Quantcast
Channel: ROCK LIQUIAS
Viewing all 3194 articles
Browse latest View live
↧

J. E. T. - Fede Speranza Carita (1972 / DURIUM)

September 28, 2018, 12:02 am
$
0
0
El fenómeno social que supuso "Jesús Christ Superstar" en 1970, trajo un buen montón de discos prog de parecida temática. Sin sorpresas, siempre he considerado esa ópera rock, ( manera rimbombante de denominar a un concept album), como prog rock.
Aún recuerdo al cura que nos daba religión en la época,  poseído por el maligno, advirtiéndonos de lo aberrante y blasfemo de aquel espectáculo. Seguramente no intuía que su diatriba estaba dando precisamente los efectos contrarios en la mayoría de nosotros.
Ante todo, está claro que la primera versión inglesa, con un Jesús muy bien elegido en el "cantante del momento", Ian Gillan, influyó sobremanera. Los Purple se oían hasta en los autos de choque. Esa tradicion llega hasta hoy. Desde Dennis DeYoung  (Styx) como Pilato,  hasta Sebastián Bach (Skid Row) o Gary  Cherone (Extreme, 5 mts en Van Halen) como "Jesuses", la cantera hard & heavy ha dado brillantes personajes a la obra. "Pa que luego digan de los jevis, si son un pedazo pan".......
El RPI dio también sus frutos orientados por ese palo. "La Bibbia" de Il Rovescio Della Medaglia, sin ir más lejos.


JET fue un grupo de Génova que editaron un puñado de singles, y éste "Fede Speranza Carita "que supuso su único álbum,  editado en 1972. Hoy un holy grail coleccionista, aunque ha disfrutado de variadas reediciones en LP y CD. Ellos eran Carlo Marrale (guitarra y voz), Piero Cassano (teclados), Aldo Stellita (bajo, voz) y Renzo "Pucci" Cochis (batería). Cantado en su idioma nativo, como debe ser, para mantener la idiosincrasia de su música,  el grupo se debatía dramáticamente  (en todos los sentidos), entre el early hard rock, - que hoy también llamarían prog -, y el progresivo reinante de su país. 

El tema-título inicia la obra con sus buenos 10'36 mts.Muy Deep Purple / Uriah Heep de esas fechas. Son bandas que influyeron mucho en el prog italiano, junto ELP y Jethro Tull. Con excelente cantante, órgano predominante y....... cambio jazzistico  a la Colosseum / Warm Dust bastante inesperado, la verdad. Bajo cavernoso-retumbante, batería de aroma jazzy,  y drama, mucho drama, que para eso va la cosa de rollo cristiano y hay que dar miedo. Elemento que tiene que imperar en toda religión "best-seller" que se precie . El verdadero cáncer  de cualquier sociedad.
Pero JET le saca tajada con potencia,  oscuridad ambiental necesaria, aptitudes instrumentales y grandiosa clase hard-prog. Éste tema en vivo tenía que arrasar. Su parte final "toma prestado" un arreglo del "You Keep me Hanging On" de Vanilla Fudge, otra esencia más de la banda.

 "Il Prete E Il Pescatore (Fede)" (11'10) casi te sitúa en territorios del "The Yes Album", con un Hammond muy Tony Kaye. Pero que va, eso es muy positivo para las pretensiones de la banda, y pronto pasan al "Very 'Eavy,  Very 'Umble" de Uriah Heep, en similar filosofía,  y una voz sin envidia hacia David Byron. No obstante, es un tema relajado y sinfo,  que tendría buena comparación nacional con el "Ciclos" de Canarios. Puedes asegurar que es una "experiencia religiosa" en toda regla, de lo bien que suena.


En la segunda cara, "C'e Chi Non Ha (Speranza)" (6'35), con envoltorio acústico,  percusiones y fondo de Solina, mientras el cantante narra en tono suave y cálido  en crescendo, es otro elegante exponente del saber hacer de JET. Bonito y casi radiable. Juegan con el stereo al viejo estilo de la época,  (que a mí me encanta, por cierto). 

Vuelve el hard del principio (moderado) para "Sinfonía Per un Re (Carita)" (7'59), pero sólo como intro. Tenemos violín invitado y más efluvios sinfónicos, intercalados con algún arrebato duro que se queda en amago. El drama y la chunguez existencialista se cierne sobre una música,  por otra parte, magnífica. Que no anda alejada de sus coetáneos Museo Rosenbach, Il Balletto Di Bronzo, Semiramis, Campo Di Marte, New Trolls o Biglietto Per L'Inferno. Poca broma.

"Sfogo" (3'39) finaliza la "liturgia" con un tema más ligero, casi jazz-funk-rock a la Fusion Orchestra. Como para darnos ánimo positivo después de las "penurias depresivas" a las que nos han sometido. Debe ser como echar el vermú después de misa de 12 en domingo. No sé,  la última vez que hice tal experiencia me echaron de la iglesia. .....y ya te digo que no fue de crío,  hace cinco años, exactamente.  Las empalmadas son "asín de aventureras"....


No es que estemos hablando de un "capolavoro" del RPI, pero sí de un notable álbum producto de su tiempo. Que se escucha "divinamente", vaya. Lástima que su trayectoria fuera tan corta. Al menos la buena......Porque poco después de esto,  entró una señorita como cantante y el batería de Museo Rosenbach, (que ambicionaba un nivel de vida superior). Metamorfoseandose en .......Matia Bazar !!!!!!
.........Eso les pasa por cristianos. Menudo castigo divino.
J.J. IGLESIAS



Temas
A1 Fede Speranza Carità 10:54
A2 Il Prete E Il Peccatore 11:08
B1 C'è Chi Non Ha 6:34
B2 Sinfonia Per Un Re 7:58
B3 Sfogo 3:39




Nota: si te gusta el artículo compártelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en
                                                                                      



que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias
↧
Search

CACHEMIRA - Jungla (2017 / HEAVY PSYCH SOUNDS) (Rockliquias Bandas)

September 28, 2018, 11:53 pm
$
0
0
La verdad es que gozamos de una pequeña escena retro-psych, (convenientemente actualizada), de un tiempo a ésta parte. Lo que pasa,  y pasa siempre, es que los involucrados nunca reconocen tal escena. Os lo digo yo, que he visto éste país, a temporadas, como un secarral absoluto. Por eso no podían faltar por aquí los hispano - franceses, Cachemira. Formados en Barcelona en 2016 y pertenecientes a otras ilustres bandas del gremio, como 1888, Prisma Circus o Brain Pyramid. Pol Ventura (bajo) provenía de los primeros. Alejandro Carmona (batería) de los segundos. Y Gastón Laine  (guitarra y voz) de los terceros. Siendo el ingeniero de grabación otro miembro de Brain Pyramid, Baptiste Gautier-Lorenzo. Tocan tanto como pueden y les dejan, a veces acompañados por colegas de armas como Wedge, Imperial Jade, Sacri Monti  o Electric Monolith.


Ya en 2017 lanzan su debut, "Jungla", bajo el amparo de los italianos Heavy Psych Sounds,  y por esas tierras saben un huevo del asunto.

La instrumental "Ouverture" (4'01) ha sido comparada con "The End" de The Doors, por sus volátiles arabescos de guitarra. También Rory Gallaguer era habitual en esas artes. Pasado el primer minuto, su ambientación huele más a Taste,  o a sótano húmedo psico-kraut, de olvidados genios como Gila, My Solid Ground o Eulenspygel. Estupenda tarjeta de presentación  con la máquina del tiempo señalando a los primeros 70. Contribuye un sonido de fondo de teclas en levitación que no viene en créditos. ....Quizá un efecto de la guitarra?... 


"Sail Away" (7'27) es acid blues corrosivo, del que quema entrañas a base de implacable wah wah hendrixiano y sección de ritmo arrasadora. La voz, de perfecta apariencia stoned,  como debe ser, funciona en el contexto con muy buena impresión. Fases experimentales psicotronicas desembocan en ríos de lava eléctrica  a la Ax Genrich (Gurú Guru) o Holger Schmidt (Tiger B. Smith).

Como las hordas salvajes de Jerjes El Grande entra "Goddess" (8'19)......aunque un remanso de líquida psicodelia pone en funcionamiento el tema por otros derroteros a los iniciales. Digamos que en modo blues rock-jam desfase, con fugas de wah wah y escapes del bajista, tan ácidas como la sangre de un Alien. The Groundhogs, Pink Fairies, Dark o primeros Stray en la ecuación. La batería destroza todo raciocinio cabal con una enloquecida intervención,  que deja a Ginger Baker hecho unos zorros.

 "Jungla" (6'17) tiene un comienzo a lo clásica de Thin Lizzy. Aunque el planteamiento posterior está más cerca de Bakerloo, May Blitz o Chicken Shack  ("Imagination Lady" era). Pero a más revoluciones. Es otra instrumental con la calidad jammy de un outtake de San Hendrix.

 "Overpopulation" (4'36) fue el single digital que sirvió para dar a conocer a Cachemira. Otra aplastante demostración de poder eléctrico,  cuidando un arreglo casi jazzistico, en la más pura tradición Cream / Mountain.


En total 33 densos minutos sin desperdicio que reafirman lo dicho al principio. Que la escena heavy psych de aquí  está en horas muy altas. Ahora hace falta que se de cuenta de ello el respetable. Porque con "festivales psicodélicos" como los de mi ciudad,  por ejemplo, la cosa parece más una broma o un FIB (Festival de Insulsos Blasfemos), ñoño, popy  y de psicoñecos de la Señorita Pepis. Que la psicodelia fue otra cosa, hostia, un poco de nervio, aunque sea bajo estimulantes. 
Y Cachemira lo saben.
J.J. IGLESIAS



Temas
1. Ouverture 00:00 
2. Vela de distancia 04:01 
3. Diosa 11:28 
4. Jungla 20:00 
5. Sobrepoblación   26:18



Contacto

P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70


Nota: si te gusta el artículo compártelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en
                                                                                    


que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias
↧
↧

Grinderswitch - Atlantis Club, Atlanta, 1977

September 29, 2018, 11:14 pm
$
0
0
Grinderswitch fue una banda de rock sureño procedente de Warner Robbins, Georgia. A pesar de firmar por Capricorn Records, la compañía estrella de este género musical, no tuvieron el reconocimiento que sí lograron bandas como The Allman Brothers Band o The Marshall Tucker Band.


Grinderswitch tuvo un recorrido desde 1973 hasta 1982 editando en ese periodo seis discos : "Honest to Goodness" (1974), "Macon Tracks" (1975), "Pullin' Together "(1976), "Redwing"(1977), "Right On Time (1980) y "Have Band Will Travel (1981)". Su mayor éxito lo obtuvieron con el tema "Pickin´the Blues".


