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BROKEN GLASS - Broken Glass 1.975 (colaboración Christian Jiménez)

September 25, 2015, 1:04 am
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Hay momentos en la vida de una persona en los que resulta inevitable sufrir un flechazo en el mundo del arte. Puede ocurrir con el film de ciencia-ficción de Kubrick "2.001: Una Odisea en el Espacio", con la novela negra de Richard Stark "A Quemarropa" o con el cuadro "cubista-analítico" de Feininger "La Señora de Malva".
Esos diversos elementos reflejan nuestros valores y buenos gustos a la hora de hablar sobre el arte y el talento que se expresa en ello.
Así que con la música pasa igual. Uno puede quedar maravillado con el 4.º movimiento de la 9.ª sinfonía de Beethoven o con las sensibles notas de "...While my Guitar Gently Weeps" de los Beatles.

...Pues justo eso me pasó a mí cuando escuché este disco. Disco que encontré hace unos dos meses y que creo que he escuchado demasiadas veces para el tiempo que ha pasado desde entonces. Pero es que lo merece, desde luego.



Aunque para hablar de él primero hay que escarbar en la Historia, saber quién es su artífice y el hombre que formó la banda que lo desempeña, Broken Glass...y hablamos de Stanley F. Webb.
Este experimentado guitarrista/vocalista nació en el Suroeste de Londres, en Fulham, y llegó a ser parte nada menos que de la primera alineación de la banda de "blues" Chicken Shack, formada en 1.965 junto a Andy Silvester y Alan Morley.
En el '68, Chris Perfect se une y Dave Bidwell sustituye al otro batería Morley y juntos sacaron bajo el sello Blue Horizon Records "Forty Blue Fingers, Freshly Packed and Ready to Serve", que llegó al puesto 12, cuando el "R&B" pegaba fuerte en Inglaterra. Ese grupo, con innumerables cambios en la formación continuó acumulando buenos álbumes de ritmos "blues" en su discografía.
Más tarde en el '71 Silvester y Bidwell se mudan a las filas de otra formación de "blues" que también estaba empezando a cosechar cierto éxito, Savoy Brown, una que vio un auténtico ir y venir de cambios (por donde pasó gente como Martin Stone, Dave Peverett, Bill Bruford, Robert Hall, Roger Earl o Paul Raymond) y en la que el propio Webb fue guitarrista y vocalista para el LP "Boogie Brothers" que saldría en el '74.

Con ese ritmo de vida, de proyecto en proyecto, cual alegre abeja libando néctar yendo de flor en flor, Webb decide desmarcarse de otras bandas y crear la suya en un alarde de inspiración.
Y así llegamos aquí, a 1.975. Webb se marchó de Savoy Brown y se reunió con Rob Rawlinson (Ian Hunter Band) al bajo, Rob Blunt (Silverhead) y Miller Anderson (Dog Soldier) a las guitarras y Mac Poole (Warhorse) a la batería y bajo la producción de Edward Anthony Ashton y el sello Capitol Records editaron un único álbum, uno. Pero es uno que vale para recordarse por siempre, para definir el "rock" en el año 1.975 junto a otras joyas como "Caught in the Act", "Sabotage", "High Voltage", "Hair of the Dog" o "Force It", por nombrar sólo unos pocos.



Este "Broken Glass" es un álbum del que te enamoras al instante, sin duda. Teniendo en cuenta el origen de la alineación de músicos que hay aquí el resultado seguro que será bueno y, sobre todo, muy disfrutable y entretenido.

Lo es, porque lo que encontramos aquí es un cúmulo de buen "feeling" y sonidos que te llevan a diversos rincones setenteros del mundo de la música, pasando por "rock", "blues", "country" y hasta "funky", y que te recuerdan a FACES a ratos, a Grand Funk Railroad a veces, a J.J. Cale en alguna ocasión, a Creedence Clearwater Revival escuchando bien...
En fin, al buen "rock" de siempre, al de toda la vida, al que te hace moverte, al que te pone las pilas, al que sobrevive por encima de tendencias y modas absurdas...al que te gusta sí o sí.
Y eso lo tenemos en las dinámicas "Standing On the Border" y "Crying Smiling", con Webb sonando enteramente como Rod Stewart; "Take the Water", que nos transporta a las tierras sureñas de Lynyrd Skynyrd y la muy pegadiza "It's Alright", con ecos de los escoceses Stealers Wheel y que, de algún modo, presagiaba lo que iban a hacer Dire Straits unos años más tarde.
"Jersey Lightning" nos da un animado, directo y entrañable "country rock" en la más pura línea americana de CCR para luego seguirle una dura "It's Evil!", que puede inevitablemente recordarnos al cruento "rock" de CACTUS, por ejemplo.
La preciosa "Broken Glass" cierra el disco con una voz nasal y una melodía exquisita que parece sacada del "Stand Up" de Jethro Tull, pudiendo ser una lejana pariente de aquella "Back to the Family".

Aunque yo destaco tres por encima de todas:
        -Primero una extraña aunque entretenida "Keep your Love", una genial muestra de alegre "rock", "soul" y "reggae" de la que Bob Marley y Joe Hicks estarían orgullosos a partes iguales. Es difícil no relajarse e incluso entrar en fase REM con las buenas vibraciones del profundo ritmo del bajo, los coros y la suave voz de Webb en este comercial corte sin ningún desperdicio.
        -Luego "Ain't no Magic", un espeso tema de retazos "funk" sobre una base repetitiva, ritmos y melodías bailables y a la vez experimentales, y una atmósfera levitante, intensa si se prefiere, que consiguen que sus 5 minutos se pasen muy rápidamente. Además, prestando atención y escudriñando en lo que se está oyendo esta composición podría ser un presagio de géneros tan distantes como el "garage rock", el "space rock", el "grunge" o hasta el mismísimo "stoner" que se pondrían de moda en los '90 emulando a la psicodelia setentera.
        -Y por último el mejor: el añejo "blues" de Humble Pie que se encuentra en "Can't Keep you Satisfied", tema que pondría los pelos de punta a Steve Marriott, Leslie West o Rick Danko. Esta es una canción con energía infinita que se mueve lenta pero agresivamente entre crudas guitarras, perfectos teclados y una rasposa voz que nos hace respirar la atmósfera "rockera" de los pubs californianos: sus olores de humo y whiskey, de sudor resbalando por los mástiles de las guitarras, del calor que desprendían los amplificadores, de la electricidad y distorsión que se pegaba en las correosas paredes, etc.

Razones más que suficientes hay para acercarse a esta auténtica obra maestra, porque no se la puede llamar de otra manera, descubrirla paso a paso y asimilarla mientras se escuchan una multitud de ramificaciones musicales en sus 39:25 minutos, que se pasan volando, y que te hacen volver a querer escucharla.
No es que la venta de este disco fuese masiva, porque la promoción del mismo fue bastante limitada, así que Webb volvió con sus antiguos compañeros de Chicken Shack...
¡aun así!...sería una auténtica lástima no buscar este disco tan irrepetible, tan ingenioso y tan variado, porque es de esos que enganchan, que si se recuerdan es por algo, que te gustan y que no llegan muchas veces a nuestros oídos.
Es de esos que hay que escuchar antes de morir...y no exagero para nada.

Mientras, Webb, ya con 69 años, sigue demostrando aún ser un genio de la guitarra como lo hizo en su álbum en solitario de 2.001. Y es que, por muchos grupillos y personajillos que siguen saliendo hoy en día, y que los ignorantes y difamadores del mal gusto les dan el nombre de "artistas" (podría hincharme a decir, pero no viene al caso), jamás se podrá olvidar a verdaderos artistas como el que nos ha ocupado hoy y a otros muchos de su época que hicieron historia, a miles de años luz de la pobredumbre musical que hay actualmente a nuestro alrededor.




Temas

1 Standing On The Border 

2 It's Alright 
3 Keep Your Love 
4 Can't Keep You Satisfied 
5 Jersey Lightning 
6 It's Evil 
7 Ain't No Magic 
8 Crying Smiling 
9 Take The Water 
10 Broken Glass

Formación
 Miller Anderson : guitarra, voz
 Rob Rawlinson: bajo
 Mac Poole: batería
Robbie Blunt: guitarra
Tony Ashton: teclados
 Stan Webb : guitarra, voz
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A FOOT IN COLDWATER - A Foot In Coldwater 1972

September 27, 2015, 1:31 am
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A Foot In Coldwater (termino inglés que significa mala suerte) fue una banda canadiense que no tuvieron el reconocimiento que merecían y que alcanzaron cierta popularidad con el tema "(Make Me Do) Anything You Want".


El grupo se formó  en los inicios de la década de los 70 en Toronto como resultado de la unión de  Paul Naumann (guitarra) y Alex Machin (voz) del grupo Island, y Hughie Leggat (bajo), Danny Taylor (batería) y  Bob Horne (teclados) del grupo Nucleus. En el 72 lanzan su primer disco "A foot in Coldwater" que contenía "(Make Me Do) Anything You Want" que llegó a los primeros puestos de las listas canadienses.  Un año más tarde editarían "A Second Foot In Coldwater " y en el 74 " All Around Us" no llegando a alcanzar el éxito deseado. En 1.977 fichan por la discográfica Anthem y editan "Breaking Through", diversos cambios en su formación precipitan el fin de la banda.



Primer disco de esta banda canadiense que contiene su gran éxito "(Make Me Do) Anything You Want" una gran balada con un conocido  solo de guitarra, La banda realiza un buen rock  teniendo al frente la gran voz de Alex Machin apoyado en todo momento por la guitarra de Paul Naumann y los teclados siempre presentes de Bob Horne. Otros temas destacados podrían ser "On the Wind", "Yalla Yae" o "In Heat" con buenos riffs de guitarra. En "Fallen Man" volvemos a tener una delicada balada.




Temas

1 On The Wind 00:00
2 Yalla Yae 04:05 
3 Deep Freeze 07:57 
4 (Make Me Do) Anything You Want 11:44 
5 Who Can Stop Us Now 16:55 
6 Alone Together 20:14 
7 Fallen Man 23:21 
8 In Heat 27:17
9 Lady True 33:26

Formación
Hughie Leggat: bajo
Danny Taylor :batería
Paul Naumann :guitarra
Bob Horne: teclados
Alex Machin: voz

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VUELA, SEÑOR HALCÓN - Homenaje a Antonio Tenas (colaboración J.J. Iglesias)

September 28, 2015, 7:05 am
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Me tocó no hace mucho despedirme de Chris Squire. No será, me temo. la última despedida. Pero todavía duele más profundamente cuando se trata de un amigo de siempre. Un alma gemela en un mundo carroñero, lleno de buitres y embrutecimiento absoluto. Él diría de Orcos, dado su desmedido amor por la obra de Tolkien. No le venía de reciente, por la moda de las películas. El era, a su manera, un hippie romántico y apasionado por la belleza. Y "El Señor de los Anillos" fue una biblia para esa generación. Como Hesse y tantos otros que "nos diseñaron", por fortuna.



Lo conocimos Juan Carlos Miñana y yo, dos adolescentes de pelo largo. Uno rubio y otro moreno, cual Zipi y Zape locos por la música, allá por 1.978-79. En Radio Juventud de Zaragoza y su programa "Radio Import". Le caímos en gracia y "nos apadrinó", dejándonos los micros para hacer nuestros primeros escarceos musicales. Cuando vimos su colección de discos (de vinilo of course), fue como ver a una mujer desnuda por primera vez. Alucinante. Aprendíamos, pero picados en nuestro orgullo, también le descubrimos cosas. Era un no parar de cintas TDK!. El me grabó mi cinta de "All the World's a Stage" de Rush... ande andará!!. 



Pero pronto dio su primer bandazo y vendió su colección en el Rastro para comprarse sintetizadores. Por entonces a precios imposibles. Ceo que el primero fue un Siel que nos encantaba aporrear. Se sentaba, y le fascinaba oírnos, simplemente por extraer sonidos de aquel modesto sinte. Nosotros no teníamos ni idea , pero nos creíamos Keith Emerson. Luego fue a más. Korg MS20, MS10, SQ20, Polysix... así hasta montar la banda de synthpop (tecno pop entonces), Vocoder, en los 80. Grabaron con el gurú de la electrónica hispana, Michael Huygen (Neuronieum). Aunque Antonio siempre me dijo que "el tío no hizo nada, mas que cobrar". Llenaron La Romareda con Mecano, y rescataron recientemente su material desde los USA, que cosas!. En Dro los cuidaban,y hubo buena relación con Servando Carballar y sus Obreros Especializados hasta la actualidad, me consta. Fue representante de la compañía indie que se convirtió en un imperio. 



Luego nuevo bandazo. Promotor de conciertos. A él le debemos lo grande ( o casí) que por Zaragoza, y otras ciudades, pasó: Aerosmith, Jethro Tull, Yes, Kraftwerk, Europe y un montón más de inolvidables conciertos.En éste último tuve el honor de ayudarle en tareas de organización. Sin perder nunca esa amistad tan bien fraguada desde los finales 70. 






Más tarde se involucró en la asociación Tolkien España. Como siempre dándolo todo al 100 %. Me pidió que hiciese una conferencia sobre la música rock en el universo Tolkien, allá por los 90. Y aquel muchacho (yo) que lo más que sacó en el colegio fue un borrador del profe volando por mi cabeza, dió una conferencia en el aula magna de Filosofía y Letras. Con Antonio todo era posible. En los últimos tiempos, semi retirado pero siempre lleno de ilusión, seguimos con nuestras colaboraciones mutuas. Volvimos a dar una conferencia, esta vez juntos, en una Expo. Pinchamos en Linacero Bar, siempre música relacionada con Tolkien. E incluso teníamos en mente crear nuestro propio dúo electrónico, esta vez totalmente kraut. En 2.014 hubo ensayos positivos y un nombre: Audio Generador Mordor and Moroder. El título lo dice todo. Incluso una copia de la maqueta que hicimos (sí, solo una), debe de andar por algún rincón de su estudio. 


Quedábamos casi todas las semanas, y en los últimos tiempos habíamos retomado a otro futuro miembro, otro "historico", Albedrto Torr'o. Batería y voz de Zigermaz y Audrey (bandas progresivas de los 70). Y defensor a ultranza, como nosotros, de estas músicas. Fundador del mítico fanzine Lunar Suite en los 90, en el que colabor'e, y de donde saldría su escisión, mi propio fanzine Atropos. Ambos son recordados hasta hoy en foros de la web. Nuestro propio "Tangerine Dream" estaba casi diseñado...




