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ERROBI - Ametsaren Bidea (1979) (colaboración J.J. Iglesias) rock progresivo español

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El rock progresivo en Euskadi durante los 70 se caracterizó por una fuerte personalidad folk rock. Reflejando perfectamente su geografía,  espacio ambiental y emocional, además de una espiritualidad de raigambre pagana inherente a sus habitantes. Con esto quiero decir que es un estilo muy aferrado a sus raíces,  como ocurría en Andalucía,  Cataluña o Cantabria, por poner ejemplos claros del mismo fenómeno musical / social. Algunos de sus representantes más destacados fueron Izukaitz, Itziar, Haizea, Itoiz y Errobi. 


Parafraseando a mi buen amigo, y experto en el tema, Javier Aguirre : "A diferencia de muchos otros grupos vascos, en éste disco (y sólo en éste ), Errobi supieron integrar satisfactoriamente los elementos musicales de la tradición vasca en el ámbito  del rock".

En 1973 Anje Duhalde (guitarras, voz) y Mikel Ducau (voz, guitarras, teclados), forman Errobi en plena vorágine progresiva. Editan "Errobi" (1975/Elkar) y "Gure Lekukotasuna" (1977/Elkar). Cambian de sello en el 78, editando en Xoxoa el album en directo "Bizi Bizian".

Y en un sensible cambio todavía más arriesgado (desde el comienzo abrazaron el prog, siendo de los primeros en cantar en euskera), lanzaron el definitivo "Ametsaren Bidea" (1979/Xoxoa). Vuelvo a mi amigo Javi (y colega en los tiempos de Atropos) : "Fue el mejor disco surgido del prog vasco, al nivel de Música Urbana o Iman". Ahí queda eso. Aquí la formación era completada  con Beñat Amorena (batería ) y Jean Paul Gilles (bajo).


"Alboka" (2'51) presagia en su corto espacio instrumental muchos sentimientos y sensaciones psicodélicas. Da paso al tema-título,  "El Camino de la Felicidad" para nosotros, en sus densos 17'40 mts. Las armonías vocales exquisitas se funden con el brumoso sonido que fluye de TODOS los instrumentos. Sí,  batería y bajo incluidos y protagonistas. Las guitarras pueden recordar rasgos de los más grandes, Howe, Hillage o la lírica cristalina de Wishbone Ash. La sección rítmica dialoga locuazmente en idioma casi jazzistico, como un Squire/Bruford con chapela. Acústica y flauta nos transportan a universos tolkianos, como sólo esos misteriosos bosques pueden hacer. Una pequeña obra de arte.

Damos la vuelta al vinilo y tenemos "Andere" (13'30) con el saxo soprano de Mikel Ducau, recordando poderosamente a Jan Garbarek. Mientras los efectos de guitarra y la expresividad rítmica  adentran  armonías vocales cercanas a territorios de Magma y sus zeuhlismos alienígenas. La parte percusiva de éste tema es irreal y única. Sus imposibles sonoridades la hacen fuera de este mundo. De lo mejor que puedes encontrar en este planeta.


Su desembocadura (Errobi, recuerdas?), con torrencial saxo garbarekiano es abrumadora, salvaje, tribal, hipnótica,  puro trance en éxtasis aquelárrico. Una delicia que te deja exhausto. "Oraino" (6'59) incluye tabla, acústica y una cadenciosa voz. Es la más folkie y relajada, acertado final para un colosal disco lleno de emociones fuertes. Probablemente éste sea el mejor álbum del rock progresivo vasco. Aclamado internacionalmente y con cuatro estrellas en la guía Pokora (lo que supone una pasta por un original).


Anje Duhalde dejaría el grupo tras éste disco, yéndose a Akelarre. Para luego seguir una extensa carrera en solitario. Que inauguró con "Errobiaren Hegitik" (1980/Xoxoa), de parecidos con su antigua banda. No hubo más alegrías de Errobi. "Ametsaren Bidea" fue demasiado para un público que no estaba preparado.

Sorpresívamente en 1985 aparecería  "Agur T'Erdi", flojo final para una banda inolvidable. En 2005 se editó un box-set conteniendo los cinco discos de Errobi remasterizados. Sólo por éste,  ya merece la pena su adquisición. 



Temas
1 Alboka 2:52
2 Ametsaren Bidea 17:42
3 Andere 13:30
4 Oraino 6:56



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Led Zeppelin ‎– Live At Southampton 1973

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Sistemáticamente año tras año desde que el grupo dejó de existir surgen rumores de su vuelta que inmediatamente son acallados por los miembros de la banda, sobre todo por Robert Plant. Sinceramente pienso que las cosas están bien como están y su reunión no sería una buena idea teniendo en cuenta la falta de  John Bonham. Por ello, seguiremos recordando sus buenos tiempos en alguno de su míticas grabaciones.


A comienzos del 73 los Led Zeppelin estaban finalizando una gira por el Reino Unido, dicho tour había comenzado con una actuación de preparación en el casino de  Montreux en Octubre del 72 y finalizaría en Preston, Inglaterra, el 30 de Enero. En marzo editarían su quinto disco, "Houses of the Holy", e inmediatamente vuelven a embarcarse en una macro gira donde conseguirían el record de asistencia (en aquel momento) a un concierto, 56.800 espectadores en Tampa, Florida.


Led Zeppelin se presenta en la Universidad de Southampton el 22 de Enero de 1973, era su segundo concierto en dicha ciudad, el primero lo dieron el día anterior en el Teatro Gaumont. La actuación se encuadra dentro de la gira de su famoso cuarto disco, el que no tiene nombre. Absolutamente espectacular los Led, van desgranando sus temas míticos durante más de dos horas en un estado sublime de inspiración. Algunas de las versiones que interpretan son de las mejores que he oído. La grabación incluye tres bises: "Thank You" con un solo de teclados, "How Many More Times" y "Communication Breakdown".





Temas
1. Rock and Roll (0:19) 
2. Over the Hills and Far Away (4:01) 
3. Black Dog (Out On The Tiles Intro) (10:35) 
4. Misty Mountain Hop (16:14)
5. Since I've Been Loving You (20:48) 
6. Dancing Days (29:25) 
7. The Song Remains the Same (33:58)
8. The Rain Song (39:28)
9. Dazed and Confused (48:45)



Temas
1. Stairway to Heaven (0:06) 
2. Whole Lotta Love (12:07)
3. Heartbreaker (39:27)
4. Thank You (w/ Organ Solo) (50:45)
5. How Many More Times (1:03:47)
6. Communication Breakdown (1:12:08)



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Serie Pioneros: THE ZODIAC - Cosmic Sounds (1967) (colaboración J.J. Iglesias)

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No cuesta mucho trabajo imaginar éste disco en pleno verano del amor, pues salió en Mayo del 67. Con Jac Holzman, jefe de Elektra Records, impulsándolo gracias a su pasión por el "nuevo" instrumento, el moog.


Álbum conceptual dedicado a los doce signos del zodiaco,  esto es un compendio de exótica,  psicodelia y proto-kraut.

Con invitados como Paul Beaver y Mort Garson  (hablaremos de éste en futuros "Pioneros"), a los controles del modular. Y narrado por Jacques Wilson  y Cyrus Faryar.

Los músicos de sesión elegidos procedían  de los más prestigiosos círculos  de la West Coast (Frank Zappa o Marvin Gaye en sus cv).
La inocencia cibernética resulta de un naive que lo hace mágico. Incluye momentos muy Doors-y (es un producto de la casa), junto con pinceladas acid folk siempre rellenas de colorido electrónico de primera generación. Moody Blues lo reconocen como influencia para su "Days of Future Passed". 

Extremadamente entretenido en su escucha, me parece primordial para entender todo lo que vendría después. No olvidemos que al año siguiente saldría "Switched on-Bach" de Walter Carlos, revolucionándolo todo.

El único disco de The Zodiac es otro adelantado a su tiempo, dentro del moogsploitiation. De inestimable mérito,  y alto precio en el mercado coleccionista.




