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SPY - Spy 1.980 (colaboración J.J. Iglesias )

October 28, 2015, 2:03 am
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Esta reseña viene a ser la segunda parte de la anterior dedicada a Zazu. En realidad, guardo ambos vinilos en la misma funda, por afinidades varias. Como si de un doble álbum inédito de Kansas se tratara. Aunque en este caso, debería decir "pero menos".



 Al igual que Zazu, Spy (no confundir con Spys, fundados por dos miembros de Foreigner), solo grabaron un álbum. Mi conclusión detectivesca me lleva a decir que la culpa fue de su mecenas, el todopoderoso hombre de negocios musicales Don Kirshner. Que se pasó de listo, vaya. Al tipo le había salido bien la jugada en los 60 descubriendo-montando el tinglado de The Monkees y The Archies. En una jugada de buena suerte descubrió-impulsó a Kansas en los 70 y pegó el pelotazo. En la mitad de los 70, no hubo banda que se considerara exitosa que no actuara en directo en el programa de televisión "Kirshner Rock Concert" de la NBC. Incluidos The Rolling Stones. Echa un vistazo en youtube. Así que al final de la década, viendo que el arsenal de Kansas comenzaba a quedarse sin pólvora (comercial, que no brillantemente compositiva), se sacó de la manga a Spy. Pero no como en los 60, algo salió mal esta vez. La evidente clonación corporativa no tuvo en cuenta la personalidad de los chaticos con los que trataban. Su cantante solista, extraordinario, era John Vislocky. Venía de los tremendos progresivos Mirthrandir. No entiendo cómo su "For you the old women" (1.976) no ha sido comentado todavía por estos lares!!!. Mientras que el guitarrista y también voz solista, David Nelson, procedía de los New Riders of the Purple Sage de Jerry García. Y había estado en la aventura-fase americana de Nektar. Gente poco moldeable, me temo.




Michael Visceghia y Bob Goldman eran el esqueleto rítmico, bajo y batería respectivos. David Lebolt el gran teclista que precisaban para una empresa Pomp Prog de alto nivel. Y Danny Scidenberg el violinista que facilitaba el sonido Kansas. Como éstos, un sexteto con violín y en el sello Kirshner/CBS.... Demasiado descarado. Salvo que, con la perpectiva del tiempo te das cuenta que Spy, aún dentro del género, debía más a otras influencias.

Con la esplendida voz de Vislocky parecida a la de Tommy Shaw, la primera cara parece extraída de los Styx de "Crystal Ball / The Gran Illusion": "Crimson Queen", "Best that we can do" y la obra maestra que es "Ruby Twilight"como ejemplos. "Can't Complain" sería perfecta para un set-list de Triumph. "Love There", que abre la cara B, hubiera sido un bonito corte de la Electric Light Orchestra. Mientras que "Anythime, Anyplace" o "When i find love" (vuelvo a usar el random, o sea , "al voleo"), me siguen pareciendo excelentes canciones de Styx con un violín al estilo de Robbie Steinhardt. Te aseguro que bandas como Zazu, Shooting Star po Private Lighthing, o más actuales, como Enchant, Cryptic Vision, Spock's Beard o Zello se parecen mucho más a los creadores de "Dust in the Wind". Hoy, el homónimo álbum de Spy se ha convertido en un disco de culto. Es respetado como se merece y personalmente tiene todas mis simpatías. A pesar de esos mostachos!!! 










Temas
1 Crimson Queen 00:00 
2 Easy Street 04:30 
3 Best That We Can Do 08:36
4 Can't Complain 12:35
5 Ruby Twilight 16:29 
6 Love's There 20:21 
7 Feelin' Shining Through 24:35 
8 Anytime, Anyplace 28:41
9 When I Find Love 33:38

Formación
 Michael Visceglia: bajo
Rob Goldman: batería
David Nelson: guitarra, voz
Dave Lebolt: teclados
John Vislocky: voz
Danny Siedenberg: violín

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KANSAS (colaboración Eduardo Segura)

October 29, 2015, 1:51 am
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 Kansas. Un estado que parece la quintaesencia de lo estadounidense, de la mal llamada “América profunda”; un grupo de rock extraordinario nacido ‘in the middle of nowhere’: Topeka. 



Fundada como banda en los mágicos y convulsos años 70, Kansas conseguiría una enorme popularidad gracias a ‘Dust in the wind’ —inicialmente, un ejercicio técnico para acústica—. Pero el grupo existía desde 1974, cuando tres muchachos decidieron rebautizarse con el nombre de su estado y abandonar su antiguo apelativo, ‘White Clover’.




El terceto original, residente en Topeka, estaba compuesto por el guitarrista y enorme compositor Kerry Livgren, el bajista David Hope y el infravalorado pero extraordinario baterista Phil Ehart. A ellos, justo antes del cambio de nombre, se unió el prodigioso cantante y teclista Steve Walsh, el violinista Robert Steinhardt y el guitarra Richard Williams. Todos ellos virtuosos, todos ellos piezas de un ensamblaje musical de claras influencias clásicas y lleno de ideas renovadas donde se fusionaba parte del espíritu country con el rock, el sinfónico y el progresivo naciente en piezas maestras como ‘Song for America’ o ‘Hopelessly Human’.



Su primer disco, homónimo, fue publicado en 1974, y mostraba cierta influencia de Genesis desde las bases del rock clásico americano. Este rasgo progresivo continuó en su segundo disco, el magnífico ‘Song for America’, un LP que consiguió popularizar su nombre y llenar sus conciertos a pesar de no obtener demasiado reconocimiento en ventas.



Más exitosos fueron ‘Masque’ (1975) y, sobre todo, “Leftoverture” (1976), disco que contenía su single “Carry on Wayward Son”; y ‘Point of Know Return’ (1977), donde destacan temas como ‘Closet Chronicles’ o ‘Portrait (He Knew)’.






Aún habría tiempo para otras obras mayores, como ‘Two for the show’ (1978), ‘Monolith (1979) y ‘Audio-visions’ (1981), antes de que Steve Walsh decidiera iniciar una carrera en solitario compleja y, en ocasiones, muy interesante bajo mi pobre punto de vista. ‘Glossolalia’ es un ejemplo ilustrativo.


Poco después de ‘Drastic Measures’, Kerry Livgren retomó su carrera en solitario iniciada en 1980 con ‘Seeds of change’ y marcada por letras de temática religiosa y un sonido más acerado. Su banda actual, Proto-Kaw, indaga en las insondables fronteras compositivas del genio de Livgren.


En 2000 tuvimos un último gran regalo de Kansas: ‘Somewhere to elsewhere’, un disco realizado por el sexteto original tras veinte años sin trabajar juntos.






El año pasado el grupo publicó un DVD producido por Phil Ehart en el que se cuentan los orígenes del grupo; una verdadera joya llamada ‘Miracles Out of Nowhere’. Nowhere? ¡Qué va!: Topeka, Kansas.



Discografía
Kansas (1974)


Song for America (1975)


Masque (1975)

Leftoverture (1976)

Point of Know Return (1977)

Monolith (1979)

Audio-Visions (1980)

Vinyl Confessions (1982)

Drastic Measures (1983)

Power (1986)

In the Spirit of Things (1988)

Freaks of Nature (1995)

Always Never the Same (1998)

Somewhere to Elsewhere (2000)



y de propina un concierto del grupo


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Rockliquias en los 80: 1.982 Part. 1 (colaboración Christian Jiménez)

October 30, 2015, 2:01 am
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Como dije la anterior semana, la lista que nos ocupa, nombrando esta vez 10 plásticos de 1.982, va a ser, quizás, la más interesante, curiosa y desconcertante, porque no se va a regir por la aprobación de las masas de sus LP's, sino por la calidad interna que guardan muchos de ellos y que sólo los oídos más exigentes y selectivos pueden aceptarlos alzando los pulgares a su favor.


Me he tomado la libertad de llamar a 1.982 "El Año del "Comeback"", porque parece cosa de brujería que un cuarteto de grupos, que ya iré desgranando, que venían de la década anterior, con integrantes curtidos en cientos de batallas y que tenían más "rock" en sus venas que algunos ídolos de la época llamados "rock stars" por los ingenuos y sensacionalistas, coincidiesen aquel año con las que serían sus mejores obras a principios de una década donde el germen de la N.W.o.B.H.M., el cuero, las tachuelas, los "hits" de la radio americana y los teclados dominaban en todas las esquinas del "rock". Mirara donde se mirara, casi todos se habían modernizado, se habían adaptado al cambio; otros no y quedaron relegados al ostracismo, siendo llamados "dinosaurios" y siendo esclavos de la anterior etapa musical donde sí que llegaron a lo más alto.



Los tiempos cambiaban muy rápido, pero ellos demostraron que se podía pasar de una década a otra con la cabeza muy alta y sin perder un ápice de carisma y calidad. Algo que no harían sus vecinos de menos edad, de largas melenas cardadas, ropa llamativa, videoclips chulísimos que salían en la MTV (cuando la MTV era una buena cadena), actitudes desafiantes intentando copiar, a veces descaradamente, a sus ídolos de anteriores épocas musicales y disfrutando de un éxito efímero si tenemos en cuenta que el 97% de las bandas de los '80 fueron engullidas en los '90 por otras nuevas tendencias musicales que surgirían.

Así que en este 1.982 se van a recoger tanto esfuerzos hechos por veteranos para hacerse un hueco en el negocio como obras más contemporáneas y novedosas convertidas en rotundos éxitos discográficos:



        -Primeros del "comeback", puede que esta sea una de las mejores combinaciones de "hard rock" clásico y "AOR" que se hicieran en los '80, todo venido de un grupo escocés que comenzó sus andaduras más de diez años antes.


Publicado el acaramelado día del 14 de Febrero, Nazareth pusieron a la venta el que sería su mejor LP hasta nada menos que el 2.008 cuando salió "The Newz", así que este "2XS" es una de sus mejores obras. Obviamente hay opiniones encontradas, ya que en los '80 el grupo cambió radicalmente su estilo musical, enfocando sus miras hacia un "rock" comercial, descafeinado y totalmente americanizado, para que sonara en las emisoras de radio, fusionándolo con elementos de "AOR" y "pop". Muy atrás quedaban viejas glorias como "Hair of the Dog" o "No Mean City".
Pero no así, la amalgama de estilos dentro de este álbum es lo que lo hace interesante, variado, arriesgado, a la vez que coherente y consistente, y lograr eso es algo complicado. Con esa premisa se pueden disfrutar de auténticos viajes al pasado del grupo con temas de puro "rock 'n' roll" como "Gatecrash" o "Take the Rap", dos de sus mejores cortes, viéndose las caras con las más "pop""Lonely in the Night" y "Games", de repetitivos estribillos y grandes melodías, y otras más duras, como "Boys in the Band" o la abrasiva "Back to the Trenches", cercana al "heavy metal" que había en la época.



Pero si por algo destacó fue por los "singles""Love Leads to Madness" y la inmortal (si en algo siempre la clavaban Nazareth era en sus baladas) "Dream On", sonata fundamental de los '80 que llegó al Top Ten, que a cada dos por tres se escuchaban en la radio, siendo grandes éxitos. Así se incorporó "2XS" a los Billboard y quedó como la obra maestra que es.



Que lograra más o menos atención es otra cosa, teniendo en cuenta todo lo que empezaba a salir en aquellos productivos años, pero la calidad brillaba intensamente en las dos caras de este fantástico LP donde se demostraba muy bien que siendo de los '70 se podía mantener un sobresaliente nivel en los '80, y Nazareth lo consiguió con creces.


        -Cuenta la leyenda que el cantante de Sepultura Max Cavalera se compró este disco creyendo que era de una banda de "thrash metal" y de la decepcionante sorpresa que se llevó cuando empezó a sonar lo sacó del tocadiscos y lo lanzó por los aires de la rabia.


Segundo del cuarteto del "comeback", este grupo veterano de Londres ya se había hecho un nombre entre muchas otras míticas formaciones de los '70, con clásicos musicales como "Look At Yourself", "Return to Fantasy" y "Demons And Wizards". Ahora es una auténtica leyenda de aquellos años en el ámbito del "hard rock" y el "rock" de corte progresivo. Pero tras la marcha de David Byron en la banda se vio un auténtico baile de miembros a partir del año 1.976, y la entrada en los '80 no parecía augurar nada bueno. Nadie daba un céntimo por este grupo que para todos había pasado a mejor vida.


Repentinamente, el 1 de Marzo, una grotesca portada naranja en donde aparecía el rostro esperpéntico de un demonio con la boca abierta sería la confirmación de un error tremendo. Si daban por perdida a Uriah Heep, éstos demostraron que todos se equivocaban con "Abominog". Fue una auténtica sorpresa, una arrolladora respuesta de una banda que estaba totalmente reformada, con Peter Goalby, de Trapeze, a la voz, Bob Daisley al bajo y John Sinclair a los teclados junto a Lee Kerslake y Mick Box.



Aquí se conjugaban los sonidos más barrocos y progresivos de "Sweet Freedom" y "Return to Fantasy" con las influencias de la recién creada N.W.o.B.H.M. sin olvidar el cariz melódico y comercial que siempre llevó la banda. Primero nos encontramos con un himno veloz y abrasivo como es "Too Scared to Run", donde destacan electrizantes "riffs", ritmos potentes y una voz que conjugaba muy bien con el estilo, cosa que seguía de cerca "Running All Night with the Lion". La susodicha melodía y comercialidad haría buen acto de presencia en "Hot Night in a Cold Town", "That's the Way That It Is", Top 20 en los "charts", y la "aorera""On the Rebound", emparentada con las miras que adoptaron bandas como Foreigner o RUSH, por poner un ejemplo.




Posiciones casi ocultas, como la 34 en Inglaterra, aunque habría sido un desastre para una banda debut, para un grupo formado más de doce años antes que ya ni figuraba en las listas o lo hacía en lugares irrisorios, fue todo un logro teniendo en cuenta la cantidad de grupos novedosos que salían. Así fue como este "Abominog" se convirtió en otra piedra angular de Uriah Heep, siendo uno de los mejores de su discografía.



        -Uno se llamaba John Wetton y venía de King Crimson, Roxy Music y un fugaz paso por Wishbone Ash; había dos, Steve Howe y Geoff Downes, que venían de YES y el último, Carl Palmer, llegó de ELP y Atomic Rooster, y este cuarteto tomó al Mundo por sorpresa con su debut "Asia", que salió el 18 de Marzo llegando al 1.er puesto de los Billboard, certificándose con Cuádruple Platino en EE.UU. y con "singles" en los más altos puestos. Ellos cogieron el legado de todas las bandas sinfónicas en las que militaron en el pasado y lo adaptaron a los '80, creando magia al instante con una serie de temas soberbios.