El concierto se realizó en el Atlantis Club de Atlanta en 1977. El "setlist" lo podemos dividir en dos partes. En  la primera tenemos cuatro temas cortos de su disco "Redwing": "Redwing", "You And Me", " Watermelon Time In Georgia" y " That Special Woman ". Gran rock sureño. En la segunda parte los temas pasan de los diez minutos con multiples improvisaciones y mucho feeling mezclando blues y rock sureño. "Kiss The Blues Goodbye" es una composición de su guitarrista Dru Lombar, "You Gonna Miss Me When I'm Gone" es una versión de un tema de Albert King y finalizan con "Taste of Love" catorce minutos de explosión sureña. La banda estaba formada por Dru Lombar (guitarra, voz), Larry Howard (guitarra,voz), Joe Dan Petty (bajo,voz), Rick Burnett (batería ) y Stephen Miller (teclados, voz). Excelente sonido.
J.C.Miñana



Temas
01. Redwing 00:00 
02. You And Me 05:30
03. Watermelon Time In Georgia 08:37
04. That Special Woman 11:30
05. Kiss The Blues Goodbye 14:18
06. You Gonna Miss Me When I'm Gone 25:55
07. Taste Of Love 39:50




Nota: si te gusta el artículo compártelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en
                                                                                      


que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias
↧

RUDIGER LORENZ - Queen of Saba" (1981 / RL)

September 30, 2018, 11:57 pm
$
0
0
Perfectamente podríamos haber colocado al alemán Rudiger Lorenz en nuestro apartado de pioneros. Pero como su actividad discográfica comenzó en los primeros 80, he preferido incluirlo en nuestra sección habitual.


Con fama de tímido,  solitario y casi ermitaño, Lorenz comenzó  su carrera en bandas beat de los 60, tocando la guitarra. Aunque su formación clásica al piano desde los 5 años, fue desempolvada de su memoria  cuando descubrió  el Moog, a finales de ésa década. 
En 1972 construye su primer Wersi Organ, además de amplis y variadas cajas de efectos. Un manitas, éste hombre. En 1977 monta su primer sinte, que no será el último. Luego llegará el Loran Modular, siendo un experto en "técnicas medicinales electrónicas". Continuación lógica de su otra actividad profesional como farmacéutico. Pienso que perdió demasiado tiempo en los 70, que fue el momento de esplendor de estas músicas, investigando e innovando en sus propios aparatos. Tampoco quiso depender nunca de un sello discográfico. No le hacía falta, viendo su otro trabajo "de verdad".

Por fin en 1981 edita su primer cassette-album, "Queen of Saba". Al que le siguen "Silver Steps" (1982) y "Wonderflower" (1983). Ese mismo año lanzará  su primer vinilo, "Invisible Voices", bajo su propio sello Syncord Records. Su discografía llega a la veintena larga de álbumes,  siendo el último "Tropica" (1998), antes de su fallecimiento en el año 2000, a los 59 años.

Rudiger Lorenz era un amante total de la electrónica y sus instrumentos. Llegó a tener 38 sintetizadores,  incluyendo 3 modulares de su fabricación. Siendo sus favoritos el Korg Polysix, Roland TR-808 y Roland Vocoder. Su actividad dentro de la DIY, o "comunidad cultural del cassette", fue incesante. Al igual que Conrad Schnitzler, veía en ello la plena libertad del artista frente a su obra. Con el también sintetista alemán Peter Schafer, puso en marcha el tape-label, Syntape. Editando más de 30 cassettes del 81 al 85.

"Queen of Saba" fue su estreno disco (tape)gráfico,  en 1981. Ya vemos a un teclista muy versado en sus aparatos,  con los que ya se desenvolvía con soltura y profesionalidad. El "aprendizaje" le había llevado toda la década de los 70, nada menos. Recuerdo que la primera vez que supe de él fue por entonces, en una pequeña reseña de la revista Popular 1.

"Dreaming of Saba" (7'50) comienza con un onirismo coral gregoriano o similar, de los sintes, en pura tradición Berlín School. Klaus Schulze está muy presente en sus envolventes de cuerdas y densas capas de textura místico -clásica,  junto a un exquisito trabajo secuencial. Melodicamente se maneja con seguridad, teniendo en cuenta que esto fue grabado en directo en su home-studio.  Que es justo como me gusta hacer a mí éstas cosas.

 "Asanisimasa" (8'17) comienza con Vocoder,  pero utilizado como un sonido más, algo inusual y muy original. Su transcurrir hipnótico basa su fuerte en una construcción imaginativamente secuencial, que no descuida melodías solistas muy bien escogidas.

 "Dakar" (10'19) usa el automatismo aparentemente frío,  casi industrial, para enfrentarse a un tema de verdadera calidez espacial. Una simbiosis de científico loco (el propio Lorenz), entre Kraftwerk, Schnitzler y Froese. "Trans-Europe Express" llevado por otra ruta y parajes, igual de enigmáticos y sinuosos.

"Als Die Mädchen Noch Minirocko Trugen" (12'40) tiene su obligada influencia de Tangerine Dream, finales 70. Siempre con sonoridades peculiares de los sintes "marca de la casa", lo que ayuda a su individualidad. El final de pleno climax secuencial es superlativo. 

Damos la vuelta a la cinta , (sin rebobinar  con boli), y "Runette" (8'59) nos ofrece una casi melodía pop, encubierta por electrónica a granel, que sería aprobada con buena nota por Ralf & Florian en su "Autobahn" era.

La corta "Waldweben" (3'11) posee su pequeña épica en espiral sonora de fílmico matiz. "Space Flight" (13'53) resulta todo un viaje interior de pura música cósmica en su mejor definición. Tal vez el 81 fuera algo tarde para ésta música,  pero escuchada hoy prueba que es atemporal y sin ninguna duda, eterna.

Finalmente "Queen of Saba" (13'30) presenta melodías casi propias del rock sinfónico,  en un tono algo inocente y con esa maravillosa patina de amateurismo que le da un tono encantador a toda la grabación. Todos que nos dedicamos a esos menesteres, hemos pasado por éso.  Forma parte de un proceso de formación. 


"Queen of Saba" fue reeditado en la caja de 5 vinilos, "The Syntape Years 1981 - 1983" (2015 / VINYL ON DEMAND). Un bonito homenaje a un sintetista muy olvidado, tal vez como consecuencia de su naturaleza privada y casi huraña (apenas dio entrevistas). Ayudó a que la tradición berlinesa continuara  viva en sus horas más bajas.
Un clásico a descubrir.
J.J. IGLESIAS



Temas

Dreaming Of Saba 7:50
Asanisimasa 8:17
Dakar 10:19
Als Die Mädchen Noch Miniröcke Trugen 12:40
Runette 8:59
Waldweben 3:11
Space Flight 13:53
Queen Of Saba 13:30




Nota: si te gusta el artículo compártelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en






que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias
↧

FOX - San Francisco Session 1969 -70

October 2, 2018, 12:00 am
$
0
0
Podemos considerar a Fox como la continuación de Day Blindness, lamentablemente no pudieron editar nada en su época. Gracias a la investigación musical en 2011 se editaron sesiones de la banda realizadas en San Francisco en 1969 y 1970.


No debemos confundir esta banda con la británica de pop de mediados de los 70. Fox se originó como una transformación de Day Blindness después de la edición de su primer disco, "Day Blindness" en 1969.  Dave Mitchell (batería, voz) y Feliz Bria (teclados, voz) son sustituidos por Johnny Vernazza (bajo) y Roy García (batería). La banda se disolvería definitivamente en 1970.


La grabación pertenece a las sesiones que realizó Fox en Columbus Recordings ("Susie S. Kalator", "Sun City", "I Can't Take It" y "Keer On Livin' This Wax"), en el Studio 10 ("I Was Alone") y un tema en directo en el Lonsshereman's Hall ("Geraldine"). En cuanto a la música hard rock blues en la línea de San Francisco's Shiver, Blue Cheer o incluso Cream. Buenos riffs de guitarra y contundente sección rítmica. Totalmente recomendable.
J.C. Miñana.



Temas

A1 Susie S. Kalator 00:00
A2 Sun City 06:32
A3 I Can't Take It  12:44
B1 Keer On Livin' This Wax  17:42
B2 I Was Alone 23:04
B3 Geraldine 27:50




Nota: si te gusta el artículo compártelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en
                                                                                      


que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias
↧
↧

BANCHEE - Thinkin (1971 / POLYDOR)

October 3, 2018, 2:08 am
$
0
0
Una banda norteamericana,  con sabor latino, pero en la que no verás comparaciones con Santana. De entrada, raro. Desde sus integrantes, a ciertos aspectos de su música,  con profusión de percusiones. Procedentes de combos psych de los 60 como The Lost Souls, The Peepl  o The Protons, Banchee se forma en 1969.


 Su primer álbum, "Banchee" (1969 / Atlantic ), tiene una acusada influencia de Crosby, Stills, Nash & Young, por sus juegos vocales lejos de lo ordinario, querencia hippie-folk y puro sentimiento Costa Oeste. Un magnífico debut. Tanto, que nadie se pone de acuerdo sobre cuál de los dos es mejor. Hay que elegir?.... Los arrebatos eléctricos no eran descuidados. Dejando respirar a las voces, pero imponiendo un nervio y fuerza que dotaba de irresistible energía a su escucha. La formación original estaba compuesta por Peter Alongi (cantante, guitarra solista), José Miguel De Jesús  (guitarra rítmica,  voces) , Michael Marino  (bajo, voces) y Víctor Di Gilio  (batería,  voces). Johnny Pacheco fue el invitado percusionista en el primer album. Entrando como miembro permanente Fernando Luis Román  (percusiones, voces) para el segundo, "Thinkin". Éste saldría en el 71 para Polydor, con producción de Dave Palmer y Ralph Moss. Aunque el "mafias" de Michael Jeffrey (ex-mánager de Hendrix), tiene que salir en la foto como "productor ejecutivo".

"Thinkin" es una bestia algo distinta al anterior,  más que nada porque se "exagera" todo elemento anterior hasta  la sobrada absoluta. Banchee se "han dejado las venas largas", en vez de cortarselas. Y sueltan todo un caudal de hard psicodélico de alto voltaje. Con caballos eléctricos más desbocados,  pero sin perder sutilezas. La sombra de Hendrix flota por el estudio de grabación,  quizá advirtiendo a los incautos Banchee de a qué lobo con piel de cordero tienen como mánager. Sigue la actividad vocal muy cuidada y como objetivo esencial, pero ahora son CS &N sin Young y con el de Seattle como santo patron. Yo lo equipararia por similitud estilistica con el "Sufficiently Breathless", segundo de Captain Beyond. Quizá incluso lo supere. Además,  "Thinkin" salió antes, lo que le da un valor añadido.

 "John Doe" ofrece todo lo dicho con calidad galactica,  percusiones sabrosonas, Hendrix  guitar galore y armonías vocales santificadas por los dioses paganos de The Trobadour. 

"Willya" sigue con magnífico juego de guitarras, muy lírico,  y que no sería descabellado acercarlos a unos Wishbone Ash made in USA. También por sus perfectas sincronías vocales, de sabor psych-folkie. No inquietarse, la ágil soltura solista de Alongi hace que esto sea una gozada pecaminosa  (o sea, cojonuda). El tío no para de solear, apoyado por abrasantes percusiones y sección de ritmo venida de "Grooveland".

"3/4 Song" lleva una métrica muy progresiva, original, poco frecuente y alejada de ordinarieces. Banchee derrochaba estilo, my friend. El tema-título,  "Thinkin", es otro ganador que igual recuerda a la realeza de Laurel Canyon , ( personalmente a Poco, Batdorf & Rodney, Acrobat o Souther Hillman Furay Band), que a los referidos Captain Beyond, Seatrain, Manassas, White Witch, Wishbone Ash o Cactus.

