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ALEXEI BORISOV - Polished Surface of a Table (2004 / ELEKTROSHOCK)

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Entramos en el rico panorama sintetista de Rusia. Lo primero que hay que advertir es que aquí, la forma de proceder es muy distinta a Occidente. Si bien la Berlín School está muy marcada en algunos de sus compositores. No es éste el caso. Será por su punto de vista ante la vida, condiciones meteorológicas,  sociales o políticas,  pero la prog-electrónica rusa, realmente, es diferente. También porque en muchos casos utilizan sus propios aparatos de fabricación nacional,  los cuales tienen su particular sonoridad.


Alexei Borisov comenzó como guitarrista en los primeros 80 en bandas new wave,  mod y rock (Night Prospekt, Center). En los 90 estuvo en diversos efímeros proyectos art / noise / industrial (Joint Commitee, Atomic Bisquit Orchestra, Sever). O colaborando con grupos-performance como North (Rusia), KK Null  (Japón ), Jeffrey Surak  (USA) o Leif Eggren (Suecia). También con video-artistas como Román Anikushin. Ha sido Dj en clubs y radio, además de periodista en diversas publicaciones musicales. En el 2002 editó su primer álbum,  "Before the Evrorement". Siendo el que hoy traemos su continuación del 2004.

Extraños sonidos cibernéticos entrecortados nos presenta "Revlon" (5'26). Música para un imaginario documental desquiciado y enloquecido, en el que las inquietantes imágenes en b/n transcurren a toda velocidad. Al menos así me lo imagino. 

"Old and Metallic" (3'01) fue grabado en vivo en Tallinn, en 2003. Experimentación extrema que deja a Conrad Schnitzler convertido en un popero.

"Dense Drift"; (5'39) es la vibración revolucionaria de una nave industrial vacía,  donde las máquinas se lamentan con propia vida de su esclavo destino. 


"Blue Vinyl" (2'29) tiene visos de un sketch psicológico para patologías profundas peligrosas.  "After the Prime Time" (2'54) parece música lounge del siglo XXX, con susurros del propio Borisov. En "Dew" (4'09) chocan frontalmente la bonita voz de Angela Manukjan y la gamberra electrónica anarquistoide de Borisov. Temible.

"Opuscule" (1'20) burbujea alguna sustancia orgánica de otro mundo, como nacimiento de un ser alienígena. Natalja  Bessarabova (joder con el apellido!), incluye susurros en "L. Y. Match"(2'52) como una emisión perdida de otro mundo, flotando durante eones en la infinidad espacial. "Zaraza (Volume 1)" (9'34) nos muestra un mundo desolado, habitado sólo por inexpresivos ectoplasmas mutantes, con emisiones de radio en castellano de algún programa olvidado sin audiencia humana que lo escuche. Imaginación al poder.

"Polished  Surface of a Table" (4'25) podría parecer el sonido cabreado de las máquinas ciberneticas  amotinadas al hombre , fusionandose con la propia naturaleza humana. Acaso no lo están intentando ya?

"Rotor" (3'00) sería el éxito de ése motín,  en un mundo dominado por cerebros orgánico - nano - chip sometiendo a una humanidad derrotada por sus mismas enseñanzas.

"My Voices" (4'23) sugiere un post - caos de ciudades arrasadas y vacías.  Como en "Omega Man", vaya. Finalizando con "Bridal Book" (2'00) y más sonidos electrónicos desagradables.

 Esto sería la "anti-new age", porque Alexei Borisov busca la belleza de la catástrofe, la estética feista del ruido electrónico afectando tus neuronas. Es un ciber-punk sintetista. Tres discos más lo corroboran, siendo "Elektrokooperativ" (2010) su último atentado sonico. Desde entonces, se ha unido a Fake Cats Project, editando cinco álbumes con ellos del 2015 al 2016.


"Polished Surface of a Table " es una obra arisca y difícil,  de muy retorcida escucha. No recomendable para gente no iniciada ni personas impresionables. Su mensaje oculto, casi psiquiátrico,  lo hace un disco peligroso para los estados de ánimo. Hecho por un verdadero terrorista del sonido. Quedan advertidos.
J.J. IGLESIAS

Hannibal ‎– Hannibal 1970

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Para encontrar el origen de esta banda tenemos que hablar de otra que ya pasó por las páginas de Rockliquias, me refiero a Bakerloo, grupo donde militaba el guitarrista Clem Clempson. Resulta que después de publicar su único disco Clempson abandonó la formación para unirse a Colosseum. El manager de la banda, Jim Simpson, ya tenía contratada una gira europea y Terry Poole (bajo) y Keith Baker (batería) tuvieron que reclutar a George Northall (saxo) y Adrian Ingram (guitarra). Con esta formación y bajo el nombre de   Bakerloo Blues Line realizaron la gira a la que se habían comprometido.


Finalizado el tour europeo Adrian Ingram y Keith Baker  junto a  Alex Boyce (voz), Cliff Williams (saxo), Jack Griffits (bajo) , John Parkes (batería)  y  Bill Hunt(teclados) formaron Hannibal. Con la ayuda de Lim Simpson consiguieron un contrato con Chrysalis Records grabando en 1970 "Hannibal". Llegaron a ser teloneros de  Free y Black Sabbath.