Grandilocuencia y espectacularidad, eso era lo que daba este "Asia". La voz tan melódica de Wetton, la habilidad de Howe a las seis cuerdas, la contundencia de Palmer a la batería y el ampuloso sonido que creó Downes con sus teclados refulgían como parte de un todo, un compendio repleto de virtuosismo e ingenio, a medio camino entre "rock" sinfónico, progresivo y el requerido y aún embrionario "AOR" americano de comienzos de década.



Himnos de marca mayor, muy coreables y adictivos, como "Here Comes the Feeling", "Heat of the Moment", triunfal "single" que llegó al 4.º puesto en el Billboard Hot 100, "Only Time will Tell" (principal influencia para Europe y su "Final Countdown") o "Sole Survivor" se cruzan con auténticas evocaciones progresivas a YES, ELP o KANSAS como son "Wildest Dreams" o "Without You", pero eso sí, llevado a un nivel elevadísimo de inspiración y agudeza musical. Hasta la portada de Roger Dean recuerda a esos paisajes imposibles y esotéricos de las cubiertas de Uriah Heep y YES.



Nueve semanas se mantuvo este colosal debut, no sólo como una de las obras capitales del "AOR" sino como un disco que llegó a crear un sonido propio. Muchas bandas posteriores que practicaron el mismo estilo que este supergrupo tendrían lo que se denominó "sonido Asia".



       -¿Quién no ha tarareado alguna vez el "riff" principal de "Run to the Hills"?, ¿quién no se ha emocionado con el estribillo de "Children of the Damned"?, ¿a quién no le ha subido la tensión con el solo de "Hallowed be thy Name"?


Todo estaba en un álbum mítico, que hizo historia y que le dio otro concepto a lo que era el "heavy metal" en los '80. Puede que hubiese reminiscencias a RAINBOW, por eso de que el productor era Martin Birch, y aunque se aprecia esa velocidad de ejecución y ese matiz épico en los temas, la banda de Steve Harris llevó todo eso a otro nivel y todo el mundo dio cuenta de ello cuando el 29 de Marzo salió "The Number of the Beast".




Causaron una sensación apabullante, y no sólo por la escalofriante portada (con un Eddie manejando al Diablo como una marioneta mientras éste manejaba a otro Eddie más pequeño), sino porque ya no estaba Paul Di'Anno en las filas de Harris. El vocalista de pelo rizado y actitud "punk" ya no encajaba en aquel monstruo que se movía a pasos cada vez más agigantados...por eso y porque ya estaban hartos de todas las drogas que le dio por consumir. Así que de los lares de SAMSON llegó el totalmente opuesto Bruce Dickinson, alguien con una técnica vocal infinitamente superior a la de Di'Anno, una voz más operística y profunda y una conducta más comprometida.




Y con letras que evocaban pasajes históricos, abordaban temas filosóficos y acentuaban el carácter épico de la música, el LP llegó a lo más alto. Iron Maiden estaban en la carretera cuando fueron avisados de que su disco era n.º 1 en Inglaterra. Aparte de eso llegó al Top Ten en Canadá, donde fue certificado con Triple Platino, y otras listas internacionales, recibió el Platino también en Inglaterra y EE.UU. y sus numerosos "singles" abarrotaban los primeros puestos. Parece mentira que un grupo con tan poca aprobación por parte del sector americano más conservador (por eso de las imágenes satánicas y las alusiones al Diablo utilizando pasajes de La Biblia...algunos grupos se lo pasaban en grande organizando hogueras públicas y quemando los discos de Iron Maiden) consiguiera amasar tanto éxito en tan poco tiempo.


Un éxito basado en estandartes como los anteriormente mencionados sin olvidar "The Prisoner", "The Number of the Beast", "Total Eclipse" (la copia descarada del "Snowblind", de Black Sabbath) y la continuación de la historia de la prostituta Charlotte "22 Acacia Avenue". Fastuosas piezas rebosantes de virtuosismo que bordaron a este "The Number of the Beast" en la leyenda del "heavy metal" con letras de oro.




       -El mejor disco de "pop" de los '80, sin duda, y poco me importa que ese mismo año saliera el "Thriller" de Michael Jackson.


Realmente, TOTO estaban siendo presionados por la CBS para hacer otro trabajo, debido al bajón de ventas que pegaron sus dos discos anteriores, y se pusieron manos a la obra, pero, aunque parezca pretencioso este "IV", con arreglos perfeccionistas y muy virtuosos, y la banda, haciéndolo así a propósito y a sabiendas de que iban a llegar a las listas, nada más lejos de la realidad. Aquí pusieron todo su empeño en crear sensacionales melodías, su madurez a nivel de composición mantuvo a los miembros del grupo sonando coherentes y compenetrados y utilizaron la más alta tecnología para lograr un sonido pulido de lo más grandilocuente, además de rodearse de un buen puñado de colaboradores en distintos ámbitos instrumentales (añadiendo los arreglos de cuerda de la orquesta de Martyn Ford), haciendo espectaculares temas que ya lo eran de por sí...pues lo que no imaginaban era que llegarían tan lejos.




Doble Platino en Canadá, Francia y Alemania, Triple Platino en EE.UU., cuatro "hits" coronando las listas, ganador de seis Grammies, incluyendo el de "Álbum del Año", 1.ª posición en Canadá, 4.ª en Gran Bretaña y EE.UU., ¿se le puede pedir algo más?

  

Salió el 8 de Abril y reventó la escena musical del "AOR", el "rock" más comercial y el "pop", elementos que se hallaban perfectamente hilvanados en el álbum, creando un sonido cálido, envolvente, emocionante y sin duda disfrutable y entretenido de escuchar. Para demostrarlo tenemos joyas como "Lovers in the Night", "Rosanna" (2.ª en el Billboard Hot 100 por 5 semanas); la balada de baladas "I Won't Hold you Back" (Top Ten en el Hot 100), que recoge la esencia de las grandes baladas "soul" de los '70, con uno de los solos de guitarra más cautivadores y preciosos de la Historia; la de aires "funk""Waiting for your Love" o la ya emblemática "Africa" (1.ª en el Billboard Hot 100), de ritmos exóticos, bellos teclados y un estribillo que está hecho para que no se vaya jamás de la cabeza.



Con este último tema, broche de oro para un disco redondo, se cierra un LP de excelsa calidad, una producción de lo más nítida y que pondría a TOTO en los primeros puestos de la historia del "pop rock", y el "rock" a secas.

Grandes, muy grandes.

Seguiremos la semana que viene


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KOPPERFIELD - Tales Untold 1.974

November 1, 2015, 1:18 am
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Kopperfield fue una banda americana de los 70 que intentó, como otras muchas, aunar sus influencias progresivas con la fuerza del hard rock. Buenos músicos.


La banda procedía de Michigan y se formó a principios de los 70.  Durante algún tiempo compartieron escenario con gente de la talla de James Gang, Kansas , Foghat. En el 74 editan "Tales Untold" conteniendo once temas. Su recorrido no iría más allá del 75.


Con una portada horrorosa que parece realizada en un concurso de dibujo de una guardería, el grupo nos presenta una especie de hard rock progresivo.Teclados, fundamentalmente órgano, rivalizando con los riffs de Chuck Eagan (guitarra), buena muestra su primer tema "Moonride". Sus influencias estilo Grand Funk son más que evidentes en "Anatomy". Temas excesivamente cortos para este género, no sobrepasan los cinco minutos. La voz de Jimmy Robinson podría ser mejorable. La posterior reedición del disco incluyó  nueve bonus.




www.rockliquias.com
Temas
Tracklist:
01 - Moonride 
02 - Anatomy 
03 - Brain Rot 
04 - Watching The Time Go By 
05 - Nothing Left To Give 
06 - Truckin' On 
07 - Tales Untold 
08 - Magic In Your Mind 
09 - A Thousand Warriors 
10 - Wiseman
11 - Dreams 
Bonus
12 - Can't Find My Wine 
13 - People Are Leaving 
14 - Red Neck 
15 - Gonna Get Stoned 
16 - Wake Up People 
17 - Jam It 
18 - Naked Tears 
19 - You Pulled The Lights Down 
20 - Katie Love 

Paul Decker - teclados, voz
Jimmy Robinson - voz
Chuck Eagan - guitarra, voz
Tom Curtis - batería
Keith Robinson - teclados
Jerry Opdycke - bajo

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EPSILON - Move on 1.972 (Colaboración Juan Carlos Rustarazo Vicente)

November 2, 2015, 2:01 am
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Esta banda alemana enmarcada dentro de la corriente Krautrock tuvo una corta carrera, realizaron 3 lp's y desaparecieron. El mencionado en cuestión es su segundo trabajo. Es posible que no sea el mejor ya que su debut, en mi opinión, tiene unas composiciones de mayor calidad pero no es desdeñable y reúne unos temas interesantes.




Se trata de un disco vigoroso, cuyas canciones que no llegan a superar los 6 minutos transmiten energía y potencia sin entrar en improvisaciones ni divagaciones. A ello contribuye una voz rasgada, dura, en concordancia con el sonido . Música concreta construida a base de guitarras rabiosas con cierta dureza que junto al bajo que muestra gran autoridad crean una base, una pantalla potente, eléctrica, definiendo el ritmo a seguir dentro del cual el órgano interviene sin excesos pero si de una forma determinante y brillante. No es un trabajo en el que se prodiguen los solos instrumentales, ni las demostraciones de cara a la galería, sin embargo la estructura de cada uno de los cortes es rica, ágil, variada, llena de pasajes y melodías que mantienen el interés del oyente en su mayor parte gracias a la intervención del órgano que es fundamental.




Es una obra fresca en la que tal vez se eche de menos desarrollos algo más extensos, giros o cambios más marcados pero tiene calidad en cada una de las composiciones debido a las melodías y arreglos creativos. No entraría dentro de ese oscurantismo que rodeaba a ciertas bandas del Krautrock, es más bien un progresivo en la onda de las bandas británicas que recuerda en algunos momentos a grupos como THE NICE y en concreto a su primer Lp.





Temas

1. Walkin' My Way 00:00 
2. She Belongs To Me 03:20 
3. Feelings 08:53 
4. What About The Future 12:44 
5. Move On 15:22 
6. Reichelsheim 17:48
7. Hear Me Cryin' 23:00
8. Waiting 28:17
9. Don't Know Why 32:38

Formación
Michael Winzkowski.......Guitarra, percusión y voz
Michael Ertl.....................Bajo
Hartmut Pfannmüller......Batería y percusión
Walter Ortel.....................Órgano, piano, percusión y voz


PD: Nuestro amigo Juan Carlos Rustarazo tiene un magnífico blog, Las tierras altas del progresivo, que os invito a visitar. Gracias Juan Carlos por tu colaboración

Por cierto os recuerdo que ese pequeño gesto que es pinchar en 
es muy importante para que el blog continue. El blog es posible gracias a vosotros.
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Los teclistas del rock: CLAUDIO SIMONETTI (colaboración J.J. Iglesias)

November 3, 2015, 12:52 am
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Desde siempre, y más tocándolos yo mismo, los teclados me han parecido en el ámbito instrumental del rock un símil a una paleta de colores de un pintor. Según qué cromatismos, mezclas y texturas se imprimen al lienzo compositivo saldrá una obra u otra. Así no es de extrañar que los fantasiosos sintes de Wakenan conecten con la obra de Roger Dean a la perfección. O que los de Emerson sean el fiel reflejo sonoro de la pesadillesca pintura de H.R. Giger. En el caso de Claudio Simonetti, tendríamos que pensar en una mezcolanza entre El Greco y El Bosco.


 Oscuridad y terror. Sonidos perfectamente aplicables a las bandas sonoras con las que se hizo famoso, con su grupo Goblin. En principio llamados Cherry Five, fue el propio director de cine Dario Argento quien les convenció para cambiarse el nombre. Y de paso darles la garantía de un contrato vitalicio para casi todas sus películas.



Esto hizo a los italianos especializarse en bandas sonoras. El estilo de Goblin tuvo un claro precedente: "Tubular Bells" de Mike Oldfield, aplicado a "The Exorcist". A partir de esas célebres notas de apertura se construyeron un cuerpo de trabajo que daría melodías tan famosas como la del británico. "Profondo Rosso", "Suspiria", "Tenebre", "Contaminación", "Patrick", Dawn the Dead (Zombi), "Phenomena"....



Pero también supieron jugar con estilos paralelos como el jazz rock (predominantemente) y hasta la música disco!! Conectando no sólo al terror sus músicas. También al suspense (el celebre "giallo" italiano), policíacas, fantásticas y lo que cayera. Su teclista era el alma mater de esta factoría de ensoñaciones sonoras. Muy influenciado por Emerson en el arte del órgano Hammnod, y con el que compartió alguna banda sonora ("La Chiesa"). El paralelismo con Ketih llega hasta aportar aportar éste la música para el film "Inferno" de Dario Argento. La cual es, en mi opinión, su obra maestra en solitario.


 Pero volviendo a Simonetti, es éste uno de esos teclistas de exquisito gusto a la hora de elegir sonoridades. Sus solos al mini-moog son fluidos, agresivos, fotográficos. Crea ambientes  inquietantes y colchones que irradian imaginación y sabia descriptiva. Puedes añadir a su estilo algo de la "Berlin School". Corriente teclística alemana que también aportaría lo suyo en cuanto a grabaciones pesadillescas.


Al comienzo de siglo emprendió el proyecto Daemonia. Música instrumental deudora de Goblin en clave de metal progresivo. De algún modo una forma de reinvención con elementos m´s modernistas. Su "Dario Argento Tribute" (2.00) y el DVD "Live... Or Dead" (2.001) son impresionantes. Hoy gira como Simonetti's Goblin. Mientras que ex-mienbros de la banda (la sección rítmica) lo hacen como Goblin Rebirth, habiendo editado este mismo año un homónimo ( y magnífico) álbum. La maestría de Claudio Simonetti abarca géneros y formas en un estilo y un país, Italia, donde la competencia es (y fue) como para desanimar a cualquiera. Se encuentra en mi top 5 de teclistas, y he escuchado atentamente a unos poquicos...




