ROCK LIQUIAS

Nick Greenwood fue el bajista que intervino en esa joya exclusiva del Canterbury llamada “Space Shanty” de Khan (1972) y este “Cold Cuts” fue al igual que el anterior, un álbum único.

Greenwood ya había formado parte de los legendarios Crazy World Of Arthur Brown junto al organista Vincent Crane de Atomic Rooster. Es decir nos encontramos con un tipo que formó parte del ensamblaje embrionario del primitivo prog rock con un disco que es una rareza y que tardíamente el tiempo ha hecho justicia. No tengo idea de lo que puede valer el vinilo original pero por ahí dicen que hoy es de los más caros. La formación de este incunable estuvo compuesta además del bajista y cantante Nick, por su compañero en Khan Eric Peachey en la batería, el excelente teclista Dick Henningham, por dos guitarristas: Bryn Howarth y ChrisPritchard respectivamente y por el nada menos ex Mothers Of Invention Bunk Gardner (Zappa de nuevo) a los vientos.

En el trabajo en sí encontramos todo aquel sabor y sonido de la época, a medio camino entre el hard prog, jazz-rock, psicodelia ácida y algo (muy poco) de clásica renacentista con un piano y hammond omnipresentes en una línea que bien podríamos encuadrar entre Nice, Atomic Rooster, Egg, Khan (of course) o incluso los Oblivion Express de Brian Auger.

Tanto el Space Shanty como Cold Cuts salieron el mismo año aunque desconozco en qué orden. Sin embargo este trabajo está más en una línea pysch-acid- prog como dicen ahora, que las excitantes cabalgadas canterburianas del tamden Dave Stewart-Steve Hillage del Space Shanty aunque evidentemente haya conexiones estilísticas.

La flauta y saxo de Gardner y el rugido groove del Hammond organ de Henningham, dominan completamente el ambiente y abundan en una mezcla de estilos como cité anteriormente con cambios bastante curiosos por momentos que incluso podría hablarse de un primitivo rock sinfónico a la The Nice-Egg y conforme avanzas en la escucha ves cómo se cuelan los Blood Sweat and Tears en una repentina brass sección(voz incluída) que te descoloca completamente.

Resulta un tanto peculiar y advertimos por lo oído, que nuestro protagonista quería probar un poco con todo. Eran años de riesgo creativo y había mucho ingrediente por mezclar. Unas veces se acertaba otras no, pero así se hizo la música de los primeros 70´s porque el camino aún estaba por hacer. Un álbum exclusivo para coleccionistas del género y afines al estilo.

Alberto Torró

Temas

1- A Sea Of Holy Pleasure 00:00

Part I

Part II

Part III

2- Hope And Ambitions 07:11

3- Corruption 10:07

4- Lead Me On 13:18

5- Big Machine 17:07

6- Close The Doors 20:48

7- Melancholy 25:18

8- Images 28:43

9- Promised Land 32:04

10- Realisation And Death 35:16

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Este grupo donostiarra se formó en 1982 de la mano de tres estudiantes de la Facultad de Informática de San Sebastián. Toño Cruz (guitarra), Jose María Aguirrezabala (bajo) y Oscar Belío (teclados) y posteriormente se les unió Mikel Torés a la batería. Realizan la grabación de algunas maquetas y consiguen ser elegidos para incluir uno de sus temas en una recopilación de progresivo europeo, Exposure 88, promovido por un joven Steve Wilson y editado por Andraea Records. El disco contaba con la participación de otro grupo español, Harnakis.

Animados por las criticas recibidas en 1990 se autoproducen su primer disco, "Manifiesto", en su propio sello Lednevir. El disco muestra una falta de medios evidente con unas voces mejorables. A pesar de todo se deja entrever un gran potencial.

Nuevamente participan en un recopilatorio, "Ugum II", pero con Juan Carlos Perez a la batería. Su segundo disco llegaría en 1996, "The Meaning", editado por el sello francés Musea. La grabación consta de tres largas suites y cuenta con la colaboración de Ana Loreto.

Telonean a Peter Hammill y en 1997 cuando estaban preparando temas para su tercera entrega deciden separarse.

Casí veinte años después se vuelven a reunir y comienzan a ensayar para retomar el proyecto. En 2012 se incorpora Xavi Martínez (batería) que permanece en la banda hasta 2014. Un año mas tarde publican su tercer álbum, "DHD", nuevamente editado en su sello discográfico.

La grabación nos muestra una gran maduración musical. Las sonoridades que podemos escuchar son una mezcla de electrónica, ritmos hipnóticos a lo King Crimson y experimentación. Todo ello envuelto en un ambiente plenamente de jam donde cada músico decide expresarse sin ningún tipo de ataduras. Música especialmente indicada para escucharla con la luz apagada y dejar volar imaginación.

Contacto:

correo: rivendel@gmail.com

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Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70

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Imaginaros la siguiente situación. Estamos en nuestra ciudad y esa noche tenemos previsto acudir a un concierto de una banda que no conocemos y que nos ha recomendado un amigo. Las referencias sobre el grupo son escasas y durante el concierto nos damos cuenta que ese "power trío" tiene futuro pero todos sabemos que la calidad no lo es todo para triunfar. Esto es lo que debieron pensar en un pequeño local de Hamburgo en 1970 después de la actuación de Big Bertha. Seguro que no se imaginaban que estaban presenciando a uno de los mejores baterías del rock: Cozy Powell.

Big Bertha se formó en 1969 con tres jóvenes músicos ( Dave Ball , Dennis Ball y Cozy Powell ) procedentes de la banda Ace Kefford Stand. Posteriormente se incorporaron Pete French (voz) y Pete Ball (teclados). Editaron dos singles, el primero de ellos contenía "The World’s An Apple"/" Gravy Booby Jam" y el segundo "‘Munich City" que solo fue publicado en Europa. A finales de 1970 Cozy Powell deja el grupo para irse junto a Jeff Beck. Por su parte Pete French se incorpora a los Atomic Rooster. Los nuevos miembros son Mac Poole y Dave McTavish. En 1971 Dave Ball se une a los Procol Harum y la banda deja de funcionar. Posteriormente Dave, Dennis y Cozy Powell volverían a coincidir en Bedlam.

Nos encontramos ante un documento realmente histórico, la grabación de un concierto de los Big Bertha en un pequeño local de Hamburgo el 3 de Diciembre de 1970. Realizaban una gira por Europa y Cozy Powell ya estaba pensando en su nuevo proyecto junto a Jeff Beck. La banda estaba compuesta por los hermanos Ball, Dave (guitarra) y Dennis (bajo), y el batería Cozy Powell. Sonido típico de "power trío rock blusero". Temas largos donde los solos de guitarra se suceden en un ambiente de jam. Podemos escuchar el correspondiente solo de batería en "Munich City ". Como temas destacados los clásicos " Spoonful", " Crossroads" y el largísimo "Never Gonna Let My Body Touch The Ground" con solo de bajo incluido. Sonido bastante bueno.
J.C. Miñana

Temas

1-1 Dave's Idiot Dance 00:00

1-2 The Beast 05:30

1-3 Ring Of Fire 12:00

1-4 She's Not There 16:28

1-5 Munich City 25:25

1-6 Spoonful 30:50

2-1 Crossroads 44:40

2-2 The Stumble 55:05

2-3 Never Gonna Let My Body Touch The Ground 59:40

Rhadpsody In Blue - Abridged Version

2-4 Set Me Free (Freezer On Fire) 01:20:00

Formación

Denny Ball: bajo, voz

Cozy Powell: batería

Dave Ball : guitarra, voz

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Como buen nativo británico viviendo los convulsos tiempos musicales de los finales 70, Michael Shipway comenzó sus primeros pasos tocando la guitarra, (es un decir), en una banda punk del millón que entonces había. Tampoco necesitaba mucho más. en los 80 y por medio de los primeros ordenadores, se interesa por la EM. Amplia su arsenal poco a poco y monta su propio estudio, en donde se desarrolla como compositor y músico de teclados. Será en los 90 cuando exponga su actividad artística al mundo.

"Into Battle" fue su primera grabación, autoproducida en 1990. Posteriormente saldría remasterizada en el sello Surreal to Real, en 1994. Su estilo se estaba conformando, pero ya apuntaba originales trazos en sus lienzos musicales. En el primer tema-título resulta fresco y fluido en tan apenas cinco minutos de exposición. Inevitables sonidos noventeros, (esas flautas de pan....), son bien encajadas melódicamente y con sentido.

"Yellow Streak" (6'10) contiene sampleados de sección de viento funk, para llevarlos hacia una especie de danza tribal de un planeta perdido. Sin evidentes parecidos con nadie, el fondo alegre de la pieza me incita a casi llamarla "Electronic AOR", si es que esto existe!

"Ritual" (8'55) podría formar parte de esa curiosa corriente kitsch-synthwave actual, llamada New Retro Wave. Que rinde culto enfermo a los 80 bien con tonadas de terror slasher style tipo Wes Craven, u odas al pijerio policial de "Miami Vice". De la que tendremos que hablar a no tardar, y que tan bien están haciendo gentes como Com Truise, Futurecop, Perturbator o Carpenter Brut.

