hacerse con una digna posición.



Así llegamos al LP que nos ocupa y uno de mis favoritos de la larga carrera de la banda: "Sweet Freedom", realizado en 1.973. Seis álbumes, y eso tan sólo tres años después de su debut...impensable hoy en día, ¿verdad?

Este sería un disco que decidieron grabar fuera de sus habituales estudios londinenses, concretamente se fueron, nada más y nada menos, que al Chateau D'Herouville en Francia.

Si todos recordamos aquella doble recopilación que sacó Jethro Tull como "The Chateau Disaster Tapes" (donde salían demos que más tarde aparecerían en "War Child" o composiciones que pasarían a mezclarse con el largo "A Passion Play") podemos averiguar de qué modo les fue a los pobres chicos.
Los equipos fallaban a cada dos por tres, el ambiente era muy poco apropiado y los problemas inundaban el estudio, sin contar la drogadicción que el bajista Gary Thain llevaba por aquel entonces (y que le costó la vida).
Pero las cosas se hacían porque tenían que ganarse los cuartos, así que con todo el empeño que pusieron, incluso superando los rumores de que en aquel viejo estudio había espíritus pululando por él, el quinteto se hizo con su sexta obra de arte.

Lo más destacable es el querer explorar nuevos sonidos y explotar ideas que resultasen frescas y originales, ya que es tarea difícil distinguir entre el "Demons And Wizards" del "The Magician's Birthday". Así que buscaron distanciarse ligeramente de la densidad que había en sus canciones y dejar en segundo plano la marca del progresivo que tanto les había caracterizado.
Aquí lo que plantean es endurecer su sonido y crear temas más adictivos y fáciles de asimilar, pero sin perder un ápice de su vena más progresiva y técnica; así podemos escuchar cosas como el melódico y maravilloso corte "One Day" y el enérgico "Seven Stars", llevado a la perfección entre guitarra acústica y un machacón ritmo.
Luego está la más oscura "If I Had the Time", que cabalga entre la suave voz de Byron y esas guitarras tan distorsionadas, mientras Hensley está todo el rato a la cabeza en esos más de cinco minutos con sus teclados. En "Sunshine" se desata rabia "rockera" por los cuatro costados sin concesiones, como podía pasar en "Traveller in Time". Por su parte, encontramos aires "folk" en "Circus".



Las épicas "Sweet Freedom" y "Pilgrim" nos traen de vuelta la grandilocuencia de sus anteriores trabajos, disolviendo la potencia entre grandes dosis de belleza, algo que ya era su seña de identidad, destacando ese cambio de ritmo en el minuto 2:42, en la primera, cuando toda la intensidad baja de repente y deja paso a los teclados, o ese solo afilado de guitarra vertiginoso que lleva a cabo Box, en la segunda, y que nada tiene que envidiar al que K.K. Downing realiza en "Sinner" o al de Tony Iommi en "Killing Yourself to Live".
Y como de costumbre, el tema de los sueños siempre ha sido recurrente en las letras de Heep ("Dreammare", "Dreams", "Beautiful Dream"...), y aquí no iba a ser menos, así que este trabajo abre con la potente "Dreamer", de retazos "funk" y con un aire más intenso que las anteriores; lo que podría dar a creer, por su ritmo imperecedero y sus distorsionadas guitarras que no paran de lanzar "riffs" y solos  cortantes como cuchillas, que este tema se encuentra en los anales del "heavy metal". Para acabar Byron se desgañita repitiendo el título de la canción hasta que todo el sonido va disminuyendo y deja de ser audible.

Pero la mejor es "Stealin'", single que demuestra cómo se puede juntar comercialidad y melodía, sin dejar a un lado la rabia y energía del mejor "hard rock".
Todo empieza con unas tímidas notas que llegan del bajo de Thain y del teclado de Hensley; David Byron se mete como apartando a los otros dos, dejando bien claro de qué va lo que nos quiere contar:
"Llévame a través del agua porque necesito un lugar donde esconderme...he visitado a la hija del ganadero y seguro que he herido su orgullo [...] ¡Peleando, asesinando!, ¡vino y mujeres!, me van a llevar a la tumba. ¡Corriendo, escondiéndome!, ¡perdiendo, llorando!, no tengo nada que salvar...¡excepto mi vida!". El estribillo se hace cada vez más poderoso; bajo, batería, teclados y guitarra inician una batalla por ver qué instrumento destaca por encima del otro, los coros suben su intensidad, Byron se muestra divertido cuando el estrépito rodea todo y la composición acaba por fin con un fuerte golpe de batería de manera espectacular.
Es uno de los mejores temas de "hard rock" que jamás se hayan compuesto, sin duda.

Con todo eso, "Sweet Freedom" fue un auténtico éxito y ha quedado como un clásico y uno de los álbumes más apreciados dentro de la discografía, desgraciadamente malograda cuando entraron los '80, de estos dinosaurios del "hard rock" progresivo, que salió justo en el mejor momento de la carrera de la banda, cuando ya habían pasado de banda de segunda a estrellas de la música.
Ahora son leyenda, y la de ellos está claro que no hay que olvidarla






Temas

1. "Dreamer"
2. "Stealin'"
3. "One Day"
4. "Sweet Freedom"
5. "If I Had the Time"
6. "Seven Stars"
7. "Circus"
8. "Pilgrim"
9. "Sunshine"
10. "Stealin' (Single version)"
11. "Sweet Freedom (Edited version)"
12. "Seven Stars (Unreleased version)"
13. "Pilgrim (Edited version)"

Formación
David Byron : voz
Ken Hensley : teclados, guitarra, voz
Mick Box : guitarra
Lee Kerslake : batería , voz
Gary Thain : bajo

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Høst - Hardt mot hardt 1976

August 24, 2015, 2:05 am
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Høst fue una banda noruega que coqueteaba con el hard rock y el progresivo con letras en su idioma natal.
Esta banda procedía de  Indre Østfold, Noruega, y se formo en 1.973 teniendo en sus filas a Svein Rønning (guitarra), Lasse Nilsen (guitarra), Knut R. Lie (batería), Geir Jahren (voz) y Bernt Bodahl (bajo) . En el 74 lanzan su primer disco "På Sterke Vinger". A pesar de la buena acogida tres de sus miembros abandonan la formación (guitarras y batería). En su lugar entran  Willy Bendiksen (batería), Fezza Ellingsen (guitarra) og Halvdan Nedrejord (órgano), dandole un aire más progresivo a la banda. Con esta formación graban en el 76 su segundo disco, "Hardt mot hardt ". Nuevos cambios en su formación incluso con cambio de nombre "Ice" y por presiones con la discográfica comienzan a cantar en inglés. Todo esto les llevaría a su disolución en 1.978. Posteriormente se reunirían en diversas ocasiones.


Esta banda noruega nos muestra un sonido con carácter fundamentalmente hard progresivo, su primer tema "Profeters ord", nos da buena cuenta de ello, guitarra y teclista compiten musicalmente, ciertamente es un de los mejores temas del disco. Elementos más sinfónicos los podemos encontrar en " Nattergalen" o en "Lektyre" donde tenemos arreglos orquestales. El tema con el que cierran el disco "Æræeo", tiene incluso cierto aire folclórico. La única pega para mi gusto es el idioma noruego, lo siento pero es muy duro para mi oído.





Temas
1. Profeters ord 00:00 
2. Gorobin 05:40
3. Nattergalen 10:51
4. Ørnkloa 18:06
5. Sirkus 21:26
6. Lektyre 29:14
7. Åse 33:09
8. Æræeo 36:31

Formación
Geir Jahren : voz
Bernt Brodahl : bajo
Willy Bendiksen : batería
Fezza Ellingsen : guitarra, flauta
Halvdan Nedrejord : teclados

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WHA-KOO - Berkshire 1.978 (colaboración J.J. Iglesias)

August 26, 2015, 1:50 am
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La soleada escena de Los Ángeles de finales de los setenta está plagada de "rockliquias" por descubrir. Además no suelen cotizarse a grandes precios, de tal modo que puedes llevarte verdaderas joyas en una feria del disco sin tener que hipotecar tu casa. Elegantes trabajos en los que el softrock, AOR y country-rock se codeaban con el hard y el Pomp rock sin ruborizarse. 