Temas
Profondo Rosso 00:00:04
Death 00:03:14
Suspiria 00:08:29
Markos 00:14:27
La via della droga 00:18:38
L'alba dei morti viventi 00:20:44
Zombi 00:26:45
Amo non amo 00:31:07
Maniera 00:34:50
Buio Omega 00:40:00
Buio Omega (m26) 00:42:55
The whip 00:46:45
Banoon 00:50:55
Connexion 00:55:02
Whithy 00:58:29
Tenebre 01:01:47
Lesbo 01:06:13
Nocturne 01:11:25
St. Helene 01:15:36
Patrick 01:17:44
Snip snap 01:22:05
Non ho sonno 01:25:37
Death farm 01:29:44


Os recuerdo que todos podéis participar en esta sección (rockliquias@hotmail.com)

Próximos capítulos:
- Peter Bardens
- Tony Banks
- Richard Wright
- Dave Greenslade
- Thijs Van Leer
- Ray Mazarek
- Don Airey
- Jordan Rudess
- Patrick Moraz
- Eddie Jobson

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MISSOURI - Missouri 1.977 (colaboración J.J. Iglesias)

November 4, 2015, 1:04 am
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Es fascinante indagar en la rica y oculta cantera de bandas de culto que pululaban por las autopistas de USA en los 70. Missouri tenían un pro "glamour" sureño, pero procedían del medio oeste. Y por esos extensos y solitarios parajes el gusto por lo melódico les perdía. Unido a la explosión de música sureña que estaban viviendo creó el sonido propio de este grupo. Por ello se alejaban de premisas más Pomp/Prog del estilo de sus paisanos Kansas, Headeast o Shooting Star (aunque con éstos últimos existen conexiones que luego diremos).





 Ron West era el claro eje de este combo. Produce el álbum, compone todo el material, era el cantante solista, guitarra, teclados (no en exceso) y armónica. Lane Turner era su finísimo guitarrista solista. Alan Cohen un muy buen bajo y voces. Y Bill Larson un batería extraordinario, fluido, golpeador y sorprendente. 




La progresiva y corta "Intro"da paso a una pequeña joya inicial titulada "Movin' on", muy melancólica y radiable. "Got that Fever" podría estar entre el primer repertorio de Blackfoot. Mientras que "I'm Still Tryin" es un medio tiempo que bascula entre Lynyrd Skynyrd y Bad Company. "You're Allright" es otra andanada Skynyrd con solo de guitarra puro Gary Rossington. Finaliza la cara A con "Really Love You", que recuerda a lo mejor de The Outlaws o la Atlanta Rhythm Section. "Hold Me" abre la cara B con rock'n'roll eufórico al más puro estilo del sello Capricorn. "I know it's love" contiene guitarrazos del gusto de Rick Derringer. "Come on Move" y "Goin Home" vuelven a sonar a The Outlaws/ A.R.S. Y "Mystic Lady" se acerca al genuino Pomp mid-west con profusión de teclados en un blues cósmico que podría firmar Neil Merryweather.



Resumiendo, un exquisito debut independiente (Panama Records) que intuyo, fue el fin de la banda... hasta 1.979. Polydor ficha a lo que queda de Missouri, el infaltable Ron West y el bajista Alan Cohen y junto a nuevos miembros, (incluido teclista fijo), editan "Welcome Two". Produce Paul Hornsbg y lo graban en los estudios Capricorn de Macon , Georgia. Como invitados tenemos a Chuck Leavell y JimmyNalls (Sea Level) y Gary West ( cantante de Shooting Star y a tenor de su apellido, quizá hermano del propio Ron). "Welcome Two" repite excelencias de su homónimo debut, ademas de los temas "Movin On" y "I Really Love You". Mejor grabados y con el "piano Allman" del genial Chuch Leavell en ésta última. Otro pedazo de álbum, que en ciertos aspectos se acerca más a 38 Special. Y aquí termina, hasta donde sé, la historia de Missouri. Intuyo que el talentoso Ron West continuaría carrera. Lo dejo para los Sherlock Holmes de internet. Por último decir que si bien son dos álbumes bastante ilocalizables, existe un cd conteniendo material de ambos. Otra estupenda banda para disfrutar con rabia sureña. 





Temas
1.- Intro 00:00 
2.- Movin On 01:08
3.- Got That Fever 04:40 
4.- I'm Still Tryin 07:36 
5.- You're Alright 11:50 
6.- Really Love You 14:56
7.- Hold Me 18:34
8.- I Know Its Love 21:39
9.- Come On Move 24:40
10.- Goin Home 27:37 
11.- Mystic Lady 30:07 

Formación
Ron West: voz, guitarra, teclados
Lane Turner: guitarra
Alan Cohen: bajo, voz
Bill Larson: batería
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Rockliquias en los 80: 1.982 Part. 2 (colaboración Christian Jiménez)

November 6, 2015, 1:03 am
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Aquí concluye la segunda parte del año 1.982, tanto con discos sobresalientes en calidad pero no en éxito de masas como con obras que coronaron lo más alto de los más altos puestos a nivel mundial:



        -Tercero del "comeback" de los cuatro grupos de los que ya hablé en este especial la semana pasada.


Nadie podía quitarle a Jethro Tull sus millones de fans, sus millones de discos vendidos, su reconocimiento mundial por obras capitales del "rock" como fueron "Thick As a Brick" y "Aqualung"...en fin, su sitio en el Olimpo como dioses del "rock" (en varias ocasiones he dicho que Jethro Tull es la banda más grande de "rock" que ha existido)...pero la llegada de los '80 no trajo precisamente una época de opulencia.





Aparte de este disco que nos ocupa y el posterior "Crest of a Knave" no hay mucho destacable en esta década para los ingleses. Tras el muy controvertido "A"éste no lo produjo Ian Anderson, sino Paul Samwell-Smith, anterior bajista de los Yardbirds, y a las filas se había incoporado el teclista Peter-John Vettese (¡al que todos le debemos mucho!), pero Anderson fue el que se encargó de los teclados aquí, así que el resultado fue mejor. Así, en "The Broadsword and The Beast", sacado el 10 de Abril a la calle, encontramos la mejor mezcla del "folk" que siempre caracterizó al grupo (bueno, a lo que quedaba del grupo) con sonidos modernos muy vanguardistas basándose en la melodía de los teclados y una estética que nos lleva a leyendas mitológicas, a historias épicas llenas de fantasía y a revivir el espíritu de J.R.R. Tolkien. Los temas que encontramos van sobrados de virtuosismo y comercialidad a partes iguales; esto último no llega a ser un hándicap (excepto por "Watching Me, Watching You"), sino que otorga una belleza plausible a las canciones y las dulcifica en cierto modo para que sean muy accesibles.



La exquisita "Fallen on Hard Times", "single" que llegó al 20 en el Billboard Hot 100, lo demuestra, así como la potente apertura "Beastie", la épica "Broadsword", la preciosa "Flying Colours" o la intensa y bellísima "Pussy Willow". Además fue grabado gran cantidad de material para hacer un álbum doble, pero sólo quedaron 10 canciones en el resultado final (olvidémonos de "Watching Me, Watching You"). A las mencionadas podríamos añadir "Too Many Too", "Drive on the Young Side of Life", "The Curse" o "Jack Frost and The Hooded Crow" y no habrían desentonado para nada en el LP.


La voz de Ian Anderson y la guitarra de Martin Barre seguían ofreciendo mucha fuerza y expresividad en cada composición, lo que les valió para subir puestos hasta quedarse en el 19.º en EE.UU., donde consiguieron Álbum de Plata, cosa que fue bien recibida, ya que no pasaron del 30.º con el infame "A".

¡Qué poco le duraría ese atisbo de inspiración a Anderson, para hacer lo que hizo los dos años siguientes!, pero no importa, "he was never too old to rock 'n' roll if he was too young to die!".


        -La historia de un disco construido alrededor de una canción, y de una canción construida alrededor de una película, así empezó la leyenda de los de Chicago.


¿A ver quién no ha oído mil veces ese "riff" que crea expectación y que trae varios golpes de batería, para dar paso a "Rising up!, back on the street! Did my time, took my chances!" a la vez que nos viene a la cabeza la imagen de Sylvester Stallone en su papel de Rocky? Sí, así fue como Survivor hizo historia.



El actor, que había escuchado "Premonition" y había quedado encantado con la banda, acordó que ellos tenían que grabar un tema para su película "Rocky III". En tres días (cosa curiosa) "Eye of the Tiger" estuvo lista, Stallone tuvo su canción y Survivor ni imaginaron lo que habían hecho. Gracias a aquella composición llegaron a lo más alto. El "single" se quedó en el n.º 1 del Billboard por seis semanas, fue la canción más votada de los People's Choice y Dave Bickler ganó un Grammy a la mejor interpretación.




Así nació el disco, que salió el 8 de Junio y llegó al 2.º puesto en el Billboard, que no fue otra cosa que un envoltorio excelente para semejante "hit". Pero aquí hay que tener en cuenta que Survivor no era banda de un sólo tema, aunque casi todos lo creyeron. Es lógico que todo lo demás no estaba a la altura de la emblemática pieza, pero lo que mostraron en el LP era un buenísimo ejercicio de puro "rock" americano ligado al "AOR" más adictivo. El quinteto Bickler/Sullivan/Peterik/Ellis/Droubay no había inventado nada, pero eso sí, explotó como nadie el sonido de la época. Todo en este disco, escuchado hoy, te traslada a los '80, al momento de MAGNUM, Foreigner o JOURNEY.



La guitarra de Frank Sullivan rebosaba energía y los teclados de Jim Peterik edulcoraban el producto final. Así encontramos cosas como el corte "American Heartbeat" o la alegre "Feels Like Love" compartiendo espacio con las más "rockeras""The One that Really Matters", "Hesitation Dance" y "Children of the Night" y las bellísimas baladas "Ever Since the World Began" y "I'm not that Man Anymore".



Por los nódulos que le salieron en la garganta, Bickler se tuvo que largar, pero Survivor siguieron acumulando éxito con futuras composiciones como "High on You" o "Burning Heart", así que ya se puede quitar de enmedio el cliché de "una banda de una canción". Lo que hay que hacer es abrir bien las orejas cuando se escuche este disco en su totalidad...

porque habría quien se lo comprase y no pasó del primer tema.




        -"Desde una tierra desconocida y a través de lejanos cielos llegó un guerrero alado. Nada permaneció sagrado, nadie se salvó del Hellion mientras profería su grito de batalla...clamando venganza", rezaba la sentencia de un álbum que un grupo sacó el 17 de Julio, un grupo que se sentía como el águila metálica que aparecía en la portada de su LP: con ganas de arremeter contra el Mundo y hacerlo trizas con sus garras.



Musicalmente lo hicieron. Judas Priest, más que descender de los cielos, se levantaron, se sacudieron el polvo de "Point of Entry" y, lejos de tener que hacer cola, entraron como VIP's a formar parte de lo más concurrido en el Olimpo del "Heavy Metal". "Screaming for Vengeance" fue esa lucecilla que iluminó los ojos de los que se sintieron confusos al ver a los de Birmingham en el videoclip de "Hot Rockin'", de los que vieron como Halford & Co. sufrieron un batacazo con su anterior y "americanizado" trabajo. Este soberbio disco sirvió para corroborar lo que muchos ya supieron con "British Steel": que Judas Priest era la banda de "heavy metal" más grande de La Tierra y que nadie les arrebataría ese título. Pero si alguien lo dudaba esta es la respuesta.



Que no llegó a Platino en EE.UU. y al Top Ten en Inglaterra porque sí. "Screaming for Vengeance" tiene vida propia: suena grande, altisonante, vigoroso, con sonidos afilados y potentes. Los solos de Tipton/Downing son intrincados pero precisos y hechos para que calen como una flecha en los oyentes, la base rítmica de Hill/Holland es aplastante y la voz de Halford está colmada de tal vitalidad y volubilidad que resulta poderosa, atractiva; sensual a veces, violenta en algunos momentos, pero sin dejar de sonar accesible para el público americano de principios de los '80.
La vuelta al "heavy metal" más sólido y consistente había vuelto y con ganas en gemas musicales como la agresiva "Bloodstone", la intimista y oscura "Fever", la veloz y política "Screaming for Vengeance", la épica "The Hellion/Electric Eye" y la electrizante y muy divertida "Devil's Child". Pero sin duda la representativa del momento fue la sucesora del "You don't Have to be Old to be Wise" del "British Steel", "You've Got Another Thing Comin'", "single" que llegó a la 4.ª posición en los Billboard.


Así que sucedió como estaba previsto: cogieron tenedores, cuchillos y servilletas y se comieron el Mundo. Una cosa está clara, los '80 habrían tenido menos categoría si Judas Priest no llega a realizar este "Screaming for Vengeance". Sí o sí; eso es algo que no se puede discutir.




        -Cuarto y último grupo del "comeback", parece mentira que una banda que a mitad de sus años dorados se introdujera en el terreno del "rock" comercial, incluso en el "pop" americano, resucitase en 1.982 con el disco más "rockero" de su carrera, y añadiendo que es uno de los mejores: un coche saliendo a toda pastilla con los tubos de escape explotando era la portada de "Twin Barrels Burning", realizado el 28 de Julio.




Y es que la leyenda de Wishbone Ash pareció trastocarse cuando, a partir de 1.974, abandonaron el estilo progresivo y épico que tanto éxito les había dado en sus "Argus" y "Pilgrimage", y se marcharon a América para hacer un "rock" muy comercial, dando forma a lo que posteriormente se llamaría "AOR". Afortunadamente regresaron a sus raíces a la vez que siguieron evolucionando e hicieron discos de muy alta calidad.


Tras el "Number the Brave", con John Wetton al bajo, entra a sustituirle Trevor Bolder y graban un fascinante plástico, ya olvidándose de sus influencias "folk" y progresivas de antaño para despuntar con un cruento y sólido "hard rock", aprovechando el panorama de la N.W.o.B.H.M. de la que ellos eran una clara influencia fundamental de la misma. Lo que nos encontramos son temas breves, de intensos "riffs" de guitarra y ritmo contundente. Puro "rock" del que pone a 100 el tocadiscos sin privar de comercialidad ni accesibilidad al sonido.




Esa tónica la ponen de manifiesto pildorazos como "Streets of Shame", "Can't Fight Love", "Angels Have Mercy" o esa cortante apertura que es "Engine Overheat", que se unen a los cortes melódicos "No More Lonely Nights" y "Hold On" (que bien podrían haber encajado en su "New England" del '76) o a la chulería del "blues""Me and My Guitar".
Andy Powell sonaba como nunca, al igual que la guitarra de Laurie Wisefield y los juegos de batería de Steve Upton, en un LP que llegó al 22 en los "charts" británicos, tras estar un tiempo en puestos mucho más bajos de las listas. Con "Twin Barrels Burning" se redefinieron como excelente banda de "hard rock" y "heavy metal" y volvieron a demostrar lo mismo que Nazareth, Uriah Heep y Jethro Tull: que con más de una treintena también podían hacer "rock" con una calidad tan perfecta como cuando lo hacían 10 años atrás. Eso es algo que no muchos de sus contemporáneos pudieron hacer, así que es más bien envidiable.


       -Una banda tiranosáurica del calibre de Blue Öyster Cult siempre goza de tener una discografía rica y variada y canciones que hacen época. ¿Pero qué mejor que un documento en directo para disfrutar del potencial de este grupo que de algún modo también contribuyó a modelar el "hard rock" por aquellos '70 y convertirse en precursor del "heavy metal"?