Shipway en realidad está sentando sus bases, todavía influido por los recientes aires ochenteros y el reinado digital de los sintes del momento.

"Falling" (3'36), "Land Sailing" (5'37) y "Coming Home" (5'05) tienen connotaciones con trabajos de Johannes Schmoelling y la factoría Erdenklang. Música electrónica a la que todavía no le había llegado la invasión retro-analógica, (y éste puede ser un inconveniente para algún oyente), pero donde los sonidos están elegidos con gusto, sin chabacanería, y la melodía es la reina de las composiciones.

En "Capture" (7'53) puede comprobarse, quizá con algún ramalazo kitariano. Aunque Michael Shipway se esmera en refrescar el panorama con ágiles cambios melódicos que no dan tiempo al oyente a "tediosas reflexiones".

"In the End"(3'54) pone fin a un agradable disco de progtronica emparentada con la escuela holandesa, (de hecho Shipway formó en el catálogo del sello Groove). Esto es, propuestas positivas, cristalinas y algo softies, pero alejadas de la peste "niueis", y más próximas a la evolución berlinesa. Algo en lo que nuestro hombre ha profundizado con el tiempo (escucha "Voyage to Venus", por ejemplo). Con el nuevo siglo, se alió con el sintetista Steve Smith, dando forma a los retro-berlineses VoLt, de los que daremos cuenta en un futuro. Continuará.

J.J. IGLESIAS

Temas

1 Into Battle 4:55

2 Yellow Streak

Piano [Solo] – Steve Smith (13)

6:10

3 Ritual 8:55

4 Falling 3:36

5 Land Sailing 5:37

6 Coming Home 5:05

7 Capture 7:53

8 In The End 3:54

9 Into Battle (Enigmatic Mix) 5:08

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Durante los 80 recuerdo que estuve enganchado a los guitarristas del tipo Satriani, Vai, Andy Timmons, Vinnie Moore, Jon Finn, etc. Mas de veinte años después la cabra vuelve al monte de la mano de Guilherme Spilack, excepcional guitarrista brasileño.

Guilherme Spilack estudió guitarra con el profesor Antonio Alves Cruz y se graduó como productor fonográfico en la universidad de Anhembi Morumbi. En el periodo de 2007 a 2012 estuvo en la formación heavy, Reviolence, con los que grabó dos EP's y un larga duración, "Modern Beast" En octubre de 2012 deja la banda y se incorpora a los Children of the Beast, grupo de versiones de Iron Maiden, de algo hay que comer. realizando giras por toda latinoamérica. En 2014 inicia un nuevo proyecto, StringBreaker, basado en sus influencias del rock guitarrero de los 70. Sube algunos temas a la web y un vídeo promocionando un nuevo amplificador.

Guilherme junto al batería Sergio Ciccone y al bajista Robinho Tavares editan en 2015 su primer disco como StringBreaker and the StuffBreakers.

Conjuntamente con el grupo Hellbily Rebels realizan el evento "SideWalk Rock" para presentar sus trabajos en la calle.

En 2016 llega su segundo disco, "Re-Breaker", con un nuevo bajista en la formación, Nelson Donizeti .

Su tercera producción llega como disco en directo. Grabado en el Bar Manifiesto en Sao Paulo el 21 de abril de 2017. La grabación nos muestra a un Guilherme en plena forma recordando sonidos hard rockeros blues de los 70 mezclados con los guitar hero de los 80. Se nota que a mamado de buenas fuentes, en dos de sus temas podemos oír referencias a los Rush, "Travel at the Southern Lands" y "The Long and Short of it". El tema "Eventide " me recuerda mucho a la forma de tocar de Andy Timmons. También se atreve con una versión de "While My Guitar Gently Gonna Leave You (Medley)" mezclada con aires zeppelianos. Especialmente indicado para los amantes de las emociones guitarreras instrumentales.

J. C. Miñana

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Esta historia comienza un poco reguleras, pero luego se arregla. Nos tenemos que remontar a los tontorrones tiempos del doo-woop,en los finales 50. Un estilo de rocanrol bastante ingenuo e infantiloide, pero era lo que había. Dion and the Belmonts fueron unos ases del asunto. Y en sus filas militaba un tío con superpoderes en la batería y atronadora voz, llamado Carlo Mastrangelo, vecino del Bronx. Solian ir de gira con Buddy Holly, el cual le propuso pasarse a su grupo hasta en un par de ocasiones. Finalmente cuando el boom del rock'n'roll se relajó, Carlo se uniría a una banda de New York llamada The Endless Pulse. Con ellos grabó una serie de singles entre el 68 y 69. La cosa se reduce a Pulse (con el "featuring"), cuando Carlo se hace con las riendas del grupo a nivel compositivo. Grabando a finales de 1971 su único álbum en el pequeño sello Thimble. Lo produce un reputado hombre de jazz, Orrin Keepnews, que ya había trabajado con Wes Montgomery, Thelonious Monk y Bill Evans. Esto iba a ser distinto.

Pulse estaba compuesto además de por Carlo en la batería y voz solista, por Kenny Sambolin (bajo, voces), Richie Goggin (guitarras, voces), Chris Gentile (órgano), y el invitado Bill Golden que participa en diversos teclados.

"Understanding" (6'03) comienza como un score de película de Clint Eastwood de ésa época, versión poli duro contra la droga de los jipis guarros. La voz de Mastrangelo es poderosa, (y también los coros). Y esto se convierte ipso facto en un festín hard-prog-psych de categoría nivel Premium. La organada es hermosa, los ritmos, incluyendo percusiones, sobrados, y las progresiones deudoras de Iron Butterfly/Vanilla Fudge. El break instrumental por la mitad recuerda a lo que harán combos de tierra helada, más adelante. Fruitcake o Anekdoten, por ejemplo. Lo de utilizar un kazoo como otro instrumento solista más, en avalancha, no deja de ser sorprendente.

"Peace I" (1'11) es una reflexión al Hammond que no quedará ahí. ..."I Want to Live" (4'43) suena como muchas retro-psych bands de ahora estilo Siena Root o Mondo Drag. Sólo que esto es genuino y de su tiempo. Con tremenda andanada hard que los iguala con monstruos criptozoologicos del peso de Child, Sugarloaf, Lee Michaels o The Masters of Deceit.

"I'll Cry Tomorrow" (6'43) tiene en su intro con kazoo una surreal entrada, algo así como John Coltrane meets Los Payasos de la Tele. Pero la (tardo) psicodelia era así, hermano. Los Thirteenth Floor Elevators soplaban un botijo (o parecido) como instrumento desequilibrante, y han pasado a la historia. Eso no quita para asistir a un pedazo de pieza progresiva intransigente con lo mejor del momento.

En la cara b "Why Can't She See Me?" (3'54) es otra gema que Mark Stein les hubiera birlado gustoso para sus Fudge. Richie Goggin luciendo las seis cuerdas como si no hubiera más guitarras en el mundo.

"Peace II" (1'11) vuelve a barroquizar con el órgano. En "She's Coming Home" (3'06) el paso de la psico al prog se hace patente, quizá algo tarde ya, pero un buen tema siempre es un buen tema.

En cambio el comienzo de "Break of Day" (4'29) es puro hard rock no distante del otro Richie y sus Purple del "Fireball". Excelentemente tocado, cantado y percusioneado (de esto en cantidad en todo el disco). Situalos por el "Sufficiently Breathless" de Captain Beyond y no te irás mucho. Los Vanilla Fudge también encantados.

"Long Ago" (6'32) es otro hermoso óleo prog que, si Freeport, Katmandú (los del sello Mainstream), o Salem Mass te suenan a chino (lástima que no los vendan en sus tiendas), te guiará más si te los comparo con los primeros Uriah Heep, o cualquier monster british downer de primer nivel.

Para terminar, "Peace III" (1'07) es otra demostración de Hammond sacro, que te deja listo para volver a empezar.

Carlo Mastrangelo continuó junto a Kenny Sambolin (al que le atribuyen material escrito para Mahogany Rush, que me digan donde......) en el grupo The Midnite Sun. Mastrangelo falleció el año pasado.

"Pulse" es un disco de muy alta nota (a pesar del kazoo), que tuvo versión posavasos plateado, y que debería salir en cada uno de esos dossiers sobre el prog USA 70s. Vale, a lo mejor es un poco "proto", but i like it.

J.J. IGLESIAS

Temas

1 Understanding

2 Peace (I)

3 I Want To Live

4 I'll Cry Tomorrow

5 Why Can't She See Me?

6 Peace (II)

7 She's Comin' Home

8 Break Of Day

9 Long Ago

10 Peace (III)

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Pasan dos años desde el anterior trabajo y la banda de Tillison emprende vuelo otra vez ahora con el nuevo fichaje y jovencísimo guitarrista Luke Machin que va a asentarse de forma estable hasta el momento. También Paul Burgess es sustituido en los tambores por un tal Nick Rickwood.