Volviendo la placa nos encontramos en ""Searcher's Life" con una voz solista muy Timothy B. Smith / Richie Furay, envuelta en fogosas guitarras de sorprendente fluidez melódica. La intro de "Iceberg" rezuma prog/psych al estilo de Man, Quicksilver Messenger Service o la banda de Andy Powell. Por primera vez vemos algo de calma, que pronto torna en medio tiempo espectacular, soberbio, con esas corales impresionantes que te erizan el alma. Todo bien apuntalado con la seguridad de un ritmo atento y un canal de electricidad que fluye con la natural espontaneidad de los genios. 

Lo mismo podemos decir de "Children of the Universe". Son canciones que se quedan cortas (lo son), con sus tres minutos. Porque se les ve claramente el potencial para ser desarrolladas en directo. Un bootleg de Banchee, o un doble en vivo perdido sería mucho pedir?....Me temo que sí. En ésta en particular,  la épica vocal grandiosa de Kansas se adelanta a su tiempo una barbaridad. 

Sin darte cuenta, estas en la última canción,  y la más desarrollada con sus 9 minutos, "38". Y esto es a lo que me refería antes. La música de Banchee pide más tiempo a gritos. Si hubiera prosperado aquel pretendido disco entre Stephen Stills y Jimi Hendrix, estaríamos ante un resultado cercano.


No comprendo cómo no trascendió más la obra de éste grupo. No se puede hablar de independientes, prensajes minúsculos privados ni underground escondido. Sus dos discos son Atlantic y Polydor, cosa que no se explica. Porque esto señores, es una auténtica OBRA MAESTRA del siglo pasado,  y de su mejor cosecha rock de los 70.
Del 1 al 10, un 50.
J.J. IGLESIAS



Temas

A1 John Doe 4:30
A2 Willya 3:30
A3 ¾ Song 3:20
A4 Thinkin' 4:05
B1 Searcher's Life 3:11
B2 Iceberg 3:48
B3 Children Of The Universe 3:12
B4 ''38'' 8:58




Nota: si te gusta el artículo compártelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en
                                                                                      




que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias
↧

SIMON SAYS - Tardigrade (2008)

October 3, 2018, 11:51 pm
$
0
0
El estar casi dos semanas con el PC muerto es una sensación extraña. Mi disco duro, marcaba 37.652 horas de uso y el resto de los componentes me pedían la jubilación a gritos. Una mañana de dijo que basta, se despidió a la sueca, que oportuno. Los cuidados paliativos y los intentos de reanimación no sirvieron de nada. El coma digital era irreversible. Solución: ordenador nuevo y este es el primer artículo que redacto con la nueva criatura. 


En los tiempos en los que la tecnología no se había convertido en una insana adicción, todo era mucho más sencillo: escribías un artículo a máquina, lo ponías en un sobre, pegabas un sello y lo enviabas. Tan felices éramos. En estos días he notado cierta ansiedad que la he intentado paliar con lectura y audiciones de vinilos. También a ratos me ponía a dibujar o a tocar la batería. No soporto la TV salvo para descojonarme del circo de la miseria política, las enfermedades nacionalistas sin remedio, las noticias asquerosas repletas de maldad y el desprecio informativo manipulado destinado a volver a la gente más estúpida de lo que ya es. Si para colmo odias los deportes como es mi caso y los programas pseudocientíficos, solo te queda masturbarte y si sales de casa ponerte ciego de cervezas en el bar y fumar en la puerta en la mesita destinada al uso. El único ejercicio vegano que hago es la ingestión descontrolada de lúpulo, cebada y malta que intento acompañar con anchoas, queso fuerte, embutidos y ahumados. Lo interesante para equilibrar la ingesta sería follar, pero eso a mi edad, ya empieza a ser más complicado.

Bueno tocaba “Tardigrade” la flor y nata de Simon Says. Yo tengo mis discos favoritos en las más de cinco décadas que llevo en esto. Algunos han soportado el paso del tiempo otros no tanto. No me suele gustar la gilipollez esa de los diez discos que te llevarías a una isla y todas esas cursiladas hippiosas que se suelen decir. La cifra de discos es muy relativa dependiendo del estado de ánimo en el que te encuentres en cada momento. Si estuviese en una isla lo que menos me interesaría sería ponerme música y estaría pensando en cómo cojones salir de ahí. Una isla es un coñazo y un peligro. Si te pones malo te mueres. En una ciudad hay mucha más mierda y por ello es más fácil sobrevivir. Todo es química: nada más. Al fin y al cabo es de lo que estamos hechos. Cuando te mueres la biología tiene su proceso y todo desaparece. Por ello una farmacia es tan importante como un bar y en casa se está muy bien. Cualquier filósofo sensato te lo diría. Toda revolución es una tara de la juventud y de la inexperiencia. Ya están hechas todas las revoluciones y todas han fracasado. La única revolución a la que debemos prepararnos es a la individual y la música es muy importante: la buena música solo piensa en el oyente, es individual: sólo es para ti y así ha sido siempre.


Los viejos amantes de los Genesis hasta el 77, saben definir perfectamente que disco de cabecera debe estar en la estantería. Los he puesto de ejemplo, también podría ser otro grupo sinfónico por supuesto. Durante las últimas décadas van apareciendo joyas puntuales, no muchas, es cierto, pero claro, en tu archivo mental ya está la base de lo que te va a agradar. “Tardigrade” fue una joya que a muchos les pasó desapercibida. Si amas discos como “Ever” de IQ o “Stardust We Are” de Flower Kings, este debes tenerlo porque te va a aportar la misma emoción cuando lo oigas.

 “Suddenly The Rain” (14.48) tiene tal fuerza expresiva a la “antigua” sinfo-prog que te va a desarmar por completo. Imagina el mejor Látimer-Hackett-Phillips y añádele algo de Yes (cuando eran buenos) y piensa en una hermosa melodía que te lleva a dónde quieres porque eres un alma buena y generosa y te enternece pensar que hay algo bueno en la vida y en los hombres que la habitan. Ya no estás tan “solo”, en tu cabeza piensas que hay cosas que merecen la pena aunque sea en el exclusivo e imaginario mundo de la música. Pero siempre es imaginario no lo olvides. Esas personas “solas” que solo están en conexión a través del mundo de la música. El único concepto de dios que entiendo es la música. Nada más se le aproxima. Y allí me parece ver sonriendo a gente que no conozco pero que de alguna manera estamos comunicados. Es extraño. Pero quienes me entienden lo saben.

“Tardigrade” (3.43) es Gentle Giant vibrante y poderoso, como debe ser, ¡que cojones! Se agradece. “The Chosen One” nos acaricia con acústicas de las de siempre, de las que tú sabes, con el mellotrón que tan bien conoces. ¡Es música chaval! Y de la mejor que puedas imaginarte. Sinte…quiero sintetizador ¡pues toma! y a gusto y la guitarra me persigue y me pilla qué más puedo pedir…?. Todo es exultante, magnífico, porque soy un sinfónico deplorable y cojonudo que hostias!. “Moon Mountain”…gracias Steve Howe por prestarme la idea, española en ristre. 

“As The River Runs” (10.40)…que extraña empiezas hija mía, con ese moog gótico y ese mellotrón algo crimsoniano de que alguien jodido se encuentra en una celda rodeada en piedra. El Emerson juguetón de pianola viene a visitarnos y pronto destapa el big moog. El paisaje sinfónico a la Génesis-ELP se mezcla a la perfección en la euforia sonora que todos pedimos en buena armonía y composición que es lo que se debe hacer en estos casos. Nada de timidez… vanagloria y vanidad sinfónica. “Strawberry Jam” deja que la batería perfile el tema en esos ritmos que me encantan a la Bruford-Collins…sacude…sacude y buen marcaje de caja-platos sincopados.

 “Circles End” desgrana acústicas nuevamente y el mellotrón-flauta nos acuna como a niños sin pañales para que meen felices en la hierba y retocen en La verde- lluvia…theremin…? Si eso parece y el piano eléctrico acompaña a sinte y mellotrón que ya les ha dado por conversar plácidamente….Entangled…ufff podría ser esa transfiguración final. “Brother Where You Bound”…26 minutos… ¿que me dices? un Supper´s Ready?... una super sinfonía prog en toda regla. Si empiezo a definirla y a desmenuzarla no voy a terminar nunca. Mira al cielo… se han abierto las nubes?...pues vamos para allá. Venga sintes a porrillo, melodías interminables, gozo celestial. Los sinfónicos nos lo merecemos. ¿Quién si no? 


Que mejor gente que nosotros para decirle a todo el mundo que somos gente cojonuda que nos gusta la mejor música que existe en el universo y que no somos para nada engreídos…?...jajajaja, sí que lo somos, claro que sí y el descojono que nos produce porque quieras o no somos frikis pero también decidimos cuando nos apetece o no. Qué más da. “Tardigrade” es un álbum para tener. De esos que no defraudan. Que el tiempo no los empequeñece. Pero como siempre tú decides.
Alberto Torró









Nota: si te gusta el artículo compártelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en
                                                                                      





que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias
↧

ERRATA CORRIGE- Siegfried, Il Drago e Altre Storie (1976)

October 4, 2018, 11:57 pm
$
0
0
Este joven grupo se formaron en Torino (Piamonte) en 1974 y son una más de esas rarezas italianas grabadas y perdidas en el polvo de la historia. Si no fuese por la web todas estas cosas serían imposibles de encontrarlas hoy y ya no hablo de la vida que habrán llevado esas copias en vinilo que todo friki del prensaje analógico rebusca en las manoseadas y a veces guarrindongas estanterías de las ferias de discos. 


Según parece este “Sigfrido” fue reeditado en CD por el sello Black Widow hace algunos años así que suerte. Leo también que en el mercado la edición original en vinilo alcanza la cifra de entre 700 y 1.200 euros así que por lo que a mi respecta que se lo queden ellos. Nunca he entendido estas locuras enfermizas de pagar fortunas ya sea por grabaciones musicales, por libros raros o por “obras de arte” pintadas por afamados manchalienzos. En mi pragmatismo pagar hoy más de 20 euros por un LP ya me parece un exceso y conste que de vez en cuando me puede la nostalgia y lo hago con el consiguiente sentimiento de culpabilidad. Yo fui un coleccionista compulsivo de vinilo hasta mediados de los 80´s cuando apareció el CD y como buen traidor a la causa me pasé al disco digital malvendiendo vinilos a diestro y siniestro. En un arrepentimiento sin precedentes y desde hace algunos años, he vuelto a comprar LP´s, eso sí, con comedimiento y rígida selección. Solo lo fundamental y lo que personalmente me interesa. Pero como los melómanos (odio esa palabra) estamos muy malitos de los nervios y necesitamos ayuda profesional del mundo de la psiquiatría, ya veremos lo que dura la aventura.

Errata Corrige fueron Mike Abate (guitarra y voz). Marco Cimino (teclados, flauta y chelo). Gianni Cremona (bajo y voz) y Guido Giovine (batería y voz). Como veis hay tres a las voces y armonías vocales en un estilo muy delicado y angelical que se asume bastante bien en una forma de progresivo sinfónico en su forma más clásica. Las composiciones son hermosas y bastante elaboradas. Su escucha de un tirón es una delicia y tienen un gusto exquisito en los arreglos. Podríamos hablar de un álbum temático o concepto o como queráis llamarlo sobre la leyenda germánica de Sigfrido y el dragón. Un tema muy propio para realizar rock sinfónico preciosista que es en lo que consiste éste trabajo. La música está cercana a grupos como Il Volo, Locanda Delle Fate o incluso los sempiternos PFM aunque la tónica general es la de un trabajo calmo y delicado. Hay buenos vuelos instrumentales y deliciosos pasajes incluso algo genesianos época temprana: “Del Cavaliere Citadel…” pianos, acústicas, sintes e inclinación por lo descriptivo. Todo muy setentas claro, pero bastante más cristalino que otros grupos italianos de la misma época. No hay apenas guitarra eléctrica y el chelo cumple a veces con la función solista muy bien protegido por las acústicas, la flauta y los Elka Strings como podemos apreciar en “La leyenda de Sigfrido”. En la última pieza cantan en inglés (breve afortunadamente) cosa que no recomiendo a nadie y ya lo he dicho en otras ocasiones, salvo que domines el idioma a la perfección y aun así la pronunciación siempre nos delata. 