Temas
Aries - The Fire-Fighter --00:00
Taurus - The Voluptuary --03:12
Gemini - The Cool Eye --06:50
Cancer - The Moon Child --09:40
Leo - The Lord Of Lights --13:07
Virgo - The Perpetual Perfectionist --15:39
Libra - The Flower Child --18:46
Scorpio - The Passionate Hero --22:14
Sagittarius - The Versatile Daredevil --25:05
Capricorn - The Uncapricious Climber --27:13
Aquarius - The Lover Of Life --30:42
Pisces - The Peace Piper --34:27

Formación

Cyrus Faryar -- narration
Paul Beaver -- Moog and other electronic instruments
Emil Richards -- exotic percussion
Bud Shank -- bass flute
Hal Blaine -- drums
Carol Kaye -- bass guitar
Mike Melvoin -- keyboards



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JO JO GUNNE ‎– "So...Where's The Show? 1974

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Jo Jo Gunne fue una banda californiana formada por los ex-integrantes de Spirit, Jay Ferguson (voz, teclados) y Mark Andes (Bajo). La alineación se completaba con el hermano de Mark, Matt (guitarra) y William Smith (batería).


El grupo firma por la discográfica   Asylum Records. y en el 72 editan su primer disco, "Jo Jo Gunne".  Con el Tema "Run Run Run" llegan al Top 10 de las listas de los  UK Singles. Primeras deserciones en la banda,  Mark Andes es sustituido por Jimmie Randall con el que graban su segundo larga duración, "Bite Down Hard" (1973). La inestabilidad en la formación es más que evidente y Matt es el siguiente en abandonar el proyecto siendo reemplazado brevemente por  Starr Donaldson y posteriormente por John Staehely. Su siguiente disco llegaría ese mismo año, "Jumpin' the Gunne", y su última producción al año siguiente, ""So...Where's the Show?". La banda se disolvería al finalizar la gira de promoción.


La música de los Jo Jo Gunne la podemos encuadrar dentro del género hard rock con los matices propios de los grupos californianos y con ciertos sonidos que nos pueden recordar a lo que llegaría algunos años más tarde, AOR. Los temas emanan fuerza sobre todo por los guitarrazos de John Staehely y la poderosa voz de Jay Ferguson. Temas como "Where Is The Show" o "I'm Your Shoe" te levantan el animo en cualquier situación.




Temas
1 Where Is The Show 3:39
2  4:12
3 Single Man 4:25
4 She Said Allright 4:40
5 S & M Blvd. 3:48
6 Falling Angel 3:22
7 Big, Busted Bombshell From Bermuda 2:42
8 Into My Life 3:12
9 Around The World 3:55

Formación

Jay Ferguson - voz, teclados 
John Staehely - guitarra 
Jimmie Randall - bajo 
William  Smith - batería



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LOOKING GLASS - Looking Glass (1972) (colaboración J.J. Iglesias) rock country-sureño

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Resulta extraño, pero así es. Este cuarteto del área de New Jersey, con pinta de pacíficos hippiosos, fueron la semilla de donde nacerían los tremendos hard rockers, Starz. Pero no adelantemos acontecimientos.


Desde 1969 llevaban pateándose todos los clubs Elliot Lurie (guitarras, voz) y Larry Gonsky (teclados, voz). Que junto a Pieter Sweval (bajo, voz, armónica ) y Jeff Grob (batería) conformarían Looking Glass.

Consiguen contrato nada menos que con CBS, y editan en el 72 su homónimo debut. Resultando su single "Brandy" un pepinazo número 1 que vendería un millón de copias.

Pero Looking Glass fue un "one hit wonder". No repitiendo la jugada nunca más. Su estilo estaba a medio camino (a veces camino entero), entre el Country rock, Southern rock y Soft west Coast. Lo que ahora se llama muy hipstericamente , Yacht rock.

"Jenny-Lynne" es un eufórico corte de entrada en absoluta línea  Poco/Eagles, mas en consonancia con la soleada California que con los peligrosos suburbios neoyorkinos. Adictivo Country rock sureño de polvorienta gabardina.

La archifamosa "Brandy" es un medio tiempo soft dominado por piano eléctrico y armonías vocales inconmensurables.  Esto es lo que haría triunfar cinco años después a los australianos Little River Band con exacta fórmula. 

En "Diamantina Cocktail" quedaría perfecta. "Catherine Street" es una pedregosa revisitación del sonido de CSNY. Hippiosa como ella sola y de interpretación vocal solista por parte de Lurie, excelente. Secundado por las voces del resto, piano, armónica y slide, es una pieza infalible. Con una eléctrica que es puro Stephen Stills, finalizando la juerga. Termina esta cara con "Don't it make you feel good". Caliente chilli sureño de elevada temperatura, entre Delaney & Bonnie y Wet Willie. Soul southern con coro femenino y mucho sudor.

Damos la vuelta al label amarillo de Epic (de los primeros), y "Golden Rainbow" nos llena los sentidos con fresco y honesto Country rock al modo de la Puré Prairie League, Eagles, Dan Fogelberg o J. D. Souther.

"Dealin' With the Devil" está más cerca de Bob Seger, con su boogie de troton piano honky tonk.  Aunque León Russell o Al Kooper tampoco le harían ascos a un tema tan resultón. Esta banda tiene clase, man! 

La esencia Allman debía estar representada, y "From Stanton Station" la captura en su versión acústica. Deliciosa canción de melancolía sureña, con alma del sello Capricorn, que es donde debería haber salido éste álbum. Esto continúa en la canción final, "One by One", la más larga en sus seis minutos. Posee el feeling de David Crosby, arreglos de cuerdas y estructura acústica  preciosa.

 Al año siguiente editarían "Subway Serenade" (1973), pero al no suceder nada, los miembros fueron desertando hasta sólo quedar el bajista-compositor Pieter Sweval. Entrarán poco a poco, Brendan Harkin (guitarras), un muchacho de Georgia llamado Michael Lee Smith (vozarron), y Richie Ranno (guitarras). Cambian su nombre a Fallen Angels, y luego definitivamente a Starz. Lo demás,  es historia. Durante un tiempo en la segunda mitad de los 70 rivalizan duramente con Kiss y Aerosmith. Hoy son una leyenda del glorioso hard rock USA, todavía girando.

Looking Glass debieron emigrar para tierras más amables con su estilo. Pero algo me dice que el inesperado y repentino éxito de "Brandy", no hizo más que confundirlos y dejarlos en un hostil New York que no era su sitio. Pronto se pondrían el cuero negro por respuesta, abandonando toda utopía hippie.



Temas
Jenny-Lynne 3:02
Brandy 3:07
Cathrine Street 5:48
Don't It Make You Feel Good 2:51
Golden Rainbow 3:05
Dealin' With The Devil 3:18
From Stanton Station 3:48
One By One 6:01




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MR SIRIUS (colaboración Alberto Torró) rock progresivo japonés)

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Son una agrupación curiosa y compleja. En realidad se trata de un trío formado por el teclista y compositor Kazuhiro Miyatake (alias Mister Sirius). La excelente cantante Hiroko Nagai (también conocida como Lisa Ohki) y un batería llamado Chihiro Fujioka, más una lista de músicos invitados que aparecen en todos sus discos.

Considerados como uno de los mejores grupos de la escena japonesa surgidos en los 80’s, las publicaciones se empeñan en clasificarlos dentro de las bandas influenciadas por el sonido Canterbury. Puede ser en parte, aunque yo lo atribuiría en pequeña medida.

La música de Sirius requiere mucha atención. No entran a la primera y conste que no practican la temida vanguardia contemporánea del llamado Rock In Oposition, por el contrario sus composiciones son totalmente armónicas y con base muy melódica, pero eso sí, complejas, muy complejas.


Puestos a poner etiquetas su música es en un porcentaje variable una especie de jazz-rock orquestal que a mi me recuerda mucho a los Return To Forever de final de los setenta con ese toque clásico que imprimían Chick Corea y Gayle Moran en discos como Music Magic más una notable influencia de compositores clásicos de primera mitad del siglo XX (franceses principalmente) quizá por la forma tan exquisita de cantar de madame Hiroko.

La otra parte, pues es posible que encontremos ecos de National Health o Hatfield & The North pero en medidas muy ligeras y diluídas y sobre todo muchos arreglos orquestales de cosecha propia que no sería justo hacerles comparaciones.


Tanto en su primer trabajo de 1986, Barren Dream, como en Dirge de 1990 encontramos mucho de lo mencionado anteriormente. Composiciones muy elaboradas y detallistas con gusto por un romanticismo elegante. Vocalista de altos vuelos a nivel de soprano o refinada dama de jazz. Cantidad de amables pasajes bucólicos con flautas y acústicas a medio camino a veces entre la música de cámara y el jazz orquestal. En las partes más enérgicas afloran las influencias del rock progresivo, con breaks constantes de bajo-batería y veloz digitación guitarrera, todo ello, insisto nuevamente, en un entramado compositivo altamente elaborado y preciso. Totalmente recomendables.

