ROCK LIQUIAS

Acaban de editar mediante campaña crowfounding su segundo álbum, "Tengo mis días buenos", y vienen de Málaga. Hasta que podamos escucharlo, traemos por Rockliquias su debut del 2014, "Mellotron en Almíbar".

Un disco que me sorprendió en su momento, y que vuelto a escuchar se le aprecian multitud de detalles a no perderse. Otro firme valor a añadir a ésta inesperada hace unos años, lista de excelentes combos progresivos de aquí. Algo inusual de veras, por la cantidad y calidad de todos ellos.

Fruteria Toñi lo componían en ésta grabación Salva Marina (voz solista, guitarra), Curro García (bajo, guitarra), Javier de Prado (batería ), Jesús Sánchez (saxo tenor y clarinete) y Carlos Fernández (voz, violín, bajo). Colaboraban Juanma Amador (percusión) y Miguel Olmedo (guitarra slide). Ignoro quien está detrás de los abundantes teclados, órgano y piano, porque haberlos, los hay y de qué manera.

Se declaran ante todo amantes y practicantes de un progresivo ecléctico y lleno de matices. Que tiene más que ver con Gong o Zappa, (por lo libertario del concepto), que con el serio encorsetamiento del Renacimiento prog 90s. Totalmente de acuerdo. Y añadiría que ya iba haciendo falta alguien que llenara ese hueco. Prog "plurinacional" (ejem) en estilos, y con una buena carga de sano cachondeo.

"Milwokee" (5'04) es un desenfadado tema con ramalazos dixieland y estilismos inetiquetables, al modo de unos Stackridge.

"No sin Mijas-Costa (El Timo)" (9'51) no oculta su simpatía por Canterbury, Gong o Nucleus en alegre jam con cualquier monstruosa banda italiana, Quella Vecchia Locanda, por ejemplo, de espléndido resultado.

"Zuprimo Zurmano Zucompare Zucolega" (7'11) expone inteligentes desarrollos instrumentales, que resisten comparaciones con gigantes underground UK 70s, tales como Catapilla, Tonton Macoute o Alan Bown. Extraordinario material, el de los malagueños.

En "Somno e Dare " (6'23) se reconocen confesadas influencias de sus paisanos, los legendarios Tabletom. De hecho, Salva Marina es su cantante también en la actualidad. Algo que debe de llenar de orgullo a la Frutería. Su intrínseco humor aflora en este corte (y en todos!) con su jazzyreggaeflamencoide sabor con fondos mellotronicos y autocrítica hispana llena de sana ironía.
Si Zappa hubiera sido malagueño, esto estaría muy cerca de su cosecha compositiva.

Sigue la socarroneria, conducida por excelente música, en "Toni: Éxtasis Frutal" (7'23). Letras desprovistas de sesudos devaneos filosóficos (o con ellos, en clave de cachondeo). Adornado todo con prog barroco italiano y jazz rock de Kent. Mezcla explosiva que funciona de miedo.

Como en "Fray Dióxido " (5'38) y su sonido andaluz a la Happy the Man. Las buenas ideas se agolpan en ésta sucesión de libertinas notas, milimétricamente estudiadas y perfectamente (y perversamente) resueltas.

Terminamos con "El Espeto" (4'03), en otro capítulo pletórico de humor y exquisita música casi tanguera.

Que una cosa no está reñida con la otra. Fruteria Toñi se desenvuelven en ambos campos como espeto en el agua.
Creando un estilo único en el país, y de obligatoria escucha para cualquier interesado en conocer lo mejor de la nueva música progresiva española.

J.J. IGLESIAS

Contacto:

email: fruteriatogni@gmail.com

Bandcamp https://lafruteria.bandcamp.com/releases

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Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70

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Nuevamente mis recuerdos juveniles llegan a mi mente para comenzar un artículo. A finales de los 70 había en Pamplona una tienda que vendía y distribuía a toda España grabaciones de conciertos de rock de todo tipo. Desde Zaragoza era un asiduo comprador de esas cintas. Precisamente una de ellas era el concierto en Japón de los Beck, Bogert & Appice. Os aseguro que la escuché miles de veces y la impresión que me causó la tengo todavía presente.

La carrera de este supergrupo fue realmente meteórica en poco más de año y medio alcanzó el éxito. En Marzo de 1973 editan su único disco en estudio. "Beck, Bogert & Appice", y unos meses después (octubre), llega su disco en directo desde Japón. Tres geniales músicos con egos muy grandes y como se suele decir no puede haber tres gallos en un mismo gallinero. El 18 de Mayo de 1974 se comunicó su definitiva separación.

La grabación nos presenta la última actuación de Beck, Bogert & Appice en el mítico teatro Rainbow de Londres el 26 de enero de 1974. El setlist lo componen temas de su primer disco y algunos de un hipotético segundo LP como "Laughin' Lady". En "Morning Drew" podemos escuchar un extenso solo de Carmine Appice. Las tensiones en la banda eran mas que evidentes, se rumorea que entre los dos shows que dieron hubo más que palabras entre ellos. Aun con todo esto su profesionalidad hace que podamos disfrutar de un meritorio concierto con un incendiario Jeff Beck y una trepidante sección rítmica Bogert-Appice. El sonido es bastante bueno.

Juan Carlos Miñana

Temas

1 - Laughin' Lady 00:00

2 - Lady 05:40

3 - Morning Dew 12:56

4 - Superstition 25:32

5 - (Get Ready) Your Lovemaker's Comin' Home 31:29

6 - Blues De Luxe / You Shook Me 39:05

7 - Rainbow Boogie 44:43

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En los finales 60, Island estaba considerada como una de las disqueras más vanguardistas e innovadoras del underground londinense. Su interés por la nueva electrónica crearía trabajos como "Ceremony" (1970) de Spooky Tooth & Pierre Henry. Y definitivamente lanzarán los Moogs a la conquista del mundo con Emerson Lake & Palmer.

Pero en 1968, el visionario Chris Blackwell, amo de la burra a todos los efectos, encargó al norteamericano David Vorhaus ( que venía de la clásica y ya contaba con experiencia electrónica), la producción de un single de ésta temática. Pronto vieron que no iba a ser suficiente. Adelantó a Vorhaus 3000 libras de 1968 y éste creó el Kaleidophon Studio, en un apartamento de Camdem.

Vorhaus tuvo la buena vista (y oído ) de reclutar a su proyecto a dos miembros de la BBC Radiophonic Workshop. A su vez miembros del proyecto electrónico Unit Delta Plus. Eran los "sintetistas de bata blanca" , Delia Derbyshire y Brian Hodgson. Delia había colaborado en los 60 con Luciano Berio, y había sido la responsable de música y efectos de sonido en los primerisimos episodios de la serie Dr. Who. Y como "Li De La Russe", compuso música para series rivales de ésta, como "The Tomorrow People" y "Timeship". También estuvo involucrada en experimentaciones sonoras con miembros de The Beatles y Yoko Ono, Harry Nilsson, Pink Floyd, Brian Jones o Karl-Heinz Stockhausen.

Los tres miembros de White Noise aportaron música, bajo seudónimos, a la Standard Music Library. El grupo se armó de audiogeneradores, Revox tape récord ers, (de los que Delia era una experta en efectos de cinta), alteradores de frecuencia , osciladores y primeros prototipos modulares. El sueño de un steampunk. Además de la percusión de Paul Lytton y las voces de John Whitman, Annie Bird y Val Shaw.

La cara A fue llamada "Phase-In" y constaba de cinco cortes de unos 4 mts de media. "Love without Sound" es probablemente uno de los primeros ejemplos de Art Rock. Melodías vocales entre infantiles, psicodelicas Y esquizoides infectadas por motivos electrónicos Y percusivos por doquier.

"My Game of Loving" casi parece new wave de primeros 80! Su anticipación creativa sorprende, aunque esto es extensible a todo el disco por una razón u otra. Uno escucha de donde salieron influencias del primer Brian Eno o Robert Wyatt.

"Here Come the Fleas" es una mutación anticipada de Gong, Kate Bush y Kraftwerk. Esto en 1968, que fue el año en que fue grabado.

Tanto "Firebird" como "Your Hidden Dreams"llevan en su ADN el swinging London feel de esos días, llevado al extremo más vanguardista del momento.

La segunda cara, o "Phase-Out", consta de dos largas composiciones. En "The Visitation" (11'14), ya son conscientes de las posibilidades perturbadoras e inquietantes de la nueva tecnología, y eso que estaba en pañales. Música para un carrusel de feria endemoniado, y todo tipo de trucos descriptivos desquiciantes son usados a conciencia. Esto está ideado con toda la mala leche para acojonar a un oyente indefenso de los 60. Con ello estaban haciendo historia, sin enterarse. Porque esto es puro cosmic Kraut, hecho desde un piso de Camdem.