Se ve que es jodido en este siglo un asentamiento fijo en una banda de rock progresivo y muchos de sus asientos se enfrían rápidamente. Los chalados de Canterbury hacían constantemente lo mismo. Cantamañanas… gente inquieta o es que se avergüenzan después de lo que hacen…?. En esto hay muchos os lo aseguro y dan pena. La patología en el mundo de la música es mucho más rarita de lo que la gente cree. Probablemente porque estamos todos completamente locos y ya sabéis que la locura es un bien común siempre que seas ateo y ácrata, bebas cerveza, utilices la inteligencia, el buen humor y no te dé por las creencias religiosas o la engañosa vida sana y la moda del deporte (vivirás menos si sales a correr) Y si además tienes pensamiento neoliberal vas camino directo a la tontuna. Es peor un neoliberal que un facha o un comunista (estos se parecen mucho pero no son tan malos y bordes) Porque entonces ya perteneces a la imbecilidad congénita y la locura insana que es la guinda. Prácticamente devienen en lo mismo. Bueno después de mis recomendaciones de autoayuda, volvemos al asunto, pues Tangent aquí han puesto un listón que a ver quién es el listo que lo supera. Hoy por hoy no hay bandas progresivas con semejante potencial (y lo sabesss)

The Wiki Man (20.14) otra epic track para sacudirte a gusto la cabeza y olvidarte de la estupidez del mundo. Así da gusto. La música es un antidepresivo natural, tanto la oscura y siniestra como la luminosa y lírica. La una porque te vacuna y te endurece ante la realidad asquerosa de la vida y la otra porque saca lo mejor de nosotros mismos y lo mejor de nosotros es siempre fantástico. Ying y Yang ya sabes. Introducción a la Wakeman-Emerson- Uk pletórica de buenas vibraciones y alegría. Nada de dormirse. Para eso ya están los neo prog alternativos. La áspera pero personal voz de Andy, al igual que un Hammil en sus momentos asilvestrados conduce la pieza en pleno feeling y desbarre instrumental completamente setentero y adictivo. El chaval de la guitarra es un prodigio tocando. Las partes Groove piano órgano están perfectas y el sinte solista desafía a todos con energía y gusto. Hay remansos porque algo muy importante en música son los “silencios sonoros” esos puentes que a la vez abren nuevas puertas y permiten que el aire y la respiración corran y se expandan. Se palpa el sentimiento y la técnica en perfecta comunión hasta que la bestia despierta y nos pone de nuevo en marcha. Andy es un sintesista-teclista de primer orden y sabe mucho el cabronazo de él. Sabe cómo construir un tema largo con sentido y lógica y pocos músicos hoy día son capaces de ello. 20 mtos que se hacen cortos y ese es el mejor piropo para un músico.

“The Minds Eye” cambia de registro y es algo más paranoica y grave…casi space rock emersonizado…ufff curioso…Gong…Bruford al fondo y National- Hatfield soltando humos. Densidad y tensión que se resuelve a la Hillage-Ozric. Mezcla rara y que guitarra santo cielo!!!. Mucha clase, pero que mucha. La evolución de The Tangent va sorprendiendo en este disco. Los que hablamos de música somos conscientes del riesgo que supone “ilustrar con literatura” lo que oye tu cabeza. Nadie oye igual y ahí está lo fascinante. La música es el arte más abstracto que existe. Mucho más que las cuatro manchas retorcidas de Picasso o la hermosa perfección pictórica de Louis David. Va más lejos y eso es un reto.

La delicadeza inicial casi Metheny de “Soot Them Down” y el hermoso saxo de Travis nos hacen mirar de nuevo el atardecer lejano y una guitarra llorosa y bajo sin trastes ayudan a ello. Los Floyd-Gilmour de hoy no están muy lejos tampoco. Sin embargo es una pieza muy estandarizada del prog de hoy…abúlico de sofá pero claro perfectamente realizada.

Vuelve el toque Canterbury-organ, incluso el fantasma de Ian Anderson en la siguiente “Tech Support Guy” y Luke Machine vuelve a alegrarme con su fino gusto a la guitarra y tillison se deshace en elogios con el hammond. Tan solo se trata de una buena pieza prólogo de lo que viene.

Ahora el Titanic va a llamar desesperadamente al Carpathia en una suite de casi 17 mts y esta historia trágico-épica de 1911 se nos aparece de nuevo en una descriptiva música casi deudora de los inicio clásico modernistas de principios del siglo XX. Tillison se nos revela como un amante de la clásica modernista de la belle epoque y a partir de aquí compositores inmortales van a ser su influencia. La música ahora es muy descriptiva y va a ser una pequeña película musicada. Dejo al oyente que disfrute los diferentes y no siempre fáciles y amables pasajes del desastre. UK están muy presentes en esta enrevesada pieza de rock-jazz-rock-sinfonismo y conviene mirar el prospecto para evitar efectos secundarios.

En general un disco verdaderamente genial y que les viene muy grande a los seguidores de lo alternativo, lo neo, lo post y lo metalero. Para hacer esta música no basta con aprobar alguna asignatura prog, hay que hacer la especialización y sacar sobresaliente en el máster y aun así esperar unos años de veteranía y conocimiento. Pero no os desaniméis chicos, nada es imposible
Alberto Torró

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Bajo el pseudónimo The Winstons este trio italiano procedentes de Milan tienen su origen en la escena rock indie completamente deudora de los sonidos del pasado psicodélico.

Lino Gitto, Roberto Dell y Enrico Gabrielli se reparten toda la instrumentación de teclados, viento, guitarra, bajo y batería al tiempo que todos cantan y además en la misma línea irónica que practicaron los locos de Canterbury en los primitivos inicios. Todo muy vintage, muy psicodélico con ese toque absurdo y floripondio ya muy pasado de moda que caracterizaba a los grupos de mediados de los años 60. Todo premeditado naturalmente y recreando esa atmósfera británica que conocimos como British Invasion. Sinceramente no sé si son un grupo musicalmente “serio” porque la delgada línea entre lo “Old Fashioned” y lo pretendidamente moderno que quiere reivindicar un añorado pasado, se confunde.

El caso es que se han vertido muchos elogios y han cargado de estrellas este su único álbum hasta la fecha y un “Live In Roma” como complemento. Me huele todo algo snob sinceramente. Las voces son un claro tributo y muy descarado a Robert Wyatt y a los aspectos más patafísicos y bromistas del Canterbury. De hecho suenan como unos adolescentes Soft Machine. Muy conseguido realmente pero nada que se pueda considerar algo original. No solo los británicos quedan en el poso del sonido antiguo. Hay algo de costa oeste tipo Byrds Si escuchas el sonido del órgano Farfisa, aquel cacharro cuya carcasa oscilaba entre plástico metalizado y formica o nácar chillón que sonaba a tastarro encantador, veras una clara premeditación. Rick Wright de Pink Floyd o incluso Doug Ingle de los Iron buterfly utilizaron este dinosaurio de las teclas y hasta yo llegué a tocarlo con 14 años y no sabía ni poner una nota.

La música de los Winstons es una postal desgastada y esa es su gracia. Sin embargo me parece una rebuscada franquicia demodé orientada a lo nostálgico. Pero también resulta que los que escribimos en Rockliquias tenemos bastante de nostálgicos y de retro y principalmente si es rarito y fuera de estándares. No es nada personal es solo por tocar un poco los eggs a los que nos puedan llamar desfasados, frikis o fuera de onda (si hay alguien que lo piense, que seguro). Hay mucha tendencia actual a recrear la vieja psicodelia y el viejo retro- rock greñudo, la palabra “stoner” está hoy en boca de los revisionistas del pasado. Aún recuerdo un comentario escrito en una revista modernilla de los 80´s que decía: “si en una reunión de amigos dices que hoy te gusta la música de Frank Zappa vas a quedar fatal” Que curiosas son las épocas. Conste que nosotros siempre estamos por lo original y no la copia. Salvo que la copia supere al original, cosa escasa en posibilidades y con alto margen de improbabilidad.
Alberto Torró

Temas

1. Nicotine Freak 00:00

2. カンガルー目(Diprotodon) 04:33

3. Play with the rebels 08:42

4. ... On a dark cloud 12:23

5. She's my face 20:16

6. A reason for goodbye 24:38

7. Dancing In The Park With A Gun 30:39

8. Viaggio Nel Suono A Tre Dimensioni 35:55

9. Tarmac 39:28

10. 番号番号 (Number Number) 42:58

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Cada vez que os presento por aquí una banda de Zaragoza, tengo que hablar irremediablemente de buenos amigos. Es lo que tiene haberse empleado a fondo en la noche. Con dos bares de nombre "Morrison Hotel" (en los 90) y "Hendrix" en los dosmiles, esto es normal.

Con el insano hambre de mordidas por parte de las sacrosantas instituciones hacia esos lugares, además de que la cultura les da mucho miedito, un buen día les cerré la puerta en los morros. Y descubrí la felicidad. No, no los echo de menos. Pero quizá sí a muchos de mis parroquianos, jóvenes y veteranos, con los que pasé muchas horas escuchando la mejor música que pude ofrecer. Algo del ADN del "Hendrix Bar"se quedó enredado en las neuronas de My Expansive Awareness. Porque estaban alli a todas horas y ese mágico lugar (aseguro que lo es), marca.

