ROCK LIQUIAS

The Electric Buffalo es un grupo asturiano que lleva más de diez años en la carretera. De momento han editado dos discos "Hidin' from the Butcher" (2009) y "Keepin' it warm" (2016). Nos pusimos en contacto con su guitarrista, Alvaro Bárcena, para que nos hablará de la banda y de sus experiencias.

Rockliquias.-¿Cómo surgió el nombre del grupo?

En nuestro comienzos de trío sonábamos muy crudo y bromeábamos con que parecía un búfalo desbocao, así que al final nos decidimos por ese nombre.

Rockliquias.- ¿Cuando se formó la banda y cómo fueron vuestros comienzos?

La banda se formó allá por el 2007. Ya llevábamos tocando muchos años, cada uno en un montón de proyectos, pero nos apeteció juntarnos para hacer la música que más nos gustaba en nuestros ratos libres y crear nuestros propios temas. Siempre fuimos conscientes de la nula salida o repercusión que tendríamos, pero nos apetecía hacerlo, es con grupos así con lo que mantienes viva la llama del amor por lo que haces.

Rockliquias.- ¿Teníais o tenéis proyectos alternativos?

Teníamos y tenemos. Jandro, en paz descanse, estaba en Ilegales y ejercía de técnico de sonido por ahí. Wilón y yo estábamos en mil grupos (Amon Ra, Mc Coyson, Los Ministros, Los Bruscos…etc) e incluso coincidíamos en algunos.

Ahora de bajista tenemos a Sergio Tutu y recientemente metimos un teclista cojonudo, Sam Rodriguez, que le da un toque fantástico a la banda. cada uno también con sus proyectos paralelos. Todos nos dedicamos a la música y aledaños, y como es sabido, es imposible sobrevivir si no estás metido en un montonazo de grupos, y aún así….

Rockliquias.- ¿Cuáles son vuestras influencias?

Pues en general toda la música americana y anglosajona, desde Allman brothers o Lynrd Skynrd o Molly Hatchet hasta Neil Young, Steve Earle o Lucinda Wiliams.

Rockliquias.- En 2009 editáis vuestro primer disco, "Hidin' from the Butcher", un gran comienzo ¿Nos podéis dar detalles de la grabación?

La grabación se hizo casi como un favor personal de nuestro querido productor Dani Sevillano. Lo hicimos todo en 3 tardes, porque no había tiempo a más. Unos meses más adelante incluimos algún tema más y ya decidimos publicarlo.

Falta producción y falta de todo, pero es un disco muy escuchable.

Rockliquias.- ¿Cómo fue la transición hasta la edición de vuestro segundo disco?

Pues como te decía, nos fuimos dedicando a ratos. Siempre andábamos muy liados todos, así que el hecho de no ser un grupo prioritario para nosotros hacía que pasásemos meses y meses incluso sin vernos. Esto derivó en que tardamos cerca de 7 años en sacar el segundo, claro. Pero bueno, insisto que ya desde la formación inicial esa era la filosofía, mantener un grupo de mero placer, sin prisas ni agobios ni pretensiones de ningún tipo.

Rockliquias.- En 2016 llega "Keepin' it warm", ¿Nos podéis dar detalles de la grabación, producción y de los colaboradores que participan en el proyecto?

Este lo grabamos con un poco más de tiempo, aunque tampoco hubo mucha preproducción ni preparación. Tiramos gran parte de instrumentos en directo y luego añadimos voces y guitarras. Suele pasar que dentro de este estilo de música nos aborrezca un poco el estudio. Da la impresión de que siempre se pierde fuerza en comparación con el directo, así que huímos un poco de pasar mucho tiempo en la pecera, jeje.

Lo grabamos parte en nuestro local de ensayo y parte en los estudios Distrito Federal de Oviedo.

Las colaboraciones las hicieron grandes amigos nuestros y enormes músicos como Ángel Ruiz al banjo y José Ramón feto a los teclados.

Rockliquias.- ¿Cómo ha sido la evolución musical de la banda?

La evolución ha sido más en cuanto a sonido que a estilo. Ahora sonamos más reposados, menos crudos. Tendemos a hacer temas más "redondos"

Supongo que solo es que somos más mayores…jeje

Rockliquias.- La muerte de vuestro bajista Alejandro Espina supuso un duro golpe para la banda, la decisión de seguir sería difícil

Fue un golpe durísimo, por supuesto. Y además la noticia vino 2 semanas antes de presentar en directo el segundo disco. Un horror. Lo queríamos mucho y era un gran tipo y un grandísimo amigo.

Decidimos presentar el disco de todas formas, con la ayuda de un montón de bajistas asturianos que nos echaron un cable en el concierto (fue algo muy emotivo, la verdad) y utilizaron el equipo y el bajo de Jandro. Decidimos hacerlo porque nos imaginamos a Jandro dándonos una colleja pa que lo hiciéramos, tanto el concierto como seguir adelante con la banda.

Así que aquí seguimos.

Rockliquias. - ¿Cómo ha ido la promoción y los conciertos ?

Hemos tocado algo, pero no demasiado. Como te decía antes, llevamos este grupo a un nivel muy relajado. Nos permitimos el lujo de tocar donde nos apetezca. No es la mejor estrategia de márketing, supongo, pero es lo que queremos hacer y, de momento, mantener.

También gracias a esa política, los conciertos los disfrutamos mucho y lo damos todo, así que siempre han ido muy bien todos los que hemos ofrecido.

Rockliquias.- Supongo que estaréis componiendo nuevos temas ¿Para cuando un nuevo disco?

Pues si, tenemos ya unos cuantos temas frescos en la guantera, pero bueno, tenemos que sacar tiempo para montarlos mínimamente bien. Yo espero poder sacar disco para este 2019, pero todo depende del tiempo que dispongamos entre todos. Haremos lo posible para que sea así.

Rockliquias.- ¿Cómo está el ambiente musical por Asturias?

Supongo que como en todos los lados. Mucho grupo de versiones en los bares y tributos (lógico, por otro lao, que los músicos tenemos la mala costumbre de comer 3 veces al día y esas cosas) y pocas alternativas para los grupos de canciones propias. Soy bastante pesimista con el futuro del rock, ya hace tiempo que está muerto, o al menos muerto en comparación a lo que era antes. Supongo que siempre quedará ahí y siempre habrá algún grupo haciendo canciones, pero ya a un nivel de minorías. Tampoco es cuestión de venirse abajo, sino de acomodarse a la nueva realidad como podamos.

Rockliquias.- ¿Qué le diríais a nuestros lectores para que se compraran el Cd y fueran a vuestros conciertos ?

Si os gusta el rock de raíz americana y "bluesy" venid! Pero no solo por eso, sino porque somos cuatro tipos que lo entregamos todo en directo y el que sepa de música en directo sabe que eso es lo que cuenta.

Salud!

Contacto

Facebook: https://www.facebook.com/TheElectricBuffalo/

Bandcamp: https://theelectricbuffalo.bandcamp.com/

Youtube: https://www.youtube.com/channel/UCC_OWsf2KccjMZGggvRCmWg

P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en esta sección puede ponerse en contacto con nosotros : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70

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Vivir bajo la sombra del éxito de su hermano James Taylor fue muy duro e injusto para la valía de Alex, pero consiguió abrirse camino aunque le fuera la vida en ello. Músico olvidado que Rockliquias quiere recordarlo en su mejor momento y en donde más disfrutaba, en concierto.

Alex Taylor nace en 1947 en Boston, hermano de James, Livingston, Hugh y Kate. A los 24 años ficha por Capricorn y graba su primer disco, "With Friends and Neighbors (1971)". Su segundo disco para esta compañía llega al año siguiente, "Dinnertime". Dada su pequeña repercusión tiene que cambiar de discográfica, Dunhill Records, con la que graba "Third for Music"(1974), nunca fue editado. Pasan cinco años hasta que consigue grabar "Voodoo in me" (1989), siendo su última producción "Dancing with the Devil" (1991). Fruto de su alcoholismo muere de un ataque al corazón el 12 de Marzo de 1993.

Estamos ante una verdadera "Rockliquia", se trata de un concierto de Alex Taylor & Friends and Neighbours celebrado el 2 de Diciembre de 1972 en el Memorial Coliseum de Auburn, Alabama. Ese día actuaban como teloneros de los Allman Brothers. La banda que acompaña a Alex es un auténtico lujazo: Chuck Leavell al piano (Allman Brothers, Sea Level, Rolling Stones, etc), Paul Hornsby al órgano (Hour Glass, productor de gente como Charlie Daniels Band , The Marshall Tucker Band y Wet Willie), Charlie Hayward al bajo (The Charlie Daniels band), Bill Steward y Lou Moullenix a la batería , Jimmy Nalls a la guitarra (Sea Level) y Speedo a la percusión. En cuanto al "setlist" tenemos el clásico "I Don´t Need No Doctor " en versión sureña, "Who´s Been Talking?" ((Howlin' Wolf), "Payday" (Jesse Winchester) y "Who Will the Next Fool Be?" (Charlie Rich) de su segundo disco "Dinnertime, "When This Battle is Over" (popularizada por Delaney & Bonnie), "Good Morning Miss Brown" (Taj Mahal), el blues "You're Gonna Need Me", "From a Buick 6" (Bob Dylan), "Night Owl" de su hermano James Taylor y finalizan con otro clásico ""Going Down" (Freddie King). En definitiva una gran noche de buen rock sureño con toques blues y soul. Sonido excelente.

J.C. Miñana

Temas

01 I Don´t Need No Doctor 00:00

02 Who´s Been Talking? 05:02

03 When This Battle is Over 09:57

04 Good Morning Miss Brown 14:11

05 You're Gonna Need Me 18:40

06 From a Buick Six 23:15

07 Night Owl 27:41

08 Payday 31:50

09 Who Will the Next Fool Be? 37:10

10 Going Down 42:30

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El que yo le tenga particular ojeriza a ésta mujer, se debe mayormente al cansino bombardeo al que fui sometido por sus músicas durante los 80, casi al nivel del MK - ULTRA. Que me aspen si aquella soporífera moda de la New Age no estaba a su altura destroza-psiques. Y pensar que debía sus raices a la mejor etapa mística de la electrónica 70s......Que es que no salió ya nada a derechas, oiga. Porque cuando no fueron los somniferos auditivos, (deberían haber sido administrados por supositorio vía anal, para el típico palurdo que siempre te suelta lo de "pa gustos"....). Al que se apuntó Wakeman, Vangelis, Greenslade, Oldfield y el Tato, fueron los tecno-zumbaos, los acid Pacopiles y demás makina - (baja) mata neuronas. Paradójicamente, un producto orientado para los que más faltos estaban de ellas.