Ya tuvieron dos directos en 1.975 y 1.978. Este "Extraterrestrial Live", realizado el 1 de Abril, recogía conciertos en varias ciudades de Norteamérica y mezclaba canciones del tour de presentación del exitoso "Fire of Unknown Origin" y de la gira "Black And Blue" que hicieron en 1.980 junto a Black Sabbath.




New York, Florida y Philadelphia fueron algunos de los sitios por donde pasó esta formación y dejó su huella musical impregnada en los oídos de un público que gritaba fuerte su nombre y el de los temas que tocaban en el escenario. Se disfrutan de largas "jams" instrumentales al más puro estilo de los '70, de las perfectas capacidades vocales de Eric Bloom, de los virtuosos solos de guitarra de Don Roeser y de esos sonidos levitantes y psicotrópicos de "space rock" que se sacaba el teclista Allen Lanier de la manga.
Todo esa magnificencia imprimida en la extensa versión del "Roadhouse Blues" de The Doors; en ese inolvidable solo que se marca Roeser en "Veteran of the Psychic Wars" (famosa por aparecer en el film de animación "Heavy Metal", del '81); en la melodía que llevaba el "hit""Don't Fear the Reaper", del "Agents of Fortune" ('76); en la fuerza de aquel primitivo "Cities on Flame with Rock 'n' Roll", del primer álbum del grupo, donde Bloom chillaba "¡rock 'n'!" y el público le contestaba "¡roll!", o la que también se dio entre los rugidos de fondo que se escuchaban cuando empezaba ese estandarte que era "Godzilla", del "Spectres" ('77).




Sería el único disco en directo de los '80 que realizaría Blue Öyster Cult, donde en mitad de la gira fue despedido el batería Albert Bouchard, al que podemos oír en "Dominance and Submission" y "Black Blade", reemplazado por Rick Downey, y que alcanzó una bastante discreta 29.ª posición en el Billboard 200 de EE.UU. Pero eso no importa en absoluto teniendo en cuenta el grupo del que estamos hablando.


Ellos seguirían editando buenos discos en los años siguientes, pero eso sí, metiéndose por derroteros más comerciales, como en el posterior "The Revölution by Night".




Y hasta aquí hemos llegado.

Como dije, ésta no iba a ser igual que las anteriores. Álbumes que para muchos pueden ser repelidos o incluso ignorados junto a otros que hicieron historia en el año en el que fueron publicados.
Para mí la calidad musical que alberga un disco es más importante que la opinión de antaño que le dieran los críticos. Y una buena muestra es el cuarteto nombrado; por encima de modas, años que se echan encima o competentes amparados por la novedad y la juventud, ellos consiguieron salir del atolladero, aunque fuese por un corto período de tiempo, y hacerse con un lugar en la Historia de la música. ¡Que no todo lo nuevo era lo bueno!, y viceversa (sigue pasando hoy en día).

Y ahora vienen otros que también merecen mención. Otros como los alemanes Scorpions, que vinieron ese año pegando fuerte con su "Blackout", cosa que hizo que llegaran al Top Ten; Status Quo aún seguían vigentes en los '80, por supuesto, y ahí está su "1+9+8+2", n.º 1 en las listas inglesas. SWEET también sobrevivían con su "Identity Crisis", Bad Company con su "Rough Diamonds", Golden Earring con su "Cut" y los alemanes Epitaph con "Danger Man". Entre tanto KISS viraron de estilo con su "hard rockero" y aplaudido "Creatures of the Night".

Tres músicos de categoría sacaban trabajos en solitario, como Jon Lord y su "Before I Forget", Jon Anderson y el "Animation", donde se metía en el "pop", o Robert Plant con su "Pictures at Eleven", que llegó a la 2.ª posición en las listas inglesas.

Otros más contemporáneos tampoco se quedaban a la zaga y dieron correctos debuts en sus géneros: en el "heavy metal" tuvimos a Virgin Steele, a TANK con su "Filth Hounds of Hades", a Manowar y su "Battle Hymns" o a los noruegos TNT; en el "AOR" estuvo el "Dawn Patrol" de Night Ranger; en el creciente movimiento del "glam metal" Twisted Sister nacieron con "Under the Blade" y hasta salió Witchfinder General en el "doom" con "Death Penalty". Tygers of Pan Tang sacaron su mejor disco, "The Cage", sonando más comerciales y llegando a buenas posiciones en las listas, y unos finlandeses llamados Hanoi Rocks, hervidero del movimiento "glam metal" ochentero, realizaron su mejor trabajo: "Self Destruction Blues".

En otros ámbitos, Ozzy Osbourne, que hizo el directo "Speak of the Devil", estaba en competencia con Black Sabbath, que sacaron "Live Evil", SAXON se mostraron en plena forma cuando salió "The Eagle has Landed" al igual que el virtuoso Michael Schenker en su "One Night at Budokan" y Genesis también tuvo su éxito con el "Three Sides Live".

Todo esto mientras Osbourne le mordisquea el cuello a un murciélago/paloma en Iowa y su guitarrista se estrella cuando va en una avioneta contra el autobús del tour que hace con Ozzy , es robada la lápida del cantante Ronnie Van Zant, Dio hace su último concierto con Black Sabbath y mientras multitud de estrellas de "rock" se ven implicadas en accidentes automovilísiticos. Un año movido, desde luego.

En España es inevitable nombrar el "Corre, Corre" de Leño y su hebilla de cinturón de la portada y el mejor disco de "heavy metal" que jamás se haya hecho por estas tierras, con un puño atravesando la tapa, que rezaba "Barón Rojo, "Volumen Brutal"".

En fin, 1.983 está a la vuelta de la esquina.


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Rock Progresivo Español.Rompiendo la oscuridad : IMAN CALIFATO INDEPENDIENTE (colaboración de Félix Jota)

November 7, 2015, 12:24 am
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Un nuevo colaborador entra a formar parte de la familia de Rockliquias, Félix Jota, un estudioso del progresivo español que con su sección "Rock progresivo Español. Rompiendo la oscuridad", nos mostrará todo lo referente a este género, aderezado con un jugoso material sonoro. Su primer artículo: IMAN CALIFATO INDEPENDIENTE.


Imán se gesta en Madrid en el año 1976.Iñaki Egaña (bajo), Manuel Rodríguez (guitarra) y Kiko Guerrero (batería) son los que empiezan a dar forma al proyecto como trío. Al año siguiente se les une Marcos Mantero (teclados), durante una actuación. Todos venían de otras formaciones (Alacrán, Goma o Chicle, Caramelo y Pipa).Fijan su residencia en el Puerto de Santa María (Cádiz), donde preparan lo que sería su primer LP para CBS, que ve la luz en 1978.



 Un disco imprescindible, que tuvo gran éxito de ventas y crítica. Casi instrumental, donde los solos de guitarra y teclados destacan sobremanera. “Tarantos del Califato Independiente” es la suite que ocupa toda la Cara A del Lp, el tema estrella, donde recuerdan al sonido Canterbury y a los mismísimos Pink Floyd. Jazz-fusión, rock sinfónico, rock progresivo, esta era la música de Imán. 





  El segundo disco, “Camino del águila, sale al mercado en 1980. Ya con Urbano Moraes al bajo sustituyendo a Iñaki. Mas orientado al jazz rock y también con cuatro temas, tres de ellos instrumentales. Solo ponen voz a “Niños”, mas orientado al folk y que cierra el disco. Los primeros en reeditarlo en Cd fueron los franceses de Musea, en 1994.




 A partir de aquí se separan y cada uno toma diferentes caminos. Antes, con Marea Alta, grupo gaditano, graban una maqueta en 1980. Luego Manuel y Marcos graban un single en 1981, “Sobre ondas”, también para CBS. 





Y se vuelven a reunir en Jerez en 1986 y 2006 para un concierto, donde celebran su 30º Aniversario con la edición de otro disco en el sello Aristillus.






 Este contiene también cuatro temas, grabaciones inéditas entre 1977 y 1979. Se vuelven a juntar en 2008 en el Festival Lago de Bornos. 



El gran Marcos Mantero falleció en Diciembre del pasado año.   Excelente músico, productor y que colaboró en infinidad de discos. Una de sus últimas aportaciones la hizo en el disco “III”, de Senogul. 



Manuel “Imán” Rodríguez editó varios discos en solitario, con sonidos new age, varios de ellos en USA. 



Urbano Moraes, a través de “Perro andaluz”, edita el disco “He nacido junto al mar”, en 1994.






  Grandes Imán y sus dos obras maestras, que quedarán para siempre en la memoria de los que amamos la música buena y de calidad. Merecen ser recordados y tener su reedición en vinilo ya.


DISCOGRAFÍA:
-Imán Califato Independiente (CBS 1978 Sony Music 1997 Cd)


-Camino del águila (CBS 1980 Musea 1994 Cd Sony Music 1996 Cd)


-Imán Califato Independiente/Camino del águila (Sony Music 1998)

-30º Aniversario (Aristillus 2006)


-Todas sus grabaciones en CBS (Rama Lama Music 2006)

-Tarantos/Canción de la oruga (CBS 1978 Single)

-Darshan, Partes I y II (CBS 1978 Single)




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CREEPY JOHN THOMAS - Brother Bat Bone 1.970

November 8, 2015, 12:27 am
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Algunos personajes lo intentan una y otra vez pera la diosa fortuna se les resiste. Este es el caso de John Thomas lo intentó en Australia, Inglaterra y Alemania pero sus magníficos proyectos no tuvieron el reconocimiento popular.



John Thomas procede de Australia donde tuvo un relativo éxito en los 60 con su grupo The Files. Se traslada a Inglaterra donde conoce a Brian Hillmann y Walt Monaghan formado el grupo Rust. Para poder  editar su primer disco se trasladan a Alemania y en el 69 editan "Come With Me". Posteriormente John junto con músicos alemanes Andy Marx (guitarra) y  Helmut Pohle (batería) forma Creepy John Thomas. Editan ese mismo año en Inglaterra su primer disco, pero el fracaso es absoluto. Lo vuelve a intentar en Alemania al año siguiente publicando "Brother Bat Bone", pero el resultado es el mismo. Años más tarde John Thomas entraría a formar parte de la Edgar Broughton Band.



El grupo nos presenta seis temas cargado de buen psyco-rock-blues. El disco se abre con " Down In The Bottom", gran voz, estribillo machacón y unas guitarras de fondo. Su segundo tema, "What's The Matter With The Mill", nos muestra un ambiente netamente rural. La canción que da título a la grabación, "Brother Bat Bone", me recuerda el sonido típico de los Canned Heat, muy buena base rítmica incluyendo un solo de bajo. La psicodelia vuelve en "This Is My Body" y "Standing In The Sunshine " con un inspirado Andy Marx a la guitarra. Cierra el disco "100 Lib. Noomy " un boogie en la línea de los Heat.






Temas

01 Down In The Bottom 00:00
02 What's The Matter With The Mill 05:11
03 Brother Bat Bone 08:27
04 This Is My Body 17:34 
05 Standing In The Sunshine 21:02
06 100 Lib. Noomy 29:36

Formación
John Thomas : voz, guitarra
Andy Marx : guitarra, voz
Helmut Pohl : batería
Dave Hutchins : bajo
Roy O'Temro :batería

y de propina su primer disco



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Los teclistas del rock: PETER BARDENS

November 10, 2015, 12:46 am
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Hola amigos en esta  entrega  quiero comentaros algunas cuestiones. La primera es que no penséis en ningún momento que esto es un ranking de teclista, nada más lejos de la realidad, solo pretendo relatar mis vivencias sobre aquellos teclistas que influyeron en mi vida musical. Por otra parte y después de tres episodios he pensado en reducir algo los datos y las fechas, creo que no debo abrumaros y que todos esos temas suelen estar bien tratados en la Wikipedia, por ello voy a intentar basarme en mis vivencias y criterios personales. Dicho lo cual vamos con el teclista de esta semana:


 Peter Bardens. El descubrir a Camel supuso para mí un soplo de aire fresco entre tanta grandilocuencia y pomposidad de los grandes del rock sinfónico. Su música tenía una sensibilidad y elegancia que rayaba la perfección.




Peter nació en Westminster, Londres, en 1.944. Desde 1.962 hasta su entrada en Camel en 1.971, estuvo en varios grupos: “Hamilton King´s Blues” junto a Ray Davis, “The Cheynes” junto a  Mick Fleetwood, “Them” junto a Van Morrison, “Peter B´s  Loonies” con Rod Stewart, y Peter Green , y “Village”. También le dio tiempo a grabar dos discos en solitario “The Answer” (1.970) y  “Write My Name in the Dust” (1,971).



En diciembre de 1.971 Peter entró a formar parte de Camel junto a Andrew Latimer (guitarra),  Doug Ferguson (bajo) y Andy Ward (batería). Con esta banda Bardens alcanzaría la fama y la popularidad siendo uno de los periodos de su vida más fructíferos musicalmente. Su estancia en el grupo duró siete años (1.971 – 1.978) y en ese periodo grabó siete discos: 
”Camel” (1.973)


“Mirage” (1.974)


 “The Snow Goose” (1.975)


 “Moonmadness” (1.976)


 “Rain Dances” (1.977)


 “Breathless” (1.978)


 y “A live Record” (1.978).




Después de dejar a Camel volvió a reunirse con su viejo amigo Van Morrison para la grabación del disco “Wavelenght” y  sacó el disco “Heart to Heart” en 1.979. Cinco años más tarde forma “Keats” con los que edita un disco. Su carrera en solitario continuaría con “Seen One Earth” (1.986), “Speed of Light” (1.988), “Water Colors” (1.991) y “Further Than You Know” (1.993), todos ellos trabajos carentes de fuerza y que no mostraban ni el potencial ni el verdadero virtuosismo de Bardens. 


 En 1.994 decide dar un giro a su carrera y junto a  Andy Ward, Dave Sinclair y varios  ex miembros de Caravan, forma el grupo “Mirage” con los que realiza algunas gira tocando temas de Camel y Caravan  y plasmándolas en el disco “Mirage: Live” (1.994). Ese mismo año volvió a editar un disco en solitario “Big Sky”, en el que colaboraban Mick Fleetwood y Andy Latimer. Lamentablemente en 2.001 se le detectó un tumor cerebral  y como despedida ese mismo verano realizó un concierto junto a John Mayall, John McVie, Mick Fleetwood, Ben Harper, etc. El 22 de enero de 2.002 moría en Malibú.



Como siempre la elección de un disco que represente toda una carrera musical es extremadamente difícil pero como os he comentado en varias ocasiones la música no es igual para todos y depende de las vivencias de cada uno. Por todo ello mis dudas estaban entre “Moonmadness” y “The Snow Goose”, al final me he decidido por el segundo.