Los vi como grupo por primera vez abriendo un bolo de los alemanes (recomendados), Vibravoid. Con toda sinceridad, me encantaron. No sólo recreaban el tiempo musical que ejercen perfectamente. También sabían hacer canciones que sonaban casi a clásicas instantáneas.

Entre el 2013 - 2014 se formaron, editaron el EP "Uroboros" y crearon su propio sello Analog Love. Se involucran en el Zgz Psych Fest, el cual se celebra anualmente. Y tocan en todas partes, festivales, finalizan o ganan concursos, o se van a mostrar sus alucinadas esperanzas por Alemania, Portugal, Francia, Turquía o USA.

En 2015 sale su espléndido debut, lleno de naturaleza espontánea, que refresca la naciente nueva psicodelia hispana. Aparecen en uno de los samplers de la Classic Rock británica, dedicado ese mes a a las mejores propuestas psico mundiales. Y ellos mismos editan en su sello el recopilatorio "Spanish Neo-Psych Collection".

Actualmente la formación la componen José Briceño (guitarra, voz), Lucía Escudero (voz, percusión ), Juan Gracia (batería), Diego Luis (synths, Farfisa) y el más reciente Jota García al bajo.

Este año han editado su segundo, "Going Nowhere", grabado el verano del 2016. Y siguen su evolución meteórica a pasos agigantados. Da la impresión de que esta banda no para ni un segundo.

El tema-título abre con definitivos bowierismos instrumentales, pero la conjunción de las voces de José y Lucía, nos recuerdan que su sonido es My Expansive Awareness de marca. Space rock sin miramientos, que hubiera encantado a los habituales del UFO o el Middle Earth en el Londres de finales 60.

"Heaven" es un perfecto single, de inteligencia melódica y radiable solvencia....en un mundo que ya no existe. Necesitamos soñadores como éstos.

La fidelidad sonora, nada de artificiosos attrezzos truculentos, sigue en "The Wheel". Donde su nebulosa musical admite vibraciones casi reggae. Todo encaja. Y a mí me recuerdan a tantos dreamers de antaño, de los buenos, que diré December's Children por sólo nombrar uno.

El espíritu de un Barrett flamenco levita sobre "Never Got what you Wanted" con soltura y naturalidad. Estos tíos tienen esa gran virtud.

Otra gema es "Life'", manifiesto surrealista de morbosas melodías y dedicado trabajo artesanal, no muy alejado de los inolvidables Sapphire Thinkers. Los delays y espirales sintetizados sin fin, casi los acercan a Hawkwind en "Talking". De hecho los de Dave Brock "inventaron" el sonido punk del 77, y éste corte algo de eso lleva.

La reflexiva "We All Die" es como una jam entre Paul Kantner y Grace Slick en un concierto de Procol Harum. Pero también pasaría el filtro de ilustres contemporáneos como White Willow o Paatos, porque su calidad va pareja a ellos.

El instrumental "Bamboo" es un arranque kraut excepcional, con mucha sabiduría en su desarrollo y recuerdos para Embryo, Popol Vuh o Yatha Sidhra sin ningún tipo de complejos.

Terminando con "My Expansive Awareness", apropiado himno del grupo que destila hasta esencias country-místicas, con su steel y todo. Como unos Navasota del nuevo siglo.

"Going Nowhere" es un trabajo coherente y pensado, que solidifica un estilo que ya comprobamos magnífico en sus principios. Y que abre el futuro de la banda hasta donde ellos quieran llegar, porque aquí hay mimbres de oro.

Me gusta pensar que, como en el anuncio de la tele, éste disco tiene "un poquito de mi". Encantado me tiene.

J.J. IGLESIAS

Contacto:

correo: lolo@analoglove.es

Bandcamp https://myexpansiveawareness.bandcamp.com/

Facebook https://www.facebook.com/myexpansiveawareness/

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The J Geils Blues Band se formó a mediados de los 60. Sus tres primeros miembros fueron el guitarrista John Geils, el bajista Danny Klein y el armonicista Richard Salwitz (Magic Dick), posteriormente se les unieron Stephen Bladd (batería), Peter Wolf (voz) y finalmente Seth Justman (teclados).

En 1970 fichan por la Atlantic Records y abren conciertos para Johnny Winter , BB King y The Allman Brothers entre otros. En Noviembre editan su primer disco, "The J. Geils blues Band", y en el 71 llegaría "The Morning After". Dos años más tarde y con un buen numero de seguidores editan dos Lp's en un año, "Bloodshot" y "Ladies Invited ", consiguiendo subir en las listas dado el carácter comercial de algunos de sus temas. Durante la década de los 70 publicó cuatro discos mas: "Nightmares...and Other Tales from the Vinyl Jungle" (1974), "Hotline" (1975), "Monkey Island "(1977) y "Sanctuary" (1978). En los 80 llegaron a los primeros puestos con "Love Stinks" (1980) y "Freeze Frame" (1981). El single " Centerfold" estuvo seis semanas como número 1. En el 82 son teloneros en la gira de los Stones incluidos los conciertos en España. Ese mismo año ve la luz su LP en directo "Showtime". En 1983 Peter Wolf abandona la banda y un año más tarde editan su último disco, "You're Gettin' Even While I'm Gettin' Odd", antes de separarse en el 85.

La grabación nos presenta la actuación de The J. Geils Blues Band en sus inicios. El concierto se realizó en Montreal en el New Penelope Club en Septiembre de 1968. El grupo estaba compuesto por J. Geils (guitarra), Peter Wolf (voz), Danny Klein (bajo), Magic Dick (armónica) y Steven Bladd (batería). El Setlist está plagado de temas clásicos de blues "You Don't Love Me", "Rock me baby", "Don't Start Me Talking", "It Hurts Me Too".... Grande muy grande J. Geils a la guitarra y por supuesto la armónica de Magic Dick. Una grabación con excelente sonido de más de hora y media que se pasa volando.
J.C. Miñana

Temas

1. dust my broom 00:00

2. Look over yonder 05:25

3. Slow Blues Jam 10:30

4. You Don't Love Me 19:45

5. Orange Driver 25:30

6. Something you got 31:00

7. Smokestack lightin' (w/ band intro in middle) 35:10

8. Rock me Baby 48:45

2nd set

1. Geis Magic Jam 02 54:15

2. Somebody's gotta go 59:10

3. Help me 01:03:45

4. Peter Wolf Into 01:12:00

5. everythings gonna be alright 01:12:10

6. It hurts me too 01:15:05

7. Black Night 01:20:20

8. Do The Funky Broadway 01:26:10

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Probablemente uno de mis pre-sintetistas favoritos, y verdadera influencia para todo bicho viviente que estaba por llegar.Su marca está en el Kraut, el Canterbury más avanzado, el R.I.O. el rock de cámara y progresivo en general. También en los charlatanes de feria que "inventaron la rueda" en los 80-90 (dónde están ahora todos aquellos mesías que nos anunciaba en Radio 3, "la voz de la NBA"?!....).

Nacido en California en 1935, Riley estuvo envuelto en la comunidad experimental de San Francisco Tape Music Center, trabajando con otros visionarios del talante de Morton Subotnick, Steve Reich o Pauline Oliveros. La influencia de su profesor Pandit Pran Nath, maestro de canto clásico hindú, fue decisiva en su estilo. El cual también tuvo como pupilo a La Monte Young.

Riley hizo numerosos viajes a la India, en busca de pensamiento, y arte espiritual que enriqueciera su obra. Y vaya si lo logró. Interesado también en las nuevas formas de Jazz, cita a John Coltrane, Miles Davis, Charles Mingus, Bill Evans y Gil Evans, como parte influyente de su estilo en proceso. Sin olvidar al maestro de la vanguardia, John Cage.

"A Rainbow in Curved Air" fue su tercer trabajo experimental, sexto en su discografía, que había comenzado en 1963 con "Music for the Gift".

Dos únicas piezas, una por cada cara del vinilo, lo componen. El tema-título con sus 18'39 mts, sorprende por su estrategia melódica muy avanzada para su tiempo. Con sólo un órgano y un electric harpsichord (que él llama Rock-Si-Chord), como equipo teclistico. Algo de percusión es utilizada con un dumbec y tambourine, por supuesto, todo tocado por Riley.

En mi opinión, un verdadero inventor de las reiteraciones evolutivas que tanto papel harán en el posterior desarrollo del progresivo (eh, Sr Oldfield?) y de la electrónica más atrevida, particularmente de la Escuela de Berlín. Todos los grandes sintetistas posteriores pueden verse reflejados en la manera de componer, o "descomponer" improvisando, de Terry Riley. Como decía John Cage, "la música es una experiencia sonora casual". O una composición del momento, añado.

