ROCK LIQUIAS

Que tendrá el Hammond B 3 que tanto nos gusta. Casi todos los teclistas de renombre lo han tenido en su arsenal de teclados. Por supuesto Brian Auger a lo largo de su extensa carrera lo ha utilizado hasta la extenuación. Hoy recordaremos al genial teclista en uno de sus conciertos de 1976 y claro está el Hammond estará presente.

En 1970 Brian Auger forma la Brian Auger's Oblivion Express junto a Jim Mullen (guitarra), Barry Dean (bajo) y Robbie Macintosh (batería). En 1971 editan su primer disco "Brian Auger's Oblivion Express" y se incorpora durante un breve periodo Alex Ligertwood como cantante y guitarrista . Su segundo disco, "A Better Land", llega ese mismo año y en el 72 llega su tercera producción, "Second Wind", . Se producen diversos cambios en la formación saliendo Macistosh y entrando Godfrey Maclean (batería) y Lennox Laington (percusión). También se incorpora Jack Mills (guitarra) en lugar de Mullen. Con estos cambios grabarían "Closer To It!" (1973) y "Straight Ahead" (1974). Realizan giras junto a Herbie Hancock’s Headhunters,, ZZ Top y Led Zeppelin entre otros.

En 1975 regresa Ligertwood que junto a Auger, Jack Mills, Lennox Laington, Clive Chaman (bajo) y Dave Dowle (batería) editan "Reinforcements". El último legado de la banda llegaría en 1977, "Happiness Heartaches". También en ese periodo editaron varios discos en directo.

La grabación nos muestra el concierto de la Brian Auger's Oblivion Express en el C.O.D. Steam Laundry de Iowa el 20 de febrero de 1976. Las sonoridades que emanan son aires funk mezclados multitud de referencias jazz rock. Todo en un ambiente de jam con largos desarrollos llegando a más de 36 minutos en el tema "Happiness is Just Around the Bend". Los diálogos instrumentales entre los teclados de Auger y la guitarra solista de Jack Mills son continuos. Entre los temas del setlist podemos destacar la versión que realizan de la composición de Wes Montgomery, "Bumpin' on Sunset". Por otra parte la sección rítmica formada por Clarence Stephens (bajo) y David Dowle, también requiere nuestra atención auditiva. En definitiva mas de dos horas de un gran concierto. Una buena forma para empezar a conocer a este genial teclista.

J.C. Miñana

Temas

01) Concert Intro - Band Introduction Tuning (7:31)

02) Brain Damage (16:20)

03) Freedom Jazz Dance (8:03)

04) Bumpin' on Sunset // (tape flip) (16:54)

05) Banter and Band Introductions (2:48)

06) Foolish Girl (10:26)

07) Band Introductions (:54)

08) Happiness is Just Around the Bend (36:04)

09) Compared to What (14:01)

10) Band Introductions (1:41)

11) Truth (9:07)

12) Band Introductions (:34)

13) Compared to What (Reprise) (4:27)

Formación

Brian Auger - teclados, voz

Jack Mills - Guitarra

Alex Ligetwood - Guitarra

Clarence Stephens - Bajo

David Dowle - batería

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Comenzamos con esta novedad (en realidad lo hicimos con SURVIVE) , una sub-sección en nuestros "Ensayos sobre un Sonido", titulada "Ensayos News". No será exhaustiva ni nos va a quitar el sueño. Pero, tal como abordamos de vez en cuando la arqueología electrónica, no estará de más comentar algún que otro disco reciente. Estas tres próximas semanas así lo haremos.

Ante todo tengo que decir que Jean-Michel Jarre evidencia mucho más respeto hacia su famosa secuela que su competidor en estas lides, Mike Oldfield. El de "Tubular Bells" se montó una franquicia en la que todo valía. Rindiendose a las modas imperantes, por chabacanas que éstas fueran. El sintetista francés demuestra más seriedad en este sentido, adecuando su estilo todo lo posible al de su inicial álbum. Ahora bien, decir que "utilizó los mismos medios que en Oxygene 1" es una frivolidad, visto el arsenal de destrucción masiva aquí incluido. Sólo hay que mirar (con un babero) el gatefold del vinilo para ver el aparataje utilizado. Plug-ins y analógicos virtuales inclusive.

Tampoco el haber utilizado el mismo tiempo de grabación (seis semanas) beneficia a "Oxygene 3". "Oxygene 1" se grabó en esa franja temporal, pero tuvo todo el tiempo del mundo para componerlo. El de ahora se resiente en ése sentido. Su primera cara, compuesta de "Oxygene Parts 14-15-16", es una exquisita construcción secuencial llena de efectos, colchones y atmósferas con sus buenos momentos. Sin llegar al entusiasmo, se disfruta y no dispersa tu interés. Es de una temática bastante oscura, a veces dramática y poco esperanzadora. Los teclados del maestro se expresan de maravilla, sin duda. Por momentos recuerda a los Tangerine Dream finales con Froese, lo que se traduce en una peligrosa frontera que roza el "muzak electrónico ". Aunque por fortuna no llega a esa ambigua dimensión.

Sus amagos sinfonicos son acertados, y me atrevo a decir que, de haberle echado más tiempo, sus cotas de magnificencia hubieran sido extraordinarias. En vez de eso asistimos a esbozos que nunca llegan a estallar, dejándonos esa sensación de "coitus interruptus" tan frustrante. Calidad sí, pero también frialdad.

Pero mira tú que le das la vuelta al rosco vinilico (transparente opaco, una preciosidad), y el tema-single me hace levantar de la silla. "Oxygene 17" es una brillante melodía secuencial que uno piensa "porqué no se me habrá ocurrido a mí, con lo fácil que es!". Y esas pequeñas grandes cosas son las que diferencian la genialidad del músico. Vuelvo a reiterar, y más oyendo esto, que si se hubiera currado un poco más las melodías, estaríamos ante un artefacto muy superior.

La cortita "Oxygene 18" parece un dibujo sonoro de Harmonia o Roedelius, es agradable. Pero esto lo hace Jarre en cinco minutos. "Oxygene 19" entra en el largo final inmerso en pura Berlín School, dominada por secuencias ingeniosas. Y en este lado del disco, con una perspectiva mucho más optimista y positiva. Es uno de los momentos más acertados, se olvida de atmósferas "vangelianas" y pone en práctica su fuerte, la melodía conjunta de teclas y secuenciador. Exquisito instante cuando se fusiona con la final "Oxygene 20", órgano eclesiástico incluido. Tema éste puramente 70s, que recupera el espíritu del inicio de la trilogía. Dicho de otro modo, extraordinariamente schulziano y sobrecogedor, ligando influencias clásicas wagnerianas, como el pionero teutón acostumbraba a hacer en ésa década.

"Oxygene 3" es un disco de notable, que a este escriba le ha sabido a poco, (mejor su segunda cara, de lejos). Porque estoy seguro que Jarre podía haber elevado más la nota. Conseguir llegar a la masterpiece original era casi imposible. Pero no igualar al sobresaliente "Oxygene 2", ahora así llamado. A su favor tiene el ser el más diferente de los tres. Y que, visto lo visto con los dos volúmenes tutti-frutti de "Electrónica " ( una de cal y tres de arena), me doy por satisfecho con el resultado oxigenante. Podía haber sido una tragedia, pero en el último momento, la película terminó bien.

J.J. IGLESIAS

Temas

Oxygene (Part 14)5:28

Oxygene (Part 15)6:40

Oxygene (Part 16)6:56

Oxygene (Part 17)4:20

Oxygene (Part 18)2:48

Oxygene (Part 19)5:45

Oxygene (Part 20)7:59

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Muchos guitarristas han querido seguir la estela de los sonidos de Hendrix pero pocos de forma tan peculiar como la del guitarrista Bambi Fossatti y su grupo Garibaldi. Este genovés trato de unir la pirotecnia hendrixiana con el progresivo italiano, ahí es nada.

Comenzaron en Génova a finales de los 60 llamándose The Gleemen. Se movían por los terrenos de la psicodelia y el beat. La banda la componían Bambi Fossati (guitarra, voz), Maurizio Cassinelli (batería y voz), Lio Marchi (teclado) y Angelo Traverso (bajo). Editaron varios singles y un larga duración "Gleeman" en 1970.

En el 71 deciden cambiar de nombre a uno mas italiano, Garybaldi. Un año mas tarde editan, "Nora", De la portada se encarga un ilustre diseñador, Guido Crepax . Durante esos años participaron en multitud de festivales y acompañaron a gente como Santana , Uriah Heep y Van der Graaf en sus giras italianas.

En el 73 se producen los primeros cambios en su formación, Marchi y Traverso lo dejan y entra Sandro Serra. Ese mismo año editan su segundo LP, "Astrolabio".

En este primer disco de Garybaldi encontramos dos partes bien diferenciadas. En la cara A tenemos temas con marcado carácter Hendrixiano. La grabación se inicia con "Maya Desnuda" donde podemos oír un wah wah enloquecido y unas sonoridades cercanas al " Manic depression". Le sigue "Decomposizione, Preludio E Pace" con destellos a lo "Star Spangled Banner". El tercer tema " 26 Febbraio 1700" nos puede trasladar al "Angel"de Hendrix. Y se cierra la cara A con " L'Ultima Graziosa" donde se complica mas la cosa con el uso de la armónica al estilo John Mayall.

En la cara B es donde encontramos "Moretto Da Brescia", una suite de progresivo italiano dividida en tres partes . En la primera, "Moretto Da Brescia", la guitarra de Fossati se relaja siendo en algún momento hasta épica. Los teclados empiezan a reivindicar su parte de gloria y Lio Marchi se hace presente con sintetizadores y piano. En la segunda parte, "Il Giardino Del Re" alrededor del minuto 32 encontramos destellos a lo Purple con reminiscencias a lo Blackmore- Lord. El disco se cierra con la tranquila " Dolce Come Sei Tu" con sonido "santanero".