Wha-Koo, (en sus principios The Big Wha-Koo), era una maxi-banda de siete elementos que rotaba en torno  a dos principales: David Palmer y Danny Douma. El primero venía de cantar en los excelentes Steely Dan del comienzo. Los del "Can't Buy a Thrill", antes de convertirse en un grupo de jazz rock sofisticado dominado por Walter Beeket y Donald Fagen. El segundo era guitarrista, voz, y el que llevaba un gran peso compositivo junto a Palmer. Otros miembros con importante curriculum eran Don Francisco (percusión y voces) de los soberbios Highway Robbery y Crowfoot; o ick Van Maarth, también cantante solista y guitarrista procedente de The Crickets, la banda de Buddy Holly. Wha-Koo editarían del 77 al 79 tres albumes. "The Big Wha-Koo" (1.977), "Berkshire" (1.978) y "Fragile Line" (1.979). Los dos primeros con el sello ABC, el mismo de Steely Dan, y el tercero en Epic.




Si bien los tres son grandes ejemplos del mejor west coast sound californiano, "Berkshire" destaca claramente por su calidad y por contener el single que les llevó más alto, "You're Such a Fabulous Dancer". Armonías vocales pluscuanperfectas (hasta cuatro cantantes en la formación), limpios solos de guitarra de gran sentimiento, incluída una slide sureña que los acerca a los Eagles, teclados inteligentemente arregaldos.... Canciones redondas y de exquisitez extrema. Danny Douma se iría en este disco, para editar en solitario el recomendable "Night Eyes" ese mismo año. Con colaboraciones de Eric Clapton, Garth Hudson (The Band), la practica totalidad de Fleetwood Mac y los miembros de Wha-Koo. Por lo que puedes considerarlo parte de su discografía. Posteriormente sustituiría al malogrado Terry Kath en Chicago.
El disco es altamente recomendado a fans de Eagles, Boston(realemte recuerdan bastante a ellos ), Ambrosia, Pablo Cruise, Crimson Tide o Starcastle. Una joya infravalorada que personalmente, me encanta. A disfrutar !!


Algunas pequeñas muestras
Rig-A-Marole


Fat Love


Mother of Pearl


( You're Such A ) Fabulous Dancer


Berkshire


Formación
 Peter Freiberger: bajo
Claude Pepper: batería
Nick Van Maarth: guitarra, voz
Richard Kosinski: teclados
Danny Douma: guitarra, voz
David Palmer: voz
 Don Francisco : percusión , voz

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JETHRO TULL - Aqualung 1.971 (colaboración Christian Jiménez)

August 28, 2015, 3:32 am
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¿Cuántas veces en nuestra vida hemos escuchado una canción y nos ha hecho sentir de una manera indescriptible? ¿Cuántas canciones nos han hecho llorar, ponernos alegres, sentir melancolía, hacer que se nos erizase la piel, etc.?
Pues Jethro Tull de seguro que tiene más de una treintena de temas que consiguen todo eso.




Un grupo que ya causó sensación en su actuación en el Sunbury Jazz & Blues Festival en 1.968 no podía ir mal desencaminado en el mundo en el que se quería meter.

"Stand Up" apareció en el '69 y definitivamente conquitaron a todo el mundo con joyas de la talla de "Living in the Past", "Nothing is Easy", la grandiosa "Bourée" y "We Used to Know", que luego sería copiada descaradamente por los Eagles para su "Hotel California"...en vez de demandarles, Anderson prefirió que la banda le invitase a cenar como disculpa.

Y precisamente este hombre, de inimitable ingenio e inagotable versatilidad, es el principal culpable de haber creado unas sinfonías tan perfectas, unos álbumes tan míticos y de haber puesto a Tull como una de las mejores...no, quizá sea la mejor, banda de "rock" de la historia; en mi opinión por encima de los Stones, los Zeppelin y los Beatles.

Porque eso es Jethro Tull, un grupo que a lo largo de sus muchos lustros de carrera han creado piezas indispensables de la música, como son "Minstrel in the Gallery" ('75), "Thick As a Brick" ('72), "The Broadsword and The Beast" ('82), "Dot Com" ('99) o "Crest of a Knave" ('87), y han sido influencia para otras incontables formaciones, independientemente de si practicaban su mismo estilo.




Tras el progresivo y muy "rockero""Benefit", se meten en el estudio Island Records con algunas ideas en la cabeza de lo que tenía que ser su próxima joya, y, con un ambiente de trabajo muy duro por las condiciones del lugar, el guitarrista Martin Barre se puso a trabajar en un "riff" que le resultaba pegadizo mientras en otra parte de aquel mismo estudio de grabación Jimmy Page componía su "Stairway to Heaven"...mucha casualidad como para que dos obras maestras de la música estuviesen componiéndose al mismo tiempo.

Pero sí, allí estaba Barre, conformando un tema para la posteridad y que formaría parte de un LP histórico que también llevaría su nombre: "Aqualung".

Ian Anderson juró y perjuró que éste no era un disco conceptual, aunque muchos se empeñasen en verlo así. En realidad no lo es, pero parece que las desenfadadas y críticas letras que Anderson escupía al mundo, quejándose de la religión y de la permisividad establecida en una sociedad corrompida, estaban hilvanadas creando una historia propia, aunque difuminadamente, ya que el cantante realizaba esas críticas por medio de la sátira y una visión muy irreverente. Con esa perspectiva se consiguen juntar once temas inolvidables, todos de escucha obligatoria, para comprender lo que este trobador inglés de larga barba y despeinada melena quería mostrarnos.
Elementos de "rock", "folk", "blues" y hasta retazos de música clásica cabían en el vaso de Tull, bien demostrado en las más "rockeras""Hymn 43", destructiva crítica hablando de un Dios que "sonríe a su hijo mientras está ocupado con sus juegos, sus mujeres y su pistola", y "Cross-Eyed Mary", que trata de una joven prostituta sometida a hombres degenerados como el vagabundo del cual habla la primera canción del disco.

Luego están las más suaves. Con la originalidad de una pintura isabelina, Anderson muestra en "Mother Goose" la historia que narra como alguien pasa por la feria de Hampstead y se encuentra con una mujer barbuda, elefantes, chicas de colegio, un hombre de nieve, la madre ganso del título y hasta a "Long" John Silver, pero que en realidad es una oda a la angustia adolescente de existir en una sociedad donde prima una educación tan estricta...¿quién más hubiera sido capaz de escribir algo así?
Y también deslumbran aquellas perlas acústicas de no más de dos minutos, pero con suficiente belleza como para no obviarlas: "Cheap Day Return", "Slipstream" y la mejor, "Wondering Aloud", donde la aterciopelada voz de Anderson se cruza de nuevo con su lado más divertido en la extraña "Up to Me", que comienza con unas tontas risas para dar paso a esa flauta travesera tan vivaracha y al ritmo de Hammond/Bunker difícil de coger a la primera, ya que de por medio también se mete como pidiendo protagonismo la guitarra eléctrica de Barre.




Como siempre se ha dicho que lo mejor es para el final...efectivamente, las cuatro mejores piezas se dejan para el final:

-Empezando por "Wind-Up", que nos cuenta la vida que Anderson llevaba cuando era obligado a seguir las enseñanzas de la religión por sus estrictos padres y por la escuela, se nos da una pausada introducción de lo que el cantante nos está narrando para dos minutos después modular su voz hacia tonalidades más agresivas y meterse la parte "rockera"; luego, en el 4:21 vuelve el piano de John Evan y la parte pesada, acabando de forma memorable el disco.

-"My God" es uno de los más grandes temas que se hayan compuesto en el "rock". Comienza con un fino rasgueo de guitarra y un Anderson descontento en extremo con la hipocresía de la "sangrienta Iglesia de Inglaterra", para juntarse una virtuosa flauta con una guitarra que entona pinceladas de "blues" y, en el minuto 3:26, dejarle el protagonismo absoluto otra vez a la flauta. La ejecución de Anderson durante ese minuto y medio siguiente es espectacular, donde también se meten en el ajo un coro de voces escalofriante, y deja para la posteridad una canción histórica, de indiscutible belleza, una de las más grandes, con el cantante advirtiéndonos en sus últimos versos que "estaréis rezando, hasta el próximo jueves, a todos los dioses que podáis contar".

-"Locomotive Breath" es, quizá, el más famoso de Jethro Tull y el que no puede faltar cuando hacen una actuación, ya que el público siempre desea escucharla. Es otra de aires "rockeros" y con un doble sentido en su letras que más vale mirársela, y escuchar muchas veces, porque ese solo contagioso de flauta se pegará en los oídos de los receptores para no irse jamás.

-Y, para terminar, la que da comienzo a todo este viaje sideral, una de las míticas, de las que, con sólo 10 veces de escucha, no es suficiente. Y esa es "Aqualung".

