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Channel: ROCK LIQUIAS
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Ritchie Blackmore y Jackie Lynton - American Blues Legend 1987

August 19, 2018, 1:05 am
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Ritchie Blackmore y Jackie Lynton se conocieron en la década de los 60 por mediación de Albert Lee que era el guitarrista de la banda de Lynton. Posteriormente Savoy Brown y Deep Pruple coincidieron en diversas actuaciones.


En 1987 Ritchie Blackmore estaba nuevamente con Deep Purple. Ese año editaron " The House of Blue Light " y en la gira posterior volvieron a surgir las diferencias entre Gillan y Blackmore dando como resultado la salida del cantante.

Por su parte Jackie Lynton tenía su propia banda, Jackie Lynton Band, teniendo en sus filas a Gordon Sellar (bajo). Greg Wilson (batería) y Graham White (guitarra). Participando en el Festival de Reading a comienzos de la década de los 80 (1981-1982).



La grabación pertenece al concierto de la banda de Jackie Lynton en el Kings Head Pub en Fullham, Londres,  el 10 de Marzo de 1987. Como invitado especial, Ritchie Blackmore. El "setlist" está cargado de buen rock'n'roll (Johnny B Goode, Blue suede shoes ,Talking about you, Tusla Time entre otras). Incluso Blackmore tiene su propio blues. El sonido no es muy bueno pero merece la pena escucharlo. Todo un documento sonoro de dos estrellas del rock.
J.C. Miñana



Temas
Rhytm and Blues 00:00
Tusla Time 05:41
Johnny B Goode 09:59
I Got a Woman 15:51
My Baby don`t stand no cheating 24:35
Blackmore Blues 31:10
Talking about you 37:12
Blue suede shoes 42:00
Trying to get to you 49:45
Messin the blues 57:30




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CRAIG LEON - Bach to Moog / A Realisation for Electronics & Orchestra (2015 / SONY CLASSICAL)

August 19, 2018, 11:59 pm
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Este es uno de esos casos que le va "a encantar" a mi compañero y amigo Alberto Torro. Productor norteamericano de Miami, se va a mediados 70 a New York e ingresa en la factoría Sire Records como productor en plantilla. Ni que decir tiene que entra a formar parte de ese "gran elenco", círculo elitista intocable por la no menos intocable critica musical del momento. Grabando alrededor de 150 álbumes de "artistas tan consagrados y respetables" como Ramones, Suicide, Talking Heads, Richard Hell o Blondie, por poner sólo unos pocos.


.....Que seguro que el tío por esos tiempos se descojonaba de los petulantes sinfonicos,  progresivos y demás "vejestorios" del Jurásico de antes de ayer, no me cabe la menor duda. A juzgar por la elección de sus producciones. Músicas ramplonas, efímeras y pasto de modas del momento, que iban a salvar a la humanidad de ésa peste intelectualoide,  pretenciosa y decadente, que simbolizaba para los popes lumbreras de la prensa musical y aledaños, el "odioso" rock progresivo (and relatives).

Y así estuvo el señor Craig Leon ofreciendo sus servicios y sabiduría tecnológica  (de la que no dudo), a tan insignes mediocridades, hasta el año 98. Imagino que asqueado, aburrido y engañado, por dedicar toda una vida a dar a conocer nombres que pasarán a la historia de la música por sus camisetas de rebajas en el H & M. Menos mal que le hizo más llevadera su cruz,  encargos variados para TV, soundtracks y toda clase de encomiendas......Juegos deportivos en Dubai.....hummm. ....Por en medio, en 1981 editó "Nommos" y en el  82, "Visiting", obras de visión vanguardista - electrónica. .....ooooops! Y eso? Acaso vio la luz eterna de la sabiduría tras un hartazon de pastis  en un backstage con el zombie verdoso de Joey Ramone?  Le influenció el rock'n'roll subnormal - minimal sintetizado lo-fi de los psicópatas Suicide?.....Quién sabe. Quizá fuera todo un ejercicio de redención. Lo que no es muy coherente es que te pegues la vida defendiendo ésa cruzada, para acabar ahora haciéndose el Walter / Wendy Carlos, en un homenaje al 50 Aniversario del Moog Modular 55 con material de Bach, como hiciera en los 60 el susodicho/a.  Vetusto, magnético e icónico aparato para los que amamos éstas músicas,  que tuve el sagrado placer de ver en acción interpretado nada menos que por el propio Keith Emerson, a escasos cinco metros de mi persona. Ahora modernizado, recauchutado y tuneado para duplicar sus prestaciones respecto al original. Colabora Jennifer Pike al violín y la Sinfonietta Cracovia. Edita Sony Classical. Buenos contactos, Mr.  Leon. 


La presentación del álbum es preciosa, y la selección elegida, extraordinaria. Incluyendo en la segunda cara parte de "Brandenburg Concerto " y las "Variaciones Goldberg". La participación de Craig Leon, sin ser la de un virtuoso, es muy inteligente. Fusiona con tacto quirúrgico la electrónica con la orquesta. Sin que en ningún momento se convierta esto en una batalla campal entre analogía FM contra orquesta sinfonica. El respeto hacia la sobriedad barroca es absoluto, y los sonidos del Modular están perfectamente integrados en un todo global que entusiasma, (si no se es un talibán de las masterworks sinfonicas), y sí un amante total de la electrónica de buen gusto. De la cual León usa, pero no abusa. Su participación es legítima,  decorosa,  elegante y respetuosa ante la obra de Bach. Tengo que reconocer que es un disco que me ha gustado mucho, aún con el "turbio pasado" del señor teclista. Dos conclusiones saco durante la reflexión / escucha del disco. Que Bach la hubiera gozado con el Modular Moog 55.......y que nunca se hubiera juntado con los Ramones !!!!!
J.J. IGLESIAS









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LEE MICHAELS - Live 1973

August 21, 2018, 12:14 am
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Está claro que Lee Michaels no necesitaba una gran banda para subirse a un escenario, le bastaba con su Hammond B3 y el acompañamiento de un batería. Su mayor éxito lo obtuvo con "Do You Know What I Mean" en 1971 para posteriormente medio retirarse a finales de la década de los 70.


Lee Michaels comenzó su carrera formando parte de The Sentinals en su última etapa. Allí conoció a Johnny Barbata con el que entró en el Joel Scott Hill Trio  del guitarrista Joel Scott Hill. Lee se traslada a San Francisco donde es invitado por Bod Segarini a formar parte de The Family Tree.  Participa como músico de sesión en grabaciones de músicos de la talla de Jimi Hendrix y por fin en 1968 llega su primer disco, "Carnival of Life". Ese mismo año y con una banda renovada edita su segunda producción, "Recital",  y al año siguiente llega "Lee Michaels" acompañado exclusivamente por el batería Bartholomew Smith-Frost. El disco contiene una extraordinaria versión del "Stormy Monday". Su cuarto disco, "Barrel" , sale al mercado en 1970 incorporando a la banda al guitarrista Drake Levin. En su quinto álbum, "5", llega el éxito que tanto esperaba, "Do You Know What I Mean". Con el dinero que obtiene graba su disco menos comercial "Space and Firts Takes" conteniendo tan solo cuatro temas, dos de ellos superan los 12 minutos. En el 73 edita "Live" y opta por cambiar de compañia discográfica, Columbia" con la que graba dos discos más. "Nice Day For Something" (1973) y "Tailface" (1974), con los que no obtiene ninguna repercusión mediática.  Su último disco , "Saturn Rings" (1975), editado por ABC ,  las escasas ventas ocasionan la retirada de la música de Lee. En el 82 volvería con "Absolute Lee" donde por primera vez utilizaba sintetizadores.


La grabación pertenece al concierto de Lee Michaels en el Carnegie Hall en 1973. Michaels está acompañado por el batería Keith Knudsen. La música de Lee se mueve por los caminos del rock con mucho soul y algo de blues. El show se inicia con "Hold On To Freedom" del "Space And First Takes", versión con una duración doble que la original. Le sigue "Call It Stormy Monday" con una entrada con el Hammond espectacular mostrando la parte blusera de Michaels. "Mad Dog" tiene una gran fuerza vocal respaldada en todo momento por sonidos extraídos de lo mas profundo de su B3. Con "My Lady" y "Thumbs" llega la parte más tranquila y soul. Uno de mis temas favoritos es "Day Of Change" con un pegadizo ritmo con su teclado. La oportunidad para el batería Knudsen llega en el solo que realiza de unos 7 minutos. Más soul en "War" y nuevamente otro gran tema con "Forty Reasons" composición que nunca fue editada en estudio. La tranquila "Oak  Fire" da paso a los dos últimos temas del show " Heighty Hi" con la participación del público y el clásico "Rock my Baby". Gran noche de Hammond y de un gran cantante.
J.C. Miñana


Temas
A1 Hold On To Freedom 00:00 
A2 Call It Stormy Monday 10:56 
B1 Mad Dog 17:36
B2 My Lady 22:21 
B3 Thumbs 26:48 
C1 Day Of Change 32:14 
C2 Drum Solo 39:30  
C3 War 46:27 
D1 Forty Reasons 51:11 
D2 Oak Fire 56:03 
D3 Heighty Hi 1:01:05 
D4 Rock Me Baby 1:11:20




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MAGIK - Magik (1981 / RAYNE)

August 22, 2018, 1:17 am
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Dejamos nuestra anterior entrega con la rareza canadiense de Sea Dog. Y retomamos la actividad del mismo modo, con un desconocido power trío de aquellas frías tierras, llamado Magik. Con tan sólo un disco amparado en la independencia (sí,  soy un gran aficionado a las ediciones "indepes" ), que curiosamente no sale muy elevado el conseguirlo.  Por menos de 50 pavos puede ser tuyo.....al menos sobre la pantalla.....luego vas a comprar uno y siempre te salen con la letra pequeña.


Magik lo componían Phil O'Connell (guitarras), Ray Auld (bajo y voz solista), y Wade Gargan  (batería,  voces). El año de edición sería ya en los 80, pero éstos tíos se habían formado estilisticamente en la década anterior, y ahí seguían tan ricamente, para nuestro particular gozo. 

En la apertura de "Just Like Yesterday" tenemos toques de Boston y del Midwest rock al estilo de HeadEast. La voz es segura y poderosa, los arreglos muy profesionales y la exhibición solista de cada uno, intachable. Además,  la producción de Barry McLeod resulta estupenda y para nada suena a bajo presupuesto. Hard rock 70s de pegada y efectividad en estribillos rozando a veces el primer AOR. Moxy, Pat Travers y Thundermug como parientes y paisanos cercanos. Pero hay más.  Mucho más. 

La pedalera efectista en "Right Before My Eyes" también los equipara a los Mahogany Rush de Frank Marino, el eterno olvidado. Un oriental break en el centro de la pieza nos pone sobre la pista de visos progresivos, mientras que Ray Auld recuerda a Rik Emmett en su forma de cantar, así que sí,  también Triumph entran en la ecuación.  Y el resultado es un pedazo de tema sensacional, se mire por donde se mire. 

Volvemos a los rizos eléctricos hendrixianos en "So Young", pero con una carga dinámica directa a la yugular. Tanto aquí como en "Bank Manager", Magik toman un rumbo mainstream al modo de otro ilustre trío canadiense,  Santers. No puedo remediar el disfrute instantáneo que me produce su avalancha decibelica,  abrigada por astuta cobertura melódica,  Y el definitivo punch rockero de éstos músicos. 