Discografía:
Barren Dream (1986)


Temas

All The Fallen People: 11:57
Sweet Revenge 1:44
Step Into Easter 7:47
Eternal Jealousy 8:14
Lagrima 4:11
Barren Dream 13:28


Gate to Europe (1986) (cassette)

Temas
Step into Easter
Window
Good bye Eric

Barren dream

Crystal Voyage (1990)


Temas
Suite
Crystal Voyage 
Land Of Eternity 
Two Will Be One: Part 2 
Wanderer

Dirge (19901)


Temas
Fanfare ~ Legal Dance 3:26
Love Incomplete 7:48
A Land Dirge 3:12
Super Joker 5:39
A Sea Dirge 4:33
The Nile For A While (21:24)
A) Chase Of Infinity 
B) Home Forgotten 
C) Dual Sight 
D) Colony 
E) Bliss For A Day 
F) Beyond The Glory

Incredible tour (1992)

Temas
1Opening ~ Requiem
2Advance Billing
3Madrigal
4Time In The Emage
5Babooshaka ~ Love Incomplete
6Kokan Jealousy
7Siberian Khatru'90
8Barren Dream ~ Grand Finale

Gate To Europe (reedición ampliada)(2006)

The Secret Treasures of Mr. Sirius (2006)




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FRANK ZAPPA: BUFFALO (1980 – 2007) (colaboración Alberto Torró)

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Este doble CD en vivo corresponde a una de las ediciones póstumas de conciertos apareciendo en 2007. Hay  que apuntar que sin duda los mejores lives de Frank Zappa, han sido editados en éste siglo. Al igual que los compositores consagrados por la historia, Zappa ha conseguido un reconocimiento póstumo que es de agradecer.


 Buffalo, nombre de la localidad neoyorquina donde hizo el bolo fue editado en 2007 bajo el sello Vaulternative Records, que a decir verdad está realizando una labor encomiable sacando de los archivos un material muy interesante. Esta grabación data del 25 de  octubre de 1980 y es un excelente concierto para inaugurar esa década.  Década que por otra parte fue nefasta para la música con algo de neuronas y que el que aquí escribe tuvo que padecer con estoicismo. Sé que para algunos exagero, pero oída una década anterior con ésta, sinceramente no hay color. Zappa presentaba una banda de  ocho músicos entre los que ya se encontraba el gran Steve Vai, el cual a su vez, sería posteriormente a la muerte del maestro, uno de sus más acérrimos defensores. Al que siempre vio como su maestro, su musa y su genio personal. El guitarrista Vai está a una altura técnica al que pocos llegan, y aunque venido del hard y de los ambientes heavymetaleros, fue un complemento perfecto para la nueva orientación zappera, ya algo más alejada de lo avandgarde y bastante encaminada hacia el rock y al temple de la potencia.

 Entre su equipo de estrellas estaban las voces y guitarras de Ray White y Ike Willis. Los teclistas Tommy Mars y Bob Harris. Arthur Barrow al bajo y otro impresionante batería llamado Vinnie Colaiuta. Vai y Zappa afilando guitarras y cortando el aire. El programa es un set list de piezas generosas y llenas de vida propia. Es de destacar temas recuperados como la fenomenal Andy y una brutal “tortura que nunca acaba” de 23 mtos abrasando el ambiente. El resto son composiciones y salvo alguna excepción, en su mayoría del periodo 77-80 que no te dejarán impasible: “City of tiny lites” “Easy Meat” “Tinsel Town Rebellion” etc por nombrar algunas. Un buen sonido y una interpretación a la altura de lo que se espera de este hombre y sus músicos. Imprescindible claro.


Temas
Disc 1

00:00 - Chunga's Revenge
08:33 - You Are What You Is
12:44 - Mudd Club
15:46 - The Meek Shall Inherit Nothing
19:07 - Cosmik Debris
22:57 - Keep It Greasy
25:55 - Tinsel Town Rebellion
30:13 - Buffalo Drowning Witch
32:57 - Honey, Don't You Want A Man Like Me?
37:32 - Pick me, I'm clean
47:46 - Dead Girls Of London
50:47 - Shall We Take Ourselves Seriously?
52:23 - City Of Tiny Lites

Disc 2:

01:02:19 - Easy Meat
01:11:45 - Ain't Got No Heart
01:13:35 - The Torture Never Stops
01:37:18 - Broken Hearts Are For Assholes
01:40:56 - I'm So Cute
01:42:34 - Andy
01:50:48 - Joe's Garage
01:53:00 - Dancing Fool
01:56:35 - The "Real World" Thematic Extrapolations
02:05:27 - Stick It Out
02:11:02 - I Don't Wanna Get Drafted
02:13:50 - Bobby Brown
02:16:31 - Ms. Pinky




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TEVERANO - Teverano 1982 rock progresivo español

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Teverano fue un fugaz supergrupo catalán que se formó a principios de los 80 y que estaba liderado por el guitarrista Josep María Bardagí. Le acompañaban su hermano Pere Bardagí (violín), Josep Mas "Kitflus" (teclados), Jordi Clua (bajo) y  Francesc Rabassa (batería).


Todos ellos eran músicos con una dilatada experiencia. Los hermanos Bardagi fundamentalmente con Serrat, "Kiflus" con Iceberg y Jordi Clua y Rabassa con Barcelona Traction. En 1981 editan un single contiendo "Cel de Nit" y "Misical Express", tema que era  la sintonía del programa musical del mismo nombre dirigido y presentado por Ángel Casas. En el 82 ve la luz su único disco para posteriormente disolverse.


La música de Teverano se mueve por los caminos del jazz rock demostrándonos que la línea de separación entre estos dos géneros es muy fina. Ocho temas donde cada miembro del grupo tiene su momento destacado en especial el violín de Pere Bardagi, sin olvidar a su hermano con la guitarra y al maestro "Kiflus" en los teclados. Música de ambiente relajado con algún que otro guiño latino, " Son a Cuba". Delicioso el tema "Cel de nit", ideal para escucharlo a la luz de unas velas.




Temas
1- Cowboys 00:00
2- Converses amb l'aire 04:04
3- Son a Cuba 08:03
4- Per tu 12:48
5- Musical Express 17:06
6- Volen, però s'entrebanquen amb núvols 21:02
7- Temps 23:26
8- Cel de nit 27:11

Formación
Josep María Bardagí :guitarras y percusión
, Josep Mas "Kitflus" : teclados
, Pere Bardagí: violín
Jordi Clua : bajo
  Francesc Rabassa: batería




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UK - Live in Cleveland 1978

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John Wetton, Eddie Jobson, Allan Holdsworth, Bill Bruford, estos cuatro genios  fueron la primera formación de la super banda UK. No estuvieron mucho tiempo juntos por ello recordar una de sus actuaciones resulta todo un lujo.

En Marzo de 1978 se edita el primer disco de UK, inmediatamente se embarcan en una gira promocional que les llevaría por el Reino Unido y América. Al finalizar el tour Allan Holdsworth,y Bill Bruford abandonan el barco. Posiblemente los egos y las diversas formas de concebir la música fueron los motivos de dicha ruptura. El sustituto sería el batería Terry Bozzio con el que editarían Danger Money (1979).


La grabación nos presenta a los UK en la gira americana de presentación de su primer disco. En concreto el concierto se celebró el 9 de diciembre de 1978 en el Agora Ballroom de Cleveland y fue retransmitido por la BBC. El setlist está compuesto por cuatro temas de su primer disco ("Alaska" , "Time to Kill", "Thirty Years", y "In the Dead of Night"), tres de su segundo  LP, "Danger Money" ( "The Only Thing She Needs", "Carrying No Cross", y "Caesar's Palace Blues") y un tema ("Forever Until Sunday") del disco en solitario de  Bill Bruford , "One of a Kind" (1978). Rock progresivo de alta graduación donde los solos de teclados y violín de Jobson rivalizan con las entramadas construcciones de Holdsworth. Todo ello reforzado con un lujo de sección rítmica Wetton-Bruford. Es posible que la voz de Wetton resulte demasiado empalagosa, para mi gusto, en este tipo de grupo. Temas destacados "Alaska" y "In the Dead of the Night". Por cierto el sonido perfecto.