Temas

1. Maya Desnuda 00:00

2. Decomposizione, Preludio E Pace 06:10

3. 26 Febbraio 1700 08:06

4. L'Ultima Graziosa 15:25

5. Moretto Da Brescia:

- a. Gofre 20:49

- b. Il Giardino Del Re 27:10

- c. Dolce Come Sei Tu 36:21

- Bambi Fossatti : guitarras, voz

- Angelo Traverso : bajo

- Maurizio Cassinelli : batería , voz

- Lio Marchi: teclados

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Pues parece ser que el tío Gregg también ha decidido que ya tenía bastante de tanta estupidez y tontuna humana. Definitivamente ha tomado el vuelo hacia pastos más verdes. En el otro lado tiene muchos amigos (y hermano) que visitar. El rock sureño (él odiaba esa etiqueta), ya no volverá a ser lo mismo sin su viejuno Hammond + Leslie y aguardentosa voz. Una voz ideal para sus queridos blues, a los que curiosamente, rendía homenaje en su último álbum de estudio, "Low Country Blues" (2011). He querido despedirlo no con un disco de los Allman Bros, ni siquiera con uno de él en solitario.

"Duane & Greg Allman" es un disco curioso desde su médula, y quizá donde la leyenda comenzó. Para empezar viene mal escrito su nombre, se olvidaron una "g" de God. No pertenece a su fecha de edición. Y ni tan siquiera estaba previsto.

Acababan de disolver los hermanos The Hourglass, banda de cierto éxito en el circuito de la Costa Oeste. Y se acercaron a ver cómo le iba a su amigo, el batería Butch Trucks, con su banda 31st of February. Estaban a punto de comenzar la grabación de su segundo álbum, en los TK Studios de Hialeah, Florida, en Septiembre de 1968. El grupo lo formaban, además de Trucks, David Brown al bajo (luego en Santana y Boz Scaggs), y Scott Boyer en las guitarras y voz (junto con Tommy Talton, fundador de Cowboy y habituales en la Gregg Allman Band). Los hermanos Allman se apuntaron enseguida a la fiesta, viendo que andaban por parecidas sendas musicales, llenas de blues del sur, soul, gospel y rock'n'roll. Quedando registradas un puñado de canciones que no verían la luz a causa de la imprevista disolución del grupo.

Así pues, tenemos un incompleto álbum (en algún corte se nota la falta de mezclaje ), durmiendo en una estantería hasta Mayo de 1972. Fecha en que Bold Records lo edita bajo el nombre de "Duane & Greg Allman", en vista del éxito mundial de The Allman Brothers Band. Posteriormente se hace con los derechos de la grabación Polydor, siendo editado aquí por ellos en 1974 (ésa es mi copia).

La cosa comienza con un clásico de Tim Rose, el tremendo "Morning Dew ", versionado después hasta la saciedad (qué buena la de Blackfoot!). Perfecto corte para la todavía no demasiado cazallera voz del rubio organista. Mientras su hermano entra como un ciclón eléctrico, de manera muy psicodélica. "God Rest his Soul" es un epitafio a Martín Luther King escrito por el productor, Steve Alaimo. Bonita canción que ya lleva todo el ADN de lo que va a ser pronto The Allman Brothers Band. La mitad de la banda ya está aquí.

"Nobody knows you when you're down and out" es un bluesazo de Jimmy Cox que empasta y ayuda a definir ese inmortal estilo que veremos explotar en "At Fillmore East". La banda levita y Duane es el perfecto chamán. ...Y lo sabe. Por ello la rescata con Derek and the Dominos para "Layla and other Assorted Love Songs", forjando la leyenda.

La siguiente, "Come down and Get me" es una regrabación del "Down in Texas", previamente registrada por The Hourglass en Marzo de ese mismo año, para su album "Power of Love". Otra jiparrada psych'n'soul con total dominio Allman.

La segunda cara comienza con dos temas de David Brown, "I'll change for you" y "Back down Home With you", que parecen hechas a medida para Gregg Allman. Podrian ser de su carrera en solitario y de hecho, salvo obviamente Duane, todo el grupo está presente en su debut de 1973, "Laid Back".

Otro corte del productor Steve Alaimo, "Well i know too well", nuevamente nos demuestra la neta esencia de la Allman Band, bajo la sombra de una gigantesca secoya del Deep South.

Un bonito southern soul, "In the Morning when i'm real", es cantado aquí por Scott Boyer, apoyado por Gregg.

Finalmente, un posterior clásico de Allman Brothers Band, "Melissa" ("Eat a Peach", 1972), tiene aquí su primera aparición acreditada a Gregg y Alaimo. Éste último se quedará con los derechos de "God Rest his Soul" y "Melissa" por la ridícula cifra de 600 dólares.

"Duane and Greg Allman" (o "31st of February II"), es el perfecto prólogo para lo que vendrá muy poco después. HISTORIA, con mayúsculas.

Gregg Allman nos dejó en sábado y a los 69 años. Día y cifra muy acordes con su estilo de vida.

Buen viaje, Midnight Rider.

J.J. IGLESIAS

Temas

1. Morning Dew

2. God Rest His Soul

3. Nobody Knows You When You're Down And Out

4. Come Down And Get Me

5. Melissa

6. I'll Change For You

7. Back Down Home With You

8. Well I Know Too Well

9. In The Morning When I'm Real

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Los días de vino y rosas en términos de música interesante para Grobschnitt llegaban a su fin tras una prometedora década progresiva. Pero es que esta historia tan cansina y repetitiva enfermó a casi todos los grandes grupos de la escena. Los alemanes no fueron la excepción y seguramente les debieron de comer el tarro con la ilusión de ganar perricas haciendo el mandanga-style ochentero. Casi nadie salió indemne de las puertas abiertas de par en par a la macarrada hortera que el mainstream de la moda servía en bandeja. Se sucumbe pues al brillo superficial de la nueva era plastificada en colorines porque el panorama ya estaba putrefacto para una buena temporada.

La grabación de “Illegal” (1981) ya es toda una declaración de los nuevos tiempos, vaya!...parece que suenan incluso a los Genesis baratos del momento. Canciones simplonas, sonido rock previsible y aburrido y no sé si definirlo como pop “inflado” de aire como un globo. La superficialidad lo acapara todo.

Claro todo bien grabado y limpito y si por aquel entonces Genesis sacó aquel horrendo “Abacab” os podeis hacer una idea de lo que es “Illegal”. Portada terriblemente mala por cierto. A partir de este momento la estética y el look del grupo se pasa a ligones de discoteca. Chaquetilla corta con hombreras modelo fantasía, pantalones ceñidos o con pinzas cantarines, pelito oxigenado y recortado y posturitas acordes.

Los siguientes trabajos en sucesión a peor, rozan la vergüenza: “Razzia” (1982), “Kinder+Narren” (1984) y “Fantasten” (1987) humillando el nombre de Grobschnitt. Portadas todas horrorosas. El front-man cantante es ahora Tony Moff Mollo y las barrabasadas escénicas de antaño pasan a la versión Duran-Duran. En el camino se quedan Eroc y Mist que por vergüenza ajena ya se vieron el desastre.

Durante estos años también vieron la luz algunos lives como “Volle Molle” de 1980. “Sonnentanz” de 1985 y la despedida y cierre como “Last Party” de 1989. En todos ellos hay algún remedo y versiones del pasado marchito pero ya sin gracia ni ganas. Después de 9 discos de estudio y 4 lives Grobschnitt desaparecieron por un largo período de tiempo.

Sin motivo aparente y posiblemente por darse cuenta del nuevo panorama progresivo mundial, Willi Wildswein y su hijo Stefan Danielak resucitan al grupo al lado de un más discreto Tony Moff Mollo y del bajista Milla Kapolke. Así en el 2008 aparece “Live Grobschnitt” y para sorpresa de todos vuelven al estilo progresivo. Vaya! No está nada mal! Volvemos a escuchar Solar Music etc… rebautizado Sonnentanz 2008. Por momentos la magia vuelve a sonar.

Ya en 2010 les puede la nostalgia y aparece otro live recreando en directo su obra maestra “Rockpommel´s Land”. Aunque ya tarde y sin composiciones nuevas las cenizas de Grobschnitt cierran con honor y decencia retomando aquel camino abandonado en los 70´s. Lupo, Eroc y Wildswein, tuvieron sus más y sus menos con derechos legales con el nombre del grupo.

Ya reconciliados, deciden en 2015 presentar su último legado: Una caja deluxe llamada “79.10” el minutaje máximo de un CD que es lo que duran cada uno de los 17 CD´s que la componen con toda su discografía oficial remasterizada con cantidad de material extra. Exceptuando un 20% de los discos malos de los 80, es un cofre de bombones irresistible para sus fans y que recomiendo sí o sí. Un excelente recuerdo de una de las mejores bandas alemanas de todos los tiempos.
Alberto Torró

NOTA: La próxima semana comenzamos con uno de los mejores grupos de rock progresivo actual: The Tangent

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Este cuarteto holandés fue de los primeros en lanzarse a la piscina de Canterbury y además de todas las gestaciones europeas que se desarrollaron, ellos fueron probablemente los que guardaron más similitudes con el sonido original de los frikis del condado de Kent. De hecho son coetáneos de las bandas originales y sus discos son prácticamente paralelos a la época de los clásicos del género.

Debieron de quedarse encantados cuando Soft Machine eran un trío en 1969 y también se les nota bastante entusiasmo por los primeros Mothers Of Invention. Es curioso cuanto aparece Zappa como referencia de la mayoría de adeptos a este género. Por algo será digo yo. Supersister son inseparables de la estantería discográfica del canterburiano recalcitrante. Aquel que amontona todo de todo…Hatfields..Caravans…Soft Machines. Machines Moles, Gongs, Nationals, Gilgameshes, Hillages…y todas las rarezas, lives y boots y puzles sonoros de cada hijo de su madre y bastardos incluidos. Para que tener 100 si puedo tener 1000 verdad?. Yo también sufro de esa enfermedad y lo peor o mejor quien sabe, es que no intento curarme. Tres copias del mismo bootleg porque en una hay un eructo, en la otra una flatulencia y en la tercera unas risas con fuzz, es verdaderamente cool e intelectual. Demencial es lo que es y lo peor es que hay pocas piratadas canterburianas que suenen decentemente.