Bien, justo será reconocer que ésta venerable sintetista italo - americana, (72 años y en activo), fue otra pionera dentro del asunto más serio. De formación clásica y licenciada en Berkeley, será aquí donde conozca al diseñador electrónico Don Buchla. Inventor del célebre sintetizador modular, y rival directo en la escalada analógica FM, de Robert Moog. En 1974, Ciani comienza una exitosa carrera como hacedora de jingles y scores varios para anuncios de tv. Desde General Electric hasta Coca-Cola, (con éstos se forro en una serie de anuncios con musiquitas electronic -efervescentes), fueron algunos de sus clientes más pastosos. Todo iba interpretado al Buchla, instrumento en el que por éste tiempo, era una experta. En los finales 70 entra en el floreciente nuevo negocio de los video games y tragaperras en general. La voz del pinball game "Xenon", pertenecía a ella. En 1977 le proporciona a Meco algunos sonidos y efectos para su versión Disco de Star Wars, mega - hit del momento.

Suzanne Ciani se mete en otro lucrativo territorio, el de las bandas sonoras para cine y tv. Como podemos comprobar, lo suyo es la rentabilidad del instrumento. Vamos, que no pierde puntada, la tía. Así que en el 82 se apunta uno de los primeros tantos, en ésa cosa nueva que nos iba a salvar ésta vida y la próxima, llamada New Age. "Seven Waves" (1982), "The Velocity of Love" (1986), "Neverland" (1988) o " History of my Heart" (1989) ponían música de fondo a los yuppies ochenteros, mientras hacían yoga / meditación trascendental / follaban, con la nariz bien empolvada y éxtasis mariano. La Ciani, suma y sigue en su abominable plan de adormecer el planeta, con la idea de la dominación y sumisión borreguil, por medio de digitalismos sonicos e infrasonidos pijos. Una malvada estrategia que no se le ocurriría ni al mismísimo Thanos.

En el 2016 es premiada con el Moog Music Innovative Award, en el MoogFest. Sacrilegio, en mi opinión. Vuelve a acordarse del Modular Buchla, desempolvándolo y dándole cera para muebles para que luzca de nuevo. Que su fino olfato comercial le ha avisado de que ahora se llaman hipsters los de la nariz empolvada que follan, y que adoran lo analógico, que es más cool, tía. Y claro, vuelve a sacar un disco con el armatoste ese que tenia olvidado, titulado "Sunergy", junto a Kaitlyn Aurelia Smith. Y como los barbudos esos dicen que el vinilo es lo que mola mazo ahora, pues edita ""Kamran V" (2016) en "Live Quadraphonic", desde San Francisco. La edición será el primer lanzamiento quadraphonico en vinilo, en 30 años. Faltaría más. Y para que conste en acta que fue de las primeras en éstas lides ,(sin necesidad de cambiarse el sexo), pone en circulación un pedazo de testimonio que, curiosidades de la vida, no se le había ocurrido antes editar. Porque "Buchla Concerts - 1975" demuestra de lo que era capaz ésta señora con el modular de marras, y lo bien que se desenvolvia en territorios experimentales. Tan sólo dos piezas incluidas : "Concert at WBAI Free Music Store" (19'49) y "Concert at Phil Niblock's Loft" (20'00). Suficiente para comprobar que, de haberse dedicado al asunto serio, era una sintetista más que cualificada.

Al margen de su influencia de Morton Subotnick, aquí hay recuerdos, sombras, guiños y pasajes dignos de cualquier grande del tema : De Vangelis a Tangerine Dream. Y de Schulze a Jarre. Por nombrar algunos de los exitosos, que también gozaron del gran dolar, sin tener que comprometer su honradez musical. El disco es cien por cien recomendable, y de extraordinario carácter improv-creativo. Así que al final del mismo, da un poco de penita saber que la Coca - Cola nos privó de una tremenda artista del gremio electrónico. Al menos como pionera, sí que se portó. Es lo que hay.

J.J. IGLESIAS

Temas

Concert At WBAI Free Music Store 19:49

Concert At Phil Niblock’s Loft 20:00

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El nombre de esta grupo hace referencia al condado de Iowa donde se formó. El grupo se movió durante tres años por la zona de la bahía de San Francisco al amparo de bandas como The Grateful Dead, Country Joe and the Fish, Big Brother y The Holding Company.

La banda se forma en 1967 teniendo en sus filas a Stephen Miller (órgano, voz), Larry Easter (saxo, flauta), Bob Miskimen (bajo), Fred Walk (guitarra), Jerry McAndrew (batería).En el 68 firma con Mercury Records por 50.000 $ y se trasladan a San Francisco. Ese año graban su primer disco, "Proud Flesh", sin la participación de Miskimen que había sido sustituido por Dino Long (bajo). Realizan una gira abriendo para Albert King , Led Zeppelin , Sly & the Family Stone , Eric Burdon & the Animals y Ten Years After En 1969 editan "Fever Shot" y al poco tiempo McAndrew se va y entra en su lugar Clark Pierson (batería). Su último disco llega en 1970, "Till The Break Of Dawn". Clark Pierson se une a la banda de Janis Joplin y Steve Miller hace lo propio con la de Elvin Bishop. El grupo desaparece definitivamente en 1973.

Este segundo disco de Linn County nos ofrece una gran cantidad de psicodelia, con toques blues y jazz. El disco se inicia con "Girl Can't Help It"con un buen "groove" se mueve por la psicodelia con una poderosa voz a cargo de Stephen Miller y un gran sólo de Fred Walk a la guitarra. El segundo tema, "Girl Can't Help It", versión del tema de Sonny Boy Williamson, transita por los caminos del blues. "Girl Can't Help It" una composición de poco más de dos minutos con ambiente de la bahía. "Suspended" comienza con una especie de marcha militar creando un sonido a lo bolero de Ravel. Gran sólo de órgano. El tema que da título al disco, "Fever Shot, tiene como protagonista el saxo de Larry Easter y una gran entrada de la guitarra de Walk creando una atmósfera a lo Procol Harum o incluso The Moody Blues. Sin duda la mejor composición de la grabación es "Lonely Avenue", entre el blues y el jazz recordando a Colosseum, relajado pero intenso. Finalizan con otra versión de Williamson, "Ground Hog Blues", por supuesto blues.

J.C. Miñana

Temas

A1 Girl Can't Help It 00:00

A2 Elevator Woman 04:11

A3 Too Far Gone 08:17

A4 Suspended 10:57

B1 Fever Shot 19:15

B2 Lonely Avenue 25:30

B3 Ground Hog Blues 32:52

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Que una biblia del género sobre rock argentino 70s como "The Magic Land", (Marcelo Camerlo , Madrid, 1998), ignorara éste disco, dice mucho sobre la hiper - rareza a la que nos enfrentamos. En Discogs te ofrecen cuatro copias en todo el mundo, y el más barato está a 200 boniatos. Esto último no es garantía de nada, más que de su rareza. Pero mire "uste" por donde, en ésta ocasión sí que es un puñetero santo grial. Porque esto es una maravilla lo mires por donde lo mires.

Eternidad fue el típico grupo argentino de sinfo -prog, con todas sus virtudes y ningún defecto. Bueno, esto último siempre hay algún hater ocioso que se encarga de buscar las cosquillas. Pero si te van los Espíritu, Crucis, Alas, Ave Rock, Arco Iris, Aquelarre, Bubu, Raúl Porchetto, Litto Nebbia, La Máquina de Hacer Pájaros, Soluna o Síntesis , Eternidad deberían estar en ésa pequeña lista que me salió al voleo, SÍ o SÍ. Nunca mejor dicho. Pero me da a mi que en 1977, "asha" estaban tan abducidos por la punkarrada londinense como aquí. Y claro, a quién se le ocurre editar ese año ésta maravillosa mariconada, y más en un micro - sello. Lástima, porque escuchado hoy, en frío, resulta una pequeña joya al nivel de cualquier grande de aquella escena, llena de genios. Que hasta ellos fueron incomprendidos. O saboteados. Díganme porqué NADIE sabe nada sobre rock argentino en España. Me refiero a los VERDADERAMENTE GRANDES. No a esos que estás pensando, que no, boludo. Siempre me olio mal la tostada.

Eternidad no duró más que un año aproximado. Un año eterno. O un eterno recuerdo para el grupo. Que estaba formado por Daniel Méndez (guitarras, armónica, voz), Roberto Méndez (guitarras, laúd, voz), Claudio Pedra (Piano, Fender Rhodes, synth, Hammond organ), Robi Massarotto (bajo, voz) y Luis Yanes (batería y percusión).

Estas orejas se pusieron como las del señor Spock en cuanto escucharon las primeras notas de "Suite : Pensamientos y Vida" (7'46), y estoy seguro que a las de Monsieur Torro les ocurrirá lo mismo. Esto es PURO YES EPOCA DORADA. Con la grandeza y sentimiento sinfo de sus obras maestras. Las guitarras acústicas y eléctricas se entrecruzan y reparten faenas (como buenos hermanos), y el Hammond arropa calidamente con certera wakemania. A la voz no le cuesta mucho dar el punto andersoniano, visto el tono tendente a agudos de los vocalistas "arg". Y las fugas teclisticas se convierten en memorables, junto a las esplendorosas guitarras, las cuales dan vital importancia al desenchufe, tanto como al watio educado. Y - es como si aquí hubiera dos Steve Howes, cada uno en su rol. Evidentemente, el bajo de Massarotto es Squire hasta la médula ( me atrevo a decir que también con sonido Rickenbaker). Y la batería sigue a éste alumnado afirmativo con la pericia y profesionalidad requerida. Extraordinaria pieza, pardiez !

"Javier Dejó de Ser Niño" (3'19) tiene un aire Laurel Canyon lleno de acústicas, armónica y vocales conjuntadas, como Pastoral, Pedro y Pablo o Sui Generis. Ciertamente el folk rock jipioso de la West Coast hizo mucha mella en Argentina, y fue para bien. Para redondear ésta lindeza, los devaneos del mini moog y demás vintage keys, se salen.

"Cuento de una Niña" (7'00) nos sitúa instrumentalmente entre "Fragile" y "Close to the Edge", con la delicadeza lírica habitual del rock porteño. Incluso más. Esto se agranda por momentos. Los cambios, breaks inesperados e intenso adorno multi - coral, es insuperable. Un triunfo compositivo espectacular, con final a lo BJH.

Los mundos imposibles de Roger Dean, (tan posibles para la peli "Avatar".....jodo qué morro....), se crean de forma natural y sin pedir permiso en "Más Cerca del Horizonte Eterno" (4'25). Delicadas voces y acústicas como fuerza motriz, ante un lado más rockero y sinfoacentuado hasta la emoción. Si éste tipo de prog te toca la fibra. "Empezando por uno mismo" (3'38) es puro Crosby, Stills & Nash, con parecida brillantez e inspiración, pero cantado en castellano. Déjenme que les diga algo. Los argentinos con el idioma, lo convierten en plastilina vocal. Puro ARTE y virguería sólo a su alcance. Sepan que les envidio. Como su extraordinaria facilidad para contagiar nostalgia desde la más bella tristeza.

"Ciudad Mirame" (7'27) es un reflejo de un momento social y político muy puto. Todo con mobiliario Yes en un preciosista diseño. Aquí incluso con devaneo jazz rock etapa Moraz, para que no nos falte de nada en el menú. Se incluye bandoneon killer que llega al alma (del que tenga).