El trabajo de fotógrafa de Jennie Anderson le vino muy bien a Ian, porque le sirvió para crear la temática del tema estrella del álbum: un pobre sentado en el banco de un parque "observando con muy mala intención a chicas jóvenes". La parte más "rockera" hace que le cojas asco al personaje, pero el cambio a un suave y melancólico ritmo en el minuto 1:03 hace que sientas lástima de ese pobre individuo: "el Sol está descargando con frío sobre un hombre viejo que deambula solo...pasando el rato del único modo que sabe. La pierna le está doliendo cuando se inclina para recoger a un perro casi muerto...se va al riachuelo y calienta sus pies...".
Es tan triste que da escalofríos.
Pero tras esa pausa comienza la parte más veloz, donde Anderson se encoleriza y repite los mismos versos de antes aunque desde la rabia. Y entonces llega ese solo de poco más de un minuto que te sube la tensión a la primera escucha; Martin Barre está formidable ejecutando unas crudas notas y dejando paso al vocalista que vuelve con su guitarra acústica pidiendo calma, pero cuando regresamos al sonido pesado del principio, Anderson nos hace recordar que el pobre del que nos ha hablado toda la canción es un desecho social...y así es como nos lo hace ver su sociedad.

Disco inmortal de la historia del "rock" y auténtico bombazo en la época, llegando a multiplatino, colocándose en el 4.º puesto en las listas británicas y consagrando a la banda sólo tres años después de su aparición. Todo eso y mucho más es "Aqualung", porque hay que poner bien el oído para quedarse con sus matices musicales y con su mensaje, en especial.
Llegando a las 7.000.000 de copias, es su más exitoso álbum y, tras "Thick As a Brick", el que mejor demuestra la cohesión y compenetración de sus músicos, y de los elementos de "folk" y "hard rock" de una manera tan coherente.

Todos celebraron la llegada del "Aqualung". La "prestigiosa" Rolling Stone dijo "Tull es uno de nuestros más inteligentes grupos, y la elección de la temática de "Aqualung" es testigo de ello"; Melody Maker opinó ""Aqualung" es sin duda el álbum más significativo de Jethro Tull hasta la fecha", y Sounds dejó claro que "Este álbum es un trabajo redondo, y viene de un grupo que era considerado sólo como "banda de directo". Mejoran a cada momento que pasa".
Estando de acuerdo, era lo mejor que se había hecho por aquel 1.971, y eso que en ese año a cientos de bandas (Uriah Heep, Mountain, Deep Purple, Black Sabbath, Leaf Hound, FACES...) les dio por sacar discos, pero no con el mismo acierto.

Aunque la cosa fue a más y al año siguiente nos pusieron en la cara "Thick As a Brick"...pero ya se hablará de eso en otro momento, porque ese es un disco que necesita su propia reseña...





Temas

1 Aqualung 0:00
2 Cross-Eyed Mary 6:37
3 Cheap Day Return 10:47
4 Mother Goose 12:12
5 Wond'ring Aloud 16:07
6 Up To Me 18:02
7 My God 21:20
8 Hymn 43 28:32
9 Slipstream 31:51
10 Locomotive Breath 33:08
11 Wind-Up 37:34

Formación
Ian Anderson : voz, faluta, guitarras
Martin Barre : guitarra
Clive Bunker : batería
John Evans : teclados
Jeffrey Hammond-Hammond: bajo

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TOTTY - Totty 1.977

August 30, 2015, 2:39 am
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Totty fue un grupo fundamentalmente de hard rock que editó  un primer disco que resultó ser una verdadera joya. Lamentablemente la irrupción del punk hizo que la banda no tuviera el reconocimiento deseado.


Procedentes de Oklahoma, los hermanos Totty, Dennis (guitarra) y Byron (bajo) , acompañados por diversos baterías. En el 77 editan  su primer disco, "Totty" y en el 81 llegaría el segundo "Too".


Una auténtica joya que en su día fue editada de forma privada y que posteriormente fue rescatada por Radioactive Records. Verdadero hard rock con una frescura que me recuerda a los primeros discos de Pat Travers. La guitarra incendiaria la tenemos desde el primer tema, "Thus Saith The Lord", continuando en el segundo, " T-Town Tears, y a pesar del comienzo la seguimos teniendo en el tercero, "Crack In The Cosmic Egg". Un poquito más calmados pero con un magnífico riff los encontramos en "Love Down By One Share". Por supuesto raíces bluseras están presentes en ". I'Ve Done Made Up My Mind", "Trying To Forget You" y "Take Me Away Jesus". El disco lo cierra "Somebody Help Me", ocho minutos de gran hard rock.




Temas
1. Thus Saith The Lord 00:00
2. T-Town Tears 01:34
3. Crack In The Cosmic Egg 04:18
4. Love Down By One Share 09:27
5. I'Ve Done Made Up My Mind 14:28
6. Wicked Truth 20:11
7. Trying To Forget You 24:32
8. Take Me Away Jesus 28:12
9. Somebody Help Me 33:25

Formación

Dennis Totty : guitarra, voz
Byron Totty: bajo, voz
David Blue - batería (6, 9) 
George Cooper - batería(1, 2, 3, 5, 7, 8)
Roger Roden : batería(4)


y de propia su segundo disco


TOTTY - Too 1.981



Temas

1 Take My Love
2 Avalanche Of Love
3 Bass Mint
4 Standin´ In Heartaches
5 It´s Up To You
6 Scratched Records
7 Livin´In The Streets
8 I´ve Seen Miracles
9 In Memory Of Jimi Hendrix
10 Parable Of The Lost Astronaut

Formación
Byron Totty: bajo, voz
David Blue: batería
Dennis Totty: guitarra, voz


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TERRY REID - River 1.973 ( colaboración J.J. Iglesias)

September 2, 2015, 1:53 am
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El Hombre que se equivocó. Podría ser una peli de los hermanos Cohen, pero resume la vida de un verdadero genio, que no acertó en sus decisiones. Para empezar, debió nacer en los USA. Pero lo hizo en UK y se dedicó a soulear (excelentemente) en el swinging London de los 60. Tampoco sus dos discos producidos por el todopoderoso Mickey Most le ayudaron demasiado. Broncas y movidas judiciales le apartaron de los escenarios en su momento de escalada. Reid creía en lo que hacía. Quizá demasiado ciegamente.



 Rechazó una invitación de Jimmy Page para entrar como cantante de Led Zeppelin. Eso marca de por vida. Que él mismo le recomendará a Robert Plant, más. Esto en el 68. No tuvo suficiente. En el 69 le ofrecen el puesto de Deep Purple y vuelve a decir no. En la estación de la fama no suelen pasar trenes fácilmente. A él le pasaron dos seguidos. Demasiados errores. Al menos una cosa es cierta. Su música es única, increíble y avanzada a su tiempo. En el 70 actúa en el festival de la Isla de Wight rodeado de estrellas. Pero Reid es una cabra que tira excesivamente hacia el monte de Laurel Canyon. Adora la Costa Oeste y el amor es mutuo. Mezcla todo sus raíces r'n'b, soul, country y rock en un estilo sin competencia. Plasmado en "River, para mí su obra maestra. Uno de esos discos pluscuamperfectos que daría lugar al sonido de unos vástagos décadas después , llamados The Black Crowes. Escucha "River" y te parecerá estar ante un álbum inédito de los primeros hermanos Robinson. Es de justicia decir que Chris Robinson ha reivindicado la figura de Terry Reid siempre que ha podido. Hace bien, le debe todo.

"River" fue producido en sesiones entre San Francisco (Tom Dowd) y Londres (Eddie Offord), ahí es nada!. El otro gran protagonista de este LP es el grandísimo David Lindley (Kaleidoscope, Jackson Brown), con sus guitarras slide, eléctricas, acústicas y lo que le echen. Mientras que la sección de ritmo la conducen Lee Miles (bajo de Ike and Tina Tarner9 y Conrad Isidore (Peter Bardens, Robin Trower). Willie Bobo tiene su momento increíble en las percusiones del tema-título, una de las joyas de este tesoro. "Dean", "Avenue", "Things to try", "Live Life"... tienen ese estilo sureño-tirado, despreocupado, estival y de "aquí ne las den todas" del que se adueñarían los Crowes muchos años después. Terry Reid cantaba con un feeling introspectivo que duele al oírlo. Algo que pocos pueden conseguir, tal vez Paul Rodgers. Te transporta a un nirvana orgásmico de los sentidos. Repite esta trilogia: "River" - "Dream"- "Milestone". No se puede pedir más. Hay quien prefiere su siguiente, "Seeds of Memory" (1.9775). Vale. No está mal. Graham Nash producía y estaba lleno de músicos ilustres. De todos modos os recomiendo su corta discografía de media docena de referencias. El tipo ahí sigue, tocando en pequeños clubs por Inglaterra. Mientras su música suena exultante en esa maravilla fílmica que es "Los Renegados del Diablo"... . Hasta Rob Zombie le rindió homenaje !!!