"The Tunnel" vuelve a homenajear a Marino con psych / hard guitar waves y poderosa rítmica digna de figurar en "IV"  o "World Anthem". Esto suena profesional hasta en los andares.
Huelen a otra injusticia más en el  puñetero mundo del rock. Que digo, apestan a eso.

"Don't Kick Me When I'm Down" (título que ya lo dice todo),abre el otro lado con más mala leche a la Rick Derringer,  otra influencia en Phil O'Connell. "Look Ahead" relaja un poco la intensidad con un medio tiempo que va ganando temperatura in crescendo, hasta convertirse en otra exhibición de elegancia hard. 


En "Never Again"  confluyen las acertadas líneas AOR del primer Aldo Nova, el compacto armazón de Loverboy y la chulesca y febril macarreria de los primeros Moxy. Otro cañonazo para la radio que salió sin pólvora suficiente, (cash is the word, baby). 

"You're the One" contiene un rifferama sobrado, que echa un pulso entre BTO y Pat Travers, con talk-box incluida. Y efusiva demostración guitarrera por parte de O'Connell. La flotante "Belly Dancer" / "Going Insane" vuelve a levitar con la alfombra Magik-a a la Mahogany Rush, Robin Trower, Walter Rossi o Billy Workman. 

En suma, un pedazo de álbum de puro hard "macho alfa" 70s, con mostacho y apretada entrepierna progresiva / pomper. Que te deja entre pletórico de alegría y con coitus interruptus, al no haber más material de estos fieras disponible.

Cuando lo recomiendes,  recuerda decir donde lo descubriste.
J.J. IGLESIAS


Temas
A1 Just Like Yesterday 
A2 Right Before My Eyes 
A3 So Young 
A4 Bank Manager 
A5 The Tunnel 
B1 Don't Kick Me When I'm Down 
B2 Look Ahead 
B3 Never Again 
B4 You're The One 
B5 Belly Dancer 
B6 Going Insane




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MOON SAFARI - Blomljud (2009) (Doble CD)

August 22, 2018, 11:58 pm
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Si en un segundo trabajo se atreven ya con 100 mtos de música es que estos tíos van muy sobrados de ideas. En esta animalada de disco vamos a encontrarnos con un equipo de personas que llegan a la decena entre músicos y colaboradores. Y con una paleta instrumental de ensueño: Guitarras eléctricas y guitarras acústicas de seis y doce cuerdas (de nylon y acero). steel guitar, mandolinas, chelo, violín, fiddle. Piano, hammond organ, moog, mellotrón, acordeón. Bajo, batería y percusiones, efectos electrónicos y acústicos. Coros, voces solistas y arreglos de coros. Podéis ver que todo es analógico, que el sonido es completamente natural. A día de hoy un grupo así, sin trampa ni cartón, es un verdadero privilegio. Si a ello añadimos el cuidado y mimo que han empleado en la grabación y el buen hacer tan profesional como excelso y la calidad de cada composición que incluso se supera a lo largo de la escucha, poco más tendría que decir. 


Si un crítico musical se carga este trabajo a nivel técnico es sencillamente tonto, sordo o malicioso. No hablo de gustos porque esa es otra historia. Ese es otro mundo respetable y es muy probable que este plato no sea de todos los gustos. Eso es completamente normal. Pero nadie que tenga un mínimo de formación y conocimientos en el mundo de la música puede objetar nada a este trabajo sencillamente de matrícula de honor salvo que sea alérgico a la pastelería musical en cuyo caso debe ser comedido.

 En el primer CD una breve apertura a capella sirve de introducción: “Constant Bloom” donde muestran la intachable calidad de sus voces y te preparan para la avalancha sinfónica que se avecina. Con “Los Niños de Matusalen” nos vamos a los 15 mtos llenos de delicias setenteras melódicas donde el piano y las acústicas nos llevan donde quieren mientras el moog abre el telón para mostrar un paisaje inicial lleno de bellezas sonoras y caminos que apetecen recorrer llenos de gráciles seres de una amabilidad exquisita. Cuando la canción muestra el camino definitivo y las voces y el órgano genesiano abren una paleta de colores, ya estamos enganchados sin remedio en una música que solo puede ser maravillosa. La estructura es de un refinamiento absoluto y los recursos vocales empleados son de una complejidad que sorprendentemente suena tan directa y tan fácil … ufff y esto solo los muy buenos lo consiguen. La pieza es una composición perfectamente ensamblada. No hay pegotes sin sentido, típicos del neo-prog y todo fluye de forma natural. El órgano, el moog (tremendo) y las guitarras acústicas están tan bien metidos qué a uno como músico, le entra una sana envidia. Al final una masa coral y un solo de solista a la hackett te dejan sin palabras. ¡Wow! como diríais los anglosajones. 

“In the Countryside” me hace recordar al mejor folk rock posible y no puedes evitar cantar con ellos mientras cristalinos acordes de guitarra acústica evocan al bueno de Anthony Phillips o al cachondo Rick Wakeman en plan lírico juguetón. No sé si existe el concepto de música “de color blanco radiante con exquisito perfume” pero así me suena. Un encanto. 

En el instrumental “Moonwalk” claro que damos paseos lunáticos en plena declaración de valores sinfo-prog que además se vanaglorian de serlo. Los cambios rítmicos a la Camel-Genesis así como sus destilaciones delicadas y melodías afines no nos molestan en absoluto verdad? ¡¡¡Que van a molestar por dios!!! Si es lo que nos pide el cuerpo con esos dibujos sinfónicos con los que crecimos y con los que muchas veces lloramos. Tu mente ya lo está tatareando y una alegría natural crece en tu interior casi de forma espontánea. 

“Bluebells” tiene ingredientes muy próximos a los tiempos de la florida California. Aunque suena tan country rock americano como folk rock europeo, pero todo llevado a la elegancia que se precisa de ellos. Diez minutos de pura magia vocal e instrumental que levantan a la persona más deprimida y al tío más agrio que te encuentres (es broma, estos no tienen solución jejeje). 

Termina este primer CD con “The Ghost Of Flowers Past” y aquí el moog vuelve a hacer de las suyas. El perfume destila fragmentos de guitarra clásica y mellotrón con una melodía algo más triste y evocadora que añora tiempos de mayor nostalgia. Todo es claramente sinfónico, pero ahora con ribetes más mustios que nos llevarán a una guitarra más Andy Latimer.


El segundo CD en sus primeros minutos se abre como si los Byrds o los primeros Yes se hubiesen juntado. Pronto la riqueza de maravillosas melodías instrumentales se apoderan por completo para que las voces se lancen de nuevo a la aventura y vuelvas a tatarear irremisiblemente. Un fantástico cambio de ritmo acelera la pieza y aquí se lucen órgano y guitarra solista en todo su esplendor. Tremendo pasaje lleno de cambios excitantes y ligero acercamiento al jazz elegante en las intervenciones del piano. Pero el sinfonismo dice quién manda aquí y la guitarra estalla como una rosa reventona de mayo. 

Se me hacen cortos los ocho mtos de esta pieza llamada “Yasgur´s Farm”. De deliciosa podría llamarse la giga céltica de “Lady Of Woodland” con su toque tradicional británico. La tiernísima “A Tale of Three and Tree” es una delicada canción suspendida entre las nubes con cierto sabor demodé a otras épocas. 

La inmensa “Other Half Of The Sky” se va a dividir en cuatro secciones con una duración de 31 mtos. Todo lo Mejor de Moon Safari está aquí: rock sinfónico llevado al delirio en una super suite que casi es una sinfonía con todos los ingredientes que vas a necesitar. Sublimes melodías, pasajes líricos indescriptibles, instrumentaciones de alto nivel. El refinamiento del rock progresivo que ya no es una mera copia de aquello que te hizo “real man” como diría mi querido Todd Rundgren, que por cierto también de alguna forma su música tiene aquí un ligero guiño y de quien hablaremos en su momento. De momento déjate llevar por estos chicos suecos, porque vas a visitar toda esa música que tanto te gusta y siempre en el lado positivo y luminoso de la vida. ¡Todo analógico chaval! Nada de sintes mierdas, ni dobles bombos, ni voces del averno, ni bajos insoportables, ni plásticos-plastas sonoros, ni bronca monótona de los altos hornos del gremio. Es MUSICA hecha con todo el cariño y el amor del mundo, porque tú que has oído ya tanta música te lo mereces y que no te cuenten historias los críticos advenedizos de portales prog, ni hombres esquizofrénicos del siglo XXI. Estos chicos lo cogieron en el día en que la “música murió sola” y que tan ni siquiera le dieron cuidados paliativos y todo para que los sinfónicos sufriésemos su agonía. Le hicieron tanto daño y le hacen a la GRAN MÚSICA que preciso es salvarla y Moon Safari se han encargado con creces y con respeto de que ese patrimonio nunca lo perdamos. 

El arpegiado de “To sail beyond the sunset” te deja en ese paraíso de gloria y bendición. Yo no creo en ningún dios, ni en ningún paraíso, ni en el resto de estupideces humanas, pero estos tipos casi lo consiguen. Terminado el disco vuelves a despertar y a formar parte de esta infamia llamado mundo.
Alberto Torró




Temas
Constant Bloom - 0:00
Methuselah's Children - 1:27
In The Countryside - 17:09
Moonwalk - 22:52
Bluebells - 31:41
The Ghost Of Flowers Past - 41:53
Yasgur's Farm - 51:40
Lady Of The Woodlands - 59:46
A Tale Of Three And Tree - 1:03:23
Other Half Of The Sky - 1:06:51
To Sail Beyond The Sunset - 1:38:36






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IL VOLO (1974-1975)

August 24, 2018, 12:24 am
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Este fugaz grupo duraron el trascurso aproximado de un año y estaba compuesto por miembros de otras bandas de cierto renombre dentro del círculo progresivo que por esos años invadían Italia como “Formula Tre” “Osage Tribe” o “Flora Fauna Cemento” entre otros. Un nombre bastante conocido en ese ámbito sería Alberto Radius, guitarrista y cantante que a su vez siguió su carrera como músico de sesión y formó parte de los albores de la Premiata cuando éstos se llamaban “Quelli”.


 Il Volo lo formaron seis experimentados músicos con una nutrida despensa de instrumentos que incluía dos teclistas con el habitual arsenal de la época: órgano, fender rhodes, moog, piano etc. Dos guitarristas alternando eléctricas y acústicas, sitar y mandolina y voces principales más el consabido dúo bajo-batería. Grabaron dos discos estupendos: “Il Volo” (1974) y “Essere o non Essere” (1975). A pesar de que su estilo tenía muchos paralelismos con PFM, Le Orme o Banco, solo se quedaron como banda para coleccionistas futuros del RPI, algo que se repite en la mayoría de los casos que tratamos. Como es costumbre de la época los vinilos italianos son muy cortos en duración. Generalmente en torno a los 10 mtos menos que en el resto de las grabaciones de la época. Si en el resto de Europa los vinilos duraban entre 40 y 45 mtos, en Italia siempre poco más de 30. No sé el motivo francamente. Vuelvo a hablar de Todd Rundgren (caso único) en ese mismo año logró meter una pieza como The Ikon en una sola cara del primer de LP Utopia con casi 31 mtos de duración. Nos sorprendió a todos lo “apretado” del surco y supongo, lógicamente que en los USA la tecnología estaba más avanzada. Hablo de Italia, pero en España sucedía algo parecido. Quince minutillos por cara y poco más. Si lo grabado merece la pena no hay mayor problema y aunque sea una perogrullada y un tópico lo que digo, es preferible poco y bueno que mucho y malo como todos sabéis. 