Definitivamente comprobado en la final "Black Mass: An Electric Storm in Hell" (7'22). Con voces tratadas diabólicamente sin vocoder alguno (estaba por inventar). Un extracto de éste oscuro tema terminó siendo utilizado por la legendaria Hammer Films para su "Drácula AD" (1972). Las percusiones son también tratadas electrónicamente, de un modo que a Christian Vander seguro le encantaron.

Hay que destacar la diferencia conceptual de una cara a otra. Mucho más happy y pop la primera. Tenebrosa y amenazadora, la segunda. Pero todo el álbum merece la pena y es un icono de la primitiva electrónica. No daría signos de vida White Noise hasta 1974, año de edición de "White Noise 2 : Concerto cor Synthesizer" (Virgin Records). Ahora con tan sólo David Vorhaus al frente, el cual seguirá una carrera hasta nuestros días.

"An Electric Storm" tiene el sublime encanto de la novedad, frescura naive, y que fue hecho a modo grupal con miembros muy destacables. Un histórico.

J.J. IGLESIAS

Temas

01 - 00:00 - Love Without Sound

02 - 03:07 - My Game of Loving

03 - 07:18 - Here Come the Fleas

04 - 09:33 - Firebird

05 - 12:39 - Your Hidden Dreams

06 - 17:37 - The Visitation

07 - 28:52 - The Black Mass: An Electric Storm in Hell

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En alguna ocasión hemos comentado lo que supuso la llegada de Carlos Santana y sus ritmos latinos al mundo del rock. Uno de los rasgos más característicos de este tipo de música lo constituían las percusiones y los percusionistas como Chepito Areas que participó en media docena de discos de Carlos. Hoy hablaremos de unos compatriotas suyos los nicaragüenses Bwana.

La banda tuvo un recorrido muy corto de apenas dos años. En 1970 el guitarrista Roberto Martínez junto al percusionista Jaime Vanegas forman el grupo. Tras dos años de actuaciones por su país consiguen firmar con la CBS y grabar en Costa Rica su único legado, "Bwana". En ese momento el grupo estaba formado por Roberto Martínez (guitarra, voz), Roman Cerpas (Bajo, Percusión, Voz ) Salvador Fernandez ( Tumbas, Bongos, Percusión) ,Ricardo Palma ( órgano, Guitarra, Voz, Piano ), Donaldo Mantilla ( Batería, Timbales, Percusión) y Danilo Amador ( órgano). El catastrófico terremoto de 1972 dio al traste con las esperanzas de estos magníficos músicos.

Los Bwana nos ofrecen todos los ingredientes para cocinar un excelente rock latino. Por una parte tenemos a su guitarrista Roberto Martínez fiel seguidor de la enseñanzas del gurú Carlos Santana. En los teclados Danilo Amador demuestra con su destreza en el uso del Hammond a lo Gregg Rolie en "Abraxas" que podía estar en cualquiera de los primeros discos del guitaristas de Jalisco. Por último las percusiones de Salvador Fernandez y Donaldo Mantilla emulan perfectamente las que hubiera ejecutado un tal Chepito Areas. Puestos en faena los dos primeros temas instrumentales, "Tema de Bwana" y "La Patada", nos recargan las pilas totalmente. En el tercer tema ,"La Jurumba", se ponen a cantar recordándonos el "Oye como va". Por cierto La Jarumba es una forma de nombrar a la policía. El resto de los temas siguen la misma tónica. Abstenerse los alérgicos a las percusiones, aviso.

Temas

A1 Tema De Bwana 00:00

A2 La Patuda 08:02

A3 La Jurumba 12:05

A4 Chapumbambe 15:25

B1 Motemba 20:31

B2 Todo Es Real 28:00

B3 Lolita 32:40

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Este año está siendo una maldición para la familia Allman. A comienzos del mismo nos dejaba Butch Trucks. Hace unos días Gregg Allman. Y ahora Jimmy Nalls, guitarrista en la spin-off band, Sea Level.

Tensiones y mal rollito en los mediados 70 entre Gregg y Dickey, generaron que Lamar Williams (bajo), Jai Johanny Johanson (batería ) y Chuck Leavell (teclados), se montaran la banda "de recreo" We Three. Con el fin de descargar nervios de la banda madre. Su claro líder era Chuck Leavell, así que cambiaron el nombre del grupo por un evidente guiño fonético a él mismo (C.Leavell = Sea Level). Para redondear la banda, llaman a Jimmy Nalls, guitar prodigio del sur, y fichan sin esfuerzo con Capricorn. El estilo de Sea Level es fácil de describir.

Coges el instrumental "Jessica" del "Brothers and Sisters", y lo desarrollas con pinceladas funk, jazz y Southern. Total, que nos sale una jam band a considerar seriamente.

Telonean a la Allman Brothers Band del 75 al 76 (haciendo doblete tres de sus miembros). Tras la primera disolución de la Allman en 1976, Sea Level se solidifica y siguen adelante. En 1977 editan su homónimo debut de ocho temas, cinco de los cuales son de Chuck Leavell. Más tres versiones de Edward R. Haerner, Neil Larsen y Paul Simon.

Y el cuarteto, déjenme decirlo, es una gozada. Grabado en el Capricorn Sound Studio de Macon, Georgia, esto tenía que salir bien sí o sí. Stewart Levine es el productor, pero estos cuatro gatos no necesitan muchos consejos para cocinar buena mierda (me tiene pillado "Breaking Bad", sorry ).

"Rain in Spain" (6'35) toma sabor mediterráneo al igual que "Jessica-sound". Jimmy Nalls es un guitarrista parecido a Dickey Betts, quizá menos country y más jazzy, pero igual de competente. Los ritmos hierven, y el piano de Leavell casi tira hacia Chick Corea. Básicamente, aquí tenemos a Larry Carlton en sureño.

Para "Shake a Leg" (4'02) aparece una sección de viento made in New Orleans. Canta solista Leavell y corean Williams y Nalls. El piano y su forma de tocarlo nos da pista clara hacia Dr. John. La eléctrica entra en combustión espontánea y no me extraña, en tan tórrido ambiente. El fader nos hace la puñeta, porque esto es material para jam monstruosa en vivo.

"Tidal Wave" (5'43) es el auténtico sonido Sea Level. Instrumental jazz rock sureño con referencias Allman y su "Elizabeth Reed", ritmos que son puro chilli + jalapeño, y pugna macarra entre teclas-guitarra de elegancia como corresponde a unos caballeros del sur. Maravilloso condimento.

De nuevo tenemos a la horn-section para un corte de Southern rock excelente en "Country Fool" (3'40). Aunque con los vientos me recuerdan más a Wet Willie, una de mis bandas sureñas favoritas.

Para inaugurar la segunda cara está el corte más extenso, "Nothing Matters but the Fever" (7'23). La influencia Allman podría ser evitable en estos perros viejos, pero la hacen inevitable a sabiendas. El cadencioso ritmo del sur hace que extrañe los lamentos blueseros del tío Gregg. Leavell suple el Hammond con su característico piano, y Nalls brilla hasta deslumbrar.

"Grand Larceny" (5'25) hizo volver la cabeza de todo el mundo hacia Sea Level, en un temazo digno de la banda madre. Que el cuarteto borda con calidad superlativa. Un instrumental 10.

El "Scarborough Fair" (5'33) de Paul Simon es llevado a su terreno con habilidad, aunque me corroe la duda de si no seria un relleno de última hora. Lo convierten en un digno standard jazz de perfecta ejecución.

Finalmente "Just a good feeling" (3'04) es un instru-southern -funk que está entre Stevie Wonder y las pelis blaxploitaiton tipo "Cleopatra Jones" o "Foxy Brown".

Un eufórico álbum levanta-boinas con mucho que masticar, pero que se digiere a las mil maravillas.

Para su siguiente "Cats on the Coast" se convirtieron en septeto, demostrando que estaban aqui para quedarse. Y la cosa no pararía hasta 1981. En total cinco álbumes aconsejables (quizá el último "Ball Room" acuse demasiado el cansancio), que hicieron de Sea Level una recordada formación. Sugiero acercarse a youtube y ver el vídeo en b/n de los archivos de Bill Graham con un concierto de la banda. En estado de gracia, oiga.

Chuck Leavell se fue de gira con Clapton y posteriormente como "miembro fijo" de los Stones. Y Jimmy Nalls nunca dejó de tocar, hasta que el jodido Parkinson le obligó a ello. Una gran pérdida.