Temas
1.- Dean 04:43
2.- Avenue 04:45 
3.- Things To Try 09:54 
4.- Live Life 14:19
5.- River 19:29 
6.- Dream 25:15 
7.- Milestones 30:37

Formación
Leo Miles: bajo
Conrad Isidore (tracks: A1 to A4): batería
David Lindley (tracks: A2 to A4, B1): Steel Guitar, Slide Guitar, Electric Guitar
Terry Reid: voz, guitarra
Willie Boboo: percusión track River



y de propina un vídeo



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YES- Close to the Edge 1.972 (Colaboración de Christian Jiménez)

September 4, 2015, 2:35 am
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¿Cuantísimas bandas de "rock" sinfónico sorprendieron al mundo en la década de los '70? Muchas, es la respuesta.
Tenemos, cada una aportando su estilo propio, a CAMEL, Gentle Giant, Pink Floyd, Genesis, ELP, King Crimson, Candida Pax...y un buen puñado más.




Y en 1.968, uniéndose en Londres, Jon Anderson, Chris Squire, Peter Banks, Tony Kaye y Bill Bruford, se comienza a germinar la semilla de un quinteto, herederos del legado de Crimson, que años más tarde haría historia en el mundo del "rock", y hablamos de YES.
Lo que se hallaba en aquel su primer disco de 1.969 era una combinación de "pop", mucho "hard rock" y toques psicodélicos que garantizaron un comienzo prometedor, pero que no dejaba clara la seña de identidad de la banda. Luego, añadiendo arreglos orquestales, llegó "Time And a Word", tecnificando y puliendo ligeramente su sonido.

Tras una serie de discos que hizo que el grupo modificase la alineación de sus miembros y que aumentase cada vez más su legión de fans, apareció en 1.972 lo que todos los oídos estaban aguardando.
"Fragile" llegó a Platino en EE.UU. y ellos quisieron continuar reforzando su ambición musical, ya que en aquel disco todos los integrantes mostraban su talento tanto individual como colectivamente, y no consistía en que Steve Howe hiciera "jams" con su guitarra porque sí, o que Bruford cogiera las baquetas y se pusiera a darle a la batería sin ningún fundamento, ¡que va! Cada uno de ellos demostraba que YES estaba compuesto por un elenco de instrumentistas verdaderamente espectacular.
Para que nadie se quedara dudando el paso adelante que dieron lo confirmó, y fue "Close to the Edge".




Con Eddie Offord a la producción parieron una obra de arte, una envidiable muestra de genialidad y virtuosismo en sólo tres temas, aunque realmente extensos; el que abre el álbum y que da título al disco, considerado una gema dentro de la carrera de YES y dentro del "rock" sinfónico y progresivo en general, abarca una cara del LP, con más de 18 minutos de duración distribuidos en cuatro movimientos:
-Todo empieza con unos sonidos delicados, canto de pájaros y melodías tintineantes que van aumentando gradualmente hasta que estalla con golpes de batería caóticos y un afilado rasgueo de guitarra seguido de algunos coros, que tienen su conclusión en el minuto 2:46 con un pegadizo y suave "riff" que inicia realmente el primer movimiento, "The Solid Time of Change".
En el 4:24 ya se escucha el mítico estribillo "Down at the edge!, round by the corner! Close to the Edge!, down by a river!" y más tarde escucharemos las voces en eco clamando "I get up!...I get down!".
-Culmen de la primera parte, pasamos a "Total Mass Retain", escuchando la voz de Anderson en estéreo, una base rítmica muy animada con apariencia "funky" y todos los instrumentos en perfecta cohesión.
-Se va apagando el estrépito y otro bombazo de Bruford anuncia "I Get Up, I Get Down". Aquí todo es calma, un paréntesis que nos lleva a otra dimensión para descansar de la pieza anterior, con un órgano y teclados celestiales. Prueben a cerrar los ojos y dejar que la relajante melodía les lleve flotando a paisajes oníricos de ensueño, mientras resuenan las voces tan aterciopeladas de los músicos y Anderson nos repite "I Get Up...I Get Down...".
Voces y órgano se van intesificando para crear un clímax apabullante, inolvidable. De repente el teclado empieza a coger protagonismo y todo regresa a la normalidad.
-La última parte, "Seasons of Man" sirve para despertarnos del sueño en el que nos habíamos sumido y hace que renazca la rabia "rockera" con Wakeman dando lo mejor de sí.
Se repite la estructura de versos de la primera pieza, el estribillo y el conmovedor "I Get Up!!...I Get Down!!..." que nos anuncia el final de un periplo empíreo, de ensueño, volviendo a sumergirnos en los cantos de los pájaros y en las sutiles armonías del comienzo.
Y así es como esta pieza se convierte en un clásico, siendo suficiente para todo un disco, para toda una discografía y para toda una vida. "Close to the Edge" es la cúspide del virtuosismo en su más pura forma.




Pero la cosa no acaba ahí. Unas finas notas nos traen "And You and I", sumándose los teclados y el bajo demoledor de Squire en su primera parte, "Cord of Life". Tras este movimiento que recuerda a sus tiempos del "Time And a Word" viene "Eclipse", que le da aún más emotividad a la composición, elevándose, grandilocuentemente, teclados y órgano creando un momento de gran belleza.
Todo se para y vuelven unos bonitos rasgueos de guitarra acústica; "The Teacher and The Preacher" empieza a sonar con Anderson y Howe ascendiendo con fuerza para más tarde hacer que Wakeman aparezca apoyado en una sólida base rítmica y todo deshacerse de nuevo en "Apocalypse" con la guitarra acústica y los últimos versos citados por el cantante.

Y así el disco cierra con la poderosa "Siberian Khatru", que, tras una breve introducción, llega ese "riff" tan conocido y contagioso, uno de esos que te hacen mover los pies. Quitando algunos pasajes más oscuros, de mucha melodía y opulencia musical, como el que va desde el minuto 5:21 al 6:18 con coros y redobles de batería, esta se queda como la más adictiva y dinámica del disco, finalizándolo con una buena dosis de energía "rockera".
También podemos contar entre este fantástico repertorio el genial "single""America", original de Paul Simon y donde YES se explayan de maravilla en tan sólo cuatro minutos.

Con todo esto, ya terminado el álbum, Bill Bruford anunció a sus compañeros que se largaba para unirse a la corte de King Crimson y un buen miércoles, 13 de Septiembre de 1.972, "Close to the Edge" se descubrió al Mundo.
YES se ganaron la aprobación masiva de críticos y fans, se alzaron hasta el 3.er puesto en los Billboard y su obra se certificó con Platino, quedándose ya en el tiempo como una intrincada y elaborada obra de arte que hay que oír varias veces para que toda la magnificencia musical que despide se aprecie como es debido.
Sin duda aquí la banda, como reza el título del LP, "rozó el filo" de su creatividad discográfica. Un año después ese filo sería cruzado a grandes zancadas con el difícil, ambicioso y fastuoso "Tales from Topographic Oceans", un "Close to the Edge" elevado a la cuarta donde YES ya no pudieron ampliar más sus miras porque hubiera sido algo musicalmente imposible.




Temas
1 - Close To The Edge
2 - And You and I
3 - Siberian Khatru

Formación
Jon Anderson - vocales
Chris Squire - bajo, vocales
Steve Howe - guitarra, vocales
Rick Wakeman - teclados
Bill Bruford - batería

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THE PRODIGAL SONS - Emerge From the Void 1.972

September 6, 2015, 2:18 am
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The Prodigal Sons , grupo totalmente desconocido rescatado  por una pequeña compañía , Void Records, y con una música muy pero que muy interesante.


Los datos sobre el grupo son escasos. Parece que procedían de Ohio y se formaron a principios de los 70. Las informaciones son muy confusas , algunos dicen que editaron un disco en el 71, "Uncle Bucks", pero no hay ningún dato confirmado y nada se sabe de su formación.



La grabación contiene nueve temas rescatados por la compañía Void Records y parece que datan del 72. Sonidos hard rockeros cargados de buenos riffs, buena prueba de ello lo tenemos en el primer tema "Water Song". Su segundo corte "Right On", me recuerda mucho al sonido de la B.T.O.. En "Lighthing Strikes Twice" volvemos a tener buenos riff y un estribillo super pegadizo. Destellos sureños los tenemos en "Gollem", con una voz al más puro estilo Molly Hatchet. En definitiva un gran disco de una formación de la que solo conocemos su excelente legado.