Temas
01 Introduction  00:00
02 Alaska-Time to Kill   00:27
03 The Only Thing She Needs   10:35
04 Carrying No Cross   18:15
05 Forever Until Sunday   29:05
06 Thirty Years   34:55
07 In the Dead of the Night  8:33 45:03
08 Caesar's Palace  53:50
09 Final Announcement  
Total Time  58:48

Formación: 
Bill Bruford: batería
John Wetton: bajo, voz
Eddie Jobson: teclados
Allan Holdsworth: guitarra



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DREAMWORLD - On Flight to the Light (1980) (colaboración J.J. Iglesias) rock electrónico

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Traemos hoy por nuestros "Ensayos" a un dúo teutón  formado por los hermanos Fichter. Klaus (todo tipo de teclados, batería,  percusiones, acústica 12 cuerdas y voz solista). Y Rolf (teclados mil, guitarras, bajo, flauta, vibráfono y voz solista). Alguno los recordará  por ser la mitad de los legendarios Yatha Sidhra. Su "A Meditation Mass" (1972) fue cosa seria.


En 1979 Dreamworld se encerraron en los Bruno Spoerri Studios con el ingeniero Ronny Kurz y crearon éste único e interesante disco que tuvo a bien editar Vértigo.

El inicio con "Ways of Love" (3'27) es de flotante melodía alemana sinfo-space, órgano a capas, piano aterciopelado, y tranquilo motorik bajo-batería. Muy Eloy en general, y rasgos gilmourianos en las seis cuerdas.

"Beneath Silence and Storm" (10'48) consta de dos partes.
El arsenal teclistico utilizado sería suficiente para que "Ansar" y sus amiguicos Bush y Blair hubieran visto indicios de armas de destrucción masiva, "indudablemente" : raros cacharros como el Vako-Orchestron, el ARP Pro-DGX, Wilgamat Bass Computer....
Junto a los sospechosos habituales, dicese  de Rhodes, Hohner String Ensemble y Hohner Clavinet, Mellotron, Prophet, Moog.....iban servidos, los chavales. La primera parte es cantada y ofrece un estilo similar al primer corte. A partir de un break pianistico, se unen secuenciación y batería.  Al unísono  con el Hammond TTR-100 nos hacen un pliegue espacio-tiempo, o "simpa" instrumental, que recuerda a los Tangerine Dream de "Cyclone". Excelente kosmische de hábil balance electronics+orgánica batería. 

"Summerdays" (4'36) cierra la cara como unos Kraftwerk campestres,  con flauta, sonidos de la naturaleza y chistorra a la plancha con buen Rioja,  en agradable krautismo naturista.


La cara 2 se compone de la suite "Dreamworld's Symphony" (19'14) en sus cuatro partes subtituladas. "Introduction" es una bella manera de comenzar, a base de flauta y Fender Rhodes. 

"Between Trees and Oiseaux" contiene vibráfono y percusión,  en ambiental sincronía.  El space-ambient se desarrolla como una especie de krautie Steely Dan, original de veras. Para continuar en casi ritmo tribal latino santanero. Un vuelo sin motor de alto contenido erótico sintetizado (y si te gustan los sintes,  definitivamente ESTO es erótico ). La guitarra eléctrica contribuye a ese "Abraxas" espacial de personal estrategia. La cosa torna volátil y etérea,  de nuevo dando a la flauta protagonismo, respaldada por acústicas  y sintetizador de cuerdas "mu bonico". Los pellizcos jazzisticos subliminales crean un ambiente delicioso. 

Quizá para algunos sea un sinfonismo-space algo light, pero cubrieron un hueco que hacía falta en el género,  lejos de marcianadas guerrilleras gamberroides. Supieron dotar al género de un sutil lirismo que ayudó a completar más aún el puzzle kraut, junto a Blonker, Novalis, Indigo, Stephan Micus, Mind Over Matter, Tyndall o Lady. Que no todo iba a ser abstracción escapista, diantre.

P. D.- "Aunque algunas veces podamos parecer cósmicos,  no queremos ser relacionados con ese tipo de cosas. Porque mucha gente hace cantidad de trabajos absurdos y estúpidos en ese sentido ". (PETER BAUMANN)



Temas
1.-Ways Of Love 3:27
2.-Beneath Silence And Storm (Part I+II) 10:48
3.-Summerdays 4:36
4.-Dreamworld's Symphony (19:14) Introduction Between Trees And Oiseaux Un Rêve Se Réalisé Endless Tenderness




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SHYLOCK ‎– Gialorgues 1976

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Shylock fue un grupo de rock progresivo francés creado en 1974 por los ex integrantes de Fusión ( nada que ver con la mítica formación catalana), Didier Lustig ( teclados) y  André Fisichella (batería) junto al guitarrista Frederic L´Eppe.


Su primera actuación la realizan en un club de Niza en 1975. Ese mismo año graban las maquetas de su primer disco, "Gialorgues", y comienzan a buscar discográfica. Cansados de negativas por parte de las disqueras  realizan una tirada privada de 1500 copias que son vendidas de forma inmediata entre sus fans.  La CBS esta "al loro" y los ficha reeditando la grabación en 1978.  Para su segundo disco tiene el apoyo de la multinacional y a un nuevo integrante, Serge Summa (bajo). La grabación se realiza en los estudios Aquarius, en Ginebra, con  Jean Ristori como ingeniero de sonido. El resultado, "Ile De Fievre", una nueva maestra  que no es del agrado de la discográfica rompiendo el contrato con el grupo y firmando prácticamente su defunción en 1979.


La música de Shylock está plenamente integrada dentro del rock progresivo con una gran influencia de grupos como King Crimson  (época Red), el tratamiento de la guitarra por parte de Frederic L´Eppe es netamente "Fripp" y los oscuros teclados nos pueden recordar al Tony Banks de los primeros discos de Genesis. El disco original contenía solo tres temas, dos de ellos de larga duración, "Le Quatrième" (13:05) y " Le Cinquième" (18:54), y el tercero " Le Sixième", claramente "Crimsoniano". La reedición en Cd contiene cinco temas más grabados en el 81 por Frédérick L'Épée y Didier Lustig.  Uno de los mejores exponentes del progresivo instrumental francés.




Temas
1 –Shylock Le Quatrième 00:00 
2 –Shylock Le Sixième 13:13 
3 –Shylock Le Cinquième  17:06 
Bonus
4 –Frédérick L'Épée And Didier Lustig Pendule 36:04 3:02
5 –Frédérick L'Épée And Didier Lustig Sous Une Arche De Pierre 39:11 
6 –Frédérick L'Épée And Didier Lustig Prélude À L'Éclipse  45:42 2:11
7 –Frédérick L'Épée And Didier Lustig La Robe Et Le Chat 48:01 
8 –Frédérick L'Épée And Didier Lustig Pour Le Bal Des Pauvres 49:55

Formación
André Fisichella - batería, percusión 
Frédéric l'Épée - guitarras, bajo 
Didier Lustig - teclados




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MADRIGAL - School of Time (1977) (colaboración J.J. Iglesias)

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Muchas han sido las bandas con el nombre de Madrigal. La que hoy traemos por aquí era francesa, y editó su único álbum (que yo sepa), de manera privada en un 1977 no muy hospitalario ya con éstas músicas. 

Eran Madrigal un quinteto de superior preparación. Buen inglés de ambos cantantes, y excelente "coreografía ". No es que bailen, es que la coral que se marcaban los cinco era exagerada y extraordinaria. Además de manejarse en variados instrumentos. Michel Chavarria (acústicas y eléctricas,  teclados y voz, que yo diría es el solista principal). Bruno de Gaulejac (teclados, guitarras, voz). Nicolás de Gaulejac (batería,  percusión,  voz). Jean-Noel Nomico  (guitarra solista, flauta, voz). Y Paul Saurat (bajo, cello, voz).

Al entrar de primeras en su música te das de bruces con una marcada influencia de Queen. Y si estamos en 1977, te puedes imaginar qué Queen eran los que seguían: los mejores.Concretamente los de "Queen II" y el par de la saga "Marx Brothers". También gustan de un acercamiento hard rock. Aunque según transcurre el disco , el predominio progresivo va ganando terreno, hasta salir victorioso en la segunda cara.

"The Seeker" (4'20) es un tema digno para el debut de la Reina, con musculosa guitarra y guiños que van a crecer en sucesivos cortes.

 "Mad" (4'32) no disimula para nada su culto a Queen. Pero también tiene parecidos con los inmaculados Angel.  La voz de Chavarria es un cruce perfecto de Mercury y DiMino. Muro gigantesco de vocales, y Nomico haciendo su mejor impersonator de Brian May. Contrariamente a lo que pueda parecer, no suena a parodia. Aquí hay ingenio, talento y profesionalidad demostrada desde el underground de un prensaje privado.