Una forma revolucionaria de entender la música, que inspiraría toda la próxima psicodelia y sus ramificaciones (no siempre acertadas). Escuchando ésta sublime pieza llena de bucles sonoros e hipnotismo pletórico de mantras sonoros casi religiosos, estamos asistiendo al nacimiento del rock cósmico, todavía no así denominado, pero que en manos de Riley evoca perfectamente lo que nos traerán luego los Florian Fricke, Peter Michael Hamel, Michael Hoenig, Walter Wegmuller y todos los "correos cósmicos " más famosos : (TD, Schulze, Gottsching, Dollase, Reichel, Schmidt....).

La segunda cara contiene "Poppy Nogood and the Phantom Band" (21'38), (que parece el nombre de una banda punk del 77!!). Aquí incluye fuerte overdubbing en forma de masa sonora hecha con varios instrumentos. Loopeando dos tape machines, -puro arte primitivo del sampler-, y agregando órgano y saxo inspirado en su amado Coltrane. El cual le hubiera hecho la ola de haber podido escuchar esto. Trágicamente dejaría éste mundo justo cuando ésta música se estaba creando, en 1967, (aunque el album no saldría hasta el 69).

Si en la primera cara asistimos casi al parto de la Berlín School, en la segunda lo hacemos del Rock in Opposition. Tal es la importancia clave de éste fabuloso álbum. Que incluso inspiró a los progers Curved Air su propio nombre.

En el 2007 Riley hizo una revisitacion live de "A Rainbow in Curved Air", asistido por Willi Wynant en la percusión y Mikhail Graham en los sintetizadores. A sus 82 años, Terry Riley sigue alucinando con su inacabable fuente de creatividad, sabiduría y visión de futuro.

Una obra maestra digna de un GENIO.

J.J. IGLESIAS

Temas

1. A Rainbow in Curved Air - 00:00

2. Poppy Nogood and the Phantom Band - 18:46

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Quién me iba a decir cuando se me caía la baba escuchando los discos de Uriah Heep en mi adolescencia que tendría tan cerca a uno de sus miembros. Ken Hensley vive a tan solo unos 20 kilómetros de mi lugar de residencia. Agost es un pequeño pueblo de Alicante donde disfruta de un retiro dorado el genial músico. La elección del lugar le viene debido a que su mujer, Mónica, nació por estas tierras. Incluso su esposa regenta un bar en una localidad cercana, Novelda, donde podemos admirar algunos de los recuerdos de la mítica banda. Lo cierto es que no es el único caso, no diré nombre para no desvelar su anonimato pero en más de una ocasión me he encontrado "Rock star" paseando tranquilamente por la playa.

Toe Fat se formó de la mano del cantante Cliff Bennett en 1969 tras la disolución de su banda la Cliff Bennett Band. El resto del grupo lo componían Lee Kerslake (batería), Ken Hensley (guitarra, teclados) y John Glascock (bajo, en los créditos aparece como John Konas). Su primer disco llega en 1970, "Toe Fat", pero las buenas críticas no se ven reflejadas en las ventas. Antes de embarcarse en una gira por USA con los Derek and the Dominos, Hensley abandona el barco para formar parte de los Uriah Heep, posteriormente seguiría el mismo camino Kerslake. Teniendo como nuevos miembros a Alan Kendall (guitarra) y Brian Glascock (batería) editan su segundo disco, "Two". En el 71 se separan definitivamente.

En este primer disco de Toe Fat podemos encontrar buenos temas hard rock. La fuerza vocal de Bennett respaldada en todo momento por las guitarras y teclados de Hensley constituyen un buen aliciente para escuchar los diez temas que constituyen el disco. Buenos riffs de un joven Hensley que posteriormente brillaría en los Uriah Heep. Temas destacados "That's My Love For You", "Nobody"y "Working Nights ". Como dato curioso la portada es de unos incipientes Hipgnosis. portada que fue censurada en Estados Unidos, los torsos desnudos de la izquierda fueron sustituidos por un corderito, ridículo.

J.C. Miñana

Temas

That's My Love For You

Bad Side Of The Moon

Nobody

The Wherefors And The Whys

But I'm Wrong

Just Like Me

Just Like All The Rest

I Can't Believe

Working Nights

You Tried To Take It All

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No es por ponerme exquisito ni hacerlo a mala hostia, pero poco os puedo comentar como datos esenciales de éste disco. Tampoco Internet me ha ayudado mucho.Se supone que fue una banda procedente de Miami, Florida. Y que en sus filas, presuntamente, estaba a la guitarra todo un Mike Pinera. En otros sitios, para liar más la cosa, pone que sólo fue el productor. Cuadra el hecho de que el área de acción del legendario guitarrista era esa, precisamente. Así que puede que estemos hablando del mismo hacha que se batió el cobre en Blues Image, Iron Butterfly, Ramatam, Thee Image, Alice Cooper y The New Cactus Band, ahí queda eso. Además de jamear con el mismísimo Hendrix o Page, y salir airoso de la contienda.

En mi dedicada acción detectivesca, puedo intuir ciertas cosas. Que el disco salió de sus bolsillos, (Illusion Records- "The Grand Illusion"). En 1977 Mike Pinera editaba "Isla" para Capricorn, con la misma formación de Thee Image. Y si comparamos ese disco del mismo año, con el de The Fanz, vemos parecidos y similitudes. Salvo que "The Grand Illusion" es muy superior. "Isla" tiene su punto, agradable, elegante y con alguna inclinación latín rock.

El primer tema de nuestro disco de hoy, "What is Real", es un coctail entre Funkadelic (mucho toque P-Funk), el Santana más jazz rock, y una voz estilo Robert Plant en su debut "Pictures at Eleven". Incluye percusiones y fuerte apoyo bateristico (dos kits?). Algo que a Pinera siempre le ha gustado. Desde luego la guitarra aquí es excepcional, casi al nivel de un Jeff Beck, y el órgano se acerca a la generosidad de Tom Coster.

"Leaders of the World" es otra maravilla en plan jam entre el Santana del "Lotus" y el Frampton del "Comes Alive".

En "Dead End Street" tenemos ese punto negroide hecho por blancos (aunque ignoro el color de The Fanz), que tan buenos resultados daba a mediados 70, y estoy recordando a Bob Welch, por ejemplo. Con la chulería y macarrismo que aporta una brass section funkynosa nada desdeñable. La fogosa guitarra que te levanta todo cual viagra emocional, sigue calentando la sangre despiadadamente.

"Look to the Sky" es de orientación bluesistica. El Hammond cizañea a toda la base rítmica, para que las seis cuerdas se pongan todo furas como un Miura cabreao (que pa' todo tiene, el animal).

Damos la vuelta a tan curioso artefacto, y "Peace Maker" no estaría alejada de discos "malditos" de Iron Butterfly, como "Sun & Steel" o "Scorching Beauty", que a mí siempre me parecieron bastante decentes, dicho sea de paso y con perdón de los "psiconazis".

"Jailbait" es un instrumental tremendo de Jazz rock salvaje que en "Wired" o "Blow by Blow" quedaría niquelao, emersonianas teclas inclusive. "Tired & Wired" es otra joya muda con impregnación Jan Hammer, Stanley Clarke, Bootsy Collins y George Clinton, toma ya.

Finalmente "Don't Hide it" es una ráfaga de subfusil ametrallador hard rock psych deudora de Spirit, James Gang, MC5 y Captain Beyond. Que se caga la perra (con perdón ) de lo bueno que es esto.

Puede que la portada parezca un disco barato (para nada lo es!) de sinfonola de futbolines setenteros. Pero The Fanz le atizaban al hard-psych-funk-jazz rock con músculo fibroso criado en la obra, (nada de "gym pilates, pijaito! ). Mis "votos rockliquianos " y mi juramento friki me obligan a daros a conocer estas cosas tan cojonudas aunque vayamos escasos de info.La gozada celestial está garantizada, feligreses todos. Amén.

J.J. IGLESIAS

Temas

A1 What Is Real 5:35

A2 Leaders Of The World 4:05

A3 Dead End Street 3:45

A4 Look To The Sky 4:20

B1 Peace Maker 1:25

B2 Jail Bait 4:30

B3 Tired & Wired 3:40

B4 Don't Hide It 3:25

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Parafraseando a la Consagración de la Primavera, la obra maestra de Igor Stravinsky de quien Andy Tillison ya adaptó una particular y fantástica versión prog en un álbum para los fans “A Place Of The Self” de 2009 (hablaremos de este álbum en el apartado lives y bonus disc) una nueva formación de Tangent se adentra en un trabajo muy ambicioso. Subtitulado “An Electric Sinfonia in Five Movements”. “La Consagración del Trabajo” es como bien dice una sinfonía progresiva en cinco movimientos.

Bajo un tremendo álbum de rock sinfónico en toda regla la música expone a que nivel de alienación ha llegado la sociedad del siglo XXI. Los seres humanos reducidos a la mediocridad y a la esclavitud moderna en una vida insulsa de horarios dedicados a currar por salarios de mierda y a la adoración del entretenimiento vacío y estúpido en una carrera a contra reloj para ver quién es más imbécil, gañán e ignorante y completamente controlados por el gran hermano de las nuevas tecnologías, los trabajos de miseria, las crisis inventadas, la propagación del miedo a lo diferente, la eliminación paulativa de las libertades individuales, el ascenso de la violencia y el horror del mundo atrasado y enloquecido, y el control absoluto de nuestras vidas eliminando todo lo relativo a la cultura y el conocimiento. Pensar es un peligro y siempre lo fue pero ahora es incluso un delito. El mundo que viene, viene fuerte y horroroso, y encontrar un refugio o un oasis cada vez es más complicado. Un mundo en manos de hijos de puta sin escrúpulos.