Temas
01 Water Song 00:00
02 Right On 06:28
03 Lightning Strikes Twice 12:29
04 Gollem 17:25
05 Two Thousand Miles 21:04
06 Movin' On 27:14
07 John's Tune 32:32
08 Saga of Yeti 36:00
09 Goin' Home 38:49

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DARK - Round the Edges 1.972 ( colaboración J.J. Iglesias)

September 9, 2015, 1:45 am
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Como decían antes en los catálogos de discos por correspondencia, "pesadilla de coleccionistas". Posiblemente estamos ante el más caro y raro prensaje privado de la heavy-psych-prog inglesa de los 70. Un inciso: lo de "heavy" lleva a muchos equívocos. No tiene nada que ver con el género metálico. Se refiere a"dura psicodelia-progresiva". Un original de "Round the Edges" vale una fortuna. Y si añadimos que con portada abierta y a color + libreto sólo hicieron 12, imagínense. mi copia es esa tal cual, pero en la reedición de los 90 del coleccionable sello Akarma. Y me conformo, porque la música que contiene es sencillamente extraordinaria. A diferencia de mucho artefacto megapasta que resulta luego un mondongo infumable. 



Dark era un power trío británico en la más fina tradición del género: acid fuzz guitar solos y sección rítmica espectacular. Con una voz algo "stoned" (queda mejor que decir "fumada"), que les aporta "ese" sonido tan difícil de capturar en la actualidad. A pesar de ser un trío formado por Steve Giles (guitarra, voz), Ron Johnson (bajo) y Clive Thorneycroft (batería), son ayudados en tres temas por la soberbia  guitarra de Martin Weaver.



"Darkside" (7:27) abre el álbum com límpida guitarra y exquisito ritmo, mas la dulce y reposada voz de Giles, cantando en un estilo muy progresivo que recuerda (como gran parte del álbum) a los primeros Whisbone Ash. Su desarrollo instrumental es efusivo, inteligente y muy calculado. La intro de "Maypole" (5:02) podría venir firmada por The Who. Ese bajo tan Entwistle les delata, además del fino rasgueo Townshend style. Pero enseguida se convierte en un corte de la cosecha Dark. Marcando un claro break en el que Giles se arranca con un lisérgico wah wah hendrixiano, y un solo en duelo con el bajo-bazooka de Johnson. El tratamiento vocal inicial de "Life for Today" (8:08) vuelve a recordarme al Martin Turner de "Argus" o "Pilgrimage". Da comienzo el desarrollo instrumental entre las guitarras de Giles y el invitado Martin Weaver, ocupándose éste último del sonido más aspero y ronco de los dos. Es un tema con fuerte carga psicodélica, pero un gran ejemplo de cómo este estilo se metamorfoseó por via natural en rock progresivo. La cara B rompe con "R.C.8." (5:05), similar en su estilo a los inolvidables Groudhogs, con arreglos astutos y muy porg, guitarra llena de originales ideas y línea vocal parecida a las del primer Ian Anderson. Algo que se repite en "The Cat" (5:21), con tremendas pugnas por el poder eléctrico entre el bajo y los dos guitarras, mientras el batería se desgañita como un anónimo Keith Moon. Abrumador. "Zero Time " (6:48) es proto-metal cercano a los primeros Black Sabbath (acaso tendría que decir a Earth!), May Blitz, Fat, Cargo, Charlee, Harbour, Sir Lord Baltimore, o los muy celebrados por este blog, Human Beast.



Resumiendo, un discazo que merece todos los respetos de los parroquianos al "Rockliquias". En los 90 se reunieron contra todo pronóstico editando el muy-bien-visto "Anonymous Days". Y se han lanzado discos con material arqueológico de la época de ·Round the Edges", como "Teenage Angst" o "Jam". Y es que si hay una banda reverenciad por la secta coleccionista, esa es Dark. Ojalá todas las sectas y todos sus oficiantes fueran así. Imprescindible y de obligada escucha. Amen.








Temas

1.Darkside 00:00
2.Maypole 07:29
3.Live For Today 12:32
4.R.C.8 20:40
5.Cat - 25:45
6.Zero Time 31:05

Formación
Steve Giles - guitarra
Clive Thorneycroft - batería
Ronald Johnson - bajo
Martin Weaver - guitarra
Colin Bush - bajo

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NAZARETH - Expect No Mercy 1.977 (colaboración Christian Jiménez)

September 11, 2015, 1:26 am
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Hablar de este disco es algo muy especial para mí, ya que fue el álbum y el grupo que me introdujo en el "rock" clásico y el que me hizo adorar los '70, quedándose para siempre como mi década predilecta, musicalmente hablando.
Obviamente yo ya conocía a AC/DC, Lynyrd Skynyrd, Jethro Tull, Judas Priest, Black Sabbath, Ted Nugent, etc., pero claro, nunca me había dignado a descubrir a estos grupos íntegramente en su parte más clásica, sólo conocía algunos temas sueltos y ya está.
Entonces Nazareth llegó venido de la nada cuando yo me declaraba un fan incondicional del "groove metal" de los '90. Pero fue cuestión de tiempo; Dios vendiga a mi padre que llevaba en el aparato de música de su coche este disco que comenzó a sonar estridentemente con una canción que ya no se me iría jamás de la cabeza, y sería por la contundencia musical, por la voz tan cazallosa y chirriante del cantante o por la potencia de su "riff", pero me cautivó al instante.
Así Nazareth se convirtió en mi grupo favorito hasta la fecha y lo seguirá siendo por los siglos de los siglos.




Y los escoceses merecen un buen reconocimiento por el esfuerzo que hicieron.
En 1.976, tras sacar dos de sus álbumes más experimentales, "Close Enough for Rock 'n' Roll" y "Play'n' The Game", tenían que volver a meterse en el estudio para grabar otro LP; así era la vida en aquellos tiempos: grabar un disco, promocionarlo, hacer su gira correspondiente, grabar otro disco, promocionarlo, etc.
El anterior fue un trabajo muy rápido, con una preparación que no existió, de ahí que hubiera tantas versiones en él. Pero "Expect no Mercy" fue muy distinto.
El manager del grupo les dijo que tenían 6 semanas para el tinglado, así que fueron dos para escribir los temas, otros dos para grabarlos y otros dos para editarlos y juntarlos en un álbum.
Cuando el proceso estuvo acabado, los mandamases de los estudios A&M no aceptaron el trabajo, ya que en él había demasiado "blues" e incluso "riffs" de estilo "country", y les dijeron que no, que querían que volvieran a sus raíces para que los fans reconocieran a los Nazareth de siempre, y no más "blues" suave. Obviamente esa decisión estuvo basada en las pocas ventas que hizo el "Play'n' The Game", y quien tenga el "digipack" de "Expect no Mercy" que salió en 2.010 con aquellas primeras versiones de temas como "Gone Dead Train" o "Kentucky Fried Blues" lo entenderá.

Así que no tuvieron más remedio que agachar las cabezas y volvieron, sin muchas protestas, a entrar en el estudio para rehacer el álbum y añadir otros temas más acordes con lo que hacían en años anteriores; es decir, tuvieron que "Nazarethizar" un poco más el material.
Y vaya si lo hicieron. El quinteto volvió por sus fueros grabando un disco alucinante, de puro "rock" y sin concesiones, a lo "Razamanaz". Nunca habían sonado tan fuerte y de manera tan estridente como lo hicieron en aquel momento.
Fue el álbum más potente de Nazareth hasta esa fecha, porque hasta se acercaron aunque inconscientemente a terrenos más crudos y llegaron a calar entre los seguidores de un género que por entonces Black Sabbath comenzó a explotar y que tendría su máximo exponente en los cada vez más populares Judas Priest: el "heavy metal".
Si los directivos querían que el grupo creara un disco desde el prisma del "rock" lo consiguieron con creces.