"King's Dynasty" (4'36) es otra que comienza con piano trotón y celestiales armonías.  Inevitablemente ves al de los dientes prominentes y su banda en tu mente, en otra canción  totalmente digna de "A Night at the Opera". La similitud no disgusta. Asombra por lo bien conseguido que está todo, desde evidentes parcos medios. Joder con los franceses. Que esto lo hiciera Robby Valentine en los 90, con la tecnología tremendamente evolucionada, no tiene tanto mérito. "Across the Past" (5'12) tiene un comienzo a lo Rush de "Xanadu". Con pausada y mercuriana voz, apoyada por coral mellotronica,  nos adentra en la faceta puramente progresiva de la banda. Majestuosa alfombra teclistica,  sección de ritmo gaudiana  (extensible a todo el disco). Y un sentimiento sublime por parte de cantante y guitarra.


Comenzamos la b con una intro tipo "Stairway to Heaven" + angelical coral, cello y la calidad vocal habitual. Es "The Old Clock" (2'08), que ademas se adorna con flauta gabrielana bellísima. 

"School of Time" (8'11) nos adentra en un bosque progresivo de primer nivel. Esto es un "in the court of the crimson Queen". Porque el rey Fripp deja su huella en un precioso híbrido de incalculable valor artístico.  Y ahora la flauta suena a Ian McDonald. La guitarra equilibra con puñetazos hard. 

La victoriana "The Ghost" (6'38), iniciada con un cello que transmite olvidados momentos impregnados. Su romanticismo da miedo. Teatralidad dramática digna de sus paisanos Ange. ...Y de repente, el vaudevil rockero hace acto de presencia. Freddy Mercury sobreactuando en "Cumbres Borrascosas". 

Finalmente " Dear Mr.  Fantasy" (4'17) atrapa en esencia el Queen sound y lo cruza, en mutación genética aberrantemente bella, con Génesis, Barclay James Harvest, Fantasy y primer King Crimson. Fascinante experimento.

Tenemos un disco muy distinto en sus dos caras. El homenaje a Queen "del bueno" en la primera cara es creíble y conserva altas cotas Pomp que lo hacen de lo más notable del género. En la segunda, si bien esas esencias nunca se van, se diluyen con sabiduría alquimista en un sinfo-prog centroeuropeo de sobresaliente. Disco escurridizo y que sabe esconderse. Se requiere de olfato de sabueso para encontrarlo, a no muy low precio. Pero vale la pena, vaya que sí. 




Temas
1 - The Seeker (4:20)
02 - Mad (4:32)
03 - King's Dynasty (4:36)
04 - Across The Past (5:12)
05 - The Old Clock (2:08)
06 - School Of Time (8:11)
07 - The Ghost (6:38)
08 - Dear Mister Fantasy (4:17)

Formación
Michel Chavarria - guitarra, teclados, voz
Bruno de Gaulejac - : teclados, guitarra, voz
Nicolas de Gaulejac - batería, voz
Jean-Noel Nomico -guitarra, voz, flauta
Paul Saurat - bajo, voz



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MUGEN (colaboración Alberto Torró) rock progresivo japonés

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Fueron uno de los grupos de culto del frikismo melómano del prog japonés. Su Sinfonía de la Luna de 1984 fue venerado por muchos sinfónicos europeos gracias a la reedición de Musea Records en la década de los 90. Recuerdo que me recomendaron este disco sin paliativos como una joya de la corona, y también recuerdo que mi crítica del álbum en alguna publicación no fue nada buena.


En la década de los 90 hubo mucha saturación del entonces internacionalmente emergente neo prog. La verdad es que por esos tiempos tanto yo, como alguno de mis colegas teníamos que escuchar al día bastantes discos que nos enviaban las discográficas independientes. Por entonces no estaba muy interesado en los grupos de rock progresivo provenientes de Japón. En parte por el elevado coste de sus productos, y por la otra por un más que claro y evidente desconocimiento del tema. Naturalmente la cosa cambió con los años.

Con la perspectiva del tiempo las cosas deben de ponerse en su punto justo y reconozco que ahora no me desagrada tanto escuchar sus tres trabajos de estudio.
Mugen son algo muy lánguido y blandito, el cantante parece rezar más que cantar y francamente no ayuda a cambiar ciertas opiniones y prejuicios. Eso sí, musicalmente son muy agradables, aunque no puedo evitar acordarme excesivamente de Tony Banks y de Genesis por los que sin duda sentían verdadera veneración.


La línea de Mugen es muy “romanticona”. Parecen exentos de toda malicia por lo que su música destila inevitablemente una absoluta ingenuidad, casi infantilismo. Lindo sería la definición con la que conlleva de terriblemente cursi. Sobreponiéndose uno a calificativos rosas y azucarados y llegando a comprender que para los japoneses el concepto de cursilón difiere mucho del nuestro, léase lolitas, doujin, j-music, post rock, animé, vídeo juegos y toda la parafernalia que rodea al peculiar mundo nipón, uno puede incluso disfrutar de la audición, cuando consigue deshacerse de conceptos occidentales que chocan inevitablemente con la sensibilidad oriental.

La fantasía como rúbrica y para evitar sobrecarga de adjetivos, es una constante en la mayoría de las bandas japonesas que realizan rock sinfónico. Su concepto es de evasión de la realidad, no de compromiso. A nuestros ojos son como niños grandes inmersos en cuentos y leyendas ancestrales de sus antepasados y de su mitología. Ellos provienen del zen, de la naturaleza, de los sueños. Nosotros de las pesadillas froidianas y de la pavorosa cultura judeo-cristiana. Ahí es nada.


Aclarados estos puntos ya todo es cuestión de sensibilidad. Baste observar la mayoría de los trabajos gráficos de sus portadas para comprender lo que digo. Quiero agradecerles el hecho de que en su segundo trabajo homenajeasen a Maurice Ravel con su Pavana para una infanta difunta. Ravel es uno de mis compositores favoritos de todos los tiempos.

Discografía:
Sinfonia Della Luna (1984)



Temas
A1 Sinfonia Della Luna 8:20
A2 Magical Wand 4:05
B1 Venezia 4:55
B2 Dance…Romantic 5:25
B3 A Parade Of The Wonderland 2:00
B4 Ballo Della Luna 10:30

Leda et le Cygne (1986)



Temas
1 Léda Et Le Cygne 
2 La Rosa 
3 Salomé 
4 Edmond's Old Mirror 
5 Brugge 
6 Carmilla 
7 Pavane Pour Une Infante Défunte

The Princess of Kingdom Gone (1988)


Temas
A1 The Princess Of Kingdom Gone 
A2 The Lady Of Shalolt 
A3 Legend Of The Forest 
B1 Dazzling Ligeia 
B2 Black Panther 
B3 Trident Rock 
B4 Una Donna



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FRANK ZAPPA -KREEGA BONDOLA (1984) Live Saratoga Arts Centre NY. (colaboración Alberto Torró)

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De la gira de 1984 y salvo el “Does Humor Belong in Music?” no existen o yo al menos no las conozco, grabaciones oficiales. He recurrido a este “pirata” que recoge de manera más completa las andanzas y material en directo de la época. 


Ya comenté que fue la única vez que vi a Frank Zappa en directo  el día de la barretina de payés en su cabeza ese mismo año en el palacio municipal de los deportes de la ciudad condal. Un concierto a reventar y movida final con las fuerzas del orden. Aunque como ya os comenté, el concierto fue impecable y muy corto, pero Frank no estaba en su mejor época y se saldó con la salida de sus discos más mediocres (no por ello malos, ojo). Lo cierto es que llevaba una banda muy interesante y con un trio vocal que le daba mucho juego: Ike Willis, Ray White y Bobby Martin más el propio Frank claro está. Pero coincidió con la edición del Them Or Us, The Man from Utopia y el coñazo triple de la ópera-musical Thing Fish. Naturalmente el material de esta gira se centró en estos discos pero también tocaron bastante material antiguo aunque en versiones un tanto caprichosas y remodeladas para la ocasión y el momento. Sin embargo esta grabación es bastante decente e incluso buena tanto en sonido como en interpretación. 