El disco es una obra conceptual basada en  la obra homónima del escritor Paul Gallico. La novela trata de un jorobado de aspecto grotesco que vive en un faro  cuidando todas aquellas aves que necesitan su ayuda. Un buen día una niña, Fritha, decide visitarlo para que cure a un Snow Goose (ganso procedente de Canadá) que había encontrado. El paso del tiempo forja una gran amistad entre ellos  hasta que el ganso se recupera y vuelve a volar. La guerra llega a Europa y el jorobado siente que debe participar pero su marcha ya no tiene retorno, es el ganso el que regresa con el espíritu del jorobado. Perdonareis por este resumen tan poco literario pero solo quería que supierais de que iba la obra.

Los compositores fundamentales de la obra fueron Bardens y Latimer, y contaron como productor a David Hitchcock. Las partes orquestales fueron arregladas por David Bedford con la participación de la Orquesta Sinfónica de Londres. Para darle más emotividad a la obra Latimer pensó que sería bueno incluir partes narradas, para ello pidieron la conformidad del autor pero dicha autorización no llego debido a un malentendido, Gallico pensaba que el nombre del grupo tenía relación con la marca de cigarrillos. Por fin el disco se editó en abril de 1.975 obteniendo un notable éxito, la grabación en vivo de la obra se editó años más tarde en el disco “A Live Record”.


Recuerdo que en España se edito en formato de doble disco junto a su segunda obra “Mirage”.  La portada correspondía a este último y era una serie barata que incluía los dos discos en una carpeta simple. Mi impresión sobre la obra es que es una verdadera joya, al margen de la descripción tema por tema que podéis leer en Wikipedia, Camel llegó a la cima de su carrera donde se mantuvo durante algún tiempo en posteriores trabajos. Mis recuerdos me llevan a ver a cuatro adolescentes entorno a un arcaico tocadiscos de maleta con los ojos cerrados imaginándonos los paisajes que nos describía la música de Camel. La guinda del pastel la ponía la inclusión de elementos orquestales que le daban gran majestuosidad y servían de arma arrojadiza hacia nuestros padres cuando nos decían que esa música de melenudos era solo ruido.


y no podía faltar su actuación en la BBC en el 77


Os recuerdo que todos podéis participar en esta sección (rockliquias@hotmail.com)

Próximos capítulos:
- Tony Banks
- Richard Wright
- Dave Greenslade
- Thijs Van Leer
- Ray Mazarek
- Don Airey
- Jordan Rudess
- Patrick Moraz
- Eddie Jobson

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COCHISE - Cochise 1.970 (colaboración J.J. Iglesias)

November 11, 2015, 12:34 am
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El boom en USA del country rock jiparra se trasladó felizmente a Inglaterra. Y como no podía ser de otro modo, hubo metamorfosis. En 1.970 el país de Jack the Ripper también estaba en pleno auge con el rock progresivo proveniente de las cenizas, todavía calientes, de la psicodelía. Así que esta panda de melenudos se pusieron el nombre ese tan chulo de Cochise y empezaron a moverse. 




No eran unos recién llegados. El guitarrista Mick Grabham venía de Plastic Penny. Mientras que Rick Wills (bajo) y John "Willie" Wilson (batería) había rodado por Mabella (!?¡) en 1.966 con un desconocido guitarrista llamado David Gilmour. Ambos le acompañarían también en su álbum de debut del 78. B.J. Cole era un extraordinario "tocaor" de la exótica ( por esas tierras) pedal steel guitar. Solo alguien como Steve Howe o el propio Gilmour podrían hacerle sombra. Stewart Brown era el magnífico cantante solista. Salvo Cole, todos harían voces. 



La música de Cochise sienta las bases del country rock prog, que abrazarían muchas bandas inglesas, en lo que se llamaría luego pub rock. Pero en este debut el aroma psych es penetrante como pachuli a granel. "Velve Mountain" es un híbrido entre Gram Parsons y The Moody Blues. Excelentes cuerdas y melodías. El etéreo ambiente de "China", en permanente línea de flotación, te recordará al "Dark Side of the Moon". Pero unos añicos antes, esto es. Sospechoso. Mezcla el aroma blueglass con la campiña verdosa de las highlands. Maravilloso "Trafalgar Day". Steeleye Span en jam con The Byrds, e incluso con Andy Latimer! Stewart Brown se luce como vocalista, con un profundo sentimiento, mientras Grabham rockea en la musculosa"Moment and the End". Un precioso medio tiempo dominado por la steel es "Watch this Spaces", Flying Burrito Brothers respirando niebla y tomando té. En "59 th Street Bridge" persiste ese aire callejero undergroud del momento: el Roundhouse, Speakesy, 100 Club, las columnas folk rock del Melody Maker y New Musical Express, o los ricos comentarios radiofónicos de John Peel. Tenemos melancólica steel en "Past Loves". Se hace perfecta para estos otoñales días. Finalmente los casi ocho minutos de "Painted Lady" lucen al lado más descaradamente progresivo del grupo. Con duelos entre Cole y Grabham entusiasmantes. 




Disco muy, muy digerible, producto de su época y de la originalidad en su simbiosis especial. Algo que se repetiría en "Swallow Tales" (71) y "So Far" (72), dentro de la factoría 100 % underground del sello United Artists (Hawkwind, Man). El productor de "Cochise" no fue otro que el genial Dick Taylor, ex Rolling Stones y guitarrista histórico de The Pretty Things. Tuve el gusto de conocerlo el año pasado ( si no lo digo reviento!). Y la portada es uno de los primeros trabajos de Hipgnosis, pero ya tiene su marca indeleble. De las cenizas de Cochise saldría otra histórica pub rockband , Quiver. Mick Grabham se iría con Procol Harum y Rick Wills con Foreigner. Otros miembros del grupo tocarían con Frampton's Camel, Roxy Music o Small Faces. Y nada más. tan recomendable este vinilico como sus otros hermanos. Un placer escribir sobre esta banda.




Temas
1. Velvet Mountain 00:00 
2. China 03:26
3. Trafalgar Day 07:20
4. Moment And The End 12:30 
5. Watch This Space 18:29
6. 59th Street Bridge Song (Feelin' Groovy)22:25 
7. Past Loves 26:04
8. Painted Lady 29:44(
9. Black Is The Colour 36:48

Formación
Stewart Brown - guitarra, voz
B.J. Cole - guitarras
Mick Grabham - teclados, voz
Rick Wills - bajo, voz
John Sly Wilson - batería , voz

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Ensayos sobre un sonido:Prólogo (colaboración de J.J. Iglesias)

November 12, 2015, 7:40 am
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Volvemos a entrenar sección en Rockliquias, "Ensaños sobre un sonido". Cuando propuse a mi buen amigo J.J. Iglesias hablar sobre la música electrónica que descubrimos en los años 70 sabía que era un cebo que no rechazaría. Dos melenudos hard rockeros descubren este tipo de música y se enamoran de ella para toda la vida. Increíble ese tipo de contraste pero eramos dos esponjas que absorbíamos todo tipo de buena música. Espero que guste la sección, nada de David Getta por supuesto.




"ENSAYOS SOBRE UN SONIDO"

Prologo

Me pide mi brother Juan Carlos Miñana que inicie una sección sobre música electrónica " de la que nosotros conocimos hace años", dice. No le falta razón. Lo que hoy se conoce con ese nombre bien poco tiene que ver con la realidad de un género que comenzó en los años 50 ( y todavía podríamos remontarnos más atrás). Y se desarrolló durante el boom de los sintetizadores y la psicodelia a finales de los 60. Pero no. Hoy vas a una tienda de agónicos cds, las que quedan, y da mucha penita ver una sección que se llama así: música electrónica. En donde no hay mas que chunda - chunda ibicenco para que las chonis muevan el culo. De sobras es sabido que a los gobiernos les interesa la analfabetización de las masas.



 El Imperio Romano ya inventó lo del Pan y Circo hace siglos. Hoy ni pan . Circo y Circo. Furbol y Toros. Y en el caso de la música, pues qué me va usted a contar. No se trata de hacernos aquí los pedantes ni elitistas. Simplemente poner las cosas en su sitio. Música popular ha habido desde hace siglos. De eso a venderla como "única verdad" va un abismo. Está claro que existen dos realidades: la que interesa para aborregar al pueblo, y la que existe por derecho propio. La que sirve para atontar masas y la que está pra la reflexión, filosofía, espiritualidad o algo mucho más transgresor y peligroso... PENSAR!! Sacrilegio. En la Edad Media, la música sacra se la guardaban los monjes en los monasterios, para ellos. La historia de 2112 y el templo de Syrynx existe, no os quepa la menor duda. Una ameba con dos platos poniendo sus dedazos sobre vinilos y dando saltos hasta el ojete de mandanga NO es música electrónica. Si acaso, es primero de parvulario de ingeniería de sonido. O sea, la regla básica de algo tan simple como mezclar sonidos que alguien ya ha grabado preventivamente sus propias obras.

Los David Jetas de la vida se apropiaron del nombre de un género inventado muchas décadas antes. También de otras palabras de esa música: progressive, acid, Berlin  sound... Triste. Y el pueblo se lo tragó. Interesa que sea así. En la actualidad, el verdadero género de la electronic music, o EM, como se define para diferenciarla de "lo otro", subsiste en las catacumbas del underground con una salud creativa impensable. Impertérrita a modas y chorradas de ignorantes de la ESO. Bien es cierto que ellos no tienen la culpa. La manipulación global en la que estamos todos inmersos crea estas "causalidades", que no casualidades. Así que aquí estará un pedacito de ese pueblo hijo de Schulzes, Tangerines, ASh Ras y demás visionarios teutónicos. Señalado con lupa en las primeras páginas de Asterix, sobreviviendo con nuestra poción mágica de honestidad, belleza y verdaderas obras de arte, ante tanto embrutecimiento y polución sonora de las "huestes romanas invasoras".

Por último, he querido bautizar a la sección "Ensayos sobre un sonido", primero por su obvio significado. Segundo porque fue el título de mi primer disco con mi proyecto electónico Pluralis, allá por el año 2.000. Once discos después, sigo empeñado en crear mundos imposibles. recrear antiguas civilizaciones y conocer nuevas razas alienígenas. En definitiva, soñar. Algo prohibido y tabú. Y que a todos los que nos gustan estas músicas seguiremos haciendo por mucha represión, sibilina y subliminal en ocasiones, descarada y cruel otras, que encontremos a nuestro alrededor. Puede que a veces tratemos sobre músicos más actuales, aunque prefiero mayormente ceñirme a la filosofía de Rockliquias y hablaros de los viejunos que ayudaron a crear un género ya inmortal: La verdadera Electronic Music (EM). Quizá una sección  de Bardos* que, como el de Asterix, pocos hagan caso. Pero acaso no era un personaje entrañable y maravilloso!!!

*BARDOS (no bandas)


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Rockliquias en los 80: 1.983 Part. 1 (colaboración Christian Jiménez)

November 13, 2015, 12:45 am
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Seguimos avanzando.


En esta lista de 1.983, en contraposición con la anterior, ya aparecen discos más significativos, más conocidos e internacionalmente valorados de la Historia del "rock":





        -Salidos de las entrañas de Sheffield, al Norte de Inglaterra, despuntaron los Def Leppard, unos chicos que hacían "hard rock" a lo AC/DC con un añadido de glamour derivado de su comercialidad, de su melodía y comenzando por ser un estandarte de la N.W.O.B.H.M. al ser producidos por Tom Allon.
Ningún álbum está de más en su discografía, pero el definitivo es este, uno de esos discos que hay que escuchar para saber qué eran los '80. El 20 de Enero se confirmaría su total ruptura con el movimiento musical en el que los medios les encasillaron y su ansia por triunfar en EE.UU. con "Pyromania".





Este es un plástico donde cada canción es imprescindible, con esa mezcla adictiva entre "hard rock" y retazos "pop", un sonido mucho más pulido que el anterior "High 'n' Dry", cortesía del genio "Mutt" Lange, un estilo que rebosa elegancia y contundencia y una banda en estado de gracia que crearía una nueva forma de hacer "rock".

Todo el mundo quería sonar como el quinteto inglés, pero nadie podría llegar a igualar "Pyromania". Porque en el fondo era "hard rock" hecho para las listas, pero era el total lo que contaba, el resultado final al que contribuyeron Lange en la producción y Thomas Dolby a los teclados. La dura "Rock, Rock!, till you Drop!" podría haber sido de AC/DC, la coreable "Comin' Under Fire" podría estar en la discografía de Foreigner, y temas del palo de "Action, not Words!", "Photograph" o "Rock of Ages" encajaban perfectamente en el "rock" de la época, pero era ese "algo" que tenía Leppard; era un "feeling" indescriptible, el mismo que hizo que su "heavy metal" británico llegara a las masas americanas.



"Pyromania" era el empujón que el género necesitaba y así acabó alcanzando la 2.ª posición en el Billboard, la 4.ª en Canadá (jocoso que sólo llegara a la 18.ª en Inglaterra, pero es que esto estaba dirigido al pastel americano) y sacándose Séxtuple Platino en la época, que no estuvo nada mal.
En conclusión, hicieron historia.


        -Venían de mitad de los '70 teloneando a gente como Van Halen en la escena del "glam" que había en L.A. y con Randy Rhoads en sus filas. Pero sus dos discos a finales de la década no es que consiguiesen un éxito abrumador.


Tuvieron que transcurrir cinco años para que este grupo llegase con una nueva alineación y a principios de los '80 dejaron tieso al Mundo entero cuando su maníaco de camisa de fuerza de color rojo y máscara de metal se coronaba en el n.º 1 del Billboard desbancando al "Synchronicity" de Police y con el prestigio de ser el primer álbum de "heavy metal" que llegaba a la primera posición en las listas americanas.




Así "Metal Health", que salió el 11 de Marzo, se convirtió en uno de los más emblemáticos plásticos de "rock/heavy" de la Historia, llegando a multiplatino en EE.UU. y Canadá, y Quiet Riot despegaron como el Challenger (lástima que, poco tiempo después, les pasara lo mismo que al cohete).


El éxito, sobre todo, se basaba en el impacto que causaron la versión de SLADE del "Cum On! Feel the Noize!", que llegó al 5 en los Billboard Hot 100, y el tema que da título al disco, que se puso en la 31.ª posición.




Pero no están sólo esos dos clásicos; el disco entero mezclaba matices de puro e inclemente "heavy metal" con la comercialidad que arrastraban Quiet Riot desde los '70, haciendo que convergieran muy bien puñetazos como "Breathless" o "Battle Axe/Let's Get Crazy!", donde la voz del vocalista  Kevin DuBrow sonaba agresiva como pocas y los "riffs" de Cavazo podían incinerar al oído más incauto, con los melódicos "Don't Wanna Let you Go" y "Slick Black Cadillac" o ese apoteósico broche de oro que es la balada "Thunderbird", donde podíamos ver cuan versátil era la garganta de DuBrow.