J.J. IGLESIAS

Temas

Rain In Spain6:38

Shake A Leg4:02

Tidal Wave5:43

Country Fool3:40

Nothing Matters But The Fever7:23

Grand Larceny5:25

Scarborough Fair5:33

Just A Good Feeling3:04

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Es curioso observar la forma a veces tan antagónica que tiene la gente al escuchar y valorar la música. Es conocido el dicho de que “sobre gustos no hay nada escrito” y es un tema recurrente cuando nos juntamos los amigos metidos de lleno en este particular mundo, el sacar a colación las diferentes sensibilidades al calificar una obra o una grabación que no siempre ejerce el mismo impacto en cada persona. Esto es lógico y normal y naturalmente los más veteranos en este mundillo, nos jactamos con exceso de vanidad a veces- todo hay que decirlo- en distinguir y clasificar a la primera, lo que es buena o mala música, la pedantería es deleznable y ridícula, así que no estamos del todo libres de la duda y el error y de vez en cuando, nos viene bien un baño de humildad, que por otra parte es sinónimo de experiencia y madurez. Esto viene a colación con este tercer trabajo de The Tangent. Leo en las críticas de Prog Archives por ejemplo, con calificaciones que van de 5 estrellas y absoluta obra maestra, a calificaciones de una sola estrella y cagada absoluta. No puede ser me pregunto. Es cuestión de ignorancia? (la mayoría de las veces sí) pero también los más fanáticos se dejan (nos dejamos) llevar en ocasiones por el entusiasmo… ¿sin tiempo de reflexionar a fondo?...quien sabe. La música te dice algo o no te dice absolutamente nada. Hasta ahí puedo llegar y es la clave de la cuestión.

En general este disco es alabado como uno de los más importantes de principios del siglo que nos toca aguantar, pero también tiene muchas críticas en contra. Recordad el “Tales from…” de Yes y la polémica que generó. Andy Tillison ha colocado en 78 mts de CD dos enormes suites: “In Earnest” con diez secciones en 20 mtos para iniciar el trabajo y la homónima “A Place In The Queue” de 25 mtos con ocho subdivisiones al respecto. Algún gracioso parafraseando a Woody Allen diría “todo lo que querías saber del progresivo pero temías preguntar”. Los Flower Kings hicieron algo parecido con el ya antológico “Stardust We Are”.

No obstante sin ser mi Tangent favorito hay que reconocer que la currada que lleva este disco es tremenda y no valen un par de escuchas antes de meter la pata. Este no es tan directo y emotivo como el anterior trabajo y hay que infiltrarse entre recovecos para degustar el caviar.

En medio de las dos épicas piezas que encuadran como una muralla el disco, hay diferentes vidas dentro de la “ciudad” sonora. “Lost In London” vuelve a los Caravan-Hatfields más ligeros y despreocupados en un placentero viaje de 8 mtos.

La saltarina “GPS Culture” nos recuerda al Tony Banks y al Wakeman más alegres.

“Follow Your Leaders” tiene ese toque tan variado con mezcla de estilos y un aire groove-jazz -rock-soul completamente agitado con un bajo del Jonas Reingold tremendo y un hammond desatado. Roine Stolt ya no está en este disco y Tillison vuela por libre. El cambio del guitarrista por un tal Krister Jonsson no baja enteros y otro ex Flower como el chileno Jaime Salazar se ocupa de las baquetas.

“The Sun Of My Eyes” desentona completamente aunque podemos tomarlo como una broma del sonido black disco o Philadelphia. Esto contrasta con el monstruoso final épico y en ese inicio me viene a la memoria ese Crimson-Starless mellotrón incluido aunque exento del drama-Fripp, pero sin quitarle solemnidad y bonita melodía. La voz de Tillison es de las que tienes que acostumbrarte. No es una voz lírica ni preciosista y tiene sus asperezas pero que acabas aceptando como parte del sonido Tangent. Los vientos de Travis y el piano de Baine siguen dando esa especial clase y calidad al asunto y el nuevo guitarrista da alguna que otra sorpresa. Los cambios a partir de los siguientes minutos van a tensar la pieza hasta que la rítmica se anima y nos metemos de lleno en jazz-funky-prog-rock con nervio y teclas a discreción. Aquí las influencias parten como fuegos artificiales hacia múltiples destellos sin apenas descanso.

En la edición especial hubo un segundo bonus-disc con recortes y retazos sobrantes realmente no muy destacable. Con todo quizás el álbum en general no sea de cinco estrellas por algunos detalles discutibles, pero sinceramente no entiendo a las mentes que se lo cargan a la baja. Salvo a los que por norma tienen un odio irracional y generacional al prog, y que desde luego son legión. En ese caso es completamente lógico. El disco sí o sí merece la pena ser disfrutado .
Alberto Torró

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Otra banda alemana para variar. Fundada en 1972 por iniciativa del teclista Günter Hornung, un veterano músico nacido en 1938 y experto al parecer en big-bands onda jazz-rock clásico. En 1974 se une a la flautista, violinista y cantante Dorle Ferber con estudios clásicos que le van a dar al grupo su peculiar forma de identidad.

Dorle es una especie de Annie Haslam de Renaissance haciendo jazz-rock con ramalazos zeuhl y tintes folk. Original mezcla especialmente excitante porque la señora en cuestión tiene una voz prodigiosa y en cuanto a su ejecución en violín y flauta está al mismo nivel. Los ingredientes de Canterbury y el perfume inglés queda bien patente en sus dos únicos trabajos editados y fue una pena porque se trata de un combo prometedor en su momento y que podría haberse codeado con los grandes de la época sin ningún problema. Hablamos de muy buenos músicos.

El trabajo del piano y del Fender Rhodes es magnífico y la paleta instrumental del resto del grupo es generosa en variedad de teclados, guitarra, bajos, vientos, instrumentos de cuerda y una variada sección percusiva de batería, vibes, marimba etc.

Temas

Thoughts8:19

Businessman12:33

One Way Street8:04

We Got Time3:43

Wasting Time9:39

El inicio de la primera pieza “Thoughts” de su primer álbum parece un cruze imposible entre Magma y Renaissance que deriva hacia un jazz-folk curioso mientras avanzas, que le da su toque pintoresco y especial. Hay toques vanguardistas extraños a veces salpicados de trenes rítmicos de sintetizador y violín a la Camel-Caravan muy prog setentas tendiendo a la fusión. Su primer LP “Thoughts” se publicó en 1978 y al año siguiente lo haría “Brave New World”.

Temas

1. Brave New World (0:00)

2. Sundays (4:38)

3. Lunch Time (10:59)

4. Sunday Fever (13:06)

5. Transit (18:46)

6. Colours (23:18)

7. A Nice Way To Say Hello (31:46)

Justo al borde del abismo de todo lo progresivo. Sacar sendos álbumes con esta calidad en esos años precedentes al desastre, era de valientes y claro la cosa estaba clara, ahora o nunca. No hubo un tercero y se evitaron las críticas de los columnistas bobalicones y superficiales del momento ochentero, que lo habrían masacrado sin piedad y sin talento.

Yo los definiría como unos Soft Machine-Caravan “sinfonizados” y con ligerísimos toques Fairport Convention- Renaissance para desengrasar un poco. Todo se cuela de vez en cuando y la música en si misma se enriquece de ello. Dos discos de jazz-rock-sinfónico originales y sugestivos que merece la pena tener (en vinilo mejor en caso que los encuentres). Esta clase de entonces es la que falta hoy, y por muy rápido que toquen los chavales de hoy día, esa magia del pasado les viene grande. Algo falla me temo.

Alberto Torró

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En mas de una ocasión he comentado mis orígenes maños (nací en Zaragoza). Por motivos laborales hace 17 años fije mi residencia en Alicante, una ciudad que desde el primer momento me conquisto. Sus gentes, su calidad de vida, sus playas y ese clima privilegiado que me hace olvidar el frío y el calor extremo de la capital aragonesa. Hace algunos años oí la música de un grupo alicantino que practicaba rock progresivo, algo inaudito por estas tierras mas propias de otros géneros musicales mas comerciales. La banda en cuestión es Numen con más de 25 años de historia, haciendo buena música y luchando por sobrevivir.

Los orígenes de la banda se remontan a 1992 cuando cuatro estudiantes que se conocían de la Universidad deciden montar la banda. Víctor Arques (voces y bajo), Manuel Mas (teclados), Antonio Valiente (guitarra) y Gaspar Martínez (batería). Durante algún tiempo se mueven realizando conciertos por la provincia e intentando salir adelante. La experiencia les dice que necesitan un cantante y en 1996 se incorpora César Alcaraz.

En 1997 entran en los estudios de grabación y en junio de 1998 presentan, "Samsara". El disco contiene nueve temas de excelente rock progresivo. Sus sonoridades son cercanas a IQ y a Marilion, sobre todo por el tratamiento de las guitarras a lo Steve Rothery. Recibe buenas críticas y se distribuye en diversos catálogos del género por el resto del mundo.

En 2000 la banda se toma un respiro para que sus miembros puedan desarrollar algunos proyectos personales. Once años después vuelven a la carga con nuevas ilusiones fruto de las cuales en 2014 editan su segundo trabajo, "Numenclature".