Bueno el caso es que un tipo llamado Robert Jan Stips, teclista y compositor en ratos libres se plantea la idea de formar un grupo en La Haya en torno a 1968. Se junta con el flautista Sacha Van Gest, con un batería llamado Marco Vrolijk y un bajista que responde a Ron Van Eck. Ensayan a gusto y ya en otoño de 1970 la banda prepara su primer LP “Present From Nancy” muy influenciado por los Soft Machine de entonces. Se contagian de la rítmica nerviosa y de las letras absurdas en una personal mezcla de jazz-rock-prog-psicodelia donde también adaptan asimismo, muchos tics de los Mothers, además meten la estructura cuadriculada de los Egg en el asunto y sin llegar a sofisticaciones y finuras propias de unos Hatfield porque hay que tener en cuenta que estamos todavía en 1970-71, realizan un Canterbury Sound atractivo y bastante elaborado. El sonido distorsionado del fuzz aparece en teclas y bajo y…bastante flauta. No emplean guitarras y eso les da cierto estilismo y finura en unas piezas que parecen llamar a Caravan en algún momento, pero todavía no. Supersister son más erráticos y varían mucho para no etiquetarse demasiado a las brumas folkies de los Sinclair y cía.

Temas

1)Introductions - 2.56

2)Present From Nancy - 5.14

3)Memories Are New - 3.46

4)11/8 - 3.15

5)Dreaming Weelwhile - 2.52

6)Corporation Combo Boys - 1.21

7)Maxico - 4.20

8)Metamorphosis - 3.26

9)Eight Miles High - 0.25

10)Dona Nobis Pacem - 8.37

11)A Girl Named You - 10.10

12No Tree Will Grow - 7.39

13)Energy ( Out Of Future) - 15.01

14)Higher - 2.47

Sus primeros discos fueron seguidos en el orden de uno por año. Así en 1971 aparece “To The Highest Bidder” continuación en estilo y forma del primero, con piezas atractivas como “A Girl Named You” o “Energy (out the future)”. Parecen aproximarse a sus colegas Focus por la flauta más bien y sigue la fluida racha jazz-canterbury constantemente y por doquier y ahora sí que son algo más Caravan que Soft…en una delgada línea por eso. Fantástico piano y órgano.

“Pudding en Gisteren” de 1972 los afianza como uno de los mejores grupos holandeses al lado de Focus y Finch. La música es cada vez más elaborada con mayor empleo de teclados y mayor complejidad si cabe.

Temas

1. Introduction (0:00)

2. Dareios the Emperor (0:42)

3. Alexander (5:32)

4. Confrontation of the Armies (12:35)

5. The Battle (15:22)

6. Bagoas (23:21)

7. Roxane (26:15)

8. Babylon (29:36)

9. Looking Back (37:33)

Bonus tracks

10. Wow (Single version) (42:06)

11. Drs. D (B-side) (45:41)

12. Bagoas (Single A-side) (48:31)

13. Memories Are New (B-side) (51:15)

“Iskander” es el siguiente disco de 1973 y se van al sinfo-prog sin problemas y algo de ELP aparece en esta especie de concept-album dedicado a Alejandro Magno (¿?) supongo que como consecuencia de alguna resaca sin aclarar. No han abandonado los pubs de Kent y las alucinaciones de ranas verdes dadaistas del todo, pero es su trabajo más “sinfónico”.

Temas

Retroschizive (Introducing Schizo)

Jellybean Hop

Dangling Dingdongs

Sylvers Song (Groan, Stamp, Shock, Hoot)

Cookies, Teacups, Buttercups

Gi, Ga, Go (Gollumble Jafers)

It Had To Be

Nosy Parkers

We Steel So Frange (Epilogue)

Su quinto disco en estudio y el último, sería “Spiral Staircase” de 1974. Disco difícil de clasificar y con una larga lista de colaboradores. Aparecen guitarras por primera vez, mandolinas, sección de viento, backing vocals y canciones raritas y estrafalarias en onda R.I.O. La sombra de Daevid Allen, Kevin Ayers y Robert Wyatt bien colocados, parecen inspirarles. Una despedida marciana y extraña y ya alejada de sus principios.

Después de un montón de años deciden juntarse para grabar un doble live en el Paradiso de Amsterdam. “Supersisterious” aparece en el 2000 a modo de reunión de viejos amigos con una selección de sus mejores temas del pasado.

En el 2013 aparecería otro doble live llamado “long Live Supersister” probablemente grabado poco antes. Supersister deben estar en esa estantería correspondiente al lado de los que tú ya sabes.

Alberto Torró

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Nos llegan noticias de Javi Herrera, alma mater detrás del proyecto Kant Freud Kafka, desde Barcelona. En su haber ya cuentan con un fantástico debut instrumental, "No Tengas Miedo" (2014) . El miedo se lo he metido en el cuerpo yo a mi compañero de redacción, mi amigo Alberto Torro. Últimamente le he presentado formaciones de aquí excepcionales. Que hasta se ha quedado boquiabierto, vaya. Y eso, a un exigente del buen gusto como él, es difícil empresa. Bien pues para ésta ocasión, le avisé que tenia reservado "algo de su cuerda". No fui tan malo de guardármelo, y le di la info sobre KFK. Su reacción fue un sonoro, "IMPRESIONANTE!!, viniendo de éste puto país " (sic).

Así que aquí tenemos un álbum conceptual, o más acertádamente temático, sobre el mundo surreal de los sueños. Herrera se encarga de toda la música, salvo un extracto en "Es Quan dormo que hi veig clar", donde homenajea a Claude Debussy. Eso puede dar pistas.

Además, Herrera toca batería, teclados y canta (como tú , Alberto!). Las numerosas colaboraciones incluyen a sus hijas Alia (voz) y Andrea (claqué, algo bastante inédito, ciertamente). Y un largo listado de músicos al violín, viola, violonchello, percusión, salterio, oboe, corno inglés, guitarras y contrabajo.

"Insomnio de una noche de verano" (9'27) nos avisa ya en su intro de que el rock sinfónico puro (etiqueta ésta inventada en éste país y que a veces, resulta efectiva), es el sello de identidad de KFK. Todos los instrumentos están perfectamente ensamblados. Como un puzzle de miles de piezas, en el que al finalizar, te encuentras con un bucólico y maravilloso paisaje terminado. Sintes y guitarras por el lado (muy) prog. Contrabajo por el jazz. Oboe y cuerdas por la clásica. .....Esto es bellísimo, señores. Tal vez Camel sea un buen referente a la hora de sopesar su magnitud rockera.

"Dulces Sueños" (5'18) se estrena en el apartado vocal. La dulce y lírica voz de la joven Alia Herrera nos transporta a recuerdos arcaicos y de ensoñación. Le contesta la voz de Javi, y a mí esto me recuerda a la última etapa de The Enid, con preponderancia vocal pero sin olvidar una grandiosa música de cámara.

"Es Quan Dormo que hi veig clar" (10'54) lleva un poderoso hilo conductor teclistico, hasta que lo corta la guitarra, con arropo ahora del organo a la voz. El desarrollo vuelve por senderos a lo Kayak, Coda o Taurus (si, no sé porque me suena muy holandés! ). Esta vez viene cantada en catalán, aunque también se utiliza el castellano e inglés en todo el disco.

"Vida y Muerte" (8'28) es otro derroche de belleza y refinamiento. Pero no estamos ante música endeble o floja. El hecho de que su creador sea batería en primer lugar, le da un robusto cuerpo rítmico que no cae en blandenguerias ni yogourteces.

"A Nightmare on Major St." (7'33) se me representa como una secuencia oscura de Jack The Ripper, en busca de presa por las húmedas y pestilentes calles de un Londres Victoriano. Creo que dan más miedo esas calles que el propio Jack. Ahora cantada en inglés, la pieza sugiere hasta un atisbo teatral-operístico extraordinario. Musicalmente irreprochable, descriptiva, cinemática, fantasiosa, perfecta.

"Awakenings"(9'03) pone el punto final a este "tratado sobre sueños y pesadillas", a modo de decrépito volumen de polvorienta librería que tanto gustaría a Immanuel, Sigmund y Franz. Un leve recuerdo del primer Oldfield aparece en los primeros minutos. Pero la riqueza de sonidos y avalancha de ideas hace desaparecer al británico de tu mente de un plumazo. La verdad, me quedo más feliz soñando aquí que "volviendo a Ommadawn" para aburrirme como un oso (que por cierto, hibernan "oniricamente"). El final, de aires flamencos y zapateo percusivo de Andrea Herrera, te convence definitivamente de la inmensa capacidad de recursos originales que posee KFK. Junta a todos los nombrados, a Kotebel, After Crying, Ant Phillips, Maxophone o Asturias. Por ahí va la cosa.

Como dice mi compañero de redacción y birras (os manda un saludo).....IMPRESIONANTE! viniendo de éste puto país.

J.J. IGLESIAS

Contacto:
https://www.kantfreudkafka.com/

Bandcamp https://kantfreudkafka.bandcamp.com/

Facebook https://www.facebook.com/kantfreudkafka/

P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en esta sección puede ponerse en contacto con nosotros : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70

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Algunos pensaran que se me ha ido la cabeza, pero no es así. En Rockliquias tocamos todos los "palos", nunca mejor dicho..Paco de Lucía fue un genial e innovador guitarrista que consiguió llevar al flamenco un paso mas allá. Su mestizaje con otras corrientes musicales lo llevo a colaborar con multitud de músicos del rock y del jazz. Para los mas puristas del flamenco esto fue una traición que nunca le perdonaron.

A finales de 1980 Paco de Lucía realiza una gira con Al Di Meola y John McLaughlin. El concierto celebrado en San Francisco es grabado y publicado al año siguiente, " Friday Night In San Francisco". Recuerdo que televisión española retransmitió uno de esos conciertos. Lamentablemente en aquella época mi cerebro estaba totalmente derretido por los Return to Forever y la Mahavishnu y no supe ver la grandeza del gran Paco. Realmente cuando ponía a pasear su mano derecha ni Di Meola ni McLaughlin podían seguirlo.

