ROCK LIQUIAS

Recuerdo perfectamente la primera vez que vi a Meat Loaf hace ya mucho tiempo (1983). Abría concierto para los Whitesnake, en aquella época todavía veía los conciertos en primera línea y puedo asegurar que fue impresionante ver la mirada de Meat a poco más de un metro. Absolutamente bestial. Su forma de interpretar los temas y su teatralidad dominaban por completo la escena. Un magnífico preámbulo para lo que vendría después con los Whtesnake.

En 1976 Meat Loaf y su amigo Jim Steinman por fin consiguieron que alguien les hiciese caso, Todd Rundgren. Firmaron con Epic y comenzaron a grabar el exitoso "Bat Out of Hell" con la participación no solo de Todd, también estaba parte de la banda Utopía (Kasim Sultan, Roger Powell y Willie Wilcox) , Edgar Winter, y miembros de la banda de E Street Band ( Roy Bittan y Max Weinberg). El disco se editó en octubre del 77 y fue y sigue siendo un auténtico bombazo.

La grabación nos presenta la actuación de Meat Loaf en el emblemático Botton Line de Nueva York el 28 de Noviembre de 1977. El concierto comienza con una pequeña introducción "Great Bolero's of Fire (Godz) que enlaza con uno de los temas estrella, "Bat Out Of Hell". La banda va desgranando todos los temas del "Bat Out Of Hell" excepto el ""Heaven Can Wait"". Meat Loaf está acompañado por Jin Steinman al piano, los hermanos Kulick a las guitarras, Steve Buslowe al bajo, Paul Glanz a los teclados, Joe Stefko a la batería y la inefable Karla DeVito como cantante femenina. Concierto cargado de emotividad, buen rock e interacción con el publico donde Meat lo da todo como siempre. Se le puede perdonar que en algunos momentos su voz falle, posiblemente debido a que era su segundo concierto del día.

Temas

00:00:00 Great Bolero's of Fire (Godz) / Bat Out Of Hell

00:15:11 You Took The Words Right Out Of My Mouth (Hot Summer Night)

00:21:22 For Crying Out Loud

00:31:02 Paradise By The Dashboard Light

00:42:00 Love, Death, and the AMerican Guitar / Wasted Youth / All Revved Up With No Place To Go

00:54:36 River Deep Mountain High

01:03:23 Two Out Of Three Ain't Bad

01:12:039 All Revved Up (Reprise)

Formación

Bob Kulick: guitarra

Bruce Kulick: guitarra

Steve Buslowe: bajo, voz

Jim Steinman: piano, voz

Paul Glanz: teclados, voz

Joe Stefko: batería

Karla DeVito: voz

Rory Dodd: voz

Meat Loaf: voz

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Habitualmente asociado a los pioneros de la música disco y techno, no sorprende que las sesudas enciclopedias de electrónica seria lo ignoren de manera escandalosa.

Italiano de nacimiento, alemán de adopción, Giorgio Moroder hizo algunos más que interesantes discos de prog-electrónica. Antes de convertirse en un oscarizado sintetista de alfombra roja, y pegar el pelotazo con Donna Summer y el sonido Múnich. Demostró tener la cabeza bien amueblada cuando uno de sus primeros pasos fue crear su propio sello, Oasis (posteriormente absorbido por Casablanca).

"Einzelganger" sería su quinto disco, totalmente inmerso (con excepciones) en el Dusseldorf sound. Utilizando el vocoder (voz+filtro electrónico = vocalización robotizada), exhaustivamente. Y mucho antes de ponerse de moda en los finales 70. De hecho, es un trasto inventado en los años 30. Aunque se le adelantó al amigo Moroder por los pelos, Kraftwerk un año antes, en su inmortal "Autobahn".

De ésta guisa comienza el tema-título, en una composición perfectamente asociada al naciente estilo de Ralf, Florian y compañía. Esto es, melodía vocal minimalista, arropada por un sinfín de sonidos analógicos provenientes de su inmenso arsenal, bajo un hilo conductor secuenciado.

Excelente entrante. "Aus" es el tema más extenso con sus casi siete minutos. Esto pudo ser autoría de los Tangerine Dream más celebrados, pues la rítmica secuencial y melodías de sintetizador parecen obra de Franke-Froese-Baumann. Puro progresivo electrónico teutón, imaginativo e ideado justo en el momento adecuado.

"Warum" es un "menos es más " típico de Moebius-Roedelius, con voz procesada en bonita y simple melodía. Inspiró a los próximos discos de Kraftwerk? Podría ser, aunque por esas fechas, "ese" sonido estaba en el ambiente vanguardista alemán. Así que quién sabe.

"Percussive" lo deja claro. Ejercicio secuencial a modo collage que no aburre por su constante metamorfosis rítmico -sonora.

La segunda cara se abre con "Good Old Germany". Voz nuevamente tratada con vocoder (siempre con impecables sonidos, para nada aburridos), y amplia cobertura analógica kraftwerkiana.

"Basslich" utiliza un bajo tocado por Moroder como instrumento secuencial, para guiar este pequeño experimento casi naif. Adjetivo éste muy común en el sonido Dusseldorf.

En donde continuamos con "Untergang", ejercicio de estilo que recuerda los planteamientos ciber-ambientales de Harmonia. Su bonita conclusión se adelanta al modo de hacer de un todavía desconocido Jarre.

"Liebes-Arie" utiliza sonidos novedosos (para 1975) que lo emparentan aquí claramente con el Vangelis más sinfónico. Este hombre tiene recursos para todo.

"Einzelganger (Reprise)" concluye a modo de epílogo un interesante disco que demuestra la validez artística de Moroder.

Más centrado posteriormente en labores de producción e ingeniería, aquí prueba ser un excelente sintetista, sin visos de comercialización, curiosamente. A eso le cogería el gusto, y de qué manera, en años venideros.

P.D.- "Cuando Brian Eno escuchó "I Feel Love" (de Giorgio Moroder / Donna Summer), inmediatamente comprendió que se trataba de la música del futuro". (DAVID BOWIE)

Temas

1 Einzelgänger 4:28

2 Aus (The End) 6:50

3 Warum (Why) 3:08

4 Percussiv 3:55

5 Good Old Germany 5:08

6 Basslich 2:51

7 Untergang (Ruin) 3:59

8 Liebes-Arie (Love Song) 4:45

9 Einzelgänger 1:54

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Papa Zoot Band fue un grupo alemán que supo combinar las influencias musicales procedentes de Inglaterra con sus propias raíces alemanas y la fuerte corriente krautrock que dominaba el panorama de este país en la década de los 70. Lamentablemente no editó ningún disco oficial solo disponemos de grabaciones realizadas en la radio y en alguno de sus conciertos.

El grupo se formó a finales de los 60 por obra y gracia de Ernst Nadler (Voz). Poco a poco su popularidad fue más allá de Frankfurt llegando a actuar junto a las bandas alemanas del momento como Guru Guru, Can, Creation etc. En el 73 consiguen grabar 4 temas en la radio alemana y un año más tarde actúan en un festival multitudinario en Essen. El grupo se separaría en otoño del 75. Posteriormente se volvieron a reunir en una fiesta en el 78 que fue inmortalizada en el "Papa Zoot (Frankfurt) Last Concert ".