El último día en su casa, estuvo muy profundo. Nos habló de la vida, la muerte y sobre todo, de la salud. Había tenidoun amago, que él me dijo"lipotimia". Nos puso fotos de su infancia, con su hermano pequeño, también fallecido. Y otras que yo no había visto en las que salía él con RAlf y Florian (Kraftwerk) y Jon Anderson (Yes). Me dejó el documental "Baron Rojo: LA Película", diciendome: "Tienes que verla, es una partida de culo". La he visto. Pero no me rio. Es mi último recuerdo de Antonio Tenas. No el único. Me regaló un disco duro lleno de archivos personales, fotos, memorabilia de Vocoder, así como toas sus maquetas, hasta con Carmen Paris. Y muchos sentimientos e ideas positivas. Ahora ya eres libre de todo aquello que te oprimía. El mayor fan de Quicksilver Messenger Service t ante todo, Hawkwind, ya vuela alto, muy alto. Vuela, Señor Halcón.



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IRON MAIDEN - Maiden Voyage 1.970 (colaboración J.J. Iglesias)

September 30, 2015, 1:40 am
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Nunca he comprendido porqué no hubo una ferrea ley que prohibiera el uso de nombres de grupos ya usados. Y me da igual si no estaban registrados. Hay que tener un poco de orgullo y dignidad cuando se trata de hacer cualquier tipo de manifestación artística. Así nos va, que tenemos la historia del rock plagada de repeticiones y de liadas gordas. Y ahí tenemos a Gun, Nirvana, Skid Row, FM, Genesis, Asia ( lo de estos es de traca, algún día lo cuento), Mr. Big, Sotrm, Ghost, Pentagram, Camel, Lone Star y cientos más de bandas con el mismo nombre que no hace mas que llevar a equívocos. En el caso de Iron Maiden ya es la repanocha. Porque no hablamos de dos, sino de tres grupos en Inglaterra, con el mismo nombre y estilo (dependiendo de años). Así se fueron turnando, sin tener nada que ver unos con otros, y coincidiendo en el tiempo hasta "dos Iron Maidens" a la vez.




Los que hoy presentamos fueron los primeros, formados en Basildon por Barry Skeels (bajo, voz, Steve Drewett (voz, armónica), Trev Thoms (guitarra) y Steve Chapman (batería). Inicialmente conocidos como Bum, abrieron conciertos para Fleetwood Mac, The Groundhogs, King Crimson y Jethro Tull. Y posteriormente como Iron Maiden telonearon a The Who, Amen Corner, David Bowie e High Tide. Así que no se codeaban con mediocres. Y es que su estilo, una suerte de hard-blues-psych con proféticos guiños doom encajaba en la marea progresiva perfectamente. Finísima la guitarra de Trevor Thoms, desarrollos inteligentes y sección rítmica entre jazzy y el tándem de Cream. De hecho su bajista Barry Skeels puede recordarte al mismísimo Steve Harris en sus cabalgadas trotantes típicas.¿ A caso el pequeño Steve escuchó este material en su juventud?.
La inicial "Falling" sería perfecta para una versión de los actuales Maiden, y no es la única!. Un material que nunca llegó a salir en forma de álbum en su tiempo. Sino que fue grabado entre el 69 y el 70 en singles y compilaciones de desconocidos sellos.  Hasta que en 1.998 se recopiló para formar parte de lo que hoy conocemos como "Maiden Voyage".


La banda se disolvió en 1.972 con Trevor Thoms trabajando para The Spirit of John Morgan, Steve Gibbons o Pink Wind (banda formada por miembros de Pink Fairies y Hawkwind, y liderada por Twink). Barry Skeels entró como bajista en Zior, otro ilustre nombre un par de "rockliquias" más que coleccionables. Luego fue técnico de bajo para Venon, tour manager de Skyclad y propietario del famoso bar Rock Club.



Si en el 72 nos quedamos sin esta fenomenal banda, desde el 70 llevaba funcionando un power trío de Bolton llamado igual, dándole al hard rock musculoso al estilo de Budgie o Thin Lizzy y comandado por el ya desaparecido Ian Boulton Smith. Estos duraron hasta el 76, y tienen editado el cd "Maiden Flight", , como The Bolton Iron Maiden. Incluye demos, temas live y otras rarezas de la banda. Editado con el permiso de Rod "Smallwood", todopoderoso manager de los actuales Maiden.... El cinismo de la gente de la industria musical no tiene límites. Qué coño de permiso, si fueron ellos antes!! Casualmente, mas o menos a la separación de los de Bolton, es cuando Steve Harris puso en marcha su proyecto. Se rumorea que en el 76 este tuvo una llamada amenazando con tomar medidas legales por el uso del nombre. Pero nada pasó. No estaría mal entrevistarlo sobre este asunto. La cuestión clara es que su luego archifamoso grupo siempre ha flirteado con el rock progresivo. T mas en los dos últimos álbumes.

Volviendo a "Maiden Voyage", estamos ante un tremendo artefacto de proto-doom, psych y hard blues con recordatorios a Wishbone Ash, T", Black Window, Necromandus, Fuzzy Duck y demás monstruos de los de verdad (nada de "Eddies"). Que debieron alcanzar más reconocimiento (al igual que los segundos), y que la suma de éstos se la quedó el grupo jevitrón. Otra injusticia más,,, Pá variar!!








Temas

01. Falling 00:00
02. Ned Kelly 06:13
03. Liar 09:35
04. Ritual 22:02
05. CC Ryder 30:55
06. Plague 37:15
07. Ballad Of Martha Kent 45:46
08. God Of Darkness 52:46

Formación
Barry Skeels: bajo, voz
Paul Reynolds ; batería (tracks: 3 to 8)
Steve Chapman: batería (tracks: 1, 2)
Trevor Thomas:guitarra, voz
Steve Drewett : voz

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Rockliquias en los 80: 1.980 Part. 1 (colaboración Christian Jiménez)

October 2, 2015, 1:02 am
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Rockliquias quiere seguir evolucionando  y por ello nuestro gran colaborador Christian Jiménez ha pensado que deberíamos crear una sección dedicada a las Rockliquias en los 80. Para abrir boca Christian ha escrito una serie de artículos sobre algunos discos de esa época que marcaron nuestras vidas.


Hay clásicos imperecederos en el mundo del "rock" que siempre serán recordados por nosotros; plásticos que nos engancharon por sus sonidos, por sus portadas, por los mensajes que las letras de sus artífices nos sugerían; discos gloriosos que podemos escuchar una y otra vez sin dejar de sentir el mismo entusiasmo cada vez que comienza a reproducirse la primera nota del primer tema del que puede ser un repertorio increíble.
Además, independientemente de si el álbum, en su totalidad, era bueno o no, cada uno le daba la importancia que le parecía, bien porque fue un regalo de la novia, bien porque aquel mejor amigo nos lo prestó una semana, bien porque aquel día de tormenta la televisión se estropeó pero ese disco estaba frente a nosotros gritándonos que le escucháramos o bien porque un arranque nos hizo entrar en la tienda y llevarnos uno de la estantería. Al escucharlos buenas y malas experiencias nos llegan y nos hacen rememorar distintos momentos en los cuales esos sonidos estuvieron presentes.
Eso es algo que los ejecutivos y negociantes de la música que vendían míseras bagatelas a los más incautos haciéndolas pasar por obras de arte jamás pudieron ni podrán entender.

Por desgracia yo he tenido la mala suerte de nacer en una época extraña, y no seré el único que lo piense. Una época rodeada de tecnología que ha relegado al ostracismo las costumbres anteriores.
Ahora existen pequeños soportes que reproducen 3.000 y pico canciones, ahora están las descargas por ese gran mastodonte que lo único que está haciendo es absorber la esencia vital de los humanos llamado Internet, ahora sí que hay pompas de jabón promovidas por compañías rendidas ante un público carente de gustos musicales, condenados a seguir las imperantes y desastrosas modas como "zombies" sin cerebro; ahora, mientras en todas las cadenas de televisión tenemos que soportar escuchar que el/la cantante del momento se ha convertido en ídolo de (estúpidas) masas porque ha vendido 100.000 copias de su nuevo disco, lo que parece ser una obra maestra, genios como Glenn Cornick o Jim Jamison fallecen y sólo se percatan los cuatro gatos de siempre, y gracias a las revistas especializadas, que si no ni eso.
Es muy triste lo que está ocurriendo en nuestra sociedad actualmente. Lo que los jóvenes consideran bueno para los que entienden un poco no es más que basura. Pero eso es algo de lo que ellos nunca se darán cuenta y desgraciadamente morirán en la ignorancia.

Y para hacer un contraste entre modas he decidido desplazarme hasta la época de los '80. Porque si en las dos décadas anteriores hay obras maestras esta goza de poseer alguno de los mejores discos de todos los tiempos dentro del género del "rock" y sus múltiples derivados, pero muchos de ellos, aunque fueron hitos e inauguraron un sinfín de nuevas tendencias, se quedaron en aquel preciso momento de la historia para no volver...
por ejemplo: 1.985 se recordaría por ese X disco que hizo que el mundo entero se pusiera a sus pies. Hay trabajos que marcan una época y que nunca más se sabe de los artífices que lo crearon por diferentes motivos.

Así empezaría esta sección a la que he bautizado "ROCKLIQUIAS EN LOS '80".
¿Y qué mejor que empezar una historia por el principio? Así que, para abrir boca, comenzaré esta peripecia a lo largo de una década vertiginosa, musicalmente hablando, con el pistoletazo de salida, 1.980, con los que considero los 10 mejores álbumes de aquel año.
Es evidente que no todos estarán de acuerdo, pero nombrar la gran lista de discos que surgieron en aquella fecha sería algo imposible, así que he escogido esos 10 los cuales considero más importantes:




        -Y ese año estaría caracterizado por la llegada de un fenómeno que reventaría las tendencias de moda y que haría que cientos de miles de bandas en distintas partes del Globo se unieran a él, la "New Wave of British Heavy Metal".


Judas Priest, que ya estaban dando guerra desde 1.974, fueron sin duda culpables de ese suceso, ya que, tras su arrollador directo realizado en Japón, "Unleashed in the East", Les Binks se marchó del grupo, llegó de las filas de Trapeze Dave Holland para ocupar el puesto de batería, con más fuerza que nunca quisieron darle un giro más a su característico "heavy metal" y el resultado fue uno de esos álbumes que perduran a través de los tiempos: "British Steel".


Viendo la luz el 14 de Abril, el disco se coronó en el n.º 4 de los "charts" británicos y fue una declaración de principios, no sólo por el título, sino también por la portada: una mano sujetando una cuchilla con la punta de los dedos, pero eso sí, sin cortarse.



Todos los temas pasarían a ser de culto para una nueva generación de fans y posteriores formaciones dentro del género, sobre todo himnos como "Breaking The Law", "United", "Metal Gods" y "Living After Midnight". La dureza del sonido producido por Tom Holland, con unas guitarras afiladas como el acero unido a elementos más "pop" para hacer un estilo equilibrado entre lo agresivo y lo pulido hizo que se ganara un estatus envidiable y enseguida todos querían sonar del mismo modo. Así fue como los de Birmingham sentaron las bases para el posterior "heavy metal" que abarrotaría los '80.




        -Otros muy cercanos también soprenderían aquel mismo mes de Abril, el 25, con un disco sorprendente. La banda fue Black Sabbath y el álbum "Heaven And Hell". La que sería esposa de Ozzy Osbourne, Sharon Arden, e hija del manager del grupo, Don Arden, sugirió al cantante de RAINBOW, un Ron James Dio en estado de gracia, para sustituir al recién expulsado vocalista.


Dio se marchó de su anterior formación ya que Blackmore quería a alguien que sonara más comercial, pero para los chicos de Sabbath fue una bendición. Aunque con miedo de que los fans no aceptaran a otro que no fuese Ozzy, el álbum producido por Martin Birch se convirtió en uno de los favoritos de aquel año.



La crudeza musical del "Vol. IV" regresó en temas inolvidables como "Neon Knights", "Heaven And Hell" o "Die Young", aunque dotándola de nuevos matices de corte épico y más comerciales para que se adaptara a la voz más áspera y severa de Dio. El resultado fue el 9.º puesto en Inglaterra y un grandísimo éxito en EE.UU. que no se había visto desde el "Sabotage". Todo para demostrar que 10 años después de su "War Pigs" la banda seguía en perfecta forma aunque fuese con una nueva voz.





        -El 5 de Mayo una banda formada por Peter Byford a la voz, Graham Oliver y Paul Quinn a las guitarras, Steve Dawson al bajo y Peter Gill a la batería, sacó a la luz el memorable "Wheels of Steel".

SAXON tuvo su mejor obra a comienzos de la década y se convirtió en una de las primeras formaciones que capitanearon la N.W.o.B.H.M. Sus trallazos breves de gran intensidad, desnudos de las potentes ráfagas metálicas, eran llanamente "hard rock" en estado puro. Himnos directos, fuertes, como "Motorcycle Man" o "Freeway Mad" y la más grande entre las grandes, "Wheels of Steel".
Un águila metálica sobre una rueda sería un símbolo a tener en cuenta en 1.980 y una de las portadas más atractivas de "heavy metal" de la época.


Sería su mejor álbum, alzándose hasta la 5.ª posición en las listas, que junto con los posteriores "Strong Arm of the Law" y "Denim and Leather" conformarían una trilogía dorada que les llevaría a lo más alto del estrellato tras, apenas, tres años después de su debut.



        -Los hacedores de éxitos desde hacía algún tiempo QUEEN, sacaron el 30 de Junio uno de los mejores álbumes de los '80, "The Game". Siempre al "pop" y al "rock", como seña de identidad que llevaba la banda a cuestas, se le unieron tendencias "disco" y el uso de sintetizadores creando un experimento fresco, dinámico, divertido.
Con cortes memorables como "Rock It", "Another One Bites the Dust", "Crazy Little Thing called Love", que llegó a la primera posición en el Billboard Hot 100 y la "power ballad""Save Me", los londinenses alcanzaron el n.º 1 en las listas estadounidenses, siendo la primera vez que les ocurría en EE.UU.



La revista CREEM nombró al disco como uno de los más grandes de 1.980, Record Mirror afirmó que eran la banda más excitante que se podía escuchar en el momento, el tema "Another One Bites the Dust" recibió el premio a mejor "single" de "pop rock" y esto les valió a los chicos para que los nominaran en los American Music Awards en 1.981 en la categoría de "Mejor Banda de "Pop"/"Rock"".