En este trabajo demuestran una gran madurez musical. Personalmente su instrumentación me suena a la última etapa de Pink Floyd, con guitarras relajadas llenas de lirismo y un excelente trabajo de su teclista Manuel Mas. En cuanto a la parte vocal creo que ha evolucionado hacía sonoridades a lo Dream Theater. Temas destacados sin duda "Cold and Grey" y "Out of the Earth". Una obra que todo buen amante del género debería tener en su colección.

Como complemento al disco la banda en colaboración con Alejandro Moreno ha editado un DVD, "Numenclature. Un viaje en progresivo", donde explica lo que es para ellos el progresivo y algunas de sus vivencias en el mundo musical".

En 2015 Antonio Valiente (guitarra) abandona la banda siendo sustituido por Marcos Bevià.

Contacto:

Página Oficial: http://www.numenmusic.com/

Bandcamp https://numenmusic.bandcamp.com/

Facebook https://www.facebook.com/numenmusica/

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Este grupo suizo ya ha pasado dos veces por nuestras páginas. En la primera ocasión analizamos su primer disco, "Toad", y en la segunda nuestro colaborador Christian Jiménez hizo lo propio con el "Tomorrow Blue". Hoy volveremos a recordarlos en su actuación en Basel en 1972.

La banda se forma en 1970 después de abandonar Vittorio Vergeat su fugaz aventura con los Hawkwind. Junto con Vic encontramos a Werner Fröhlich en el bajo y Cosimo Lampis en la batería. Posteriormente se les uniría Benjamin Jaeger para editar su primer disco, "Toad", en 1971, con la intervención del productor Martin Birch. En el 72 y ya como trío editan, "Tomorrow Blue", llegando dos años más tarde su tercer LP, "Dreams". Durante algunos años la banda estuvo desaparecida debido a los intentos de Vergeat por consolidar su carrera en solitario. Por fin en 1986 vuelve a reaparecer en un concierto en Suiza y editan en 1993, "Stop This Crime", con André Buser como bajista. El grupo se rompió definitivamente en 1995.

Estamos ante la actuación de los Toad en el St. Joseh de Basel el 22 de abril de 1972, durante la gira de presentación de su segundo disco, "Tomorrow Blue". La música del grupo es netamente rock blues hard rockero al estilo de unos Cream. Su guitarrista, Vic Vergeat, despliega toda su artillería desde el primer tema, "Tomorrow Blue", más de 14 minutos de pirotecnia guitarrera donde incluso le hacen un guiño al "Bolero" de Jeff Beck. ""Thoughts" donde el ambiente de "power trío" sigue presente. Nos tomamos un respiro con "Blues", un blues al estilo Vergeat. Un pequeño solo del batería de Cosimo Lampis llega en "Pig's Walk". Para finalizar dos temas del maestro Hendrix, "Red House" y "Who Knows". El sonido es bastante aceptable.

J.C. Miñana

Temas

Tomorrow Blue14:51

Thoughts6:57

Blues5:42

Pig's Walk4:43

Red House7:42

Who Knows11:33

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De padres portugueses, Catherine Ribeiro es una de las musas de la chanson francaise. En los 60 combina su carrera como cantante folk (varios singles), con la de actriz (aparece entre otras, en "Les Carabiniers", de Jean-Luc Godard). Su inquietante y gélida belleza recuerda a otra misteriosa valquiria, la alemana Nico.

En 1969 forma la banda 2Bis con Patrice Moullet, músico experimental, psicodélico e inventor de instrumentos de curiosas sonoridades como el percuphone, cosmophone, the omi. ....Al poco tiempo cambian el nombre a Catherine Ribeiro + Alpes. Fuerte activista política de izquierdas, sus textos son combinados con música mágica y extraña, ideada por Moullet. En 1974 editan su quinto disco, "Le Rat Debile et L'Homme des Champs". Acompañados por Moullet en guitarras, percuphone y cosmophone, y la voz de Ribeiro, tenemos a Daniel Motron (órgano, teclados), Gerald Renard (bajo, percuphone), Denis Cohen (percusión, timbales) y Jean-Jacques Leurion (orgolia).

Comienza la obra con "La Petite Fille aux fraises " (5'07), con sonidos rítmicos de parecidos con un secuenciador estilo Tangerine Dream, presumo que efectuados por los inventos de Patrice Moullet. Musicalmente guarda una "similitud desquiciada" con Sliver Apples. La voz de la Ribeiro se muestra angustiada y desafiante. Como la misma música, exquisita, por otra parte.

"L'Ere de la Putrefaction" (se referían a ésta? ) es una suite en cuatro movimientos, como bien definen ellos, de 13 mts. El órgano es casi catedralicio, no es de extrañar que gustarán de tocar en iglesias por su particular sonoridad. De ser alemanes, estaríamos hablando de kraut rock de primer nivel. El bajo forma la columna vertebral rítmica, por encima de un serpenteante órgano, apoyado por guitarra rítmica (no suele haber guitarra solista), y la voz acongojante de la Ribeiro. Concienciando al mundo de las catástrofes ecológicas que están por venir. Éste es uno de los primeros discos que tratan esta temática. Si hubiera cantado en "Irrlicht" de Klaus Schulze, el resultado sería parecido. Sigue el bajo con su pulsación tímbrica casi secuencial e hipnótica. La pieza se desarrolla por ambientes oscuros y depresivos, pero tan bellos e inquietantes como su cantante (la cual tuvo por esos días un intento de suicidio).

"Un regard clar (obscur) (4'50) ofrece en los teclados una tregua de esperanza y (casi) optimismo.

En la segunda cara nos encontramos con una única pieza, "Poeme non epique (suite)" (25'23) , en concierto de seis movimientos. Los extraños sonidos, entre percusivos y secuenciales procedentes de los cacharros de Moullet, se mezclan con órgano y teclados, expresando música electrónica progresiva de primer orden. De hecho, la suite está compuesta por el teclista Daniel Motron y el propio Patrice Moullet. Sirviendo de fondo para las desesperaciones, reflexiones y amargues varios de la magnética cantante.

Música de rasgo intrínseco, personal, absolutamente propia. No es de extrañar que junto a Magma, hayan sido considerados los combos más originales de Francia. Otros grandísimos músicos pasarán por Alpes, como el violinista David Rose, la percusionista Mireille Bauer o el teclista Patrice Lemoine (éstos dos últimos luego en Gong).

Un total de nueve álbumes del 69 al 80 son el sólido testamento de ésta increíble formación.

Si no los has descubierto todavía, ya tardas.

J.J. IGLESIAS

Temas

1. La Petite Fille Aux Fraises (0:00)

2. L'ère De La Putréfaction - Concerto Alpin En 4 Mouvements (5:10)

3. Un Regard Clair (Obscur) (18:11)

4. Poème Non Epique (Suite) - Concerto Alpin En 6 Mouvements (23:00)

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He de confesaros que disfruto investigando tanto en mi faceta profesional como en la lúdica, siempre me ha gustado escudriñar en busca de grupos perdidos y olvidados por el paso del tiempo. Está claro que cuanto más investigas más te sorprendes. Cuando en Europa ya se estaba certificando la defunción del progresivo a finales de los 70 en Mexico florecían multitud de grupos del género. Entre todos ellos destaca Caja de Pandora.

Como siempre en este tipo de bandas los datos son realmente escasos. El grupo se forma en 1981 teniendo en su filas a Alejandro Lomelín (teclados), Antonio Castro (bajo), Víctor Illaramendi (batería) y José Teran (guitarra). Cuando estaban grabando su primer disco Illaramendi deja la banda siendo sustituido por Eduardo J. Medina. Por diversos problemas que no están nada claros la grabación no se llegó a editar hasta la década de los 90. Hay ciertas informaciones que apunta la existencia de un segundo disco pero no las hemos podido confirmar.

El disco original contenía nueve temas todos ellos instrumentales. En posteriores reediciones se le han llegado a añadir hasta cinco temas más algunos de ellos en directo. La música por la que navega Caja de Pandora es un progresivo muy light donde el dueño y señor es el teclista Alejandro Lomelin. Temas generalmente cortos donde Alex utiliza todo tipo de teclados mezclando en algunos momento el progresivo con algún toque jazz. Todo muy lineal y sin grandes sobresaltos donde la guitarra se mantiene casi siempre en segundo plano. Temas destacados podrían ser "Reunión" o " Luz en la oscuridad". La producción podría ser mejorable.
J.C. Miñana

Temas

1 Apocalipsis 3:33

2 Cuento De Hadas 4:39

3 Ilusión 4:37

4 Requiem Para El Silencio 3:10

5 Horizontes 3:01

6 Camino Mágico 3:43

7 Reunión 2:32

8 Luz En La Obscuridad 5:14

9 Esperanza 1:43

10 La Gruta Del Rey De La Montaña (Bonus Track) 5:02

11 Tema De Pandora (Bonus Track) 2:49

12 Eclipse (Bonus Track) 5:00

13 Pixie D (Bonus Track- From Live At Teatro De Las Torres 1982) 3:52

14 Kerigma (Bonus Track- From Live At Teatro De Las Torres 1982) 6:05

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Cuando descubrí a Return to Forever (con "Hymn of the Seventh Galaxy"), Stanley Clarke (con "Journey to Love") y la Mahavishnu Orchestra (con "Inner Worlds") así, de sopetón......Era un verano de arrasador calor de los finales 70. Eso amigos, marca toda la vida. Así que ahora, en plena "ola de calor", (cambio climático bestial, es su verdadero nombre), descubro este (creo que) único album de Ashby -Ostermann Alliance. Y el deja-vu sentimental y nostálgico se dispara en mi persona toda myself. Encontrar discos perdidos de jazz rock formato prog se me hace ya cada vez más dificultoso. Y que sean más que buenos, subiendo a divisiones de oro, tarea casi imposible.