“Il Volo” de 1974 lo componen ocho temas cortitos pero muy agradables de escuchar. A diferencia de otras bandas más sinfónicas como sus colegas de la PFM y cía, estos músicos se orientaban algo más a la fusión cosa que queda patente en el empleo del piano Fender, que a veces casi se aproxima a un elegante jazz-funk, pero en el envoltorio hay más por el empleo de las guitarras acústicas y los sofisticados arreglos de teclados en la orquestación. Basta escuchar el segundo track “La mia revolucione” para comprobarlo. Las melodías son atractivas y aun siendo un grupo con un potencial más instrumental que vocal, las voces son realmente agradables y la tónica general de su música es más bien relajada. El adecuado y fino empleo de los strings ensemble y la poderosa guitarra solista de Radius le dan ese toque “rock sinfónico” a veces algo pop que faltaba. En general es un trabajo fácil de escuchar. No hay “retorcimientos” sonoros ni raros experimentalismos y casi todas las piezas van por el lado melódico y agradable, elegantemente interpretado.



 “Essere o non Essere” de 1975 dura tan solo 30 mtos. Un EP hoy día y algo más original y elaborado que el anterior. Siete cortes y la tendencia fusión-funk es realmente más marcada que en el anterior disco, pero las partes acústicas siguen fascinando por su finura y el aspecto melódico sigue en la misma línea. La actividad rítmica también es mayor y más pulsante. Con algún toque de sabor a orientalismos. Gana en fuerza respecto al anterior y musicalmente emplean más recursos: hay más sintetizador y sonidos de teclados más activos y briosos. La pena es la brevedad de la propuesta y la falta de desarrollo instrumental que muchas veces lo pide a gritos. Las ideas están demasiado concentradas y algo más de tiempo en las piezas le habrían dado más respiro y un mayor interés. Es una pena porque las composiciones son muy majas pero cortan el camino demasiado pronto. “Alcune Scene” con seis mtos es la pieza más larga en la breve historia de esta banda, la estructura es algo Camel primigenio o a mí me suenan ligeramente por el balanceo rítmico del bajo-batería y el órgano-piano eléctrico van en esa onda que supongo es una simple coincidencia para la época. La tónica general como digo va un poco por los derroteros del jazz-rock y bastante más marcado que en el anterior disco. Aquí se quedó la película de Il Volo como tantos otros de la escena del RPI. Poco pero bueno. Algo es algo.
Alberto Torró


Temas

Come Una Zanzara 4:56
La Mia Rivoluzione 3:05
Il Calore Umano 4:30
Il Canto Della Preistoria (Molecole) 4:15
I Primi Respiri 3:43
La Canzone Del Nostro Tempo 4:07
Sonno 3:58
Sinfonia Delle Scarpe Da Tennis 2:49



Temas
Gente In Amore 
Media Oriente 249000 Tutto Compreso 
Canto Di Lavoro 
Essere 
Alcune Scene 
Svegliandomi Con Te Alle Sei Del Mattino 
Canti E Suoni




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EL TUBO ELÁSTICO - Impala (Entrevista-análisis) (Rockliquias Bandas)

August 25, 2018, 12:44 am
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Nuestros  amigos de El Tubo Elástico están de estreno, el pasado Julio editaron su segundo disco, "Impala". En su día ya comentamos su primer trabajo, "El Tubo Elástico". Por ello nos hemos puesto en contacto con el grupo para analizar conjuntamente su nueva producción.


 Rockliquias - La primera pregunta es un clásico en las entrevistas de Rockliquias. ¿A qué hace referencia vuestro nombre, "El Tubo Elástico?

¡Jajaja! Pues eran los comienzos del grupo y , una noche de fiesta, viendo un concierto, a alguno de nuestros amigos que se le ocurrió decir que aquello sonaba como “un tubo elástico” (???) Luego pensamos que eso de “el tubo elástico” era un buen nombre para el grupo y hasta hoy. :)

Rockliquias - En Rockliquias ya analizamos vuestro primer larga duración publicado en 2015. Supongo que habéis recorrido un largo camino para llegar a vuestra nueva producción, "Impala". Nos podéis relatar como ha sido ese camino (conciertos, festivales, dificultades, etc)

Pues lo cierto es que el tiempo transcurrido entre nuestro primer disco hasta llegar a IMPALA nos ha traído cosas muy buenas que nunca hubiéramos imaginado. 

Grabar un disco auto producido sin muchas pretensiones  a priori y que funcione tan bien es un gustazo, la verdad. Nos quedarán unas 10 o 12  copias del primer disco y hemos enviado vinilos por todo el mundo. Así que Genial!! 

En cuanto al directo, pues hemos tocado junto a bandas que admiramos desde niños (Screaming Headless Torsos, Ozric Tentacles, Uriah Heep,…) y hemos tocado en festivales  muy importantes  como Sonicarte (Teruel),  Totúm Revolútum (Barcelona)  ó  2days prog + 1 festival (Italia). Ademas hemos hecho amigos geniales y conocidos a músicos increíbles por el camino.


Con respecto a las dificultades, os podéis imaginar que llevar un grupo de este tipo para delante hoy día, es algo bastante complicado. Ninguno vivimos de esto. Tenemos nuestros trabajos, familias y problemas e intentamos sacar tiempo, esfuerzo y dinero, para hacer lo que más nos gusta. Si además, recuperamos algo de  los costes de “fabricar” discos o nos llaman para tocar en sitios chulos (y  hasta nos pagan) pues más que contentos. 

Rockliquias  - "Impala" llega en Julio de 2018, ¿Nos podéis contar los detalles de la grabación?

En estos años hemos ido invirtiendo en material y hemos montado nuestro propio estudio de grabación en la sala de ensayo que tenemos en musicaworkshop de Jerez. Por diversos motivos, para nosotros sería bastante complicado eso de ir a un estudio y grabar y mezclar en una semana… Así es que Alfonso se encarga de tirar cables, poner micros y de darle a REC a Protools. Nos ponemos a ello con tiempo por delante y partimos de material pre-maquetado en el local. Durante el proceso de grabación los temas se terminan de producir y se arreglan hasta llegar a lo que escucháis en los discos.
Podéis ver  un video extenso que recoge el making of de la grabación en nuestro canal de Youtube.



Rockliquias -¿Cómo ha evolucionado la banda desde vuestro último trabajo?

Bueno, los que han escuchado IMPALA dicen que es un trabajo mucho mas elaborado, mejor arreglado. más maduro. Estamos de acuerdo. En cierta medida, hemos intentado acercar el sonido de IMPALA algo más al directo del primer disco. 

Rockliquias - El disco se inicia con "Ingrávido" un tema donde los entramados ritmos de guitarra van evolucionando poco a poco hasta llegar al éxtasis final. Ambientes sonoros por los que os sentís muy a gusto. Podéis comentarnos algo sobre esta composición.

Es un tema que está basado en una melodía principal que aparece recurrentemente a lo largo del desarrollo del mismo. Todo lo demás “va jugando” alrededor de este motivo y, ciertamente, el climax va in in crescendo hasta el final.  Lo curioso es que está melodía “principal” a veces aparece de forma más clara y otras veces hay que rebuscarla en el entramado de capas sonoras que conforman el tema, pero esto es rock elástico! :) 

Rockliquias - "Antihéroe" es el segundo corte de la grabación, vuelve la tela de araña guitarrera a atraparnos. ¿De qué forma están presentes vuestras influencias en vuestra música?

Pues en esa telaraña de la que habláis es posible  encontrar a Hendrix, Björk, Yes, Imán Califato Independiente, Nitin Sawhney, Ozric Tentacles, Zappa, Pink Floyd, The Mars Volta, Camel, Led Zeppelin, Genesis, Porcupine Tree, Muse, … el tubo elástico es una coctelera en la cabe todo lo que hemos escuchado desde niños cada uno de nosotros más lo que vamos escuchando, pero sin un intento consciente de imitar nada de lo que hay dentro de dicha coctelera y sin ningún tipo de prejuicio estilístico.

(Foto: David Cabrera)

Rokliquias - En "Turritopsis nutricula" participa el  stickista Guillermo Cides un músico que es un engranaje prefecto en vuestra maquinaria sonora. ¿Cómo surgió esta colaboración ? Por cierto ¿ a qué se debe el curioso título del tema?

Alfonso ,nuestro bajista, lleva algunos meses estudiando Stick y tomando clases con Guillermo por Skype. Le propuso colaborar en algún tema y aceptó encantado. Ha sido un verdadero honor poder contar con el.  Además de un extraordinario músico, es un tipo sencillo y encantador. Un tío muy GRANDE!  ( http://guillermocides.com/)

La Turritopsis nutricula es un tipo de medusa que tiene la particularidad de tener un ciclo de vida en el que se revierte a pólipo después de llegar a su maduración sexual. Teóricamente, este ciclo puede repetirse indefinidamente, presentándose como biológicamente inmortal.

Rockliquias - Nuevamente un título más que original, " El acelerador de picotas", el tema más largo de  la grabación ¿De qué forma os han podido influir guitarristas como Robert Fripp o Adrian Belew?

King Crimson ,en todas sus formaciones y etapas,  es un referente fundamental para todos nosotros, algo habrá en esa coctelera de la que hablábamos arriba :)

Rockliquias - En " La avispoteca" contáis con las percusiones de Ant Romero, nuevamente una colaboración que encaja perfectamente. ¿Nos podéis contar algo sobre esta colaboración?. Ciertos aires space-flamencos también están presentes.

Ant es amigo de la infancia. Ha tocado la batería y grabado percusiones por medio mundo en grupos muy importantes como “el hombre burbuja” , “Benjamin Escoriza” (Radio Tarifa), “El Barrio”… Es un super músico , especializado en percusiones étnicas , capaz de encajar de forma casi mágica en cualquier estilo que se proponga. Es increíble la sensibilidad y técnica que tiene en esas manos.  Os recomendamos que veáis algún video suyo (más bien todos) en su web http://antromero.com/


En cuanto a “la avispoteca” es un tema de una época anterior del grupo que hemos retomado dándole una vuelta de tuerca…Los amantes de las etiquetas dirían que es “post-rock andaluz” , si :) 

Rockliquias - El disco se cierra con "Impala formidable", ¿Qué aspectos nos podéis comentar sobre esta composición?

Impala formidable es un tema con un marcado carácter  cinemático. Musicalmente a nosotros nos suele interesar crear una imagen o atmósfera musical. Un pasaje ambiental sonoro en el que poder sumergirse y descubrir matices y “colores” que a lo mejor no son perceptibles en una primera escucha. Era una buena manera de finalizar el disco, también.

Rockliquias -  La portada es preciosa nos podéis dar detalles de la misma.