        -Un viernes 25 de Julio un álbum de tapa negra sólo con dos títulos en blanco salió a la calle para convertirse en un rompedor éxito. Arriba ponía AC/DC, y abajo "Back In Black".
Tras la muerte tan desafortunada que tuvo Bon Scott, la banda resurgió tras un periodo de tiempo donde se encontraban indecisos, con la nave parada, sin hacer nada salvo pensar en su incierto futuro. Pero los australianos no se rindieron, y tras mover unos cuantos hilos, un nativo de Newcastle de grandes biceps llamado Brian Johnson que ya había lidiado una popular banda de "rock" a comienzos de los '70, GEORDIE, acabó entre sus filas.


Y el resultado fue un n.º 1 en las listas británicas y el 2.º álbum más vendido de la historia. Un tributo al desaparecido Scott, una orgía musical de grandes "riffs" donde 10 perlas de puro "rock" intenso y sin descanso se convirtieron en clásicos al instante. Desde la pesada "Hells Bells" hasta una declaración de principios como fue "Rock 'n' Roll ain't Noise Pollution", incluyendo "hits" como "What do You do for Money, Honey?", "You Shook Me All Night Long", o la joya "Back In Black". Todas ellas imitadas y homenajeadas por cientos de grupos aunque sin el mismo acierto.


Estaba claro que Johnson no era Scott, pero su alto rango vocal y sus chirriantes tonos unidos a la cortante guitarra del sr. Young y la excelente producción de Robert J. Lange hacían que el sonido, siempre 100% "rockero", resultase muy atractivo de escuchar. En realidad eran los mismos AC/DC de toda la vida, sólo que con un ligero cambio de miras.



Hasta aquí los cinco primeros álbumes de ese año. La semana que viene hablaré de la otra mitad.
Otros cinco plásticos gloriosos que sin duda hicieron que la década comenzase muy bien para el "rock", amén de nombrar algunos trabajos de otras bandas, que si bien no son sus más grandes obras fueron bastante notables, en mayor o menor medida, dentro del género en el que se contaban.
Y que este nuevo espacio sirva para seguir recordando esos inmortales discos que cambiaron la música y nuestras vidas pertenecientes a una década donde surgieron algunas de las más grandiosas obras del "rock" de todos los tiempos.

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THE WHO - The complete Amsterdam 1.969

October 4, 2015, 1:51 am
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Tommy fue la primera ópera rock y representó un salto de calidad importante en la carrera de The Who. A partir de ese momento ascendieron al Olimpo de los dioses del rock.


Nos encontramos en 1.969, The Who ya tenía tres discos a sus espaldas, ("My Generation", "A Quick One" y "The Who Sell Out "), consiguiendo un notable éxito con temas como "My Generation", "Substitute" o "Magic Bus". Pete Townshend había dejado las drogas y empezaba a introducirse en el mudo místico de la mano de Meher Baba. Pete llevaba trabajando desde un año antes en un gran proyecto que definiría su carrera, su primera ópera rock, "Tommy". El 7 de Marzo del 69 salía el primer single de la obra, "Pinball Wizard", y el 23 de mayo se editaría el doble LP.  A pesar de su éxito comercial el disco fue censurado por la BBC y por algunas emisoras estadounidenses. Ese mismo año el grupo presenta su obra en Woodstock siendo aclamados por más de 400.000 seguidores. 


La grabación fue realizada por una radio holandesa y corresponde al concierto de The Who celebrado el 29 de septiembre de 1.969 en el Het Concertgebouw, Amsterdam, durante la gira de presentación de Tommy.  En la primera parte del concierto interpretan algunos de sus grandes éxitos hasta la fecha, "I can't explain", "Substitute", "Happy Jack", "I'm a boy", etc. Posteriormente presentan casi en su totalidad la opera rock  Tommy ("Underture","Cousin Kevin","Sensation" y"Welcome" no fueron incluidos en esa gira) , el orden de los temas cambia un poco con respecto al del doble Lp. Como fin de fiesta podemos oír  "Summertime Blues" y una extensa versión de "My generation". La voz de Roger Daltrey no estaba en muy buenas condiciones pero el sonido es muy bueno y el documento es histórico.



Temas
01. Introduction
02. Heaven And Hell
03. Can't Explain
04. Fortune Teller
05. Tattoo
06. Townshend Comments
07. Young Man Blues
08. Townshend Introduces
09. A Quick One While He's Away
10. Substitute
11. Happy Jack
12. I'm A Boy
13. Overture
14. It's A Boy
15. 1921
16. Amazing Journey/Sparks
17. Eyesight To the Blind
18. Christmas
19. The Acid Queen
20. Pinball Wizard
21. Do You Think It's Alright
22. Fiddle About
23. Tommy Can You Hear Me?
24. There's A Doctor
25. Go To The Mirror
26. Smash The Mirror
27. Miracle Cure
28. Sally Simpson
29. I'm Free
30. Tommy's Holiday Camp
31. We're Not Gonna Take It
32. Summertime Blues
33. Shakin' All Over
34. Applause
Encore
34. My Generation

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Electric Light Orchestra y los límites de los géneros musicales (colaboración Eduardo Segura)

October 6, 2015, 1:57 am
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Un nuevo colaborador entra a formar parte del equipo de Rockliquias, Eduardo Segura. Siempre que su tiempo se lo permita nos deleitará con sus conocimientos musicales y sobre todo con su exquisita forma de escribir. Su sección lleva como título de "Sinfo-Prog: el rincón de Eduardo Segura".


Electric Light Orchestra y los límites de los géneros musicales

 La evolución del grupo liderado por Jeff Lynne pone en tela de juicio los géneros y etiquetas con que solemos acercarnos a las diversas formas de arte que merecen tal nombre. Del pop influenciado por la imparable fuerza y originalidad de The Beatles, al pop-rock; del sinfónico al rock más electrónico, la E.L.O. es un ejemplo quizá único de música de fusión entre la concepción contemporánea que nace con el pop, y la música llamada clásica. Esa fusión la hizo posible la genialidad de un músico con el talento para aunar la instrumentación clásica con la gama de colores y matices que aporta el uso de los sintetizadores y la electrónica, y con el talento –quizá sólo parangonable al de Mike Oldfield- de Jeff Lynne para la producción.


 A finales de la década de 1960, Roy Wood, guitarrista, vocalista y compositor de The Move, tuvo la idea de formar un nuevo grupo que usase violines, cellos, e instrumentos de vientos para dar a su música un sonido clásico. Jeff Lynne, líder del interesante grupo The Idle Race, se sintió atraído por la idea. En enero de 1970, cuando Carl Wayne abandonó The Move, Lynne aceptó la invitación de Wood y se unió al grupo con la condición de que centrase su energía en el nuevo proyecto. El 12 de julio de 1970, Wood y Lynne grabaron la primera canción de la Electric Light Orchestra, «10538 Overture», compuesta por Lynne, a la que añadieron varias pistas de chelo. 





El álbum resultante, The Electric Light Orchestra, fue publicado en 1971 en el Reino Unido. El 13 de noviembre llega a nuestras manos lo último de la E.L.O., ‘Alone in the Universe’, una especie de guiño, acrisolado por casi cincuenta años de absoluta dedicación a la Música, a aquel inolvidable‘Out of the Blue’. El platillo volante sigue surcando el universo musical, reformulando las etiquetas, ensanchando nuestra comprensión de la belleza.


Discografía
The Electric Light Orchestra - No Answer (1.971)

ELO 2 (1.972)

 On the Third Day (1973)

 Eldorado, A Symphony (1974)

 Face the Music (1975)

 A New World Record (1.976)

 Out of the Blue (1.977)

 Discovery (1.979)

Time (1.981)

Secret Messages (1.983)

 Balance of Power (1.986)

 Zoom (2.001)

Alone in the Universe (2.015)



y de regalo una de sus actuaciones



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GULLIVER - Ridin' the Wind 1.979 (colaboración J.J. Iglesias)

October 7, 2015, 1:58 am
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Cuando hablamos de oscuridades del glorioso Pomp USA 70's, tiendo a diferenciarlas en dos grupos: clase A, donde están los verdaderos iconos de la rareza. Como los mencionados no hace mucho por aquí, Trillion, HeadEast, Angel, 707, Max Webster, Prism.... Y la clase B: los más olvidados entre los olvidados. Ilustres perdedores. "Beautiful losers", que diría Bob Seger, como MPG, Mornin Star, Silver Condor, Boulder, Treasure, Duke Jupiter y un millón más. Y aún había una clase C para los que simplemente nadie se acuerda de ellos. Y ahí estarían Gulliver con su único disco de 1.979.


¿Razones? Ninguna. La vida es así de puñetera, hermano. Porque estos tíos habían fichado por Columbia. Eran algo más que talentosos y contaban en sus filas con una figura de primera división, John Weider. Un guitarrista increíble británico él e injustamente infravalorado cuando se trata de hablar de la guitarra eléctrica en su tierra. Sustituyó a Eric Clapton en los Bluesbreakers de John Mayall. ¿Alguien lo ha mencionado alguna vez?  Estuvo eb los Animals mázs psicodélicos de "Wind of Change". Y luego en Family como bajista sustituyendo a Rick Grech, que se iría a Blind Faith. Colaboró en esa maravilla country rock, rockliquia de lujo ya comentada, y único álbum de Roger Harris. Montó Moorider con Ketih West (Tomorrow). Y Stonehenge. Y Stud. Y undiscazo en solitario a su nombre en el 76. Pero harto de no ser profeta en su tierra, se pira para los States y entra en Gulliver, anteriormente conocidos como Galaxy. 

Hay otro claro líder en sus filas. David Carron, cantante solista de voz extraordinaria, similar a Brad Delp. También guitarra rítmica, 12 cuerdas y percusiones. Entre ellos dos se componen todo el álbum. Dana Buck al bajo y David Buck batería, gemelos para más señas, completan el cuarteto. Michael Curtis ayuda al Hammond y Fender Rhodes en un par de temas. A pesar de ser puro Pomp de la época, éste es un álbum muy guitarrero. Quizá el trabajo más brillante que le he oído a Weider en toda su carrera. Finísimo e inspirado a cada nota. Con solos desbordando energía y elegancia al mismo tiempo. 


Muy similar en estilo a Tom Scholz. Que es a quien suena en la inicial "Miracle Tonight". 

"Lovin' a Dream" es puro west coast donde las armonías vocales de los cuatro músicos se lucen en una melodía casi Beach Boys.

La siguiente es un mosqueo, "The wonder of it all"es muy muy parecida a "Ownerof a Lonely Heart" de Yes, pero hecha casi cinco años antes.Su ritmo, su bajo, su estrofa, hasta lleva un filtro-efecto en la batería. No sé si no estaremos ante un caso de "parecidos razonables".... 

El encantos softie de "Bright Lights" me recuerda a gemas del género como Maxus, Player, Ambrosia u Hotel. Y esa guitarra entre jazz y hard me vuelve loco. Las voces, angelicales. 

"Ridin' the Wind"comienza como puro rock sureño, y se desarrolla del mismo modo, con un Weider alcanzando las nubes. Su solo en medio del tema es oro puro. Doobie Brothers babearían con esta composición. 

El poderoso influjo de Boston está muy presente en esta banda, "Danger in the Night" podría ser un outtake del "Don't Look Back". "Heartaches and Heartaches" idem de REo Speedwagon. 

Las campanas tubulares mezcladas con la sólida sección de ritmo nos lleva a similares Trillion. Más líneas vocales a la manera de Boston. Weider que se sale en todo momento... Se llama "Wild Bells"!!.

"No livin' without you" es una mutación entre America y Roadmaster.

"See it comin"despide el álbumd e forma formidable con Carron cantando de fábula y la banda apoyando vocalmente con rotundidad. Mientras que Weider no para de hacernos saltarde la butaca con su fogosidad guitarrera.

Temas cortos, llenos de ideas y de un sentimiento positivo y enérgico. Tanto los gigantes como los enanos pudieron con este Gulliver. Pero el tiempo le da la razón. Un cinco estrellas.








Temas

1. Miracle Tonight - 00:00 2:21
2. Lovin' a Dream - 02:18
3. Wonder of It All - 05:18 
4. Bright Lights - 08:14 
5. Ridin' the Wind - 11:57 
6. Danger in the Night - 16:47 
7. Heartaches and Heartaches - 19:36 
8. Wild Bells - 23:29 
9. No Living Without You - 26:55
10.See It Comin' - 30:15 

Formación
*Dana Buck - bajo,voz
*David Buck - batería,voz
*David Garron - guitarra, voz
*John Weider - guitarra, voz
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Rockliquias en los 80: 1.980 Part. 2 (colaboración Christian Jiménez)

October 9, 2015, 1:31 am
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Bueno, hace una semana se estrenaba una nueva sección en el blog con la intención de nombrar algunos de los mejores álbumes que tuvieron lugar en la década tan prolífica de los '80.
Como es normal se empezó por el principio de todo, el año 1.980, comentando brevemente los primeros 5 discos de mi lista de 10 que yo consideraba los mejores personalmente y que mejor representaron la esencia de lo que se cocía y lo que se empezaba a cocer a principios de la década; cada uno según su fecha de salida al mercado.

Ahora iría con la otra mitad de álbumes que estimo importantes en su año de realización y también en la carrera de las bandas que lo pusieron a la venta para un público que nunca tenía demasiado en el mundo tan amplio del "rock". Algunos tuvieron más o menos repercusión para los críticos y las masas, pero sin duda cada uno de ellos resultaron ser espectaculares trabajos dentro de los géneros donde se encontraban:




        -Un descontento Ozzy Osbourne, que lo había pasado fatal tras su expulsión de Black Sabbath, decidió poner punto final a la carrera con su grupo de siempre y empezar una en solitario.
Junto a él se unieron unos músicos de categoría como fueron Randy Rhoads a la guitarra, Bob Daisley al bajo, Don Airey a los teclados y, tras un duro esfuerzo por encontrar a quien se colocara a las baquetas, Lee Kerslake, ex-batería del gran grupo de "hard rock" Uriah Heep, lo que tuvo que ser un verdadero placer para Osbourne el tenerle en sus filas.