En fin, que si hay que nombrar discos de "heavy metal" definitivos de los '80, éste no puede faltar por nada del mundo.


       -El grupo más grande de "rock" progresivo, Pink Floyd, influencia para decenas de cientos de posteriores bandas, responsable de obras de arte como "The Dark Side of the Moon" (que se quedó en el puesto n.º 2 del Billboard...hasta 11 años más tarde), "Wish you Were Here" y "The Wall", con tres números 1 en EE.UU. y dos en Inglaterra, discos certificados con Diamante y Multiplatino en innumerables países y, lo más importante, capaces de pasar de década a década siempre por todo lo alto, llegaron a 1.983 con "The Final Cut", publicado el 21 de Marzo.


Aquí asistimos a un hito en la historia de la música. Roger Waters se va de Floyd tras este LP y tras 16 años desde aquel "The Piper at the Gates of Dawn", con un trabajo de nuevo conceptual y considerado el primero en solitario de Waters, aunque fuera bajo el nombre de la banda, ya que todos los temas están compuestos por el bajista.


"The Final Cut" no tiene la energía demoledora de "The Wall", sino que se torna más intimista, melancólico, dramático e introspectivo, tratando de manera crítica la guerra y la figura del padre de Waters, fallecido en la 2.ª Guerra Mundial. Todo el álbum se hilvana con sonidos de una belleza, intensidad y delicadeza inconmesurables conducida por la tersa y cálida voz de Waters, siendo ésta acompañada por envolventes teclados, evocadores desarrollos por parte de los instrumentos de orquesta, desgarradores saxofones y nostálgicos punteos de guitarras acústicas y eléctricas.


Cada nota y melodía forma parte de un compendio inmenso lleno de emotividad y una producción de lujo. 43 minutos de disco que alcanzan unas cotas de perfección estremecedoras, desde esas primeras líneas "Dime la verdad, dime por qué Jesús fue crucificado" en "The Post-War Dream" hasta ese vibrante saxofón resonando en "Two Suns in the Sunset".




Waters y Gilmour, que sólo canta en "Not Now, John", el único "single" del disco, nos hipnotizan entre susurros y coléricos alaridos en este broche de oro que anunciaba la inevitable ruptura con el bajista debido a su egocentrismo, consiguiendo número 1 en las listas inglesas, en otras tres internacionales, el 6.º puesto en el Billboard, Doble Platino en EE.UU., Platino en Inglaterra y Oro en otros tantos países.


"The Final Cut" no es el infinito "The Dark Side of the Moon" ni el intrincado "Animals", pero es de Pink Floyd, y es igual de legendario que todos y cada uno de sus álbumes.

La conclusión es la misma: no son de este mundo.



       -El clásico Ford Coupe de 1.933 nunca lució tan bien como lo hizo en la portada del "Eliminator", no el disco más representativo, pero sí decisivo, en la carrera de la banda de Texas de "hard rock" y "blues" ZZ Top, salido el 23 de Marzo al mercado.



Decisivo porque significó un cambio radical en la música del grupo, que siempre se había movido por los senderos del "rock" y "boogie" de regustos setenteros, con influencias sureñas, cosa que empezaba a quedar desfasado al comienzo de la nueva década. Así que tenían que renovarse y llegar a las masas del momento o quedar relegado sólo al público más clásico. Un buen puñado de bandas lo hicieron, ¿y por qué no ellos?


Aquí las raíces se empiezan a abandonar, se aceleran los "tempos", el ritmo se vuelve más contundente, se difumina el bajo, se añaden teclados y con ello se llega a un sonido adictivo, glamuroso y bailable. ZZ Top hizo que todos alucinasen con la nueva orientación New Wave que adoptaron. Pero no New Wave de N.W.O.B.H.M., sino la New Wave de variopintas bandas que le daban al "pop", a la música electrónica, al "disco" o al llamado "art rock" (será por etiquetas), como Talking Heads, Police o Duran Duran.




Se aprecia con facilidad en el uso de los sintetizadores, de los sonidos de discoteca, del resonar que tiene la batería electrónica y de los esquemas sonoros que se repiten en cada canción sólo variando un poco de ritmo, como ocurre en "Got me Under Pressure", "Dirty Dog", "Sharp-Dressed Man" (8.ª posición en el Mainstream Rock) o "I Got the Six". Todas sonaban muy "rockeras", muy agresivas, y pegadizas e innovadoras a la par. "Legs" o "Thug" fueron las más electrónicas (y las menos interesantes, todo hay que decirlo). A destacar "Gimme All your Lovin'", "single" en llegar al 2 en EE.UU., y el intenso "blues""I Need you Tonight", donde no pudieron expresarse mejor unos punteos sensuales y vigorosos en la guitarra de Bill Gibbons. Un tema que con su emocionante estructura nos recuerda a los ZZ Top de antaño.


Los de la vieja escuela les dieron la espalda, los más jóvenes les alabaron (algo que la banda le debe sin duda a la MTV) y el nuevo trabajo arrasó por donde pasó consiguiendo Múltiple Platino en varios países y Diamante en EE.UU.

El trío texano quedó inmortalizado para la posteridad.


       -Ronnie James Dio siempre fue un cantante privilegiado por tener la voz que tenía. Una voz rasgada y agresiva que alcanzaba altos tonos y que parecía tener fuelle para toda la eternidad. Su garganta entonó himnos como "Tarot Woman", "Long Live Rock 'n' Roll" o el "Neon Knights" que hizo con Black Sabbath. Pero ya era el momento de desentonar por su cuenta.


El 11 de Junio salía un álbum que hizo historia. Puede que "The Last in Line" tuviera más éxito, pero este "Holy Diver" fue el mítico, el que confirmó que escuchar a este hombre era un lujo del que muchos se columpiaron para convertir sus propias mediocridades en joyas del "rock". Dio le dio clase y elegancia al "heavy metal" como pocos han sabido darle, y eso es algo indiscutible.


El estilo que vemos es trepidante, épico, donde el vocalista recogió el testigo de RAINBOW y Black Sabbath y facturó un LP de soberbia calidad, uniendo en un fino hilo la energía de los primeros y la oscuridad de los segundos, añadiendo teclados y melodía para resultar accesible, algo palpable en los trallazos "Gypsy", "Straight Through the Heart" y "Stand Up and Shout!" cuando se cruzan con los estandartes que son "Invisible" y "Rainbow in the Dark", que llegó a la 14.ª posición en el Mainstream Rock, o el himno de himnos "Holy Diver".




Dio hablaba de ciencia-ficción, de fantasía, de religión, de la épica, mientras una banda de altura le respaldaba convirtiendo en diamantes musicales cada tema del álbum. Éste llegó al Top Ten en las listas británicas y a una injusta y casi invisible posición en el Billboard (algo que daba igual. Se haría justicia al año siguiente con "The Last in Line"), pero no importó, ya que poco tiempo después alcanzaría el Platino en EE.UU. y el Top Ten de los mejores álbumes de "heavy metal" de todos los tiempos...y es que es algo lógico, no hace falta esforzarse mucho para entenderlo.

Dio puso el Mundo a sus pies aquel verano del '83, lo puso de luto el 16 de Mayo de 2.010 y ya hoy en día es una leyenda que nadie que tenga un poco de oído y gusto será capaz de relegar a un segundo plano. Dios le bendiga.

R.I.P. Ronald James "Dio" Padavona.



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Rock Progresivo Español.Rompiendo la oscuridad :MANTRA (colaboración de Félix Jota)

November 14, 2015, 1:01 am
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Mantra nace en el año 1977, en Cádiz y como trío. Tato Macías a la batería, Juan Ahumada a la guitarra y Kiko Fernández al bajo versionaban clásicos temas de rock. Con esta formación dan un único concierto, ya que Kiko abandona el grupo y le sustituye José A. Ramírez. En 1978 entra a formar parte del grupo Tito Alcedo. Ya, como cuarteto, dan un concierto en Puerto Real, sin teclados, y compartiendo cartel con Cai. Allí se les une José Manuel Portela, ex teclista del grupo Sur, quien completa definitivamente la formación.


  En los campos de Sanlúcar empiezan a componer lo que sería la primera y única maqueta del grupo, mientras actuaban en directo por toda la zona de Cádiz. El grupo Cai les ayuda en el proyecto ofreciéndoles su local de ensayo y todo su equipo. Se van a Madrid con los temas bajo el brazo, pero no hay suerte. Ninguna discográfica ni productor les hace el mínimo caso y se vuelven a su tierra totalmente decepcionados. A partir de ahí cada uno toma diferentes caminos y la maqueta es relegada al olvido. 

  Tito Alcedo graba varios discos en solitario. Tato Macías colabora con Lole y Manuel, Kiko Veneno y Raimundo Amador, entre otros. José A. Ramírez monta el grupo Eclipsed, haciendo versiones de Pink Floyd. Portela y Juan Ahumada abandonan su carrera musical.



  En 2012, Arabiandrock, recupera los temas que habían grabado en la maqueta del 79. El único legado de Mantra es, por fin, reeditado en Cd, con tirada limitada. Un disco que no te deja indiferente a la primera escucha. Una fusión de rock, psicodelia y jazz con algún toque árabigo-andaluz. Teclados y guitarras brillantes en los seis temas que lo componen.

  Gracias a Arabiandrock por el rescate. Nunca es tarde si la música es buena.
Formación:
Tito Alcedo y Juan Ahumada: Guitarras
José Manuel Portela: Voz y teclados
Tato Macías: Batería
José A. Ramírez: Bajo
Discografía:
Mantra (Arabiandrock 2012  Ref.ARCD 03)



Temas:

1. Sanlúcar 00:00 
2. Bajo la sombra de un ciprés 05:15
2. Acantilado 14:50 
4. Sacramonte 20:24 
5. Arco Iris 31:27 
6. Mantra 42:12

Musicos:

Juan Ahumada Caputto - guitarra
José Manuel Portela Ghessi - teclados y voz
José Antonio Ramírez Harana - bajo
Tito Alcedo Gil - guitarra
Tato Macias Lamas - batería

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WABASH RESURRECTION - Get it off 1.974

November 15, 2015, 1:11 am
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Y se repite la historia una y otra vez, grupo con muy buenas maneras con un disco prensado privadamente que nunca llegó al estrellato, ni si quiera a ser conocido por un gran número de personas.

Poco se sabe de la banda. Su origen lo encontramos en Illinois  en los inicios del 70. Su formación el ´típico "power trío": Bud Bailey (guitarra, voz), Doug Oakley (batería, voz) y Larry Lemons (bajo, voz). En el 74 editaron su único legado , "Get it off".



La música que nos muestra Wabash Resurrection es un hard rock con raíces blues y sureñas. La voz me recuerda mucho a Rory Gallagher o incluso a Johnny Winter sobre todo en su primer tema, " Pigsty Blues". Van alternando temas tranquilos "A Soldier´s Lament", "Country Heartache", "You Need Someone", este último me recuerda mucho a Rolling Stones, con temas más cañeros "Feelin´ Good", "In Heat" o "Society Woman". Muy destacable la labor del guitarrista Bud Baile marcándose solos muy finos y llenos de buen gusto. Disco muy ameno.




Temas
01 - Pigsty Blues 00:00
02 - A Soldier's Lament 03:45
03 - Feelin' Good 08:28
04 - Country Heartache 13:48
05 - In Heat 18:31
06 - The Angel Came And Went 23:20
07 - Society Woman 26:21
08 - You Need Someone 30:38
Formación
- Bud Bailey - guitarra, voz
- Doug Oakley - batería, voz
- Larry "Pipes" Lemons - bajo

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Ensayos sobre un sonido: COZMIC CORRIDORS - Cozmic Corridors 1.972 (colaboración J.-J. Iglesias)

November 16, 2015, 2:24 am
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Antes de nada, me gustaría incluir la reseña que hice sobre el único álbum de Wolfgang Richmann como primera entrada de esta sección, a título de homenaje.




El homónimo trabajo, y también único, de los alemanes Cozmic Corridors, es uno de esos discos imposibles de encontrar como original. Se vendió en exposiciones de arte, algo muy común por entonces (eran otros tiempos), en cantidades minúsculas. Y fue descubierto recientemente. De hecho, en el prestigioso libro "Cosmic Dreams at Play" de Day Erik Asbjornsen, ni aparece reseñado.


Cozmic Corriors estaba formado por Alex Meyer (teclados, voz ), Peter Förster (guitarras), Pauline Fund (voz) y Hans-Jürgen Pütz( percusiones). El estilo es plenamente espacial y con gran profusión de órgano. 




En "The Summit" (9:59) la influencia de Rick Wright se hace patente. Mas concretamente en "Ummagumma". No olvidemos que Pink Floyd fue un claro referente para la base de la kosmische musik. Instrospectivo y de ambiente casi religioso "Mountainside" (8:46) acerca nebulosas electrónicas con oleadas de gong y la etérea voz de Pauline Fund. Muchos años después, el maestro Klaus Schulze haría cosas similares con la cantante de Dead CAn Dance, la incomparable Lisa Gerrard. La hipnótica "Dark Path" (3:10) despide la cara A como una sintonía imaginaría para un film de misterio.

"Niemand Versteht" (7:47) inicia la cara B con el querido órgano de corte sacro, mas las palabras recitadas (spoken word, que se dice ahora), de la fantasmal fémina. Puede recordarnos fácilmente a Rossi Müller en el "Join Inn" de ASh Ra TEmpel. Solo que el álbum de Cozmic Corridors fue editado un año antes!. "Dazuber" (11:10) vuelve al sonido de la inicial "The Summit", siendo mi pieza favorita del álbum y pienso que claramente la más acertada. Tímidas notas de guitarras adornan un magnífico órgano con corales de fondo, no de un mellotron. Me atrevería a arriesgar que son cintas procesadas, práctica muy común por entonces.


Ambientes fantasmales derivados de "Alpha Centaury" de Tangerine Dream, y de las investigaciones de órgano de Terry Riley son comparativas aceptables.



Un muy buen álbum dentro de la arqueología EM-kraut, ideal para escuchar en penumbra e incienso y recomendado si los nombres sugeridos y Emtidi o Myhos están entre tus preferencias. Parece ser que en la actualidad existen otros Cozmic Corridors que también se dedican a menesteres psicodélicos. No tienen nada que ver con los del 72. Estos fueron únicos. 





Temas

1. The Summit - 00:00
2. Mountainside - 9:55
3. Dark Path - 18:46
4. Niemand Versteht - 21:56 
5. Darüber - 29:45
- Alex Meyer - teclados, voz vocals
- Peter Förster - guitarras
- Pauline Fund - voz
- Hans-Jürgen Pütz - percusiones


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Los teclistas del rock: TONY BANKS

November 17, 2015, 1:18 am
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Como pasa el tiempo, ya vamos por la sexta entrega de esta serie y para esta ocasión quería mostraros la vida y milagros de un músico que pienso que está infravalorado debido a que siempre ha estado en la sombra. Recuerdo el primer “cassette”(los más jóvenes se preguntaran ¿qué es eso?)  que me compré de Genesis fue “Trespass”, estuve todo un mes escuchándolo repetidas veces hasta llegar  a sabérmelo de memoria. Los paisajes que dibujaba Tony Banks con sus teclados eran de una gran belleza y mi tierna imaginación no paraba de volar. Sin lugar a dudas Genesis  fue uno de mis grupos favoritos en aquellos primeros años.