Papa Zoot Band nos ofrecen un rock progresivo mezclado con elementos hard típicos de los 70. El disco nos muestra dos etapas del grupo. La primera, compuesta de cuatro temas, está grabada en la radio alemana (SWF) en 1.973, De esta parte el tema que destaca es sin duda " Songs From Back Home ", grande su bajista Robby Matthes y por supuesto las teclas (Hammond) de Reinhard Grohé. La segunda parte consta de seis temas grabados en el club "Bunker" de Frankfurt en dos años diferentes (73-74). En los tres últimos t podemos disfrutar de buenos solos de guitarra a cargo de Lutz Sommer, La culminación llega con "Fly Away", tema de más de 17 minutos que en todo momento nos recuerda a un grupo mítico ( seguro que lo adivináis). Atención al minuto 01:08:31 ¿que está sonando? Papa Zoot Band o el grupo que empieza por Pink y acaba por Floyd.

Temas

1 Driving High 00:00

2 Mr Good Society 03:36

3 Hear Me When I'm Crying 08:24

4 Songs From Back Home 13:26

5 All The Girls 22:21

6 Future In The Past 29:20

7 Song From Back Home 33:58

8 Can't Be Myself 43:47

9 Mr Good Society 52:21

10 Fly Away 57:48

Formación

Robby Matthes - bajo, voz (02,04,06,07,09,10).

- Reinhard "Tammy" Grohé - teclados

- Christian Engel - batería, voz (05,07,08,09).

- Lutz Sommer - guitarra (08,09,10)

- Ernst Nadler - voz (01,03).

- Jean Shy - voz (02,04).

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Con un nombre así pudiera parecer que estamos ante alumnos de los gigantes prog USA, Happy the Man, pero no. Aunque sí que procedían de unos grandes de dicho género, los inmensos Yezda Urfa. De los que tendremos que hablar por aquí, sí o sí. Tras dos joyas con éste nombre, "Boris" (1975) y "Sacred Baboon" (1976), y visitar más de 300 discográficas sin éxito, Yezda Urfa se desintegró. Aún intentarían un último esfuerzo como cover band. Patético canto del cisne para cualquier grupo de la categoría de éste.

Comenzando los 80, y viendo que eran malos tiempos para la lírica progresiva, crean su propio sello, Danger Dog Records y forman Crafty Hands tres de sus antiguos miembros: Phil Kimbrough (teclados), Rick Rodenbaugh (cantante solista extraordinario) y Mark Tippins (guitarras y bajo). Siendo el batería Denny Baker.

El estilo sigue siendo progresivo, pero adaptado a los nuevos tiempos. Dejan de lado las influencias Gentle Giant y los largos temas. Los nueve que compondrán para su homónimo debut del 82 no llegan a los cinco minutos. Eso no significa que éste no sea un bicho de venenoso progresivo disfrazado.

"Rush Hour", con su melódico jazz pomp, pasa por repertorio de Ambrosia, Player, Little River Band o Maxus. Bajo tremendo a la Squire y voz muy andersoniana. Perfecto.

"Wrong Again" sigue en territorio afirmativo era "Drama". O lo que hubiera sido XYZ si Squire y Page no fueran tan impacientes. El sólo de guitarra estremece, en medio de una ensalada pomp bien preparada.

La intro acústica de "You is Good" engaña en sus aires west Coast. A mitad torna en puro midwest con influencia de Yes-Queen-Starcastle. Bonito órgano y guitarras.

"Practical Gain" es otra bocanada de aire fresco softie. Con la inicial flauta de Kimbrough recordando a Firefall. Si los Doobie Brothers tuvieran un (oscuro) pasado prog, sonarían así. Los teclados hacen un trabajo sobrio, a la vez que preciosista. La sección rítmica es placer de dioses durante toda la grabación.

"Disc-O-Skitzo" es una quedada instrumental hacia la música que más daño les hizo en su anterior carrera. Le dan al funk-jazz ( banjo incluido!) consiguiendo un efecto similar a Weather Report. Verdadera clase.

En "Vodka Hell" atacan con rotundo hard rock pomp. Situate si te nombro el "Real to Reel" de Starcastle, o cualquiera de Zebra.

"Suicide Mountain" vuelve al jazzy feel AOR de excelente factura. Que hicieran magistralmente Boz Scaggs, Michael Franks o los mismos Toto. La guitarra de Tippens es puro Larry Carlton. Seguimos en la misma deliciosa guisa en "I, or You", que me recuerda poderosamente a HeadEast, (Crafty Hands son de Indiana), en su construcción y forma vocal. Teclados deudores de Tom Coster o Jan Hammer.

Finalizando con "Stage Fright", en subliminal estado bossa, y proximidad costa oeste. Cuenta con el solo de saxo del invitado Jeff Harbir. Clavado para un soleado disco de Pablo Cruise o Steely Dan.

Crafty Hands "elaboraron artesanalmente" un delicado álbum perfecto para las FM norteamericanas. Lo hicieron bien. Su estilo se comercializó por el mejor lado posible. Siempre íntegros con su compromiso de calidad. Que siguiera sin darles éxito ya no dependía de ellos. Échale la culpa al karma, voodoo, mal de ojo, o que entre sus integrantes había un gafe de cojones. Porque a éste disco, como los de Yezda Urfa, no se les puede poner peros. El consuelo de tontos es que esto mismo pasó en multitud de situaciones y bandas parecidas. Parece que construían discos para que el mercado coleccionista pudiera especular a gusto con ellos. En este caso, de 100 dólares en adelante. Con Yezda Urfa, más.Ç'est la vie.

Temas

1. Rush Hour. 4:02

2. Wrong Again. 3:08

3. You Is Good. 3:37

4. Practical Gain. 4:24

5. Disc-O-Skitzo. 3:18

6. Vodka Hell. 4:02

7. Suicide Mountain. 4:03

8. I, or You. 3:47

9. Stage Fright. 4:37

Formación:

Mark Tippins: guitarras

Phil Kimbrough: teclados

Rick Rodenbaugh: voz

Denny Baker: batería

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Grupo de difícil clasificación y como en muchos casos con una escasa discografía que se limita a dos trabajos únicos: el mini álbum Frac (2002) y Never Act (2003).

Suelen clasificarlos como metal progresivo (¿?). Yo no estoy muy de acuerdo. Es cierto que el guitarrista apunta esas maneras de trastear tan típicas del subgénero, pero si escuchas al teclista y el desarrollo global de las composiciones, resulta que la cosa se me antoja bastante más progresiva-sinfónica y si me apuras muy en onda tipo UK hacia fusiones jazz-rock.

Es costumbre actualmente a clasificar todo lo que suene rápido y potente como “metal progresivo” o “power metal sinfónico” etiqueta esta última que suena mal al oído.

Freewill son una banda interesante que precisan de varias escuchas , pues el caudal sonoro a veces oculta partes a priori inapreciables y pasajes realmente excelentes.

Freewill - Never Act (2003)

Temas

1.- The Entrance 1:43

2.- Izanai 8:38

3.- Fortress 2:33

4.- The Almighty God 3:03

5.- Maelstrom 4:08

6.- Law 6:38

7.- Kaff 15:18

8.- Cave 9:14

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Después del incidente sufrido en diciembre de 1971 en el Rainbow londinense, Zappa pasó una temporada en una silla de ruedas. En ese tiempo que ocupó gran parte del año 1972, grabó esas dos joyas que son The Grand Wazoo y Waka/Jawaka para formato de Big Band.