La temática de Tillison siempre ha estado ligada a la actualidad y por fin el “rock sinfonizado” deja de hablar de duendes y de espíritus idiotas con alas, o de cursi amor fraternal. Sin mariconadas y con los pies en la tierra. Por la cuenta que nos trae y que la hostia no nos coja desprevenidos. Esto es más o menos lo que el nuevo trabajo de Tangent nos define en música. Afortunadamente la música no es el horror del texto y ejerce de liberación mental, aunque sea imaginada y exclusiva en tu cerebro.

Para esta ocasión el tremendo batería Gavin Harrison es contratado. Vuelve Jakko Jakszyk, siguen Theo Travis y nuevamente Jonas Reingold le sacude al bajo y el grupo funciona como una máquina perfecta. Musicalmente el álbum tiene más “profundidad y seriedad” incluso que antes. La música es compleja y elaborada al milímetro con impresionantes pasajes y como siempre excelentes melodías. Es música de la que ya pocos hacen y esto es importante tenerlo en cuenta. Yo esperé este disco con impaciencia, lo recuerdo. Se venían poniendo muy altas las expectativas y mi “otro yo” metido en las músicas modernistas clásicas de la primera mitad siglo XX, me pedía un acercamiento entre estilos.

Primer Movimiento: una obertura cuyo despertador pone al homo sapiens en funcionamiento y un piano al más puro George Antheil tipo mecanización futurista años 20, prepara al incauto a la pesadilla cotidiana. Se mezclan narración y música en un neo modernismo prog excitante donde sonidos de viola, flauta y sinte conversan con la guitarra solista hasta que el esplendor estalla en una pieza minuciosamente pictórica y descriptiva. Cinco minutos que se agotan en un suspiro.

Segundo movimiento: “mañana, viaje y llegada” casi 23 mtos tremendos de música deudora de un Debussy moderno o un Ravel extrañado en una resurrección. La melodía ya es clásica de la Tangente. La pesadumbre en ciertos puntos me hace recordar las neuras de Roger Waters por momentos, pero la delicadeza de la composición borra ciertas asperezas y nos sumerge en la magia y en los pasajes de madera y viento propios del impresionismo francés. Es difícil clasificar este tipo de composiciones y por tu mente corren The Enid, Isildurs Bane, ELP o las ocurrencias de Pär Linh Project, Un wakeman borracho e incluso frikadas a lo The Who. Los 70´s están ahí y la mejor fusión jazz rock constantemente en el órgano, en los ritmos mezclados en arreglos sofisticados con un Duke Ellington selvático y bizarro o un sofisticado Gerswhin. Vandergraaf parece abrir la tumba por momentos a veces dolientes otras tremendamente líricos. Una perfecta decadencia de buena, buenísima música y el feeling-groove que no cesa. Cambios, cambios y más cambios hasta que la nata desborda como una eyaculación sonora. Sin palabras y mucha paciencia si lo quieres disfrutar.

Los primeros compases del Tercer Movimiento podría recordarnos al Petrushka de Igor stravinsky discutiendo con Alban Berg o Edgar Varese. Rompen en Banco-Emerson y en el metamorfosi de los primeros. Uffff! hay moderna música de cámara por momentos y el prog de siempre rompe aguas y se inundan los caminos. La voz es áspera pero lo pide…toques Canterbury…? pues claro faltaría más. Traffic…? joder también. La travesera Tull y el hammond se enzarzan en vuelo. Más jazz-rock, funky- corea- forever. Todo está aquí. Cuando te das cuenta han pasado 19 mtos sin enterarte del tiempo. Advenedizos abstenerse, bellos y bellas durmientes también. Música para los que tienen callos en los cojones y heridos sentimientos y siento esta vulgaridad, pero se precisa como expresión llana y natural y porque yo soy así cuando algo me entusiasma. Final de movimiento inenarrable.

El cuarto movimiento es un breve pero encantador interludio de fina composición neo-clásico- tipo belle epóque que nos retrotrae a principios del siglo XX con protagonismo del piano la percusión y las maderas.

Evening TV cierra como quinto movimiento en puro prog sinfo a la Tangent de siempre. Melodía lujuriosa y energética para que Alejandro Magno entre en la ciudad conquistada sin problemas y en loor de multitudes. Cínico título para semejante épica inicial. Como si echase lágrimas al ver un sálvame de luxe presentado por Groucho Marx (sería impagable).

No suelo hablar alegremente de masterpieces pero este disco me tienta mucho en hacerlo.

Alberto Torró

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Keith Tippet fue un enfant terrible dentro de los pianistas de free jazz más legendarios de Inglaterra. Recordareis los pianos locos y extraños del “In The Wake Of Poseidon” y el “Lizard” de los venerados Crimson. Amigo de Fripp para lo más raro y demencial. Buena pareja de chalados. Asociado a lo más radical, experimental y vanguardista de la escena británica de los primeros 70´s, fue un icono en despejar dudas y rigideces en el aspecto más avanzado del jazz rock. Empeñado en quitar el corset que aprieta en términos de armonía y composición. Sus patillas y cara alargada son la foto freak bohemia de la época de tipo malote y outsider al menos en las pintas. Iconoclasta puro y duro, rompedor, y figura influenciable en los freak-jazz británicos de la época.

En 1971 grabó el único registro oficial con la super big band Centipede. Aquí estaban todos los bohemios y raritos que puedas imaginar. La futura semilla del Third de Soft Machine estaban ya presentes: Elton Dean, Mark Charing, Nick Evans. Naturalmente Hugh Hooper no se perdió el evento. Por otro lado los Nucleus de Ian Carr: con Karl Jenkins, Roy Babbington y John Marshall por si había dudas y otra gente también más o menos conocida y sospechosa de raro hasta llegar a la cincuentena. Cada uno de su madre y adicto al bizarrismo que ese año de colgaos gestó para nuestro entretenimiento y cultura musical. Los ciempiés y el patillas rubio al piano, se metieron en el estudio durante unos días de 1971 para grabar Septober Energy, un doble LP antológico venerado por lo más florido de todo nerd musical que se precie. Imagino a los snobs de la época perdiendo aceite.

Piedra angular del jazz rock más vanguardista inglés y semilla del lado más arisco del Canterbury en ciernes. Pero cuidado con este disco si eres bipolar, esquizofrénico o sociópata, (ya sé que no sabes que lo eres…malditos y mentirosillos psiquiatras que no dicen que lo somos la mayoría) porque puede fundirte los plomos.

En realidad Septober Energy es una jam en cuatro “movimientos”, uno por cara y creo que fue el típico: “…nos juntamos ciento y la madre, tocamos lo que sea, da igual y ancha es Castilla”. La locura está servida, los porros, el peyote, el ácido y la cerveza también y que no nos falte de nada. Yo tengo amigos que solo son normales cuando van ciegos lo que resulta acojonante y de difícil comprensión. Quizá porque ya han pasado de los 60 y han revertido las enfermedades de la juventud, quien sabe. El caso es que estos muchachos (de entonces) hicieron lo que era de prever, es decir, lo que les salió del rabo. Los desbarres a lo Coltrane, Davis, Cecil Taylor y la bizarrada free- cool no pueden faltar. Tippet somete al pobre instrumento a una mortificación sin clemencia. Los pistones y lengüetas de los instrumentos de viento parecen reventar.

Una tribu enloquecida canta cosas sin sentido y voces iniciáticas están pariendo al Zeuhl francés. Notas, ritmos, sonidos al azar crean un caos con alevosía y premeditación. Más de 80 minutos de frenopático musical “pal que le eche güevos” y adore las barrabasadas más free-experimentales que te puedas imaginar. Escucha el disco y tú decides.

Alberto Torró

Temas

Septober Energy - Part 1 --00:00 ( Keith Tippett-Julie Tippett)

Septober Energy - Part 2 -- 21:39 ( Keith Tippett-Julie Tippett)

Septober Energy - Part 3 --45:07 ( Keith Tippett-Julie Tippett)

Septober Energy - Part 4 -- 1:06:20 ( Keith Tippett-Julie Tippett)

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Banshee fue un grupo Cántabro formado a finales de 1997 por Raúl Serrano ( bajo), Marcos Regato (batería) y Carlos (teclados) de la banda Salamandra. Mas tarde se les uniría Javier Prieto (guitarra). Su teclista Carlos no pudo compaginar sus estudios con su participación en dos bandas, Salamandra y Banshee, por ello decidió abandonar esta última.

En 2000 graban una maqueta con seis temas y posteriormente ganan el primer Concurso de Música Joven del Gobierno de Cantabria, reciben un premio económico y la oportunidad de grabar un CD compartido con las bandas finalistas.