Así, con esta alineación, el 20 de Septiembre vería la luz uno de los mejores álbumes de "heavy metal" que jamás se hayan hecho, "Blizzard of Ozz", certificado con cuádruple platino en EE.UU.
Los temas que lo componen son auténticas joyas de un "metal" preciso, potente, sin concesiones. Lo mejor de todo es que no sonaban como Black Sabbath, sino que tenían fuerza por si sólas, como las crudas "Steal Away the Night"; "Crazy Train", que llegó al 9.º puesto en los Billboard Top Tracks o la controvertida "Suicide Solution", que acabó llevando a Ozzy a juicio.



Si a eso añadimos las más oscuras y extensas "Goodbye to Romance" y "Revelation" tenemos un álbum completo, un álbum de 10, que consiguió llegar a la 7.ª posición en las listas británicas y que sería el mejor en la carrera de Osbourne, cosechando un éxito que no volvería a ver hasta su "No More Tears" de 1.991.




        -Por aquellas fechas también hubo otro músico que decidió desligarse de una banda en la que aprendió mucho, llamada UFO, y dar paso a una carrera en solitario, marcada sobre todo por las irregularidades, pero que tuvo un muy buen comienzo.
Así Michael Schenker, un experimentado guitarrista que desde el año '72 estaba metido en el mundo de la música, facturó su mejor disco aquel mes de Septiembre, el más grande que haya realizado en su carrera y fundamental en el "heavy metal" de los '80, "The Michael Schenker Group", también conocido como "Cry for the Nations".

Recogió lo mejor de UFO en un disco de "rock" descarnado y poderoso, de grandes temas con mucha melodía y energía desbordante, como se podía apreciar en los cortes "Victim of Illusion", "Armed And Ready", "Get Up and Get Down" y su himno por antonomasia "Cry for the Nations". Pero la maestría de éste a las seis cuerdas se grabó a fuego en otros temas igual de memorables como la instrumental "Bijou Pleasurette" y la épica "Lost Horizon", que contiene un solo espectacular y una atmósfera de grandilocuencia que ninguna canción del músico alemán ha logrado alcanzar.



Además, la voz tan versátil de Gary Barden cuadraba y se amoldaba a la perfección al estilo del guitarrista y las colaboraciones de Mo Foster al bajo, Simon Phillips a la batería y Roger Glover en la producción fueron indispensables para dotar de un sonido propio y de gran calidad al trabajo.
Se quedó en la primera posición en las listas de la KTUH en la semana del 29 de Septiembre, llegó a la 8.ª posición en los "charts" de Inglaterra y hoy por hoy es un plástico vital del "rock" y "heavy metal" en su faceta más clásica y comercial a partes iguales.




        -Un sexteto originario de Florida, que cogió su nombre de una prostituta que decapitaba y mutilaba a sus víctimas llamada Molly Hatchet, también se encontraba en su mejor momento. En 1.979 "Flirtin' with Disaster" fue un éxito rotundo y el mejor álbum de la banda en toda su carrera; además, consiguieron devolver al "rock" sureño toda su fuerza, vigor y las altas cotas de popularidad de la que había gozado a principios de los '70.

En 1.980, un vocalista nuevo, Jim Farrar, reemplazó a Danny Joe Brown, se unió a las filas de Dave Hlubeck, Duanne Roland, Steve Holland, Banner Thomas y Bruce Crump y dieron vida a "Beatin' the Odds", que salió a la calle también aquel mes de Septiembre.
Este trabajo llegó al n.º 25 de los "charts" británicos y, aunque no fuera un éxito de masas, es un disco perfecto donde la esencia del clásico "hard rock" sureño de Lynyrd Skynyrd se une a los sonidos más duros que empezaban a gestarse en la década dando resultado a un LP ágil, divertido, rebosante de fuertes "riffs" sencillos y llenos de sentimiento y energía "rockera".



Es cierto que Farrar no era Brown, pero su voz se ajustó bien al sonido que imprimieron los demás músicos en este plástico donde destacan piezas tan sólidas como "Double Talker", "Few and Far Between", "Get her Back" o "Poison Pen" y la curiosa balada "The Rambler", que nos trae lo mejor de aquellas tierras donde los Allman Brothers comenzaron a hacer historia. El triunvirato de guitarras Hlubeck/Roland/Holland conseguía ejecuciones vibrantes llenas de maestría y la base rítmica nunca perdía un ápice de su dinamismo.
En general este álbum, que consiguió disco de platino, es continuista del sonido del anterior y de la estética guerrera que mostraban en sus portadas, a cargo del dibujante Frank Frazzeta. Un álbum que no hay que relegar al olvido por nada del mundo por muchos otros súper-éxitos que salieran a su alrededor.




        -Un "power trío" de grandes cualidades que empezaba a hacerse su hueco a finales de los '70 llegó con el que sería su mejor trabajo a comienzos de la década.
El 8 de Noviembre ya se vendía "Ace of Spades", Motörhead subió puestos en los "charts" hasta quedarse en el 4.º y poco después su obra llegaría a disco de oro, y no era para menos.
Una batería apocalíptica, una guitarra desgarradora y una voz que parecía una hormigonera en funcionamiento rompían tímpanos con un álbum ya clásico de "heavy metal", sin pausas, que no te da un respiro, con canciones cortas, directas a la yugular, que servían para quemar los equipos de música.



En lo más alto se encuentra la que da título al LP, que llegó al puesto 15 en las listas de "singles", pero no es la única para recordar. "Fire, Fire", "Shoot You in the Back", "Fast and Loose" o "The Chase is Better than the Catch"; piezas que no pasaban de los tres minutos y medio, algunas ni siquiera llegaban a tres minutos, y todas juntas conformando un álbum aplastante, llamado por algunos expertos "pionero del "thrash metal" de mitad de los '80" e incluido en los "1.001 álbumes que hay que escuchar antes de morir".


El trío de músicos, liderado por el siempre carismático e irreverente Lemmy Kilmister, no fabricaría un disco de estudio tan bueno como este "Ace of Spades", ya indispensable para cualquier melómano amante del "rock" más brutal que pueda existir.




       -Si hay que nombrar un disco en directo de aquel año yo diría el que realizaron Whitesnake el 3 de Noviembre y que corresponde a dos conciertos grabados en el Hammersmith Odeon en 1.978 y 1.980, de título "Live...In the Heart of the City", que recogía las canciones más clásicas del grupo y la gira correspondiente del "Ready An' Willing", también de 1.980.



Whitesnake es recordado sobre todo por dos discos de finales de la década, "1.987" y "Slip of the Tongue", en un momento donde lucían una estética de melenas cardadas, emparentada con el "glam", y grababan espectaculares videoclips, pero en sus comienzos fue un grupo de "hard rock" básico de retazos "blues", que se sacaba de la manga grandes canciones llenas de buen "feeling""rockero".
En esta monumental actuación estuvieron presentes los compañeros que David Coverdale tuvo cuando éste se metió en Deep Purple, Ian Paice en la batería y Jon Lord en los teclados. La pareja de guitarristas Bernie Marsden/Mick Moody eran también dos músicos de gran calidad, con un estilo a las seis cuerdas muy clásico y "blues".
Todos ellos dieron lo mejor de sí en aquel escenario. La clásica "Come On" del "Snakebite" se guardó al público en el bolsillo, y luego fueron llegando la animada "Sweet Talker" y la memorable "Love Hunter", que mantuvieron el clima al rojo vivo, para traer los teclados y el ritmo del "Fool for your Loving" y la sobresaliente interpretación del "Ain't gonna Cry no More", donde Coverdale demostraba que tenía una de las mejores voces del "rock", profunda, desgarrada y de pura esencia "blues".


Al final llegaba un emotivo "Ain't no Love in the Heart of the City" que ponía los pelos de punta, seguido del potente "Trouble" y la revisión del "Mistreated" de Deep Purple. Más de 10 minutos que resultaron ser un broche de oro para una sesión inolvidable, llena de sentimiento y poder "rockero" plasmado en un álbum doble que llegó al 5.º puesto en los "charts" de Inglaterra, consiguió el certificado de platino y hasta se hizo un hueco en el Billboard 200 de EE.UU.
En la portada estarían los seis músicos que habrían de pasar a la historia por la cantidad de orgasmos (musicalmente hablando) que le dio al público en aquellas inmortales actuaciones.




Y así terminaría mi lista de los 10 mejores álbumes de aquel año, aunque tampoco hay que olvidar otros tantos que tuvieron una buena repercusión por las mismas fechas. Como fueron el "Women and Children First" de Van Halen, que seguía con la tónica de siempre, la cual había hecho que el grupo tuviera éxito desde que empezó. El "Animal Magnetism" de Scorpions y el "G-Force" de Gary Moore tampoco se quedaron atrás, como aquel "No Place to Run", de UFO.

También hay que hablar de tres debuts importantes. Primero el de Tygers of Pan Tang, una de esas bandas que capitaneó la N.W.o.B.H.M. y que cosecharía éxito en años posteriores; el de Angel Witch, uno de los pilares del nuevo movimiento inglés y que tuvo su mejor obra en ese primer disco, y el de una formación que revolucionaría la escena del "heavy metal", Iron Maiden, con su "rock" sucio y mercenario a medio camino entre el "punk" y el "heavy" de la New Wave.

Así como los debutantes Def Leppard, que empezaron a ganarse la reputación que harían de ellos lo que son, con su "On Through the Night". Como otras que también salieron al mismo tiempo, Girschool, una banda llena de feroces féminas que practicaban un "rock" callejero sin paliativos y que darían su mejor trabajo al año siguiente.

Por otro lado, cuatro gigantes que llevaban tiempo en el negocio también destacaron en la escena. Por ejemplo Nazareth con su "Malice in Wonderland", una vuelta de tuerca al estilo que practicaban en su anterior "No Mean City", y que les lanzó a explorar terrenos más melódicos, llegando a introducirse en el "AOR" y en un "rock" hecho para ir directo a las emisoras FM.
Jethro Tull sufrió un cambio drástico cuando Ian Anderson modificó a prácticamente toda la alineación del grupo y realizó el controvertido y poco acertado "A", metiendo sonidos "pop" y electrónicos a su clásico "rock", cosa que desconcertó a los fans.
Uriah Heep se puso a sonar como Alan Parsons Project por el sonido de los teclados y la voz de John Sloman en "Conquest". A pesar de que el exceso de comercialidad se convirtió en un hándicap fue un interesante disco del grupo a rescatar hoy en día.
Y los sinfónicos Supertramp también quedarían en la Historia gracias a su directo "Paris", donde el talento irrepetible de sus músicos alcanzarían su mayor expresión en aquel escenario el 29 de Noviembre de 1.979.

Y hablando de gigantes, aquel año un grupo desaparecido del mapa, Atomic Rooster, publicó el que sería su penúltimo disco, llamado como ellos, con John DuCann y Vincent Crane mostrando que la creatividad, ingenio, carisma y clase que siempre habían tenido jamás les había faltado.

Como ya dije, los álbumes que menciono serán más importantes para algunos y prácticamente inolvidables para otros. Lo que se tiene que hacer es colaborar y que cada uno ponga su aportación nombrando cuales serían los 10 mejores álbumes de su lista personal.

Ya la semana que viene hablaré de la primera mitad de la lista de álbumes de 1.981 que merece la pena recordar, entre los que se cuentan verdaderas obras maestras de la música.



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A EUPHONIOUS WAIL - A Euphonious Wail 1973

October 11, 2015, 1:52 am
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La costa californiana fue un hervidero musical a finales de los 60. Solo llegaron hasta nosotros los grandes grupos ( Jefferson Airplane,Quicksilver Messenger Service), pero hubo muchos otras bandas que recogieron sus influencias.


Sus orígenes se remontan al inicio de la década de los 70 en la costa californiana. La banda estaba formada por  Doug Hoffman (batería),  Bart Libby (teclista),  Suzanne Rey (voz),  Steve Tracy (guitarra, voz) y Gary Violetti (Bajo). En el 73 tuvieron su debut discográfico, "A Euphonious Wail". Durante algún tiempo tuvieron numerosas actuaciones hasta desvanecerse.


Algunos críticos los encasillan en el heavy progresivo, nada más lejos de la realidad. Su música tiene toques hard  como lo demuestran temas como "F#" o "Night Out", donde el guitarra Steve Tracy toma el protagonismo. Por otra parte sus influencias californianas están claras en composiciones como "We've got the chance", "When I star to live " o "Love my brother" con una voz por parte de Suzanne Rey con tonos a lo Grace Slick y una  gran labor a las teclas de Bart Libby. Muy destacable el tema Chicken.




Temas
1. Pony 00:00
2. We've Got The Chance 04:36
3. Did You Ever 08:47
4. When I Start To Live 12:29
5. F# 17:18
6. Chicken 20:56
7. Night Out 25:30
8. Love My Brother 28:20
9. I Want To Be A Star 33:00

Formación
Suzanne Rey : voz
Bart Libby : teclados
Steve Tracy : guitarra, voz
Gary Violetti bajo,voz
Doug Huffman : batería, voz

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Los teclistas del rock: RICK WAKEMAN

October 13, 2015, 2:46 am
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Hoy abrimos una nueva sección entro de "Rockliquias", la hemos llamado "Los teclistas del rock". Esta sección está abierta a todo el mundo, simplemente tenéis que enviar vuestro artículo sobre vuestro teclista favorito a rockliquias@hotmail.com ( del material gráfico y sonoro me ocupo yo). Para romper el hielo vamos a comenzar con una serie de artículos que escribí para un blog amigo. Hoy es el turno de RICK WAKEMAN.

RICK WAKEMAN
No pretendo contar exhaustivamente la obra y milagros de este genio, eso sería muy largo y tedioso, simplemente daré unas pinceladas sobre su trayectoria basándome en mi experiencia.



Rick Wakeman nació en 1,949 en Perivale, Londres, y como era de esperar estudio diversos instrumentos entre ellos el piano, pero el bueno de Rick era un inconformista y no se regía por los cánones clásicos por lo cual fue expulsado del  Royal College Music. Durante algunos años trabajó como músico de sesión colaborando con gente como David Bowie, Cat Stevens o Al Stewart hasta que entró a formar parte de  “Strawbs”. Con ellos permaneció dos años ( del 70 al 71) y grabó dos discos, “Just a colletion of antiques and curios” y “From the whitchwood”. La gran oportunidad llegó cuando Tony Kaye abandonó  “Yes” en 1.971 y fue llamado para sustituirlo. Este hecho le abrió las puestas al estrellato.




 En esta primera fase en el grupo realizó cuatro grabaciones, “Fragile” (1.971), “Closet o the Edge” (1.972), “Tales  from Topographic Ocean” (1.973) y “Yesssongs”  (1.973). 