Una vez recuperado y sabiendo todos que fue un culo-inquieto, se lanzó de nuevo a los escenarios para presentar en vivo dichas obras y sus nuevas composiciones. No menos de 20 músicos le acompañarían esta vez en los escenarios con una nutrida sección de viento, aunque ya a finales del mismo año reduciría la banda a la mitad con la denominación “Petit Wazoo”.

No hubo desgraciadamente grabaciones oficiales editadas en su época de este evento y sí, es cierto que algunas grabaciones piratas circularon por el mercado pero con un sonido pésimo para frustración de los fans y adeptos que soñaban con un buen live que reflejase aquellas espectaculares y vibrantes composiciones de los discos mencionados. Wazoo fue editado en formato doble CD en 2007, sacado por su familia como la mayoría de sus discos póstumos. Como reza el refrán nunca es tarde si la dicha es buena porque éste es uno de los imprescindibles.

Encontramos en estas grabaciones la quintaesencia de la música instrumental del genio de Baltimore en dos bloques muy interesantes: el primer CD contiene tres largas composiciones: The Grand Wazoo, Approximate, y la fantástica Big Swifty. Todas con gran despliegue y pasajes instrumentales de gran calibre. El segundo CD y salvo tres breves composiciones, ocupa 32 minutos de las Aventuras de Greggery Peccary subdividida a su vez en cuatro movimientos, muy diferentes de la posterior versión aparecida en el LP Studio Tan en 1979 donde había demasiados diálogos.

Wazoo es un delirio jazzístico que mezcla la fusión, el jazz rock y la música de vanguardia, en una amalgama de impresionantes solos e improvisaciones. Una especie de versión avandgarde en la tradición de las clásicas Big Bands a lo Duke Ellington o Count Bassie, pero sin el sabor clásico del jazz puro, previsible o standard. También encontramos líneas de rock o perfiles de música clásica.

Este es mi Zappa favorito, el que aparca la broma, los chistes y el cachondeo satírico para adentrarse en la música pura, donde se percibe a las claras la facilidad para la composición y la inventiva que poseía este hombre. No hay excusa posible para prescindir de éste gran trabajo. De los mejores sin duda.

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Costa Blanca fue un grupo alicantino de mediados de los 70 formado por Napi Carratalá (guitarra), Pedro Barceló (batería), Alain Fabrizio (saxos alto y tenor) y Chiqui Navarret (bajo).

En 1.977 consiguen editar su único disco, "Viaje a Prantia", en la discográfica independiente Aphrodita. La promoción de la grabación fue inexistente. A pesar de ello realizan multitud de actuaciones y participan en diversos festivales junto a los grupos de moda del momento, Iceberg, Guadalquivir, Triana, Miguel Rios, Leño, Neuronium, etc. En 1979 Napi Carratalá se integra en Mediterraneo y el grupo se disuelve. Pedro Barceló estaría junto a la Orquesta Mondragón, Los Coyotes, La Barbería del Sur, Miguel Rios, Serrat , Joaquín Sabina, etc.

"Viaje a Prantia" contiene 5 temas de corte fundamentalmente jazz rockero fusión. El disco se inicia con el tema de más de 10 minutos que da título al disco y donde el saxofonista francés Alain Fabrizio es el dueño y señor. La segunda composición, "El Barón De Fimestrad", nos muestra un destacado diálogo entre la guitarra de Napi Carratalá y la sección de vientos. La cara B se abre con "El Caminito Que No Mola", el tema más largo del disco (14:23) y que sirve para el lucimiento de su jovencísimo batería, Pedro Barceló, con un solo de casi ocho minutos. "Tijal" contiene claras referencias a un mítico bajista, Jaco Pastorius. La grabación se cierra con "Cuando El Coco Se Viste De Gris" continuando en la buena línea jazz rockera del resto del disco. En definitiva un magnífico trabajo.

Temas

A1 Viaje A Prantia 00:00

A2 El Barón De Fimestrad 10:17

B1 El Caminito Que No Mola 19:38

B2 Tijal 33:52

B3 Cuando El Coco Se Viste De Gris 39:44

Formación

Chiki Navarret: bajo

Pedro Barceló: batería

Napi Carratalá: guitarra

Alain Fabrizio: saxo

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Genesis vuelve a las páginas de Rockliquias. Lo cierto es que no lo puedo evitar, esta banda fue una de mis favoritas durante los primeros años de mi andadura musical. En aquella época su música, sobre todo la de sus primeros discos, sonaba sin parar en mi habitación. Hoy recordaremos una de sus mejores etapas, la del tour de "Selling England by the Pound".

En Agosto de 1973 el grupo edita "Selling England by the Pound", uno de sus disco más representativos y donde por primera vez Phill Collins canta en un tema, "More Fool Me". Inician la gira de presentación el 19 de Septiembre y recorren Reino Unido, Europa y Norteamérica durante 8 meses para finalizar en los conciertos celebrados en Nueva York en la Academia de música.

La grabación presenta el primero de los conciertos de Genesis en la Academia de música de Nueva York el 4 de Mayo de 1.974. La banda tenía previsto finalizar la gira de presentación de su "Selling England by the Pound", realizando tres conciertos los días 4,5 y 6 de Mayo pero hubo que modificar sus planes debido a que les robaron parte del equipo. Por ello la actuación del día 5 fue anulada y el día 6 tuvieron programa doble. El concierto nos presenta a unos Genesis en su mejor momento con un Peter Gabriel radiante en el tratamiento de los temas y en sus diálogos entre temas, apoyado en todo momento por Phill Collins. El Setlist lo compone gran parte del "Selling..." completado con algunos de los temas más emblemáticos de la banda, "Musical Box", "Watcher Of The Skies ", "Horizonts" y por supuesto "Supper's Ready ", que ya no lo volverían a tocar en sus giras posteriores. Otro detalle es que podemos escuchar la introducción en piano del tema "Firth Of Fifth", Tony Banks ya no la volvería a tocar dada su dificultad. El sonido es muy bueno aunque la guitarra de Steve Hackett se pierde un poco.

Temas

00:00 Watcher Of The Skies 8:12

08:12 Britannia Story 2:26

10:38 One Handed Drum Solo 1:52

12:30 Dancing With The Moonlit Knight 8:37

21:07 Romeo Story 2:09

23:16 The Cinema Show 10:56

34:12 I Know What I Like 6:13

40:25 5 Rivers Story 2:39

43:04 Firth Of Fifth 9:51

52:55 Henry Story 3:07

56:02 "Some In Betweens Phil..." 1:21

57:23 The Musical Box 10:46

1:08:09 Horizons 2:16

1:10:25 The Battle Of Epping Forest 12:24

1:22:49 Old Michael Story 3:25

1:26:14 Supper's Ready 25:44

Formación

Tony Banks: teclados

Phil Collins: batería

Peter Gabriel: voz principal, flauta,

Steve Hackett: guitarra

Mike Rutherford: bajo, guitarra de doce cuerdas y coros.

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Considerado pionero de la música concreta y electrónica, Pierre Henry comenzó a experimentar con sonido a la edad de 15 años. Estudió con Olivier Messiaen en el Conservatorio de París. Y trabajó en el Club d'Essai con Pierre Schaeffer. De ésta relación saldría su primer disco, "Symphonie pour un homme seul " (1950). Todo un sintetista de batuta.