Así podemos empezar con la canción que da título al trabajo: 
-Ya un clásico imperecedero del "hard rock" de los '70, donde comprobamos que la guitarra suena más áspera, que la garganta de McCafferty parece más forzada y que la base rítmica de Agnew/Sweet está hecha para destrozar tímpanos. Unas letras que hablaban de violencia y peleas callejeras, un "riff" y un solo incendiarios y unos carrasposos gritos que no hicieron sino darle al disco el comienzo que merecía, para declarar que Nazareth volvían y con más rabia que nunca.
-Tras este puñetazo en la cara nos adentramos en el lado más divertido del grupo con la versión de Crazy Horse de su "Gone Dead Train". Siempre han sabido hacer versiones y no iba a ser menos, porque la canción se amolda perfectamente a la atmósfera del álbum. Se continúa con un ritmo enérgico dando paso a una sorpresa, "Shot me Down".
-Los años del "Close Enough for Rock 'n' Roll" vuelven con ese dulce medio tiempo "aorero" lleno de melodía en la línea de las anteriores "Carry Out Feelings" o "Wild Honey", donde todo pega un cambio para que nos tomemos un ligero descanso, ahora disfrutando de los agudos falsetes del siempre versátil Dan McCafferty.
-Así, después de tres ligeros minutos y medio, nos quita la calma de un plumazo una hermana gemela del "Expect no Mercy", "Revenge is Sweet". Aquí todo suena aún más duro que en la primera, donde lo que más destaca es la racha de baquetazos que pega Sweet a su batería. Seguimos con "Gimme What's Mine", más dinámica y menos hermética aunque en la misma línea de rabia "rockera", con un cambio de ritmo pero que muy interesante a los 1:42 minutos.

"Kentucky Fried Blues" abría la segunda cara del vinilo. Uno de los "blues" más corrosivos que hay, otra vez con la Fender de Manny Charlton lanzando distorsionados "riffs" como cuchillos mientras McCafferty se desgañita en cada verso.
-"New York Broken Toy" es otro buen tema donde se cruzan tanto guitarras eléctricas como acústicas presagiando lo que vendría en el álbum posterior cuando a los chicos se les uniera Zal Cleminson. Cambios de ritmo y un solo pletórico de fuerza como en "Gimme What's Mine" nos muestra una interesante y disfrutable composición.
-La versión de "Busted" es otra muestra del buen "blues" que ha sabido hacer siempre Nazareth. Es algo que le pega a esta banda, con la voz que pone el vocalista y el americanizado sonido tan añejo que consigue la guitarra. Entonces "Place in your Heart" toma el relevo.
-Otra corta pieza de "AOR" alegre, entrañable y desenfadada para escuchar en la radio en pleno verano dando un paseo por la playa. Un tema que se convirtió en "single" y que fue a las listas fácilmente.
-Y para acabar la balada que nunca puede faltar en el repertorio de la banda, "All the King's Horses". Con un marcado tono épico se da una perfecta y bellísima composición que seguro influenció a las posteriores "power ballads""heavies" que facturaban los de la "N.W.o.B.H.M." y que tanto pitaron en los '80.


Aparte se sacaron otros "singles" y caras "B", como "Greens" y la "bluesera""Desolation Road". Aunque mucho más tarde salieron a la luz otros temas que nunca se editaron definitivamente en su momento, como una curiosa "Life of a Dog", muy atractiva de escuchar por su vena de directo; la primera versión más experimental y "blues" del "What's in It for Me?" del siguiente "No Mean City", "Can't keep a Good Man Down", y una rareza que A&M no quiso sacar en el LP porque según ellos no representaba un esfuerzo conjunto del grupo, la demo de la balada "Moonlight Eyes", luego rescatada en el "The Fool Circle" del '81...aunque, sinceramente, yo me quedo con la, menos "pop" y más clásica, primera versión.

Otro punto del que hay que hablar fue la increíble portada, "The Brain", de Frank Frazetta, dibujante metido en el mundo de la fantasía y la ciencia-ficción, del cual pudimos ver obras suyas en clásicos como "Flirtin' with Disaster", de Molly Hatchet y "Hard Attack" de DUST o el más cercano "War to End All Wars" de Yngwie Malmsteen. Nazareth tenían colgado en la pared del estudio aquel poster de esos dos guerreros a punto de cercenarse con sus espadas y pensaron que a los fans les gustaría para el disco. 500 $ fue lo que costó y ese dibujo quedó enganchado en la historia de la música desde entonces.

Y así los de Dunfermline facturaron un intransigente plástico que quedará como uno de sus más consistentes trabajos y uno de los más agresivos demostrando que eran una perfecta máquina de realizar "rock" bien engrasada y que podían pasar sin preocupaciones por encima de modas pasajeras como el "punk", que ya empezaba a pegar fuerte por aquellos años, quizá por eso endurecieron su sonido y nos regalaron 10 perlas inolvidables en forma de canciones de no más de 4 minutos para disfrutar sin muchas pretensiones de su buen hacer en el "hard rock".
Todas estas razones son las que me hacen colocar a "Expect no Mercy" entre mis 10...no, entre mis 5 álbumes favoritos del "rock", no sólo del de los '70, sino del "rock" en general.




Temas

1.Expect No Mercy

2.Gone Dead Train
3.Shot Me Down
4.Revenge Is Sweet
5.Gimme What's Mine
6.Kentucky Fried Blues
7.New York Broken Toy
8.Busted
9.Place In Your Heart
10.All The Kings Horses 
11. Kentucky Fried Blues (Alternative)
12. Gone Dead Train (Alternative)
13. Shot Me Down (Alternative)
14. Life of a Dog
15. Good Man Down
16. Moonlight Eyes (Alternative)


Formación
Dan McCafferty - Vocals
Many Charlton - Guitar
Pete Agnew - Bass
Darrell Sweet - Drums

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HOOKFOOT - Live in Memphis 1.972

September 13, 2015, 1:57 am
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Los músicos de sesión son una parte fundamental en el mundo musical. Muchos grandes músicos comenzaron su carrera ejerciendo como músicos de sesión. Hookfoot estaba compuesto por este tipo de músicos de extraordinaria calidad.


La banda tiene su origen a finales de los sesenta y la constituían Roger Pope (batería), Ian Duck (guitarra, voz, armónica), Dave Glover (bajo) y Caleb Quaye (guitarra).  En el 71 graban su primer disco, "Hookfoot" y combinan sesiones de grabación con importantes músicos con giras por Estados Unidos acompañando a Jefferson Airplane y Elton John.  Su segundo LP, "Good times a' comin'" llegaría en el 72. El bajista Dave Glover abandona la banda y es sustituido por Freddy Candy.  Su tercer disco, "Communication", llegaría ese mismo año y el cuarto, "Roarin'" en el 74, año en que decidirían separarse.



La grabación nos muestra una actuación del grupo para la radio en los estudios Ardent de Memphis en 1.972. El sonido es puro rock donde destaca por encima de todo la labor del guitarrista Caleb Quaye. Temas como "Here I Come" o " Nature Changes", nos muestran un  ambiente de jam session con magníficos desarrollos instrumentales. La armónica de Ian Duck también realiza una gran labor en la mayoría de los temas. En definitiva un disco muy ameno y con el que disfrutaras de lo lindo.




Temas

1 Taxman 00:00
2 If I Had The Words 03:25
3 They'll Never Find Us Up There 07:48
4 Here I Come 13:59
5 Cuckoo 30:21
6 Cruisin' 35:28
7 Nature Changes 42;41
8 Freedom 53:30

Formación
Caleb Quaye :guitarra, voz, teclados
Ian Duck :guitarra, voz , armónica
Fred Candy : bajo
Roger Pope : batería, voz

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TRILLION - Trillion 1.978 (colaboración J.J. Iglesias)

September 16, 2015, 2:32 am
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Un curioso fenómeno se gestó en los USA durante los 70, que mutaría en su fase final en lo que se conoce como AOR. La corriente del rock progresivo estaba dando superlativos frutos en su contexto más ortodoxo (Fireballet, Happy the Man, Cathedral, Myrthrandir, Ligt, Pentwater, Babylon, Polyphony y muchos más). Pero de esta corriente surgió una derivación más orientada al mainstream sin dejar de ser, evidentemente, progresiva. Se llamó Pomp Rock y se trataba de un eficiente híbrido, ideal para las FM americanas, de hard guitarrero y teclados balsámicos de esencias británicas. Sus influencias más claras venían de Queen, Supertramp, 10 C.C., Mr. Big (los ingleses 70's), Uriah Heep, la parte mas amable y menos experimental de los Yes o los guitarrazos llenos de testosterona de Martin Barre.
En la punta del iceberg aparecieron tremendos exponentes del nuevo monstruo de dos cabezas hard-prog: Kansas, Styx, Journey, Starcastle, primeros Foreigner o los definitivos Boston.