Hay que apuntar que la forma de tocar la guitarra de Frank, se había vuelto algo extraña y le daba por investigar nuevas tonalidades  y ya no es aquel Zappa de encantadores punteos y pasajes electrizantes. Su forma de tocar se había vuelto más agresiva y retorcida. Se permite el lujo de muchas disonancias atonalidades y caprichosos acordes. Típico del genio de vuelta de todo. Su banda como era de esperar funciona de forma milimétrica en seguridad y control. La sección rítmica bajo-batería es un mecanismo de exactitud en sentido literal, y se escuchan ya pads electrónicos en los tambores de Chad Wackermann. Alan Zavod es el teclista con arsenal moderno y tiene sus momentos al igual que el guaperas de Bob Martin, un teclista-vocalista todo terreno. Las actuaciones de entonces tenían su lado de humor absurdo y chorradas habituales, pero ya no eran las bacanales y pasadas groseras de antaño: alguna broma gay, chistes feministas y graciosetas tontas, pero con mucho más control que tiempos pasados. En general más música pero también más simple y directa. Unas mejores otras peores y en medio batiburrillo general. Claro que van apareciendo viejas glorias como Sharleena, Carolina Hardcore, Lets Move To Cleveland, Advance Romance, Muffin Man o el bandido enema. Un doble CD soundboard con momentos brillantes y otros realmente anodinos. Teniendo en cuenta que es uno de los escasos documentos sonoros de 1984, sirve para recordar la época del Zappa más mundano y trivial, y se mire como se mire debe ocupar su puesto en la estantería del coleccionista acérrimo.



Temas
00:00 Heavy Duty Judy (03:05)
03:05 "Introduction Band" (00:49)
03:54 Carolina Hard-Core Ecstasy (06:29)
10:23 Advance Romance (07:23)
17:46 I'm the Slime (04:32)
22:18 Be in My Video (03:22)
25:40 What's New in Baltimore? (02:51)
28:31 Lucille Has Messed My Mind Up (03:09)
31:40 Ride my face to Chicago (03:18)
34:58 Teenage Wind (02:42)
37:40 Truck-Driver Divorce (05:37)
43:17 Cocaine Decisions (02:51)
46:08 Nig Biz (05:49)
51:57 Sharleena (08:02)
1:00:00 Keep It Greasey (03:27)
1:03:27 Honey, Don't You Want ["a Man Like Me?"] (03:59)
1:07:26 Carol, You Fool (04:03)
1:11:29 Chana in de Bushwop (04:01) [Frank/Diva Zappa]
1:15:30 Kreegah Bondola [1984 version of "Let's Move to Cleveland"] (14:40)
1:30:10 Intro (01:04)
1:31:14 He's So Gay (02:30)
1:33:44 Bobby Brown (02:34)
1:36:18 Crew Slut (06:33)
1:42:51 On Women (01:20)
1:44:11 Camarillo Brillo (03:28)
1:47:39 Muffin Man (02:31)
1:50:10 The Illinois Enema Bandit (09:26)




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ROCKLIQUIAS BANDAS : HARD DAYS - Hard Days (2016) (colaboración J.J. Iglesias) rock español

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"Menos es más". "Salir de la zona de confort". Los cojones. Menos es menos. Y si sales de tu zona de confort, lo más probable es que te pegues una buena hostia. No sé a quien se le ocurren esas frasecitas que subliminalmente,  inyectan a la sociedad para manipularla cual José Luis Moreno del gran poder. Bueno, sí lo sé.  Pero no es momento ni lugar para aburriros con mis teorías conspiranoicas. Todo eso iba pensando yo, auriculares a todo trapo influyendo en mi persona, mientras acudía a una cita con mi amigo y compi de redacción,  Alberto Torro. De pronto, un impedimento insalvable. La Cabalgata de Reyes. Los reyes siempre jodiendo. Hasta el punto que, o le echaba pelotas al asunto, enfrentándome a los municipales, o no pasaba. No Guts, No Glory. En los cascos sonando un grupo recién descubierto en Youtube, Hard Days. No sabía nada más de ellos. Nunca lo hago, para escuchar sin prejuicios. La mala uva y el coraje de mi particular banda sonora, hizo que me deshiciera de los uniformados con absoluto éxito. Gracias a las bestias pardas que estaban taladrando mis oídos. Ya con Alberto, le recomendé a "unos tales"Hard Days antes de disponernos, como siempre, a arreglar el mundo. A la semana siguiente me dice Juan Carlos que alguien se ha interesado por nuestra convocatoria de promocionar a bandas actuales de aquí.  "Se llaman Hard Days", dice. Esto no puede ser casualidad. Y aquí me tenéis,  comentando su primer álbum, (tras la maqueta " Live Demo" - 2013),  editado en Noviembre del 2016.


Ellos son Luis Gómez (guitarra), Carlos Ruiz (bajo), Aurelio Domínguez  (voz solista), Fernando Arteaga (batería ) y Francisco Rosado ( Hammond, mellotron, sintes).


"Acid Explosión " (5'45) abre como un huracán sónico la avalancha hard psych de esta banda. Hammond en pugna con chulería guitarrera,  sección de ritmo aplastante y una voz a lo John Lawton, pero con su propio deje. Sí,  esto suena a Lucifer's Friend, Asterix o Hell Preacher's Inc. Lo que viene a ser lo mismo.


"Hey Jimi" (5'34) deja clara a quien va dirigida. En nuestra rock'n'roll religión,  a Dios. Corrosivo wah wah como la sangre de un Alien. Y organada en testosterona pura. 

"Hard Blues" (5'31) también lo dice bien clarito. La clase de esta banda es ya, incuestionable. 

"Souless People" (4'02) es una andanada Purple sin miramiento alguno. Pero Purple del "Fireball" o "Who do we think we are". Del de verdad. Y me los creo, porque aquí hay melodía y construcciones rítmicas con muchas horas de local.

"Hot Wheels" (4'08) es otra genialidad heredada del tío Blackmore. Da gusto oírlos. Vaya regresión cojonuda.

"Maybellene" (5'37), sin relación con la de Chuck Berry, pero con fuerte sabor a Uriah Heep. Es otro retro-ataque a tus neuronas, ávidas de éste tipo de excitantes. Con desarrollo instrumental de inteligente resolución. 

La muy psico "No Future" (4'21) nos eleva por espirales galácticos tales que Iron Butterfly, Virus, Twenty Sixty Six  o Murphy Blend. Casi na. 

"Desert Spirit" (4'42) es un ejercicio púrpura más coverdaliano.

 "I don't need you" (4'39) le mete al mellotron, resultando soñado psych-prog. Un bocado para paladares exquisitos. Aurelio Domínguez, en estado de gracia. Como en todo el disco, vaya. 

Por último "I am Fire" (4'37) cierra este viaje hipnótico a los 70 con otra manifestación lisérgica-litúrgica de proporciones devastadoras. The Who con Ken Hensley al órgano, por ejemplo.


Si este no es el mejor disco hard prog nacional de los últimos diez años, entonces no se cual es.

Conectando directamente con sus paisanos The Storm (Luis Gómez tuvo como profe a Ángel Ruiz, nada menos).

Y equiparándose en la actualidad a Spiritual Beggars sin ningún complejo. Ahora SI que creo en los reyes, los del "Speed King"!!!

P. D. - Nos dicen que son grandes seguidores de Rockliquias. Ahora Rockliquias es seguidora total de Hard Days!

P. D II - Editad esto en vinilo, POR FAVORRRRR.



Contacto:

Correo: Harddaysrock@gmail.com



P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros en nuestro correo : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70

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THE NICE - Fillmore West, December 1969

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Ya lo he dicho en más de una ocasión, Keith Emerson junto a Rick Wakeman y Jon Lord marcaron mi adolescencia musical. Algunos lo llamaron el "Hendirx" de las teclas, yo iría más allá y llamaría a Jimi el "Emerson".  de la guitarra, ja ,ja .

En 1969 The Nice ya se había reducido a un trío, junto a Keith Emerson estaban Lee Jackson (bajo, voz) y Brian Davison (batería). Ese mismo año colaborarían en diversos proyectos con  Rod Stewart (Faces) y Harper (tema "Hell's Angels"). El 10 de octubre en  Newcastle estrenarían su famoso "Five Bridges suite" y pocos días después lo interpretarían en Fairfield con la ayuda de una orquesta, concierto que fue grabado para su posterior publicación. A finales de año tocaron junto a King Crimson, Keith estaba preparado su nuevo proyecto y quería dar por terminado su etapa en The Nice.