Sui Generis en sus comienzos vuelve a asomarse en la bella "Ahora que estamos Solos" (3'30). Un breve suspiro de paz intimista. Finalizamos con "Pausa Para una Ciudad que Espía" (1'22), instrumental de triste pureza casi tanguera.

Ignoro si la reedición en cd de 2004 (Mandel X) estará disponible, lo dudo. Que alguien haga algo. Esto se merece resucitar en su formato original en vinilo cuanto antes. Esta joya no debería estar perdida y olvidada por más tiempo. Esto sí que es una auténtica Rockliquia !!!

J.J. IGLESIAS

Tema

A1 Suite: Pensamiento Y Vida

A2 Javier Deja de Ser Nino

A3 Cuento De Una Nina

B1 Mas Cerca Del Horizonte Eterno

B2 Empenzando Por Uno Mismo

B3 Ciudad, Mirame

B4 Ahora Que Estamos Solos

B5 Pausa Para Una Ciudad Que Espía

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Esta banda sueca se forma en 1993 en la localidad de Falköping en plena efervescencia de la nueva oleada de grupos progresivos escandinavos que se gestó en la década de los 90´s. Este nuevo impulso supuso a nivel general, una mayor propuesta que la tímidamente creada en el llamado neo-prog de la década anterior.

Inglaterra abrió la brecha en los 80’s, es cierto, pero todavía con cierta “timidez” y mezclando estéticas que en parte estaban todavía contaminadas por el punk, la new wave popera y el heavy ochentero. Recuerdo que en esa década declararte abiertamente progresivo en lo musical cerraba más puertas que oportunidades y a muchos les daba miedo “salir del armario”. En los 90´s afortunadamente se acabaron las contemplaciones y declararte abiertamente un sinfónico era motivo de orgullo. En mi caso he mantenido ese “orgullo” toda mi vida incluso en los peores momentos, en los que incluso radicalizaba mis “pretenciosos” gustos. Cuando en aquella época todo dios aborrecía el asqueroso rock sinfónico, yo lo potenciaba hasta llegar a la vanidad y al sentimiento de “superioridad” y no tuve nunca la más mínima duda al respecto. El odio que se vertía hacia la música elaborada en los 70´s me daba coraje y en mi país, me hizo ser uno de sus pocos defensores a ultranza. Hoy lo recuerdo desde el humor, la ironía y la satisfacción personal de haber sido honesto en lo que yo creía y apreciaba. Incluso llegué a pensar en formar una fundación para la defensa del rock progresivo y la buena música en general, como si de una especie en extinción se tratase. Hoy me río de estas cosas naturalmente, porque pienso que lo bueno ha de ser siempre minoritario. Es la única manera de preservar lo realmente excelente de la vida. El exclusivismo está mal visto, naturalmente, como lo está la defensa de la individualidad, porque toda sociedad pretende que tan solo seas un imbécil que no piense… y por supuesto votes.

La primera formación de Simon Says la componían Daniel Fäldt a la voz, Nils Stenström a las guitarras, Stephan Renström a los teclados, bajo y guitarras y Ola Johannson a la percusión. Su propuesta no escondía en absoluto la virtud de apuntarse a una música de altos vuelos con todo el bagaje sinfónico de los 70´s. Recuerdo en los 90´s que cada banda que venía del norte de Europa, daba una patada en el culo a la mayoría de los neoprogres que salían de la factoría como fabricados en serie y este fenómeno iba a ser a partir de entonces una constante. La diferencia fundamental de bandas como Simon Says y de muchas otras provenientes de los fiordos y las tierras del frio comparándolas con otras formaciones europeas del momento, era entre otras cosas su superioridad técnica a los instrumentos y fundamentalmente el cuidado en la composición. A las bandas del norte se les etiqueta como perfeccionistas y meticulosas en la producción. Algo parecido a las bandas japonesas de rock sinfónico que a veces rozan el cristal, aunque en lo musical nada que ver unas con otras desde luego pero muy parecidas en la actitud. Simon Says es el típico ejemplo de superación constante. En dos décadas tan solo grabaron tres álbumes de estudio y ningún directo que yo sepa. Mucho tiempo de disco a disco pero mereció la pena. En su estilo inevitablemente vas a encontrar una forma particular de entender la forma de componer de Genesis que se va a evidenciar en todos los discos, y no solamente, ya que hay momentos algo Gentle Giant o King Crimson y bastante más alejados podrían estar Yes o incluso Van Der Graaf Generator y algo de Camel. Con todo: estilo y forma, van a formar no obstante una fuerte personalidad. Es muy difícil en el rock progresivo y aledaños estilísticos no sonar como fulano o mengano. El progresivo es un estilo completamente inventado y muy definido, es decir al igual que el jazz o la música clásica todo te va a sonar familiar. Este ha sido su logro: crear un estilo concreto que pueda tocar todo al que le apetezca.

Su primer trabajo “Ceinwen” de 1995 es en comparación naturalmente el más flojo del paquete pero es un buen disco. Es muy curiosa la introducción de sinte analógico en la breve “hey” que nos retrotrae completamente al pasado a la Gente Giant época “Acquiring the Taste” .

Pasamos a “Under The seal” y el órgano es inconfundible junto al uso del mellotrón, esto es 70’s sin complejos del primer quinquenio con raros cambios de tempo con bajo denso y moog vacilón y ya lo primero que nos viene a la mente son las hermosas melodías y pasajes gloriosos casi en postal sepia. El sonido es algo oscuro y la temática nada inocente con corrosividad analógica pura y dura. Lo han clavaó que diríamos los españoles.

“A bedtime History”…once minutos maravillosamente enclavados entre Foxtrot y a Trick of the Tail pero vistos desde otra perspectiva y enriqueciéndolo con diferentes detalles. La voz de Daniel Fäldt tiene registros interesantes, con el suficiente dramatismo que se requiere en una música que tiene mucho de nostálgico y a la vez de rasgo diferenciador y original. El bajista me encanta, saca un buen arsenal de motivos interesantes, hay una parte entre surrealista y festiva a mitad que entretiene y enriquece a la vez. La guitarra Hackett-Latimer rubrica a un teclista de los buenos de los de verdad que al parecer es también el bajista. Esto me encanta.

En “Devonian Forest” juegan con los sintetizadores a modo de pieza ambiental completamente encantadora, nada de caídas abismales y negrura. Gentileza al fin y al cabo.

“Pilgrims Progress” es calma y bonita con las acústicas desgranando y el mellotrón que a su vez deja que el sinte agudo de moog hable por si solo. Una paz recorre tu cuerpo y una gentil melodía te hace recapacitar y decirte que estás en el pasado de una música fantástica…aquella olvidada que murió sola, pero a la que también le dieron un violento empujón. “B.A.J.S Radio” es muy activa y tan retro prog como puedas imaginarte aunque también tiene algo raro indescifrable de banda que suena a muchos de los 70´s y a ninguno a la vez. La suite “Kadazan” de casi 16 mtos se inicia de forma jungla percusiva un poco a la Jade Warrior pero pronto los mellotrones y órganos nos devuelven a Banks y cia mezclados con Kerry Minnear y los Giant y la composición se hace super adictiva y entretenida. Todo es familiar y diferente a la vez. El catecismo progresivo se respeta pero se incluyen nuevas pinceladas y la melodía no se olvida, porque en caso contrario nuestra música no sería lo que afortunadamente es. Un buen trabajo pero es que los siguientes van a ser mejores.

Alberto Torró

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Debo aclarar que esta banda italiana comenzó realizando dos álbumes previos a este en una línea hard rock más similar a Zeppelin o a Black Sabbat que a cualquier otra cosa que podamos denominar progresiva. En efecto su primer disco llamado “La Biblia” de 1971 suena muy pesado y para colmo no llevan teclados y lo mismo pasa con el segundo trabajo “Io Come io” y no es que lo hagan mal, sino que pertenecen a otro género diferente al RPI.

Otra cosa es “Contaminazione” de 1973 donde parecen un grupo completamente diferente. La inclusión del teclista Franco Di Sabbatino cambia por completo la música del grupo que incluso parecen a ratos una orquesta de cámara del barroco tocando a Bach filtrado por unas guitarras a veces agresivas otras realmente elaboradas en lo acústico, y por otra parte, el tremendo órgano omnipresente con el uso además de varios tipos de sintes más los arreglos de cuerda que le dan una visión retro-proto-prog algo extraña y original. Otra cosa a resaltar es el continuo empleo de cambios de ritmo y estructuras que le dan una gran variedad a los 13 cortes que componen el disco. Las voces son bastante aceptables, desde momentos líricos y relajados con sus arreglos corales hasta carreras instrumentales y pasajes clásico-sinfónicos en el sentido literal del término. Es un trabajo muy diferente a cualquier otro producto progresivo de su país en esa época y en lo que a mí respecta lo veo muy entretenido y atípico. Quizás podrían aproximarse ligeramente a los New Trolls en la forma académica con que desarrollan las piezas pero sin el tufillo pop de éstos últimos.

Muy curiosa la sección llamada “Scotland Machine” donde el propio Emerson parece haberse vuelto loco: porque en tan solo 3 mtos los cambios musicales apabullan por su variedad y complejidad al igual que la siguiente “Cella 503” donde pareces encontrarte en una orgía en la corte de Louis XIV con J.S. Bach borracho y Emerson y Wakeman abducidos al pasado y acompañándole a los teclados mientras van quitando pololos y corsets a las damas de la corte. Las partes se “empalman” una con otra y este disco debe oírse de un tirón sin fisuras porque así está pensado. No han abandonado del todo el trallazo hard rock que está perfectamente ensamblado con diferentes estilos de música que aparecen casi sin darte cuenta: “Alzo un muro elettrico” que nos devuelve de inmediato nuevamente al barroco en “Sweet Suite”.

Pocos discos del prog italiano son tan variados como éste os lo aseguro. “La grande fuga” con la que finaliza es tan exuberante como entretenida: clavicémbalo, sintes, órgano, orquesta de violines y una sección rítmica a la Trace o Ekseption a toda leche. Si no conocéis éste disco os aseguro que os va a encantar.

Alberto Torró

Nota: Por problemas con los derechos de autor solo podemos ofrecer el siguiente documento sonoro

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A lo largo de mi extensa ya, carrera como comentarista, me habré enfrentado a discos de toda calaña y pelaje. Y algunos realmente difíciles de hincar el diente. Vamos, que me las he visto de todos los colores. Pero esta es nueva. Nunca creas que lo has visto / oído todo, hermano.

Nueve Tuercas es un proyecto one - man - band guisado, comido y digerido por Miguel Laguna Crespo. Especial personaje con programas de radio, editor de libros y discos y músico multiinstrumentista. Su anterior experiencia como rompedor de silencios se llamó Miguel y los Hesputos Mutantes, con alguna grabación a sus espaldas. Su "La Pesadilla" (2010), es a mis maltratadas orejas una suerte de punk art rock sin comparación posible en el universo conocido. Pronk, que dicen los anglos para definir prog + punk. Más concretamente a sus inigualables Cardiacs. Nueve Tuercas es más de aquí, en ése sentido. Madrid 2013 vio su nacimiento artístico. Un nuevo proyecto en el que sintetiza, fusiona, y de nuevo, con naturaleza mutante, crea un rock progresivo / sinfo / psicodélico con elementos urbanos y algún guiño a hesputos pasados.