En 1981 edita "Solo quiero caminar" con una formación innovadora para el flamenco, un sexteto que incluía bajo eléctrico y saxo. Ese mismo año ve la luz "Castro Marín" junto a Larry Coryell ,John McLaughlin y Carles Benavent.

La grabación nos presenta la actuación de Paco de Lucía en el festival "Live under the sky" celebrado en el Denen Coliseum de Tokio el 25 de Julio de 1981. La sesión se inicia con unos fandangos de Huelva , "Montiño" y "Aíres Choqueros", donde el protagonista absoluto es Paco y su magistral forma de tocar. En el tercer tema, "Monasterio de Sal", comienza la fusión de estilos con la intervención del bajo sin trastes de Carlos Benavent acompañando a Paco, una autentica delicia.

Manuel de Falla se hace presente con la interpretación de "La vida breve", música clásica con visión flamenca. Nuevamente De Lucía acompañado por Ramón de Algeciras (guitarra) y Ruben Dantas (percusión), vuelve a alcanzar grandes cotas de sentimiento gitano en "La cueva del Gato".

En la clásica "Danza Ritual del Fuego" se incorpora otro gran músico, Jorge Pardo, tocando la flauta, nuevamente el acompañamiento de Benavent es extraordinario junto con las percusiones de Dantas. Este primer Cd se cierra con "Solo quiero Caminar" teniendo como cantante a Pepe de Lucía.

El segundo CD se inicia con el éxito "Entre dos Aguas", realmente sublime. Todavía nos falta una sorpresa mas. Un nuevo invitado aparece en los tres últimos temas, Chick Corea al piano. La simbiosis entre la guitarra y el piano es total en " Duet for Guitar and Piano" y continua en "Yellow Nimbus", un tema del repertorio de Chick Corea. Unión perfecta entre el flamenco y el jazz. El tema, "Chanela", de su disco "Sólo quiero caminar" cierra el concierto. Buen sonido en general para un concierto realmente histórico.

Temas
Disc 1
01. Montiño 00:00
02. Aires Choqueros 04:16
03. Monasterio de Sal 10:46
04. La Vida Breve / La Cueva del Gato 15:50
05. Danza Ritual del Fuego / Solo Quiero Caminar 24:57

Disc 2:
01. Entre Dos Aguas 40:40
02. Duet for Guitar and Piano 47:26
03. Yellow Nimbus 59:30
04. Chanela 01:13:00

Formación
PACO DE LUCIA: guitarra
CARLOS BENAVENTE: bajo
RUBEN DANTAS: percusión
PEPE DE LUCIA: voz
JORJE PARDO: saxo, flauta
RAMON DE ALGECIRAS: guitarra
guest:CHICK COREA: piano

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Uno de los sintetistas más añorados por los aficionados a la Electronic Prog. Desde su partida de los mejores Tangerine Dream a finales de los 70, su nombre casi había sido olvidado.

Inició una desigual carrera en solitario en donde tan sólo "Romance 76" (1976) y "Trans Harmonic Nights" (1979) tenían sentido coherente. Frente a una inaudita vuelta de tuerca hacia el synth-pop. Aquello fue como si el campeón del mundo de ajedrez lo dejara todo por el parchis.......

Construyó los Paragon Studios, en donde gigantes del género como Conrad Schnitzler, Cluster, Hans-Joachim Roedelius o Asmus Tietchens utilizaron sus servicios. Creó el sello Private Music, ya en los USA, aprovechando el tirón new age. No le fue mal, pues hasta su antigua banda acabó en el sello. En San Francisco, funda la Baumann Foundation. Donde se desarrollan temas y trabajos en los campos de la filosofía, psicología, neurociencia o antropología.

Pero Peter Baumann siente un vacío creativo, artístico, existencial. Después de tantos años de inactividad musical. Llama a su viejo amigo Edgar Froese y quedan en Austria en Enero del 2015. Quién sabe los proyectos que fraguaron. Unas semanas más tarde muere Froese, dejándonos con la incógnita para siempre.

Baumann se reafirma en su decisión de volver a la música. Monta un estudio en su sótano con todo el material vintage recién desempolvado. Y en 2016 aparece "Machines of Desire", tras varias décadas de silencio. Fue la sorpresa electrónica del año. Ocho cortes no muy extensos, pero con la suficiente miga como para ser atendidos como se merecen.

"The Blue Dream" (5'53) presenta la faceta cinematográfica no olvidada por el legendario sintetista. Un tema oscuro y perfecto para un film de terror o suspense. La buena noticia es que conserva "el sonido", y eso después de tanto tiempo, es para celebrarlo.

"Searching in Vain" (5'36) (quizá una disculpa hacia sus tiempos filosóficos perdidos?...), es una acertada composición, de típica secuenciación tangerina y melodía mística envolvente.

"Valley of the Gods" (4'12) ofrece un halo de misterio en total clave berlinesa. Un sentimiento muy uniforme a lo largo de todo el disco. La maraña secuencial rítmica es especialmente ingeniosa.

Minimal-tronica ofrece "Echoes in the Cave" (3'55), con abstracción oscura incluida y símiles industriales aproximados a su amigo, también desaparecido y ex-TD, Conrad Schnitzler.

Los ritmos de "Ordinary Wonder" (6'00) siguen recordando al inolvidable Con, quizá no por casualidad. Baumann fue su productor en alguna ocasión. La línea melódica es un bello onirismo que en un disco de TD no hubiera desentonado.

"Crossing the Abyss" (5'57) vuelve a las "bandas sonoras sin película ", estilo éste que personalmente me encanta. Es escuchar esto y mi cabeza pone el piloto automático hacia sus propios mundos. En una "Alien : Covenant" hubiera quedado niquelada.

Un recuerdo bienvenido a "Stratosphear" podría ser"Dancing in the Dark ". Sus juegos secuenciales son el corazón del tema, mientras las "olas mellotronicas" ( o sonoridades similares), serian su alma. Simple, pero exquisito. No hace falta más, a veces.

Finalmente "Dust to Dust" (6'24) es un apocalíptico (y el mejor) tema. Su ominosa oscuridad me sigue sugiriendo la terminología "Alien", y todo el trabajo artístico de H. R. Giger. Esto parece un ritual religioso de "los ingenieros",(que a mí me infunden más respeto que los mismos bichos). Hasta tenemos coral alienígena en tan espléndido corte. Y una imaginaria guitarra al más puro estilo Froese. Se hace corto. Tenemos una sorprendente vuelta de Peter Baumann con un claro interés en hacer las cosas bien.

Esto es, volver a la Berlín School con seriedad y un material más que digno. Tal vez un mayor riesgo y desarrollo en los minutajes hubiera sido lo deseable. Pero si sigue sacando brillo a su viejo arsenal, es cuestión de tiempo que el amigo Baumann se suelte la melena cibernética un poco más. De momento, un muy buen álbum está sobre la mesa. Qué nos hubiera deparado su fallida unión con Edgar Froese?....Quizá sea mejor no saberlo.

J.J. IGLESIAS

Temas

1. 00:00:00 Peter Baumann The Blue Dream

2. 00:05:53 Peter Baumann Searching in Vain

3. 00:11:29 Peter Baumann Valley of the Gods

4. 00:15:41 Peter Baumann Echoes in the Cave

5. 00:19:36 Peter Baumann Ordinary Wonder

6. 00:25:36 Peter Baumann Crossing the Abyss

7. 00:31:33 Peter Baumann Dancing in the Dark

8. 00:36:30 Peter Baumann Dust to Dust

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Durante la época del "telón de acero" muchos grupos del Este quedaron aislados del mundo exterior. Con la caída del muro de Berlín, la apertura ideológica y sobre todo la llegada de internet hemos podido conocer verdaderas joyas perdidas. Una de esas rockliquias perdidas es la que vamos analizar hoy.

Radomir Mihajlovic Tocak es un excelente guitarrista serbio nacido en 1950 en Cacak. Fue miembro fundador del grupo Smak con el que grabó una decena de discos. Otro de sus proyectos fue la banda TEK junto a Slobodan Stojanovic (batería) y Mikica Milosavljevic (bajo). Durante su larga carrera ha compuestos diversas bandas sonoras para el cine y el teatro. En 1976 editó su primer disco en solitario, "RM Tocak", y diecisiete años después llegó el segundo, "Vizantijsko plavo". También cuenta con varios discos en directo con diversas formaciones. Para algunos es considerado el Jimi Hendrix serbio.

Este magnífico guitarrista nos presenta su primer disco en solitario conteniendo seis temas instrumentales con una duración total de apenas 30 minutos. Su música se caracteriza por una mezcla de estilos donde el rock guitarrero se une al jazz rock . El tema inicial, "Oro", contiene ciertas dosis folk. "Aria Diamond" nos muestra el verdadero potencial de este guitarrista con multitud de buenos riffs con un ritmo trepidante. Todo tipo de técnicas están presentes en "Svrabez" con ciertos aíres funk y con unos minutos finales donde Tocak se queda solo con su guitarra. En algunos momentos me recuerda a los riffs de Tommy Bolin en sus discos en solitario. Destacado sin duda es el tema "Organizam Blues", guitarras épicas con cierto toque blues. Radomir esta acompañado por Zoran Milanović (bajo), Slobodan Stojanović Kepa (batería) y Lazar Ristovski:(teclados).

J.C. Miñana

Temas

1. Oro 00:00

2. Aria Diamond 02:32

3. Svrabez 09:06

4. Neki paraziti 14:38

5. Organizam Blues 17:47

6. Modifans 24:49

Formación

Zoran Milanović: bajo

Slobodan Stojanović Kepa: batería

Radomir Mihailović Točak: Guitarra

Lazar Ristovski: teclados

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Escuchando discos como éste a uno le llega la reflexión de cuántas históricas jams se habrán perdido para la historia por no haber sido registradas. Afortunadamente no fue el caso de los llamados para la ocasión, Flying Bear Medicine Show.