Así que ésta gente me alegró el día. Este combo de Chicago me voló la sesera con su terrible maquinaria instrumental rebosante de nervio y pasión. Heavy metal be bop, que decían los Brecker Brothers.

Vince Ashby a las guitarras, de la escuela Jeff Beck en su jazz rock fase. Dennis Ostermann en los teclados supersonicos y piano-espectáculo. Jim Massoth en los saxos, apoyando, cuando no liderando, a la primera línea de fuego melódica de los dos líderes. Y un dúo rítmico apabullante y ofensivo, en las manos de James T. Bromley al bajo y Ty Von Jenet a la batería.

Testigos de sus conciertos por el área de la ciudad del viento, (con permiso de Zaragoza), hablan de una formación fuera de éste mundo. Por fortuna tenemos este álbum para paladearlo.

Que no te engañe el fuerte sabor a latín jazz de la inicial "Rumbo Jumbo" (4'41).Sólo es una exposición -entremés para el desparrame instrumental al que vas a enfrentarte. El mencionado Jeff Beck o Al Di Meola andan en la mente de Vince Ashby con total desafío. Todos levantan las cartas ya en ésta primera ronda. Vaya salvajes.

"Chubby Tuna" (2'27) posee un aire mediterráneo, no alejándose mucho de Perigeo, Arti + Mestieri o Etna.

Van soltando el cronómetro en "Nightstorm" (5'53) . El Tommy Bolin de los discos con Alphonse Mouzon o Billy Cobham aparece en espíritu entre los dedos de Ashby, bien secundado por el piano de Ostermann. Y una sección de ritmo que no da respiro. Mención aparte para el saxo de Jim Massoth en pugna con el moog, y ya en el sprint a meta, todos en estampida. Esto es caña y no el Death metal.

En "Bucentaur" (7'58) vuelven a flirtear levemente con el latin jazz....espejismos. Organizan un "fast & furious" en donde la velocidad no es nada, si no se aporta también una buena cantidad de sentimiento y groove. Aquí hasta Iceberg o algún freak escandinavo tipo Secret Oyster entrarían en el área de comparaciones.

Vuelta al disco, y "Theme from Universal Melody" (3'41) asoma un aire "misti-cósmico" rozando los modos de RTF o Todd Rundgren's Utopía. Saludando con un gesto magnánimo y majestuoso.

"Tidebreaker" (5'17) entra casi en los jardines de Canterbury o sus más directos allegados: Nucleus, Isotope, Keith Tippett Group, Soft Heap o If. Podría decirse que esta segunda cara se nos plantea más "europea".

Algo que continúa en la final "Mongol Sunrise" (6'36), donde el saxo adquiere tanta relevancia como los instrumentos de la Alliance. Dennis Ostermann se convierte en avispado alumno de Alan Gowen o Dave Stewart, con sus meteoricos solos de mini-moog.

En suma tenemos un sorprendente trabajo jazz rock prog que aúna todas las virtudes (alguno dirá defectos) del género en aquel momento. Extraordinario y raro documento a colocar en la urna del museo paleontológico aural, sección jazz rock, apartado prog. Una maravilla, no mystery.

J.J. IGLESIAS

Temas
A1 Rumbo Jumbo
A2 Chubby Tuna
A3 Nightstorm
A4 Bucentaur
B1 Theme From Universal Melody
B2 Tidebreaker
B3 Mongol Sunrise

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Dos años después hay nuevo cambio de guitarrista y se incorpora el actual King Crimson Jakko Jaszczyk que por entonces tributaba a la legendaria banda de Fripp con los 21st Century Schzoid Band. Otra baja va a ser la pianista Sam Baine, dejando a Andy Tillison con todo el arsenal teclístico. Con el sarcástico título de “no es tan bueno como el libro” nos encontramos en parte con una especie de continuación “del mundo que atravesamos” como referencia a la época superficial y borde que nos toca vivir y el mal cuerpo que te ponen los medios de comunicación (procedería ir todo el día borracho para aguantarlo pero la resaca no perdona y además te van a echar de todos lados por impresentable. Mal asunto).

Bueno el caso es que ahora nos enfrentamos nada menos que a un doble CD yo diría que en dos bloques temáticos. El primero se titula genéricamente “A crisis in Mid-Life”. Algunos y algunas ya sabéis que al llegar o aproximarnos a los 50, los hombres empezamos a sufrir algún “gatillazo” (los de mi edad ya ni te cuento) y algunos para arreglarlo, continuamos fumando y bebiendo más cerveza incluso que antaño (que ya es decir), por lo que las mujeres que no son tontas precisamente (nosotros sí) dejan de tomarnos como un valor seguro (es un decir) y tenemos el honor de convertirnos en un trasto inservible, pesao y coñazo. Los sinfónicos especialmente.

Bueno 7 temas y 50 minutos dura el primer CD. Estamos un poco como en el disco anterior con división de opiniones. El que un grupo progresivo hoy en 2017 sea una continuación estilística de los años 70, ya es un motivo de crítica y escarnio para los chavales (y no tan chavales) seguidores de las nuevas tendencias tipo Haken, Leprous, Opeh, Riverside, Anathema y el largo etc que a los veteranos irredentos intentan colarnos como progresivo. Yo lo digo porque a mi edad ya me la trae floja todo y he visto la película repetida muchas veces. Entonces que sucede…? pues muy fácil: Tangent están diseñados para el oyente prog muy maduro y muy trillado y ojo al dato!!!...no son neoprog. Los demás citados es post-rock mezclado con metal, rollo indie incluso pop o rock a secas. No digo que sea malo pero no es prog. Esto daría para un libro y lo más interesante es ya el abismo generacional casi irreconciliable que se ha creado en torno a un estilo complejo y original que en mi caso creció a la par que yo. Dejando las batallitas del yayo Torró, este Tangent es tan bueno como los demás o mejor y, el “problema” entrecomillado, de los músicos de verdad que llevan la música en la cabeza todo el día, es hacer lo que les gusta de la mejor manera y con muchos ingredientes. Y este es el caso del señor Andy Tillison. Y cuando alguien como él está por encima de la media, y aunque parezca una contradicción, es más fácil que le lluevan hostias de todas partes. El hecho de que un músico haga lo que le dé la gana fuera de modas, tendencias o normas, ya tiene mi respeto incluso aunque no me guste, pero es que este tipo me ofrece momentos musicales impagables.

La primera descarga de esta cara es como si UK y Eddie Jobson y su rubia melena estuviese saltando y sacudiendo acordes poderosos. El nervio y la potencia se unen a la precisión técnica y la sangre empieza a hervir de entusiasmo. Tremenda pieza. Jakko se luce a gusto con la guitarra.

Volvemos a perdernos en Londres y la fluidez canterburiana vuelve a acariciarnos cervecita en mano y la flauta de Travis facilitando su paso. Fusión jazz-rock a todo trapo y alegría pal cuerpo. Otro temazo.

La melódica “The Ethernet” relaja el ambiente en su primera parte y se desgañita a lo Van der Graaf en la segunda. No es música para dormirse.

Después del tremendo aunque breve instrumental llamado “Celebry Puree” entramos en los 9 mtos de “Not As Good As The Book” y el sinte a lo Emerson -Wakeman-Banks como apertura para abrir boca y con un buen interludio acústico de Manning, españolada incluida, y un buen trabajo vocal a varias voces. Es un tema animado y disperso que juega con variadas estructuras para acabar como empezó.

En “A Sale of Two Souls” volvemos a escuchar los desgranes acústicos de guitarra y bucólica flauta en una sofisticada pieza de sinuoso desarrollo y algo Hammill en el trasfondo vocal.

Termina el primer CD con un toque hard setentero muy atractivo en “Bat Out Of Basildon” de buen temple.

En el segundo CD volvemos a las locuras épicas con tan solo dos largas suites encuadradas en el genérico título “Throwing Metal At The Sky”. La primera “grand scale” se llama “Four Eyes One War”. Por vez primera oímos voces femeninas en The Tangent (Julie King). Entramos de nuevo en el universo Tangent de cambios estilos y formas progresivas diversas. Casi hard-prog- hammond retumbando y buenos breaks con sinte poderoso. Jakko vuelve a lucirse con la guitarra bastante más rock que sus predecesores y múltiples son los caminos a recorrer en los 21 mtos que dura la aventura. Pasajes para todos los gustos, funky descarado, ecos Floyd, incluso folk incluido. Moog estupendo casi al final. A escuchar toca.