Su homónimo mini álbum sale en 2014. Siendo "Historias de la Calle de Abajo" su segunda entrega urbanita con fines escapistas. "Popurrí para banda #1" (6'48) es un estupendo instrumental, lleno de recursos e ideas, donde Miguel demuestra su dominio y compenetración sonora con los instrumentos. Puedes compararlo con nombres italianos de los 90, cuando la restauración prog se estaba consolidando : Arpía, Mangala Vallis, Mary Newsletter, Odessa, Court, Jet Lag. ...

"Amanecer de la Aurora" (4'02) incluye riffs hard rock que reafirman lo dicho, con poética letra pero estilo vocal cercano al rock urbano. Que digo yo que viniendo de Madrid, capital mundial que inventó ése género a nivel planetario, también es "normal". O algo. Musicalmente permanece el fino gusto y los matices inesperados.

"Hijo del Barrio" (6'45), con majestuosa entrada de mini moog, vuelve a recordarme al prog italiano. Si Rosendo se hubiera vuelto un proghead en vez de un nuevaolero, sí, un nuevaolero, para su segundo disco con Leño, quizá el resultado sería parecido a esto.

"Popurri para banda #2" (2'28) tiene también su punto after punk, con teclados-sinfonia, de vírica anti-críticos de la vieja escuela. Parálisis Permanente en mutación neo progresiva, o así. ....

"El Quijote de la Avenida" (7'40) termina esta desconcertante e interesante grabación, con más elementos a priori contrarios, y que conviven en el mundo de Nueve Tuercas con total armonía. Corrosiones eléctricas junto a serpenteantes melodías de moog. Fondos de solina y baterías pesadas hard. Killing Joke junto a Camel. Extremoduro junto a Bloque. No sé. ...por decir algo.

El siguiente envío grabado fue "Rarezas" (2016), con material sobrante. Y estamos a la espera del recién cocinado "A la Sombra del Árbol" (2018), al caer. Del que hoy mismo, mientras escribo esto, se ha adelantado el tema "No es un Sueño". Y parece que la bipolaridad estilística continúa. Todo un sello personal ya en Nueve Tuercas. Imagina que a un punk del rock radical vasco, previa administración de electroshock bestia y trepanacion minuciosa, se le introduce en el cerebro todo el catálogo de Musea. Sale esto seguro.

J.J. IGLESIAS

Facebook: https://www.facebook.com/Rinc%C3%B3n-la-F%C3%A1brica-Nueve-Tuercas-1498541063775168/

Youtube: https://www.youtube.com/watch?v=lLO3Qi6VFzc

P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en esta sección puede ponerse en contacto con nosotros : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70

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Está claro que bajo la sombra de Allman Brothers se cobijan un buen número de buenos músicos. Entre ellos Jai Johanny "Jaimoe" Johanson , Chuck Leavell y Lamar Williams todos ellos presentes en la banda sureña en 1976 cuando se separaron por primera vez.

Jai Johanny "Jaimoe" Johanson (batería) , Chuck Leavell (teclados) y Lamar Williams (bajo) simultaneaban su participación en Allman Brothers con la formación "We Three" que estuvo abriendo algunos conciertos de la "banda madre" durante la gira de 1975. Tras la separación de Allman Brothers en 1976 reclutan a Jimmy Nails y se renombra como "Sea Level". Fichan por Capricorn Records y editan su primer disco, "Sea Level", en 1977. Ese mismo año publican su segundo álbum, "Cats on the Coast"(1977, con la participación de Davis Causey ( guitarra ), George Weaver ( batería , percusión) y Randall Bramblett ( saxofones , teclados y voces ). Su tercera producción "On the Edge" (1978) se graba sin la presencia de Jaime que vuelve a los Allman ni de Weaver que es sustituido por Joe English. Con esta misma formación sale al mercado "Long Walk on a Short Pier (1979)" que no vió la luz en Estados Unidos hasta pasados veinte años. Para su último disco, "Ball Room"(1980) incorporan al percusionista Matt Greeley. En 1981 darían por finalizado su recorrido.

El álbum está grabado el 2 de Julio de 1977 en el Ivanhoe Theater de Chicago. La música de Sea Level está cargada de buen rock, jazz rock, algo de funk y por supuesto buen rock sureño. El "Setlist" cuenta con numerosas versiones: "Scarborogh Fair" (Simon & Garfunkel), el mítico blues "Hideaway", los temas de la época de Allman Brothers "Hot 'Lanta" y "Statesboro Blues" . También podemos escuchar temas de su primer disco "Tidal Wave", "Rain Spain" y "Grand Larceny", un gran tema de jazz rock y "Midnight Pass " de su segundo álbum "Cats on the Coast". Completan el "setlist" el patriótico y curioso himno "Patriotic Flag Waver" nuevamente en clave jazz rock y por último y a modo de "encore""I'm Ready" con un gran "slide guitar" a cargo de Jimmy Nails. Excelente sonido.

J.C. Miñana

Temas

1. Tidal Wave (6:04)

2. The Rain In Spain (6:34)

3. Scarborough Fair (5:51)

4. Hideaway (3:36)

5. Hot 'Lanta (7:02)

6. The Patriotic Flag Waver (9:16)

7. Grand Larceny (5:45)

8. Statesboro Blues (4:10)

9. Midnight Pass (5:38)

10. I'm Ready (3:07)

y de propina

Recorded Live: 2/11/1977 - Capitol Theatre (Passaic, NJ)

Temas

0:00:00 - Tidal Wave

0:06:25 - Rain In Spain

0:13:28 - Shake A Leg

0:18:04 - Hideaway

0:21:43 - Scarborough Fair

0:27:34 - Hot 'Lanta

0:34:58 - Lawman

0:39:10 - Grand Larceny

0:45:19 - Tuning

0:47:01 - Country Fool

0:50:45 - Statesboro Blues (incomplete)

0:54:31 - Encore Break

0:56:04 - I'm Ready

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Acostumbramos a traer por aquí sintetistas con tremendos arsenales teclisticos, equipos de última generación o vetustos y mega - caros modulares vintage. Lo de hoy va más como un ánimo para el que se sienta atraído por iniciarse en éstas artes, pero le eche para atrás esos altos presupuestos. Para hacer un buen disco de prog-electrónica, no los necesitas, créeme. O mejor cree a Space Ghost. Que además de ser un personaje de dibujos animados de Hanna-Barbera en los 60, es el alias de Sudi Wachspress. Un tipo que se lo guísa y se lo come tranquilamente, desde su casa en Oakland.

Comenzó su andadura en 2013 con "Patient Mind". "Swim" lo grabó entre 2013 - 2015, (mente paciente, como él dice), en su propia habitación y sin necesidad de mucho artilugio. Tan sólo un Korg Mono/Poly, una Fender Telecaster y varios pedales. Ayudado por algo de software, es todo lo que Sudi necesitó para entregarnos un álbum agradable y bien hecho. 12 cortos temas sin desmesuras ni grandes excentricidades, que transcurre con calma y buenas vibraciones.

"Earlier Last Year" es su inicio entre radiantes ondas analógicas. "Hyperfeelings" utiliza la guitarra tímidamente, como un sonido más en el deambular minimalista de la composición. Muy bonito y de grato sonido introspectivo.

Clásica secuenciación se adueña de "ARP Directions", con sonidos y ambiente que puede recordar al "Crystal Machine" de Tim Blake. "Lovely Not Compelling" enseña cartas del mismo palo que otra de sus fuertes influencias, el Brian Eno más setentero. Los planteamientos naive no impiden que su música respire inteligencia y buenas intenciones. Quizá es algo "deja-vu" ocasional, pero nadie hace esto así en la actualidad. Con ese aire aparentemente inofensivo.

"Instructional Video" usa secuenciación clásica a lo Tangerine Dream o cualquier otra referencia clásica berlinesa. "Swim" regresa a la calma interior, ésa tan difícil de hallar y que te deja en un estado que ni la mejor de las drogas. "Youandi" sigue sin interrupción y con los mismos efectos sedantes. Puro tranquimazin electrónico para perderse en un universo mental y psicológico, pero alejado de pretensiones "sanadoras" New Age. "Work than Sleep" sigue ese hilo encadenante de increíble sencillez, pero extraordinarios resultados musicales. Sudi no es un virtuoso ni pretende crear un armagedon electrónico de proporciones universales. Lo suyo es la finura y sobriedad, con melodías sencillas pero bonito equipaje instrumental.

"Neón Sphere" es otro acercamiento berlinés a Ash Ra Tempel o Klaus Schulze, pero sin pretensiones crepusculares. Con la parsimonia del astuto músico que conoce sus limitaciones, y además les saca provecho. Y qué bien le sale. Sin silencios, entra ahora "Nites Over Oakland" con cadenciosas ondas cósmicas, leve ritmo hipnótico y apacible, pero señorial, pasaje bucólico espacial. Excelente material, debo añadir. "New Room" y "Learningtobemyself" concluyen sin prisas. Al modo de hacer de este fantasma espacial que tan bien domina el espacio exterior......y más el interior. La primera con ocurrente secuenciador y parsimonia melódica. Michael Hoenig se sentiría orgulloso de éste pupilo norteamericano. La segunda , también de juguetona secuenciación en la línea de Peter Baumann o Manuel Gottsching. Algo de lo que parece querer alejarse en su nueva propuesta para éste 2018, "Endless Light". Algo más retro-synth wave, por lo poco que he podido escuchar.

"Swim" es un disco hecho claramente, para el autor. Para su uso y disfrute. Luego si a alguien le gusta, es por añadidura. Se nota el placer de crear música artesanal a la vieja usanza y con ganas de transmitir bellos onirismos electrónicos. Recomendado para la consulta del psicólogo.
J.J. IGLESIAS

Temas

01.[00:00] Earlier Last Year

02.[01:33] Hyperfeelings

03.[06:42] Arp Directions

04.[09:15] Lovely Not Compelling

05.[12:25] Instructional Video

06.[14:51] Swim

07.[15:50] Youandi

08.[18:54] Work Then Sleep

09.[24:42] Neon Sphere

10.[28:26] Nites Over Oakland

11.[33:03] New Room

12.[38:18] Learningtobemyself

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Cuando hablamos de Target nos referimos a la banda formada en Memphis, nada que ver que el grupo de thrash de origen belga de mediados de los ochenta, ni tampoco de otra banda surcoreana del mismo nombre. Su cantante Jimi Jamison posteriormente entraría a formar parte de Survivor.