El año no podía ser más propicio, 1969, en pleno estallido hippie el blues ácido triunfaba en todo el mundo. Y en San Francisco más. Concretamente en el College of Marín County, muy cerca de allí, se juntaron miembros de McCoys, Linn County, Buddy Miles Express, Sir Douglas Quintet, Shades of Joy y Group Therapy. Menudo sarao. La selección de temas está elegida entre lo mejor de aquella memorable sesión, que muy posiblemente se alargó hasta la madrugada. Porque por entonces, las restricciones de todo tipo eran tomadas como una provocación de la policía. Me pregunto en qué momento consiguieron aborregar y amansar tanto al personal de hoy.

"Mama What's Wrong" (7'18) es un bluesazo con organada galore a cargo de Steve Miller (supongo que sin relación con el famoso guitarrista). Que también canta de un modo muy similar a Johnny Winter. Al bajo Robert Peterson, marcando con seguridad el ritmo con su compañero Eddie Hoh (batería en el archifamoso "Supersession", Donovan, Mamas and the Papas, The Monkees o The Byrds ). Siendo el guitarra solista nada menos que Harvey Mandel. Su clase ya se deja sentir con una finísima técnica punteística espectacular.

"Blues on the Moon" (10'48) cuenta con la misma formación, pero ésta vez son agregados vientos. Martín Fierro (Alto sax), Frank Morin y Larry Easter (Tenor sax), más el piano eléctrico de Jinn Young. Esto arde señores. Pura incandescencia blues de torridez infernal, donde todos quieren dejar el pabellón bien alto, y vaya si lo consiguen! El resultado conseguido nos lleva a los mejores momentos del "Supersession" (Kooper-Stills-Bloomfield), la Paul Butterfield Blues Band, Keef Hartley Band, Blues Project, primer Blood Sweat and Tears, o al "Jazz Blues Fusión " de John Mayall.

Exquisitas intervenciones de todos, y añadido jazzistico por parte de los desorbitados saxos.

Para la segunda cara hay movimiento de fichas. Siguen Peterson, Hoh, Miller y Morin. Entran Toby Winn (Alto y Barítono saxos), Randy Zehringer y Buddy Miles en las baterías, creando una "batería de tres baterías" junto a Hoh......tío Fripp, no descubriste nada!!! Rick Zehringer (brother de Randy), en la guitarra solista que, efectivamente, no es otro que el gran Rick Derringer antes de adoptar ese alias. Pete Carter (saxo) y Tom Hall (trompeta). Para las voces, masculina y femenina, tenemos a Ray Kennedy (luego en el supergrupo KGB) y la negrita Millie Foster poniendo su esencia Soul al rock blues tremendo aquí expuesto.

"Make me Wanna Hotter / "Marín Country Sunday" (16'14), en grandiosa jam que abarca toda la cara b, sube la temperatura hasta derretir cualquier termómetro.

Impresionante nivel y balance técnica - sentimiento de todos los involucrados, que se nota se lo estaban pasando de la hostia. Músicos poseídos por las musas, cantantes en estado de gracia, y baterías finalizando en plan solista como un rebaño de bisontes desbocados.

......Nada, todo muy "normal". Era la época, man, y por entonces esto se daba un día sí, y otro también. Pero a pocos les daba por grabarlo.

J.J. IGLESIAS

Temas

A1 Mama, What's Wrong

Bass – Robert Peterson*

Drums – Eddie Hoh

Guitar – Harvey Mandel

Vocals, Organ – Steve Miller (10)

7:08

A2 Blues On The Moon

Alto Saxophone – Martin Fierro

Bass – Robert Peterson*

Drums – Eddie Hoh

Electric Piano – Jymm Young*

Guitar – Harvey Mandel

Tenor Saxophone – Frank Morin (2), Larry Easter

Vocals, Organ – Steve Miller (10)

10:45

B1 Make Me Wanna Holler

Alto Saxophone, Baritone Saxophone – Toby Winn

Bass – Robert Peterson*

Drums – Randy Zehringer*

Guitar – Rick Zehringer*

Organ – Steve Miller (10)

Saxophone – Pete Carter

Tenor Saxophone – Frank Morin (2)

Trumpet – Tom Hall (2)

Vocals – Millie Foster, Ray Kennedy

10:30

B2 Marin Country Sunday

Drums – Buddy Miles, Eddie Hoh

6:01

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Cuando en 1993 decidí poner en marcha un discreto fanzine de corta y pega y escrito a máquina, fue más un deseo idealista y cabezón por mí parte, que una realidad con visos de futuro. No fui entonces nada optimista en cuanto a la continuidad y porvenir de esta música.

Bien es cierto que por ejemplo IQ habían grabado una pequeña joya llamada “Ever”. Que Robert Reed sacó un delicioso primer álbum con el nombre de Cyan. Yo me dije, esto es bastante mejor que lo realizado en los 80´s dentro de ese pop-prog algo tosco y torpe de los primeros neos, pero es que tampoco teníamos otra cosa. Luego fueron apareciendo de forma bastante rápida otras excelentes bandas: Collage, Quidam, Anglagard, Isildurs Bane, After Crying, Glass Hammer, Porcupine Tree, Ozric Tentacles etc etc y por supuesto Spock´s Beard y The Flower Kings.

El cambio de siglo me confirmó que aquella música de los primeros 70´s que daban por muerta y enterrada, solo había estado durmiendo en un sótano y que por fin le dio la luz del sol. El nivel de calidad de las nuevas bandas progresivas provenientes de todos los rincones del mundo me devolvió en parte la confianza perdida. Solo que ahora eran círculos exclusivos, minoritarios. Solo para la gente que realmente le gusta este tipo de música. De las cien mil personas viendo a ELP, pasamos a las 150-200 (siendo generoso) para ver a los nuevos adalides prog. No hay problema. Casi mejor. Claro que naturalmente nadie se iba a convertir en rico haciendo prog en el siglo XXI como pasó tres décadas antes. Un precio a pagar si haces lo que realmente te gusta.

Andy Tillison, teclista, cantante y compositor británico va a ser nuestro principal protagonista en las semanas que vienen. Un entusiasta del estilo que en cierta entrevista llegó a afirmar que en realidad la muerte clínica del prog comenzó a partir de 1975. Yo también lo pienso. Aunque la agonía fue larga y decadente hasta llegar a 1979. Año oficial de su defunción. Si comparas por ejemplo un “Thick as a Brick” con un “Heavy Horses” de los Tull o un “Close To Edge” con un “Tormato” te darás cuenta en que acabó la película. Tillison formaba parte de un grupo creado en 1996 con el nombre de Parallel Or 90 Degrees bastante influenciado por Hammill y los Van der Graaf pero con bastante personalidad propia. Inicialmente fueron un dúo teclístico con la pianista Sam Baine y posteriormente se fueron añadiendo más músicos todos ellos con alto nivel de ejecución como el guitarrista y cantante Guy Manning, otro con una dilatada carrera y grabaciones en onda prog-folk muy interesante.

En 2003 las vidas de Tillison y Roine Stolt líder de los Flower Kings se cruzan y de esa colaboración nacería el proyecto The Tangent. Así pues una parte de Parallel y otra de los Flowers darían con esta formación. Por una lado Tillison, Manning y Baine y por el otro Stolt con Jonas Reingold (bass) y Zoltan Csörsz (drums) y unidos a la leyenda del saxo de Van Der Graaf generator mister David Jackson, aparecería su primer CD “ The Music That Died Alone” en claro recuerdo a la desaparición de la música inteligente por la devastación de las hordas punk.

Bien este disco puso las expectativas muy altas por la calidad de los intérpretes y la chirriante etiqueta de “supergrupo”. El disco con sus tres suites subdivididas es realmente bueno pero no sería el mejor. Hay demasiada dispersión en lo que se ha dado en llamar prog ecléctico y discurre por caminos poco definidos. Lógicamente es el primero. La mitad de los Flower Kings tocando en el álbum no permite que aflore todavía la tremenda capacidad compositiva del señor Andy Tillison y Roine Stolt acapara mucho sonido. Tanto la voz de Roine como la de Andy no son unas voces que impresionen precisamente, pero cumplen su función. La voz de Tillison no es tan lineal como la de Roine y yo personalmente la prefiero en esta ocasión.

El primer bloque “In Darkness Dreams” con sus ocho secciones ininterrumpidas es lo mejor del trabajo que se va mucho al prog-fusión y al jazz- rock. El saxo y flauta del vandergraaf David Jackson se deja notar en las partes más tensas al lado de la siempre re-inventiva guitarra stoltiana. Tillison es un teclista excelente al igual que Sam Baine y la música es muy variada en todo momento.

En la “Canterbury Sequence”, segunda de las suites, no hacen falta casi más explicaciones que las que da el propio título. Es un ejercicio de jazz amable, mucho más light si se quiere, de lo que el título propone y en la propia letra menciona a los Caravan y a los Hatfield de manera que la música suena mucho más intrascendente y alegre que los propios.

El título de la “música que murió sola” cierra como tercera suite el disco, dejando un sabor agradable e indefinido a la vez, como si faltase un mayor desarrollo, en unos 12 minutos generalmente melódicos y melancólicos, pero que apuntan ya a un listón que irá subiendo en cada siguiente trabajo. The Tangent son una declaración de principios hacia una música que no debería morir y en ello van a empeñarse.

Alberto Torró

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Los belgas Cos grabaron cinco discos entre 1974 y 1983, pero son los tres primeros realmente los que podemos meter en el saco de las rarezas en oposición a todo lo convencional.

La parte de la vocalista Pascale Son, es muy importante y definitoria del estilo, le debe mucho al Zeuhl de Magma pero utilizando letras y sílabas sin sentido. Lo de Magma es un idioma inventado. A medio camino entre el Canterbury a la Henry Cow y el Zeuhl o R.I.O de los franceses Zao, Cos realizan un jazz extravagante y complejo con voces femeninas y extrañas tonalidades avantgarde que podríamos calificar de surrealistas.