Por otro lado, Spooky Tooth comenzaron como Art en 1967, editando "Supernatural Fairy Tales". Ya con su nombre más conocido, apareció "Spooky Two" (1969), y en el mismo año, "Ceremony". No guarda Gary Wright, su organista, un buen recuerdo de éste disco. Según él fueron engañados por la discográfica, que los contrató como músicos para un proyecto de Pierre Henry, lo que vieron bien. Pero luego salió editado como álbum propio del grupo, con lo que se cargaron su carrera. Siempre en palabras de Wright.

La verdad es que en la portada puede leerse bien claramente : "Escrito por Pierre Henry y Gary Wright". Si hubiera sido un simple acompañante , no habría sido acreditado de manera tan resaltable.

Greg Ridley (bajista luego famoso con Humble Pie). Mike Kellie (batería ). Mike Harrison (cantante). Luther Grosvenor (guitarra, luego conocido como Ariel Bender con Mott the Hoople). Y el referido Wright al órgano, conformaban la formación de Spooky Tooth.

La temática religiosa -" An Electronic Mass"-, se diluye en aromas psych, prog recién nacido, arrebatos hard rock y los extraños sonidos de los aparatos manipulados por Pierre Henry. Fue éste un disco muy celebrado en los ambientes hippie intelectuales. Al igual que "Messe pour le temps present" (1967) del propio Pierre Henry.

Recuerdo una exposición del Grupo Forma, comuna de artes plásticas jipiosa de Zaragoza, de donde saldrían brillantes pintores. En ella se exponían discos de Soft Machine, Miles Davis, Pink Floyd y el que nos ocupa, como ejemplos de material que influyó ambientalmente en su obra de aquellos días.

Los momentos rockeros, viciados por los sonidos de la musique concrete, y otros ambientales de exquisita marcianez, hacen de éste álbum todo un soberbio exponente de puro proto-kraut. Hecho por un grupo inglés y un compositor francés. Personalmente creo que la discográfica no se equivocó (cosa rara, pero andaban buscando sus propios Pink Floyd), y Spooky Tooth aportó uno de los mejores discos de su carrera.

Temas

1.-"Confession"– 00:00

2.-"Have Mercy"– 07:04

3.-"Credo"– 14:59

4.-"Offering"– 23:25

5.-"Hosanna"– 26:56

6.-"Prayer"– 34:34

Formación

Pierre Henry – sintetizadores

Gary Wright – voz, teclados

Luther Grosvenor – guitarra

Mike Harrison – voz, teclados

Mike Kellie – batería

Andy Leigh –bajo

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Whiskey Howl fueron una banda canadiense pionera tocando blues en su país. Reconozco tener cierta debilidad por los grupos canadienses, será por que algunos de ellos están en mi lista de favoritos.

La banda se formó a finales de los 60 en Toronto. John Witmer (voz), Peter Boyko (guitarra), Gary Penner (bajo), John ( "BJ") Bjarnason (armónica) y Ron Sullivan (batería) constituían la alineación inicial. Tuvieron la oportunidad de abrir para Led Zeppelin, Paul Butterfield Blues Band , Johnny Winter , Big Mama Thornton , Screaming Lord Sutch , Elvin Jones , Chuck Berry , BB King, etc. En 1972 graban su único disco, "Whiskey Howl", con tan solo John Witmer como miembro fundador. La grabación fue producida por Johnny Sandlin (Allman Brothers Band) y colaboró tocando los teclados, Chuck Leavell, miembro de los ABB. Ese mismo año se separarían. posteriormente volvieron a reunirse en diversas ocasiones.

Whiskey Howl nos presentan diez blues con una gran variedad de ritmos. En algunos de los temas podemos encontrar la colaboración de una sección de viento, "Caledonia"o "Early In The Morning ", puede ser un buen ejemplo. También se atreven con el famoso "Mother Earth" de Memphis Slim, el resultado es excelente. La colaboración de Chuck Leavell ( The Allman Brothers Band, Eric Clapton, Rolling Stones) es vital en uno de los temas estrella, "Pullin' The Midnight ". Prueba de la versatilidad del grupo es "Rock Island Line", cantado a "capella", o "Jessie's Song", el blues-folk, que cierra la grabación. En definitiva un disco redondo.

Temas

Caledonia 00:00

Early In The Morning 02:16

Mother Earth 06:16

Rock Island Line 11:55

Down The Line 13:40

Let The Good Times Roll 16:10

One Hot Lady 19:19

Pullin' The Midnight 22:27

I'm Not Talkin' 28:02

Jessie's Song 30:50

Formación

John Witmer - Voz

Michael Pickett - armónica, Voz

Richard Fruchtman - bajo, voz

David Morrison - guitarra, voz

Wayne Wilson - Batería

Con

Chuck Leavell - Piano

Phil Alpertson - Alto Saxo

Woodwar de Dave - Tenor Saxo

Keith Jollimore - saxofón barítono

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Las inmensas y desoladas praderas del midwest USA. O sea, en el medio de la nada. Tuvieron un tremendo efecto en las bandas de la séptima década del siglo XX. Asumían el prog o la ya lejana psicodelia, pero a su manera. Le daban su rural feel, Southern flavour o toque garrulo, que los hacía encantadores. Sobretodo a los combos que se autopagaban su disco con un par, vendiendolo en actuaciones. Discos que directamente han ido al panteón de Holy Grails para coleccionista, vía el oráculo de las guías Pokora (como las Michelín, pero en discos caros).

Sin ir más lejos el único disco de Skyeros, banda de Missouri, y su prensaje privado valorado en la actualidad entre los 200-300 pavos. Lo jodido del asunto es que, en la mayoría de los casos, se trataban de pequeñas y anónimas obras de arte. Que en esto de los discos imposibles, (o posibles con "posibles"), hay también mucho mondongo.

Skyeros era un quinteto formado por su cantante / teclista, Rodney McCarron (que tiene su guasa, el apellido). Los dos guitarristas eran John Danielley y Bill Sikes. Karl Lawson en la batería y voz. Y Steve Wright al bajo y voz.

El disco fue grabado en los Golden Voice Studios de Illinois. Punto de cita de grabaciones históricas para eminencias del prog/hard midwest: Pentwater, Starcastle, Styx o HeadEast.

"Daily Dreams" (6'00) es el perfecto ejemplo de cómo fusionar en alquimia perfecta, rock progresivo y sureño. Como si Rick Wakeman fuera un redneck montavacas, votante de SuperTrump. O los Allman llevarán bastón y bombín , paseando entre la niebla del soho londinense. Las guitarras andan cerca de Toy Caldwell y George McCorkle (Marshall Tucker Band). Sin embargo, esto lleva suficientes cambios y efectos para ser denominado sin titubear, prog rock.

Lo mismo podemos decir de "Don't Give me no Alibis" (7'00).

Donde sus armonías vocales maravillosas pertenecen al género rey del country rock. Pero no su instrumentación. Llena de dual guitar solos extraordinarios, exhibiciones brillantes de Hammond y Minimoog a lo Wakeman / Roger Boyd (HeadEast), o cómplices y astutos entramados rítmicos de casi jazz rock.

"Searchin' / With or Without you" (4'37), ya cambiando el lado, reúne adn de Sea Level y primeros Styx.

"Homecoming" (3'37) cabalga gozosa por la senda salvaje de la Pure Prairie League y The Outlaws. En la más purista de las piezas de corte sureño.