Nuestra música es una amalgama de sensaciones, matices, ritmos, capas,… La mejor manera de definir esto gráficamente es un collage y tenemos un amigo que es el número uno haciéndolos. En la portada hay alusión a cada tema del disco, quizás hay que buscar un poco para descubrirlo todo, igual que en nuestra música. :) En la carpeta del Vinilo se verá muy bien todo ;)

Rockliquias - ¿Cómo van los conciertos de presentación?

De cara al próximo otoño estaremos ultimando el directo para empezar a llevar nuestro IMPALA por el mundo.

Rockliquias -¿Qué opináis del panorama musical en vuestra zona? ¿Surgen bandas nuevas? 

Hay mucho bueno por aquí abajo (The Electric Alley, The Shooter, Atavismo, Glazz, Malabriega, Sherish, Mystic Queen, Lemniscata, Bourbon,…) y mucha gente joven que viene haciéndolo genial!

Rockliquias - ¿Qué le diríais a nuestros lectores para que se descargasen el CD y fueran a vuestros conciertos?

Creemos que hacemos un estilo original con una base solida de Rock Progresivo pero en el que caben otras muchas cosas. Música instrumental para los sentidos… Y somos buena gente aunque no cantemos :)

Si os gusta nuestra música podéis seguirnos en todas las plataformas digitales y escucharnos en streaming de forma gratuita. También podéis comprar nuestros discos en CD o en Vinilo+CD y venir a nuestros conciertos. Si os gusta más otro grupo, haced lo mismo con ellos.
Muchas Gracias amigos de Rockliquias!!



Contacto
P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70


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GEORGIA SATELLITES - Live at the Ritz 1987

August 26, 2018, 1:05 am
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Nos adentramos en los años ochenta de la mano de los Georgia Satellite que nos cautivo  con temas como " Keep Your Hands to Yourself ". Un grupo que sin duda mereció una mayor repercusión.

La banda se forma en Atlanta, Georgia, en 1980 de la mano del guitarrista Dan Baird que junto a Rick Richards (guitarra),  Keith Christopher (bajo) y  David Michaelson (batería) se reúnen bajo el nombre de Keith and the Satellites. Con cambios en su formación, nuevo bajista, Dave Hewitt (Babe Ruth), y batería, Randy Delay, graban una maqueta con seis temas bajo el nombre de Georgia Satellites. A pesar de la ayuda en la producción de Jeff Glixman ( Paul Stanley , Kansas , Gary Moore , Yngwie Malmsteen, Black Sabbath, etc) no consiguen contrato discográfico y optan por disolverse. Su manager no se rinde y consigue editar la maqueta en un pequeño sello de Yorkshire. La prensa y la radio se hacen eco y se ven obligados a volver firmando en 1986 por Elektra Records. Su debut llega ese año con "Georgia Satellites" obteniendo un notable éxito con " Keep Your Hands to Yourself", emitida numerosas veces en la MTV cuando aún merecía la pena. En el 88 graban la versión " Hippy Hippy Shake " (The Swinging Blue Jeans) para la película "Cocktail" y editan su segundo disco, "Open All Night" incluyendo un tema de Ringo Star, "" Do not Pass Me By ". Su tercer álbum, "In the Land of Salvation and Sin", llega al año siguiente obteniendo escasa repercusión comercial y ocasionando la salida de Dan Baird en 1990 para iniciar su carrera en solitario. En el 93 vuelven a realizar actuaciones y en el 97 se edita "Shaken Not Stirred" con regrabaciones de material anterior y ocho nuevos temas.


Estamos ante la grabación del concierto de Georgia Satellites en el Ritz (Club) de New York el 22 de Febrero de 1987. El evento fue retransmitido por la radio local WNEW. La música de Georgia Satellites es como si metes en una coctelera a Blackfoot yStatus Quo. Buen rock'n'roll con ambiente sureño. El "Setlist" está compuesto por temas de su primer EP (Keep The Faith) y de sus dos primeros discos (Georgia Satellites y Open All Night). Los temas van llegando a nuestro cerebro como si fuesen lanzados por una ametralladora, no hay tregua ni descanso, todo es buen rock. Otra referencia la podemos encontrar en la versión del tema "No Money Down" (Chuck Berry) con claros sonidos a lo George Thorogood. Excelente sonido.
J.C.Miñana



Disc One
1. I Washed My Hands In Muddy Water
2. The Myth Of Love
3. School Days
4. Battleship Chains
5. Rocket in My Pocket
6. No Money Down
7. Over And Over
8. Long Black veil
9. Red Light
10. Something Else
11. Don't Pass Me By
12. Nights Of Mystery - I'm Waiting For My Man
13. The Race Is On
14. Dunk N' Dine

Disc Two
1. Band Intros - Not Fade Away
2. Just Like tom Thumb's Blues
3. Crazy
4. Amazing Grace - Can't Stand The Pain
5. Keep your Hands To Yourself
6. Railroad Steel
7. Every Picture Tells A Story - Gasoline Alley
8. Shake, Rattle & Roll



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STEPHAN WHITLAN - Map of Reference (1996 / FAIRY NUFF)

August 27, 2018, 12:04 am
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Ahora es todo un señor de la electrónica,  pero cuando lo entrevisté para Atropos en 1996 a raíz de su debut, lucia como un joven londinense estudiante de arquitectura,  que andaba loco por coleccionar hardware de síntesis.  La colección que ya desplegaba en éste primer álbum era para asustar a cualquier bolsillo. "O me monto un museo del sintetizador, o saco un disco. Así que opté por esto último". 

Enumerar todo el equipo que gasta el chatico sería hasta aburrido, y con éste calor, como que no me apetece. Resumiré diciendo que el Sr. Moog, el Sr. ARP Odyssey y el Sr. Prophet 5 son los "Reservoir Dogs" en éste emocionante homenaje al sonido berlinés. Whitlan tardó lo suyo en estrenarse con disco, pero ya en 1985 apareció en vivo en UK Electrónica  junto a la llamada "Sheffield Mafia" (ciudad donde entonces residía), junto a Shaun D'Lear o John Dyson. En 1997 edita su segundo, "Inertial Moments". Y hasta doce años después no aparecerá  su seguimiento,  "Triangulation" (2009). Eso sí,  hubo colaboraciones como K2 Project en 1998 (con Keith Corbett) o Narcosis en 2007 (con Steven Jenkins). También con Graham Getty registra dos álbumes entre 2014 y 2016. Siendo "Travelling Light" (2010) lo último editado a su nombre. Con Ron Boots,  lanzó el año pasado "Seven  Days".


"Map of  Reference" le llevó sus diez años de construcción,  pasito a pasito y sin prisas. Dando como fruto un extraordinario debut. No extraña que la crítica dijera de él  que "probablemente,  es el más fino álbum de EM nunca producido por un artista británico". Pueden parecer gruesas palabras, pero si nos adentramos en los 20 mts de la inicial "The Second Band Swept Away the Time that Could Never be Recovered", comprobaremos que el amigo Whitlan,  ya era cosa sería. La madeja electrónica es sólidamente progresiva, de inusual melodía siempre acertada, con sinfonismos inesperados y puntillosa ejecución en cada detalle que ofrece. No es de los que gusta repetirse. Cada segundo cuenta, como reza el título,  y el desarrollo resulta actual, pero firmemente clásico. El icónico Tangerine Dream trío,  pero con las mejoras melódicas de los 80. Un Jean-Michel Jarre sin ánimos lucrativos, o un Schulze no tan cerrado en sí mismo. Su arma secreta y que lo define con respecto a muchos sintetistas, es su facilidad para "solear" casi en un entorno rockero. Dícese de un teclista con amplia técnica  (comenzó muy joven al piano), metido a sintetista.  Lo cual le da el plus completo para hablar de un extraordinario músico. Sus solos de mini Moog se acercan a un Rick Wakeman o Manfred Mann, dentro de una total ambientación berlinesa.


 En "Darker It Gets (The Faster we drive)" (5'11), la influencia es de un absoluto Vangelis (etapa RCA), con su misma misteriosa mística. Supongo que "Freak of Geometry" (10'05) se refiere a su época de aspirante a arquitecto, que abandonó tras la crisis del ladrillo, para beneficio nuestro. De fuertes pilares secuenciales y resolutiva melodía andalusí, muy inspirada, algo así como un dúo entre Peter Baumann y Tim Blake, si es que eso es posible. "The Last Place God Made" (10'47) es majestuosa música muy compuesta y estudiada, más cercana a lo que hizo posteriormente Rod Argent al disgregar su grupo, con predominio de piano.

"Idleness in Monkeys" (10'11) posee las cadencias de "suma y sigue" que suele incorporar con efectos y sonidos el primer Jarre. Finalizando con " Into the Greenwood" (9'50) en comparativa melódica similar a los TD con Johannes Schmoelling. Aún encontramos una "hidden track" oculta, (muy de aquellos días), con el "It's Not Unusual" de Tom Jones,  en instrumental onda exótica - space age - easy listening 50s, para que no se diga que el Whitlan no le echa humor a la cosa.


Realmente,  "Map of Reference" inició una carrera con altibajos y silencios prolongados, pero hablamos de una pequeña obra maestra. A la cual pediría una obligada escucha. Un disco al que le tengo un cariño especial.
J.J. IGLESIAS










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Lobby Loyde – Plays with George Guitar 1971

August 27, 2018, 11:57 pm
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Sin ninguna duda se puede considerar a Lobby Loyde como uno de los guitarristas pionero del rock  australiano. Su paso por numerosos grupos (Devil's Disciples, The Stilettos,The Impacts,  Purple Hearts, Wild Chemes, Billy Thorpe & the Aztecs, Colored Balls, Rose Tatto, Southern Electric, Dirt ) marcó un antes y un después. Hace algún tiempo comentamos "Summer Jam" de los Colored Balls.


Lobby Loyde (John Baslington) nace en 1941 en Longreach, Australia. De familia de músicos, Lobby aprende a tocar el piano, violín y guitarra. Con 18 años se une a Devil's Disciples y en el 63 entra a formar parte de The Stilettos y un año después es el guitarrista solista en The Impacts y actúan como teloneros de The Rolling Stones en su gira australiana de 1965. Por problemas legales cambian el nombre a The Purple Hearts y graban varios singles y un EP, "The Sound of the Purple Hearts", separandose en 1967. Ese mismo año entra en  Wild Cherries moviéndose por los terrenos de la psicodelia  y al año siguiente se une a  Billy Thorpe & the Aztecs y a pesar de su corta estancia en la banda ( 14 meses) cambia por completo el sonido del grupo. En 1971 llega su primer disco en solitario "Plays with George Guitar" y en el 72 forma Colored Balls editando su actuación en el Sunbury Pop como "Summer Jam". Telonean a Marc Bolan por Australia y publican  "Ball Power" (1973) y "Heavy Metal Kid" (1974). La banda se disuelve a finales del 74. Loyde forma Souther Electric con excompañeros de bandas anteriores y se embarcan en la banda sonora de una obra concepto de una novela (Beyond Morgia: The Labyrinths of Klimster) que había escrito el propio Loyde.  Semejante proyecto es rechazado por la discográfica y vería la luz muchos años después (2007). Diversos viajes  a Reino Unido donde produce a grupos de new wave y vuelta a su querida Australia para  unirse en 1979 a Rose Tatto tocando el bajo y graba el single ""Legalize Realize"  realizando giras por Estados Unidos y Europa. En Septiembre de 1980 abandona la banda dedicándose a partir de ese momento a labores de producción. En esas labores colabora con más de una treintena de bandas hasta su muerte en 2007.