No es una banda para todo el mundo eso es evidente. Pero como todo lo raro y diferente tienen su particular encanto para los buscadores de música con salsas extrañas y picantes. La paleta instrumental como es habitual en estos grupos incluye además de teclados, bajo, batería y guitarra a varios percusionistas, clarinete, oboe, saxo, flauta, cello etc.

Postaeolian Train Robbery de 1974 se abre sobre melodías muy peculiares en onda un tanto extraña y acercándose al zeuhl vocal siendo la voz un instrumento más sobre una base jazz rock ligera similar a unos gong o primitivos Hatfield pero mucho más absurdo. El piano eléctrico lleva la parte más representativa y está muy próximo en estilo y forma al Steve Miller de los Caravan del Waterloo Lily.

Hay cosas bastante locas y entretenidas como “Coloc” con nueve minutos de piano guitarra muy activos y ambientes vocales psych-wyatt- maching- mole desatados. Partes instrumentales de modern jazz puro se suceden de forma intercalada.

Con el siguiente disco “Viva Boma” de 1976 la cosa se pone más interesante a la vez que extraña. Este es probablemente su mejor trabajo y el más original. Sinceramente no sé con exactitud donde encuadrarlo. Los ritmos y tiempos vuelven a recordarme mucho a los Matching Mole con algo de Hatfield y bastante experimentación muy acorde con los tiempos y las influencias absorbidas de su época.

“ L´idiot León” es muy próximo a los sonidos de teclado clásico canterburiano muy Dave Stewart. Bonita y original pieza. La más Hatfield de todas.

“Babel” de 1978 se aproxima en parte al Magma de esa época mucho jazz –rock, histrionismos, algo de funk y bastante menos canterbury que en los anteriores y más hacia el RIO aunque la última pieza “Greneldo” tiene casi un trasfondo de sonido disco funk setentero que desentona bastante.

A partir de este momento la banda se dirigiría hacia caminos chocantes, con un sonido más previsible y comercial con toques funkys, africanos, étnicos etc… aunque manteniendo lo bizarro en las voces. Un grupo rarito al gusto del consumidor.

Alberto Torró

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OZ es un grupo santanderino con un gran nivel instrumental y totalmente desconocido para la mayoría de los mortales. Es una auténtica pena que bandas de esta categoría no hayan alcanzado el éxito que sin duda merecían, seguro que si hubieran sido ingleses o americanos se les hubiera prestado la atención adecuada.

Las informaciones sobre el grupo son bastante escasas pero podemos decir que se formaron en Santander en 1993 de la mano de Gabriel Martínez (batería). Comenzaron tocando rock con influencias de Led Zeppelin y Black Sabbath para posteriormente ir refinando su música hacía una orientación más progresiva.

En el año 2000, Adolfo Díaz (bajo, sintetizador),Gabriel Martínez (batería), Israel Losada (guitarra) y Borja Ruiz:(teclados, violín), graban de forma privada su único disco hasta la fecha, "Queers Bugs". Durante mes y medio y bajo tensiones debido a malos rollos con el bajista graban siete temas totalmente instrumentales. Terminadas las sesiones Adolfo Díaz es sustituido por Enrique de la Verde.

Durante algún tiempo realizan conciertos y festivales e incluso tienen la esperanza de grabar un segundo disco pero poco a poco se van desvaneciendo. En 2008 vuelven a reaparecer en formato de trío: Gabriel Martínez (batería) e Israel Losada (guitarra) y Jesús León (bajo) y al año siguiente se incorporan Noelia Sánchez a la voz y Chema Labrada a los teclados. Desconocemos el recorrido de esta formación.

La música de OZ apabulla por su potencia y calidad, es un torbellino de influencias donde podemos encontrar guitarras "crinsonianas" con la fuerza de unos Dream Theater, teclados mezcla entre Wakeman y Rudess, y una sección rítmica a prueba de bombas a lo Liquid Tension Experiment. Los dos primeros temas "Travel's Dream" y "Brew" son una buena muestra de lo antes referenciado. Un remanso de paz llega con "One" con unos iniciales teclados y un gran bajo, El sonido del mar nos traslada a paraísos etéreos junto con el sintetizador de Borja Ruiz . "What's Behind You"se inicia tranquila pero rápidamente volvemos a sonoridades a lo John Petrucci. En ·"The Sun That Never Shines" nuevamente vuelve a brillar su bajista Adolfo Díaz para dar paso a un épico riff de guitarra de Israel Losada. Su sexto tema " The End Of The Edge " tiene unos cinco primeros minutos impresionantes dibujando bellos pasajes instrumentales pero todo no podía ser perfecto en un momento se les va la cabeza y comienza un caos percusivo como si se tratasen de los Pink Floyd de primeros de los 70. Creo sinceramente que 15 minutos de desfase son excesivos. Nuestra copia del CD finaliza con "Child's Play"donde destaca la labor de su batería Gabriel Martínez.
J.C. Miñana

Temas

1 Travel's Dream 00:00

2 Brew 4 07:06

3 One 11:05

4 What's Behind You 18:36

5 The Sun That Never Shines 23:15

6 The End Of The Edge 27:18

7 Child's Play 48:08

Formación

Adolfo Díaz: bajo, sintetizador

Gabriel Martínez: batería

Israel Losada: guitarra

Borja Ruiz: teclados, violín

P,D,: Nuestro agradecimiento a Felix Jota por su colaboración en este artículo facilitándonos el audio.

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Desde sus orígenes Carlos Santana a mezclado su peculiar y característico sonido con diversas influencias musicales. A lo largo de su extensa carrera ha colaborado con multitud de músicos de muy diversas corrientes. Hoy nos remontaremos a 1971 para escucharlo junto a uno de los genios del jazz, Herbie Hancok.

Recordemos que estaban haciendo estos dos grandes genios en 1981.

Por una parte Herbie Hancok realizaba varios discos con un jazz mas comercial incluso se adentraba en la música disco y realiza una gira junto a Tony Williams (batería) y Ron Carter uniéndose posteriormente el trompetista Wynton Marsalis.

Carlos Santana había editado en 1980, "The Swing of Delight", junto a Wayne Shorter ,Herbie Hancock y Ron Carter entre otros. En abril publicaba "Zebop!", disco número 11 de la discografía de la banda Santana.

Nuevamente nos encontramos en el festival de "Live Under the Sky" en Tokio. El concierto de estos dos grandes genios se celebró el 26 de Julio de 1.981. El setlist oficial del concierto fue el siguiente:

1. Sorcerer (Hancock, Marsalis, Carter, Williams)
2. A Quick Sketch (Hancock, Marsalis, Carter, Williams)
3. Spartacus Love Theme (Hancock , Santana, Marsalis, Carter, Williams)
4. Swapan Tari (Hancock, Santana, Margen, Williams)
5. Watermelon Man > Evil Ways (Hancock, Santana, Margen, Williams, Peraza, Rekow, Vilato)
Set 2
1. Round Midnight (Hancock, Marsalis, Carter, Williams)
2. Parade (Hancock , Santana, Marsalis, Carter, Williams)
3. Song For My Brother(Hancock, Santana, Margen, Williams, Peraza, Rekow, Vilato)
4. Europa (Hancock, Santana, Margen, Williams, Peraza, Rekow, Vilato)
5. Saturday Nite (Hancock, Santana, Margen, Williams, Peraza, Rekow, Vilato)
6. Chameleon (Hancock, Santana, Margen, Williams, Peraza, Rekow, Vilato)

La grabación que hoy presentamos consta de los mismos temas pero en un orden diferente. Comenzamos con una medley de dos temas emblemáticos de Hancok y Santana. "Watermelon Man" de su primer disco "Takin' Off" y "Evil Ways" también publicado en la primera producción de Carlos. Mas de veinte minutos de solos de Hancok y Santana aderezado con percusiones y el solo de batería de Tony Willians.

"Round Midnight" es un tema netamente jazzero con la formación de gala de Hancok, Wynton Marsalis (trompeta), Ron Carter (bajo) y Tony Williams (batería). Es una versión de un tema de Thelonious Monk, Bernie Hanighen y Cootie Williams que Hancok adapto para la banda sonora de la película Round Midnight (1986).

En "Parade" vuelve a entrar en escena Santana demostrando que se siente muy bien en ambientes jazz aportando su sabor latino. A destacar la magnífica labor del bajista Ron Carter.
" Sorcerer" y "A Quick Sketch" nos vuelven a introducir en frenéticas sonoridades de jazz , magistral Wyton Marsalis.

" Spartacus Love Theme" es una composición de Alex North para la película "Spartacus". Un tema que le viene como anillo al dedo a Devadip, nuevamente el jazz y el rock se unen demostrando que sus fronteras son muy finas.

El segundo Cd se inicia con "Swapan Tari" y "Song For My Brother" del disco "The Swing of Delight" (1980). No podía faltar "Europa", aunque esta versión me suena con poca fuerza. La grabación se cierra con "Saturday Nite" con toda la banda en pleno incluidos los percusionistas.

Temas

CD 1

01-Watermelon Man-Evil Ways 00:00

02-‘Round Midnight 25:40

03-Parade 33:14

04-Sorcerer 43:19

05-A Quick Sketch 51:10

06-Love Theme From Spartacus 01:09:00

CD 2

01-Swapan Tari 01:18:10

02-Song For My Brother 01:24:50

03-Europa 01:30:35

04-Saturday Night 01.40:20

Formación

Herbie Hancock: teclados

Carlos Santana: guitarra

Wynton Marsalis: trompeta

Ron Carter: bajo

Tony Williams: batería

Armando Peraza: percusion

Raoul Rekow: percusion

Orestes Vilato: percusion

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Todo un dilema ético se cierne sobre los actuales Tangerine Dream, cuando no culebrón. En éstos últimos años, la formación siempre cambiante de la mandarina somnolienta entraba en una nueva fase con el brillante sintetista Thorsten Quaeschning. Más el refuerzo de Ulrich Schnauss en los sintes, y la violinista Hoshiko Yamane, además del líder absoluto y fundador, Edgar Froese. "The Quantum Years " se ha dado en llamar a esta nueva fase. Pero en Enero de 2015 nos dejó el gran Froese, quedando el futuro de la banda en una negra incógnita. Fue la viuda de éste, Bianca Acquaye, la que decidió que había que seguir con "la visión de Froese". Y de paso no matar la gallina. Por otra parte Jerome Froese, (hijo de la primera mujer, Monique), y que dejó la banda en 2006, ha declarado que "sin mi padre no es TD". Pues lo tienes fácil. Si lo que quieres es "autenticar" el nombre, no creo que Peter Baumann te pusiera muchas pegas, y si ya convences a Chris Franke, miel sobre hojuelas.