"August-Suite in Time" (15'00) posee una fuerte reminiscencia Wishbone Ash en armonías vocales y cristalinas guitarras. Además de ser la de más raigambre progresiva, sin adulteraciones, y con fuerte carácter british. Aderezo de implacable marcaje Hammond, sobre scalextric solístico de parlanchinas guitarras. Variados ambientes desembocan en sintes de cuerda como fondo de un trabajo guitarrero MAESTRO. Aquí las referencias van más por Barclay James Harvest, Fantasy o England. Terminando en un clímax órgano / guitarra de elevada intensidad sinfo-progresiva.

Álbum de sobresaliente claro y que depara muchas escuchas felices. Ponlo al lado de Ashbury.

Temas

1 Daily Dreams 05:44

2 Don't Give Me No Alibis 03:14

3 Searchin' 04:02

4 With Or Without You 04:36

5 Homecoming 02:50

6 August-Suite In Time 14:31

Formación

John Danieley: guitarra

Rodney McCarron: teclados, voz

Bill Sikes: guitarra

Karl Lawson: Batería, voz

Steve Wright: voz, bajo

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Banda de clara orientación “retro prog” muy influenciada por los sonidos de los primeros 70’s con cantidad de mellotrón y sintes analógicos, guitarra muy distorsionada y voz femenina algo discretita.

Suenan un poco a los primeros discos de King Crimson y algo a la época del Red. Incluso me atrevería a decir que se han escuchado a los Greenslade y de pasada a EL&P. El sonido es bastante espeso y ligeramente hard rockero por momentos. Son músicos muy jóvenes y se les nota que están muy interesados en los albores del estilo.

Tienen dos discos que no están nada mal: Hadootoko (2003) y Momijigari (2005) que contiene una atractiva suite de 17mts.

Hadootoko (2003)

Temas

Hakootoko Part I (30:48)

1. Introduction (1:43)

2. Hakai (2:44)

3. Hakoniwa-no-hitsujitashi (5:19)

4. Yami-ni-ugomeku (1:37)

5. Karabako Part I (2:53)

6. Kyouki-eno-bolero (2:59)

7. Karabako Part II (4:25)

8. Bannen (9:08)

Hakootoko Part II (22:52)

9. Douke-no-hana Part I (5:05)

10. Douke-no-hana Part II (1:55)

11. Karabako Part III (4:54)

12. Misshiri (6:38)

13. Jujitsu-suru-koushin (1:21)

14. Hitan-no-hono (2:59)

Momijigari (2005)

Temas

1. Momijigari (17:18)

2. Higansugimade (5:35)

3. Rvokiranman (9:48)

Formación:

Daichi Takagi / guitarra, teclados, voz

- Makiko Kusunoki /teclados, voz

- Takehiro Kojma / bajo

- Kenta Anasuma / batería, voz

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Este documento es único. Son las madres del Overnite Sensation y único documento oficial en vivo con el violinista francés Jean-luc Ponty. Antes de pasar a los famosos conciertos del Roxy yo me preguntaba porque tuvimos que conformarnos con piratadas, algunas buenas como la de Melbourne o Sydney del 73, y no le dio al amigo Frank por sacar un álbum en condiciones de aquella fantástica gira.

Tarde, pero bienvenido, llega esta extraordinaria grabación. A Zappa lo debían querer mucho los finlandeses, porque no fue el único concierto por esos lares, de hecho el famoso solo de guitarra de Inca Roads fue grabado en esa localidad. Este concierto que presentamos editado en 2013 es la quintaesencia de su época jazz-rock y no tiene desperdicio. Ponty tenía un ego muy marcado y hay anécdotas de que Zappa lo ataba en corto. Ponty gustaba de repetir espectacularidades al violín que arrancaban el aplauso de la gente y si la cosa salía bien, volvía a dar el cante al pase siguiente. Conociendo a Frank le paraba el circo con un cortante:…”como mañana lo vuelvas a hacer te largas” Mal rollito que no sentaba muy bien al francés, así que a los pocos meses el violinista efectivamente se largó. Son famosas las desavenencias de Zappa con muchos de sus músicos a lo largo de su carrera. Convivir con un dictador musical no es nada fácil salvo que lo consideres tu maestro y genio. Los Mothers de 1973, no obstante, sonaban como una máquina perfecta de hacer música con temas enrevesados y difíciles que Frank controlaba al milímetro.

La audición de este doble CD es un placer completo. Pasa raudo, sin aburrimientos ni coñazos hablados como en la época del Flo and Eddie. Es música en toda su extensión y aquí puedes disfrutar de intervenciones solistas de un nivel poco alcanzable para el resto de los músicos normales. Si te gustan los teclados George Duke está aquí en plenitud de facultades y es realmente una pasada como diríamos los progres de la época. Ponty es un tipo impresionante al violín y la sección de viento entre Ian Underwood y Bruce Fowler no tiene precio. Las percusiones entre Ralph Humphrey y la académica Ruth Underwood rozan la perfección.

Adjetivos positivos no le faltan a ésta referencia y archivo histórico y en cuanto al programa están todas las grandes composiciones que uno quiere escuchar: la imprescindible Dog Breath, RDNZL, Dupree´s Paradise, Village of the Sun, Montana, Big Swifty, o la suite Father Oblivion. En definitiva el Zappa fundamental en su mejor época y que se iba a extender en los dos siguientes años.

Temas

1. Introcious 5:18

2. The Eric Dolphy Memorial Barbecue 1:07

3. Kung Fu 1:11

4. Penguin In Bondage 4:07

5. Exercise #4 1:58

6. Dog Breath 1:36

7. The Dog Breath Variations 1:30

8. Uncle Meat 2:27

9. RDNZL 6:17

10. Montana 7:02

11. Your Teeth And Your Shoulders And Sometimes Your Foot Goes Like This . . . /Pojama Prelude 10:14

12. Dupree's Paradise 15:55

13. All Skate/Dun-Dun-Dun (The Finnish Hit Single) 14:10

Temas

1.Village of the Sun 00:00

2.Echidna's Arf (Of You) 05:40

3.Don't You Ever Wash That Thing? 10:02

4.Big Swifty 21:26

5.Father O'Blivion 35:40

6.Brown Shoes Don't Make It 58:59

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Este es uno de esos discos que a lo "somarda" (que se dice por mi tierra), o sea, como el que no quiere la cosa, se ha colocado en las listas de buscados dentro del prog español. Difícil de encontrar y ya con tasación alta, un pequeño sello japonés lo reedito en digipack hace unos años. Supongo que ya también de dudosa localización.

A pesar de su tardana edición, no se deshace de su herencia laietana. Aunque la enriquece más si cabe con pinceladas prog, sinfo y canterburyanas. Como curiosidad, decir que fue editado por Apolo / AVE (AudioVisualesEvangelicos). Y cuenta con textos explicativos de cada tema en la hoja interior, de clara influencia cristiana. A pesar de ser un grupo instrumental. Para mí que éstos tíos se las ingeniaron para que les editara el disco el clero, con vaya usted a saber qué artimañas....O igual eran de misa de 12, que todo pudiera ser. La cuestión es que Luis García y Joan Ramos (guitarras), Jaume Montcusi (teclados), Joan M. Grimau (batería ) y Jordi Papaseit (bajo), facturaron una pequeña y única joya que desafía el devenir de los tiempos.