Volvieron a grabar otro disco: “Mappamondo” en 1977 pero no se editó hasta 1991 por la Mellow Records. Una especie de piezas perdidas anteriores y algunos temas con nueva formación que no cuajaron demasiado y la banda acabó disolviéndose para variar que era lo habitual en las bandas italianas de esa época.
Alberto Torró




Temas
1 Viaggio Di Saggezza 2:36
Del Cavaliere Citadel E Del Drago Della Foresta Di Lucanor (9:52)
2a Il Richiamo 0:40
2b Nella Foresta 1:23
2c Il Drago 3:25
2d Fuggi Citadel! 2:40
2e Ritorno Al Villaggio 1:44
3 Siegfried (Leggenda) 7:12
4 Siegfried (Mito) 4:48
5 Dal Libro Di Bordo Dell "Adventure" 5:47
6 Saturday Il Cavaliere 8:00



Nota: si te gusta el artículo compártelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en
                                                                                      





que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias
↧
Search

KALTE SONNE - Ekumen (2018 ) (Entrevista-Análisis) (Rockliquias Bandas)

October 6, 2018, 12:04 am
$
0
0
Kalte Sonne es un grupo procedente de Lugo integrado en la actualidad por Ángel (guitarra), Miguel (bajo) y Victor (batería). En febrero de este mismo año (2018) editaron "Ekumen" conteniendo cuatro temas que hemos analizado con la ayuda de la banda.


Rockliquias -¿Qué significa el nombre de la banda, Kalte Some 

Sol frío. Proviene del alemán (kalte: frío y sonne: sol)

Rockliquias - Nos podéis hablar de cuándo se formó la banda y como se gestó 

Los orígenes se remontan a 2013 en Lugo, donde todos residimos. A la primera formación compuesta por Miguel, Víctor y Javi Miranda, involucrado en proyectos diversos de muy variados estilos. Al poco tiempo,  prácticamente en los inicios, se incorporó Ángel, que ya había coincidido anteriormente en otras bandas con Miguel y Víctor. Con esta formación se editó “The Hum”. 



Rockliquias - ¿En qué otras formaciones habéis participado?

Siempre hemos estado involucrados en alguna banda a nivel local pero que no tuvieron mucho recorrido o salieron poco de la zona. Por mencionar algunas: Conducto Coloquio (la única en activo ahora mismo), Sen Berce, Skullkrusher. 

Rockliquias -  ¿Se han producido cambios en vuestra formación a lo largo de estos años?

En 2014 Javi dejó la banda, se incorporó por un breve período de tiempo Hadrián (Black Goat, The Last Twilight, HÆC), con el que grabamos “Terra incognita”, y tras su marcha quedó configurada la actual formación de power trio.


Rockliquias - ¿Cuáles son vuestras influencias?

Cada miembro del grupo bebe de muy distintas influencias que van desde Return to Forever, Pink Floyd o Black Sabbath hasta Mastodon, Alcest, the Ocean, Tool, My Sleeping Karma o  High on FIRE.

Rockliquias - En febrero de 2018 sale al mercado,  "Ekumen", anteriormente habíais editado "The Hum", "Terra Incógnita, Searching the new World Part. 1" y "Searching the new World Part. 2" compartido con la banda Octawitch ¿Cómo ha evolucionado musicalmente la banda?

Desde la fusión inicial de post-rock y blackgaze hasta el actual post-metal. 

Rockliquias - La portada de disco es de I.Mouronte ¿Cómo se establece esta relación y cómo surge el diseño de la ilustración?

I.Mouronte es una persona muy cercana al grupo que ya había colaborado con anterioridad (nuestro actual logo es obra suya). Con el concepto del disco, el ser humano ante la imponente inmensidad del universo,  y unas indicaciones se llegó, tras unos bocetos intermedios, a esta portada final que nos encantó. Se pueden ver otros trabajos suyos en: http://imouronte.tumblr.com



Rockliquias - El disco está grabado en Kollapse Studios y corre a cargo de Iván Ferro. 

Ya habíamos grabado antes con Iván, al que conocemos desde hace años, y siempre nos resulta muy grato trabajar con él;  Anteriormente tenía el estudio en Madrid, a donde nos desplazamos para grabar el compartido con Octawitch y mezclar Terra incognita pero ahora el se mudó a Lugo y se trajo el estudio con el lo que nos hizo la grabación mucho más cómoda y edificante al disponer de mas tiempo.
Se puede echar una escucha a varios de los trabajos realizados por Iván en su web: https://www.kollapsestudio.com.

Rockliquias.- El disco contiene cuatros temas instrumentales y se Inicia con "Serendipity", un fluir de sonidos guitarreros apoyado por un poderoso bajo y una contundente batería. ¿Qué os parece que se os encasillen como una banda de "Post metal?

Resulta complicado que todo lo que crea una banda se pueda encuadrar en una sola etiqueta pero es una clasificación que se aproxima bastante a lo que hacemos actualmente y nos sentimos cómodos con ella. 



Rockliquias - Continuamos con "Eleven Sonoro". ¿Cómo  planteasteis la composición de este tema?

Habitualmente construimos los temas en el local con los riffs que nos van saliendo, pero la base arpegiada de la primera parte fue compuesta en casa por Ángel mientras empezaba la recuperación de la mano que durante una temporada tuvo inmovilizada tras una inesperada lesión. Una de las pocas partes que no se crearon en el local desde el principio pero si perfilamos.

Rockliquias - El tercer tema del disco es "Athshe", el más largo (13:16) y posiblemente mi favorito. Algunos de los ritmos me recuerdan a los de King Crimson en "Discipline" .  ¿Qué parte de vuestra música puede estar influenciada por las bandas de los 70? Por cierto en el minuto 9:22 se produce un silencio de 18 segundos ¿Cuál es la reacción del público en directo?

Es posible que haya algunos matices similares, también en “Eleven Soro” en la forma de arpegiar que puede llevar a pensar en “Frame by Frame”, pero Fripp en Discipline se orienta a sonidos y cadencias más cercanos al art rock e incluso un poco al new wave (siempre dentro de sus peculiares entramados progresivos) y en la tónica general es posible que nos acerquemos a discos más oscuros como Red. Es inevitable que aquellas bandas que escuchamos ejerzan su influencia de alguna manera y se manifieste consciente o inconscientemente (como en este caso), y a veces de manera indirecta a través, por ejemplo, de los aires crimsonianos que pueden intuirse en los discos de Tool, banda de la cual es admirador Ángel.

En cuanto al “silencio” que nos comentas, no llegamos a un vacío completo remarcando la cadencia del tema con la guitarra. Es parte de nuestra dinámica en los temas, jugar con las intensidades y esperamos que así lo entienda el público que asiste a nuestros conciertos.

Rockliquias - La grabación se cierra con "Ansible"  que nos envuelve en su universo sonoro. ¿Qué importancia tiene la improvisación en vuestros directos?

Debido a la forma en que están planteados los temas, con uso de loops y partes bien definidas, no hay mucho espacio para la improvisación y solemos ser bastante rígidos en ese sentido. Dicho esto, en “Ansible” hay cierta carga de improvisación hacia el intenso final del tema.



Rockliquias- ¿Cómo va la promoción y los conciertos de presentación?

Hemos recibido críticas del álbum y conciertos positivas. Siempre hay que currárselo un poco y salir a tocar lo máximo posible, pero a veces no se puede hacer todo lo que te ofrecen o gustaría hacer debido a otras responsabilidades de la vida cotidiana.

En cuanto a conciertos, hemos presentado el disco en directo por varias ciudades del norte de la península además de en Reino Unido, con una mini gira en la que pasamos por Londres, Liverpool y Leeds, durante el mes de Mayo. El pasado septiembre tuvimos la oportunidad de hacer unas cinco fechas por Francia e Italia y estamos planeando nuevas fechas que anunciaremos próximamente en la red (https://fb.com/kaltesonneband)

Rockliquias - Y ¿Qué nos podéis decir del panorama musical en Lugo?

Por nombrar algunas, dentro de la escena metal que es de donde venimos nosotros, bandas como los veteranos Barbarian Prophecies siguen tocando y sacando buenos discos (Origin, 2018); formaciones más recientes se van consolidando como Untides (From the Challenger Abyss, 2017) con discos bastante recientes. En estilos alejados del metal y más orientados rock se encuentran activas bandas como Conducto Coloquio (que han presentado un nuevo EP este año, Distopía, 2018) y donde participa actualmente nuestro batería.  También hay propuestas más rompedoras como el caso de Sigilu, con su excelente grabación de finales del año pasado (Singularidad o barbarie, 2017). Otra formación interesante y puede que agrade especialmente  a los lectores habituales de vuestra página es: Lacon con Grelos Blues Band (Jazz - Rock blues  psicodélico, www.facebook.com/laconcongrelosbluesband). Personalmente no creemos que el panorama difiera mucho de otras ciudades de España de similares características.

Rockliquias - ¿Qué le diríais a nuestros lectores para que se compraran el Cd y fueran a vuestros conciertos?

Todas nuestras ediciones se pueden escuchar en nuestro Bandcamp de forma gratuita: kaltesonne.bandcamp.com y si os gustan están a la venta en digital y físico (vinilo, cd, tape) en el propio Bandcamp o nuestro último disco también a través de los sellos que colaboraron en la edición: Violence In the Veins, Western Swarm y MPF Records.





Contacto

P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70


Nota: si te gusta el artículo compártelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en
                                                                                    


que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias
↧
↧

THE SONS OF CHAMPLIN - Live in Winterland 197?

October 7, 2018, 12:34 am
$
0
0
Nuevamente nos dirigimos a la costa oeste de los Estados Unidos para rescatar a The Sons of Champlin, banda que comenzó su andadura en 1965 y que todavía sigue en la carretera. Coincidieron en multitud de ocasiones con los Grateful Dead e incluso algunos de sus miembros llegaron a tocar con Jerry Gacia.


En 1972 The Sons of Champlin ya tenían una larga trayectoria. En 1970 se separaron por primera vez y hasta esa fecha habían editado tres discos: "Fat City" 81967), "Loosen Up Naturally " (1969) y "The Sons" (1969). En 1971 bajo la denominación de Yogi Phlegm regresan y editan "Follow Your Heart" y en el 72 vuelven a su nombre original. Un año más tarde cambian de compañía discográfica (Columbia) y ve la luz "Welcome to the Dance" incluyendo una sección de viento en su formación.  Pasarían tres años hasta la publicación de "The Sons of Champlin" en su propio sello, Goldmine Records. Dos discos más llegarían ("A Circle Filled with Love" y "Loving is Why") hasta su nueva disolución en 1977. Volverían en 1985.