La pregunta del millón es, debe de seguir un TD sin ningún miembro histórico en su formación? Personalmente yo diría que depende por donde nos salgan. Y resulta que han salido por donde ningún fan y seguidor de la banda esperaría ni en su sueño más húmedo. Porque éste trío se decanta claramente por The Virgin Years. Así lo demuestra su último doble cd, "Particles". Una vuelta a las raíces setenteras inesperada y deseada por todos. Algo que hasta Froese nos estaba negando y que, tal vez en los inmediatos planes que tenía con Baumann, hubiera puesto en práctica de no aparecer la parca.

"4'00PM Session" (29'14), sí el minutaje está bien escrito, da comienzo e ésta maravilla. Se trata de una sesión improvisada desde los Dieter Dierks Studios, (los mismos donde se grabó "Alpha Centaury" hace 45 años). Una orgía de old Berlin School con todo el sabor y misticismo de un "Phaedra", "Rubycon" o "Ricochet". Las secuenciaciones serpentean como reptiles de energía viva durante toda la audición. Mientras las melodías de sintes y violín eléctrico te transportan a pasajes mentales nuevamente revisitados, con una nueva perspectiva, para alborozo de nuestros sentidos. No me cabe duda, friends, esto es una droga. Y os animo a un buen colocón de éstas "sustancias auditivas" tan beneficiosas para el cuerpo y la mente. Feliz dosis.

Tras éste empacho de gominolas cósmicas, demuestran estar al tanto de lo que pasa por su entorno versioneando el tema principal de "Stranger Things" (serie de Netflix), de los alumnos SURVIVE. Ya os hablamos de ellos, y estos nuevos TD nos dan la razón.

Para terminar el primer cd con una tremenda revisitacion de "Rubycon" (17'25). Sin palabras. Tanto el histórico título como "Stranger Things", grabadas en vivo en el Townend Studio de Berlín.

Todavía sin reacción, damos al play al segundo cd, con un concierto en el Schwingungen Festival de Wasserfall, Alemania. Comprobando que en vivo siguen con su sería decisión de alejarse del "muzak electrónico' en el que estaban cayendo en los últimos tiempos.

"Mothers of Rain" (6'47) homenajea al ausente líder con total respeto ("Optical Race").

"Power of the Rainbow Serpent" (8'15) demuestra que se puede sonar actual sin parecer un aprendiz de makinero. El tema procede de uno de los últimos trabajos con Froese, "Mala Kunia".

"White Eagle" (5'42) recuerda el gran aporte que dio Schmoelling a la historia de la banda. Y "Dolphin Dance" (5'16) hace lo propio con Paul Haslinger.

Por último "Shadow and Sun" (10'23), vuelve a recordar el último álbum grabado con Froese, "Mala Kunia ", con buenos soportes compositivos. Dejando un excelente sabor, y constatando que hay vida después de Edgar Froese, en estos renovados TD.

Un caso que me suena similar al de Gong. Sin miembros históricos, todo gente joven, pero respetando el legado, sonido y estilo de los maestros. Si va a ser como lo contenido en "Particles" (incidiendo en el primer cd), bienvenido sea. Toda una gozada.

J.J. IGLESIAS

P.D.: Nuestro agradecimiento al canal PROPHET V por sus magníficos vídeos.

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La semana pasada hablamos del gran guitarrista servio Radomir Mihajlović "Točak", hoy le toca el turno al grupo que lideró durante muchos años, Smak, y que se ha mantenido activo en diferentes etapas hasta el día de hoy. Curiosamente el presidente serbio les concedió la medalla al merito en 2017 por su contribución a la cultura del país.

La banda se formó en 1971 en Kragujevac (Serbia). Durante sus primeros años los cambios de formación eran continuos. En 1974 se consigue la primera formación estable: Radomir Mihajlović (guitarra), Slobodan Stojanović (batería), Zoran Milanović (bajo), Boris Aranđelović (voz) y Lazar Ristovski (teclados). En 1975 editan su primer disco, "Smak". con la colaboración del poeta Mirko Glišić. Un año más tarde ve la luz el EP, " Satelit" y a comienzos del 77 llega su segundo disco, "Crna dama", grabado en los estudios Morgan de Londres. El grupo firma con Bellaphon Records por cinco años y vuelven a grabar su segundo disco en versión inglesa. Aunque empezaban a surgir tensiones la banda graba en Inglaterra su tercer LP, "Stranice našeg vremena", su versión inglesa tenía por título "Dab en el Oriente". Los cambios en el grupo se producen sin cesar y los problemas con la discográfica derivan en la ruptura del contrato.

En 1980 lanzan, "Rok cirkus", las ventas no son muy altas debido a la llegada de las nuevas corrientes musicales. La última actuación de este periodo la realizaron en la cancha del Estrella Roja de baloncesto en Junio de 1981.

Volverían a reunirse en diversas ocasiones con diferentes formaciones editando tres discos mas: "Smak 86" (1986), "Bioskop Fox" (1995) y "Egrégor" (1999).

Este primer disco de Smak presenta muy diversas sonoridades en los 5 cortes que contiene. La grabación comienza con "Perle" y sus aíres psicodélicos hendrixianos. Su segundo tema "Mračni Mol " camina entre lo progresivo y lo funky con buenos riff de guitarra. " Blues U Parku" es un blues donde Radomir Mihajlović vuelve a brillar aunque su cantante resulta "cargante" en algún momento. "Biska 2" es un gran instrumental y uno de los mejores cortes del disco. Por último llegamos a "Put Od Balona ", el temas mas largo con mas de 19 minutos. El carácter progresivo esta presente en esta composición con gran predominio de los teclados de Lazar Ristovski combinándose perfectamente con los riffs de "Tocak" recordando lejánamente a los Focus. Una gran pieza donde se mezcla el jazz-rock, el progresivo y el rock.
J.C. Miñana

Temas

Perle 00:00

Mračni Mol 04:03

Blues U Parku 07:24

Biska 2 14:55

Put Od Balona 19:23

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Los 70. Ésa década que tanto añoramos y nombramos en nuestras conversaciones. Añorada sí, pero.....tenemos los que la vivimos pleno recuerdo de TODO lo que aconteció? O nuestro cerebro sólo se ha quedado con lo bueno, y ha borrado lo negativo. Evidentemente era, (como las anteriores), una década terriblemente machista. Las primeras valientes que se atrevieron a formar un grupo de rock enteramente femenino fueron Fanny. Luego vinieron Birtha y ya más tarde, The Runaways. Todas desde USA.

Y con el hard rock (más o menos), como vocabulario musical. Subirse a un escenario y soportar todo tipo de insultos y obscenidades por parte de los gañanes de turno era (ejem), "lo de menos". Ya estaba previsto. Peor era que público y medios ningunearan la evidencia de que las chicas podían tocar rock. Incluso muy bien. Vale, pues ahora traspasa todo eso al país de los hooligans por antonomasia, Inglaterra. Con los que los españoles siempre hemos rivalizado (vendrá de los tiempos de Jack Sparrow, imagino), en gamberros, borrachos y machitos.

Rizando el rizo, aparece por esas tierras una all female band, sacrilegio, ya de entrada. Pero es que además, no van de duras rednecks como sus colegas yanquis, sino que ejercen en la intelectualidad progresiva del momento. No por ello, menos machista, conste. Lesley Sly (teclados, voz solista), Audrey Swinburne (guitarras, voz solista), Jackie Badger (bajo) y Jackie Crew (batería y voces), eran Mother Superior. Si, mucho antes que los hard-soul rockers USA de los 90. Un grupo perfectamente capacitado para el rock progresivo, con una técnica irreprochable.

En 1975 tienen la oportunidad de usar por la noche (cuando no hay nadie), los IBC Studios. Poco a poco conforman lo que será su álbum soñado, llegando a circular test pressings por UK con vistas a un contrato discográfico. Cosa que nunca llegó. En vez de eso e increíblemente, un pequeño sello escandinavo, SMA, lo edita en una micro-cantidad que lo hace hoy en día prácticamente inencontrable. Por fortuna los chicos de Audio Archives lo editaron en cd en 1996, aunque también será peliagudo localizarlo desde entonces. "Lady Madonna" fue titulado, y tras su escucha, conformaras conmigo lo injustos que podían ser los dorados 70.

"No Time Toulouse Lautrec" (5'49) es una onírica pieza que mezcla perfectamente psicodelia y progresivo. Y que no tengo inconveniente en situar al lado del material de Yes de sus dos primeros álbumes. El bajo de Badger emula a Squire sin complejos. Y el sólo de mini moog es totalmente wakemaniaco. Aunque la preponderancia organística acerca aquí a Lesley Sly con Tony Kaye.

"Just one Look " (5'55) te convence de que Mother Superior tienen fuerte influencia Yes, equiparándolos a otros combos británicos de parecido sonido, como Druid, sin ir más lejos. Los desarrollos son coherentes y preciosistas. Cuidan el detalle con instinto maternal. Delicadas y elegantes, las señoras.

Como demostración, "Mood Merchant" (7'03), composición de delicadeza andersoniana. Aunque con la tensión instrumental y los ovarios bien puestos. Coral de voces bien empastadas, acústicas, y una eléctrica que recuerda mucho a John Lees, y el tema en general es muy afín a Barclay James Harvest.