El grupo nace en Memphis en 1974 teniendo en sus filas a Tommy Cathey (bajo), David Spain (batería), Buddy Davis (guitarra), Paul Cannon (guitarra) y Jimi Jamison (voz). Consiguen contrato discográfico con A & M Records y en 1976 editan su primer disco "Target". Realizan giras teloneando a grupos como Black Sabbath, Boston, y Kiss. Un año más tarde y sin la presencia de Buddy Davis graban su segundo álbum "Captured". Las escasas ventas ocasionan la ruptura con la discográfica y su disolución en 1978. Posteriormente Jimi Jamison formaría Cobra junto a Mandy Mayer (ex-Krokus), Tommy Keiser, Jack Holder (ex-Black Oak Arkansas) y el baterista Jeff Klaven.

En este primer disco de Target podemos escuchar sobre todo buen hard rock con algún aire sureño al estilo de los sonidos de Molly Hatchet. Su cantante Jimi Jamison me recuerda en ocasiones a Paul Rodgers. Diez temas de corta duración entre los que podemos destacar la inicial "Love Just Won't Quit" , "Let Me Live" una de mis favoritas o "Can't Fake It " con un riff inicial a lo Judas Priest, por citar algunas. Disco que te transmite buenas vibraciones y garantiza pasar un buen rato.

J.C. Miñana

Temas

A1 Love Just Won't Quit 00:00

A2 Bad Boy 02:52

A3 Let Me Live 05:34

A4 Just A Little Too Much 10:57

A5 Can't Fake It 14:30

B1 99 1/2 17:47

B2 You Need A Woman 20:24

B3 Let Me Down Easy 23:30

B4 Workin' Song 27:24

B5 Are You Ready 31:02

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Aquí traemos un disco que ha pasado a la historia más por su portada, que por su excelente música. Y es que la ocurrencia del ilustrador Nick Caruso de "disimular" una vagina en el "pastel de manzana de mamá", tuvo su polémica. Aunque casí esté al nivel del pecho de la libidinosa señora. Algo más propio de éste país que de los por entonces, libertinos USA. Mucho más aparentes en ése sentido serían las portadas del "Come an 'get it" de Whitesnake, o el "Cherry Pie" de Warrant. Éste directamente inspirado por el arte del disco que nos ocupa, pero con el "pastel en el sitio correcto". Hasta un par de portadas distintas saldrían en posteriores ediciones, siendo tan coleccionables como la original.

Mom's Apple Pie eran una banda de diez miembros procedentes de Warren, Ohio. Una multi-banda con sección de viento, al modo imperante del éxito de las dos formaciones que encabezaban esa fuerte corriente Brass Rock : Chicago Transit Authority y Blood Sweat & Tears. Hubo muchas más, de hecho, algunas de las menos conocidas ya han aparecido por ésta casa. La parte "huracanada" estaba compuesta por Roger Force (saxo y flauta), Fred Marzulla (trombón) y Bob Pinti (trompeta, voz). Con dos cantantes, Tony Gigliotti y Bob Fiorino (destacando éste último). Dos guitarras, Joe Ahladis y el tremendo Bob Miller. Dave Mazzochi era el teclista y voz. Pat Aulizia el batería y Greg Yochman el bajista. Y creo que no me dejo a nadie. Fueron descubiertos por el mánager (algo mafiosillo él ), Terry Knight. Efectivamente, el que encumbró a Grand Funk Railroad, y luego los llevó de calle. También a Bloodrock. Pero a diferencia de estos, que los enchufo en Capitol, a Mom's Apple Pie los metió en su pequeño sello, Brown Bag Records. De ahí la dificultad del disco.

Con todos éstos datos, no sorprenderá que la inicial versión de Willie Dixon, "I Just Want Make Love to You" (5'32), sea una hábil mezcla de Chicago y Grand Funk. Con una guitarra de tinte hendrixiano en su comienzo, y avalancha Hammond / Horns section en su continuación. La voz de Fiorino tiene ese fuerte acento Soul que tan bien sabían imitar algunos blanquitos en éste contexto, Blue Eyed Soul, que se llama. Un comienzo lleno de fuerza y buen solo de saxo, muy buen trabajo de guitarras y gran apoyo del órgano.

"Lay Your Money Down" (5'50) es proto-prog de excelente coral, elástica rítmica, (atención al bajo), y guardaespaldas cualificados en el Hammond y viento. Veo claramente la semilla de lo que luego desarrollarán bandas como Kansas.

La faceta campestre, con acústicas y flauta, viene dada por "Good Days" (4'39). Con deliciosa voz y armonias, flauta a la Ian McDonald y excelente hippie feel.

El blues psicodélico se cuela con "People" (4'28), otro punto fuerte del momento, con instrumentación poderosa al estilo de Pacific Gas & Electric o hasta los primeros Deep Purple, (voz y guitarra nada tienen que envidiar a Evans / Blackmore). Y los soplidos quedan como arreglos, en un segundo plano muy de agradecer.

Damos la vuelta al "pastel vinilico", y "Dawn of a New Day" (3'52) es otro poderoso corte entre Vanilla Fudge y Heaven. Con la guitarra haciendo diabluras dignas de Terry Kath. Lo mismo tenemos en "Happy Just to be" (2'57) y "Secret of Life" (3'39). Ésta en una primera onda Bloodrock, con su poderosa sección de trompas, puro BS&T (época "New City"). Dinamita marca acme.

Finalmente una versión del "Mr. Skin" (5'32) de Spirit llevada a su terreno, concluye un redondo debut que tendría seguimiento al año siguiente con "Mom's Apple Pie II". Girando activamente y tocando desde con Doobie Brothers a David Bowie. Desde el Whisky A Go Go angelino, hasta el Madison Square Garden en NY.

Su separación tendrá lugar a mitad de década, no sin antes dejar grabado material para un tercer álbum nunca editado.......hasta el 2011 !!! Existen planes para una edición conjunta con los tres elepes, que no estaría nada mal, en un triple vinilo.

Al margen del "asunto coñeril", éste disco es una estupenda rodaja chorreante (ejem) de buen brass rock, proto -prog y algún latigazo hard, de sabor exquisito.

Que aproveche, el pastelito.

J.J. IGLESIAS

Temas

A1 I Just Wanna Make Love To You 5:32

A2 Lay Your Money Down 5:50

A3 Good Days 4:39

A4 People 4:28

B1 Dawn Of A New Day 3:52

B2 Happy Just To Be 2:57

B3 Secret Of Life 3:39

B4 Mr. Skin 5:32

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En siete años de diferencia con el anterior trabajo la mitad de la banda cambia: Jonas Hallberg es el nuevo guitarrista y Mattias Jarlhed se encarga de las baquetas. El estilo no ha cambiado en ningún caso y sigue centrado en el prog clásico, más si cabe que en el anterior.

Por entonces una especie de asociación progresiva afincada en Finlandia comienza a editar a través del sello francés Musea, una serie de álbumes temáticos con el nombre de Colossus Projects. Una ambiciosa empresa que contaría con colaboraciones de grupos internacionales, algunos bastante reconocidos. Cada álbum, a veces triples y cuádruples, se dedicaba a temas históricos o legendarios, epopeyas mitológicas y obras literarias y de cine clásicas famosas. De tal forma que cada banda que colaboraba en cada proyecto aportaba una composición. Simon Says colaboraron en algunos de éstos proyectos y en algunos casos con largas suites como en el caso del triple CD “Odyssey” con la pieza “Minds of mortal men” de nada menos 25 mtos de duración. La producción de este disco “Paradise square” es muy superior al anterior al igual que las composiciones. Si ya nos hemos acostumbrado a la voz tan particular de Daniel Fäldt, este trabajo nos va a deleitar con sinfonismos que en parte siguen en el espíritu genesiano de mediados los 70´s pero como ya dije en la semana anterior, con bastante personalidad propia y una argumentación mucho más abierta hacia otros territorios prog.

“And Way The Water” se inicia con voz a pelo pero pronto se convierte en un animado paseo de diversas transfusiones estructurales vía Gentle-Genesis-Yes que pasa casi sin enterarte. “Paradise Square” es una de las largas composiciones con casi 14 mtos, algo al estilo Hackett en la rítmica y la melodía y también algo parecido a los primeros discos en solitario de Rutherford y Banks antes de que la música fácil y barata contaminasen sus mentes y la avaricia del dinero fácil. Es una pieza de sinfónico a la british apacible y de cadencia cautivadora. Hacia el mto 7 la cosa cambia y empiezan a jugar con ambientes instrumentales más oscuros y opresivos que no renuncian a las cuadraturas rítmicas complejas ni tampoco a pasajes de guitarra clásica y piano.

En “Striking out a single note…” se encuentra otros 11 mtos en una temática similar: el órgano golpeando a la Banks y dejando que la guitarra solista y el melotrón hagan su trabajo, mientras los ritmos a contratiempo ya familiares a nosotros y quizás un poco a los It Bites, con algunas variaciones caprichosas y peculiares ya típicas en los Simon Says, te recuerden que esto es rock sinfónico del de antes, por si alguno se olvidaba de ello.

“Fly in a bottle” es una reposada canción con algún eco pastoral de música antigua y bastante de teatralidad y drama a ratos, melotrón en ristre y sintetizador ardiente definiendo el final. Nada mal.

“Darkfall” es un breve puente con sonidos de sitar para que otra suite: “White Glove” de 15 minutillos de nada nos rodee de acústicas, melotrón piano y órgano, recordando de nuevo las bonitas melodías y arpegiados de siempre que todo amante de este tipo de música llevamos dentro… muy cerca de la “cena preparada” o el Cinema Show, es cierto pero con sus ricas referencias al resto de maestros y detalles de cosecha propia realmente sorprendentes. Todo nos es completamente familiar y amable para tocar la fibra prog en su punto exacto y como no nos molesta en absoluto sino todo lo contrario, nos dejamos querer sin ningún problema y con final feliz.

La preciosa “Aftermath” cierra con elegancia un álbum maravilloso que supera los 60 minutos y nos deja un sensacional sabor de boca y la demostración palpable de unos músicos excelentes, que dosifican las sensaciones y no aburren en ningún momento - aunque otros dirán lo contrario naturalmente - por la buena disposición, empleo y desarrollo de las composiciones. Es una suerte para nosotros que se graben cosas así.

Alberto Torró

Temas

1. And By The Water (4:45)

2. Paradise Square (13:42)

3. Striking Out A Single Note For Love (11:08)

4. Fly In A Bottle (5:48)

5. Darkfall (2:35)

6. White Glove (15:26)

7. Aftermath (10:02)

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Da que pensar cuantas formaciones y cuantas ilusiones progresivas se gestaron y se pudrieron en la década de los 70´s. Que jodido y caro era grabar un álbum en vinilo con una mísera tirada de ejemplares y os lo dice uno que estuvo casi a punto de hacerlo ya en los estertores de 1979, con toda la ilusión de haber creado una banda de rock progresivo.

La sola mención de ser una banda sinfónica en la España de finales de los 70´s en la ciudad “inmortal” (o eso dicen) de Zaragoza, ya contaminada por los famosos tiempos de la “movida” y punkarrada, fue una locura. Hay sitios muy complicados para hacer cierto tipo de música, mi ciudad era uno de ellos. La indiferencia de mi país hacia cualquier forma de cultura e inteligencia musical, es de libro, está en nuestra historia y en nuestra leyenda negra, que poco tiene de leyenda y mucho de realidad.