Plays with George Guitar es el primer disco en solitario del guitarrista australiano Lobby Loyde. La banda la completan Teddy Toi (bajo) y Johnny Dick ( batería). Su música nos lleva por los caminos de la psicodelia con abundantes riffs y con algunos tintes bluseros y por supuesto experimentación sonora. El disco se abre con "Everybody Come Together" toda una declaración de intenciones. Acompañamiento de guitarra "wah wah" mientras van surgiendo los riffs. A partir del minuto tres apoteosis "guitar hero". " Feels Good" es un blues lento donde la guitarra y los solos de Loyde brillan con luz propia. "George" es psicodelia pura con toques "hendrixianos". "Dream"  nos puede sonar incluso a Roy Orbison. "What I Want" un rock'n'roll  en toda regla. "Evolution " el ambiente "Hendrix" se vuelve a respirar en este tema cargado de guitarra "fuzz". El disco se cierra con "Herreni" poco más de un minuto de desfase.
J.C. Miñana



Temas
01. Everybody Come Together - 0:00
02. Feels Good - 5:11
03. George - 13:13
04. Dream - 20:19
05. What I Want - 28:44
06. Evolution - 32:33
07. Herreni - 39:34

Bonus:

08. I Am The Sea (Stop Killing Me) (single A-side, 1971) - 40:43

09. Daily Planet (single B-side, 1971) (Johnny Dick, Teddy Toi, Lobby Loyde) - 44:12



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DESPERTAR ANTOLES - Alimañas (2014 / DA)

August 28, 2018, 11:56 pm
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No conviene descuidar la actualidad de según qué sitios, por su continua y fecunda cosecha musical. Italia estresa, hasta en la actualidad, por ejemplo. Lo mismo me ha pasado con mi querida Argentina. Pasa que su (en apariencia), "escena indie", tira la cabra al monte y se nos retuerce en psicodelismos porteños de herencia inequívocamente rioplatense. Palabras mayores, me digo. Y de repente, en un abúlico domingo de plena canícula,  donde el único incentivo es el vacío,  me restriego los ojos y oídos ante la avalancha de excelente material que me viene de "asha"......Sig Ragga, Huevo, Bandidos Chinos, Las Luces Primeras, Pomelo Rosado, 1915, Roman,  Conociendo Rusia......obligo a mi persona prometer hablar de algunos de éstos temibles pibes. Y elijo primero a Despertar Antoles,  porque el primero fue que descubrí. 


Banda formada en Buenos Aires un 2009 que también para mi fue feliz. Ellos : Matías Olivera Avellaneda (voz y guitarra), Marco Fasano (guitarras), Joaquín Miguens (bajo, piano), Tomás Manuel Villarrazo (teclados) y Julián Ropero (batería). Su debut, "Alimañas", ya salió en 2014, sin que tenga más noticias al respecto. Salvo ese himno al pacifismo, o una forma de decirnos "todavía estamos aquí ", que fue el tema (zo) "Canción del Trovador" (2016). Mute Magazine los nombró entre las 50 mejores bandas nuevas argentinas en 2016.....50. No diré más.  Un año antes habían participado en el Lollapalooza argentino.

Definen así su música : "Evitando cualquier tipo de etiqueta, generan una sensación onírica que en algún momento u otro llega por nuestro sistema nervioso y nos hace viajar inmóviles. Su música no cuenta experiencias, su música es una experiencia".
Aún con todo, se autodenominan "neosoul" (para evitar ser denominados).....Pero acto seguido se desenmascaran con un ....."Despertar Antoles se nutre del verdadero amor por el sonido y la experimentación ". Ya me cuadra todo más. Y echando un vistazo a su inquietante,  enigmática y maravillosa carpeta, uno sabe que el mundo de incontables planos astrales es su hogar querido.


A los 13 segundos exactos de "Lobizon" (6'28) te reencuentras con el bromista espectro del flaco Spinetta, santo patrón del buen gusto porteño, y ya no nos deja en todo el tiempo. Qué lujo. Sin mediums ni ouijas terrenales. Letras y notas juegan a dioses creando universos de oniria permanente, con el fino y delicado tacto del tocado divino.

Buceen en su "landscape" interior, porque es clase fuera de lo normal. Efectivamente,  "Distinto" (4'31). Un tema para conservar tu atención en "on" eterno, tanto por su arropo poético,  como por su imprevisible vaivén instrumental. Trip Hop? Post Rock?.... O simplemente rock progresivo ORIGINAL, sin parecidos razonables e irracionales? Sibilinamente sí,  el triste canto de una sirena en forma de trompeta be bop a la Chet Baker, nos atrae a "Otro Lugar" (2'50). Y casi nos parece una jam entre Chuck Mangione y Santana, en una abstracta y erótica fusión. 

"En el Fondo de un Tintero" (4'59) ejerce art rock vocal con sabiduría suiza, y el mecanismo relojero instrumental clava cada sonido en tu alma. Y Pedro Aznar henchido de orgullo. "Que bien me comen los polluelos",  debe estar pensando. "Fieras del Fondo" (5'04) es otra virtud ineludible en la amplitud psicomagica de ésta banda. Cambia de ambientes sin que se den de tortas, con la naturalidad del agua por manantial. Y todo suena mágico,  místico,  consecuente y sí,  además,  ROCK. Pero de otro modo. 


Pasajes casi floydianos entran en el puzzle sonico como piezas fabricadas expresamente para su perfecto encaje, en "El Hombre sin Sombra" (3'41). Abstracción hecha belleza que invoca a demonios como Fripp, Eno  o Cluster, sin que te enteres. Porque ellos son sus propios demonios. Y un imparable tren nos adentra en "Prisa" (4'26) con antigravitatoria pereza, en clave de blues pesado y lisergico. Con guitarra y Hammond arrasando neuronas paranoicas de urbanita desquiciado y desesperado. 

"Buey" (4'36) marca el final de trayecto en éste viaje interior a universos en constante expansión creativa. Blues psicodélico extraterrestre que sería la envidia de cualquier invasión alienígena despistada,  (mira que querer invadirnos......). Porque estoy implacablemente seguro de que no existe raza ahí fuera que sepa irse a pasear el coco mejor y con más elegancia que Despertar Antoles. Ellos los despertaron bien......joder, qué buenos!!!!
J.J. IGLESIAS


Temas
1. Lobizón 00:00
2. Distinto 06:28
3. Otro lugar 10:59
4. En el fondo de un tintero 13:50
5. Fieras del fondo 18:51
6. El hombre sin sombra 23:51
7. Prisa 27:36
8. Buey 32:01






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MOON SAFARI - Lover´s End (2010)

August 29, 2018, 11:56 pm
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Llegar tan alto en un segundo disco suponía un desafío difícil y éste es un dilema y una complicación añadida a todos los grandes grupos y a todos los buenos músicos. 


Si echamos un vistazo a la historia del prog y sus héroes, generalmente las obras importantes y su mejor música se suelen encontrar en los primeros tramos de sus carreras salvo alguna excepción como es lógico. Las discografías más breves y las bandas más fugaces en el tiempo lo tienen más fácil naturalmente porque no sufren el desgaste y el agotamiento del tiempo. Insistir en la tercera edad caso del culebrón de Yes o un desgastado Jethro Tull tocando un millón de veces lo mismo y cada vez peor y con mayor desgana: cuando todos han pasado con creces de los 70 años y se resisten a desaparecer, es realmente patético. Lo bueno de sus inmensas discografías apenas ocupa ya un 20% de su producción y está muy lejos en el pasado, pero ahí siguen y siguen como el conejo de duracel. Cierto es que hay otros ejemplos encomiables como en el caso de IQ y alguno más. De momento no es el problema de la banda que nos ocupa, todavía son jóvenes, aunque también hay que decir que desde 2013 no han grabado nada en estudio. La fórmula por el momento les ha salido perfecta y cada álbum logra mantener el nivel pero no superarlo. 

En este “final amoroso” se han preocupado muy mucho de que las cosas sigan al mismo nivel y cabe decir que incluso han mimado un mayor énfasis en el trabajo coral y quizás un acercamiento algo más “pop” y entiéndase el entrecomillado. Es decir, siguen siendo una banda de rock sinfónico, pero con muchos detalles más próximos al rock melódico (no AOR cuidado). Las composiciones no son tan ambiciosas como en el “Blomljud” y hay un mayor perfil al formato canción. Hay dos piezas no obstante con la suficiente carga de profundidad sinfónica como son “ A Kid Called Panic” con sus buenos 14 mtos y “Crossed The Rubicon” con cerca de 10. El chaval llamado pánico tiene unos primeros 4 mtos que lo acercan demasiado a un comercialismo beat cercano a la ELO con ligeros tintes a lo Flower Kings más alegres, aunque a mi juicio lo mejor de esta pieza es su desarrollo instrumental donde los teclados están gloriosos mientras el rasgueo acústico y la base de piano transcurren a placer para que el moog solo haga de las suyas. Muy bonito este pasaje realmente. 


La otra pieza larga que cruza el Rubicón lo hace en similares características, pero la melodía vocal es mucho más hermosa y radiante, de las más bellas que tienen. El acompañamiento casi folky de las guitarras rubrican una pieza de ensueño. El resto del álbum se reparte en las partes 1 y 2 de “Lover´s End” donde la melodía me resulta completamente familiar, sin decir que ello sea una copia de algo que conozco desde luego. Me recuerda… pero ahora sinceramente no caigo el qué. El resto son bonitas canciones con más o menos atractivo. Otra “a capella” aparece en “Southern Belle” con su melancólico final. “Los mejores soñadores del mundo” es una canción de agitar pañuelito y sí, que francamente me resulta tan linda como algo empalagosa o como una canción de cuna. El sr Wakeman parece estar jugando un rato. “La chica veraniega en New York” suena a una festiva canción USA con inevitables perfumes de costa oeste añadidos con guitarras en esa onda y una coda de cabaret. “Heartland” nos devuelve al mellotrón y al moog al unísono en una casi pegadiza canción tan bien hecha como predecible hacia los terrenos del neo-prog británico, pero que tiene no obstante un efectivo desarrollo instrumental casi a la IQ. Un álbum entretenido y muy bien producido, aunque a mi juicio, no al mismo nivel que el anterior.
Alberto Torró






Temas
1. 00:00 - Lover's End Pt. 1
2. 06:42 - A Kid Called Panic
3. 20:39 - Southern Belle
4. 24:25 - The World's Best Dreamers
5. 30:12 - New York City Summergirl
6. 34:20 - Heartland
7. 40:06 - Crossed The Rubicon
8. 49:51 - Lover's End Pt. 2




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REALE ACCADEMIA DI MUSICA - Reale Accademia Di Musica (1972)

August 31, 2018, 12:02 am
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Esta es otra de esas olvidadas bandas italianas de rock sinfónico que aparecieron en la eclosión del estilo que acaparó con entusiasmo el primer tramo de década. En los setentas solo grabaron dos discos, el que nos ocupa de 1972 y otro en 1974 que no se tiene en cuenta porque en realidad se limitaron a acompañar a un cantautor llamado Adriano Monteduro y fuera ya del estilo progresivo. Una lástima porque este trabajo primigenio es tan bueno como cualquiera de esas gemas perdidas en la Italia sinfónica de las Premiatas y los Bancos. 