Trillion aglutinaba todas esas esencias para fabricar una fórmula espectacular. Voz inmaculada en la persona del grandísimo Dennis "Fergie" Frederiksen. Coros celestiales del bajista Ron Anaman y el guitarra Frank Barbalace. Bill Wilkins era un sólido y técnico batería. Y pat Leonard un factor imprescindible en sus siempre imaginativos teclados. Con la ayuda del productor Gary Lyons (Foreigner, Queen, Crawler, Wet Willie) graban en un año clave para el género, 1.978, su incontestable debut para Epic Records. No se le pede poner un "pero" a semejante deroche de talento. Frederiksen me recuerda en sus agudas tesituras vocales al gran Frank DiMino de los titanes Pomp, Angel. Los teclados son fílmicos, grandiosos y sí, pomposos. Las guitarras emulan con precisión a Tom Scholz y Brian May. Y la sección de ritmo es puro granito hard rock. Las armonías vocales tienen su base en las "rapsodias bohemias de un mercurial cantante". 



La épica intro y posterior desarrollo melódico de "Hold On" atrapan a la primera. "Big Boy" tiene un sabor midwest que recuerda  a los inolvidables Headeast, otros colosos pomp rockers. El medio tiempo "Give me your money, honey" es el single perfecto. A Roger Hodgson le hubiera gustado firmarla. Y "Never had it so good" entra de lleno en territorios Queencerca de sus "títulos-hermanos Marx". Fabulosa. Finaliza la cara A con la contundente "May as well go", similar a la cosechade Triumph, otros adelantados de esta escuela.

El lado B se abre con "Fancy Action", de arreglos muy Yes y un bajo marca Chris Squire. Los teclados de Leonard juguetean picaronamente en este bonito tema. "Hand it to the wind" y "Bright Night Lights" reinciden todavía más en la faceta progresiva del grupo, con un Barbalace emulando en sus acústicas a Steve Howe. Y finalizando con el corte más largo "Child Upon The Earth" (6:06) reivindicando a Trillion como una seria banda progresiva a pesar de sus aspiraciones comerciales (entendidas en el buen término). 




Año y medio después aparecería su segundo y último álbum, "Clear Approach". Otra maravilla a la misma altura, si no más, que este debut. Con nuevo y muy capaz cantante, Thom Griffin, sustituyendo a Fergie Frederiksen. El cual se iría a los geniales LeRoux, después sustituiría a Bobby Kimball en los icónicos Toto ("Isolation" 1.984) y seguiría una brillante carrera en solitario hasta su muerte el año pasado. Por su parte Pat Leonard ayudaría al estrellato a Madonna ( compuso "Like a Virgin"), Jewel y otras luminarias pop del calibre de Elton John. Aunque su mayor logro fue participar en "A Momentary Lapse of Reason" de Pink Floyd y "Amused to Death" de Roger Waters. Trillion fue una banda de gigantesco potencial, inmenso talento y escaso reconocimiento. Merecieron más.





Temas
01. Hold Out 
02. Big Boy 
03. Give Me Your Money Honey 
04. Never Had It So Good 
05. May As Well Go 
06. Fancy Action 
07. Hand It To The Wind 
08. Bright Night Lights 
09. Child Upon The Earth

Formación
Ron Anaman: bajo, voz
Frank Barbalace: guitarra, voz
Fergie Frederiksen: voz
Patrick Leonard : teclados
William Willkins: batería
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BANG - Bang ! 1.971 (colaboración Christian Jiménez)

September 18, 2015, 2:33 am
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En muchas ocasiones hemos podido ser testigos de cómo la carrera de una banda se acababa tras realizar uno o dos álbumes y desaparecía sin dejar el menor rastro.

Tenemos algunos ejemplos como el de Armageddon y su debut de 1.975, Leaf Hound con su "Growers of Mushroom" en el '71 o WARPIG en el '70. Unas veces porque eran tildadas de imitar a otras formaciones más importantes, otras por discusiones entre sus miembros y otras porque, simplemente, no tenían ni carisma ni éxito entre el público.

Pero los sucesos que le ocurrieron a este grupo original de Philadelphia no podrían haber sido más injustos y crueles.




En 1.969 los jóvenes Frank Gilcken (guitarrista) y Frank Ferrara (bajista/vocalista) se unieron con Tony Diorio a las baquetas, que casi les doblaba en edad, para conformar así un "power trio" llamado The Magic Band tras descartar la colaboración de un teclista en su grupo.

Ellos, más que seguir la estela del "hippie rock" americano y psicodélico de la época que practicaban Jefferson Airplane o Grateful Dead quisieron continuar por el sendero que trazaron Blue Cheer en San Francisco y Deep Purple en Inglaterra, por lo que se vieron muy influenciados también por el "rock" británico de corrientes progresivas al que tanto contribuyó King Crimson en 1.969.
Poco después, Diorio cambiaría el nombre del grupo por el de BANG, gracias a un artículo que estaba leyendo en la revista musical "Rolling Stone" y que rezaba, en paráfrasis, "The British groups bang in U.S.A.".

Tras promocionarse durante un tiempo viajaron a la costa Este de América y en un evento conocido como East Coast Concerts, que se celebraba en Florida, pudieron presentarse ante el público, llegando a compartir escenario con nada menos que gente de la talla de FACES, Deep Purple o Steppenwolf.
Precisamente el azar estuvo de parte de los chicos y el promotor de aquel acontecimiento musical les fichó y se convirtió en su manager, haciendo que tocasen con artistas como Mountain, Uriah Heep e incluso Jethro Tull.

Así se meterían en el estudio en 1.970 para decidir grabar ya su primer álbum, y fue "Death of a Country".
En él encontramos una influencia totalmente progresiva, enfocada al "rock" imperante que se hacía al otro lado del charco. Este primer LP puede traernos a la cabeza el sonido de Wishbone Ash y Raw Material por lo progresivo y también de Sabbath por la oscuridad de su sonido y letras. Temas como "Certainly Meaningless", "No Trespassing" o la que abría el álbum con 10 minutos de duración, "Death of a Country", les convertía en herederos de aquellos grupos.
Y aquí somos partícipes de lo malas que pueden ser las decisiones de una compañía. En este caso Capitol Records fue su discográfica, pero ellos no querían el álbum. Así de sencillo; no les gustaba porque no era comercial, porque sonaba "demasiado británico".
Habría sido inútil discutir con los jefes de aquella importante casa, así que se volvieron a meter entre las cuatro paredes del estudio y nació el álbum que nos ocupa, su debut oficial llamado como ellos, "Bang!", en 1.971.
Si aquellos casposos directivos querían un álbum más comercial y ligero no pudieron darse contra un muro de manera más rápida, ya que este disco es totalmente lo contrario. Lo que tenemos aquí es una especie de costilla flotante sacada de la columna vertebral de Black Sabbath, porque BANG decidieron cambiar su "rock" progresivo por ese sonido tan atrayente, pesado y agresivo que empezaban a hacer los de Birmingham.




De ahí que muchas de las composiciones nos traigan recuerdos de los británicos como el comienzo "Lions, Christians", que podría verse como una versión ligera del "Behind the Wall of Sleep", con Frank Ferrara sonando enteramente como Osbourne. Pongan a uno al lado del otro y si no parecen gemelos poco les falta, aunque el vocalista de BANG efectuaba unos tonos más agudos y rasgados. "The Queen", que es más de lo mismo; una buena muestra de "rock" pesadísimo, por algo este grupo son considerados uno de los pioneros del "heavy metal" en América, junto con los canadienses WARPIG (y creadores de lo que más tarde se llamaría "doom metal").
"Red Man", "Come with Me" y "Our Home" no se apartan nada de la línea. En general el sonido del álbum está marcado por su pesadez, ritmos machacones y profundos y "riffs" potentes, donde también nos encontramos la balada "Last Will", que evocaba el progresivo de su "Death of a Country", sonando esta vez como Wishbone Ash.
Pero los dos mejores temas son los más "sabbathianos" del disco: "Future Shock", que da comienzo con un fuerte "riff" y con el grito que pega Ferrara pareciendo declarar "¡pues si ese Ozzy se cree que es el único que sabe pegar berridos!...", y uno que llegó como "single" a los Billboard Hot 100, "Questions", que no es sino un giro más comercial del "N.I.B." de Sabbath.