Italia, como el resto de Europa gozó de una apertura importante hacia las artes innovadoras, hacia las músicas imaginativas. Los 70´s fueron un germen inimaginable hoy día. Se ve el actual siglo XXI con pena por el retroceso hacia lo autoritario político y social que sufrimos. Mal asunto y malos tiempos se avecinan. Las libertades están en peligro de extinción y cuando hablo de libertad lo hago en sentido individual, ya que cualquier grupo o asociación a la que pertenezcas te va a joder tu libertad. Cuando uno no pertenece a nada ni a nadie una extraña clarividencia te invade cual proscrito del mundo y sufre por la ceguera de los demás. En mi país hace falta ser un ingenuo para votar cada cuatro años, pero como buenos españoles lo hacemos sin rubor ni vergüenza. Ahora en todos sitios, se ensalzan y dignifican los errores y horrores del pasado. Luego dicen de moda retro: hoy se dignifican personajes odiosos y se revalorizan las dictaduras pasadas como ejemplos de modernidad y avance en la humanidad. Impresionante. ¡Que listos somos y como avanzamos!

Nos queda la música que a duras penas gente valiente y joven se reivindican en las páginas de Rockliquias. ¡Joder! se hace mejor música minoritaria ahora en mi país que en otras décadas. Nos encargamos de ello y lo hacemos con generosidad porque lo auténtico debe protegerse. Yo admiro la Italia de los 70´s y su música, fueron lo que nosotros no quisimos ni pudimos ser. Pero como digo al principio todo fue un ejercicio de romanticismo: se grabaron discos extraordinarios sin visos de continuación. Todo breve, rápido, como si el destino nos prohibiese lo magnífico…y nos dijese no os paséis de listos!!. El mundo debe permanecer horrible, como siempre fue.

La Corte dei Miracoli fueron otro espejismo de la “moda” progresiva. Hicieron un disco potente e imaginativo, con dos teclistas nada menos y toda la fuerza y entusiasmo que esos tiempos permitían. “E Verrá l´uomo” y su compleja densidad sonora de sinfónico clásico, envejecido como el vino, a la Banco, ELP, como cerrar los ojos en un viaje hacia el pasado, donde hacer cierta música compleja entraba dentro de lo normal. “Verso Il sole”…esos sintetizadores, órganos carnosos, strings ensembles y otras antiguallas de tienda de relojes antiguos, divanes y joyas modernistas de pedrería sinfónica las tienes aquí como cuero envejecido y cara diadema. Ya no se toca así.

“Una Storia Fiabesca” suena casi a crimsonianos tiempos Lake o a una PFM de la historia de un minuto, aquellos anteriores sonidos, primegenios de muros de sillería antiguos, antes de las lenguas en gelatina y de los posteriores horrores snob de mister Fripp. El “ritual nocturno” es hijo de los primeros dioses del sinfónico casi pre 70´s. Teclados ampulosos en su diatriba analógica pura. Carreras de piano y sinte, bellas y anticuadas como joyas del antiguo Egipto. La corte de los milagros hizo un álbum atemporal, casi cubierto hoy de polvo y ceniza donde hay que soplar para descubrir el brillo de esa música muerta por dos amantes como afirma el título de la última pieza. Como un libro incunable de un antiguo monasterio y la momia de una princesa antaño hermosa.

Alberto Torró

Temas

A1 ...E Verrà L'Uomo

Guitar – Vittorio De Scalzi

7:00

A2 Verso Il Sole 6:34

A3 Una Storia Fiabesca 6:52

B1 Il Rituale Notturno 7:12

B2 I Due Amanti 13:40

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Electric Monolith es un "power trío" procedente de Barcelona e integrado por Oscar Chamorro (voz, guitarra), Pepo Villena (batería) y Ramón Vinya (bajo). En mayo de 2018 editaron su primer disco, "Resurrect the Dead". Nos pusimos en contacto con ellos para que nos contaran detalles del proyecto.

Rockliquias.- ¿De dónde viene el nombre de Electric Monolith?

El nombre Monolith está inspirado en la película de Kubrik 2001. Electric, hace referencia a la naturaleza eléctrica de nuestro sonido. Algo bastante usual en bandas de los 70.

El nombre del álbum ¨Resurrect the dead¨ está inspirado en la película ¨Resurrect dead: The mystery of the Toynbee tiles¨ donde se relaciona la película ¨2001¨ con la resurrección de los muertos

en el planeta Jupiter.

Rockliquias.- ¿Cuando formáis la banda y como fueron vuestros inicios?

Los tres somos amigos ya desde hace muchos años, y hemos trabajado juntos en multitud de proyectos audiovisuales y musicales desde 2000 en adelante. En mayo de 2016 Ramón y Pepe estaban tocando en ¨Twin Wolf¨ e inspirado por ellos, Oscar propone a Ramón montar otra banda, Electric Monolith. Aunque el nombre vino después. En un principio, la idea original era tener dos guitarras y dos voces pero al final acabamos simplificándolo todo y nos acomodamos en el formato power trío, lo cual hace mucho mas sencillas algunas cosas.

Rockliquias.- ¿En qué otros grupos habíais estado?

Pepo y Ramon ya habían compartido varias bandas antes como ¨Twin Wolf¨ (Stoner, Ocult Rock) o Kids pantera (RockigHardcore), por otro lado, Oscar y Pepo también habían compartido otro proyecto de, que nunca salió a la luz, “Living Torsos” (SurfRock).

Rockliquias.- Vuestra música ¿qué influencias tiene?

Nuestras influencias vienen tanto de bandas de los 60s como de los 70s, pero sobretodo del hard Rock, la pshicodelia, el blues y el rock progresivo. Evidentemente nos gustan bandas como: Black Sabbath, Led Zeppelin, Budgie y muchas otras cosas de la época. Todas ellas estarían en el trono.

Rockliquias.- En Mayo ve la luz vuestro primer disco, "Resurrect the Dead", ¿nos podéis contar detalles de la grabación?

Para la grabación del álbum nos fuimos a ¨La atlántida estudio¨ en Barcelona donde ¨Wero¨ nos ayudó grabando las pistas de batería. El resto del álbum se encargó de grabarlo Oscar en nuestro local de ensayo. La mezcla y el master se hizo en el estudio casero de Oscar. Poco más que comentar a parte del currazo que nos pegamos… jejeje

6.- El disco se inicia con "Resurrect the Dead" con claras influencias al hard rock de los 70 y en concreto a lo que hacían Budgie. ¿ Qué podéis comentar del tema?

Pues si. Budgie era una de las cosas que sonaba bastante en casa durante la temporada de composición y siempre ha sido una banda que nos ha gustado mucho a los tres, así que si… algo se

nos engancharía … jejejej

Rockliquias.- La segunda composición ,"Tainted Will", posee un gran riff y un "groove" que nos puede llevar a sonoridades a lo Mountain. Músicos jóvenes pero con bases del pasado con su toque personal

La idea del inicial para este tema era empezar con el solo de guitarra, luego fuimos añadiendo más partes. El resto salió solo de forma natural.

Rockliquias.- "Reflections of Mankind" tiene una entrada muy "hendrixiana" con guitarra "wah wah"¿Los sonidos psicodélicos son importantes en vuestra música?

Si, por supuesto tanto Hendrix como el sonido del wah-wah, es algo que nos a marcado y desde el primer momento sabíamos que alguna referencia tenia que caer al respeto.

Rockliquias.- "Hold Me", es un tema corto que sirve de enlace a "Hole in the Sky", vuelve los grandes riffs y la voz que podría sonar lejanamente a la forma de cantar de Ozzy Osbourne

Pues “Hold me” es un tema que desde un principio concebimos para que fuese una pequeña pincelada en el álbum, aunque en realidad es un tema completo con sus partes y su solo. Es posible que más adelante publiquemos una mezcla del tema entero en algún otro álbum o single.

Por supuesto, Ozzy es un punto de referencia importante en todo nuestro trabajo.

Rockliquias.- El sexto tema, "Shade of Sorrow", nos engancha con su ritmo frenético y con una poderosa sección rítmica ¿Cómo estructuráis vuestro trabajo compositivo?

Generalmente, Ramón y Oscar componen los temas, después Oscar trabaja en los arreglos y en las letras. Si, la sección rítmica es un punto al que le damos muchísima importancia a la hora de componer. Los silencios son también importantes

Rockliquias.- "Reason Why" combina todo lo escuchado anteriormente, riffs geniales, rítmos cambiantes, batería y bajo perfectamente compenetrados para conseguir el sonido perfecto setentero. En directo ¿desarrolláis los temas con improvisaciones?

Lo cierto es que la improvisación no es nuestro plato fuerte. Aunque algunas ideas han salido fruto de algunas improvisaciones, no es realmente nuestra forma de trabajar. Cuando llegamos al local, normalmente ya tenemos una estructura bien definida.

En directo intentamos que el sonido sea lo mas similar al álbum, lo que no deja mucho espacio para la improvisación, aunque a veces le hacemos un pequeño hueco.

Rockliquias - "The Lonesome Road", dobles guitarras que casi nos pueden llevar a las primeras grabaciones de los Maiden pero con matices stoner.

En realidad nuestras referencias para esta canción, siempre fueron Sabbath y Leño, sobretodo de estos últimos, temas como “El tren” o “Sodoma y chabola”, que siempre nos a parecido un álbum

muy digno de mencionar. El tema de twin guitars viene quizás un poco más como influencia de las bandas de finales de los 70 que ya empezaban a hacer este tipo de arreglos y que después grupos

como Maiden integraron también en sus trabajos.

Rockliquias.- Poco a poco y bajo el sonido de la tormeta va llegando "Still Remember", tema con sonoridades blues . Sin duda el blues será uno de vuestros puntos de apoyo sonoro

Sin duda, el blues está presente en todo el álbum, aunque en este tema queríamos acercarnos un poco más al soul. En Still remember, hay influencias tanto de, The Beatles como de Joe Cocker o Captain beefheart y en general mucha música de los 50, 60.

La lluvia es un elemento que ayuda emocionalmente, pero también es algo que siempre habíamos querido hacer para un disco.

Rockliquias.- El disco finaliza con "Briefing", space rock a lo Hawkwind.

Es el mensaje secreto que escucha Bowman en la peliccila ¨2001¨ después de desactivar a HAL.

Rockliquias.- ¿Cómo van los conciertos de promoción?

Por ahora solo hemos presentado el disco en Barcelona y mas recientemente en el festival “Volcano sessions Vol.4” en Francia y la idea es que a partir de septiembre/octubre, empezamos a buscar

bolos a ver si hay suerte y podemos presentarlo tanto en la Peninsula como fuera de ella.

Rockliquias.- .- ¿Qué le diríais a nuestros lectores para que se compraran el Cd y fueran a vuestros conciertos?