La grabación pertenece a un concierto de The Sons of Champlin en Winterland, famosa sala de conciertos de San Francisco. En cuanto a la fecha de la actuación hay diversas teorías. La primera asegura que se realizó el 31 de Diciembre de 1971 junto a Grateful Dead y New Riders of the Purple Sage concierto promovido por Bill Graham. Resulta que las actuaciones de los Dead y de Purple Sage fueron retransmitidas por la KSAN y patrocinadas por sus respectivas compañías discográficas (Warner Brothers y Columbia). En ese momento Yogi Phlegm no tenían discográfica y por ello no pudieron saltar a las ondas herzianas.

La otra teoría es que el concierto tuvo lugar el 5 de Marzo de 1972 en el festival a beneficio de los indios americanos "American Indian Benefit". Curiosamente también estaban presente Grateful Dead y New Riders of the Purple Sage.  El concierto se inicia con Bill Champli (voz, teclados) y Bill Vitt (batería) de Yogi Phlegm tocando junto a Jerry Garcia (Guitarra) y Phil Lesh (bajo) dos clásicos del blues "Big Boss Man" (Jimmy Reed) y "Everyday I Have The Blues" (B.B. King) . La leyenda cuenta que los otros tres miembros de Yogi Phlegm (Terry Haggerty, Geoff Palmer y David Schallock) estaban en un atasco en el Golden Gate.  Tras una pequeña presentación en la que se incorporan el resto de la banda comienza la orgía psicodélica con buenos riff,  mucho hammond, blues e improvisación. Nueve temas que colmaran las expectativas de los amantes de ese período musical. El sonido es bastante bueno, al principio algunas variaciones de volumen que posteriormente se van solucionando.
J.C. Miñana




Temas
Big Boss Man   00:00  
Every Day I Have The Blues   08:14 
Personnel Change Announcement  
Who/Heaven Only Knows   12:26 
Poppa Can Play  18:26  
Right On    22:54 
Let Your Daddy Know  26:55  
All And Everything  30:09
Watcha Gonna Do   34:41  
Cold // Sweat   39:32 10:41
99 & 1/2    50:25



Nota: si te gusta el artículo compártelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en
                                                                                      




que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias
↧

DAPHNE ORAM - Oramics (2007 / PARADIGM) (serie pioneros)

October 7, 2018, 11:55 pm
$
0
0
En nuestra sección más retro-futurista, destacamos hoy el papel de una mujer que también luchó en su campo, la música electrónica,  concreta y electroacústica,  como otras muchas en otros gremios laborales. Que en 2017 tengamos que estar reivindicando el papel de la mujer en la sociedad, dice mucho del retraso social, educativo y cultural al que nos han llevado los "gobiernos en la sombra" que dominan el mundo. Es un fracaso más de una humanidad perdida y atontada,  vencida y manipulada por el consumismo salvaje y el capitalismo depredador.


La británica Daphne Oram fue, desde siempre, una soñadora. Su padre era el Presidente de la Wiltshire Archeological Society, y eso marcó su vida. Viviendo en su infancia cerca de los círculos de piedra de Avebury y a 20 millas de Stonehenge. Formada desde joven al piano,  órgano y composición,  pudo tener un puesto en el Royal College of Music. Pero ella prefirió ser asistente en el estudio de audio de la BBC.  Tras el alza de éste tipo de música para todo tipo de encargos, la BBC la hace co-fundadora de los Radiophonic Workshop en 1958, donde ejerce como Studio Mánager.

No sólo fue la primera mujer en dirigir un estudio de música electrónica. También fue la primera en diseñar su propio instrumento electrónico. Ese mismo año es mandada a las Journees Internationales de Musique Experimentale, en la World's Fair de Bruselas, ( donde Edgar Varese expondrá su "Poema Electrónico"). En 1962 recibe una abultada subvención para desarrollar su máquina,  Oramics. Una innovadora técnica descrita como "sonidos dibujados" y plasmada sobre un gigantesco armatoste de futurista apariencia. Éste aparato permitía al compositor-científico dibujar un alfabeto de símbolos sobre película de 8 mm , e introducirlos  en el invento produciendo sonidos. Un embrión de lo que en posteriores décadas será el software de composición. No obstante no lo tuvo fácil Daphne, para ser respetada ante sus colegas. En los 40 compuso "Still Point", considerada una de las primeras composiciones orquestales con música electrónica. Rechazada por la BBC, no sería escuchada hasta el 2016, en que la London Contemporary Orchestra la estrenó por primera vez. Algo que ella ya no vería. 


Responsable de sonidos tan esenciales como la música de "Quatermass and the Pit" (58 - 59) y otros muchos encargos. "Doctor No" (62) y sonidos para "Goldfinger" (64)......sin acreditar.
Ya independizada,  crea los Oramics Studios para fomentar las prestaciones de su macro-gadget, en absoluta apertura de miras técnicas. Para financiar todas sus inquietudes investigadoras, continuó como compositora comercial para radio, televisión,  teatro, cortos, documentales e instalaciones de sonido. Así como la música para la película de terror, "The Innocents" (1961) y trabajos de ópera durante los 60. En los 80 desarrolló una versión software de su Oramics, además de escribir varios libros sobre teoría electrónica aplicada a su experiencia. En realidad allanó el terreno a Delia Derbyshire , posterior investigadora de sonido por cintas, ( "sintecinta"?), y luego perteneciente a  Radio Workshop y White Noise. 


Daphne sufrió dos ataques en los 90 que la obligaron a parar su actividad, hasta el 2003 que falleció a los 77 años. Su legado es impresionante, - y poco valorado -. Su abultado archivo no vio la luz hasta hace unos diez años. BBC Radio 3 emitió en el 2008 un documental sobre su vida.


Este doble cd que presentamos demuestra un amplio abanico de su música.  Desde jingles arqueológicos, hasta valientes exploraciones sonoras avanzadas a su tiempo. Su visión filosófica del sonido se adelantó décadas al ambient y al kraut. Una visionaria que conseguía idénticos resultados con mucho menos material tecnológico,  todavía de arcaica naturaleza. También podemos disfrutar de piezas desarrolladas (impensable para la época), como "Bird of Parallax" (12'58), "Purple Dust" (6'45), "Contrasts Essconic" (8'15) o "Four Aspects" (8'05).
.....De verdad pensabas que "Meddle" o "Ummagumma" fueron novedosas?...
Otro intolerable ejemplo de injusticia y desdén creativo hacia una visionaria adelantada a su tiempo. Que nunca vio realmente valorado su trabajo hasta muchos años después de su desaparición. 
J.J. IGLESIAS



Temas
1-1 Introduction 0:00
1-2 Power Tools 03:34
1-3 Bird Of Parallax 04:21
1-4 In A Jazz Style 17:24
1-5 Purring Interlude 18:07
1-6 Contrasts Essconic 18:55
1-7 Lego Builds It 27:15
1-8 Pompie Ballet (Excerpt) 28:16
1-9 Intertel 31:56
1-10 Adwick High School No.1 33:19
1-11 Look At Oramics 34:11
1-12 Rotolock 34:54
1-13 Purple Dust 36:26
1-14 High Speed Flight  43:16
1-15 Studio Experiment No.1 44:10
1-16 Four Aspects 46:05
1-17 Kia Ora 54:11
1-18 Dr. Faustus Suite 55:03
1-19 Adwick High School No.2 01:04:43
1-20 Tumblewash 01:07:06
1-21 Studio Experiment No.2 01:09:10
1-22 Snow 01:09:43




Nota: si te gusta el artículo compártelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en






que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias
↧

WINTERHAWK - There and Back Again​-​Live at the Aragon 1978

October 9, 2018, 12:41 am
$
0
0
El origen de muchas de las bandas de rock lo podemos encontrar en las escuelas secundarias. Amigos de estudios que se reúnen a emular a sus grupos favoritos. El grupo que nos ocupa se formó en ese ambiente. Rich Mezger (batería) contacta con sus compañeros de clase Doug Brown (bajo) y Dan Searight (guitarra) y posteriormente con Jordan Macarus (guitarra). Ya tenemos la primera formación de Winterhawk. Al acabar el instituto Mezger abandona la banda para ir a la universidad y se quedan sin batería.


¿Dónde encontramos a un nuevo batería? Volvemos al tópico, en la tienda de discos del barrio, curiosamente el dueño, Steve Tsokatos, toca la batería. Su primera actuación la realizan en el  Aragon Ballroom de Chicago (1977), obteniendo un notable y clamoroso éxito repitiendo al año siguiente con un nuevo guitarrista, Steve Brown, que había reemplazado a Searight. Posteriormente Steve también dejaría al grupo. En formato de trío abren conciertos para Steppenwolf, Budgie y Balck Oak Arkansas entre otros. Las tensiones en la formación son insostenibles y en 1980 Macarus decide retomar sus estudios universitarios. La idea de retomar la banda no se le va de la cabeza y contacta con un viejo amigo, Chris Mazur. Doug Brown se une al proyecto y completan la formación con Scott Benes (batería). A finales de  1981 comienzan a grabar su primer disco, "Revival",  teniéndolo finalizado en tan sólo 14 días . La grabación vería la luz en el 82, pero sin promoción y sin discográfica la cosa pintaba muy mal. Por todo ello la banda se va diluyendo y sus miembros inician sus proyectos personales. 



La grabación corresponde al concierto de Winterhawk en el Aragon Ballroom el 22 de Diciembre de 1978. En ese momento el grupo estaba formado por Jordan Macarus (Guitarra), Steve Tsokatos (batería), Doug Brown (bajo,voz) y Steve Brown (guitarra, voz). El concierto se inicia con "Sanctuary" en la línea de unos Triumph. Le sigue "In The Wake of Things Yet to Come", que comienza como una especie de marcha con las dos guitarra al unísono. La forma de cantar y el ambiente que se respira me suena a un directo de The Outlaws, guitarras dobladas y buenos riffs. "Hammer and the Axe" nos podría recordar a la mejor época de Scorpions. Llegamos a uno de los platos fuertes "Creatures of the Sea", Macarus jugando con el volumen de su guitarra y recordándonos a los instrumentales de los Rush primera etapa, rebosando virtuosismo por los cuatro costados. Recuperamos el resuello con "Off the Bat", riffs estratosféricos a cargo de Macarus que no tienen que envidiar en absoluto a los "master guitar" que todos conocemos.  "Interlude" (01:15) da paso al tema que da el título a la grabación, "There and Back Again", volvemos a las sonoridades a lo Scorpions. "Drum solo" es lo que su nombre indica pero resumido en 01:25 minutos, para qué mas. "Free to Love" cierra el concierto que nos deja un buen sabor de boca y con ganas de seguir escuchándolos. El disco se completa con una grabación de principios del 78, "Bad Influence" con Dan Searight a la guitarra en lugar de Steve Brown y con "Too Much of Nothin" grabado en 1979 en formato de trío Macarus-Tsokatos-Doug Brown.
J.C.Miñana



Temas
01. Sanctuary 
02. In The Wake Of Things Yet To Come 
03. Hammer And The Axe 
04. Creatures Of The Sea 
05. Off The Bat 
06. Interlude 
07. There And Back Again 
08. Drum Solo 
09. Free To Live 
10. Bad Influence
11. Too Much Of Nothin' 





Nota: si te gusta el artículo compártelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en
                                                                                      



que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias
↧

PURPLE IMAGE - Purple Image (1970 / MAP CITY)

October 10, 2018, 12:06 am
$
0
0
Fue una noche etílica de los 80, entre semana. Porque en los 80, todas las noches eran etilicas. También si uno quería,  entre semana. Ciencia ficción. Acabé en un pequeño pub muy concurrido en el zaragozano barrio de Las Delicias. Lo llevaba un negrito muy simpático con el que enseguida entable conversación musiquera. No estaba hablando con cualquiera. Al día siguiente no estaba seguro si aquello había ocurrido, o formaba parte de mis brumas resacosas. Aquel "negrito simpático" era Del Morán. Que se había venido desde su Cleveland natal vía US Air Forces a la base de Zaragoza, y tras ello había decidido formar familia en la city maña. Había estado como batería , siendo todavía un menor, en The 5th Dimension, (los de "Aquarius"). Fue el primer bajista de James Gang junto a Joe Walsh y Jim Fox (no llegó a grabar). Y fue miembro de los explosivos Purple Image, grabando con ellos su único disco en 1970. Banda de black rock al estilo post-Hendrix de Black Merda o Death.