Este LP les hizo ganar bastante popularidad entre nuevos fans y la crítica, aunque los comparasen con Tony Iommi & Co.
Pero un vuelco truncaría la prometedora carrera que habían iniciado. Para empezar el productor Jeff Cheen no quería a Tony Diorio como batería para el próximo trabajo así que le sustituyó un tal Bruce Gary y salió a la luz un extraño "Mother/Bow to the King" en 1.972 donde se enfocaron a unas miras más comerciales y livianas, haciendo un "rock" más a lo Rolling Stone como se puede apreciar en los cortes "No Sugar Tonight" y "Mother" aunque conservando el estilo de Sabbath en algunos temas como "Idealist, Realist" o "Tomorrow". Este esfuerzo no estuvo nada mal, incluso me atrevo a afirmar que es un buen disco, ya que se mezclan melodía y rudeza a partes iguales.
Pero Capitol Records seguía insistiendo en que hicieran un sonido más comercial, más para meterse en las listas y en los "charts" y tras unas reflexiones Diorio volvió esta vez como el manager de BANG y por última vez empezaron otra sesión de grabación...y "Music" fue el resultado.
En esta ocasión ya no quedaba nada del auténtico carisma que les había caracterizado, sólo había un puñado de melodías de corte clásico con aires "pop/folk" con la que hacían homenaje a los Beatles, Small Faces o Mott the Hoople por poner un ejemplo. Esto no gustó nada a los directivos de la discográfica que sencillamente dejaron de apoyarles y finalizaron su contrato de un plumazo.

Encontrándose sin contrato, sin girar, y con un álbum ya acabado sin poder haberlo promocionado como era debido, los chicos no tuvieron más remedio que acabar con el negocio...
hasta nada menos que en 1.999 cuando regresaron de entre las cenizas con su "Return to Zero" en un esfuerzo por revivir lo que fueron: una buenísima banda de "heavy metal" que, con el apoyo necesario, podrían haber llegado muy lejos, pero que por culpa de las ambiciones y el cinismo de los mandamases de las compañías, que lo único que tenían fluyendo por sus embotados cerebros era el símbolo del dólar, se vieron obligados a desaparecer, quedándose ahora como uno de tantos otros grupos que tienen que cargar con el dicho del "pudo ser y no fue".
Aún siguen juntos y hasta en 2.011 salió aquel disco de debut que no pudo editarse en 1.970, "Death of a Country", con la esperanza de que los fans del "rock" más clásico les hicieran un hueco en su memoria.




Temas
1. "Lions, Christians"
2. "The Queen"
3. "Last Will" 
4. "Come with Me"
5. "Our Home"
6. "Future Shock"
7. "Questions"
8. "Redman"

Formación
 Frank Ferrara: voz, bajo
 Tony D’Iorio: batería
Frank Glicken: voz, guitarra

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JANE - Live At Home 1.976

September 20, 2015, 1:00 am
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Jane fue una banda de krautrock que incluso llegó a ser comparada con los Pink Floyd, afirmación , en mi opinión, un tanto excesiva a pesar de su gran calidad.


Sus orígenes los podemos encontrar en Hannover en 1.970. Después de la disolución de "Justice for Peace", Peter Panka (voz, batería), Klaus Hess guitarra), Werner Nadolny (teclados). Charly Maucher (bajo) y  Bernd Pulst (voz) formaron Jane. Su primer disco tardo en llegar dos años, "Together". con el que obtuvieron un notable éxito. con numerosos cambios en su formación graban "Here We Are" (1.973) y un año más tarde llegaría "Jane III", disco netamente guitarrero. Nuevamente cambios y más cambios en la formación llegando a grabar "Lady" en el 75. Con el regreso de Nadolny a la formación editan su obra más representativa "Fire, Water, Earth and Air " (1.976), tras la cuál volvió a abandonar la banda. Ese mismo año graban su primer disco en directo "Live at Home".  Sus dos siguientes discos mantuvieron el nivel, "Between Heaven and Hell" (1.977) y "Age of Madness" (1.978). Su octavo disco en estudio, "Sign No. 9" sería un autentico fracaso. En los ochenta realizaron algunas grabaciones de inferior calidad ("Jane" (1.980), "Germania" (1.982) y "Beautiful Lady"(1.986)).


La grabación nos muestra a Jane en directo en su ciudad natal el 13 de Agosto de 1.976. Realizan todo un repaso a su obra hasta la fecha. Temas memorables como "All my friends", "Lady", "Out in the rain" o "Fire, Water, Earth & Air" rayan a gran altura pero sobre todo los pasajes instrumentales de "Hagman" y "Windows" con más de 18 minutos de buen krautrock. Totalmente recomendable.






Temas
1.- All My Friends 00:00
2.- Lady 04:58 
3.- Rest of My Life 08:43
4.- Expectation 13:25 
5.- River 18:54 3:15
6.- Out in the Rain 22:53
7.- Hangman 29:00 
8.- Fire, Water, Earth & Air 41:05 
9.- Another Way 45:00
10.- Hightime for Crusaders 50:45 
11.- Windows 55:30

Formación
Klaus Hess : voz, guitarra
Martin Hesse : bajo, voz
Peter Panka batería, voz
-Manfred Wieczorke : teclados, voz

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TERRY BROOKS AND STRANGE - Rock The World 1.980 (colaboración J.J. Iglesias)

September 23, 2015, 12:59 am
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Si yo fuera una buena persona, os recomendaría que le hincarais el diente para empezar a conocer a este señor, a sus dos primeros discos: "Translucent World" (1.973) y "Raw Power" (1.976). Pura psicodelia hard que bien podría ser la respuesta americana a Hawkwind. Pero como tengo muy mala baba, pues me voy derecho a este desfase de guitarra exagerada y power trío bruto y rural. Que sé que os gusta.


Este doble álbum  no se editó hasta 1.998. Y fue por la cabezudería de dos hermanos italianos, poseedores del sello Akarma. Vía contacto directo con Pat Ernst, conocido vendedor de vinilos de segunda mano en los USA, que fue quien les presentó a Brooks. El tira y afloja hasta la publicación de "Rock the World" duró hasta finales del siglo XX. Pero esta grabación pertenece al tour del álbum "To Earth with love" (1.980). Y que fue grabado en Orlando, Florida, en los famosos Criteria Recording Studios, ante un (intuyo que) reducido público tan friki como su protagonista.
Y como veo que por estos pagos os va eso de los power trios viejunos, os endilgo la madre de todas las degeneraciones guitarreras. Porque aquí Terry Brooks no da tregua desde el minuto uno del partido.





 Comienza la cara A noqueando piños con "Mr. Strange" (7:57) y "Child of the City" (8:11). Ambas unidas y gracias a que el señor de la mesa de mezclas se mete una bajada de fader, que si no ahí lo tendrías al tío, dándole sin parar. La cara 2 estangula (de verdad) con los 17;35 minutos de "You will be love". Donnie Cappetta (batería9 y Mark Bishop (bajo) son sus perfecto esbirros. Ofreciendo una base rítmica-raga-petrificada ideal para sus sobradas, feedbacses cortantes, efectos aulladores y mala ostia sin contener que exhibe este hombre.... Se diría que haya conocido al ministro Montoro. En el interior del álbum inserta una cita de Jimi Hendrix.

Pero creo que Brooks está mas cerca de las incontinencias sónicas de Ted Nugent o Frank Marino. "Rock the World" deja a "Double Live Gonzo" convertido en música para ascensores. Es mucho más bruto, guarro y casi cercano a los Stooges, por lo menos en lo que se refiere a la voz. En realidad es una punkarrada-psicodélica-mega-stoner inmisericorde con tus neuronas.

La cara C abre con "Rock the World" (13:49), ahora exagerado en plan instrumental por si no tenías bastante. Seguida de un blues (?) o así, titulado "Down and Dirty Blues"(7:21) para que no haya dudas. La última ráfaga en la cara D nos entrega cuatro cortes: "Rock'n'Roll Woman" (5:51)esta sí, mas en territorios de Nugent, "Botton Line" (7:02) podría estar en los primeros discos de Kiss (Ace Frehley se incluye como influencia), si no fuera por la jam-desfase central. En "Dream"(4:53) por fin se nos tranquiliza, con lo más parecido a una balada cósmica, con tecladode fondo, y que me recuerda a Eloy o Jane. Finalizando con "Nwe YorkConnection" (4:39), tema comercial hard rock, con coro femenino, y que no me parece que pertenezca a la misma sesión de directo. 

Aviso: este no es un gran disco. Es un disco GRANDE. En su exageración, desfases y excentricidad mastodóntica. Entretenido y notable, pero en pequeñas dosis. A mí me gusta la longaniza, pero no me comería una ristra entera. Pues a eso voy. Take it easy, man!







Temas
1 Mr. Strange 00:00 
2 Child Of The City 07:57 
3 You Will Be Love 16:09 
4 Rock The World 33:44 
5 Down And Dirty Blues 47:34 
6 Rock And Roll Woman 54:54 
7 Bottom Line 01:00:52 
8 Dream 01:07:50 
9 New York Connection 01:12:42

Formación
Donnie Cappetta: bajo
Mark Bishop : batería
Terry Brooks: guitarra, voz

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