¿Que somos pobres? jejejeje

Primero de todo y como defensores y consumidores del formato, también les diríamos que comprasen el vinilo. Por otro lado, si las referencias que hemos dado mas arriba os gustan, venid y juzgad vosotros mismos, nosotros intentaremos hacerlo lo mejor que podamos.

Temas

Resurrect the Dead 00:00

Tainted Will 05:20

Reflections of Mankind 10:24

Hold me 14:47

Hole in the Sky 16:12

Shade of Sorrow 21:57

Reason Why 27:28

The Lonesome Road 31:57

Still Remember 36:16

10.

Briefing 43:59

Contacto

Facebook: https://www.facebook.com/electricmonolithband/

Instagram: https://www.instagram.com/electricmonolith/

SoundCloud: https://soundcloud.com/electricmonolith

Bandcamp: https://electric-monolith.bandcamp.com/

P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en esta sección puede ponerse en contacto con nosotros : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70

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Point Blank fue una banda que surgió a mediados de los 70 y que supo combinar el rock sureño que tenía en sus venas con ciertos elementos AOR. En Rockliquias ya comentamos su primer disco, "Point Blank" (1976), y hoy los recordaremos en su actuación en Memphis de 1981.

Poin Blank publica en 1981 su quinto álbum, "American Exce$$" con el que obtienen un notable éxito con el single "Nicole". An teriormente habían editado "Point Blank" (1976), "Second Season" (1977), "Airplay" (1979) y "The Hard Way (1980). Antes de disolverse en 1984 ve la luz "On The Roll" (1982). Posteriormente volverían a la carretera en 2005.

La grabación presenta el concierto de Point Blank en el Orpheum Theatre de Memphis en 1981. Estaban en plena gira de su disco "American Exce$$" y por ello el "setlist" contiene cuatro temas de ese álbum: "The way you broke my heart", "Cadillac Dragon", "The Getaway" y "Nicole". También podemos escuchar "Turning Back" de su cuarto disco "The Hard Way" y "Mean to your Queenie" del "Airplay". Como remate final nos deleitarnos con una excelente versión del Highway Star" de los Deep Purple. Aunque han perdido el sonido sureño siguen conservando la fuerza en su música con numerosos riffs y un "groove" muy especial. El sonido es bueno aunque el griterío de los fans molesta un poco.

J.C.Miñana

Temas

01 - Turning Back 00:00

02 - The Way You Broke My Heart 03:20

03 - Cadillac Dragon 06:20

04 - The Getaway 09;26

05 - Nicole 13:42

06 - Mean To Your Queenie 17:26

07 - Highway Star 21:40

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Habitualmente, suelo expulsar sapos y culebras por ésta linda boquita cuando me refiero a aquella cosa abominable llamada New Age. Con razón . Claro que en tiempos de trap, reggaetón y demás torturas del infierno, aquello se quedaba como hasta algo benigno y todo.

Habría que aclarar que en su inicial empuje, venido directamente del misticismo hippie de los 70, fue una escena con muy buenas pretensiones artísticas. Las culturales, religiosas, espirituales y espirituosas, las dejaré al libre albedrío y elección del amable lector. Si amigüitos, la primera hornada New Age podría haber sido el desarrollo de parte de los logros musicales de la anterior década. De indudable calidad y todavía con el olfato experimental /investigador bien adiestrado. Justo sería decir que sin los Hillage, Oldfield, Vangelis, Jade Warrior y muchos más, nada de aquel inicial " nuevo despertar espiritual" musical, nunca hubiera funcionado. Y que el empuje de la recién nacida New Age, se debió a desencantados , engañados y traicionados progsters , (hola Alberto!), abandonados a su suerte, en una decrepita "Enterprise" que navegaba sin rumbo en un cosmos lleno de flamantes naves de colorines new wave.

Este inocente "despertar Zen ", pronto se encontró con la buitrada discográfica. Lanzándose en picado hacia esos tiernos borreguillos , antaño progres, y ahora con la cartera bien llena merced a sus nuevos trabajos de vida yuppie. Y claro, la cosa pronto se pudrio. Dejando un hedor a mierda y cadaver todavía más desagradable que el de las prog bands recién fenecidas. Al fin y al cabo, ésas se "murieron solas", de muerte "natural".......Los cojones. Se murieron bien muertas, de asco e indiferencia a causa del ostracismo al que les condenaron los medios. Andy Tillison lo dirá en tono muy romántico, pero yo no. Así pues, si escudriñamos en el inicial movimiento Nueva Era, todavía podemos salvar cosas honradas e interesantes. Laraaji, Harold Budd, Patrick O'Hearn, Kitaro, Guillermo Cazenave, Steven Halpern, Jon Hassell, Gandalf, Paul Horn, Jon Mark, gente del catálogo ECM como Egberto Gismonti u Oregon. Músicos procedentes del jazz rock explorando la nueva cosa, como Ian Carr, Karl Jenkins o Bárbara Thompson...

Emerald Web fue un dúo procedente de Florida. Bob Stohl y su mujer Kat Epple. Ambos sintetistas / flautistas. De hecho, ayudaron al desarrollo del Lyricon, instrumento teclado de viento. Muy activos en los 80, hicieron TV soundtracks, música para National Geographic, CNN, Apple, NASA y documentales de Carl Sagan. Ganaron varios premios Emmy y eran habituales en eventos musicales de Planetariums y Láser shows. Su mezcla de electronic-space e instrumentos acústicos era sencillamente, deliciosa. Tuvieron una nominación al Grammy en el 86 por el álbum "Catspaw". Todo iba a pedir de boca para éste dúo hasta que, literalmente, la muerte los separó. Stohl muere en 1990 a los 34 años. Como si ésa tuviera que ser la única década - franja temporal para su actividad. Epple siguió como artista en solitario. O invitada en otros discos, como el "Ghost" del pirao de Devin Townsend.

"The Stargate Tapes 1978 - 1982" contiene material inédito de su primerísima etapa. Incluye sus iniciales cuatro cassettes editadas en su propio sello, Stargate, cuando estaban dando todavía sus primeros pasos. Y por consiguiente, sin ningún tipo de adulteración externa. El sonido de Emerald Web es la flauta, la fina electrónica de impecable sabor analógico 70s, (por fortuna), alguna grabación de campo y un finísimo gusto melódico. Como pareja, evidencian una perfecta sincronía. Mejor compatibilidad entre músicos, imposible.

"Dawn" es un verdadero paraíso sonoro de belleza instantanea. "The Dragons Gate" ofrece perfecta secuenciación berlinesa, en simbiosis con la flauta. Algo que hasta Tangerine Dream harían en aquel "Cyclone", cada vez más valorado conforme pasan los años.

"Ars Nova" podría ser cosecha de Anthony Phillips (incluye guitarras) o Blonker. "Flight of the Raven" cuenta con la bonita voz de Kat Epple, en enigmática tonada a lo Sally Oldfield (...y el hermano no anda lejos). Su ruptura ambiental nos trae un enjambre de moogs zumbadores que envidiaria papá Wakeman.

"Voices of the Stage" entra dentro de la krautronica más ortodoxa, nada mal planteada y de extraña fascinación fílmica. Simplemente entusiasmante.

A partir de la cara B, (el album es doble), los temas crecen en duración. "Photonos" suena a un Bjorn J:son Lindh evolucionado con ADN y sangre schulziana. "Doppler Bells 1" se equipara a lo mejor de Deuter (y de hecho, el grueso de su decena larga de álbumes son del sello Kuckuck).

"Rainforest" es otra sensacional pieza sinfo-electrónica que te hará olvidar ese incómodo nicho/sambenito New Age totalmente. En su segundo disco tienes por descubrir más exquisitos tesoros de un refinamiento intachable. Sirva ese final "Nightsong" que desprende perfume "In the Court....." como la mejor de las esencias King Crimson.

Post - progresivos, proto - New Agers ......la cuestión es que Emerald Web estaban creando música de muchos quilates, en una tierra de nadie o franja temporal indeterminada que los tenía sumidos en un más que injusto underground. Y eran una maravilla a descubrir.

Reivindicación al canto.

J.J. IGLESIAS

Temas

1 Dawn 2:12

2 The Dragons Gate 6:56

3 Ars Nova 3:10

4 Flight Of The Raven 3:01

5 Photonos 10:06

6 Doppler Bells One 0:46

7 Rainforest 6:11

8 Voices Of The Stage 3:19

9 Valley Of The Birds 11:51

10 Reflecting Pool 4:19

11 Openings 4:39

12 Nightsong 3:28

13 Chasing Of The Shadowbeast 10:32

14 Stepper 8:59

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Uno de los temas que más me gusta de los ZZ Top es sin duda "Blue Jean Blues". Pues bien, Melvin Taylor interpreta una de las mejores versiones que he oído de esta composición. Fuerza, sentimiento y sensibilidad.

Melvin Taylor nace en Jackson en 1959. A los tres años se traslada con sus padres a Chicago. Su tío Floyd Vaughan y su tía abuela, Rosetta Tharpe, le enseñan a tocar la guitarra a los seis años y comienza a interesarse por la música de Albert King, Jimmy Reed, Wes Montgomery y por supuesto de Jimi Hendrix. Se une a The Transistors cambiando la orientación musical de la banda hacía el blues. En los 80 se une a Pinetop Perkins y "Big Eyes" Willie Smith de la Muddy Waters Band para formar The Legendary Blues Band y realizar un tour por Europa. Se establece en Francia y graba sus dos primeros discos: "Blues on the Run"(1982) y "Plays the Blues for You"(1984). A su regreso a Estados Unidos publica cuatro trabajos para la discográfica "Evidence Music: Dirty Pool" (1997), "Melvin Taylor y Slack Band" (1995), "Bang That Bell" (2000) y "Rendezvous With the Blues"(2002). Y bajo su producción edita: "Beyond the Burning Guitar"(2010), "Sweet Taste of Guitar"(2012) y "Taylor Made" (2013).

"Rendezvous with the Blues" es el sexto disco de Melvin Taylor editado el 25 de Junio de 2002. Melvin es un magnífico guitarrista que mezcla sabiamente el blues con otros géneros como el jazz, el rock o incluso el soul. La banda la completan Lucky Peterson (Teclados, guitarra), Mato Nanji (guitarra), Dave Smith (bajo), Steve Potts (batería) y la sección de viento compuesta por Marshall Cry (trompeta), Jerry Mallet (saxo tenor) y Sidney Janise (Saxo baritono).. La grabación contiene diez versiones de temas bastante conocidos. Es disco se inicia con "Comin' Home Baby", tema del gran bajista de jazz Ben Tucker (Art Pepper, Billy Taylor, Quincy Jones, Grant Green, Dexter Gordon, Hank Crawford, Junior Mance,Herbie Mann) . Continua con "Help The Poor" compuesta por Charles Singleton (coautor de "Strangers in the Night") y popularizada por B.B.King. El tema que da título al disco "Rendezvous With The Blues" es una composición de Jimi Hall y Douglas Gordon. "I'm the Man Down There" es un clásico de Jimmy Reed donde Melvin entrega todo su potencial. Llegamos al tributo a John Lee Hooker compuesto por dos composiciones: "Chill Out" y The Healer", escritas por Lee Hooker y Santana. Otro clásico del blues llega con "Help Me" de Sonny Boy Williamson, Ralph Bass y Willie Dixon. Tenermos de todo hasta uno de Prince, "Five Women". Por supuesto el tema estrella es "Blue Jean Blues" (ZZTop), pelos como escarpias. El disco se cierra con "Eclipse de Eric Gales, gran guitarrista blusero y "Black Queen" de Stephen Stills. Magistral.