The Nice actuó a finales de 1969 en el Filmore West, en concreto nos encontramos ante la grabación del día 12 de Diciembre.  junto a los King Crimson. Se comenta que las conversaciones que tuvieron Emerson y Lake forjaron lo que posteriormente serían los E,L & P. El setlist nos muestra todo el poderío de The Nice. El show comienza mezclando un tema de Bod Dylan, "Country Pie", con el Concerto nº 6 de Brandenburg  de JS Bach. La pirotecnia continua con el tema de Tim Hardin, "Hang On To A Dream", con un increíble interpretación de Keith al piano. Seguimos con ambiente clásico con su versión del tercer movimiento de la sinfonía "Patética" de  Tchaikovsky. Y por fin llegamos al mejor tema, "For Example", donde Keith explota al máximo su virtuosismo. La grabación finaliza con una nueva versión, un tema de Dylan, "She Belongs To Me". Sonido excelente para esta gran joya.



Temas
0:00 Country Pie / Brandenburg Concerto No. 6 
6:36 Hang On To A Dream 
21:30 Pathetique Symphony No. 6, 3rd Movement 
29:45 For Example 
45:00 She Belongs To Me



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AGAPE - Le Troisieme Seuil (1972) (colaboración J.J. Iglesias)

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Estoy seguro de que más de un mal pensado  dirá que me devano los sesos por buscar la cosa más bizarre para ésta sección. Pues no, me vienen solas.


Hoy es un grupo-asociación de Quebec, Canadá.  En un único prensaje privado, de rock (o así ) cristiano, (xian rock, lo llaman), a la mayor gloria (ossanna! 1), del cantante André Dumont. Habitual desde finales 60 en los estudios de la emisora local canadiense de Radio María.  Ignoro si se refiere a la virgen o a la weed. Aquí se reunieron hasta diez músicos,  con nombres muy franceses. Que incluían tres guitarras, dos teclistas,  un encargado de efectos de sonido, un trompetista, bajo y batería.

 El disco está considerado uno de los más raros (y caros) del folk Quebecois. Claro que decir que esto es folk, a secas, es demasiado temerario. Para un purista, un sacrilegio. Desde la miríada de efectos floydianos, al arropo rockero del invento, dramatismo a la Ange, y los omnipotentes  (ossanna! 2) teclados, aquí huele a psych cuasi (y sin cuasi) kraut que atufa. Para redondear más "el producto", tenemos flauta travesera,  acústicas necesarias y guitarra eléctrica más ácida que mis tripas de resaca. Lo que le hace parecerse a venenosos bichos alemanes tipo Gila o Mythos. Las máquinas de escribir se convierten en un instrumento. Y las campanas de la parroquia. Y las sirenas de ambulancia. Estarás pensando que esto es una marcianada infumable (fumable, sí ). Mais non. Parce que este disco posee una rara belleza y un "je ne sais quoi", con momentos de oscuridad, y pasajes psico de extrañas melodías, que no llegan nunca al "alabare,alabare" jipi-parroquial de la época. En verdad os digo que tampoco has de temer a la trompeta, pues no es de Jericó. No está dando la brasa constante. Más bien es usada como un sintetizador más,  soleando por encima del entorno, sin molestar. La segunda cara comienza con el tic tac de un carillón de esos de casa de abuelas, que dan miedo, las casas, no las abuelas. Aunque también. Mientras harpsichord,  flauta, acústicas y percusión  apoyan la afrancesada letanía de Dumont. Witthuser & Westrupp serían una buena referencia alemana ( los padres del cosmic-folk), para este tipo de pasajes en Ágape.


La temática en las letras tiene más que ver con la canción protesta anti-sistema y anti-belicista (los curas rojos, recuerdas?), que con el sermón apalizante de turno.

De nuevo en ésta cara vienen brisas de fluido rosa,  primera generación. Lo más seguro es que las ostias que se comían esta gente fueran acompañadas de algo weno weno. Porque las fugas mentales que se marcan son de mi agrado total, además de bien tocadas y grabadas. Que para ser una criatura parida en la fría nieve del underground, este material se defiende como mil demonios! (ossanna! 3).

Es probable que sea una especie de concept album, pues música y efectos se suceden encadenados durante toda la escucha. Que termina con unos "aleluyas" que para alguno serán recibidos como una bendición.

Pero si te gustan éstas músicas,  sección acid folk psych (planta cuarta), las recibirás con la hospitalidad de un curioso peregrino, en su deambular por la eterna búsqueda  de santos griales krautoctonos. Amén,  brother.

P. D .- "Syd desafinaba toda la guitarra durante una canción , golpeando las cuerdas y desafinandola,  algo...muy moderno (risas). Pero muy difícil para que la banda pueda seguirlo". (NICK MASON)


Temas
A1 Ouverture 5:50
A2 Camarade 2:43
A3 Vous Etes Pas Tannés De Crever 3:20
A4 Avez-Vous Vu Passer Une Colombe? 4:15
A5 Le Jugement Dernier 5:30
B1 Le Temps Des Partances 2:55
B2 Le Printemps Des Pauvres 5:22
B3 Eden 5:22
B4 Le Troisième Seuil 3:05
B5 La Fin Des Temps 6:12




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Twogether ‎– A Couple Of Times 1973

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Twogether, grupo procedente de Dusseldorf formado en 1973 de las cenizas de BBC , formación integrada por miembros de tres bandas ( The Beathovens, Blue Squad y The Crew). El dúo tenía en sus filas a  Klaus Bangert (teclados) y Reinhard Fischer (batería).

En 1973 editan un single y posteriormente el LP, " A Couple Of Times", conteniendo once temas. La banda desaparecería al año siguiente.



Twogether nos muestran un gran muestrario de sonidos. Podemos escuchar progresivo a lo "Emerson" en "Persussion", uno de los mejores temas de la grabación, " Out Of Range " o "On The Move". También encontramos jazz-light en " Toss-Up", con una labor del batería Reinhard Fischer realmente exquisita. Temas a lo "Focus" como " I Look Around ".Algo de Krautrock en "Fusion", tema que cierra el disco. Los temas en los que incluyen voz suelen ser los más flojos y "poperos". En definitiva un disco con un gran comienzo que poco a poco se va diluyendo.



Temas
1. Percussion (0:00)
2. Don't Cry (3:25)
3. Out Of Range (6:21)
4. Make Me Feel Alright (10:24)
5. On The Move (12:51)
6. Toss-Up (16:25)
7. I Look Around (19:20)
8. Meet Me Every Day (24:21)
9. Bolero (27:44)
10. Cathedral (30:27)
11. Fusion (34:13)
12. I Was Away Too Long (single) (38:04)
13. I've Found A Love Again (single) (40:36)

Formación
Klaus Bangert - voz , teclados
Reinhard Fisher - batería



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JACK LANCASTER / ROBIN LUMLEY - Peter and the Wolf (1976) (colaboración J.J. Iglesias)

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Cuarenta años buscando este disco en condiciones bien se merece una celebración - reseña. Al fin en mi poder.

Muy al hilo de lo que había hecho Rick Wakeman dos años antes con "Journey to the  Centre of the Earth", con merecido éxito y narrador inclusive, apareció éste curioso espécimen sólo posible en los experimentadores 70.


Robin Lumley  (luego en Brand X) y Jack Lancaster  (Blodwyn Pig) venían de montar equipo arreglista-compositivo desde The Soul Searchers. Editando un single, "Scaramouche" / "Head Stand" (1975 - EMI) con una formación de altos vuelos: John Goodsall y Gary Moore (guitarras). Percy Jones (bajo) y Bill Bruford (batería ). El avispado lector habrá observado que ahí estaba la semilla de los próximos Brand X.

Su inmediato proyecto seria una adaptación del cuento infantil musical, "Peter and the Wolf", de Sergei Prokofiev. Respetando la obra original, pero rockerizandola a los tiempos de entonces, que eran muy progresivos, evidentemente. El sello RSO de Robert Stigwood, responsable del éxito de Eric Clapton en solitario, "Grease" y "Saturday Night Fever", sería el encargado de editar este extraño invento. Se tradujeron los narradores a cinco idiomas, inglés, francés,  alemán,  italiano y sí,  spanish!


El original británico lo narró Vivían Stanshall (Bonzo Dog Dada Band y el que presentaba los instrumentos en el "Tubular Bells"). Mientras que aquí le tocó esa misión a...Luis Del Olmo!!! Supongo que una mancha en su carrera, eso de aparecer en "un disco de peludos y gente de mal vivir". El plantel de (verdaderas) estrellas en este disco marea. Algo así como un Ayreon de los 70: Manfred Mann, Gary Brooker, Chris Spedding, Gary Moore, Stephane Grappelli, Brian Eno, Keith y Julie Tippett, Jack Lancaster, Robin Lumley, Alvin Lee y, supera el cuarteto de baterías : Jon Hiseman, Bill Bruford, Cozy Powell y Phil Collins. Sin palabras. Aquí encontramos a Brand X al completo antes de formarse. Pero también a la mitad de Colosseum II, (éste disco conecta directamente con el "Variations" del 78, de Andrew Lloyd Weber).