“The Full Gamut” es el otro monstruo de casi 23 mtos con un bonito inicio de piano y sinfonismos variados con puentes diversos hacia un prog symphonic de primer orden: Emerson Lake & Palmer, Gentle Giant, Jethro Tull, hasta Kansas, Banco, National Health…y suma y sigue con bastante cosecha propia naturalmente. Un cocktail para agitar y beber frío.

En mi opinión este doble álbum es bastante más completo musicalmente que el anterior. Mucha música concentrada para prestarle la debida atención.
Alberto Torró

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Esta rareza italiana formada en Roma nada tiene que ver con aquel oscuro grupo de gótico depresivo y neurótico de los 80´s afortunadamente. Este quinteto italiano nació de la legendaria banda progresiva Buon Vecchio Charlie y, como estos, al parecer solo tienen este registro de 1974 en el mercado.

La producción no es muy buena y el sonido deja algo que desear pero es un disco que todo amante de los Soft Machine del Five, Six, Seven y el Bundles deben escuchar. Starway to Escher es del mismo año que el Bundles y las composiciones, incluso los riffs-véase la pieza “Bijoux” por ejemplo- son casi similares a los Soft Machine más jazz rockeros, época Marshall, Jenkins o Holdsworth. Hay también alguna influencia tipo Weather Report o Return To Forever incluso John Coltrane, que es lo que encandilaba a los jazzeros progres en esa época. Hay que aclarar que la mayoría de saxofonistas de las bandas canterburianas estaban completamente influidos por el genio de Coltrane y esto es más que evidente. Casi diría que fue el gurú espiritual del lado jazz de Canterbury. Reconocido por ellos mismos. El saxofonista de Bauhaus se llama Claudio Giusti y por momentos pareces estar escuchando al fantasma negro norteamericano o al propio Elton Dean.

También mucho Fender Rhodes para variar y mucha libertad bajo-batería como mandan los cánones. No hay cambios de estilo en los 7 temas (de hecho parecen uno solo) que componen este LP, e incluso el guitarrista Luigi Calabró suena en la misma onda que sonarían los Coryell , Di Meolas o incluso nuestro Iceberg Max Suñé. El saxofonista no obstante lleva el peso del grupo y se luce a gusto en todos los temas, a los cuales no les falta su buen swing. Un disco instrumental no muy original, pero muy respetuoso con esta forma concreta y algo fría, de jazz-fusión-rock de la época.

Alberto Torró

Temas

1 The Lonious Gropious 3:28

2 Modulor 5:54

3 Bijoux 9:46

4 Section Aurea 4:34

5 Stairway To Escher 5:23

6 Ri-Fusion 8:46

7 Tipi Di Topoi 9:04

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Herba D'Hameli es una formación de Barcelona que comenzó su andadura en los comienzos de éste siglo. "Interiors" hace su sexto disco, y uno no puede más que entrar en profunda reflexión tras su escucha.

Cuando la filosofía que nos llega por medio de poderosas publicaciones como la británica Prog Magazine, influye e infecta a gran parte de seguidores con su erróneo mensaje. No, amigos, (imagino a un critico de la susodicha revista, atado boca abajo con la cabeza dentro de un acuario con pirañas), la filosofia de la prog music YA NO ES la de "expandir fronteras", como proclaman a cada segundo. Eso fue la base e ideario de un género que se creó en los finales 60. Hoy ese género, que ya tiene 50 años, cuenta con sus canones y modos, ramificaciones y subgéneros. Y seguramente seguirán saliendo más , por generación espontánea.Fusionando estilos. Pero de eso, a estar "constantemente innovando" en la actualidad, sólo puede traer en un 99'99% de los casos, inmensas cagadas. El nuevo grupo que surja y piense de ese modo, o es un pretencioso, un pedante o un genio. Y de lo último, vamos más bien escasos.

El prog rock hay que verlo hoy como lo que es, un género.

Como el garage, el jazz, el blues o el metal. La evolución viene con la naturalidad (que no necesariamente calidad) ,que nos traen los tiempos. Forzar eso siempre es para mal.

Por eso cuando alguien como Herba D'Hameli aparece con la humildad / grandeza de ser unos músicos entregados en cuerpo y alma al progresivo más clásico, este escriba se quita el sombrero de copa. Porque se trata de eso, de crear y recrear, componer y descomponer melodías, con todo el gusto del que uno sea capaz. Pero a sabiendas de que, humildemente, ya está todo (casi) inventado. "Sólo" queda hacerlo bien. Casi nada. Y hacerlo inmensamente bien, del copón de la baraja, debería ser ese "expandir fronteras" del que hablan tan alegremente los "illuminati" de turno.

"Interiors" es una colosal obra fabricada al mimo, al detalle, como lo hacía su paisano Gaudí.

"Extasi Terrenal" (11'26) nos invade con sonoridades teclisticas de otra era, gracias a Carles Pinos. El bajo de Dani Fabre es sólido y decidido como el de un joven Chris Squire. La batería y percusiones de Guillem Roma son magníficas y, ya de entrada, apabullan al oyente. Valentí Pinos en la guitarra es un solemne maestro de ceremonias de la melodía. Tras una larga intro fabulosa, el Fender Rhodes entra en terreno camelistico, bien subrayado por la flauta travesera de Josep Tardío (también teclas, vibrafono y percusiones). Finalmente Claudio Trullen nos introduce en el apartado lírico vocal, expresando sensaciones a cada intervención. Simplemente entusiasmante. No descubro nada si digo que Herba D'Hameli recoge la mejor herencia mediterránea del más glorioso progresivo italiano.

Esto continúa en "Claritat" (10'38), donde a uno le vienen recuerdos de inmortales nombres: De De Lind, Murple, PFM, Locanda Delle Fate, Il Rovescio Della Medaglia.....u otros más contemporáneos pero igual de válidos : Consorzio Acqua Potabile, Il Castello Di Atlante, La Maschera Di Cera, Divae, Aufklarung.....La épica vocal que consigue Trullen con su voz, apasiona.

Curioso es el caso de "Experimentacio" (5'20), que siendo la más corta del lote, vaya subdividida en cuatro partes. Dominio mellotronico que nos lleva a las frías tierras escandinavas en ésta ocasión, aunque con la calidez de unos Camel setenteros, en un precioso instrumental.

Finalmente nos queda la epic-track, "Viatge" (19'23). En la que encontramos todo lo dicho, aumentado y desarrollado en un monstruoso trabajo que equipara "Interiors" a muchas obras maestras del pasado sin dificultad.

Esto es, sencillamente, (es un decir), "expandir los boundaires" como debe ser. Sin tonterías snob ni hypes de hipster modernazo que todo lo sabe. Haciendo buena música (ahí es nada) sin pretensiones mesianicas ni falsas promesas de endiosadas innovaciones. Esas que se perderán en la memoria del tiempo a poco tardar, o en cuanto "inventen" otra tontería que las supla.

Herba D'Hameli sí está haciendo historia desde aquí, que ya es difícil. Y con álbumes como "Interiors" van a ser recordados por siempre. Al menos por mi.

J.J. IGLESIAS

Contacto:

Página Oficial: http://herbahameli.blogspot.com.es/

Bandcamp https://herbahameli.bandcamp.com/

Facebook https://www.facebook.com/herbadhameli.progrock/

P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en esta sección puede ponerse en contacto con nosotros : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70

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Jaco Pastorius es considerado por mucho el "Hendrix del bajo". Su particular forma de tocar le hacía conseguir sonoridades que otros bajista no llegaban ni a imaginar. Tanto su legado en solitario como con Weather Report y sus múltiples colaboraciones son dignas de estudio.

En 1977 Jaco Pastorius ya disfrutaba del éxito, hacía un año que había editado su primer disco como solista y había conseguido entrar como bajista en Weather Report con los que llegaría a grabar cinco discos en estudio.

Por su parte Herbie Hancock realizaba diversas giras con VSOP, Freddie Hubbard (Trompeta),Wayne Shorter (saxo), Herbie Hancock (teclados), Ron Carter (bajo) y Tony Williams (batería). A destacar el disco en directo "The Quintet ".