Se forman como sexteto en Roma en 1972 y entran rápido en el estudio. Como es habitual en el resto de sus compatriotas la música tiene toda su fuerza en los teclados: Piano y órgano principalmente, en un estilo de tempo medio, pausado y muy similar a veces a los primeros Pink Floyd en ese típico “ritmo lento” de órgano sacro suspendido, que caracterizaba las primeras obras de los británicos psicodélicos por excelencia (para mí las mejores). Lo peculiar del álbum es que el cantante Henryk Topel Cabanés era un español (¿?) cantando en italiano con un toque muy melancólico y abatido, lejos de los tópicos y estreñimientos vocales habituales de la “canzone” a lo Cocciante o el cántico amoroso que tan bien imita nuestro italianizado latin lover Sergio Dalma.

 En esta ocasión tenemos un álbum de 40 mtos y con piezas que llegan incluso a los 9 de duración. Federico Troiani es un teclista que ha prestado mucha atención al órgano de Rick Wright: esos vacíos cósmico celestiales que tan buen provecho sacaban los Floyd hasta el Oscured By Clouds y que poco a poco fueron abandonando hasta el desastroso y plomizo The Wall (al menos para mí). Este disco de R.A.M suena algo polvoriento. Han pasado muchos años y el tiempo es un juez implacable. Ese estilo sinfónico, suave y apacible. Analógico hasta la médula, genuino de una época mucho más inocente que la de hoy, donde la música era mucho más hermosa que la de nuevas generaciones, dentro de su simpleza. Una simpleza que hoy se agradece como si te regalasen un excalextric, un fuerte de madera con indios de goma, un juego de construcción de castillos o un pack de magia para niños. “Favola” desgrana guitarras acústicas y una voz canta perezosa y sin prisas con una pequeña orquestal en los arreglos y debes apoyar bien la espalda en el árbol, el trasero en un buen césped. “Il mattino” sigue por bucólicos caminos mientras el piano te acompaña en el sendero y ligeros arreglos de cuerda apaciguan tu marcha mientras el teclado describe la melodía. Llega un momento en que los primeros Banco aparecen en una creciente aceleración instrumental para que la guitarra solista diga unas palabras. Es uno de los momentos más prog del álbum hasta que se retorna al plácido inicio. “Ognuno Sa” tiene un ligero acento a blues rock filtrado a lo Floyd y “Padre” ya es Floyd hacia el 69, 70, 71 con una hermosa melodía donde la voz y el órgano a la Wright no esconden sus secretos ni tampoco la guitarra solista que transcurren plácidamente como detenidos por el tiempo. 


Estamos en 1972 y es el sonido de ésa época sin trampa ni cartón. Tal cual. “Lavoro In Citta” es más de lo mismo pero en el centro hay un mellotrón y voces que puede recordarnos tanto a los Moody como a la Barclay como al bonito final del “Echoes”. Termina algo más animado hacia el rock-blues. “Vertigine” sigue siendo deudora de su época y del estilo algo más Greenslade o a los primeros grupos proto-prog británicos que sonaban parecidos. Reale Accademia Di Musica tuvieron alguna grabación más reformados en el 2008 y hasta el presente con un reciente trabajo del 2018 que lo dejo a la opción del oyente.
Alberto Torró



Temas
Favola 3:46
Il Mattino 9:19
Ognuno Sa 5:18
Padre 8:42
Lavoro In Citta' 5:56
Vertigine 7:12




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KAMADEVA - Ritual en Carcosa (2018 / KAMADEVA) (Rockliquias Bandas)

September 1, 2018, 12:47 am
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Recuerdo una entrevista efectuada al ex- Hawkwind y Amón Duul II, Dave Anderson. Le pregunté si estaba de acuerdo conmigo en que los primeros álbumes de Motorhead con Fast Eddie Clarke eran, en mi opinión,  psicodelia al fin y al cabo. "Absolutamente", me respondió. Y ese detalle perdido en el tiempo, me vino a la memoria escuchando el segundo disco de los valencianos Kamadeva. Power trío stoner y brutote, a una primera escucha. Que va sumando detalles y líneas ingeniosas en posteriores visitas.


 Rodrigo Villagran  (guitarra, voz solista y letras), Antonio Rodríguez  (bajo y coros) y Lucas Burguet (batería,  tablas) son los responsables de la tormenta perfecta que supone "Ritual en Carcosa". Nombre éste de los Carcosa Studios, donde fue grabado por Guillermo Sanz Rodrigo. Supone la continuación a su debut homónimo del 2015. Corregido y aumentado.

"Bóvedas del Tiempo" (7'03) se inicia con efectismos pedaleros y densa tensión rítmica,  Lo que será una entrada triunfal de disco. Para entrar en materia con recuerdo , precisamente,  de Eddie Clarke en su aceleración Stoner. Su trasfondo melódico casi gótico me recuerda a los zaragozanos Restos Humanos. Y la mezcla les funciona con la misma efectividad que a ellos. También por su monstruosa instrumentación y estallido heavy psych desbordando esteroides y mala ralea. 


Me encanta la asalvajizada producción de que dispone la batería,  en "Cavernas del Volcán " (3'01)..... y sus coros de psicópata peligroso. "En la Bruma" (7'07) es pesada como un bulldozer arrasando como tal. Con la clase de unos Warrior Soul y la pegada noqueante, además de ácida,  de unos Trouble. Material incandescente, freak' n' roll en flamigera  jam de atronador galope. Recuerdas el riff de "Gypsy" de Uriah Heep? Ahora pásalo por la "machine head" stonizada y verás. 

Un curioso efecto en loop abre "Vinicius Colissi" (6'31), seguido de un lemmymaniaco bofetón de bajo y la estampida del wah wah y los atronadores parches. Se trata de un avasallador instrumental perfecto para una espectacular persecución de peli de acción. Si hubieran añadido sintetizadores en envolvente, estaríamos hablando de algo muy Hawkwind.


Vuelve el goth stoner feel en "Aluzinado" (2'52), uno de los puntos fuertes del trío. "Mantra" (1'34) es eso mismo, un acercamiento hindú con tablas incluidas y adecuada ambientación. No olvidemos que Kamadeva es el dios hindú del amor.....el amor a los decibelios, será. 

Váyanse preparando con "Sagrado Ritual" (9'04), con una intro muy Zeppelin a la stoner rock. El estilo de Kamadeva está perfectamente definido, y su propuesta es definitiva en cuanto a fuerza, seguridad y ataque. Sirva el tremendo desarrollo de ésta pieza final como demostración del potencial de los valencianos. 
Kamadeva ha parido un monstruo que se agiganta a cada escucha. Y estamos en su segundo álbum, van sobrados de tiempo. Muy grandes.
J.J. IGLESIAS



Temas
1.  Bóvedas del tiempo
2.  Cavernas del volcán
3.  En la bruma
4.  Vinicius Colissi
5.  Aluzinado
6.  Mantra
7.  Sagrado Ritual





P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70


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ATLANTA RHYTHM SECTION - Smilin' Dog Saloon, Cleveland 1975

September 2, 2018, 12:48 am
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Atlanta Rhythm Section es una banda estadounidense de rock sureño formada en 1971 con más de cuarenta años de carrera musical. Con una discografía que supera la docena de discos tuvo su mejor etapa en la década de los 70. Algunos de sus éxitos fueron "Doraville", "I'm Not Gonna Let It Bother Me Tonight", "Champagne Jam", "So Into You", "Imaginary Lover entre otros.


En 1975 Atlanta Rhythm Section ya tenía publicados tres discos ("Atlanta Rhythm Section" (1972), "Back Up Against the Wall (1973) y "Third Annual Pipe Dream" (1974)9. En Agosto editarían su cuarta producción, "Dog Days_".


La grabación nos presenta la actuación de  Atlanta Rhythm Section en el famoso club de Cleveland, Smiling Dog Saloon", el 27 de Agosto de 1975. En ese momento la banda estaba integrada por Dean Daughtry (teclados), J.R. Cobb (guitarra), Robert Nix (batería), Barry Bailey (guitarra), Paul Godcard (bajo) y Ronnie Hammond (voz). En cuanto al "setlist" esta compuesto por "Another Man's Woman (It's So Hard)"  de su primer disco. Sin duda el tema estrella del disco, pasa de tener poco más de cuatro minutos a los diecisiete de la versión en directo. típico tema de rock sureño con numerosos duelos guitarreros, solo de bajo y un gran "slide guitar". De su segundo disco ("Back Up Against the Wall") tenemos  la inicial "Back up Against the Wall", recordándonos sobre todo al principio a los Allman. De su tercer álbum ("Third Annual Pipe Dream") podemos escuchar "Who You Gonna Run To" a ritmo de pesado blues, la balada "Angel", su gran éxito "Doraville" y por último ""Help Yourself". Se completa el "setlist" con "Dog Days" y "Boogie Smoogie" del álbum Dog Days publicado tan solo unos días antes del concierto. Noche de rock sureño con un excelente sonido.
J.C.Miñana



Temas
01. Back Up Against the Wall 00:00
02. Who You Gonna Run To 04:46
03. Dog Days 09:17
04. Angel 13:00
05. Doraville 21:43
06. Another Man's Woman 25:38
07. Help Yourself 42:56
08. Boogie Smoogie 49:10



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DEATH & VANILLA - A Score for Roman Polanski's The Tenant (2018 / FIRE RECORDS)

September 2, 2018, 11:55 pm
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Procedentes de las enigmáticas tierras de Malmo,  Suecia, el dúo formado por Marleen Nilsson y Anders Hansson en 2007 lo tenían muy claro. Querían recrear el ambiente único,  a veces terrorífico,  a veces kitsch, de los soundtracks 60s y 70s. Con un condimento lounge, kraut, avant, freak moog, muzak o exótica. Dependiendo de las circunstancias.  Y a ello se lanzaron decididos con un obligado equipo de vintage naturaleza como exigencia autoimpuesta. Vibrafonos,  Farfisas y órganos de todo pelaje, mellotron, tremolo-guitar y moog, en especial predilección. 



Pronto se uniría un tercer miembro, Magnus Bodin. Y los discos. " Hands in the Dark, Kalligrammofon" (2012), "Vampyr" (2013), "To Where the Wild Things Are" (2015) y "The Tenant" (2018). Aderezado con un puñado de EPs y singles de instantáneo atractivo coleccionista. 

"The Tenant" (1976) fue la tercera película  en la llamada "trilogía del apartamento", de Roman Polanski. Las otras dos fueron "Repulsion" (1965) y "Rosemary's Baby" (1968). La cuestión era regrabar una banda sonora alternativa bajo el prisma retorcido de Death & Vanilla. Eso es lo que ocurrió en directo, en el Cinemascore Festival 2015 de Castellón,  sí,  en España. Ya habían hecho algo similar con el clásico de horror, "Vampyr" (1932), para el Lund Fantastik Film Festival.