"Papallones i Elefants" (11'07) desborda belleza y lirismo sinfónico en su ejecución melódica. The Enid o PFM son buenas guías para describirla. Algo que sorprende de primeras, en una jazz fusión band. La finura de las guitarras es comparable a Santi Picó, Al Di Meola o hasta Steve Hackett, si me apuras. A mitad toman un cambio más jazzistico, lleno de groove y sorpresas. Los solos de minimoog de Montcusi, así como su labor pianistica, es excepcional. Aquí ya están en pura línea Iceberg, con una superlativa sección rítmica.

"Un Joc als cinc anys " (6'23) torna al jazz rock aflamencado de CAI , Guadalquivir o la misma banda de Máx Suñe, cuando éstos se ponían de índole sureña. Fuerza narrativa y excelente desarrollo melódico instrumental. Todo perfectamente planeado.

"Pel a Pel per al proxim dia" (9'20) tiene la impronta Canterbury. O sus derivados salidos de la factoría Cuneiform : In Cahoots, Phil Miller o Pip Pyle's Bash!, por ejemplo. El sólo de guitarra se disfraza de Bob Fripp para la ocasión. Extraordinario tema.

"Morir per Viure" (13'23) abre la cara b, en una composición del guitarra Luis García. Siendo todas las demás escritas por el teclista. Aquí el progresivo no admite concesiones. Piano soberbio casi emersoniano, y un ferrocarril rítmico embelesante. Podría venir firmada por Happy the Man, pero no, estos son catalanes. La guitarra y teclados arrasan en sabiduría y carga energética. Esto es buenísimo.

Por último "El Reflex del teu Mirall" (13'11), es otro tour de force de prog jazz a nivel desproporcionado. Lleno de cambios inesperados, intervenciones afortunadas y experimentos melódicos para todos los gustos.

Un crisol de tantos colores como la magnífica portada del disco. Un álbum que cuenta con gran respeto dentro de la comunidad internacional.

Nada más se supo de Metamorfosis. Tan sólo conocemos los pasos de su teclista y principal compositor, Jaume Montcusi. Quien montó los Entrepins Estudios en Tarragona. Además de ofrecer sus servicios a las teclas y como tecnico de sonido, en el debut de los neo prog de Salou, Dr. No, y su "El Bufo de la Cort".

Metamorfosis debieron aparecer unos años antes para su pleno reconocimiento. Queda un discazo para la posteridad, que no es poca cosa, señores.

Temas

1. Papallones i Elefants (0:00)

2. Un Joc Als Cinc Anys (11:06)

3. Pel a Pel per al Proxim Dia (17:29)

4. Morir per Viure (26:53)

5. El Reflex Del Teu Mirall (40:22)

Formación

Luis García - guitarra

Joan M. Grimau - batería

Jaume Montcusí - teclados

Jordi Papaseit - bajo

Joan Ramos - guitarra

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Rory Gallagher ocupa un puesto de honor, por derecho propio dentro de las leyendas del rock. Sus conciertos emanaban fuerza blusera y honestidad personal. Hoy recordaremos una de sus actuaciones con la banda Taste en 1970.

En 1970 los Taste ya tenían editados dos discos: Taste (1969) y On the Boards, editado en enero de ese año. La banda se embarcaba en una extensa gira que incluía su actuación en el Festival de la Isla de Wight y que concluiría con la separación del grupo a finales de año. Su última actuación la dieron en la Universidad de Queens en Belfast.

La grabación nos presenta la actuación de Taste en el Stadhalle Basel, Suiza, el 1 de febrero de 1970. Acababan de editar su segundo disco, "On the Boards" por ello su setlist incluye cinco temas de este disco ("Morning Sun", "I'll Remember", "Eat My Words", "Railway And Gun"y "What's Going On") y tres de su primer LP ( "Sugar Mama", "Catfish" y "Same Old Story"). La actuación se completa con los standard blues, "I Feel So Good", " Walkin' blues" con un Rory haciendo gala de su buen hacer con el "slide", y "Pontianc Blues" con el que finalizan el concierto. La personalidad y fuerza de Rory lo llena todo, sus compañeros de viaje Richard McCracken (bajo) y John Wilson (batería) intentar abrirse un hueco en temas como "I Feel So Good" pero son arrollados por las notas de Gallagher. Un documento histórico con un sonido más que decente que nos hará disfrutar un buen momento de la fuerza del blues.

Temas

1 Morning Sun 00:00

2 Sugar Mama 04:38

3 I'll Remember 11:35

4 Walkin' Blues 19:36

5 Eat My Words 24:30

6 Railway And Gun 35:13

7 I Feel So Good 39:28

8 What's Going On 48:13

9 Catfish / I Just Want To Make Love To You / Catfish 54:35

10 Same Old Story 01:07:25

11 Pontiac Blues (Same Old Story) 01:12:30

Formación:

Rory Gallagher: voz, guitarra, armónica

Richard McCracken: bajo

John Wilson; batería

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Recientemente tuve una conversación, (no llegó a discusión porque yo no quise), con un conocido. Me tiraba por tierra los bootlegs con manidas y pobres excusas. En otro tiempo me lo hubiera comido con patatas. No sé si es la edad o que cada vez soy más pasota. O las dos cosas.

La cuestión es que pensé "él se los pierde", y me olvidé del tema. Porque ignorar joyas como este bootleg de Can, es autolimitarse, y perder otro de esos placeres que nos ofrece la vida. Can nunca fueron una banda electrónica per se. La suma de sus miembros los convertían en la mayor máquina surrealista del universo kraut. Además, con Irmin Schmidt (órgano mayormente, otros cachivaches ) y Holger Czukay (bajo y qué sé yo!) como alumnos de Karl-Heinz Stockhausen, pocas referencias más hacen falta para incluirlos aquí. Jaki Libezeit, el metronomo humano, venía del campo salvaje del free jazz, y no sólo con la batería, también con la trompeta y flauta. Por último Michael Karoli era el guitarrista, el más rockero , enamorado de las psych bands West Coast y de Jimi Hendrix. Los cuatro formaban un tándem pluscuamperfecto. Tuvieron excéntricos cantantes (o así) como Malcolm Mooney o el alien Damo Suzuki. Y más adelante, con su apertura estilística llevada hacia algo parecido a la world music, hasta a un par de miembros de Traffic.

Este pirata pertenece a la especialista japonesa en estos menesteres, BB Records. La cual se caracteriza por editar todos sus lanzamientos en ediciones limitadas de 500 copias en vinilo y fundas transparentes. Editado en 2012 en formato doble, se trata de una grabación del 76.

Contaron a las voces con el indonesio Thaiga Raj Raja Ratman. Poco quehacer tiene, pues en esencia se trata de música instrumental, donde la improvisación se adueña del oyente desde el comienzo de "Citrus" (9'31). La magia de Can es que nadie diría que improvisan. Lo difícil lo hacen facilísimo, Y con pasmosa naturalidad. Luego está su atemporalidad. Escuchando "Red Hot Indians" (12'28) se diría que se grabó ayer. No pasa el tiempo para sus progresiones cíclicas, de incandescente motorik, y flirteos rock -vanguardistas. Aquí, el orden de los factores SÍ altera el producto.

La cara b comienza con "Dizzy Dizzy" (7'34), en un vortice rítmico que hipnotiza, zombificando al incauto que se deje atrapar en su maraña sónica. Cada instrumento es un mundo por sí sólo. En "Chain Reaction" (13' 05), Schmidt demuestra que nunca necesitó mucho arsenal teclistico para teletransportamos a sus mundos imposibles. Su sentido del ambiente asusta. Y la jam se convierte en un agujero negro donde adentrarse plácidamente. Paladeando cada uno de sus incontables recursos.