Estamos ante la histórica actuación de Herbie Hancok junto a Jaco Pastorius en el Ivanhoe Theater de Chicago el 16 de Febrero de 1977. El resto de la banda estaba formada por el saxofonista Bennie Maupin y el batería James Levi , colaboradores de Hancok en diversas aventuras. El primer tema "Cantaloupe Island" es plenamente para el saxofonista, jazz rozando el "free". En el siguiente corte tenemos una jam de 14 minutos, "Hang Up Your Hand-Ups", donde Jaco comienza a enseñar las garras con sus vertiginosos ritmos. "Maiden Voyage" es un viejo temas de Hancok de 1965 donde nos demuestra su sensibilidad al piano eléctrico. Llegamos al solo de Pastorius donde podemos oír todo tipo de sonoridades, desde las mas jazzeras hasta las distorsiones a lo Hendirx, brutal. "People Music" del "Secrest" (1976) de Hancok es el quinto tema. Finalizamos con "Chameleon" perteneciente al "Head Hunters" del 73. Excelente sonido.

J.C. Miñana

Temas

00:00 Cantaloupe Island 8:17

08:17 Hang Up Your Hand-Ups 14:40

22:58 Maiden Voyage 7:00

29:57 Jaco Bass Solo 9:06

39:02 People Music 7:26

46:27 Chameleon 14:45

P.D.: Gracias a Master Eddie y su magnífico canal de youtube.

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El verano pasado lo invertí en bucear en la prog-electrónica de la antigua Unión Soviética. Éste lo estoy haciendo con el prog indonesio de los 70. Podéis llamarme friki. O curioso. O estudioso. Lo de la URSS a nivel musical, asusta. Das una patada a una piedra y te salen diez sintetistas ultrapreparados y prodigiosos. Todos con formación clásica, como en el caso de Igor Savin. Y de una solidez y seriedad compositiva ejemplar.

Me pregunto si tan mala puede ser una dictadura comunista, (vale, no la defiendo, todas lo son), en donde se prioriza la cultura y el culto a la belleza artística. Frente a una dictadura del capital, en la que lo único válido es el culto...a la belleza del cuerpo. Date una vuelta de zapping por las televisiones (si tienes huevos), y no verás más que a tí@s todos iguales en ropa, cortes de pelo y perfección escultural del cuerpo. Auténticos borregos dispuestos para el matadero capitalista. Donde su verborrea superficial sólo es superada por su egoísmo y vanidad sin límites. Si hay que elegir, yo lo tengo claro. Y conste que no tengo nada de comunista.

Igor Savin viene de la antigua Yugoslavia (concretamente de Croacia), y tras su formación clásica, entró en orquestas, trabajó para la Zagreb RTV y fue director artístico de Lisinski Estudio Electrónico de Zagreb. Tras esto, pudo visitar los Estados Unidos estudiando en Berklee armonía, improvisación y composición.

Pasándose luego al piano y vibrafono para bandas de jazz. Posteriormente trabajará en música para filmes, dibujos animados, ballets, radio dramas, big bands, corales y orquestas sinfonicas.

En 1984 funda el estudio electrónico Zagreb City Hall Concert Recording Electronic Music. "Chidhood" aparecio en el sello del régimen, Jugoton, en 1982.

Como casi todos los sintetistas del Este, Savin ofrece una propuesta electrónica muy personal. En sus propias palabras, toda su obra electrónica proviene de su influencia hacia el folk autóctono de su tierra. Tan sólo dos largas composiciones forman "Childhood".

"Poland Bells" (20'21) no descarta en sus puros parámetros electrónicos, la inclusión de fuerte contenido melódico previamente compuesto. Además de una inclinación cinematográfica muy pictórica y descriptiva. Afinando mucho, puede equipararse a los TD de la primera mitad de los 80: "White Eagle ", "Hyperborea" , "Poland" o "Le Parc". Así como al Schulze de la misma época, en obras como "Trancefer", "Audentity" o "Angst ".Teniendo muy en cuenta que Savin tiene su propia forma de expresión.

En la segunda cara tenemos "Florianna" (20'19), otra colorista y agradable pieza, muy bien estructurada. Donde las influencias clásicas se abren paso subliminalmente, dejando una sensación al oyente de ausencia de la realidad muy placentera. Escapismo mágico (ojo, nada de new age ), hacia el propio universo sonoro de Savin. Condimentado con una saludable dosis de Berlin School o algo del mejor Jean-Michel Jarre.

Sabe cómo entrelazar el hilo secuencial como una forma melódica más, uniéndola a la principal, y sin conformarla simplemente a un rol rítmico. En general demuestra buen gusto y exquisitas formas a cada segundo del disco. El cual tiene por momentos ese halo/oda a la infancia, o plena felicidad perdida, del que hace gala el título. Es uno de esos artefactos (nada barato, por cierto), perdidos en la inmensa jungla discográfica, que merece ser rescatado para nuestro fondo de archivo en Rockliquias.

Savin formaría después el dúo Modo New, con el saxofonista Zeljko Kovacevic. Y ha recibido numerosos premios por parte del sector del Séptimo Arte, ( entre ellos, el de Gijón 97).

Una agradable escucha, de las que echar mano en esos momentos al margen de éste caótico y absurdo mundo.

J.J. IGLESIAS

Temas

A Roland Bells 20:21

B Florianna 20:19

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Nuestro redactor J.J. Iglesias hace algún tiempo nos descubrió las excelencias musicales del gran teclista italiano Claudio Simonetti. En el citado artículo nos hablaba de Goblin y de sus comienzos con Cherry Five.

A finales de 1973 Massimo Morante (guitarra) y Claudio Simonetti (teclado) forman la banda "Oliver" junto a Fabio Pignatelli (bajo) y Walter Martino (batería). Deciden emigrar a Londres donde conocen a Eddie Offord que les promete ayudar en su carrera. Contratan a un cantante inglés, Clive Haynes, y Carlo Bordini entra como nuevo batería. Pasan los meses y la esperada ayuda no llega. Sin dinero tienen que regresar a Italia donde fichan por Cinevox. En ese periodo se incorpora Tony Tartarini como cantante. En 1974 entran en los estudios para grabar los temas de su primer disco. La grabación vería la luz un par de años mas tarde cuando la banda había cambiado su nombre a Goblin sin la presencia de Tartarini ni Borderini. Cinevox, la discográfica, lo editó bajo el nombre de Cherry Five. Por su parte Goblin inició una larga colaboración con el cineasta Dario Argento.

En realidad estamos ante el único legado de la banda "Oliver". Fue la discográfica la que decidió cambiar el nombre por el de Cherry Five e incluso no mencionar a tres de sus miembros en los créditos (Massimo Morante, Claudio Simonetti y Fabio Pignatelli) que pasaron a denominarse Goblin. Al margen de todo esto la música que podemos encontrar en estos seis temas es un excelente progresivo con claras influencias de grupos como "Yes". En este trabajo están muy claras las afinidades entre Simonetti y Wakeman. Entre las armonías vocales de Tartarini y Anderson. Y la sección rítmica nos puede recordar al Tandem Squire-White o Bruford. En definitiva un disco muy cercano al "The Yes album". Una buena muestra de todo lo anterior lo encontramos en " The Swan is a Murderer Part. 1 y 2". Por cierto esta banda italiana canta en inglés.

J.C. Miñana

Temas

1. Country Grave Yard 00:00

2. The Picture of Dorian Gray 08:20

3. The Swan is a Murderer Part 1 16:50

4. The Swan is a Murderer Part 2 20:51

5. Oliver 25:53

6. My Little Cloud Land 35:26

Formación:

Claudio Simonetti - teclados

Massimo Morante - guitarra

Fabio Pignatelli - bajo

Tony Tartarini - voz

Carlo Bordini - batería

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Aquí traemos otra de esas bandas que lo tuvieron todo a favor para triunfar, y no hubo manera más allá de su área local. Comenzaron en 1970 como The Parlour Band. Fichan por el sello progresivo de Decca, Deram, y editan una joya del progresivo británico, "Is a Friend?" (1972). Un único y maravilloso album del que tendremos que hablar por aquí obligatoriamente. Lo promocionan junto a Caravan y Khan, tremendo lote de bandas en el momento apropiado, (máquina del tiempo, ya!). Además el influyente disc jockey y crítico del underground, John Peel, les da todo su apoyo.

En el 73 cambian de sello, yendo a parar a CBS/Epic nada menos. Ahora se llaman A Band Called O. Siguen John "Pix" Pickford (cantante y guitarra), Craig Anders (guitarra solista y slide), Mark Anders (bajo) y el ex-Clímax Blues Band, Pete Filleul (teclados). El nuevo es el batería Derek Ballard, que sustituye a Jerry Robbins.

Su primer álbum se aleja del puro british prog, para acercarse más a la forma de hacer del país del dólar. Para ello produce el Steve Miller Band, Ben Sidran. Junto a Chris White de The Zombies. Pero es su continuación del año siguiente, "Oasis", el que atrae nuestra atención hoy.

Grabado en diciembre de 1974 en los famosos Morgan Studios londinenses, y producido por Nicky Graham, incide todavía más en los postulados californianos del primero.

"Amovin" con su piano eléctrico negroide y estupenda instrumentación general, trata de atrapar (con éxito ), el modo de hacer más ecléctico y despreocupado de la Bahía. Dentro de un prog-psych muy inteligente y sofisticado.