Anthony Banks nació en East Hoathly, Sussex, Inglaterra en 1.950. Recibió clases de piano y guitarra y asistió a la escuela de Charterhouse. Este hecho fue fundamental para su futuro ya que en dicha escuela conoció a Peter Gabriel con quién formó su primer grupo, “Graden Wall”, junto al batería Chris Stewart. La banda actúa de forma local hasta que se fusionan con dos miembros del grupo “The Anon”,  Anthony Phillips y Mike Rutherford, pasando a denominarse “The New Anon”. En 1.966 el tipo de música que realizaban era muy innovadora por ello llaman la atención de un productor de la compañía Decca con la que firman un contrato discográfico. Su primer disco, “From Genesis To Revelation” lo graban en 1.969, durante la grabación el batería Chris se marcha y es sustituido por John Silver que acabado el disco también abandonaría siendo sustituido por John Mayhew. 


El LP pasa totalmente desapercibido por ello para su segundo trabajo,“Trespass” (1.970), buscan a otro productor, Tony Stratton. Este segundo trabajo contenía seis temas destacando por encima de todos “The Knife”  por sus continuos cambios de ritmo. 



Lamentablemente Anthony Phillips deja el grupo (os recomiendo su carrera en solitario) y John Mayhew decide hacer lo mismo. Para sustituirlos entran en el grupo Phil Collins (batería) y Steve Hackett, este último refinaría el sonido del grupo con su peculiar forma de tocar la guitarra, utilización de multitud de efectos que incluso le impedían tocar de pie. Con esta formación graban “Nursery Crime” en 1.971


 El peso de la composición musical recaía sobre Banks  y  Rutherford encargándose de las letras Peter Gabriel. Durante esta fase grabaron tres discos en estudio, “Foxtrot” (1.972), “Selling England by the Pound” (1.973) y “The Lamd Lies Down on Broadway” (1.974), y un disco en directo “Genesis Live” (1.973). Durante  periodo los encumbro como uno de los mejores grupos de  rock sinfónico realizando giras mundiales y asombrando a todo el mundo con sus presentaciones en vivo. Para algunos, entre ellos yo, esta época fue la mejor de la banda con gran nivel compositivo y alejado de la comercialidad.








En 1.975 Peter Gabriel decide dejar el grupo y Phil Collins asume el mando, con una formación de cuatro miembros grabaron dos discos “A Trick of the Tail” (1.976) y “Wind & Wuthering” (1.976). En este último disco hay un gran tema compuesto por Banks, “Afterglow”, que se convertiría en un verdadero Himno de Genesis. Para las actuaciones en vivo contrataron primeramente a Bill Bruford y posteriormente a Chester  Thompson. El disco “Seconds Out” (1.976), nos muestra a los Genesis de este periodo. Al finalizar la gira  Steve Hackett.





Ya como trío  el grupo edita “And Then There Where Three” en 1.978 y dos años más tarde llegaría “Duke”, donde el peso compositivo ya recaía sobre Phill Collins.






 Por su parte Banks, en 1.979, edita su primer disco en solitario, “A Curious Feeling”, donde el piano y las capas de sintetizadores de cuerdas tienen gran relevancia.




 La década de los ochenta fue la más exitosa comercialmente de Genesis llegando a editar tres discos, “Abacab” (1.981), “Genesis” (1.983) y “Invisible Touch” (1.986). 








Banks también realizó algunas bandas sonoras, “The Wicked Lady”, “Quicksilver”, y editó su segundo disco en solitario, “The Fugitive” (1.983), en que se decidía a cantar y con el que consiguió cierto éxito. Tardaría ocho años en llegar su tercer disco “Still” donde aparecía “Fish” (ex cantante de Marillion) en dos temas.






En 1.991 Genesis llega a la cima de su éxito publicando “We Can´t Dance” y alcanzando el número uno en Inglaterra.  Las giras multitudinarias que se vieron reflejadas en dos discos en directo, “The Way We Walk Volume one and Two” (1.992 – 1.993) y un incremento en la popularidad de Phil Collins debido a sus trabajos en solitario y su participación en bandas sonoras, ocasionó la salida de Collins del grupo en 1.996. 


 A pesar de todo Rutherford y Banks se lían la manta a la cabeza y junto al cantante Ray Wilson editan “Calling All Stations”, el disco a pesar de tener cierto éxito pasó sin pena ni gloria lo que precipitó un parón muy importante en la carrera de Genesis.


Con el grupo desintegrado Banks tiene tiempo para desarrollar una idea que hace tiempo que le rondaba, la grabación de un disco de música clásica compuesta por él y junto a una gran orquesta. El disco salió en 2.004 bajo el título de “ Seven: A Suite for Orchestra”. Banks toca el piano junto a la Orquesta Filarmónica de Londres desarrollando unos paisajes sonoros de extremada belleza, siento gran debilidad por la música clásica lo reconozco. 


Tony volvería a repetir la experiencia en 2.012 editando “Six Pieces for Orchestra” esta vez acompañado por la Orquesta Filarmónica de Praga.


En 2.007 Phill volvería a reunir a Banks y Rutherford para la realización de la gira “Turn It On Again”  fruto de la cual se editó “Live Over Europe”.


Para finalizar el artículo voy a comentar uno de los discos en los que participó Banks en la época más gloriosa de Genesis, me refiero a “Foxtrot”, cuarto disco del grupo y segundo de la formación clásica (Gabriel, Collins, Rutherford, Banks y Hackett. 



 La obra comienza con “Watcher of  the Skies”, tocando Banks una gran entrada con uno de sus instrumentos favoritos, el mellotrón. En el segundo tema,  “Time Table”, es una tierna balada donde Bakns se luce con el piano. La música se vuelve más compleja en el tercer tema, “Get Em Out by Friday2, con continuos cambios de ritmo y con un Peter Gabriel muy teatral en su interpretación. Bank combina sabiamente el órgano con el sintetizador. La sensibilidad y la delicadeza vuelven en el siguiente tema, “Can- Utility and the Coastliners”, con una parte instrumental con el mellotrón y las de guitarras de Hackett para acabar con el lucimiento de Banks con el órgano. El siguiente tema es una joya instrumental de Hackett tocando la guitarra, reconozco que siempre que puedo intento emularlo con mi guitarra. Por fin llegamos al plato fuerte del disco, “Supper´s Ready”, una suite de 23 minutos dividida en siete secciones. La obra nos transporta a mundos ocultistas imaginados por Gabriel y musicalizados fundamentalmente por Banks apoyado por el resto del grupo. Este tema es la cumbre de Genesis donde Banks saca a relucir toda su artillería, piano Hohner, mellotrón, Hammond, etc.


Os recuerdo que todos podéis participar en esta sección (rockliquias@hotmail.com)

Próximos capítulos:
- Richard Wright
- Dave Greenslade
- Thijs Van Leer
- Ray Mazarek
- Don Airey
- Jordan Rudess
- Patrick Moraz
- Eddie Jobson

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COZY POWELL - Over the top 1.980 (colaboración J.J. Iglesias)

November 18, 2015, 1:59 am
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Esta reseña es una conmemoración, además de un experimento. Resulta que fue la primera que publiqué allá por 1.980, con 18 añitos, en el periódico musical de Matias Uribe , Disco Actualidad. Hace 35 años. Aún conservo el ejemplar. Recuerdo que ese sábado nos pusimos tibios a jarras Juan Carlos y yo en la Cervecería Universitaria de Pza. San Francisco (Zaragoza), para celebrarlo.



"Over the Top" fue el primer disco en solitario de Cozy Powell. Pero ya llevaba una carrera tan fulgurante como su pasión por la velocidad. Del 67 al 69 con The Sorcerers, Young Blood, Ace Kefford Stand y Big Bertha. En los primeros 70 con Jeff Beck Group, Bedlam y Strange Brew. Además de facturar un puñado de singles como Cozy Powell's Hammer, orientados a la discoteca, (cuando las discotecas eran otra cosa), para la factoría de Mickey Most, del que era session-man. Después vendrían Rainbow, Michael Shenker Group, Balck SAbbath, Fordefield, E,L &P, Ashton & Lord, Jon Lord en solitario, Donovan, Bernie Marsden, Gary Moore, Glenn Tipton, Cinderella, Don Airey... y la lista sigue: Brian May, Young of Moody, Phenomena, Roger Daltrey... no comment!!



Con semejante CV era de esperar que "Over the Top" tuviera lo mejor de lo mejor en lo que a músicos se refiere. Acababa de dejar Rainbow y le encargaron este trabajo para Japón, donde adoran a los baterías. Siempre se ha tenido ha Powell como un batería brutote y pegador. El sucesor de John Bonham. No es casualidad que lo utilizara Robert Plant para su "Pictures at Eleven". Sin dejar de ser cierto, en este disco se desquitaba ofreciendo otros estilos además de heavy rock. Mostrando su excelente técnica y manejo de baquetas, con sutilezas inesperadas. Sustituyó a Ian Paice en Whitesnake. Sustituyó a Carl Palmer en E,L & P. Estamos hablando de baterías de maestría técnica más que probada. 



Álbum totalmente instrumental, ( "lyrics enclosed" bromean en los créditos). La inicial "Theme One" de George Martin, corte que acostumbraba a hacer Van Der Graaf Generator, ya nos avisa de que ésto es rock inteligente. Recordando poderosamente a Colosseum II, con Don Airey en los sintes se hace lógico. Además Jack Bruce luciéndose al bajo (con guiño final a Cream) y Bernie Marsden a la guitarra. "Killer" está grabada en vivo en el estudio, repitiendo line-up excepto Marsden, sustituido aquí por Gary Moore. Y ya tenemos al 50% de Colosseum II de nuevo. Este es un tema que me vuelve loco desde siempre. Es la perfecta sintonía pra programa rockero de radio. Finaliza en clave de Bues apoteósico. "Heidi Goes to Town", con Powell-Bruce-Airey, es rock progresivo cercano a los Camel de "Mirage": Andy Latimer hubiera quedado perfecto. En "El Sid" vuelve la formación de "Theme One" en una variante jazz rock al estilo Jeff Beck / Al Di Meola. 



No os extrañéis  si os digo que "Sweet Poison", abriendo la cara B, tiene raíces  del sonido Canterbury. Max Middleton (Jeff BEck) al Fender Rhodes haría las veces de Dave Stewart. Mientras Jack Bruce parece Richard Sinclair! Don Airey al CS80 está inconmesurable. Y el guitar-hero es en esta ocasión Dave Clempton, de los primeros Colosseum. Le tengo un cariño especial. Fue el primer "guitar - star" que vi en vivo en mi vida, junto a su grupo Champion. Creo que también Miñana estaba por allí ! Un temazo de fusión a la inglesa, excepcional. "The Loner" está dedicada a Jeff Beck. No pudo asistir a esta grabación por asunto de fechas, pero su espíritu ronda todo el LP. En su lugar de nuevo el Clempson emulando baladas instrumentales con climax final espectacular, otra belleza. Finalizando "Over the Top" con Bruce-Airey-Powell este último desmelenándose entre el jazz rock, el 1.812 de Tchaikovsky y pirotecnia percusiva a mansalva. Algo que repetiría en sus solos de batería con Whitesnake (como de nuevo, Juan Carlos y yo pudimos verle en Barcelona, 1.983). Con lo que sacó de este disco se compró un Ferrari. Pero un Saab 9000 a 104 millas por hora lo mandaría al otro barrio en el 98. Genio y figura, Cozy. 

algunos temas de muestra
Theme One


Killer


Sweet Poison


The Loner


Over the Top


Formación
Cozy Powell – batería
Gary Moore – guitarra
Clem Clempson – guitarra
Bernie Marsden – guitarra
Jack Bruce – bajo
Don Airey – teclados
Max Middleton – teclados


y de propina





P.D.: doy fe de todas las referencias que se hacen a mi persona en el artículo:
           - efectivamente fueron muchas jarras pero había que                           celebrarlo por todo lo alto.
            - vimos a Clem Clempson en la fiesta que dio el PC                             en Zaragoza.
            - Disfrutamos de Cozy Powell en el concierto de                                 Whitesnake en Barcelona y posteriormente tuvimos que                    dormir en un patio, no daré mas detalles.  

            - Y pos supuesto el artículo fue publicado en Disco                             Actualidad nº 8 de Octubre de 1.980.


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Rockliquias en los 80: 1.983 Part. 2 (colaboración Christian Jiménez)

November 20, 2015, 1:13 am
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Ya se finaliza 1.983 con otras obras también muy importantes de aquel año:




        -Habían pasado diez años desde que el supergrupo neoyorkino KISS se formó y tras una etapa legendaria de álbumes inolvidables como fueron los '70 les llegaron las ganas de experimentar. De hecho, en más de una ocasión se ha dicho que "hay un KISS para todos los gustos". Los "heavies" tenían "Creatures of the Night", los discotequeros "Dynasty", los amantes del simple "rock 'n' roll""Dressed to Kill", hasta los "grungies" tuvieron uno: "Carnival of Souls".



Tras esas variaciones a comienzos de década consiguieron tocar la tecla correcta con "Creatures..." al endurecer su sonido. Pero fue "Lick It Up", publicado el 18 de Septiembre, el que dejó a los fans con la boca abierta. La razón: ya no había maquillaje, y se pudo ver a la banda sin la imagen en la que se había apoyado desde hacía tantos años. El cambio hasta se podría decir que ya era necesario. Para los seguidores de toda la vida, de primeras, fue un fiasco, pero no comercialmente. Este LP se colocó en el 7.º puesto en el Billboard, fue certificado Oro, y más tarde Platino, en EE.UU., y también Oro en Canadá, y la revista Kerrang! lo situó en el 3.er puesto de los Mejores Discos de "Rock" de 1.983.


El trabajo proseguía una línea continuista del anterior "Creatures...", ofreciendo duros trallazos musicales como ese demoledor "riff" de la apertura "Exciter" o el de "Fits Like a Glove". El resto sigue la misma tónica: "heavy rock" a toda potencia, con canciones memorables como "Gimme More!", "Not for the Innocent", "Lick It Up!" y la chulesca "All Hell's Breakin' Loose", donde vemos quizá la primera fusión de "rap" y "heavy metal" de la Historia (que aprendan los de Rage Against the Machine), en las cuales la melódica voz de Stanley comparte el protagonismo sin problemas con la más desgarradora de Gene Simmons, asistimos a la buenísima técnica que tenía Vinnie Vincent y a la energía que soltaba Carr a las baquetas.