La segunda cara la inaugura "Love the one you're with" (4'39) de Stephen Stills, reafirmando sus influencias Costa Oeste, temazo de estribillo casi AOR si éste género existiera, pues estaba gateando. No cuesta mucho imaginarla en un repertorio de REO Speedwagon. Un single clarísimo.

"Ticklish Allsorts" (5'17) es un instrumental donde dejan bien alto el nivel de su potencial y dominio de los instrumentos. Exquisito melódicamente, y que podría ser de Fantasy, England o Jonesy.

"Lady Madonna" (4'38) es una curiosa cover de The Beatles, (no de Madonna) que tiene un aire a saloon del oeste o cabaret que sorprende y dota de fluidez la escucha. Harpsichord y wah wah juegan con humor en un tema muy "Hoedown" / "Benny The Bouncer". Finalmente "Years upon Tears" (5'59) es una extraña canción construida con el influjo de CSN & Y, mucho West Coast feel, y excelentes voces por arropo. El sólo de moog trae a tío Rick de nuevo a la mente, seguido de todo Yes en cruce con Queen.

Poco después de éste álbum, Mother Superior dejaron de intentarlo. Quizá precipitadamente, aunque es disculpable viendo el hostil panorama que tenían a su alrededor, por el simple hecho de ser mujeres.

Todo no fue maravilloso en los 70, mi querido hipster veinteañero. Y, si se me permite la broma, las Mother Superior eran COJONUDAS. (Si no lo digo reviento!!!).

J.J. IGLESIAS

Temas

No Time Toulouse Lautrec

Just One Look

Mood Merchant

Love The One You're With

Ticklish Allsorts

Lady Madonna

Years Upon Tears

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Hay tanta música concentrada en este disco y tanta complejidad de composición, que no puedo evitar una vez bien asimilado, una predilección especial por él. Reconozco que la primera escucha me produjo un barullo mental algo parecido al que me producen los Transatlantic y sus castigos sonoros de sus últimos trabajos que resultan tan agotadores como pasar una pista americana militar en pleno mes de agosto. Porque considero que una composición debe estar equilibrada y bien construida, pienso que este segundo trabajo de The Tangent lo ha conseguido con creces respecto a la anterior entrega.

Sigue el mismo equipo anterior pero con la sustitución de David Jackson por Theo Travis. Un tipo competente y muy solicitado y respetado en las altas esferas progresivas actuales. El cambio en los vientos va a acentuar más la parte canterburiana de la banda. Una parte, porque la banda de Tillison utiliza todos los caminos, variantes y estilos del genero progresivo clásico de los 70´s y además se jactan de ello. “No vamos a sonar a nadie en particular pero queremos recoger el espíritu imaginativo de toda aquella maravillosa música”. ¡Y vaya si lo consiguen! Tangent prescinden no obstante de todas las temáticas fantasiosas o mitológicas afines al rock sinfónico, para basar sus textos en temas más sociales y políticos. Más realistas y con clara sensibilidad de denuncia del mundo horroroso y estúpido en el que nos vemos metidos. Pero vayamos por partes porque este álbum merece la pena ser desmenuzado.

“El mundo que atravesamos…”(no sé si es muy correcta una traducción libre) consta de cinco largas piezas elaboradas al milímetro y sin ningún momento en que digamos que baja la calidad y el atractivo de las composiciones.

Ya desde la primera “The Winning Game” se nos disparan las antenas para decir “hostias…esto es cojonudo”. La variedad sonora es impresionante y las referencias estilísticas incontables. Imposible aburrirte en una música activa y casi cinematográfica de cambios constantes, riqueza rítmica y constantes intervenciones solistas que irrumpen gozosas y creyendo en lo que hacen: guitarra, teclados, vientos y complejas armazones instrumentales solo hacen que abrirnos boca para la siguiente “Skipping The Distance” yéndonos a las caravaneras tierras de Kent y dejándonos la melodía en la cabeza y los pies inquietos.

Preciosa y completamente nostálgica de un tiempo pasado, la flauta nos transporta y el tren rítmico nos alegra con unos solos de sinte, un órgano tremendo, piano jazzístico, y el cabroncete del Roine Stolt demostrando lo bueno que es. Energía y pasajes extraordinarios. Pieza currada hasta lo indecible. Estupendo trabajo vocal femenino. Música feliz en estado de gracia.

“Photosynthesis” es la tercera pieza que nos relaja en su evocador ambiente jazzy inicial de ritmo y tempo lento y arrastrado que se anima por momentos. Vuelve la flauta de Travis a recordarnos al bueno de Jimmy Hastings. Sam Baine nos da un buen recital pianístico. La melodía vuelve a ser encantadora y las partes centrales te llevan a sitios diferentes.

La siguiente pieza del título del disco pone el listón en lo más alto del trabajo. Casi trece minutos inenarrables y épicos que llegan a emocionar. Sinfónico de primera con un riff melódico que por momentos del tema (casi Camel del mejor) te levanta literalmente del asiento en una sensación de alegría y emoción que pocas músicas actuales consiguen. Pero los cambios y vericuetos de la música no paran en imbricados pasajes de lo mejor que puedas escuchar. Las melodías se superponen y la vanidad que todo progresivo llevamos dentro se reafirma sin posibilidad de vergüenza. Con dos cojones.

Finaliza esta joya de disco con una suite de 18 mtos llamada “A Gap In The Night” con sus nueve secciones en una música más introvertida y misteriosa que nos lleva por infinidad de caminos y pasajes musicales y ahora la sombra de Crimson y Vander Graaf y hasta Floyd están más presentes para equilibrar la euforia anterior de música exultante y alegre. Stolt casi suena a Allan Holdsworth por momentos hasta caer en abismos descriptivos y algunas asperezas que se recuperan con partes acústicas y la cálida y británica voz de Guy Manning con perfumes Tull que atraviesan brevemente el ambiente. La pieza cobra energía y se desvanece hacia partes sinuosas en alternancias constantes y momentos más hard rock a veces y más bluesy otras. Es una pieza compleja con variados ingredientes. Disco fundamental y respetuoso con la música que como dijimos la semana pasada nunca debió morir.

Alberto Torró

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Esta es una rareza alemana cuyo nombre está basado en una novela de John Steinbeck escrita en 1934. Fue su único trabajo discográfico grabado en 1974 y que yo sepa al menos nunca editado en CD por lo que imagino que el vinilo en cuestión valdrá un riñón y medio o más vulgarmente dicho: un huevo y parte del otro.

En esa época era raro que una banda alemana no estuviese enfrascada en el movimiento kraut típico de los 70´s y estos efectivamente representan la excepción. No son los únicos por eso, recordemos a Embryo o Passport por ejemplo, claramente orientados al jazz-rock . En este caso Tortilla Flat suenan perfectamente integrados en el estilo “british” del este, que habitualmente ocupan estas páginas temáticas de las que venimos hablando cada semana.

Siete piezas instrumentales componen este programa y son bastante finas y amables, lejos de otras asperezas experimentales más acordes con los germanos. Flauta, piano eléctrico y guitarra fuzz nos llevan a colocarlos a medio camino entre Focus, Supersister, Hatfields o Softs con entramados naturalmente muy jazzys. Aunque en general es un disco de fácil escucha no está exento de algún detalle disonante y extraño pero con finura y buen gusto principalmente en el trabajo del teclista Franz Brandt al igual que su colega en la flauta Hermann Josef Bosten que acapara buena parte de la grabación y es un tipo con buenas actitudes clásico –académicas.

El guitarrista Manfred Herten le da el toque psicodélico al asunto. La sección rítmica es sobria y “liquida” nada escandalosa y bastante delicada diría, afín a los bateristas de Canterbury en general. Incluso el glockenspiel con ligeros aires a la Jade Warrior están presentes en algunas partes del disco. En general es un trabajo bastante relajante con perfume algo intelectual y bastante “cool” como dirían algunos. Una pieza única y rarita de ver. Tú mismo.

Alberto Torró

Temas

1. Tortilla Flat (0:00)

2. Temperamente (9:44)

3. Fatimorgani (15:27)

4. Rumplestiltzchen (19:15)

5. Leere, Chaos, Schöpfung (24:05)

6. Obit, Anus, Obit Anus (34:06)

7. Möhre (38:24)

Formación

Hans Friedrich Bosten -batería

Hermann Josef Bosten - flauta, guitarra

Franz Brandt - teclados

Manfred Herten - guitarra

Albert Schippers - percusión

Heribert Schippers - bajo

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Brian Auger & The Oblivion Express - Live at the C.O.D, 1976

ENSAYOS NEWS : JEAN-MICHEL JARRE - Oxygene 3 (2016 / COLUMBIA-SONY)

Garybaldi - Nuda [1972]

DUANE & GREG ALLMAN - Duane & Greg Allman (1972 / BOLD)

DIE GROBSCHNITT STORY…. Epílogo… decadencia y resurrección

SUPERSISTER (Holanda)

KANT FREUD KAFKA - Onírico (2016 / KFK)

Paco De Lucia – Live Under the Sky, Denen Coliseum, Tokyo, Japan 1981 (invitado Chick Corea)

ENSAYOS NEWS: PETER BAUMANN - Machines of Desire (2016 / BUREAU B)

RADOMIR MIHAJLOVIĆ TOČAK - R.M. Točak - 1976

FLYING BEAR MEDICINE SHOW - Flying Bear Medicine Show (1969 / Mercury - Smash)

THE TANGENT: La música que murió sola. (The Music That Died Alone)

COS (Bélgica) (Canterbury Ways)

OZ - Queers Bugs 2000 (rock progresivo español)

Carlos Santana / Herbie Hancok - Live Under the Sky 1981

ENSAYOS NEWS : TANGERINE DREAM - Particles (2017 / EASTGATE)

SMAK - Smak 1975

MOTHER SUPERIOR - Lady Madonna (1975 / SMA)

THE TANGENT - The World That We Drive Through (2004)

Tortilla Flat - Für Ein ¾ stundchen (1974) (Canterbury Ways)