En 2006 entran en los estudios y con la ayuda de sus amigos de Salamandra graban su primer disco, "Puntos de luz", que ve la luz en 2007. Se incorpora a la banda el teclista Hahúm Cobo que ya había colaborado en tres temas del disco.

Por diversos problemas Raúl deja el grupo y se certifica su disolución en 2011.

Banshee nos ofrecen siete temas cargados de buen metal progresivo, nada que envidiar a bandas internacionales. Composiciones con una notable e intrincada instrumentación donde los buenos riffs de Javier Prieto, el gran trabajo de Raúl Serrano al bajo ,magistral utilización del slap, y los ritmos de Marcos Regato nos trasladan a universos surcados por bandas como Dream Theater, Rush, etc. Tema destacado "Puntos de luz", 17 minutos con multitud de cambios de ritmo y de sonoridades.

J.C. Miñana

Temas

1 - Salto al Vacio 00:00

2 - Mas Alla 09:05

3 - No he perdido Nada 19:40

4 - Despertar 26:46

5 - A patadas Pido Perdón 33:48

6 - Puntos de Luz 44:20

7 - Ni 01:01:24

Formación

MARCOS REGATO: batería, percusiones

RAÚL SERRANO: voces, bajo, teclado, guitarras

JAVIER PRIETO: guitarra

Podéis descargar sus archivos sonoros en su propia web:http://www.bansheerock.net/Descargas.html

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Wes Montgomery fiel continuador de las enseñanzas de Charlie Christian y Django Reinhardt fue y sigue siendo todo un referente dentro de los guitarristas del jazz. Guitarras tan ilustres como Pat Metheny han seguido sus influencias para desarrollar su forma de tocar.

Wes Montgomery nació en Indianapolis en 1923. Aprendió a tocar la guitarra de forma autodidacta y a los 20 años ya estaba tocando junto a sus hermanos Buddy y Monk en "The Montgomery Brothers". En el 48 entra a formar parte de la banda de Lionel Hampton y dos años después decide dejarlo todo y ponerse a trabajar en una fabrica. El retiro duraría unos siete años hasta que sus hermanos le convencieron de volver a tocar en el cuarteto "The Mastersounds". En el 57 graba su primer disco, "Fingerpickin'". A lo largo de su carrera grabaría poco mas de una docena de discos y colaboraría con gente de la talla de John Coltrane, Jimmy Smith y Wynton Kelly. En 1968 muere de un ataque al corazón.

Smokin' At The Half Note nos ofrece la colaboración entre dos grandes de jazz, Wynton Kelly y Wes Montgomery. Podemos disfrutar de cinco temas dos de los cuales ,"No Blues" y "If You Could See Me Now.", están grabados en directo en el club Half Note de Nueva York en junio de 1965. El resto de las composiciones, tres temas mas, se realizaron en los estudios Van Gelder de New Jersey.. El resto de la banda esta compuesta por Paul Chambers (bajo) y Jimmy Cobb (batería) famosa sección de ritmo utilizada durante algún tiempo por Miles Davis. La cara A es la que está grabada en directo y comienza con "No Blues", un tema de Davis que se desarrolla durante 13 minutos donde la sincronía entre Wes y Wynton es total. Prepararos a escuchar jazz de muy alta calidad por ello recomiendo crear el entorno adecuado. Baja la luz y siéntate en un sillón lo mas cómodo posible. Tu único pensamiento debe de ser disfrutar del momento.

J. C. Miñana

Temas

Side A

1.No Blues

2. If You Could See Me Now

Side B

3. Unit 7

4. Four on Six

5. What's New

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Cierto que es ésta una sección orientada a la progtrónica, EM y electrónica (real) dominante. Pero nada de eso hubiera sido posible sin un puñado de bandas, en su mayoría alemanas, de sonido más orgánico aunque decididamente onírico. Donde la psicodelia ejercía de alma mater y maestra de ceremonias (místicas). Ya han pasado por aquí Agitation Free, Can o Popol Vuh, por nombrar sólo algunos de los íconos con los que comenzó todo. Increíblemente, no habíamos tocado todavía a los delirantes Amon Duul II.

Formados en las cercanías de Múnich en 1968 como una comuna hippie, con relevantes activistas políticos de ultraizquierda. Pronto se escindirán en dos bandas musicales distintas. Amon Duul I (más orientados a la política), y Amón Duul II. Tomando éstos el abstraccionismo alemán como eje de su música. Se habla de unos Amon Duul III y IV, aunque parece que de corta existencia.

La aparición de "Tanz Der Lemminge", doble album editado en 1971, casi no se produce. Ese mismo año, el 9 de Marzo, se incendia el Keeks Club en Colonia, durante una de las actuaciones del grupo. Mueren cuatro personas y todo el equipo de la banda queda totalmente destruido. A este siniestro incidente se le bautizó como el "Altamont alemán ". Sin tenerlo asegurado, y ya con fuertes deudas con su compañía Liberty, el grupo ofrece un concierto de despedida con los instrumentos prestados. Ya habían editado dos grandiosos empachos lisérgicos, "Phallus Dei" (1969) y "Yeti" (1970), también doble y para algunos su mejor obra. Discrepo. Creo que la siguiente, "Tanz Der Lemminge", editado contra todo pronóstico, con todo tipo de presiones y mal rollo, ofrece todavía mejores logros. Y es que no hay nada mejor para el ARTE que se le putee.

Como decía Cándida en la película de Guillermo Fesser, "cuando Dios aprieta, ahoga pero bien". Y esto es lo que les pasó a Amón Duul II, que les fueron bien esas apreturas.

John Weinzerl (guitarras, voz), Chris Karrer (guitarras, violín, voz), Lothar Meid (bajo, voz), Peter Leopold (batería ), K. H. Hausmann (electronics, ingeniero de sonido) y Falk Rogner (órgano y teclados) lo componían por entonces. Parece que la cantante Renate Krotenschwanz Knaup sólo intervino en un corto extracto, "Riding on a Cloud" (2'33) en ésta ocasión. El álbum se conforma a tema por cara, subdivididas éstas en pequeñas partes.

Así la cara a contiene "Syntelman's March of the Roaring Seventies" (15'51), en cuatro capítulos. "Queríamos ser tan libres como nos fuera posible, y poder así experimentar en direcciones múltiples y diferentes : la electrónica y todas las posibilidades que ofrece la improvisación ". Se inspiraron las bandas alemanas en Pink Floyd o fue algo mutuo? O era el sentir de una época, revolución social o cultura determinadas en una parcela del espacio-tiempo? Puede que esto último. La cuestión es que este tema parece retomar los descubrimientos sonoros, (sobretodo en texturas), de "Ummagumma", "More" o "The Body" de Ron Geesin / Roger Waters. Lo acústico y étnico ofrece puertas de la percepción al deambular onírico del grupo. Mientras el órgano envuelve en su negro manto estroboscópico. Esto parece material salido de las húmedas mazmorras de los actuales druidas de Svart Records.

En la cara b se encuentra "Restless Skylight-Transistor-Child " (19'33), que se adentra como un espeleologo lisérgico en profundidades cavernosas con aromas hindúes, electroacústica y psicodelia apocalíptica digna de musicar una obra de John Milton. Colaboran Al Gromer al sitar (Between, Ralf Nowy), Jimmy Jackson al órgano (Embryo, Passport, Chris Braun Band) y el actor Rolf Zacher a la voz. Además de la pequeña intervención de Renate ya mencionada. Pura distopia sonora para elucubrar en mil mundos imposibles.

El segundo álbum cuenta con un sólo tema "leit-motiv", "Chamsin Soundtrack", el cual ocupa las dos caras. La c cuenta con "The Marilyn Monroe-Memorial Church ", una maníaca improvisación de 18 mts. Que se encuentra en mi Top 5 de los logros vanguardistas a lo largo de todo el género kraut. Y posiblemente sea la cúspide creativa de Amón Duul II, sin desmerecer buenos discos que aún estaban por venir. Aquí tenemos muchas de las vibraciones esotéricas que más tarde aparecerán encarnadas en un sinfín de nombres: Dark Wave, Cool Wave, Gothic, Ambient, New Age, Post Rock, Noise, Drone Sound.....suma y sigue. La pregunta del millón es al fin resuelta. Qué es la Psicodelia? ESTO es. En su forma pura. Un TODO en sonido. Libre de ataduras y expresando sensaciones casi a nivel neuronal. Sin necesidad de palabras, por lo menos en ésta ocasión.

La cara d concluye con la muy Acid West Coast, "Chewingum Telegram" (2'44). "Stumbling Over Melted Moonlight" (4'39) la llamarían hoy Stoner instrumental, (qué cosas). Y "Toxicological Whispering" (7'50) tiene forma de corrosiva jam con similitudes hacia Man y su amigo John Cipollina , en sus Quicksilver Messenger Service, algo extensible a todo el disco.

El raga espacial de "Tanz Der Lemminge" es hoy indispensable para entender la evolución del psych sound desde todas sus formas. Que parece que entre los Beatles y Pink Floyd lo inventaron todo en éste mundo, (borro a los Floyd). Piezas comercialmente exitosas de un engranaje artístico y social mucho más amplio y complejo. Al que Amon Duul II contribuyó decisivamente en su historia alucinada.