KISS demostraron que pudieron reciclarse, levantar bien alto la cabeza sin tener que ser recordados sólo por su anterior etapa musical, competir dignamente con sus coetáneos estadounidenses más modernos que practicaban su mismo tipo de "heavy metal" y, lo más importante, superando a la inmensa mayoría de ellos; algo lógico si tenemos en cuenta de quien hablamos.
...y todavía hay por ahí listillos que por tararear el "I Was Made for Loving You" ya se creen fans de KISS.

(Mejor canción: "Exciter").





       -Como un combinado cutre y estrafalario de Aerosmith, KISS y los New York Dolls, los Mötley Crüe protagonizaron la primera ola de "heavy metal" americano, o "glam metal", sacando en 1.981 "Too Fast for Love". Lo suyo no era para nada "rock" elegante que tuviese una producción sofisticada, como Def Leppard, TRIUMPH o DOKKEN. Lo suyo era caña, "rock" callejero e irreverente, letras sobre peleas, sexo y "rock 'n' roll", una imagen "hair" que intentaba ser glamurosa pero que se quedaba a medio camino y una fama de mujeriegos, bebedores y canallas de marca mayor.


Ese aroma de humo, alcohol, drogas y desfases se imprimió bien en "Shout At the Devil", salido el 26 de Septiembre a la calle y que llegó al 17 en el Billboard, consiguiendo posteriormente Cuádruple Platino en EE.UU. y Triple Platino en Canadá. Con él hicieron historia, aunque parezca mentira, y hoy por hoy el cuarteto Neil/Mars/Sixx/Lee es ya un estandarte del "rock" americano, aunque su (mala) fama se ha puesto siempre por encima de su música.


Sin edulcorar, tenemos temas duros, atestosteronados y fáciles de asimilar como "Knock'em Dead, Kid!", "Looks that Kill", "Red Hot", "Hotter than Hell" o "Too Young to Fall in Love", donde la característica y chirriante voz de Vince Neil se funde perfectamente con los crudos "riffs" de Mick Mars. Todos ejecutados desde el mismo punto de vista, lo que puede parecer monótono de primeras, pero no, porque se convierten en piezas cortas y muy disfrutables gracias a lo sencillas que resultan.


Aunque tres destacan por encima de las demás: la descarnada versión de la "beatleiana""Helter Skelter", la épica "Danger", con teclado incluido, y la que le da título al LP, con una introducción, más propia de un disco de "thrash" que uno de "glam", que pone los pelos de punta.



Gracias a este "Shout At the Devil" los Crüe no tuvieron ningún problema en sacar sus cueros chillones y sus melenas cardadas de paseo y conseguir un buen número de fans en la época. Y aunque hubiera muchos imitadores nadie pudo llegarles ni a la suela de las botas.

(Mejor canción: "In the Beginning/Shout At the Devil").






       -Se agenciaron el puesto de "mejor banda de "rock" sinfónico" cuando "Close to the Edge" salió al mercado en 1.972. Con "Tales from Topographic Oceans" cruzaron los muros de lo imposible y aún sacaban obras decentes a finales de los '70 como "Tormato". Al comienzo de la nueva década Anderson y Wakeman fueron sustituidos por Trevor Horn y Geoff Downes y "Drama" podría haber sido un desastre, pero consiguió buenas cifras en su momento.



Ahora, el momento definitivo les llegó con este "90125", la reunión de Anderson con Chris Squire y los excelentes Trevor Rabin, Alan White y el teclista Tony Kaye. Aquí acudimos al abandono de toda esa complejidad de antaño del grupo para verles despuntar con melodías pegadizas y hacer hincapié en el terreno del "AOR" y hasta del "pop rock". El estilo que adoptaron no era muy distinto de lo que hacían TOTO, ASIA o JOURNEY por aquel momento.


Un revoltijo atractivo reciclando toda la maestría que llevaban a sus espaldas era lo que revelaba ese nuevo disco sacado el 7 de Noviembre. Estos YES no eran los que hacían composiciones intrincadas en "Fragile", pero resulta gratificante verles resurgir y escuchar un LP tan fresco, adictivo y disfrutable como es este "90125", con pequeñas joyas como las comerciales "Our Song", "Owner of a Lonely Heart", n.º 1 en el Billboard Hot 100, o la inmortal "Leave It", junto a grandes ecos de su anterior etapa setentera como son "Hearts", "It Can Happen" y "Changes".



En ellas Jon Anderson sigue asombrando con su pletórica voz, y los teclados de Kaye, con la colaboración tan acertada de Rabin y la nítida y sofisticada producción de Trevor Horn, redondean un plástico perfecto.




Llegó a Triple Platino y a la 5.ª posición en EE.UU., a Doble Platino en Canadá, a la 16.ª en las listas inglesas y "Cinema" recibió poco después un Grammy a la Mejor Interpretación Instrumental de "Rock", así que la jugada no les salió nada mal a los ingleses. Con esto se puede decir que resucitaron bien de sus cenizas.

(Mejor canción: "Leave It").





        -Cinco teutones que vivieron la consagración definitiva del "hard rock" inglés y la explosión del "heavy metal" americano necesitaban algo para conseguir calar hondo en la audiencia de los '80, ¡y vaya si lo consiguieron!


Los alemanes ACCEPT llevaban desde 1.979 ofreciendo un sonido rápido, contundente, espasmódico, que tuvo su primera gran repercusión con "Restless And Wild" ('82), uno de los más influyentes álbumes de "heavy/speed metal" de la Historia. Pero lo que hicieron en el siguiente esfuerzo fue de alabanza y con él se ganaron al Mundo. "Balls to the Wall" salió en el invierno del 5 de Diciembre y colocó al quinteto en las primeras líneas del género musical que desempeñaban. La portada (una de las peores de la Historia) lo decía todo: estaban dispuestos a coger una bola de acero y estamparla donde hiciera falta.




Aquí no se veía comercialidad al uso, no había canciones que hablaran de sexo, alcohol y desenfreno "rockero" como hacían los americanos, no había cachondeo en los "riffs" o en los ritmos; "Balls to the Wall" era un canto a distintos sectores oprimidos de la sociedad y todo su ambiente era rudo, pesado, hermético e incluso gélido, pero las guitarras de Wolf Hoffmann y Hermann Frank hacían el papel del martillo que le da al hierro candente contra el yunque y conseguían que saltaran chispas, así sonaban incendiarias; la sección rítmica de Peter Baltes/Stefan Kaufmann era robusta y la abrasiva voz de Dirkschneider era el resultado de mezclar ácido sulfúrico y bourbon para hacer gárgaras con clavos. Con estos elementos rompían ese ambiente tan oscuro.


Los entremeses eran piezas crudas y directas como "Head Over Heels" y "Fight It Back"; el postre era la melancólica serenata "Winter Dreams"; los platos fuertes del festín eran sin duda "London Leatherboys", "Love Child" y el tema que da título al LP, mientras que el primer atisbo de comercialidad se entreveía con "Losing More than You'd Ever Had".




El reconocimiento mundial les llegó de lleno. Aparte de aquel mítico vídeo del "Balls to the Wall", aclamado por todos los jóvenes de la época, ayudó el crítico canadiense Martin Popoff al colocar el disco en la 1.ª posición de los 100 Mejores Discos de "Heavy Metal" de la Historia. Así alcanzó el Oro en EE.UU., donde entró en el Billboard llegando a la 70.ª posición (un logro, ya que antes ni figuraban), y Canadá, donde se quedó en la 43.ª.
Hoy sigue sonando como el primer día: grande, dinámico, un auténtico peso pesado con vida propia y estandarte en el "heavy metal" de los '80. Jamás volverían hacer un disco igual.


(Mejor canción: "Balls to the Wall").




        -Los luchadores irlandeses Thin Lizzy empezaron allá por el '71 a cimentar su discografía que llegaría a la cima con "Jailbreak" en 1.976, siempre con el guerrero carismático y salvaje de Phil Lynott al frente de la nave.

Los ires y venires de los miembros a finales de la década y principios de los '80 y el descontrol que llevaron el guitarrista Scott Gorham y el propio Lynott con las drogas condujeron a Lizzy a un mar de mediocridad y desconcierto que se plasmaba bien en su música. En 1.983, sin embargo, dieron vida a su última obra maestra, "Thunder And Lightning", y poco después organizaron el tour de despedida, el adiós definitivo de la formación para siempre. Ese adiós quedó reflejado en el inolvidable álbum doble de directo "Life Live", publicado el 16 de Octubre y que recogía el testigo de las actuaciones del grupo en el Hammersmith Odeon, llegando (sólo) a la 29.ª posición en las listas inglesas, cosa que se merecía mucho más.


En el repertorio se hallan temas del anterior LP y algunos de los más clásicos. La rabia, energía y contundencia "rockera" aún brillaba bien en los irlandeses, que descargan toda su furia en "Are you Ready?", "Jailbreak" o "Killer on the Loose". El ritmo que llevaba Lynott se acoplaba a los solos incendiarios de Gorham en piezas como la ya mítica "The Boys are Back in Town", que hacía estallar al público en un vociferante estrépito, al igual que ocurría en los casi siete minutos de "Black Rose" o en el "Hollywood Down on your Luck", del "Renegade" ('81), pero la audiencia se tuvo que derretir cuando Gorham les deleitó con un solo épico y una maestría a las seis cuerdas pocas veces antes vista en la extensa balada "Still in Love with You", la cúspide de todo el álbum, sonando Lynott más emotivo que nunca y manteniendo un clímax de infarto, uniéndose la banda con sus oyentes para finalizar la sesión de manera apoteósica.




Apoteósica, porque es preciso mencionar la colaboración de otros músicos que también fueron parte de Thin Lizzy en su discografía y que estuvieron codo con codo en el último tema: Gary Moore (que también tocó en "Black Rose"), Eric Bell y Brian Robertson (participante también en "Emerald"), unidos a John Sykes y Scott Gorham. Es decir, un total de cinco guitarristas más los otros tres miembros ejecutando al unísono la misma canción, "The Rocker", en el que hay recalcar el momento final donde Lynott presenta a cada músico a la audiencia mientras estos se queman las yemas de los dedos en las cuerdas de sus respectivos instrumentos, dejando al público de piedra y acabando todo entre gritos, aplausos, los últimos baquetazos de Brian Downey y el agradecimiento de Lynott a los fans, completamente rendidos a sus pies.


Así terminó el espectáculo, de forma intensa y arrolladora, tal como acabó Philip Parris Lynott el 4 de Enero de 1.986. Las drogas, el hígado y un fulminante ataque al corazón se llevaron a una de las más emblemáticas figuras de la música.

Que su alma, mitad irlandesa mitad brasileña, de luchador, poeta e icono del "rock" a partes iguales, descanse en paz.


(Mejor canción: "The Rocker").



Y una vez más, se acabó lo que se daba, con 1.983. Pero también hay otros trabajos a nombrar de este año.

Precisamente hay uno que no se puede escapar. El del multinstrumentista Mike Oldfield, que se puso en lo más alto de las listas con su "Crises", con un "single""pop" para la posteridad: "Moonlight Shadow".

Pero a nivel individual vimos patinazos que merecen mención, como el de Ian Gillan, que algún herbor le faltó cuando dijo de unirse a Black Sabbath y hacer el "Born Again", o el que pegaron las neuronas de Ian Anderson cuando decidió sacar su "Walk into Light" (los '80, que trastocaron a mucha pobre gente). En plan colectivo también está el fiasco de Nazareth en su "Sound Elixir" al querer tomar el sendero del "pop rock" y el de unas Girlschool camino del precipicio en "Play Dirty".

Aunque otros demostraron estar en plena forma, como SAXON en su último atisbo de originalidad "Power And the Glory", ANVIL en su "Forged in Fire", los "aoreros" Blackfoot en "Siogo", los veteranos Y&T con su joya del "rock""Mean Streak", DOKKEN en "Breaking the Chains" (reedición de la de 1.981), los "ultra-heavies" Manowar en "Into Glory Ride", Michael Schenker, al que la suerte se le acabaría tras su "Built to Destroy", y Glenn Hughes al unirse con el guitarrista Pat Thrall en su único y sobresaliente trabajo "Hughes & Thrall". Y por supuesto U2, que se hicieron con la primera posición en las listas gracias a "War".

Si hablamos de debuts aquí tenemos para dar y tomar. A destacar el de los daneses Mercyful Fate de King Diamond, "Melissa"; el de los "glammies" suecos Easy Action, que compartieron fecha con otros de aquellas tierras, EUROPE.

Más lejos estuvieron Dimebag Darrell y su hermano Vinnie Paul cuando fundaron Pantera y sacaron el aún hoy en día difícil de escuchar "Metal Magic". Cerca de allí surgieron los californianos WARLORD con "Deliver Us" y por EE.UU. veíamos a la banda que formó el guitarrista de Motörhead, FASTWAY, el debut conjunto de Yngwie Malmsteen y Ron Keel en STEELER y si seguimos con "metaleros" surgidos con la N.W.o.B.H.M. ahí estuvieron Exciter y su "Heavy Metal Maniac". Otros dos gigantes que harían historia más tarde sacaron dos trabajos que cambiarían el rumbo del "heavy" para siempre: uno fue Metallica con "Kill'em All", el otro SLAYER con su "Show no Mercy". A aquello se le denominaría "thrash metal".

En la cara femenina despuntó la salvaje Lita Ford, salida de las Runaways, en "Out for Blood" y las otras Girlschool, el trío de guerreras londinense Rock Goddess.

En los directos quizá lo más destacable fue el de la gira de despedida que organizaron los Doobie Brothers y que se reflejó en "Farewell Tour". Dos musicos de categoría, Gary Moore y Sammy Hagar, publicaron "Live At the Marquee" y "Live 1.980", respectivamente. Mientras RIOT sacaban un EP en vivo llamado simplemente "RIOT Live" y U2, que no paraban de llegar a lo más alto, esta vez con el "Under a Blood Red Sky" (2.ª posición en el Billboard).

Y, aparte de la histeria general que se armó cuando KISS se desmaquillaron...Neil Young tuvo que cancelar una gira que realizaba en aquel momento porque sufrió un colapso en el "backstage" tras haber estado tocando durante 75 minutos (ya no hay guitarristas como los de antes), Dave Mustaine fue despedido de Metallica siendo reemplazado por Hammett, el guitarrista Johnny Ramone fue lesionado en una pelea con Seth Macklin, de Sub-Zero Construction.

Y bueno, perdimos a Lamar Williams, bajista de los Allman Brothers, Karen Carpenter y Dennis Wilson, que murió...¡ahogado! Vergonzoso, si decimos que fue el batería de los Beach Boys.

La semana que viene un año más.



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