J.C.Miñana

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A pesar del nombre de ésta banda británica, dos fueron sus líderes. Por un lado el sobresaliente teclista Morgan Fisher. Cabeza visible de la misma, que venía de los Love Affair en los 60, y sería más conocido como teclista de Mott the Hoople. También de sus escisiones, como Mott y British Lions. Además de Third Ear Band, Medicine Head, Yoko Ono y un sinfín más. En 1982 participó como teclista de apoyo en la gira de Queen. Y ahí tenemos la otra conexión con ésta banda. El cantante y guitarras acústicas, Tim Staffell.

A menudo vemos que detrás de toda gran banda, hubo grandes perdedores. O miembros que dejaron pasar el tren por precipitación en el abandono de la misma. Pete Best (Beatles), Dick Taylor (Rolling Stones), Terry Reid (Led Zeppelin / Deep Purple), Bob Klose (Pink Floyd) o Jeff Jones y John Rutsey (Rush), serían buenos ejemplos.

Tim Staffell fue el culo-inquieto que no tuvo paciencia en Smile. Prometedor power trío en el que también estaban los desconocidos Brian May y Roger Taylor. Sólo seis temas fueron grabados por Smile a nivel promocional. Pero en ellos ya se vislumbraba a las claras que el estilo de los próximos Queen ya estaba prefijado. Luego llegaría Farrokh Bulsara, alias Freddie Mercury, (con el estilo vocal directamente heredado de Staffell), y lo demás es historia. Ahora se han acordado de él, porque les convenía. Para regrabar algún corte de Smile para el biopic de la banda que lo va a petar. Por lo menos se echará unas libras al bolsillo, el buen hombre. Además de los royalties de "Doing All Right", del primer album de Queen (tema de Smile). El resto de Morgan eran Bob Sapsed (bajo) y Maurice Bacon (batería). Dos desconocidos que destacan sobremanera en toda la grabación. No deja de ser curioso que los fiche la RCA italiana. Pero con el frikismo prog que se vivía en ese momento en aquel país, no me extraña nada.

En 1972 sale "Nova Solis", grabado en los RCA Studios de Roma, con todos los atributos de los grandes del momento. Componen Fisher y Staffell.

"Samarkhand the Golden" (8'04) debe principalmente a ELP, pero con un vocalista de línea Jon Anderson. La sección rítmica es también muy Yes. Atención a Sapsed y su "squirecaster". Morgan Fisher se sobra con el Moog y el Hammond lo que quiere. Sus desfases son comparables a Emerson, pero también a un desconocido Duncan Mackay y su colosal "Chimera". Menuda "ensalada de cerebros"; para comenzar. Algo así como un "Tales from Topographic", tocado por Triumvirat. Eso sí, Staffell no puede evitar su "deje Queen", que por otra parte nadie le puede reprochar. Porque como diría Freddie, "mis queridos", eso pertenece a él. Y es que éste cantante se merece por sí sólo un artículo - homenaje.

Como se deja ver en "Alone" (5'17), nostálgica pieza perfecta para la voz y cuerdas de Greg Lake. "War Games" (7'03) deja claras sus intenciones. Power sympho de speedicas teclas y majestuosa épica instrumental. Situate si te nombro a The Trip en el álbum "Time of Change", para entendernos. Morgan Fisher se lo pasa en grande, como buen "chupón de las teclas", emulando a los "Wakemerson", con la tranquilidad de jugar sólo en el campo (no hay guitarra eléctrica).

La segunda cara nos depara la tremenda "Nova Solis Suite" (20'17), dividida en nueve partes que incluyen desde fragmentos de Holst, a dos piezas de Smile : " Earth" (una de las seis que grabaron y que puedes oír en el no-oficial de Queen, "In Nuce"), y "May i Remember". Imagina "Tarkus" y "The Six Wives" con una voz a la Mercury. Pues eso. Total dedicación al prog más sinfo y espectacular, que seguro maravilló a la parroquia spaghetti.

Un disco soberbio si te van éstas músicas, que te van, que lo se yo, si no "pa rato" lees hasta aquí. E indispensable para Queen die-hards, por todo lo que supone. Fue reeditado en vinilo por Black Widow (Italia de nuevo) en 2001, e imagino que está más descatalogado que Rajoy. Al año siguiente saldría "The Sleeper Awakes" (1973), también conocido como "Brown Out", y que mantenía el mismo nivel de divina excentricidad progresiva. Y yo lo busco.

Después de Morgan, sus dos líderes tomarán distintos caminos. Fisher se fue a Japón, haciendo jingles , arreglando horteradas para japos, tocando música de improvisación, y dedicándose a su otra gran pasión, la fotografía. Tim Staffell ha estado dando tumbos, tocando por pubs en Inglaterra, y contando a todos lo tonto que fue. Claro que May y Taylor deberían retomarlo y juntar de nuevo Smile. Ah, perdón, a veces me olvido en qué plano dimensional me muevo.....Que la decencia aquí no está bien vista.

J.J. IGLESIAS

Temas

A1 Samarkhand The Golden 8:04
A2 Alone 5:17
A3 War Games 7:03
B1 Nova Solis Suite 20:17

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Dejaremos el "Tardigrade" de Simon Says que debía comentar Alberto Torro hoy, y que por avería electrónica me toca cubrir a mí. Puñetera, la jodida tecnología extraterrestre, todavía no aprendida al 100 % por los humanos. Y así va, a pedales. Pero que sería de nosotros sin ella......Pues que nos iríamos al otro barrio sin catar discos como éste, por ejemplo. Y muchos más fuera del alcance del pobre (sic) mortal.

"Ginbae" fue el único álbum de la banda japonesa de mismo nombre. Único tortazo sonoro al nivel de Mohammed Alí, que deja K.O. a mucho famosete occidental. Y que, con un precio entre 800 y 1000 €, se pone lejos de nuestras manitas en formato físico, (no me consta reedición salvadora, de momento). Así que con el PC en condiciones, asunto resuelto. Poca, casi nula info de la banda. Me las he visto para conseguir los títulos de las canciones en idioma comprensible. Los miembros tienen nombre......algunos, y no entero. En fin, mis averiguaciones dicen que el cantante se llamaba Shirashi (muy posible guitarra, también ). Shinyunsuke Nakamura es lead guitar, Kenya el bajista y Hokuto el batería. Puede hasta que haya más miembros. También, para liarla más, hay una banda llamada Ginbae Yokohama que hacen rock'n'roll guarro que dudo tengan relación. En fin, a lo que vamos, que éste disco es una rotunda revelación si te gusta el hard rock 70s con querencia proto metal.

"Tolulene" (6'29) inicia éste maratón cañero de qualite con toques de Black Sabbath ("Sabotage" era), o incluso Judas Priest de la misma época. La voz, ese gran problema para algunos, suena japonesa pero no estridente, ni amanerada, ni como Heidi con diarrea. La orgía guitarrera es digna del tándem Tipton / Downing. Se rumorea que los aplausos entre canciones son un truco de estudio, y es muy posible, porque aquí no hablan ni presentan canciones, ni miembros ni nada. Otro misterio más de éste disco.

"Rock'n'Roll People" (6'10) tiene ese aire chulo de futbolín de barrio (a alguno le sonará esto a chino, más que a japonés), a lo Deep Purple en hard blues modo tirando hacia el "In Rock" / "Fireball". Desde luego el aura Blackmore quiere ser atrapada. Con éxito, porque en una perfecta dual guitar, emulan las típicas notas altas al unísono entre Gillan y Blackmore.

"Rebiatan" (5'46) sigue con el sonido púrpura, aunque más cerca del "Come Taste the Band", en combinación con voz grave y gritos a la Hughes. De nuevo el grupo demuestra su excelente forma. Justo como hubieran sonado Purple con twin guitar. Y mola.

Damos la vuelta (virtual) al vinilo, y "Sazanga Part I" (2'47) es un bello instrumental de guitarras tejedoras, con la afinación progresiva de unos Jane.

Continúa "Sazanga Part II" (6'55) en la que cantan solista por lo menos dos miembros, en frases intercaladas. Juraría que hay un órgano de fondo, permitiendo más sofisticación en ésta segunda cara. Y llevando el tema a un clímax similar a Grand Funk Railriad en sus típicos largos cortes.

La sombra púrpura es alargada, y en la final "Anne of Green Gables" (7'21) sigue inspirando a Ginbae, que no clonando. Sus partes instrumentales también llevan referencias Budgie, convenciendo plenamente a éste escriba de que, si me toca la primitiva, éste disco cae.

Derroche de watios bien colocados y soberana lección hard (a veces prog) para muchos.Archivese con los primeros Loudness, Murasaki, Gedo, Strawberry Path, Mariner, Nokemono, Too Much, Flower Travellin' Band o Lazy. MADE IN JAPAN.

J.J. IGLESIAS

Temas

1.Toluene .... 6:29

2.Rockn 'Roll People .... 6:10

3.Rebiatan .... 5:46

1.Sazanga Rock parte 1 2:47

2.Sazanga Rock parte 2 ..... 6:55

3. Anne de Green Gables ..... 7:21

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THE ELECTRIC BUFFALO (Entrevista) (Rockliquis Bandas))

ALEX TAYLOR & FRIENDS AND NEIGHBOURS - Live 1972

SUZANNE CIANI - Buchla Concerts - 1975 (2017 / FINDERS KEEPERS) (Serie Pioneros)

LINN COUNTY - Fever Shot 1969

ETERNIDAD - Apertura (1977 / CABAL)

SIMON SAYS - Ceinwen 1995

IL ROVESCIO DELLA MEDAGLIA - Contaminazione 1973

NUEVE TUERCAS - Historias de la Calle de Abajo (2015 / RINCON LA FABRICA EDICIONES) (Rockliquias Bandas)

SEA LEVEL - Live in Chicago 1977

SPACE GHOST - Swim (2015 / SG)

TARGET - Target 1976

MOM'S APPLE PIE - Mom's Apple Pie (1972 / BROWN BAG)

SIMON SAYS - Paradise Square (2002)

CORTE DEI MIRACOLI - Corte dei Miracoli (1976)

ELECTRIC MONOLITH - Resurrect the Dead 2018 (Entrevista - Análisis) (Rockliquias Bandas)

POINT BLANK - Orpheum Theatre, Memphis TN 1981

EMERALD WEB - The Stargate Tapes 1978 - 1982 (FINDERS KEEPERS/ 2013)

Melvin Taylor & The Slack Band ‎– Rendezvous with the Blues

MORGAN - Nova Solis (1972 / RCA ITALIA)

GINBAE - Ginbae (1976 / SEA SIDE)