"Foolin' Round" casi tira al Southern /funk/yatch rock de Les Dudek, Boz Scaggs o Sea Level. Las guitarras se muestran igual de "soleadas", en conjunción con un atento Hammond. El sonido da el pego totalmente, pero éstos son más english que las orejas de su viejo príncipe.

"Sleeping" con sus casi seis minutos, es el tema largo de ésta cara. Sus planteamientos tienen un fuerte símil con otros paisanos que rinden pleitesía a la West Coast, los tremendos Man. En éste tema podrían ser ellos perfectamente. La elegancia melódica, tanto en guitarras y voces, es paralela. De hecho y para que no quepa duda, ese año se van de gira con Man + John Cipollina, que promocionan su "Maximum Darkness". El pack de las dos bandas (más ilustre invitado), funciona como un reloj suizo. Queda constancia del buen directo de A Band Called O en "On the Road 75-77" , editado en 2012. Un poco tarde, aunque mereció la pena la espera.

El instrumental "Morrocan Roll" tiene un aire Camel post-75 muy agradecido. Y concluye ésta cara con "Fine White Wine", southern de excelentes guitarras, similar a Looking Glass o la Atlanta Rhythm Section.

Comienza el otro lado del vinilo con "Take Your Time" , alegría funk del sur y la excelente voz de "Pix", en jugosa mezcla con Fender Rhodes y el bajo destacando. Las guitarras son puro goce.

El listón no baja con "Bird of Paradise", "Ice" (tirando a Allman), y las muy Man, "That's Up" y "Some People", otra de seis minutos cerrando euforicamente el álbum.

Nueva gira con interesante pack-bands, Sassafras y Randy Pie (esa máquina del tiempo....), y cambio de sello al de....Man, cómo no, United Artists. También leve cambio de nombre, ahora como The O Band, y dos discos que conjugan prog floydiano, AOR y Soft rock con intachable gusto: "Within Reach" (1976) y "The Knife" (1977).

Tres nombres distintos, tres majors importantes y tres estilos diferentes en cada etapa. Y no fue suficiente para su reconocimiento masivo. Queda la incógnita de qué significaba esa "O" mayúscula en su nombre. Quizá Ostracismo?..........

J.J. IGLESIAS

Temas

A1 Amovin' 3:39

A2 Foolin' Around 4:34

A3 Sleeping 5:22

A4 Morrocan Roll 2:38

A5 Fine White Wine 3:50

B1 Take Your Time 3:10

B2 Bird Of Paradise 4:09

B3 Ice 2:08

B4 That's Up 3:10

B5 Some People 5:53

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Como ya es habitual en cada disco, el cambio de formación no se hace esperar. Tangent son ahora un quinteto con Tillison, Manning, Travis y dos nuevos invitados: Jonathan Barret como bajista fichaje de su anterior grupo Parallel y el veterano Paul Burgess en la batería (Tull, Camel…etc). El estilo de Tillison ya está perfectamente encaminado y aunque es un progresivo multi-funcional con un amplio menú de sabores de los mejores 70´s, nos damos perfecta cuenta como dijo la semana pasada J.J. Iglesias de que esto es un género musical perfectamente consagrado como lo es el Jazz, la clásica, el blues, el rock, o la tradición folk milenaria.

Si modificamos el estilo con la pretensión de “innovar”…sinceramente tendría que nacer un nuevo Frank Zappa o un nuevo Christian Vander o un nuevo Keith Emerson y queridos míos, eso no se prodiga precisamente en la historia. Los que afirman que el rock progresivo clásico ha muerto y que cuatro “advenedizos” post-metálicos han abierto un nuevo camino son unos snobs pretenciosos con discutibles conceptos de música. Dream Theater por poner un ejemplo fácil, pueden haber revolucionado y enriquecido el heavy metal y claro que a los que aquí escribimos nos gustan alguno de sus discos(no todos), pero eso es otro estilo.

El resto de nuevas bandas, lo que hacen en un 99% está inventado y lo más dramático es que es para peor y en la mayoría de los casos, de escasa calidad. Tengo el atrevimiento de decirlo y la necesidad, para evitar que engañen al chaval que acaba de descubrir esta maravillosa música, y sepa qué y cual, es el camino correcto (al menos para mí, ojo!). La base y su legado es estupenda, solo hace falta hacerla bien y enriquecerla no empobrecerla que es lo que quizá con buenas intenciones (no lo dudo) están haciendo algunas páginas de la web, y muchas de sus bandas subdelegadas. Pero no sé si lo hacen por interés o por ignorancia. Efectivamente por educación no voy a nombrarlas.

Expuesto mi manifiesto (ya me vale) es para reivindicar que efectivamente The Tangent no han inventado un nuevo progresivo, para eso habrá que esperar que nazca un nuevo genio y posiblemente cuando lo haga ya estaremos todos criando malvas. Tangent son fieles al estilo y claro que lo han mejorado, posiblemente tocan mucho mejor que algunas leyendas, pero no son de ésa época. Bastante hacen con hacerlo bien. Género ya clásico no moda. Algunos parecen no entenderlo.

El nuevo disco de Tangent posee quizás la mejor suite de inicio de toda su discografía y seré cauto en la afirmación pero “donde están ahora…?” o “Where are They Now” con sus 19 mtos es una de las piezas que no desentonan en nada con épicas pasadas en 40 años de progresivo clásico. Claro que nos es familiar…como no iba a serlo!!...diría yo. Esos sonidos, melodías y vericuetos fantásticos ya los llevamos en la sangre desde que éramos adolescentes y descubrimos esta música. Es como decirnos…Eh!!... es lo que te gusta y sigue vivo!!.

Esta larga pieza tan emocional contrasta con la siguiente: “Paroxetina 20 mg”. La paroxetina es un antidepresivo inhibidor selectivo de la recaptación de serotonina parecido al prozac y al citalopran: la serotonina es un neurotrasmisor cerebral que controla nuestro estado anímico y causante de las depresiones. Todo química y bastante habitual de joderse en los que no nos gusta la vida y el mundo en que vivimos. Un sinfónico depresivo es lo normal… si no, no eres sinfónico sino un hierbas…un happyflower… o uno del PP que aún es peor. (hoy estoy sembrao). Por fin han descubierto que la depresión es el estado normal del ser humano mínimamente inteligente. La pieza en cuestión es más agresiva y urbana, con su toque funky-soul y doliente melodía, sinte gritón y sucio ambiente por momentos. Yo la encuentro no obstante algo inofensiva y lírica para tratar semejante tema, pero vale como muestra.

“

Perdu Dans Paris” tiene ese toque nostálgico y tristón de día gris y lluvioso con botella de whysky barato en frio apartamento y chica o señora experta, que te ha mandado a la mierda y por qué será…? El desarrollo musical se anima pero no la alegría. Te jodes.

“ The Company Car” es un tema que no dice gran cosa, anodino en The Tangent y algo aburrido. No me extraña pues la primera pieza de este disco ensombrece al resto completamente.

Termina este trabajo con la “Canterbury Sequence Vol 2- Ethanol-Hat -Nail” casi trece minutos que podrían encontrarse en cualquier disco de los National Health época Dave Stewart con Tillison metamorfoseado en él sin complejos de ningún tipo y con órgano y sintes marca registrada incluida.

Si no fuera por el abismo que hay entre el interés de unas piezas con otras, nos encontraríamos con el mejor trabajo hasta la fecha. Pero no es posible. Como digo el listón de “Where Are They Now” es tan alto que tapa la labor del resto.
Alberto Torró

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FRUTERIA TOÑI - Mellotron en Almíbar (2014 / FT)

Beck, Bogert & Appice - At last Rainbow 1974

WHITE NOISE - An Electric Storm (1969 / ISLAND) (Serie Pioneros)

Bwana - Bwana 1972

SEA LEVEL - Sea Level (1977 / CAPRICORN)

THE TANGENT - A Place In The Queue (2006)

ZYMA (Alemania) (Canterbury Ways)

NUMEN (rock progresivo español)

TOAD - Open Fire, Live in Basel 1972

CATHERINE RIBEIRO + ALPES - Le Rat Debile et L'Homme des Champs (1974 /PHILIPS)

Caja de Pandora - Caja de Pandora 1981

ASHBY-OSTERMANN ALLIANCE - Ashby -Ostermann Alliance (1981 / DIVIDE)

THE TANGENT - Not As Good As The Book (2008)

BAUHAUS - Starway to Escher (1974) (Italia) (Canterbury Ways)

HERBA D'HAMELI - Interiors (2015 / HERBA D'HAMELI) (rock progresivo español)

Herbie Hancock & Jaco Pastorius - Live Voyage 1977

IGOR SAVIN - Childhood (1982 / JUGOTON)

CHERRY FIVE - Cherry Five 1974

A BAND CALLED O - Oasis (1975 / CBS - EPIC)

THE TANGENT- Down and Out in Paris and London (2009)