Paralelamente a su estancia en Yes en  1.973 comenzó su carrera en solitario con la publicación de “Las seis esposas de Enrique VIII”  y ese mismo año abandonaría a los “Yes”.  En el 74 editaría su mayor éxito, “Journey to the Centre of the Earth” y en el 75 “The Myths and Legends of the King Arthur and the Knights of the Round Table” donde la calidad de su música empezaba a flaquear  y su grandilocuencia se estrellaba con ruinosas giras. 



 Ese mismo año compuso la banda sonora de “Lisztomania” una película esperpéntica realizada por Ken Russel sobre la vida de Franz Liszt. Como he dicho al principio quería contar la historia de Rick bajo mi experiencia, pues bien, para mí la calidad de los trabajos de Rick decayó mucho a partir de ese momento, el disco del 76 “No Earthly Connection” era infumable y a pesar de la calidad de “White Rock”, Rick ya no estaba tan inspirado.





A partir de ese momento la historia de Rick se desvaneció en mi memoria, es cierto que ha grabado numerosísimos discos de todo tipo y con diferente suerte, desde New Age, pasando por rock cristiano y hasta querer rememorar viejas glorias grabando una segunda versión del  “Journey to the Centre of the Earht” con ilustres invitados (Trevor Rabin, Bonnie Tyler, Ozzy  Osbourne, etc) e incluso se ha vuelto a reunir en varias ocasiones con sus amigos de Yes, en una de las cuales tuve la oportunidad de verlo actuar en Zaragoza. Ya sé que este resumen es una barbaridad para los seguidores de Rick pero vuelvo a repetir que me baso en mi experiencia personal que por supuesto puede que no sea la más valida.



Para finalizar esta primera colaboración quería comentar la obra de Rick que marcó mi adolescencia durante algún tiempo. Sin lugar a dudas su obra maestra fue “Journey To the Centre of the Earht”, basada en la obra de Julio Verne fue grabada en directo en 1.974 en el Royal Festival Hall de Londres con la colaboración de la Sinfónica de Londres y el coro English Chamber. El disco fue un gran éxito y a lo largo de la historia ha vendido más de 14 millones de copias lo que lo hace ser uno de los discos más vendidos  de rock sinfónico. La grabación está dividida en cuatro partes unidas por un narrador que va contando la historia del viaje. La primera parte, “The Journey”, es una obertura épica que culmina con el sonido de sintetizador  (mini moog) tan tipo de Rick. La obra continua con “Recollection” que dibuja oníricos paisajes y nos hace volar la imaginación. La cara B la abre “The Battle”, comienzo orquestal rememorando el leit motiv de la obra para pasar rápidamente a un gran alarde instrumental de Wakeman. La obra  termina de forma apoteósica con “The Forest” al más puro estilo sinfónico.




Temas
1.- The Journey"/"Recollection
2.- The Battle"/"The Forest


Formación 
Rick Wakeman: teclados
Gary Pickford-Hopkins – voz
Ashley Holt – voz
Mike Egan – guitarra eléctrica
Roger Newell – bajo
Barney James – batería
David Hemmings – narración
David Measham – Director
London Symphony Orchestra
English Chamber Choir
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ZAZU -Zazu 1.975 (colaboración J.J. Iglesias)

October 14, 2015, 1:13 am
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El único álbum de los norteamericanos Zazu tiene conexiones con los primeros y más progresivos Styx. Grabado en los Paragon Records Studios de Chicago, cuartel general de estos. Y editado en el sello Wooden Nickel, subsidiaria de RCA. Que es donde editaron los de James Young su obras más claramente progresivas, con la guitarra y composición del desconocido John Curulewski, un hombre al que la historia, y la biografía de Styx, no ha reconocido como merece.




Zazu era un cuarteto formado por John Melnick (teclados, voz), Randy Curlee (bajo, voz), Paul Ricupero (guitarras, voz) y Mickey Lehocky (percusión). Los juegos vocales están asegurados, y el estilo de la banda debe mucho a la Costa Oeste. Pro no por ello pierden su fuerte identidad progresiva.



 La cara A que ellos bautizan "Heads", se compone de cuatro temas:

"Country Eyes" (3:42) es un country soft rock que igual puede recordar a Firefall que a (sobre todo) Kansas. Las maneras del cantante, ignoro cual de los tres es el solista, son muy similares a Steve Walsh. Buenas guitarras, medio tiempo y amagos de Hammond. Estribillo de los que se quedan a la primera.

"Upon the Island Unisphere" (6:42) vuelve a esa astuta combinación de CSN&Y y desarrollos teclados/guitarra decididamente prog. El órgano domina con arreglos jazzísticos   emersonianos, solos de sinte incendiarios y la guitarra de Ricupero resolviendo con acierto. Pedazo de tema.

La cadencia de "Just Friends" (3:43) nos devuelve a la soleada campiña californiana con aromas hippies que podrían haber compuesto James Taylor o L.P. Souther. El piano de Melnick derrocha buen gusto.

"Midnight Train" (4:00) es otro buen ejemplo de cómo quedaría una jam entre The Outlaws con Ketih Emerson al treclado!!



La cara B, o "Trails", parece de otra banda. Se sueltan la melena instrumental y exhiben un nivel puramente progresivo digno de los más grandes. 

La majestuosa suite "Ittsanottasonatta, But It's Close" (10:28), con cuatro partes definidas, resulta ser la monstruosidad del álbum. Digna de un "Song for America" o "Leftoverture", las influencias van desde los evidentes Kansas hasta la Mahavishnu Orchestra. Todos tienen momentos culminantes en sus respectivos instrumentos. Guitarra hard con brutales y elegantes solos, piano jazz, solos de moog que quitan la respiración, la batería a lo Billy Cobham, bajo a lo Jack Bruce.... La energía de esta salvajada es estratosférica. 

A la que sigue "Morning Rain" (6:34) en el mismo sobrado estilo. La escucha de esta cara te deja como si hubieras subido y bajado una montaña corriendo. Exhausto.

Un tremendo álbum que no tuvo continuación. Zazu debió codearse con los más grandes del momento. Y tiene su entrada en Rockliquias asegurada con la alfombra roja. Esto es de sobresaliente claro.






Temas
1. Country Eyes 00:00
2. Up The Island Unisphere 03:41
3. Just Friends 10:22
4. Midnight Train 14:11
5. Ittsanottasonatta, But It's Close 18:12
6. Morning Rain 28:34

Formación
John Melnick - teclados, voz
Randy Curlee - bajo, voz
Paul Ricupero - guitarra,voz
Mickey Lehocky - batería

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Rockliquias en los 80: 1.981 Part. 1 (colaboración Christian Jiménez)

October 16, 2015, 12:12 am
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La leyenda continua y las obras maestras pueden seguir acumulándose sin ningún problema, ya que ahora vamos a seguir con el gran saco lleno de joyas que nos trajeron los '80 y hablar de las 10 obras que yo considero máximas del "rock" y sus muy variadas vertientes del año 1.981.
Como las semanas anteriores pondré los cinco primeros según el orden en que salieron al mercado y conquistaron las listas y el corazón de las masas.
No hay porqué aguardar más:



        -Siete doctores con batas verdes aparecían en la carátula del quinto álbum de estudio de una banda que se convirtió en una de las más importantes de mitad de los '70, ya que de algún modo dieron un enfoque distinto al por aquel entonces no muy explotado "heavy metal".

Ritchie Blackmore junto con Ronnie James Dio llegaron con RAINBOW y se ganaron una reputación que les condujo a lo más alto del escalafón metálico con obras de arte como "Long Live Rock 'n' Roll" o "Rising". Pero a principios de los '80 Blackmore seguía queriendo hacer más comercial al grupo, cosa que no le gustó a Graham Bonnet, que se marchó apenas empezaron las sesiones de grabación.



Entonces llegó Joe L. Turner de Fandango y Bonnet se daría de cabezazos cuando vio lo que salía el 3 de Febrero a la calle. "Difficult to Cure" llegó al 3.er puesto en las listas británicas, al 50 en el Billboard 200 de EE.UU. y el "single""I Surrender" se convirtió en todo un éxito, alcanzando también la 3.ª posición.

Y es verdad que puede pecar de muy comercial comparado con los anteriores, pero es que la esencia tan metálica del grupo no se va, por mucho teclado que se metiera de por medio. Así encontramos trallazos de vena clásica como "Spotlight Kid" o "Freedom Fighter" convergiendo con los matices que hacían de "Can't Happen Here" o "Magic" temas más asequibles y comerciales perfectos para ser "singles".


A destacar también las épicas "No Release", con esas pinceladas de "soul" que se dan a mitad del tema consiguiendo una atmósfera apabullante, y el broche de oro que es "Difficult to Cure", con partes de la 9.ª de Beethoven sonando por todo lo alto a la guitarra imperecedera de Blackmore acompañada del teclado de Don Airey.


        -Grupo totalmente maldito desde sus comienzos, los de Brooklyn RIOT tuvieron que cruzar un sendero de calvario infinito para poder hacerse un pequeño hueco en la industria de la música desde que empezaron allá por el '75.

Sus dos primeros álbumes no consiguieron ningún éxito, ya que a finales de los '70 lo que pitaba era la música "disco" y cosuchas así. Hasta sus managers les dijeron, a ellos que eran fans de Montrose, Humble Pie y FOGHAT, que cambiaran por completo, adoptando el estilo "new wave" que llevaban gentes como Talking Heads. Esa idea ni pasó por sus cabezas, claro.




Al final, luchando contra el management, los ejecutivos y la compañía en general, se largaron de aquellos lares y un disco recién sacado del horno llamado "Fire Down Under" fue vendido a Elektra Records, que lo puso a la venta el 9 de Febrero de 1.981, llegando a vender más que los dos anteriores de RIOT juntos, alcanzando el Top 20 de los álbumes más exitosos, metiéndose en la listas Billboard y quedando en la Historia como un plástico inmortal del "heavy metal" de los '80.
Su sonido era como una inyección de nitroglicerina directa a los tímpanos; algo así como un precursor de lo que se haría en "The Number of the Beast" o Metallica en años venideros, por algo Lars Ulrich era fan del grupo. ¿Cómo iba RIOT a repeinarse, ponerse pantalones de pitillo y zapatos con punta si estaba claro que lo suyo era puro desenfreno metálico?



Así que con la revitalización del "heavy metal" gracias a la N.W.o.B.H.M. por fin pudieron gozar de un poco de atención. No es para menos; en este "Fire Down Under" tenemos una muestra de lo que es "heavy metal" a 1.000 por hora: el himno con el que abre, "Swords And Tequila"; los pildorazos rapidísimos "Don't Bring me Down", "Run for your Life" (el "Purgatory" de RIOT) o el que da título al trabajo, y otros más pesados pero igual de intensos como "Outlaw" o "Struck by Lightning". Las guitarras corrosivas de Mark Reale y Rick Ventura y una base rítmica hecha para destrozar hormigón como era la del tándem Kip Leming/Sandy Slavin rompieron moldes dentro del género. Con este álbum se pueden llegar a comparar con Motörhead o Iron Maiden, por poner un ejemplo, aunque la voz de Guy Speranza era chillona y de tonos muy altos; una voz típicamente "heavy", pero el sonido era igual de potente y lleno de energía.

En Noviembre de 1.981 Speranza se marcharía del grupo para casarse y convertirse en controlador de plagas y los chicos buscarían un sustituto pero ya sin lograr éxito. Todo se acabó en 1.984. Cada uno se fue por su lado y todo su "prestigio" se basa en ese disco de 1.981, una de las más grandes obras del "rock", ya de culto y de obligatoria escucha.


        -Tremendamente perfeccionista, la banda de "hard rock" progresivo RUSH siempre ha facturado álbumes interesantes, pomposos, elaborados, donde se encuentran piedras preciosas de la talla de "Hemispheres", "2112" y el que sacaron el 12 de Febrero de 1.981, que es el que nos ocupa, "Moving Pictures".



El más exitoso y el de mayor calidad musical, donde las piezas se siguen mostrando muy complejas e intrincadas, pero se acortan las duraciones y se ahonda en una faceta más comercial, que lejos de ser un hándicap hace que el álbum consiga un resultado más asequible, con grandes melodías llenas de virtud y experimentación, donde hay que nombrar esa extensa suite que es "The Camera Eye" y que recuerda a clásicos como su "Cygnus X-1 Book II: Hemispheres".


Pero el trío supo dar también lo mejor de sí en la de aires "hard rockeros""Red Barchetta", donde Geddy Lee se muestra pletórico al igual que la guitarra de Alex Lifeson, como pasa en "Witch Hunt", "Limelight", "single" que llegó al 4.º puesto en las listas estadounidenses, y en el potente himno "Tom Sawyer" que abre el disco entre sonidos futuristas, un ritmo pesado y Lee sonando como nunca.



Este trabajo llega a la 3.ª posición tanto en EE.UU. como en Inglaterra y el grupo canadiense consigue la friolera de 4.000.000 de discos en Norteamérica para el '84, así que es certificado con Cuádruple Platino, y no sólo en ese territorio sino también en su Canadá, y llegan al Plata en Gran Bretaña, lo que hace de "Moving Pictures" uno de los más atractivos, altilocuentes, disfrutables y atrayentes plásticos de "rock" de los '80. Apoteósico, sin duda.




        -¿Que las mujeres y el "heavy metal" no pegan? Si alguien ha pensado eso alguna vez es que no tiene ni puñetera idea.
Podemos contar desde 1.971 con BIRTHA para saber que un grupo compuesto por féminas sabía hacer "rock" igual de bien que toda la testosterona que pululaba en los demás grupos masculinos que lo rodeaban. The Runaways o Rock Goddess podrían ser algunos a nombrar, pero sin duda las que se hicieron con el podio en los '80 fueron las , una banda originaria del sur de Londres compuesta por cuatro ninfas de salvajes instintos que llamaron la atención del manager de Motörhead, Doug Smith, que fue muy listo al contratarlas para la gira "Bomber" de 1.979, cosa que hizo que los dos grupos, desde entonces, tuviesen una especial amistad, y que el 20 de Abril arramblaron con los críticos más conservadores cuando su "Hit And Run" llegaba al 5.º puesto  en las listas británicas, se certificaba con Oro en Canadá y el "single" de mismo título llegaba al 5 vendiendo 70.000 copias en los dos primeros días que estuvo a la venta.