"The Tenant" versión Death & Vanilla nada tiene que ver con el original score de Philippe Sarde.  Desde el comienzo, con la intro de "Le Loctaire", comprobamos que el Radiophonic Workshop británico tiene una fuerte influencia en sus oníricos planteamientos.
"Zy and Choule" es una ensoñadora pieza kraut perfecta para un repertorio de Moebius / Roedelius, con predominio de flotante órgano. "Church Music" no representa en nada a su título,  un misterioso lounge krauterizado, que casi suena a Popol Vuh. "Walls Have Teeth" pone de manifiesto otra de sus fuentes inspiradoras, el inquietante y turbador romanticismo de Angelo Badalamenti. Esto quedaría en "Twin Peaks" a la perfección.  Casi puedo ver al enano cabrón bailando entre cortinas de terciopelo rojo....

"Labyrinthe" exprime drone - loops con astutos resultados.
"Mouvement Panique" viene enlazada, ahora con redobles de batería casi jazz, entre languidos soundscapes en tinieblas. Otra delicatessen sonora es "Free Design Kung-Fu", que se sitúa entre la semioscuridad del "Meddle" y la ácida  (falsa) claridad de Terry Riley." Do you Have Any Trouble" se ajusta al modelo suspense con fidelidad 70s.

"If You cut off my head..." acata reiteración evolutiva extraída de los dictados de Philip Glass. "Dioz Delirium" muestra dramático mellotron a la Froese,  persiguiendo con éxito la sinopsis del film :  El deterioro mental que sufre un hombre cuando alquila el apartamento de un suicida. En cierto modo, corregido y (muy) aumentado, lo mismo que ocurre en la irreprochable y favorita personal, "Session 9", ( incluida una fuerte carga de "The Shining"). Donde la música,  (junto al imponente manicomio en ruinas), eran las verdaderas protagonistas. No estaría nada mal que Death & Vanilla recreara  la música de esa peli. A ver qué les sugería. ...Aunque reconozco que lo hecho por Clímax Golden Twins ya era, de hecho, más que suficiente.

"The Tenant" sigue su transcurso con extraordinaria efectividad psicológica. Son cortas piezas para escenas determinadas, pero todo encaja con facilidad y lógica,  dentro de un mundo kafkiano y pesadillesco.

Death & Vanilla saben lo que se hacen con esos mimbres, y el resultado final convence de sobras. Quiero más. 
J.J. IGLESIAS







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MAMA LION - Preserve Wildlife 1972

September 4, 2018, 12:09 am
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Si juntamos a Lynn Carey explosiva cantante y modelo (Penthouse 1972) y al bajista Neil Merryweather, curtido músico canadiense que incluso rechazó una oferta de  Crosby, Stills, Nash & Young para incorporarse a su sección rítmica, el resultado indudablemente tiene que ser bueno y lo es.


Lynn Carey nace en Los Ángeles en 1946. Comienza su carrera como modelo y actriz participando en la película "Lord Love a Duck" y en diversas series  Lassie , The Man from UNCLE , Run for Your Life, etc.  A finales de los 60 forma parte del grupo CK Strong. Conoce a  Neil Merryweather con el que se une sentimentalmente y  graba " Ivar Avenue Reunion" (1970) y forman Merryweather & Carey editando "Vacuum Cleaner" (1971). En 1972 se transformarían en Mama Lion con la incorporación de Coffi Hall (batería), Rick Gaxiola (Guitarra) y un tal Charlie (teclista) que fue sustituido por James Newton Howard al lesionarse el brazo durante una borrachera. Graban una maqueta que llama la atención de Ken Mansfield que se convierte en manager de la banda y consigue contrato discográfico con  Family Productions  Graban su primer disco, "Preserve Wildlife "(1972). Paralelamente Merryweather tiene una banda, Heavy Cruiser, con los integrantes de Mama Lion a excepción Carey y graban dos discos "Heavy Cruiser" (1972) y "Lucky Dog"(1972). 

 Mama Lion realiza una gira por Europa donde comienzan a surgir las disputas entre sus miembros. Rick Gaxiola abandona y es sustituido por Alan Hertzberg (Billy Joel). Con esta formación graban su segundo disco " Give It Everything I've Got " (1973). El abuso de sustancias por parte de Carey y el deterioro de su relación con  Merryweather ocasiona la disolución de la banda ese mismo año.

Este primer disco de Mama Lion nos ofrece la posibilidad de escuchar a una excelente cantante, Lynn Carey, a la altura de las divas del género de la época. Incluso me atrevo a decir que no tiene nada que envidiar a Janis Joplin. Por su puesto el resto de la banda está que se sale. Alucino con Rick Gaxiola sus solos son pura dinamita. James  Howard a los teclados está esplendido en cada una de sus intervenciones. Y en la sección rítmica Coffi Hall (batería) y Neil Merryweather (bajo). El disco comienza nada menos que con "Ain't No Sunshine" (B. Whitters"), poderío vocal a cargo de Cary y apoteósico final. "Ain't No Sunshine" nuevamente Gaxiola y el hammond de Howard nos trasportan al éxtasis . Una nueva versión llega con el tema de Temptations, "Ain't Too Proud To Beg" donde la reina es Carey. "Wildcat" nos ofrece otro gran riff de Gaxiola, gran rock blues. "Candy Man" seguimos en tono blues con una sensual pero ruda voz. "Mr. Invitation" su primer minuto nos traslada a un concierto de piano clásico para posteriormente un poderoso riff nos dice que esto es rock del bueno. "Sister Sister (She Better Than A Man)" buen rock'n'roll a mover el culo todo el mundo. La última versión que realizan es con el tema de S.Winwood, "Can't Find My Way Home". "It's Only A Dream" me encanta, no hay ningún tema desechable en el disco. Fuerza, garra y sentimiento. Se despiden con "Cry" balada a lo Janis.
J.C.Miñana



Temas
A1 Ain't No Sunshine 00:00
A2 Be Bad With Me 03:11 
A3 Ain't Too Proud To Beg 05:58 
A4 Wildcat 09:34
A5 Candy Man 12:43 
B1 Mr. Invitation 16:18 
B2 Sister Sister (She Better Than A Man) 21:16 
B3 Can't Find My Way Home 23:50 
B4 It's Only A Dream 27:50 
B5 Cry 30:45




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ONCE & FUTURE BAND - Once & Future Band (2017 / CASTLE FACE)

September 4, 2018, 11:58 pm
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Me llega el soplo, por mediación de la página hermana AOR Haven, de éste nuevo nombre compuesto por veteranos de Oakland. Sus miembros proceden de agrupaciones tan respetables en los últimos años como Howlin Rain o Drunk Horse. Aunque ni por asomo tiene que ver lo de Once & Future Band con los estilos de éstas bandas. Tras un prometedor, pero escaso EP, nos llega su debut de largo. Tres son los principales implicados. Joel Robinow (voz, teclados, guitarras, bajo), Eli Eckert (bajo, guitarras, voz, teclados) y Raj Ojha (bateria, percusión,  ingeniero y mezclador). Cuentan con ayudas de un par de guitarristas, los vientos moderados de Danny T. Levin y las "backing vocals" de dos chicas.


 La sorpresa surge en un instante. Porque estos tíos recrean con integral honradez y sin pastiche alguno, los medio 70s, de mil maneras diferentes. Yo diría que hacen lo que Cats in Space en Inglaterra, pero con su visión y tradición USA.  La mayoría de reseñas que he leído sobre ellos nombran a Beatles y Beach Boys. ....si,  pero no. Esos nombres pertenecen y definen los 60. Y aquí en lo que se regodean,  donde han parado la máquina del tiempo, es en 1974, aproximadamente. Afinando más, diría que lo de ésta banda tiene que ver un mucho con Todd Rundgren, con y sin Utopía. Y en ésta comparativa ya van insertas las dos bandas mencionadas. Pero aquí hay más enjundia, puesto que de los 70 se trata.

"How Does It Make you Feel?" (5'57) te vuela la cabeza nada más empezar. Suena a clasicazo del "Somethig / Anithing" del Rundgren, o a los Utopia ya como cuarteto, del " Ooops! Wrong Planet". Alguien dirá que también a Queen.....salvo que haya escuchado a los olvidados, pero extraordinarios, Stories. Para mí los verdaderos inventores de "ese" sonido que todo el mundo da como pertenencia de los de Mercury. Los neoyorkinos Stories, formados por Ian Lloyd y el ex- Left Bank , Michael Brown, se adelantaron unos cuantos años a todas esas emocionadas corales de los británicos. De hecho su cantante, Ian Lloyd, ha sido una de las voces más requeridas del negocio. Desde Foreigner a Yes (y muchos otros), han contado con sus servicios. Bueno....que me voy del tema y pierdo el hilo. Que ésta primera canción es como una de esas que parece has escuchado toda la vida.

"I'll be Fine" (6'28) también aglutina a la "triple B" (Beatles / Beach Boys), con otra ilustre fuente inspirativa : la ELO  de mediados 70. Jeff Lynne estirándose de los pelos (y hasta quitándose las gafas), ante semejante ejercicio de estilo. Añadiría a Ambrosia, Yes, Starcastle, Utopía  (again), Aviary, Russia, Pre, Trillion y la de dios.  Porque es otro trabucazo de buen gusto nivel bonus y partida gratis, (recordad, estamos en los 70). Las guitarras rinden honores a Brian May y a David Gilmour, pero sin darse de bofetones. Que esto está muy limado, engrasado, aceitado, embadurnado, grasiento y lubricado. Pero no pierde aceite. O sí. No sé. Me da igual. Esto es cojonudo, parroquia. 

"Hide & Seek" (6'18) nos presenta otra faceta del grupo. El soft jazz de pub elegante (hubo un tiempo en que existieron, lo creas o no). Aquí hay referencias quizá involuntarias, desde a Steely Dan, Michael Franks, Maxus....hasta el Canterbury softy de Caravan o las elegancias estilísticas de Duncan Browne. Una maravilla de qualite Premium. 

Continúa ese feel en "Rolando" (4'39), con cercanías por las "ventosidades", a Chicago. Y qué bien huelen, oiga. Los teclados hipnotizan, y puede que te encuentres en dominios afirmativos,  o más modernizados,  en tierras de sus vecinos World Trade / Circa.....Billy Sherwood se pegara como una lapa a éste grupo como se entere de su existencia. Aviso. 

Tío Rundgren reafirma su título nobiliario de "Brujo y Verdadera Estrella", con la influenciada "Tell me Those are Tears of Joy " (5'19). Otra gema con sintes a lo Moogy Klingman,  baterías cabalgantes Phil Collins - style, bajos de escuela Chris Squire y guitarras / voz emulando al gran Todd. El último dios vivo.

La guitarra phaser de "Magnetic Memory" (4'41) parece procesada por el mismísimo Alan Parsons para una "floydiada" de las suyas. Pero no, que resulta que produce el batería,  con la misma clase que toca. Estos tíos son sorprendentes,  no me canso de decirlo.

"Standing in the Wake of Violence" (5'17) pone fin a ésta pequeña masterpiece, con más sentimientos añejos que una peli de Tarzan. Aquí con sonidos West Coast / Prog en la línea de Lake, Baby Grand o Pablo Cruise, con acento en lo último, (más progresivos que AOR). Aunque la mezcla de ambos es habilisima. Sólo escucha ese final de mini moog....