Comenzamos la cara c con "One More Saturday Night" (9'14), donde se oye un repentino rebote de la audiencia. Uno se pregunta si se deberá a una visita inesperada de los uniformados, algo muy habitual por entonces. Enseguida vuelve todo a la anormalidad, porque en un concierto de Can es lo que procede.

"Vernal Equinox " cierra la cara. Forma parte de la macro jam compuesta por ese tema, y los que configuran la cara d, "More Spree" y "Vitamin C". En total 33'08 mts de taladrada mental a base de mantra cósmico. Karoli saca su ferocidad heredada de deidades guitarreras de San Francisco, dícese de John Cipollina o Randy California. Una gozada. El sonido, como todas las ediciones de éste sello, es espectacular. Antes de que Can se convirtiera en referente del gafapastismo hipsteriano, ignoro porqué , eran un serio grupo donde todos sus discos tienen un cometido. Fases destacadas en su evolución. Para éstos "sesudos" sabiondos, su disco de 1976, "Flow Motion" ya pertenece a su "declive" . Escucha esto y me cuentas donde está tal . Maravilloso documento de obligada escucha. Eso si no le haces ascos a los bootleg, que hay por ahí cada rarito que flipas!!!

P.D.- "Si ser político es estar contra una jerarquía, somos un grupo político. Porque no tenemos jerarquía de valores". (IRMIN SCHMIDT)

Temas

1. Intro 00:00

2. Citrus 0:16

3. Red Hot Indians 09:47

4. Dizzy Dizzy 22:16

5. Entr'acte 29:50

6. Chain Reaction 30:05

7. One More Night 43:11

8. Vernal Equinox, More Spree & Vitamin C 52:36

Formación:

Holger Czukay - bajo

Michael Karoli - guitarra

Jaki Liebezeit - batería

Irmin Schmidt - teclados

Thaiga Raj Raja Ratnam - voz

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No solo los italianos fueron una potencia dentro del rock progresivo de los 70, Francia también tuvo un buen número de bandas con una gran calidad. Lamentablemente algunas de ellas no llegaron a coger el tren a tiempo y se quedaron en el olvido. Una buena muestra son Acanthe.

La banda procedía de Grenoble y estaba compuesta por Frederic Leoz (voz, teclados, guitarra), Michel Gervasoni (guitarra ), Cristiano Gendry (bajo) y Pierre Chorier (batería). Estuvieron realizando actuaciones desde 1973 hasta 1977 e incluso realizaron alguna grabación que no llegó a ver la luz.

Hay que agradecer al pequeño sello Musea el rescate de las grabaciones que tenía Frederic Leoz, uno de los miembros de la banda, casi perdidas en su casa. La música que desarrolla Acanthe es un elegante progresivo muy en la línea de Pink Floyd o sobre todo Camel. Temas no muy largos con pasajes instrumentales donde destacan los riffs de Michel Gervasoni, emulando a Andrew Latimer, acompañado en todo momento por los hetereos teclados de Frederic Leoz. El grupo combina temas instrumentales con otros cantados en francés e inglés. Todas las composiciones tienen como autor a su teclista Frederic Leoz excepto "Meg Merriles", basada en una obra del poeta John Keats. Tema destacado sin duda, "Touch The Sun".

Temas

1 Someone Somewhere 00:00

2 Objet De Cire 07:53

3 Meg Merrilies 13:18

4 Touch The Sun 20:24

5 Suspension 26:50

6 Univers Insensé 32:13

7 Oiseau De Feu 37:00

8 The Old World Death 44:08

9 Riding Earth 52:17

Formación

Frederic Leoz - voz; teclados; guitarra

Michel Gervasoni - guitarra

Cristiano Gendry - bajo

Pierre Chorier - batería

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Volvemos hoy al feliz underground de primeros 70 en Dinamarca. Paraíso hippie de libertades impensables para nuestro país. Copenhague fue la ciudad que vio formarse a Thors Hammer en 1969. A la estela de otros combos similares de aquellas tierras, como Burning Red Ivanhoe, Blast Furnace o Rainbow Band / Midnight Sun, éstos recientemente comentados en Rockliquias.

Efectivamente, el estilo de Thors Hammer circulaba por derroteros similares. Agitando la coctelera con ingredientes jazz, rock, progresivo y rhythm'n'blues. La propuesta vocal debe del primer Ian Anderson en los Jethro Tull más blueseros. Obra del excelente cantante, Peter Nielsen. Henrik Langkilde cubría todo desde su órgano, y a veces piano. Simón Koppel y Henrik Bodtcher son piezas fundamentales en batería y bajo respectivos. Mientras que los solos eran repartidos para el guitarrista Michael Bruun y el saxo Jesper Neehammer.

En el 71 editan su único álbum para el sello Metronome. Un homónimo debut celebrado con posterioridad por el mercado coleccionista. Que tras unas cuántas reediciones piratas, es editado oficialmente por los alemanes Garden of Delights.

"México " (6'21) es la mutación genético -musical perfecta de Colosseum y Jethro Tull, en perfecta apertura del álbum. Hammond a la Greenslade, guitarra hard blues tan profesional como la de Clem Clempson o Mick Abrahams, y un saxo que recuerda poderosamente (en todo el disco) a Dick Heckstall-Smith. El tema enlaza espectacularmente con la guitarra de Michael Bruun para entrar en "Not Worth Saying" (13'05). Se desarrolla por entramados rítmicos derivados de Santana u Osibisa, para seguir con una exhibición de batería digna de Jon Hiseman. La resolución torna a bonito fin tulliano.

Dando la vuelta a la placa, "Blind Gypsy Woman" (5'02) entra dentro del hard rock por sus aplastantes ritmos, organada galore y guitarra desbocada a lo Uriah Heep en "Salisbury" era. La energía no para en "Believe in what you want" (9'03), donde la sección rítmica es efusiva, (como una jam entre Squire y Bruford!), y Nielsen entra como un juglar "aqualung". La tensión instrumental es otra vez inmensa. Bruun inflama su guitarra y provoca la competencia herculea del saxo de Neehammer. De repente esa altísima emotividad es reorganizada en una jam in crescendo. Koppel recuerda a John Marshall y el bajo lo secunda hasta el silencio.

Por último "Evasive Dreams Beyond" (3'32) es otra pequeña joya instrumental llena de bellos fraseos, con juego guitar-keys recordatorio de Tasavallan Presidentti u Out of Focus. "Thors Hammer" es una maravilla absoluta, a la que sólo afea su horrorosa portada. La banda se disolvió en 1972, yendo sus miembros a formaciones como Anaconda o Tyggegummibanden.

Otra muestra de excelso talento que no se vio recompensado.

Temas

Mexico 6:21

Not Worth Saying 13:05

Blind Gypsy Woman 5:02

Believe In What You Want 9:03

Evasive Dreams Beyond 3:32

Formación:

Henrik Bødtcher: bajo

Simon Koppel: batería

Michael Bruun: guitarra

Henrik Langkilde: teclados

T Jesper Neehammer: saxo

Peter Nielsen: voz

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Grupo muy actual con front-man femenino a la voz en esa nueva moda llamada power metal sinfónico y con cuatro CD’s por el momento en el mercado.