En este trabajo dejaron bien claro que su estilo musical, que aprovechaba el tirón de la N.W.o.B.H.M., era muy afilado y consistente, pero no dejaba de ser un "rock" sucio, frenético, callejero y "punk", donde toda la electricidad que descargaban las guitarras de Kelly Johnson y Kim McAuliffe quedaba grabada a fuego entre el remachador bajo de Enid Williams y los baquetazos que pegaba Denise Dufort. Y, ¡por Dios!, cómo cantaba cada una de ellas en los temas; piezas rápidas, incendiarias, explosivas cuanto menos, como serían "Kick It Down", "Watch your Step", "Yeah, Right!", "I'm your Victim" y obviamente la que da título al álbum, que es algo así como el "Ace of Spades" femenino.



En fin, hubo de todo, críticas positivas, como las del New Musical Express y la de Malcolm Done, de Record Mirror, que llegó a afirmar que la versión que las chicas hicieron del "Tush" de ZZ Top era "la mejor en la Historia del vinilo", y, por supuesto, negativas, como la de Garry Bushell, de SOUNDS, que no le sentó bien que cuatro chavalas de barrio llegasen a cosechar más éxito que muchos artistas que él había nombrado como superiores, cosa que le valió para vapulearlas sin ningún sentido...pero a ellas les daba igual, ellas siguieron haciendo lo que mejor hacían, aunque por derroteros un poco desacertados en los años siguientes. Eso sí, muchos grupos femeninos actuales quedan a la altura del betún si son comparados con estas máquinas que dejaron patidifuso a medio mundo al demostrar que sabían colgarse los instrumentos y tocar igual de bien que los grupos masculinos de la época...incluso mejor que algunos de ellos.

Un cáncer se llevó a Kelly Johnson el 15 de Julio de 2.007, pero ahora estará allá arriba, en el Cielo, y seguro que lo tiene a sus pies a golpe de guitarra.


        -Múltiple Platino en EE.UU., Cuádruple Platino en Canadá, 1.º en el Billboard estadounidense durante varias semanas, 5.º en Inglaterra, con "singles" llegando a lo más alto de las listas...todo esto se llevó el "4", que vio la luz un jueves 2 de Julio, de los neoyorkinos Foreigner, un grupo que ya llevaba desde el '77 cosechando éxitos y que consiguió llevarse por fin el gato al agua con su cuarto disco de estudio.



La palabra "AOR" para encasillar este disco en tal género podría no ser muy acertada. Cierto es que hay teclados, coros muy destacados y melodías pegadizas, pero yo no consideraría a "4" como un disco de "AOR" propiamente dicho. "AOR" fue el "Hold your Fire" de RUSH, el "Escape" de JOURNEY, puede algún que otro de ASIA, el "IV" de TOTO, pero en este álbum hay un contraste entre bellas melodías y una pura energía "rockera" que lo hace ser "rock" comercial, y ahí es donde llega el límite. Además, Lou Gramm no sonaba como Geddy Lee o Steve Perry, su voz era agresiva, poderosa a más no poder y los temas más "rockeros" que tocaban no eran menos fuertes que los que hacían TRIUMPH o Survivor por la época, donde la guitarra de Mick Jones se expresaba con mucha fuerza cuando entraba en juego como en la pesada "I'm Gonna Win" o "Night Life".



"Waiting for a Girl like You" y "Girl on the Moon" eran triunfos como baladas, y con la grandilocuencia de aquel himno de denso comienzo "Jukebox Hero" y la belleza de "Urgent", con el desgarrador saxofón de Jr. Walker de fondo, que llegó al 1.er puesto del Billboard "Rock" Tracks por cuatro semanas, se podría afirmar que este fue uno de los mejores álbumes de los '80 al mezclar tanto comercialidad como furia "rockera" que tan bien supo imprimirle el cuarteto Gramm/Jones/Willis/Elliott y el mago de los controles Robert J. Lange en una producción excelente, vanguardista y experimental como pocas.

El guitarrista Ian McDonald y el teclista Al Greenwood, que dejaron el grupo antes de este "4", estarán aún tirándose de los pelos por no haber participado en tal obra maestra.




La semana que viene más, amigos.

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GENESIS - Liverpool 1.975

October 18, 2015, 1:11 am
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Durante algún tiempo Genesis fue uno de mis grupos favoritos ( época Gabriel), "The Lamb Lies Down On Broadway" y sobre todo "Selling England By The Pound" fueron dos obras que impactaron seriamente en mi formación musical.


Estamos en 1.975, el grupo estaba inmerso en la gira de su nuevo disco, "The Lamb Lies Down On Broadway", que había editado en noviembre del 74. Durante la grabación del mismo se habían evidenciado  diversas diferencias entre Peter Gabriel y el resto del grupo. La decisión estaba  tomada, al finalizar la gira Peter abandonaría la banda. En agosto se consuma el acto y a pesar que el grupo realiza diversas audiciones para encontrar un nuevo cantante, deciden seguir como cuarteto con Phill Collins como voz solista.


La grabación nos muestra el concierto que dio la banda  el 19 de abril de 1.975 en Liverpool correspondiente a la gira de "The Lamb Lies Down On Broadway". El sonido es perfecto seguramente tomado de la mesa de mezclas. El setlist incluye completo el disco que presentaban finalizando su actuación con un "encore" de lujo, "The Knife". Magnífica ocasión para escuchar esta obra en directo, no hay que perdérsela.







Temas
THE LAMB LIES DOWN ON BROADWAY 
FLY ON A WINDSHIELD 
BROADWAY MELODY OF 1974
CUCKOO COCOON 
IN THE CAGE 
THE GRAND PARADE OF LIFELESS PACKAGING 
BACK IN N.Y.C. 
HAIRLESS HEART 
COUNTING OUT TIME 
THE CARPET CRAWLERS 
THE CHAMBER OF 32 DOORS 

LILYWHITE LILITH 
THE WAITING ROOM 
ANYWAY
HERE COMES THE SUPERNATURAL ANAESTHETIST 
THE LAMIA 
SILENT SORROW IN EMPTY BOATS 
THE COLONY OF SLIPPERMEN (ARRIVAL - A VISIT TO THE DOKTOR - RAVEN) 
RAVINE 
THE LIGHT DIES DOWN ON BROADWAY
RIDING THE SCREE 
IN THE RAPIDS 
IT 
The Knife

Formación
Tony Banks - Teclados
Phil Collins - Batería, percusión, vibráfono, coros
Peter Gabriel - Voz principal, flauta, oboe
Steve Hackett - Guitarras
Mike Rutherford - Bajo, guitarra de 12 cuerdas

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Los teclistas del rock: KEITH EMERSON

October 20, 2015, 1:41 am
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Hola amigos nuevamente estoy  en este foro para contaros una nueva historia sobres los teclistas más influyente en el rock. Para esta segunda entrega he elegido a uno de mis músicos preferidos en este género. Durante la década de los 70 compitió duramente en las listas de mejor teclista con nuestro anterior invitado, Rick Wakeman. Sus respectivos grupos también se disputaban la fama realizando espectaculares y mastodónticas giras.  Mi primer contacto con su música fue a través de su segundo disco con E, L & P, “Tarkus”, posteriormente descubrí a “The Nice” y reconozco que me dejo K.O.


Antes de seguir tengo que advertir que no voy a relatar de forma pormenorizada la vida y milagros de Keith,  podría escribir varios libros con el tema, solo voy a dar unas pocas pinceladas de su carrera y sobre todo voy a intentar transmitir mis impresiones sobre su música. 


Keith Emerson nació en Todmorde, Inglaterra, en 1.944. Muy pronto empezó a destacar por su habilidad para tocar el piano y a sus catorce años empezó a dar sus primeros conciertos. Sus primeros grupos los formó en Londres y con los “Gary Farr and the T-Bones” realizó algunas giras por Alemania, Francia y Reino Unido. Cumplidos veinte años forma  “The Nice” junto a Lee Jackson (Bajo, voz), Brian Davison (batería) y a David O´List (guitarra), como respaldo para el cantante americano,  P.P. Arnold. No paso mucho tiempo hasta que “The Nice” se independizó y comenzó su carrera como grupo independiente. El grupo realizó giras con los grandes artistas de la época tales como Jimi Hendrix, Pink Floyd, The Move, etc. Sus conciertos se caracterizaban por la espectacularidad  y genialidad de Keith en el escenario, incluso se le llamo el “Hendrix de los teclados” ya que era capaz de tocar al revés su maltrecho órgano Hammond o incluso lo golpeaba para sacar nuevos sonidos. La música de “The Nice”, como no podía ser de otra manera, estaba muy influenciada por la música clásica y el jazz, de hecho realizaron multitud de adaptaciones de temas clásicos, “Concierto de Brandenburgo Nº3”, “Suite Karelia”, “America” y por encima de ellas el tema que los identificó de por vida, la adaptación del tema  “Blue Rondo a la Turk”, que ellos llamaron simplemente  “ Rondo”. Keith estuvo en el grupo del 67 al 70 y grabó cinco discos, “The Throughts of Emerlist Davjack”, “Ars Longa Vita Brevis”, “Nice”, “Five Bridges” y “Elegy”.


En 1.970 Keith decidió formar un nuevo grupo con la colaboración de Greg Lake, ellos se conocían ya que habían coincidido en varias actuaciones con sus respectivos grupos. Para el puesto de batería pensaron en Micht Michell, el batería de la Jimi Hendrix Experience, pero por diversos motivos no acepto la oferta. El segundo candidato fue un jovencísimo Carl Palmer que por aquella época estaba en “Atomic Rooster”, por supuesto Carl no dudó en aceptar la oferta. La leyenda cuenta que le ofrecieron a Hendrix un puesto en el grupo pero la muerte de este trunco toda posibilidad de formar semejante súper grupo. En agosto de 1.970 participaron en el Festival de la isla de Wight cosechando un notable éxito y dejando boquiabiertos a todo el personal. Su primer disco, “Emerson, Lake & Palmer”,  llegó en noviembre de ese mismo año y alcanzó las primeras posiciones de las listas inglesas y americanas. En esta primera grabación Keith seguía transformando la música clásica a parámetros más rockeros. Su segundo disco llegó en el 71 con la obra conceptual “Tarkus” cosechando nuevamente un notable éxito. En este disco explotaba todo su saber con los sintetizadores, de hecho hacía años había colaborado con Robert Moog para el desarrollo de dichos instrumentos. En Marzo de 1.971 graban una presentación en vivo donde interpretaban una curiosa y magnífica versión de la obra “Cuadros de una exposición” de Musorgky y como no podía ser de otro modo volvieron a triunfar. Con el paso del tiempo los tres miembros del grupo alcanzaron una gran maestría fruto de la cual en el 72 editan uno de su mejores trabajos “Trilogy” donde el tema estrella era “Hoedown”, una adaptación de  “Rodeo” de Aaron Copland. Giras multitudinarias por todo el mundo en el apogeo del rock sinfónico compitiendo con los grandes del género, Yes, Genesis, entre otros, hasta llegar a su obra cumbre en 1.973, “Brain Salad Surgery”,  lo cierto es que se me pone la piel de gallina recordando “Kam Evil  Nº9”, una pieza de 30 minutos llena de virtuosismo y belleza musical. Nuevamente más conciertos que fueron plasmados en un triple disco, “Welcome Back My Friends to the Show That Never Ends”en 1.974 y la culminación llego son su participación en el California Jam de ese mismo año.



Pero amigos las relaciones humanas son muy complicadas y los tres miembros del grupo se tomaron tres años de descanso para recapacitar sobre su futuro. En 1.977 vuelven con “Works Vol.1”, un doble disco que evidenciaba que las diferencias entre los miembros del grupo seguían vigentes. El disco estaba estructurado de manera que cada miembro era el encargado de una cara del disco confluyendo todos en la cuarta cara del doble disco. La continuación de esta grabación, “Works Vol.2” no solucionó los problemas de ventas que el grupo estaba teniendo, todo esto unido a que el rock sinfónico se estaba desmoronando ocasionó  que “Love Beach” , su último disco editado en 1.978, fuera un mero trámite para su disolución. En la década de los ochenta Emerson y Lake se unieron a Cozy Powel   para la grabación de un disco y la realización de varias giras. En los noventa los “E, L &P” volvieron a la carga obteniendo diversos éxitos pero no llegaron a las cotas alcanzadas en los setenta.



Por otra parte en 1.980 empezó a realizar bandas sonoras, “Inferno”, “Nighthawks” entre otras muchas y también comenzó su carrera en solitario editando “Honky”, que curiosamente recuerdo que me decepcionó bastante. A lo largo de todos estos años Keith a seguido editando discos con una calidad variable pero siempre demostrando su virtuosismo. También en algunas de su grabaciones ha colaborado con gente como Glenn Hughes o Marc Bonilla. Si queréis saber más detalles de su vida y su obra os recomiendo leer su autobiografía, “ Pictures of an  Exhibitionist”, os aseguro que no tiene desperdicio.


Para terminar quería comentar una de las obras de Keith, en principio estaba decidido por alguna de sus grabaciones con “The Nice” ya que es un periodo de su vida musical que me gusta mucho, pero al final me he decidido por una de sus obras con “E, L & P”, que a pesar de no ser su obra cumbre para mi significo una antes y un después en mi trayectoria musical. El disco en cuestión es “Cuadros de una Exposición”.  Como he comentado anteriormente es la adaptación de una obra de Musorgky y se grabó en vivo en New Castle. La grabación comienza con “Promenade” que constituye el  leitmotiv, le sigue “The Gnome” donde Carl Palmer demuestra porque era elegido mejor batería año tras año. A continuación volvemos con “Promenade”  con la intervención vocal de Lake. El cuarto tema, “The Sage” es una adaptación de un tema de Edvard Grieg. La cara A finaliza con “The Old Castle” y “Blues Variation”, un tema propio donde Emerson brilla con luz propia. La cara B la abre nuevamente “Promenade” para seguir con un trepidante “ The Hut of Baba Yaga” y otro tema propio , “The Curse of Baba Yaga”.  El tema “The Great Gates of Kiev” supone la finalización de la adaptación de la obra. Como postre el grupo nos deleita con “Nutrocker”, una adaptación de “El baile de los soldados de estaño” de “El Cascanueces” de  Chaikovski.




Temas
1. Promenade 
2. The Gnome 
3. Promenade 
4. The Sage 
5. The Old Castle 
6. Blues Variation 
7. Promenade 
8. The Hut Of Baba Yaga 
9. The Curse Of Baba Yaga 
10. The Hut Of Baba Yaga 
11. The Great Gates Of Kiev 
12. Nutrocker 
Bonus Track
13. Rondo (Live At Lyceum 1970)


y el vídeo correspondiente




Recuerdo que todos podéis participar en esta sección enviando vuestro artículo a rockliquias@hotmail.com  Del tema gráfico y sonoro me ocupo yo.