Rock - Soul - Funk- psicodélico en desparrame sudoroso de groove y sabrosa densidad instrumental.  Un verdadero torrezno rockero lleno de sustancia. Ellos eran , aparte de Del Morán al bajo, Richard Payne (batería), Frank Smith (guitarra solista), Diane Dunlap (voz), William Adams (congas, voz), Warren Adams (órgano, piano, voz) , Kenneth Roberts (guitarra rítmica,  voz) y como invitado, Edward Snodgrass al saxo.

El inicial "Living in the Ghetto" (6'22) lleva implícita la herencia psico funk de Hendrix y Sly Stone. No olvidemos que ese mismo año se estrenaban también Funkadelic con su homónimo debut.
El bajo de Moran lleva el obligado protagonismo en un combo de éstas características. Junto a la guitarra hiper ácida y una tempestad de sonidos no muy alejados del "On the Corner" de Miles Davis, e influidos por su corriente urbana. 

"Why" (4'37) es proto-metal Soul,  de potencia melódica vocal y directa herencia hendrixiana perfectamente asimilada. Psicodelia cuasi progresiva con una guitarra que hasta me recuerda a Steve Hillage. 


"Apisonadora" Moran retumba las paredes con su bajo-bazooka en un tema, "Lady" (3'37), de sabor gospel, southern y west coast,  a lo Delaney & Bonnie. La combinación de voces hombre-mujer es efusiva y entusiasma. 

"We got to Pull Together" (3'35) es delicioso acid Soul con delicados arreglos acústicos,  jazzisticos y perfecto para un repertorio de Bobby Womack, Stevie Wonder o Bobby Bland. Pura elegancia Black Power.

En el otro lado, "What You do to me" (3'32) vuelve a la caña heredada de Hendrix, Band of Gypsys era. Su estilo no anda lejos del gran Buddy Miles (otro que conocí personalmente), o Billy Preston.

Finalizando con la monstruosa versión de Bob Craig, "Marching to a Different Drummer" (15'24). Un espléndido catálogo soul-psych de enfebrecida hipnótica instrumental,  con saxo y guitarra desbocados,  efectos tridimensionales, aplastante sección de ritmo y plena dedicación al desfase jam. Algo así como una coctelera de explosivos ingredientes : Coltrane (última etapa), MC5, Quicksilver Messenger Service, Hot Tuna y King Crimson (del "Earthbound")....... si es posible ésa descripción. 


Todo un aquelarre de Black Music que pilla de todo lo que tiene a su alrededor. Resultando un disco superlativo y altamente buscado por cazadores coleccionistas ávidos de emociones fuertes. Fue reeditado en vinilo por Spiral Groove en 2011 (e imagino que de imposible búsqueda ya). Del Morán se hizo su propio CV aquí como músico de sesión,  destacando sus diez años con Bunbury. Y sigue feliz por tierras aragonesas.

Mientras uno se pregunta qué hubiera sido de Purple Image de haber continuado. Miras a Funkadelic o Parliament y tienes una posible respuesta.
Número 1 en Wakanda.
J.J. IGLESIAS


Temas

Living In The Ghetto 6:32
Why 4:37
Lady 3:37
We Got To Pull Together 3:35
What You Do To Me 3:32
Marching To A Different Drummer 15:24




Nota: si te gusta el artículo compártelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en
                                                                                      


que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias
↧
↧

GRAND STAND : In The Middle Of The Edge (1998) & Tricks Of Time (2002)

October 11, 2018, 12:04 am
$
0
0
Otro grupo sueco para variar y no muy conocido realmente. Desde que el neoprog apareció a principios de los 80´s han sido muchas las bandas que se inspiraron en la música de Genesis.  Paradójicamente los de Collins y cía desde 1978 ya habían torcido el camino hacia lo insulso y lo popero sin embargo terminarían siendo la banda más imitada por la mayoría de jóvenes progres que de adolescentes los habían escuchado en algún momento de su vida y afortunadamente su influencia se basaba en los discos clásicos de la banda hasta el Wind & Wuthering. Este fenómeno fue comentado en su momento por el propio Mike Rutherford cuando fue preguntado por la irrupción de grupos como Marillion en 1983: “… bueno nosotros dejamos esa época atrás y les deseo lo mejor porque llegarán lejos”…y se quedó tan fresco. 


A partir de aquellos años la legión de imitadores de Genesis florecería por todos los rincones del planeta y Grand Stand sería uno de los muchos ejemplos. En un principio existía una banda formada en 1987 de nombre Marble Stands pero no grabarían hasta el 1998 con tan solo dos de sus miembros el teclista Olov Andersson y el batería Thomas Hurtig que cambiaron el nombre a Grand Stand. Estos dos tipos se encargarían de la grabación de “In The Middle Of The Edge” donde el peso de los teclados y la percusión lo ocupa todo en un trabajo completamente instrumental muy próximo a los pasajes genesianos exentos por completo de voz. En parte también algo de Camel encontramos en una escritura musical que se nos hace completamente familiar. Es un álbum fácil de escuchar y muy agradable lo que no implica que el teclista no lo haga con mucho gusto y clase, que ciertamente la tiene. El batería se complemente bien y el bajo parece creado por los propios teclados o al menos en los créditos no aparece ningún otro miembro en tal uso. Un interesante compendio de orquestación recae en piano, órgano y sintetizadores con una inclinación completamente melódica con estructuras que, si bien no sorprenden por su originalidad y tienden a ser previsibles, dejan una sensación de agradable bienestar en su escucha y afortunadamente no encontramos nada de artillería pesada.


 Los ocho cortes instrumentales recorren plácidamente 46 mtos de programa. Es un disco discreto, sin pirotecnias ni complicados entramados, pero dentro de su sencillez nos hace cómplices de una gentil escucha y está hecho con la suficiente destreza para que un sinfónico veterano los disfrute sin problemas. 


Pasan dos años y el teclista y el batería deciden que la banda debe aumentarse a cuarteto, algo completamente lógico por otra parte. Entran Göran Johnsson al bajo, voz solista y teclado adicional y Michael R. Jensen a las guitarras. Ahora son un grupo de sinfo-prog en toda regla y graban “Tricks Of Time” en el 2002. La música parte de las mismas influencias pero es planteada de otra forma. Si en el anterior podrían ser apuntes proclives a desarrollar, ahora son composiciones mejor perfiladas. Quizá el pequeño problema sean las voces, que si bien son muy correctas, no dan el empaque necesario que la música necesita. El eterno problema de las voces en el rock progresivo es que no son muchos los que destacan, bien sea por su originalidad o la calidad del mismo. Una buena voz en un grupo del estilo que sea es fundamental, aunque yo reconozco que soy mucho más proclive a la música instrumental de siempre. La voz la he considerado como algo accesorio y tiene que ser muy buena o muy especial para que me atraiga. Los textos en la música me han parecido siempre irrelevantes, me es completamente indiferente su “mensaje”. Me interesa el “timbre de voz y la sensibilidad melódica” no las gilipolleces poéticas, cursis, o surrealistas que se quieran decir. Cuanto más raro es el idioma en que se canta mejor porque nos libramos de entender ñoñerías. Zappa decía que todas las letras de las canciones a nivel general eran tontas, las suyas las primeras, en lo cual me reafirmo. La voz es un instrumento más.


 En este “Trucos del Tiempo” se han ido a composiciones de más trabajo y duración: “Jurassic Spark” deja que la guitarra solista nos recuerde a Hackett y a Latimer para asegurarse no defraudar a nadie porque evidentemente Genesis y Camel son sus dos pilares compositivos y lo hacen francamente bien hay que decirlo. Me gusta mucho el teclista Olov Andersson, tiene buenos dedos y la suficiente sensibilidad para no caer en los tópicos baratos del “neo-prog” y las melodías están bastante bien construidas con ese sonido nostálgico de los 70´s. Las composiciones son variadas con muchos cambios y el aspecto melódico general siempre presente. Hay muchos vuelos bonitos de sintetizador que yo agradezco sinceramente. “Waiting For Water” tiene una hermosa cadencia y una melodía afín a los Genesis más tiernos y melancólicos del “A Trick Of The Tail” o el “Wind & Wuthering” y a nadie le amarga un dulce. Se queda en tu memoria y hasta la canturreas porque es bonita sin más y para mí es más que suficiente. “Empty Barrels Rattle The Most” es un atractivo instrumental muy cinematográfico y descriptivo con tres diferentes estructuras que empalma muy bien con las formas del anterior disco incluido su épico final con una deslumbrante guitarra solista a la Hackett. La suite final: “Old Mans tale” con sus 16 mtos y siete secciones rubrica un hermoso trabajo que pasó sin pena ni gloria y quizás esta última pieza con la que cierran su historia sea probablemente el resumen de todo lo que hicieron, pero igualmente influido por sus queridos Genesis y algo ligeramente hacia esa rítmica algo Camel festiva y alegre que ni tan siquiera determinó lo que podría haber sido un siguiente paso discográfico y se quedó tan solo en un disco más de rock sinfónico a la usanza. Parece ser que continuaron tocando algún tiempo más y fin de la historia.
Alberto Torró








Nota: si te gusta el artículo compártelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en
                                                                                      





que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias
↧

CAPITOLO 6 - Frutti Per Kagua (1972)

October 12, 2018, 12:12 am
$
0
0
Otro disco y grupo raro de los inicios del RPI es este trabajo poco conocido de unos músicos procedentes de la Toscana y afincados en Roma. Los orígenes de esta banda datan de 1969 en la localidad de Viareggio y se llamaban Gli Eremiti e incluso en 1971 llegaron a telonear a Led Zeppelin en Roma. 



El cuarteto estuvo formado por Riccardo Bartolotti que tocaba flauta, guitarra y voz. Un teclista de nombre Antonio Favilla. Mauricio Romani al bajo y el batería y voz Lorenzo Donati. La característica de este grupo como muchos otros que conocieron los inicios progresivos, era que ninguno de ellos tenían una denominación de origen en ningún estilo de música concreto. Al principio de los 70´s las bandas improvisaban mucho y hacían “probatinas” con diferentes estilos, ya sea con el jazz, blues, rock, hard, psicodelia, folk y otros experimentos dependiendo de las sustancias que se consumían en cada momento y de la ingesta de alcohol. Es curioso que no había grupo hippioso que se precie sin una flauta. Lo de “perroflauta” vino muchas décadas después y en la España conservadora se utilizaba este término hasta hace muy poco y de forma ofensiva para definir al rastas inadaptado, o al antisistema radical, o al podemita rojeras o simplemente al guarrete “colgao” que vive en la calle del cuento y la picaresca sin dar golpe. Al margen de ésto la influencia de los primeros Tull se dejaba notar en esa época, aqualungs incluidos, claro que no todos tocaban con la clase, maestría y estilo de mister Ian Anderson y en tal caso la flauta puede ser el instrumento más aburrido del mundo. De hecho lo es, si se abusa de su sonido y no se emplea adecuadamente. Recuerdo casos patéticos de algunas bandas de kraut primitivas que con la excusa de la experimentación usaban tales instrumentos acústicos sin apenas saber tocarlos y no cito nombres conocidos. 