Cada músico tiene un rol/sonido identificable con un personaje del cuento. A Gary Moore le pilló la grabación en medio de una estancia en Thin Lizzy. Se sale,para variar. Los teclados de Lumley, Mann, Eno y Gary Brooker, despiden sinfo-progresivo  en estado puro. Andy Pyle  ( Blodwyn Pig, Savoy Brown, luego con Gary Moore en su etapa blues), Dave Marquee y Percy Jones se reparten las labores de bajo. Alvin Lee y Chris Spedding aportan el clasicismo blues rock de sus guitarras , curtidas con Ten Years After y Sharks. Alguien pensará qué pinta aquí una leyenda del jazz clásico  como es el violinista Stephan Grappelli. Si quieres credenciales prog, pregúntale a  Pink Floyd en las sesiones de "Wish you where here". El violín es "el gato", rol que comparte con Henry Lowther (CCS, Caravan). Perdón por la avalancha de nombres (conste que me dejo), pero es inevitable. Aquí estaba la crema del progresivo de mediados 70. Como se puede intuir, la música es claramente descriptiva, prácticamente instrumental, espectacular y estratosférica. 

Me sobra tanta interrupción del narrador (y más siendo el chatico Del Olmo), pero no olvidemos que es un cuento infantil. Aquí reorientado para fumetas jipiosos sin prejuicios. Garantizo una cosa porque he hecho la prueba. Lo pones después de una cena con los amigos, bien regao of course, y las risas están aseguradas. Además del disfrute de una instrumentación masterpiecera. 

El disco se grabo en los Trident Studios con Dennis McKay en los controles. Puro producto de su época.  No digo más.  Bueno, sí.  Que además incluye un libreto con textos, créditos e ilustraciones del cuento. Una preciosa presentación.  Estoy seguro que éste proyecto  influyó decisivamente a Jeff Wayne para su "War of the Worlds", dos años después. Si se escucha como lo que es, se descubre un tremendo álbum progresivo absolutamente infravalorado y perdido en un rincón,  a causa del aluvión de material editado por entonces.




Temas
A1 Introduction 1:05
Acoustic Guitar – Gary Moore
Chimes – Erika Michailenko
Electric Piano – Robin Lumley
Lyricon – Jack Lancaster
Vocals – Julie Tippett*

A2 Peter's Theme 2:10
Bass – Percy Jones
Drums – Cozy Powell
Guitar – Gary Moore
Saxophone [Saxes] – Jack Lancaster
Steel Guitar – Pete Haywood
Synthesizer – Manfred Mann (2)
Synthesizer [String] – Robin Lumley

A3 Bird And Peter 0:38
Bass – Percy Jones
Drums – Phil Collins
Guitar – John Goodsall
Steel Guitar – Pete Haywood
Strings – Robin Lumley
Synthesizer – Gary Brooker

A4 Duck Theme 1:00
Bass – Andy Pyle
Guitar – Gary Moore
Piano – Robin Lumley

A5 Pond 0:46
Chimes – Erika Michailenko
Piano – Keith Tippett
Vibraphone – Phil Collins

A6 Duck And Bird 2:11
Guitar – Gary Moore
Synthesizer – Gary Brooker

A7 Cat Dance 2:37
Bass – Dave Marquee*
Guitar – Alvin Lee
Violin – Stephane Grappelli*

A8 Cat And Duck 1:32
Bass – Percy Jones
Clarinet – Robin Lumley
Drums – Phil Collins
Guitar – Gary Moore, John Goodsall
Violin – Henry Lowther

A9 Grandfather 3:04
Bass – Percy Jones
Drums – Phil Collins
Guitar – John Goodsall
Lyricon, Saxophone [Saxes] – Jack Lancaster
Piano – Robin Lumley
Slide Guitar – Gary Moore

A10 Cat 0:34
Bass – Dave Marquee*
Violin – Stephane Grappelli*

A11 Wolf 0:46
Synthesizer – Eno*
Synthesizer, Piano – Robin Lumley

A12 Wolf And Duck 3:46
Bass – Percy Jones
Drums – Phil Collins
Guitar – Chris Spedding
Piano – Robin Lumley
Synthesizer – Eno*

B1 Threnody For A Duck 1:51
Arranged By – Geoff Leach
Choir – English Chorale*

B2 Wolf Stalks 0:57
Bass – Percy Jones
Drums – Phil Collins
Guitar – John Goodsall
Synthesizer – Eno*
Synthesizer, Piano – Robin Lumley
Violin – Jack Lancaster

B3 Cat In Tree 2:13
Violin – Stephane Grappelli*

B4 Peter's Chase 1:45
Bass – Percy Jones
Drums – Phil Collins
Guitar – Gary Moore, John Goodsall
Synthesizer – Robin Lumley

B5 Capture Of Wolf 1:27
Lyricon – Jack Lancaster
Percussion – Phil Collins
Synthesizer – Eno*
Synthesizer, Piano – Robin Lumley

B6 Hunters 0:58
Bass Drum – Cozy Powell
Cymbal – Phil Collins
Drums [Snare] – Bill Bruford, Jon Hiseman
Lyricon, Flute – Jack Lancaster
Trumpet – Henry Lowther

B7 Rock And Roll Celebration 2:38
Bass – Andy Pyle
Drums – Phil Collins
Guitar – Gary Moore
Lyricon, Saxophone – Jack Lancaster
Piano – Robin Lumley
Vocals – Bernie Frost

B8 Duck Escape 1:11
Guitar – Gary Moore

B9 Final Theme 5:09
Bass – Percy Jones
Choir – Bernie Frost, Bob Sargeant, Erika Michailenko
Drums – Phil Collins
Guitar – Gary Moore
Guitar [Solo] – Alvin Lee
Lyricon, Saxophone [Saxes], Clarinet – Jack Lancaster
Piano – Robin Lumley
Vocals [Solo] – Julie Tippetts




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BI KYO RAN (colaboración Alberto Torró) rock progresivo japonés

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Son considerados uno de los grupos progresivos de culto japoneses, pero no aptos para todo tipo de prog lovers. Su obsesión por King Crimson es excesiva y no precisamente por el lado más amable de Robert Fripp sino por el más retorcido y caótico y para ello basta escuchar A Violent Music.


Tengo que reconocer que no todo es imitación crimsoniana y que su música tiene su lado interesante y su cosecha propia.


Tienen casi más directos que discos en estudio. Sus primeros trabajos de los años 80 son para mi gusto los más atractivos. Sus quebrados ritmos y obsesiva guitarra tienen su punto no cabe duda. Añadir que las partes vocales son sumamente originales y extrañas y no hay que menospreciar hermosas partes de violín.


Lamentablemente las grabaciones en directo no son muy buenas y si a eso añadimos la aspereza de su música la verdad se hace árduo terminar su escucha. Como es obvio sus trabajos en estudio ganan muchos enteros y no improvisan tanto. Prefiero su música compuesta y elaborada porque precisamente ahí es donde ofrecen lo más interesante y lo más personal de su repertorio. Son muy recomendables sus tres primeros trabajos y en concreto su tercer álbum “Go Un” de 1995 que llega a atraparte en una extraña fascinación.
Discografía:
Bi Kyo Ran (1982)


Temas
Double 14:24
Cynthia 4:19
Psycho (Part II) 1:39
Monologue 7:02
Warning 14:19

Parallax (1984)


Temas
Silent Running 7:57
Prediction 9:28
Suite Ran 21:10

Go Un (1995)

Temas
1 Ran Part II 7:59
2 Journey's End 7:29
3 Omoi-Ire 8:02
4 Psycho Part II-2 6:51
5 21st Century Africa 13:13

A Violent Music (1997)

Temas
1 A Violent City 
2 Feet On The Ground 
3 A Violent Party 
4 A Violent Fort 
5 A Man Of Hand To Mouth 
6 Creep Funk 
7 A Violent Nightmare

Live I Fairy Tales (1987)



Live II Who Ma (1988)



Live III Ran (1994)



Live IV Madoromi (1994)

Deep Live (1995)

Temas
1 Psycho Part II 8:15
2 Psycho Part III 8:11
3 Ran Part II 7:46
4 Deep 7:45
5 21st Century Africa 13:35
6 Vision Of The City 8:10



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