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Parecidos Razonables - Capítulo 12: Genesis- Toto - Sly Family Stone, Hendrix, Rod Stewart - John Martyn (colaboración J.J. Iglesias)

October 21, 2015, 1:48 am
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Creíais que me había olvidado de esta sección eh, pillines?. Con mi olfato de sabueso praranoico os regalo algunas lindezas recién investigadas para vuestra atención:


GENESIS - "Misundersanding" (Duke 1.980)

TOTO - "Hold the Line" (Toto 1.978)

Sly and the Family Stone - "Hot Fun in the Summertime" (1.969)








Pasó en un típico sarao de rock stars en Los Ángeles. Phil Collins se acercó a Steve Lukather "para pedirle disculpas por fusilarle "Hold the Line" para nuestro "Misunderstanding" (Genesis: LP Duke, 1.980). ëste último no pudo reprimir una sonora carcajada. "No pasa nada, si nosotros se la sableamos a Sly and the Family Stone en su "Hot Fun in the Sumertime"!!! Replicó el guitarrista de Toto.
Escúcha la canción original de los maestros del pycho-Funk. Pásate a la de Toto y termina con Genesis. Tendrás una curiosa metamorfosis de la misma canción. Aunque algo me dice que la pastuza se la llevaron los astutos blanquitos...

JIMI HENDRIX - "Hey Joe" (1.967)

TIM ROSE - "Hey Joe" (1.966)

BILLY Roberts - "Hey Joe" (1.962)










Mucha gente cree que "hey Joe" es de Jimi Hendrix. Error. Otros "más enteraos" te dirán que no, que es de Tim Rose. Error dos. Es que tampoco es de él. Sino de "Billy Roberts".


Tambien se llevó sus buenos dolares el Rose por otro clásico, "Morning Dew": Tema que compuso originalmente la folk-singer Bonnie Dobson en 1.962.. Si tenemos en cuenta que esta canción la han versioneado entre otros, Grateful Dead, Allman Bros, Blckfoot, Devo, Mungo Jerry, Nazareth o Krokdil, y le añadimos las ganancias de la de Hendrix, no le salió nada mal la jugada a Tim Rose por NADA!!!.

Morning Dew




















ROD STEWART - "Hot Legs" (Foot Loose & Fancy Free 1.977)

JOHN MARTIN - "Sugar Lump" (Bless the Weather 1.971)







Una última curiosidad: Coge el archifamoso "Hot Legs" de Rod Stewart. Depués ponte "Sugar Lump" del inmortal John Martyn (LP "Bless the Weather", Island 1.971). No solo las piernas tenía calientes el tío Rod. También el morro que se gastó en esta "inspiración prestada".


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Rockliquias en los 80: 1.981 Part. 2 (colaboración Christian Jiménez)

October 23, 2015, 1:18 am
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Hoy ya se termina la segunda parte del año 1.981, que también viene con algunas obras irrepetibles del año y de la década:

        -Precisamente una banda de San Francisco se haría por fin un hueco en la Historia que estaba deseando desde su formación ocho años atrás: JOURNEY.

Para muchos es el grupo de "AOR" por excelencia, con ventas millonarias y giras apoteósicas, quedando como influencia fundamental para otras formaciones que practicaron su mismo tipo de sonido. Su estilo se basa en la melodía, como no podía ser de otro modo, conjugada con dosis "rockeras", que aunque comerciales, eran de gran ritmo y energía. Sus discos eran muy adictivos y disfrutables y conseguían crear verdaderos himnos del "rock" con estribillos que no paraban de repetirse en sus multitudinarios conciertos.



Tras el genial "Departure" llegó "Escape" el 31 de Julio y conquistaron las listas de éxitos. El álbum llegó al n.º 1 en el Billboard estadounidense, al 6 en Canadá y de él se sacaron "singles" los cuales cuatro de ellos alcanzaron posiciones envidiables. Las ventas se dispararon masivamente. "Escape" se quedó como uno de los álbumes más vendidos de todo 1.981 siendo certificado un poco más tarde con nónuple Disco de Platino.

Prácticamente no había secretos ni fórmulas especiales. En el álbum se encuentra una armonía perfecta de comercialidad y dinamismo, de belleza y fuerza, de emotividad y rigor. Todas sus canciones están hechas para pillarte a la primera escucha, todas repletas de melodía, vitalidad y virtuosismo por parte de los cinco integrantes que las interpretan: el sentimental teclado de Jon Cain abriendo con la clásica "Don't Stop Believin'" (9.ª posición en los "hits"), ese rasgueo inolvidable de guitarra que empezaba "Stone in Love", la cálida voz de Steve Perry en "Still They Ride" (19.ª), los golpes de batería de Smith en la veloz "Dead or Alive", el piano que empezaba la dulce serenata "Open Arms" (2.ª)...



No hay otra, todos son himnos; de hecho el disco entero es un himno de "AOR" inolvidable e inmortal que a millones de fans les tocó la vena sensible, calificando este LP como el mejor en toda la carrera de JOURNEY y un estandarte en el "rock" de los '80.




        -¿Qué se puede decir que no se haya dicho ya de este grupo que tiene 29 álbumes de estudio, 13 directos, cientos de "singles" y 24 recopilatorios quedándose como una de las bandas más longevas de la historia de la música "rock"? Porque desde 1.964, los Rolling Stones siguen sacando discos y cautivando a un montón de gente; que ya quisieran muchos grupos de ahora mantenerse en tan buena forma dentro de 50 años como estos londinenses creadores de un "rock" que siempre se ha mantenido en lo más alto de las listas, sobreviviendo a todas las épocas y experimentos que han marcado cada uno de sus LP's.



El 24 de Agosto, salido de la ardua colaboración entre los chicos de la banda y músicos de la talla de Ian Stewart, Billy Preston, Pete Townshend y Sonny Rollins entre otros, se publica "Tattoo You", formado por temas anteriormente descartados, y conquistan las listas de todo el mundo, consiguiendo la primera posición en el Billboard, el n.º 2 en las listas británicas y Cuádruple Platino en EE.UU. y Canadá.



"Tattoo You" trajo a los Stones más clásicos y genuinos, regalando a sus fans temas con ritmos y melodías adictivas y muy disfrutables, de puro "rock 'n' roll". "Hang Fire", "Neighbours", "Start me Up!", 2.º en el Billboard Hot 100, y "Little "T&A"" son buenas muestras de ello. El buen "feeling" que desprenden los nostálgicos y vibrantes "Tops", "Slave" y "Waiting On a Friend" hacen de este disco una obra dinámica y divertida por la que el tiempo no pasa.

Una obra irrepetible del "rock" de los '80 donde, aunque hubiese mucha tendencia creciente desligada totalmente del "rock 'n' roll" de toda la vida y mucha dosis metálica por aquel momento, los Stones (que sí sabían hacer "rock") supieron realizar la que fue, sin duda, su última obra maestra, no volviendo a lograr semejantes niveles de éxito con ninguno de sus posteriores trabajos.


        -Un n.º 23 en las listas de EE.UU., una muy discreta posición en el 64 en las británicas; pero a veces la calidad importa más que las opiniones de la prensa y sus críticos "especializados", porque no así un disco que llevaba una Flying V con dos rayos impactando en su mástil llegó a Platino en tierras estadounidenses y al Oro en Canadá. De allí venían TRIUMPH, de Ontario, y siempre tuvieron que aguantar las comparaciones con sus coetáneos RUSH, cosa ilógica, porque sus miras musicales son bien distintas, pero estos críticos con tal de tocar las narices...



En fin, ellos no salieron con la N.W.o.B.H.M., sino que ya llevaban desde finales de los '70 en el rollo musical haciendo un "hard rock" poderoso de gran melodía, pero el álbum del que hablamos ahora demostró su gran valía en el nuevo reinado de "heavy metal" que imperaba por todos los rincones del Globo.



"Allied Forces" fue el quinto de aquella progresión y salió el 19 de Septiembre, quedando como una de las obras maestras del "hard rock" de aquellos años. La cohesión que consigue el "power trio" entre sus habilidades "rockeras" y su vertiente más melódica es algo magistral. Así salía la severa y potente "Air Raid/Allied Forces" y la "boogie""Hot Time in this City Tonight" dándose la mano con las más progresivas "Ordinary Man" y "Fight the Good Fight" y las muy melódicas "Fool for your Love" y "Magic Power", que llegó al 8 en los "hits".

La versatilidad y maestría de Rik Emmett a las seis cuerdas y a la voz, la de Gil Moore a la batería y la de Mike Levine al bajo es admirable y queda bien patentado en este disco, la cima creativa de toda la obra musical del trío de compositores que dejó bien claro lo absurdas que eran las comparaciones con RUSH.




       -Ya nombrados aquí en el anterior especial, AC/DC vivieron uno de sus momentos cumbre, musicalmente hablando, gracias a un disco con una portada en la que salía un cañón sobre un fondo naranja, en las navidades del 20 de Noviembre. "For those About to Rock, We Salute You" fue para muchos un triunfo, para otros una dudosa intención de querer vender al mismo nivel que "Back In Black", cosa que no iba a pasar, claro está.



Pero no así, tras la pésima decisión del presidente de Atlantic en América, Doug Morris, de poner a la venta el "Dirty Deeds Done Dirt Cheap" de 1.976 que no se había distribuido en EE.UU. en la época (llegando a ponerse en lo más alto de las listas, cosa que destrozó a la banda, ya que se habían partido las espaldas para presentar a su nuevo "frontman" Brian Johnson), el nuevo LP llegó al n.º 1 en el Billboard y al 3 en Inglaterra, obviamente no llegando a las masivas ventas del anterior, pero cerrando una trilogía dorada que había empezado con "Highway to Hell".

Como dijo Mick Wall, aquello fue mérito, sin duda, de la sobresaliente producción de Robert J. "Mutt" Lange, responsable de obras capitales como el "4" de Foreigner y el "Pyromania" de Leppard, que era un tremendo perfeccionista y que hasta que no conseguía el sonido que tenía en su cabeza no paraba. Así hizo que un puñado de canciones corrientes que parecían sobras de "riffs" reciclados se convirtiesen en joyas del "rock".



Con un enfoque más pesado y en cierto modo más "heavy" que "rockero", se configuraban 10 perlas donde Johnson se quebraba las cuerdas vocales como nunca, los Young facturaban "riffs" enormes de gran calidad y los golpes de Phil Rudd retumbaban con una dureza inconmesurable en cortes típicamente AC/DC como son "Inject the Venom", "Breaking the Rules", "Evil Walks" y "Let's Get It Up". Dos destacan por encima de todos: el adictivo "Night of the Long Knives", al estilo del "heavy metal" melódico que se guisaba en EE.UU. en aquellos '80, con unos potentes y de alguna manera emotivos coros, y el titánico "For those About to Rock, We Salute You!", de lento y machacón comienzo hasta llegar a su final de infarto, con guitarras y baterías atronadoras y restallido de cañones por doquier; uno de los más grandes himnos del "rock" de todos los tiempos que sigue volviendo loco al público hoy en día en los conciertos.

Así acabaría la suerte de AC/DC debido a la baja calidad de sus posteriores discos hasta 1.990. Aquí, todavía, se puede disfrutar de la grandeza de estos inimitables músicos.




       -Hubo muchos discos en directo en el año '81; el "No Sleep 'til Hammersmith" de Motörhead, que llegó al 1.er puesto en las listas británicas, el "Capture" de JOURNEY, el "Reckoning" de Grateful Dead o el "'Snaz" de Nazareth, pero yo no puedo evitar elegir el que hizo un nativo de Michigan llamado Theodore Anthony Nugent y que salió el 1 de Marzo de 1.981.



"Intensities in Ten Cities" es un documento esencial sobre cómo funciona este hombre en un concierto. Cómo hacía sonar las seis cuerdas de su Gibson Byrdland, qué gritos pegaba y cómo vociferaba el público para verle descargar toda su intensidad y energía en el escenario. Además, este plástico tiene algo de especial. Las canciones incluidas son de las diez últimas fechas del tour que realizó Nugent en 1.980; diez temas que no pertenecen a ningún disco de estudio, tocados sólo en directo porque él mismo decidió no grabarlas posteriormente ya que creyó que quedaban muy bien tal como estaban, con la garra que tenía el escuchar la voz del público de fondo.




Detroit, Buffalo, Cleveland, Toronto, Montreal, Boston, New Haven, Pittsburgh, Rochester y Providence fueron los lugares con afortunados que serían testigos de 10 auténticos temazos de "heavy metal" inmisericorde marca de la casa. Es difícil no distinguir la particular manera que tiene este músico de hacer rasguear las cuerdas de su guitarra y de su garganta y dar pie, con su chulería y maestría a partes iguales, a descontrolados trallazos como "Spontaneous Combustion", "Heads Will Roll", "Land of a Thousand Dances", "My Love is Like a Tire Iron" o la instrumental "The T.N.T. Overture".

Acompañado de una banda sencillamente letal con Charles Huhn, Dave Kiswiney y Cliff Davies, y producido de forma perfecta por este último y Ric Browde, este arrasador trabajo fue el último que Nugent realizaría con Epic Records y que llegó al 17 en Canadá, a las listas Billboard y a la de los 10 mejores álbumes en directo de la historia del "rock"...ahí es nada.




Hasta aquí llegan los 10 discos otra vez, aunque ese mismo año tampoco se pueden olvidar algunos trabajos que también estuvieron en lo más alto.

Uno de ellos es el soberbio "Come an' Get It" de Whitesnake, para muchos el mejor álbum del grupo, y no precisamente después del "1.987". Otro que estuvo el 1.º de la lista de Pop Albums fue el conceptual y aclamado "Paradise Theatre" de STYX. También Moody Blues alcanzaron el 1.er puesto de los Billboard con su última obra maestra "Long Distance Voyager", el más comercial de la formación, donde significó mucho la entrada de Patrick Moraz y sus teclados.

Por su parte Van Halen publicaron el disco más extraño de su carrera, "Fair Warning", denso y oscuro, y sobre todo confuso para los fans, un reflejo de las tensiones que ya había en la banda. La trituradora Wendy O. Williams publicó uno de los mejores álbumes al frente de sus Plasmatics, "Beyond the Valley of 1.984". Bruce Dickinson también apuntaba muy alto, antes de meterse en Iron Maiden, en el "Shock Tactics" de su grupo SAMSON.