Es una fantasía hecha realidad que ha salido tan redonda, que surge la duda sobre si Once & Future Band podrán mantener el nivel en el siguiente round. De momento, disfrutemos como malditos posesos de éste sincero homenaje a la mejor década de la historia, los 70. Al menos para mí. 
J.J. IGLESIAS










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MOON SAFARI - The Lover´s End Trilogy (EP) 2012 & Himlabacken vol 1 (2013)

September 5, 2018, 11:55 pm
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Este “añadido” salió dos años después del final de los amantes, como si ellos hubiesen intuido que el anterior disco se les hubiese quedado corto y bendita sea la idea de incluir una tercera parte de “Lover´s End: Serenata de Skelleftea” que ocupa nada menos que 24 mtos. Una super suite sinfónica de lo mejorcito de su producción. Un EP que llega casi a los 30 mtos incluyendo las partes 1 y 2, pero cambiando la primera versión hacia lo acústico.


 La ecuanimidad de la crítica hacia esta pequeña perla progresiva es de cinco estrellas y parece ser que por una vez bastantes nos ponemos de acuerdo en que estos tíos pasarán a ser una de las bandas preferidas cuando la historia ponga a cada uno en su sitio. La riqueza de recursos melódicos e instrumentales no deja de sorprenderme en estos suecos. Su exquisitez extrema en las composiciones, la delicadeza que imprimen y la facilidad para penetrar en los que tenemos el corazón y permitidme la ñoñería “tiernamente sinfonizado”. Pero ya sabéis que hoy se tiende a perpetrar injurias y tontos prejuicios hacia el concepto lírico que se interpreta igual a moñas pero que nada tiene que ver con lo cursi porque eso ya es afectación y ramalazo. Si buscas gentileza hoy y por casualidad la encuentras, date por afortunado o afortunada. Se piensa, no sin cierta lógica ante la jungla que pisamos, que una aptitud antipática ante la vida, es de ser más interesante incluso más cool y más rompe corazones. Solo triunfan los malos y los chulos y el marqueting lo potencia. No se llevan ya los educados y buenazas: estos hoy no se comen un rosco. Así que cuanto más cabrones seamos, mejor nos va a todos y todas, en todos los asuntos de la vida porque así podrás escalar puestos altos en las empresas y hacer amigos indeseables. Menos vino y rosas, menos hermosura, menos belleza, menos personalidad: que el grupo me acepte o me deprimo. Y en general en ambos sexos abrazamos esa imbecilidad con entusiasmo. Añádase a todo ello: menos encanto, menos léxico, menos lectura, menos educación y menos cultura. Si te soy sincero tenerla tampoco sirve de mucho a no ser que te guste estar solo. Pero reconozco que un mundo así es más divertido. Si fuésemos todos inteligentes sería insoportable os lo aseguro. Un mundo sin tontos e ignorantes sería muy aburrido Superficialidad absoluta o no te incluyen. Más negro sobre negro en toda estética. Más desconfianza (lógica por otra parte) menos tolerancia y mucha menos bondad y aptitud positiva. Siglo XXI. Mundo andrógino, robótico, extraño, antagónico a todo humanismo, desagradable sin sentimientos y no hemos hecho más que empezar. Agarraros en la próxima década. Lo contracorriente se ha convertido en corriente y ya nada es auténtico. Todo está manufacturado y pervertido. Para un tipo descatalogado, escéptico y obsoleto como yo, el mundo que conocí ya no existe (…bueno sí, vale, hay otra vez vinilo) y el que veo hoy no me gusta nada porque es anormal y no es que no me haya endurecido, que también, sino que me duele la estupidez humana que me lleva directamente al sarcasmo y la retranca. 



¿Por qué Moon Safari me emocionan…?, sencillamente porque representan ese mundo que ya no existe. El rock sinfónico fue ese mundo inventado antagónico al “lado oscuro de la fuerza” que es esta música desagradable actual que lo invade todo, desde el coeficiente nivel dios del regetón, que pervierte las redes sociales y es fuente de potenciales maltratadores, hasta el tormento gratuito, de aburrida sonoridad musical, hueca en kilómetros de alcantarilla. Un mundo completamente falso y artificial como el decorado de una película hecha por ordenador. El mal fundamentado en el negocio, inseparables hermanos, siempre gana. Unidos a la estupidez son inmortales. Pero es que además gobiernan el mundo.


El último trabajo en estudio se llama “Himlabacken vol 1” y fue grabado en 2013. Esperemos que no sea el último y haya un segundo volumen pero aunque así fuese, ya han hecho lo suficiente para quererlos. Leo por ahí que Moon Safari son una banda de “Disney Prog”. De crío me encantaban Pinocho, Blanca Nieves, La Bella Durmiente, Cenicienta y Fantasía (La extinción de los dinosaurios con la Consagración de Stravinsky me fascinó siendo un chaval). En todas ellas había un trasfondo sórdido y de mezquindades humanas de cuento clásico. Como la crueldad que encontramos en los relatos de Mark Twain o Charles Dickens. Pero odiaba Bamby, Dumbo o el Libro de la selva. Insoportables. Una épica sinfónica había en las primeras y más antiguas películas del bigotito Walt congelado, pero con el tiempo sus films más actuales ya eran ridículos o risibles incluso para niños. Moon Safari saben perfectamente lo que hacen y a que público se dirigen. Dudo mucho que a un tipo con chupa de cuero satánica y tachuelas en el nabo no le entre un sarpullido y una diarrea al escucharlos. Es así de sencillo. Es más fácil que un nerd, un gafapastas o un pagafantas los disfrute. Naturalmente, o se tiene un corazoncito o un truño mierda seca en el tórax. Más habitual lo último. 





Este disco no es muy largo: poco más de cuarenta mtos, donde su sonido y encaje musical no han sufrido excesivas modificaciones aunque con algo más de fuerza rock quizás en los primeros cortes, pero siguen alegrándonos la vida con esas voces, notas y acordes que ya nos son familiares. “Demasiado joven para decir adiós” tiene un ligerísimo perfume AOR o a mí me lo parece, aunque reconozco que soy un absoluto desconocedor del género y ahí Jota podría corregirme. La canción entra sin empujones y sale igual de fácil. “Mega Moon” acaricia los oídos como siempre entre mariposillas y ocurrencias operísticas a lo Queen y cortes sincopados algo más hard que de costumbre. Pieza caprichosa que agita diversas mezclas de estilos y por ello se hace entretenida. En “Red White Blues” pareces ver a Judy Garland con el perrito correteando por el bosque dorado, pero no pasa nada. Una lindeza sinfónica para almas cándidas y soñadores. “Diamantes” es otro atractivo juguete sonoro de correrías y por lo que llevamos oído se me ocurre que han simplificado un poco su estilo, lo cual no quiere decir nada porque suenan quizás con mayor claridad que antes. “Sugar Band”…sí claro ellos mismos se autodefinen. Nueve minutos de cosas hermosas y bonitas si previamente bebes el café amargo para contrarrestar la subida de azúcar. Me veo a mí mismo con calzoncillos blancos, alitas de algodón, ricitos y harpa y naturalmente me entra el descojono. Poco a poco la pieza empieza a imprimir más pulso y evita que el esfínter se relaje demasiado y haga caca el angelito. Una hermosa coda sinfónica pone broche a una pieza que bromas aparte es como un bomboncete. “Kids” para variar es un acapella pero seis minutos de vocecitas es demasiado. El disco es bonito como todos los del grupo, pero carece del ímpetu desbordante de sus primeras obras. 




Moon Safari grabaron dos lives: “El discurso de Gettysburg” (2012) un doble con lo mejor de ellos y “Live In Mexico” (2014) que incluye gran parte de los discos hoy mencionados. No hace falta que os diga que son fundamentales porque estos tipos en directo también lo bordan. Sed buenos chicos y haced mucho el amor y no la guerra. La próxima semana os contaré otra película.
Alberto Torró







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PAOLO RUSTICHELLI & CARLO BORDINI - Opera Prima 1973

September 6, 2018, 11:57 pm
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Que un tipo con Hammond, piano, sinte y Mellotron se junte con un batería y graben un disco de rock sinfónico prescindiendo del resto de instrumentos como puedan ser bajo o guitarra no es una cosa muy habitual, aunque yo en directo llegué a ver algún caso parecido, pero con solo piano y batería sin bajista y resulta algo pintoresco. Ejemplo de ello fue una gira de Jordi Sabatés (pianista) y Santi Arisa (batería) mano a mano en los 70´s y lo hicieron bastante bien. Aparte de eso también he asistido a dúos de ukelele y zambomba o incluso armónica y pandereta. Las combinaciones pueden ser infinitas. Yo mismo he intentado algunas experimentales con una grabadora en el WC. En el bar de un amigo mío había un cartel anunciador de un concierto para paja y orquesta y no es ninguna broma. Creo que aún está.


Paolo Rustichelli (teclas) y Carlo Bordini (drums) se pusieron a la labor de componer seis piezas para configurar su “opera Prima” de 1973 que también sería la última. Estamos pues nuevamente en los típicos discos sueltos de formaciones italianas de los 70´s. Ambos músicos estarían poco después emparentados de alguna forma con otra banda llamada Cherry Five y con los clásicos Goblin. Años después Rustichelli compuso música para películas en un tono bastante más ligero de la misma manera que Goblin lo hizo con la temática del cine de terror aunque estos últimos respetando toda la parafernalia del rock progresivo. 

Este disco podría considerarse una pequeña obra maestra a la ELP pero tiene un detalle que le hace bajar puntos y es la desastrosa voz del propio teclista. Afortunadamente sus intervenciones son escasas aunque también lo digo: demasiadas para mi gusto y si prescindimos de ella, puede considerarse perfectamente un disco instrumental. La belleza de las composiciones y los arreglos orquestales del mellotrón para que el piano se explaye a gusto puedes encontrarlos ya desde la primera pieza “Nativita” y aunque en la tónica general del disco emula ciertos caminos a la Emerson, se puede apreciar sin ningún problema bastante originalidad al asunto y una buena fuente de ideas donde ya se muestran sus dotes fílmicas en la composición.

 “Icaro” empieza con la voz muy forzada y nada agradable. Yo personalmente me habría avergonzado al escucharme y no sé si a él con los años le habrá pasado lo mismo. Tenía el chaval 20 añicos y se vino arriba. Menos más que la cosa no dura mucho y la cagada no llega a la alerta roja. Aunque realmente es doloroso oírlo cantar. Terrible. El tipo hay que decir en su favor que se las arregla estupendamente con los teclados y nos regala unos entretenidos pasajes. Carlo Bordini es un batería fino que cumple con su papel que sin llegar a espectacularidades  se adapta muy bien. 


En “Dolce Sorella” vuelve a insistir en la voz y realmente cabrea mucho escucharlo. Poca cosa es cierto, pero a punto de arruinar el excelente trabajo que realiza en los teclados. La segunda cara del vinilo sigue en parecidas circunstancias: muy bien todo cuando es instrumental, pero la voz parece que lleva muchos días con estreñimiento crónico y no evacuar fuerza mucho la voz. 

“Cammellandia” pone fin a este disco y se agradece mucho que sea un instrumental al igual que el primer tema con un potencial cinematográfico que ya prefigura la futura carrera de este compositor italiano. Ni que decir tiene que este LP es para los coleccionistas expertos en el RPI y para los recién llegados si son muy fans de los teclados analógicos.
Alberto Torró



Temas
A1 Nativita´ 8:10
A2 Icaro 7:40
A3 Dolce Sorella 5:19
B1 Un Cane 5:17
B2 E Svegliarsi In Un Giorno 5:14
B3 Cammellandia 8:48



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