La influencia hippy llevó también a pensar en viejas civilizaciones que estuviesen muy vinculadas con la naturaleza y al parecer la temática de este disco “Frutti Per Kagua” se inspira en los indios norteamericanos como podemos apreciar en el dibujo de la portada. No era muy habitual en aquella  Italia encontrarte con largos temas en un LP ya que el título del disco dura 18 mtos y ocupa una cara entera en un estilo a medio camino entre el hard rock típico de aquellos años y la psicodelia tardía como se puede apreciar en una pieza muy lineal de típico cuelge  porrero con flauta deudora de unos primitivos Jehtro Tull muy enroquerizados y utilizando también en el desarrollo inicial un saxo desgarrado. Tras algún pasaje acústico hacia la mitad y alternándose la cosa se calma y la flauta va adornando con unos coros algo toscos a la Pink Floyd lenta incluido el solo de guitarra hasta la entrada del órgano en una dejadez espacial típica del estilo de los 70´s que ya se perfilará de forma creciente y acelerante. Una formula sencilla muy utilizada en los inicios progresivos hacia una forma de trance hipnótico. Se nota el paso del tiempo que aquello se grabó en 1972.



 La segunda cara es algo diferente y en el tema inicial parecen incluso un poco crimsonianos con uso algo tímido de sintetizador. La voz del cantante y los arreglos vocales fuerzan mucho lo dramático y se aprecia en los siguientes temas un uso de ambientes siniestros y algo teatrales con una rítmica muy parecía a aquella Carroza Di Hans de la PFM y algo de folk medieval cruzado con rock duro que por otra parte se sacó mucho partido de ello. Los 11 mtos de la L´Ultima Notte parten de esa mezcla entre lo pastoral y el trallazo hard de sus primeros días. Se ve bastante desfasado para mí gusto, pero a los amantes de lo “stoner” y primitivo les encantará porque muchas bandas de chavales de ahora buscan ese sonido psych tan antiguo. No sé lo que valdrá este raro vinilo si es que aún existe. Lo cierto es que Mellow Records lo reeditó en CD en 1994.
Alberto Torró




Temas
A Frutti Per Kagua 22:00
B1 Grande Spirito 3:35
B2 Il Tramonto Di Un Popolo 6:00
B3 L'Ultima Notte 11:28




Nota: si te gusta el artículo compártelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en
                                                                                      





que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias

↧
Search

ANGEL ONTALVA & VESPERO - Carta Marina (2018 / VMS)

October 13, 2018, 12:37 am
$
0
0
Puede que éste sea uno de los acontecimientos del año dentro de nuestro particular spanish mondo prog (habas contadas), aunque nadie se haya enterado. Angel Ontalva es el guitarrista de los inclasificables,  (R.I.O. por decir algo), October Equus. Banda que debería tener su propio sitio aquí en cualquier momento. Pero es que Angel ha unido fuerzas en ésta ocasión con los rusos Vespero. Una de las bandas más originales y atractivas de los últimos años, en cuanto a psych - space - kraut se refiere. El cómo y porqué de ésta alianza sólo puede deberse a que Internet hace de éste mundo un pueblecico donde todos nos conocemos. Aunque una entrevista con Ángel también nos daría respuestas.... Así que junto a él en las guitarras, tenemos a Arkady Fedotov (bajo sinte, ruidos), Iván Fedotov (batería,  percusión), Alexander Kuzovlev (guitarras, mandolina y mezclas), Alexei Klabukov (teclados) y Vitaly Borodin (violín y loops). Vaya artillería. 


El álbum viene inspirado por unos mapas marinos de 1539 en los países nórdicos. Pero también podría tratar sobre unas latas de sardinas en el fondo de una acequia. Porque esto es instrumental y abierto a la interpretación de la imaginación más fértil. 

"Carta Marina" (12'13) explora el universo en naves forjadas en hangares propiedad del Imperio Halcón. Inevitable recordar a Hawkwind con Simón House por el protagonista uso del violín. Injertese con fluidos crimsonianos de ADN Fripp, (gentileza de Ontalva, i suppose), y tenemos un algo maravillosamente abstracto y fuertemente aferrado al prog más  arriesgado de los 70. Excelente sección de ritmo, bases y espirales electrónicas del más allá y mucha concentración Head en el ambiente. Densidad casi agobiante, aunque felizmente respirable e inspiradora. Como si en los entremeses te ponen de primeras, un plato de judías con oreja.


"Sea Orm" (7'37) me lleva a aquellos alegres e inesperados días de la nueva psicodelia británica 90s. Con sus Ozric Tentacles, unos desconocidos Porcupine Tree,  y toda la factoría del sello Delerium : Soma, Dead Flowers, Mandragora, Kava Kava, Omnia Opera, Electric Orange.....El tema es bastante guitarrero, con melodía de dramatismo casi mendelssohniano, y superlativo acompañamiento de la tropa. Es ésta, música improvisada? Pues que quieren que les diga, me deja en duda. Lo parece..... y a ratos suena perfectamente estructurada y compuesta. Puede que esté la cosa a medias entre ambas perspectivas.

"Giant Lobster Between the Orkneys and the Hebrides" (6'49) posee un clima muy fílmico,  casi a lo John Carpenter en su comienzo. Desarrollado con precisa mandolina solista, crea un ambiente entre romántico y misterioso al que se le suma una guitarra que agradaría a los seguidores de Richard Pinhas / Heldon,  en un entorno de constante metamorfosis. Precisa de reiteradas escuchas,  si quieres quedarte con todos los detalles. Y eso es una muy buena señal.

"Ínsula Magnética" (8'55) nos traslada a parajes floydianos, aunque particularmente me recuerdan a una soberbia banda americana de los 90 llamada Land's End.


Paisajes fotográficos - mentales - escapistas nos sugiere "Sledges Crossing the Gulf of Bothnia" (6'47) , donde la mandolina agrega un componente acústico acusado que se equilibra con la "frippeante" guitarra, en múltiples cromatismos sonoros, de sobresaliente violín y teclado.

"Horrenda Charybdis Near Lofoten" (8'11) arranca con motor percusivo acelerado a la "Fast & Furious", y sobre ésa alfombra de clavos de fakir,  es construida una Torre de Babel sónica que transmite emociones vividas con monstruosos nombres de la historia, necesariamente conectados. Mahavishnu Orchestra, Frank Zappa, Steve Vai o Jean-Luc Ponty.

 La final "Ziphius" (10'04), con su sangre motorik homenajeando a Can, convence al más escéptico de que estamos ante uno de los discos del año, (que no saldrá en ninguna lista porque no es de Inside Out ). Una explosión inacabable de ideas desprovista de tonterías hype, indie, alt, post y demás parches que sólo encubren mediocridades. Este disco está hecho con convicción. Y desde el corazón de unos enamorados de la VERDADERA corriente de vanguardia progresiva.


Recomiendo la discografía de Ángel Ontalva tanto en solitario (no es su primera colaboración internacional), como con October Equus, (con una decena de álbumes en línea KC, Present o Univers Zero). Así como los de los indispensables Vespero  (otra decena de sabrosos sueños imposibles). Acaban de editar "Hollow Moon", por cierto.
......Hasta en Rusia se enteran mejor que nosotros de nuestros más imaginativos músicos. 
J.J. IGLESIAS



Temas
1.
Carta Marina 00:00 
2.
Sea Orm  12:13
3.
Giant Lobster Between the Orkneys and the Hebrides   19:48
4.
Insula Magnetica  26:35
5.
Sledges Crossing the Gulf of Bothnia 35:26
6.
Horrenda Charybdis Near Lofoten   42:11
7.
Ziphius   50:20



Contacto

Ángel Ontalva :

Vespero:




Nota: si te gusta el artículo compártelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en
                                                                                      




que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias

↧

JOURNEY - Live Texas Jam 1978

October 14, 2018, 12:53 am
$
0
0
Journey fue todo un referente de la música que se hacía en Estados Unidos en la década de los ochenta. Sus orígenes se remontan a principios de los 70 y se ha mantenido con diversos parones y múltiples cambios en su formación hasta nuestros días.



En 1978 la banda ya tenía editados tres discos: "Journey" (1975), "Look into the Future" (1976) y "Next" (1977). Ese mismo año publicarían "Infinity" con su nuevo cantante Steve Perry que se había incorporado a la formación un año antes. Ese disco fue el punto de inflexión en su carrera, las ventas se multiplicaron y sus actuaciones se convirtieron en multitudinarias.


La grabación nos traslada al concierto de Journey en el Cotton Bowl de Dallas en Texas el 1 de Julio de 1978. En ese momento la banda estaba integrada por Steve Perry (voz), Neal Schon (guitarra), Gregg Rolie (teclados, guitarra, voz), Ross Valory (bajo,voz) y Aynsley Dunbar (batería). El "setlist" está compuesto mayoritariamente por temas del "Infinity" ( La Do Da, Feeling that Way, Anytime, Winds of March, Wheel in the Sky, Lights).  Una composición del "Next" (Next"), dos del "Look into the Future" (On A Saturday Night, She Makes Me (Feel Alright)). En cuanto a la música buen rock americano donde Neal Schon está que se sale. También podemos escuchar el solo de batería de Anysley Dunbar en "Wheel in the sky". El sonido es bastante bueno con la salvedad de los dos primeros temas (hasta el minuto 04:56) en los que casi no percibimos ni la voz ni la guitarra. Deplorable el radical corte del bis "Lights".
J.C.Miñana



Temas
1 Introduction 00:00 
02 La Do Da  00:28 
03 Next  03:20 
04 Feeling That Way  08:45
05 Anytime  12:06 
06 On A Saturday Night   16:16 
07 Winds Of March 22:50 
08 She Makes Me (Feel Alright) 28:29 
09 Wheel In The Sky (Incl. Drum Solo) 32:54  
10 Lights (cut) 43:32 





Nota: si te gusta el artículo compártelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en
                                                                                      




que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias
↧
↧

JOHN CARPENTER - Lost Themes (2015 / SACRED BONES)

October 15, 2018, 12:10 am
$
0
0
Tres razones de peso para traer por aquí al director de cine de terror / Sci fi,  pero también músico y sintetista, John Carpenter. 1) Porque ya tocaba. 2) Porque éste mes se celebra ésa tradición chorras yanqui, que tanto gusta también por aquí,  llamada Halloween. 3) Porque se va a estrenar por enésima vez un reboot de dicha peli de miedo, pionera del género slasher en los 70.