Habían algunos que insistían para hacerse un hueco, como FOGHAT con su "Girls to Chat and Boys to Bounce", primero con Erik Cartwright. Así, el gran Marvin L. "Meat Loaf" Aday llegó con uno de sus mejores trabajos desde el "Bat Out of Hell", "Dead Ringer", más comercial, ágil y no tan difícil de escuchar, donde, como curiosidad, hasta llegó a participar Cher en el tema "Dead Ringer for Love". Reo Speedwagon crearon escuela en 1.981 con un album que fue publicado en Diciembre del '80 llamado "Hi-Infidelity" y que significó su mejor aportación al incipiente mundo del "AOR" ochentero. Y una leyenda del "heavy metal" alemán, Lucifer's Friend, publicó un genial regreso a sus raíces más "rockeras" con "Mean Machine", que también significó el regreso del vocalista John Lawton.

Algunos inauguraban nuevas formas de ver el "heavy", como un "power trio" llamado VENOM que sacó el primer álbum de "black metal" de la Historia: "Welcome to Hell". O los Mötley Crüe, que capitanearían la siguiente explosión de "heavy metal" americano, y que comenzó en aquellas soleadas costas de L.A., con su "Too Fast for Love".

Y en España, aunque el germen musical de las anteriores generaciones más arraigadas a nuestra tierra no se iba ni a la de tres (aquí teníamos a Rocío Dúrcal, Julio Iglesias, Camarón, Jeanette, y ser "heavy" en nuestro país no era lo mismo que serlo en EE.UU., desde luego, y ni estaba tan bien mirado), y se desarrollaba lo que se llamaría Movida Marileña, con gente como Alaska y los Pegamoides y Nacha Pop (y muchos más...que tenían sus seguidores, ¿eh?), bandas como OBUS, Leño, Los Suaves y Barón Rojo dejaban claro que se podía seguir manteniendo viva la llama del "rock", tal como hicieron The Storm o BLOQUE.

Así que aquí termina 1.981. La siguiente lista de 1.982 seguramente sea la más interesante que vaya a hacer, pero eso ya será la siguiente semana. 


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FREDDY LINDQUIST- Menu 1970

October 25, 2015, 2:18 am
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Freddy Lindquist fue considerado por algunos el Hendrix noruego, junto a Terje Rypdal, es  uno de los mejores guitarristas de ese país.


Freddy Lindquist nació en Oslo en 1.946, su amor por la música comenzó en la escuela y fue fomentado por su familia ( su madre tocaba el acordeón y su padre la guitarra). Durante algunos años participó en numerosas bandas (The Giibbons, The Beatnicks, The Vanguards Rypquist, Jumbo, etc.) en 1.970 edita su único disco en solitario, "Menu". Posteriormente alternaría su carrera como músico con la de productor y actor.





La grabación representa el único disco en solitario de Freddy Lindquist que no solo se encarga de la guitarra , también toca el bajo, la flauta y percusiones. Los músicos que le acompañan son amigos del Club 7 de los Arne Bendiksen Studios, Freddy Dahl (voz),  Espen Ruud y Leif Jensen (batería), Geir Wentzel (teclados) y  Kalle Neuman (saxo). Su música nos muestra una especie de progresivo psicodélico, buena prueba de ello lo tenemos en el primer tema, "Sundae Sellers",  En "The green and pink little man" me recuerda bastante a Birth Control. El instrumental "Sharako" es una tierna balada donde Lindquist toca la flauta. Su homenaje a Keith Emerson lo encontramos en "How Nice". Incluso realiza una curiosa versión del conocido tema  "Black is Black". El disco finaliza con aires jazz y blues, "Join in and Freak out".






Temas

1. Sundae Sellers (Birkholm) - 00:00
02. The Green And Pink Little Man (Lindquist) - 04:49 
03. Ridin', Huggin' And Kissin' (Lindquist/Birkholm) - 08:58 
04. Sharako (Lindquist) - 11:41 
05. How Nice (Emerson) - 15:24 
06. Black Is Black (Wadey, Hayes, Graininge) - 19:25 
07. Woman Running Around (Birkholm) - 23:53
08. Join In And Freak Out (Lindquist/Birkholm) - 29:40

Formación
- Freddy Lindquist -guitarra, bajo, flauta, percusión, voz
- Freddy Dahl - voz
- Espen Ruud, Leif Jensen - batería
- Geir Wentzel - teclado
- Kalle Neuman - saxo

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ANGE - Au delà du délire (1974) (Colaboración Juan Carlos Rustarazo Vicente)

October 26, 2015, 9:35 am
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Grupo prolífico, aún en activo que con este 3º Lp en su cuenta alcanzan cotas difíciles de superar en lo que a su sonido se refiere. Formado por los hermanos Francis y Christian Decamps, realizan un rock progresivo y sinfónico original, con sello propio, singular, conjugando a la perfección la firmeza de las guitarras eléctricas con la calidez de la guitarra clásica.



Posiblemente la formación más solida en tierras francesas a lo que a este estilo se refiere. Muchos de los que se iniciarán en ese país quedan influenciados por ANGE. Al entrar en la década de los 80 decayó bastante la calidad de sus composiciones recuperándola en buen grado en los últimos tiempos.
Escuchando sus canciones encontramos atmósferas graves, cargadas de momentos tensos generadas en la mayor parte por los teclados de los hermanos Decamps que están omnipresentes a lo largo de la obra. Y a su vez dentro de un mismo tema cambiando radicalmente podemos degustar pasajes líricos que nos recuerdan a ambientes juglarescos, medievales y teatrales creados a través de una amalgama de guitarras acústicas tales como "Godevin le vilain", "Si j'etais le Messie" y la estupenda  "Au dèla du délire" que claramente se divide en 2 partes, adornada por infinidad de sonidos de la naturaleza que nos transportan a las orillas de un río en plena noche de verano. Refrendado por el violín de Lostau y la carismática voz de Eric Bibonne, plena de matices expresando temor, amor, viveza, ira, dolor, tensión.....

Todo ello dentro de las letras imaginativas, soñadoras y completamente satíricas y burlescas que contienen este álbum y que son cantadas en su idioma patrio.








Temas

1- Godevin Le Vilain 00:00 
2. Les Longues Nuits D'Isaac 02:59 
3. Si J'étais Le Messie 07:13 
4. Ballade Pour Un Orgie 10:16 
5. Exode 13:36 
6. La Bataille Du Sucre (inclus La Colère Des Dieux) 18:36 
7. Fils De Lumière 25:04 
8. Au-Delà Du Délire 29:03

Formación
Eric Bibonne......voz
Jean Michel Brezovar: guitarra, voz
Christian Decamps: Teclados, voz
Francis Decamps: Teclados, voz
Daniel Haas: Bajo, guitarra
Gerald Jelsch: Batería
Michel Lefloch: .Voz
Henry Lostau: Violin

PD: Nuestro amigo Juan Carlos Rustarazo tiene un magnífico blog, Las tierras altas del progresivo, que os invito a visitar. Gracias Juan Carlos por tu colaboración

Por cierto os recuerdo que ese pequeño gesto que es pinchar en 
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Los teclistas del rock: JON LORD

October 27, 2015, 2:59 am
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Vamos por la tercera entrega de esta serie sobre los mejores teclistas del rock, para esta ocasión he elegido a un músico que representó una transición en mi andadura musical. Como ya os he comentado en alguna ocasión mis inicios fueron netamente sinfónicos pero mi afán por buscar y evolucionar me llevó a descubrir el hard rock, por lo tanto pasé de escuchar a Yes, Genesis s o E, L & P, a buscar  grupos más cañeros como Led Zeppelin o Deep  Purple. Por todo ello Jon Lord representó la transición entre estas dos tendencias musicales.




Jon Lord nació en Leicester, Inglaterra, en 1.944. Su padre era músico e intento inculcar el amor por la música a su hijo por ello a la edad de cinco años ya estaba estudiando piano. En su adolescencia empieza  a escuchar a gente como  Jimi Smith, Jerry Lee  Lewis o Buddy Holly y comienza a definir su sonido con el órgano Hammond. En 1.960 se traslada a Londres para matricularse en una escuela de arte. En esa época empezó a actuar en pequeños bares para ganarse la vida y comenzó a integrarse en sus primeros grupos, Red Bludd´s Bluesicians, The Art Wood Combo, Santa Barbara Machine Head, etc. También participa como músico de sesión llegando a tocar el órgano en el primer disco de “The Kinks”. En 1.967 comenzaría a forjarse la leyenda, ese año conoce a Ritchie Blackmore y forman “Roundabout” junto a Ian Paice, Nick Simper y Rod Evans. En 1.968 adoptarían el mítico nombre de “Deep Purple” y ese mismo año llegaría su primer éxito de la mano del single “Hush”. Esta primera época de los Purple se ha denominado “MkI” y comprende la grabación de tres discos, “Shades of Deep  Purple” (1.968), “The Book ofTaliesyn” (1.9689 y “Deep Purple” (1.969). El sonido del grupo en esta etapa estaba muy influenciado por la psicodelia y los guiños continuos a la música clásica.



El ego de Blackmore comenzaba a despertar  y decide con buen criterio que Evans no era el mejor cantante para el grupo y decide contratar a Ian Gillan, procedente de los  “Episode Six”, que pone como condición la contratación de su amigo Roger Glober ocasionando la salida de Nick Samper. Esta nueva formación iniciaría la etapa “MkII” y la abrirían con la grabación de un proyecto de Jon  Lord,  la grabación en vivo del “Concierto para grupo y orquesta” y su publicación en 1.970 les llevaría al estrellato. Esta etapa del grupo fue la mas exitosa con discos como “In Rock” (1.9709, “Fireball” (1.971), “Machine Head” (1.972),  “Made In Japan” (1.972) y “Who Do We Think We Are” (1.973), que contenían verdaderos himnos del grupo, “Smoke on the Water”, “Speed  King”, “Black Night”, etc. Jon lord consolidaba su sonido con el Hammond y desarrollaba largos solos y carreras llenas de virtuosismo junto a Blackmore.



 Paralelamente a Purple, Jon Lord comenzó a publicar discos en solitario, el primero fue “Gemini Suite” en 1.972. 




Un año más tarde Gillan dejaría la banda y Glober sería despedido, en su lugar entraría un jovencísimo  David Coverdale y Glenn Hughes. La sombra de Blackmore era cada vez más alargada y el papel de Lord aunque todavía importante ya no era como al principio. Este periodo es el “Mk III” y se editarían “Burn” y “Stormbringer” (1.974) y por su parte Jon Lord publicaría “Windows” una obra bastante experimental que coqueteaba con la música clásica.

Los aires renovadores de los nuevos miembros no gustaban a Blackmore lo que ocasionó que en  el 75 abandonara la banda, en su lugar entró un prometedor guitarrista, Tommy Bolin, iniciándose el periodo “Mk IV” en el que solo grabarían un disco, “Come Taste The Band”, y se produciría la separación del grupo en 1.976.



Después de la ruptura del grupo Jon Lord seguiría con sus proyectos en solitario realizando colaboraciones y editando un nuevo disco, “Sarabande” en 1.976 hasta que en 1.978 se uniría al nuevo grupo de Coverdale, “Whitesnake”. Este periodo de Lord duraría hasta el 84 editando seis discos en estudio, “Trouble” (1.978), “Lovehunter” (1.979), “Ready and Willing” (1.980),  “Come an´Get It” (1.981), “Saints & Sinners” (1.982) y “Slide It In” (1.984). En alguna ocasión Lord comentó que a pesar de los éxitos  no estaba muy contento con este periodo debido a sus limitaciones a nivel compositivo. También durante este periodo editó un nuevo disco, “Before I Forget”, escribió varias bandas sonoras y colaboro en discos de amigos suyos, George Harrison, David Gilmour, Cozy Powell, etc.



En 1.984, Lord vuelve con los Purple con la mítica formación del periodo Mk II (Lord, Blackmore, Paice, Glober y Gillan) y editan “Perfect Strangers” con el que logran un gran éxito de ventas  realizando giras multitudinarias que culminan en el festival de  Knebworth. Tuve la oportunidad de verlos en Julio del 85 en el campo de futbol del San Andrés y la verdad es que fue genial, aun conservo la camiseta conmemorativa. Pasaron tres años para que el grupo grabara un nuevo disco “The House  of Blue Light” y en el 88 llegará un doble en directo “Nobody´s Perfect”, pero las relaciones entre Blackmore y Gillan no eran buenas lo que ocasionó la salida del grupo del cantante. En su lugar entró un viejo conocido de Blackmore, Joe  Lynn Turner, con el que publicaron “Slaves & Masters”, un gran disco según mi opinión. 




A partir de este momento las cosas se precipitan y los cambios en la formación se suceden. Primero despiden a Turner volviendo a la formación Ian Gillan y editando “The Battle Rages On” (1.993). Después sale del grupo Blackmore que es sustituido brevemente por Joe Satriani y posteriormente por  Steve Morse, Esta formación se estabilizaría y grabaría dos discos en estudio, “Purpendicular” (1.996) y “Abandon” (1.998), y varios en directo. Realizaron en el 99 una gira conmemorativa del 30 aniversario del “Concierto para  grupo y orquesta” la cual tuve el inmenso placer de asistir cuando recalaron en Murcia. Por otra parte en 1.998 Lord edita “Pictured  Within”, un magnífico trabajo que fue apoyado por una gira que dejaba entrever su salida de Deep Purple la cual se produjo en 2.002.



Liberado de los Purple en 2.003 graba un disco en directo “Jon Lord with Hoochie Coochie Men”, cargado de buen blues y nuevamente mostrando su virtuosismo con el órgano. Durante este periodo de su vida combinaría su amor por la música clásica, “Beyond the Notes” (2.004), “Durham Concerto” (2.007), “Boom of the Tingling Strings” (2.008), “To Notice Such Things” (2.010), con sus orígenes blues grabando un nuevo disco con “The Hoochie Coochie Men” (2.007). 




 Lamentablemente en 2.011 le diagnostican cáncer de páncreas y casi un año más tarde se produce su muerte.

Para ilustrar el artículo he decidido colocaros un tema de su época gloriosa con Deep Purple donde demuestra sus habilidades con el órgano Hammond y con algún sintetizador (ARP) que estaba empezando a utilizar. El tema es cuestión es “Space Truckin” lo solían tocar para finalizar las actuaciones.



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