J.J. IGLESIAS

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La primera vez que escuche a los Y&T fue a comienzos de los 80 cuando editaron el "Earthshaker", su tercer disco y primero que llegaba a España. En ese momento mi cabeza y mi cuerpo respiraba NWOBHM y el sonido de esta banda supuso un regreso a sonidos añejos tipo Montrose.

Dave Meniketti comenzó su andadura en Y&T en 1974 y ha forjado una extensa y exitosa carrera con esta banda grabando 12 discos en estudio y casi media docena de discos en directo. En su carrera al margen del grupo tiene editados tres discos: "On the blue side" (1998) , "Meniketti" (2002) y "Live in Japan" (2003).

Como curiosidad podemos contar que Lars Ulrich de Metallica lo cita como una de sus motivaciones para convertirse en músico.

Este primer disco en solitario de Dave Meniketti contiene 12 temas, tres de los cuales son versiones. Entre estos últimos podemos escuchar "Man's World" de James Brown, una magnífica versión de "Load me a dime" de Boz Scaggs y por último el clásico "Parchman Farm". El sonido es netamente hard rokero blusero al estilo de lo que hacía Gary Moore en sus últimos discos. Las composiciones propias muestran fuerza, "Baby Blues" y sensibilidad, "Bad Feeling". La grabación también contiene una excelente selección de instrumentales: "Until the next time" plenamente Moore, "Just Coastin" boogie blues, si no mueves los pies es que eres cojo, "Say Goodbye" estilo Satriani y por último, Mister Blister" que cierra el disco. Dave está acompañado por Myron Dove al bajo, Jimmy DeGrasso y Ron Wikso en la batería y Joe Heinemann, John Seppala y Mark Stanford en los teclados.
J.C. Miñana

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Lo siento, Alberto. Éste me lo reservo . Sé que éste disco quedaría "niquelao" en tu sección "Canterbury Ways", pero me ha podido el entusiasmo, y me lo he apropiado por el morro. Y es que encontrar joyas de éste calibre a éstas alturas se hace tarea complicada, voto a bríos. Así que cuando sale un conejo como éste de su madriguera, la sorpresa y satisfacción se multiplican.

Ole G. Nilssen es un desconocido noruego que editó en un micro-sello local como Apollo éste pedazo de alma en 1976. El año en que comencé a comprarme música.

El tipo se encarga de una deliciosa voz y guitarras, tanto eléctricas como acústicas. En éste último cometido cuenta con un par de invitados. Y sobrepasan la decena de nombres raros escandinavos los que adornan el disco con bajos, batería, flugelhorn, flauta, teclados, órgano, moogs, saxos y violín. Así que el Ole (bien puesto tiene el nombre), no está ni mucho menos sólo. Como definir éste disco.....como una isla paradisíaca desierta y tan sólo habitada por encantadores bichos inofensivos. Así me lo imagino. Sin la mano del hombre que lo emponzoñe y lo pudra todo. El gran milagro del arte es que éste está hecho por esa mano. Paradojas del planeta.

Presenta el álbum "A Time for War" , con delicadeza y sentimiento explícitos y de los que ya no se hacen. De primeras, el nombre que te viene a la cabeza como un neón de Las Vegas, es Caravan. Por la melodiosa voz de bardo con morriña, a lo Richard Sinclair total. Y su órgano. Y su saxo...Te deja perplejo por su alto grado de sensibilidad. Por los títulos de los temas, y su duración no muy extensa, me da a mi que igual esto es un concept album anti-belicista. "World of Dreams" continúa embelesando, ahora con una guitarra que se acerca al Latimer de "Mirage" o "Snow Goose". La melodía vocal tiene cierto aire al "Epitaph" crimsoniano, y también su pulsante toque bateristico. El sinte de cuerdas emociona y eleva el trabajo de Ole Gunnar a la guitarra. Y un saxo puritito Mel Collins ya noquea cualquier atisbo de duda. Si éste disco no te ha ganado ya para su causa es que eres un Robocop del mal llamado "modern prog" (entre otras cosas, porque no lo es). ESTO SÍ QUE ES PROG. Algo fantástico, señores. "Song of a Knight" es otra que te desarma desde el comienzo. Es la voz. La voz de éste hombre se te mete en los huesos, el corazón y la materia gris del coco y te estremece. Un combinado imposible de Sinclair, Al Stewart, Robert Wyatt, John Wetton, David Surkamp (sin el gas de la risa), Demis Roussos o los falsetes de Steve Hogarth. Todo en uno. Escuchar para creer.

Mientras el jazz rock juega a ser acid folk y nos engaña a todos, porque su conclusión es un rock progresivo escandinavo del mejor nivel. Vuelve un remanso de paz cameliana en "I Left You", en la que no falta una preciosista travesera digna de Jimmy Hastings, Andy Latimer, Peter Gabriel o Bjorn J:son Lindh. Reflexiones llenas de melancolía, para un lluvioso domingo por la tarde, en "Only Once", cerrando el lado A.

Vuelta a la placa y "Grave Flower" entra con la energía emocional de unos "Caramel" ( si, Caravan + Camel), si éstos hubieran existido. De hecho lo hicieron. Escucha "Breathless" o " I Can See. ...." de los de Latimer, anda. Y en el desarrollo instrumental los une con Kerrs Pink, en una eufórica fiesta de Hammond/guitarra/moog que levanta la boina más lánguida. "Once & Forever" amuebla en acústico la ternura lírica de Strawbs o Moody Blues.

Otro pedazo de "metralla emocional", (suele ser la que más llega., y hace pupita in the heart, y no hablo de watios ni dureza alguna), es "Poem". Todo exquisitez y andersonianas vibraciones happy.

Nos refugiamos en una acogedora cava de jazz llena de humo ( si no, no sería acogedora), con "Chained to the Past" . Sinclair pulula por el ambiente en forma de feliz aura ectoplasmica. Esto es delicioso. No debería compartirlo con nadie, sólo para mí, en plan Gollum progresivo. Los músicos expresan de contínuo, en un envidiable nirvana de placer ilimitado. Hacen que me reconcilie (sólo un poco y sin bajar la guardia), con el Homo Sapiens.

"Waves" pone fin a ésta sesión de reconfortante aislamiento del mundo exterior en clave instrumental reflexiva. Para encerrarse con el dichoso disco y tirar la llave, de verdad.

Al año siguiente, Nilssen se unirá a los progresivos Solaris (de Noruega, nada que ver con los húngaros ), y editarán en el mismo sello Apollo, "Misty Morning" (1977). Un buen disco de escandiprog que aparecerá por aquí en otro momento. No se supo más ni de Solaris ni de Nilssen. Hasta que éste editara en 2001 otro álbum, "Memories of Lifetime", del que nada sé. Sólo que sigue en activo tocando por su área local. Supongo que hipnotizando al personal cual flautista de Hamelin emocional. Robando corazones y almas con su tremendo arsenal de exquisitez introspectiva, para algún alquímico fin.

Qué peligro tiene éste hombre.

J.J. IGLESIAS

NOTA : Este es uno de los discos más raros aparecidos en Rockliquias. En Discogs no aparece ni caro ni barato, no existe. Y de una versión cd mejor no hablamos, que me da la risa. Así que tienes la bendición papal para hacerte tu propia reedición vía Verbatim Records.

Temas

A time for war 0:00

World of dreams 3:47

Song of a knight 10:45

I left you 15:01

Only once 19:34

Grave flower 20:48

Once and forever 26:00

Poem 29:48

Chained to the past 33:02

Waves 38:39

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Nicholas Greenwood - Cold Cuts (1972) (Canterbury Ways)

RIVENDEL - DHD 2015 (rock progresivo español)

Big Bertha - Live in Hamburg 1970

MICHAEL SHIPWAY - Into Battle (1990 / MS)

StringBreaker and the StuffBreakers - Live At Manifesto 2017

PULSE (feat. CARLO MASTRANGELO) - Pulse (1972 / THIMBLE)

THE TANGENT - Comm (2011)

THE WINSTONS (2016) Italia (Canterbury ways)

MY EXPANSIVE AWARENESS - Going Nowhere ((2017 / ANALOG LOVE)

The J Geils Blues Band - New Penelope Club, Montreal,1968

TERRY RILEY - A Rainbow in Curved Air (1969 / CBS) (Serie Pioneros)

TOE FAT - Toe Fat 1970

THE FANZ - The Grand Illusion (1977 / Illusion)

THE TANGENT - Le Sacré Du Travail (2013)

CENTIPEDE - Septober Energy (1971) (Canterbury Ways)

BANSHEE - Puntos de luz (2007)

Wynton Kelly Trio / Wes Montgomery ‎– Smokin' At The Half Note 1965

AMON DUUL II - Tanz Der Lemminge (1971 / LIBERTY)

DAVE MENIKETTI - On the blue side 1998

OLE G. NILSSEN - World of Dreams" (1976 / APOLLO)