Resulta difícil de creer que éste "Lost Themes" sea el primer álbum de Carpenter, propiamente dicho. Después de musicar todas sus películas desde los 70, con algunas de las melodías más iconicas del cine de miedo. Recuérdese además de "Halloween" (78), "Assault on Precint 13" (76), "Escape from New York" (81) o "The Thing" (82), (a medias con Ennio Morricone),  por nombrar unas pocas. En realidad,  detrás de "Lost Themes" hay toda una vasta discografía de scores pertenecientes a sus numerosas películas. Pero es éste "debut", su primer disco "sin imágenes". Aunque su audición fomenta la imaginación del oyente para que se las ponga a las mil maravillas. Se acompaña por su hijo, Cody Carpenter, y su ahijado, Daniel Davies. Asunto de familia. Y entre familia saben perfectamente lo que buscan. No sé si sería justo llamar a esto "Retro Synth Wave", porque casi fue el propio Carpenter su inventor. Lo dejaremos ahí. ....

"Vortex" (4'45) tiene ese aire 80s de ciudad nocturna mojada,  con el reflejo en el suelo de los neones amenazadores......La música de Carpenter, no lo puede evitar ni quiere,  es profundamente fílmica. Y además,  mola. Comparaciones con los Tangerine Dream ochenteros son inevitables. Aunque primordialmente,  esto suena a el,  que es de lo que se trata.

"Obsidian" (8'24)  es el más extenso de ésta engañosa ópera prima, y que excita la mente en descriptivos pasajes de perfecto carácter electronic - prog, casi sinfónico en ocasiones. Aproximaciones a Goblin son claras, y la influencia de Claudio Simonetti creo que ha sido recíproca,  a lo largo de los años. Eso lo hace un material de seriedad incontestable. 

Siguiendo con los títulos de una sola palabra, "Fallen" (4'43) despide su olorcillo a zombie recalentado, a road movie post-apocalíptica o a batalla interestelar contra vampiros de Marte. La elección de sonidos tira más bien a los primeros 80, cuando lo analógico y digital todavía cohabitaban pacíficamente. 


"Domain" (6'33) incluye conveniente actualización,  seguramente propiciada por los acompañantes más jóvenes. Esto podría estar en un repertorio de los Zombi, Carpenter Brut o Perturbator. No olvidemos que hablamos del "padre de la criatura" sonora, así que un respeto.

"Mystery" (4'36) es el prototipo de "música de créditos" para ésta peli imaginaria. Con excelente parte final secuenciada. "Abyss" (6'07) también tiene su gancho, con adornos rockeros no siempre dependientes de la teclistica. Baterías,  guitarras y bajos tienen su sitio en éste álbum.  

Astuta secuenciación y ambientes nos trae "Wraith" (4'30), la cual estaría perfecta en los "nuevos" Tangerine Dream. 

"Purgatory" (4'36) es música sacra del siglo XXI. Al menos produce el mismo efecto introspectivo. .....para dar un brusco cambio a la mitad, y terminar en modo muy berlinés.

 "Night" (3'38) finaliza con más sonidos nocturnos amenazantes, fondo perfecto para el psicópata de turno. Echo de menos éste tipo de música en las películas actuales, plagadas de aprendices de Wagner, o peroratas hip hop de brasa inaguantable. Forman parte de varias generaciones, y por supuesto que tienen su público,  afortunadamente  (ahí tenemos la banda sonora de la serie "Stranger Things", por ejemplo).


John Carpenter no ha perdido el pulso de su música. Compruebese en su siguiente entrega del 2016, "Lost Themes II" (ahora con los títulos compuestos de dos palabras). Tan inmortal como su propio personaje,  Michael Myers. .......majo chaval.
J.J. IGLESIAS



Temas
0:00 - Vortex
4:43 - Obsidian
13:09 - Fallen
17:52 - Domain
24:25 - Mystery
29:01 - Abyss
35:08 - Wraith
39:38 - Purgatory
44:17 - Night









Nota: si te gusta el artículo compártelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en






que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias

↧

PRE - Pre 1973

October 16, 2018, 12:00 am
$
0
0
Estamos nuevamente ante una grabación que se perdió en el tiempo y que muchos años después fue recuperada, en concreto en 1994. Rock progresivo hecho en 1973 de muy alta calidad.


El grupo se formó en enero de 1973 en Kentucky y tan sólo tuvo un recorrido de apenas 12 meses escasos ya que desaparecieron en diciembre de ese mismo año. La banda estaba integrada por Alfred Collinsworth (guitarra acústica, voces), Larry Collinsworth (guitarras), Brian Paulson ( teclados), Steve DeMoss (bajo, glockenspiel) y Dwight Dunlap (batería). Poco más que aportar.


Este es el primer y único disco de la banda estadounidense PRE. Se grabó en 1973 pero no vio la luz hasta 1994. El sonido que desprende es rock progresivo en la línea de los grupos que mas éxito tenían en aquel momento. Las referencias a YES son muy claras con temas como "Ascetic Eros" y "Ballet For A Blind Man", dos largas suites con sus correspondientes "partes" donde la cercanía al grupo británico son mas que evidentes. Puestos a comparar la voz de su cantante Alfred Collinsworth nos podría recordar a la de Jon Anderson. En cuanto al nivel instrumental lo podemos considerar como muy alto. En definitiva tenemos casi una hora de buen rock progresivo clásico.
J.C.Miñana



Temas
1 Path 00:00 
2 Who's Laughing Now 01:36 
3 Water Meeting 05:11 
4 Bowing Down 10:41 
Ascetic Eros 14:20
5.1 A. Ascetic Eros
5.2 B. Hymn Of Transfiguration
6 Firmer Hand  25:40 
7 Child Of Sorrow 34:47 
Ballet For A Blind Man 38:30
8.2 A. Fileds Of Darkness
8.3 B. Is It You Who's Caught The Blues?
8.3 C. Must Have Been Ten Years




Nota: si te gusta el artículo compártelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en
                                                                                      





que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias
↧

PLACEBO - Placebo (1974 / HARVEST)

October 17, 2018, 4:15 am
$
0
0
Te aburres una tarde cualquiera, (no suelo aburrirme, más bien me da "el mono" ), y salgo de caza vinílica. Soy de la vieja escuela, no lo puedo remediar. Me gusta visitar los cada vez más numerosos rincones donde venden vinilos, (bendita moda, para los que llevamos toda la vida haciéndolo! ). Todavía no me ha podido el gélido acto de comprar a golpe de click de ratón. Eso ya lo hice hace años, y se llamaba venta por correspondencia. El hecho de salir a ver qué se encuentra uno por ahí  (o no), tiene su morbo, al menos para el que escribe. Me gusta patearme tugurios,  pseudo-tiendas, anticuarios o basureros varios, con el plus de surrealismo que conlleva hacerlo en pleno siglo XXI. No me acostumbro a "estar de moda", qué quieren que les diga. En busca de ése disco curioso , raro, que no tiene porqué ser un Grial multipasta. ......y si lo es, pero se trata de una reedición,  pues tampoco le hago ascos. Porque éste en particular,  que fue la pieza cazada ésa tarde, ya es una rareza. Reeditado por Music On Vinyl en 2014, (creo que lo vuelven a poner en circulación éste año en vinilo blanco ), sólo fue para su país de origen, Bélgica. El tercer homónimo-pero-último-álbum de Placebo suele estar entre los 300 y 500 pavos, en su edición original Harvest. No confundir con los comeyogures británicos de los 90. Éstos eran belgas y una multiformacion jazz progger de primer orden.


Liderados por el teclista Marc Moulin, un veterano ya de la escena jazz de los 60, editaron tres soberbios discos a saber : "Balls of Eyes" (1971 / CBS), "Placebo 1973" (1973 / CBS) y éste último para la prestigiosa Harvest. Por ello, quizá el más progresivo , aunque en mi opinión  todos tienen su interés.  El resto del grupo eran, por la parte sopladora,  Nicolas Fissette (trompeta), Richard Rousselet (trompeta eléctrica y fliscorno), y Alex Scorier (saxos,  flauta y acordeón). En el grupo rock convencional completaban Francis Weyer  (guitarra), Yvan De Souter (bajo), García Morales (batería) y J. P. Oenraedt (Percussion). Con invitado estelar en la persona del sensacional Philip Catherine (guitarra). Si, el mismo que sustituiría a Jan Akkerman en Focus.

Eran días de mucha competencia incluso en su país,  con Waterloo, Kandahar, Plus (algunos miembros terminarían en Placebo), Lagger Blues Machine, Arkham, Cos, Pazop, Shampoo, Womega o Mad Curry tomando posiciones en la liguilla progresiva belga. Curiosamente,  casi todos con instrumentos de viento incluidos. Aunque la mayor influencia de Placebo era el Miles Davis del "Bitches Brew", o directamente Nucleus y el búnker de Canterbury.

En su inicio, "N. W." (6'38) parece la banda sonora de una peli policíaca,  con la insuperable acústica de Catherine haciendo virguerías,  un bajo que es el rey del groove  (y el mambo), y la muralla brass contestando. El Fender Rhodes de Moulin pone orden, y la cosa se va por parámetros Soft Machine de aquellos días. Original y con su cosa.

 "Plotseling" (7'37) ya tiene un feel canterburyano acusado. Pletórico Rhodes, guitarra saturada a la Phil Miller,  flautica a lo Jimmy Hastings......Hatfield "y el Norte" tienen un gran significado en ésta pieza. Que va creciendo en intensidad a cada vuelta, hasta derramar todo el líquido percusivo en un mar de esencias Canterbury sencillamente deliciosas. 

Algo que no se pierde en "Bosso" (3'20) ni en "Dag Madam Merci" (3'10). La primera con una sucesión de solos entusiasmantes al sinte, guitarra y flauta, con símiles a nuestros Música Urbana. La segunda vuelve a la sobriedad elegante de Soft Machine, con un fondo funk-jazz sobradamente atractivo.


La cara B abre con la fílmica "Hop Hop" (4'32), de hecho éste álbum tiene cierto "olor a rancio" de Library Music, porque sus surcos pueden adornar cualquier peli de acción de los 70 (Tarantino, atención !!!).

"Tanga" (3'33) no creo que se refiera a la microscópica prenda interior, sino más bien a algún recuerdo argentino. El acordeón resuelve en tono porteño con nostálgico flavour, en pugna con un respondon sintetizador. Y aún hay más,  en poco más de tres minutos. Placebo derrochaban ideas. 

"Stomp" (7'35) se inicia con emersoniano moog, bajo a la Hugh Hopper y batería estilo John Marshall. De nuevo creando un bello groove melódico en denso ambiente jazz progger. Marc Moulin brilla a los sintetizadores, en saludable conversación con las trompetas, algo realmente estupendo. 

Por último "S. U. S." (4'22) cierra este formidable álbum con más esencias divididas entre ambiente "cutre-lux" de boite 70s y teclados a la Bardens / Sinclair.

Marc Moulin editó al año siguiente otra joya a su nombre, "Sam Suffy" (1975 / CBS), de nuevo con Catherine en las guitarras. En el 99 se editó el recopilatorio  "Placebo Sessions 71 - 74", único material del grupo en formato cd.
Merece la pena callejear y ensuciarse las manos si te cae material de éste calibre, vaya que sí......
J.J. IGLESIAS



Temas

A1 N.W. 6:38
A2 Plotseling 7:37
A3 Bosso 3:20
A4 Dag Madam Merci 3:10
B1 Hop Hop 4:32
B2 Tanga 3:33
B3 Stomp 7:35
B4 S.U.S. 4:22




Nota: si te gusta el artículo compártelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en
                                                                                      


que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias
↧
Viewing all 3194 articles
Browse latest View live
Search