Técnica y exageración sonora a raudales. Para los amantes de lo fuerte y espectacular sin contemplaciones.

Entretenidos y buenos músicos pero con el dolor de cabeza asegurado al oyente delicado y moñas, y sobre todo a los que estamos ya un poco mayores para el acero sonoro.

Discografía:

A far cry for you (2005)

Temas

1. Mistiness 01:55

2. Lost in a Revery ~水晶の雨~ 06:53

3. Missing You 06:17

4. Doll's Solitude ~人形の家~ 05:37

5. Orion 06:49

6. Your Favorite Melodies ~藍色のエチュード~ 05:37

7. Faith 04:27

8. God Keeper 06:22

9. A Far Cry To You ~明日への約束~ 14:11

10. Radiance ~星が生まれた日~ 05:58

11. Aretha 05:29

Fadista (2005)

Solitude (2010)

Siegfried (2012)

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1974 fue el techo creativo de las madres de la invención. Jamás en el resto de su transitar por los escenarios del mundo, lograría la compenetración, buen tono y ambiente, como en esta última formación. Fueron verdaderos logros en su peculiar estilo de Jazz-Rock-Avandgarde-Progresivo y permitidme esta licencia en las etiquetas que muchas veces son inexactas y a veces caen en el capricho de los que escribimos sobre música con mayor o menor acierto. Esta eficaz etapa creativa del maestro culminaría con su obra maestra en estudio en la inigualable “Talla única” One size fist all y con el cerrojazo definitivo de los Mothers. A partir de 1976 todas sus producciones se llamarían Zappa como nombre genérico de grupo y para dejar clara su idiosincrasia personal por si alguien tenía dudas.

Pero antes de adentrarse en un nuevo estilo más “rock”, ya que los miembros y músicos por venir, ya no serían los jazzmen que aparecen en estas grabaciones, nos dejaría las fantásticas grabaciones en el Roxy de Hollywood. El citó en más de una ocasión que solo George Duke fue uno de sus músicos que podía tocar cualquier estilo de música. En las mismas palabras de agradecimiento se referiría a Ruth Underwood, Napoleon Murphy Brock, la familia Fowler y sus baterías Humphrey y Thompson. El original doble LP Roxy And Elsewhere ha sido expandido recientemente en nuevas entregas como Roxy By Proxy o Roxy The Movie .

Temas

1. "Penguin in Bondage" 0:00

2. "Pygmy Twylyte" 6:48

3. "Dummy Up" (Brock, Simmons, and Zappa) 9:01

Side two

4. "Village of the Sun" 15:05

5. "Echidna's Arf (Of You)" 19:22

6. "Don't You Ever Wash That Thing?" 23:14

Side three

7. "Cheepnis" 32:56

8. "Son of Orange County" 39:28

9. "More Trouble Every Day" 45:21

Side four

10. "Be-Bop Tango (Of the Old Jazzmen's Church)" 51:22

En total fueron tres los conciertos ofrecidos en esa sala y en sus propias palabras se lo pasaron en grande con momentos musicales irrepetibles. La música que interpretaron fue en una gran parte de nueva factura para la ocasión, más las versiones de los discos del momento sacados del Overnite Sensation, el Apostrophe y el One Size Fist All. La formación prescinde ya de Ponty y Ian Underwood. Con la excepción de la verbenera y dialogada Be-Bop Tango (16 mtos es mucho) el resto del programa es una sucesión de endiabladas composiciones que exigen una elevada preparación técnica de los músicos: Penguin In Bondage, Echidna´s Arf, Dummy Up, Don´t you ever wash that thing?,Cheepnis…. Desfilan entre innumerables cambios instrumentales y complicados breaks de batería y xilófono difíciles de asimilar a la primera y de memorizar. La aguja de mi plato desgastó a gusto las cuatro caras de este LP en infinidad de escuchas.

Sin embargo disfruté mucho más de esta formación bastantes años después cuando apareció el segundo volumen de la serie de seis llamada “You can´t do that on stage anymore” dedicado exclusivamente al famoso concierto finlandés en la ciudad de Helsinki en septiembre de 1974. Soberbio doble CD para el zappero más recalcitrante. Aquí está el Inca Roads en su mejor live-versión con el famoso solo original de guitarra y un catálogo de sus mejores composiciones como veréis en el listado y créditos. Para mí, este concierto supera a los del Roxy, sin desmerecerlos en nada por supuesto. Poco después de meterse en el estudio para grabar el famoso talla única del sofá flotante, Frank se alió nuevamente con su amigo el capitán Beefheart para lanzar al mercado un irregular Bongo Fury. Todo lo que vendrá a continuación será borrón y cuenta nueva.

Temas

1. "Tush Tush Tush (A Token of My Extreme)" 2:48

2. "Stinkfoot" 4:18

3. "Inca Roads" 10:54

4. "RDNZL" 8:43

5. "Village of the Sun" 4:33

6. "Echidna's Arf (Of You)" 3:30

7. "Don't You Ever Wash That Thing?" 4:56

8. "Pygmy Twylyte" 8:22

9. "Room Service" 6:22

10. "The Idiot Bastard Son" 2:39

11. "Cheepnis" 4:29

Temas

1. "Approximate" 8:11

2. "Dupree's Paradise" 23:59

3. "Satumaa (Finnish Tango)" (Unto Mononen) 3:51

4. "T'Mershi Duween" 1:31

5. "The Dog Breath Variations" 1:38

6. "Uncle Meat" 2:28

7. "Building a Girl" 1:00

8. "Montana (Whipping Floss)" 2:17

9. "Big Swifty"

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MEAT LOAF - Live at the Bottom Line 1977

GIORGIO MORODER - Einzelganger (1975) (colaboración J.J. Iglesias) rock electrónico

Papa Zoot Band ‎– swf-session 1973

CRAFTY HANDS - Crafty Hands (1982) (colaboración J.J. Iglesias)

FREEWILL (Colaboración Alberto Torró) rock progresivo japonés

FRANK ZAPPA - WAZOO (1972) (2007) (colaboración Alberto Torró)

Costa Blanca - Viaje a Prantia (1977) rock progresivo español

GENESIS - Academy of Music, NY 04/05/1974

SERIE PIONEROS: SPOOKY TOOTH / PIERRE HENRY "Ceremony : An Electronic Mass" (1969) (colaboración J.J. Iglesias)

WHISKEY HOWL ‎– Whiskey Howl 1972 (BLUES)

SKYEROS - Skyeros (1975) (colaboración J.J. Iglesias)

KINZOKU-EBISU (colaboración Alberto Torró) rock progresivo japonés

FRANK ZAPPA - THE ROAD TAPES VENUE VOL TWO: HELSINKI 1973 (colaboración Alberto Torró)

METAMORFOSIS - Papallones i Elefants (1982) (colaboración J.J. Iglesias) rock progresivo español

Taste - Live at At Stadhalle Basel 1970

CAN - Lyon, France - January 1976 (colaboración J.J. Iglesias)

ACANTHE ‎– Someone Somewhere 1973-1977

THORS HAMMER - Thors Hammer (1971) (colaboración J.J. Iglesias)

ALHAMBRA (Colaboración Alberto Torró) rock progresivo japonés

FRANK ZAPPA: LOS CONCIERTOS DEL ROXY Y DE HELSINKI (colaboración Alberto Torró)