En este primer y único disco de Hannibal nos proponen seis temas de corte jazz rock con notables toques blues con lo que nos hacen recordar sonoridades del tipo  Colosseum. La grabación comienza con "Look Upon Me" con muy buenos riffs a cargo de Adrian Ingram y la voz de Alex Boyce que salvando las distancias nos puede recordar a Chris Farlowe. Muy notable la intervención de Cliff Willians que no desentonaría en las filas de Colosseum. "Wings of Change" sigue la línea jazz rockera del primer tema con sonidos jazz en el tratamiento de la guitarra. "Bend For A Friend" es el tema más largo de la grabación con algo más de 10 minutos y uno de los dos instrumentales que contiene el álbum. La composición es una auténtica simbiosis de estilos con especial atención a los vientos con solos de saxo que llegan a rozar el free jazz. " 1066 " con base totalmente blusera y con una parte central que sirve para el lucimiento de Jack Griffith (bajo) y John Parkes (batería). "Wet Legs" es el otro instrumental y donde a Bill Hunt (teclados) le llega su oportunidad. El disco se cierra con "Winter" dejándonos un gran sabor de boca con la gran labor de Adrian Ingram (guitarra) con toques rockeros.
J.C. Miñana



Temas
A1 Look Upon Me 00:00
A2 Winds Of Change 06:36 
A3 Bend For A Friend 14:05 
B1 1066 24:36 
B2 Wet Legs 31:07 
B3 Winter 35:54




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WAKEFIELD - The Lost Warthog Tapes 1970 - 71 (2002 / GEAR FAB)

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Sinceramente creo que Rockliquias es, principalmente,  un sitio de arqueología rock sobre olvidadas y perdidas grabaciones de alto interés. A pesar de que ahora tengamos la libertad de poder escribir sobre novedades, nuestra misión es la de descubrir joyas, hacer de "saqueadores de tumbas" llenas de tesoros, y darlas a conocer. Así que hoy volvemos a ejercer como tales con los extraordinarios Wakefield,  originarios de Pueblo, Colorado. Generalmente un sexteto de hard progresivo jam - brass -  section , formados en 1969 y separados en 1974. Esencialmente fueron Bobby Barth (guitarra solista, voz), Mike Carroll (trompeta, flauta, guitarra,  piano, voz), Charlie Ferrill (batería), Carl Marcon (bajo, voz), Steve Moore (órgano, cuerno francés,  voz) y Ron Struthers (saxo, flauta, voz).



 Aunque pasarán diversos músicos por sus filas, y llegarán a tener a Rose Mary Duran como voz solista. En 1971 entran en los Warthog Studios de Denver para dar forma a un concept-album que les llevará  grabarlo hasta el año siguiente. No se puede decir que Wakefield no se moviera ni se durmiera en los laureles. Primero trasladan su centro de operaciones a Washington. Tocan en cada bar y tugurio donde se les deje. Abren conciertos para James Cotton, Fleetwood Mac, War,  BTO, Eric Burdon o hasta para unos falsos Zombies. Shelter Records estuvo interesada en ellos, pero todo quedó en nada. Hacen un showcase (concierto para ejecutivos discográficos) en el Whiskey a Go-Go de LA, de nuevo sin recompensa.

Las cintas de los estudios Warthog quedan almacenadas como guarida de arañas durante 30 años, en algún polvoriento sótano. Hasta que son descubiertas y publicadas por los expertos en resucitar cadáveres sonoros, Gear  Fab. Benditos sean.

Ya la inicial "Bring It On" (4'22) nos pone sobre aviso del tremendo potencial de ésta banda. Mezclando con habilidad y éxito el sonido Chicago Transit Authority con los efluvios latín - acid rock de Santana. Vientos contra ritmo, o más bien aliados para crear una música  explosiva, con sustancia, sensacional. Por en medio  la llameante guitarra de Bobby Barth y el órgano de Steve Moore.



 "Something is Coming" (4'12) enriquece con deliciosa flauta, voces en coral extraordinaria, percusiones entusiasmantes y una guitarra equiparable a la de Terry Kath. Increíble que estemos hablando de una "simple" bar band. El hard rock psicodélico se abre paso en "How Does It Feel?" (3'56), con más armonías dignas de The Moody Blues o Touch. En mezcla eléctrica con el Santana más en combustión espontánea. Letras místicas y mucho aroma a mandanga y a patchouli, desprenden éstas notas.

"I Will Always Come Back" (4'34) se acerca a Grand Funk Railroad etapa "Phoenix", pero con las "stoned vocals" y el Hammond como cómplices implicados.

Con "Old Man" (11'08) llegamos a la primera gran jam,  que comienza como una preciosa balada acústica de CSNY y desarrolla toda suerte de solos e instrumentos. La solvencia técnica instrumental  de Wakefield está fuera de toda duda. Como siguen demostrando a lo largo de todo el cd, con diversas influencias, dependiendo la formación del momento. Pueden oírse aires de King Crimson, Jethro Tull, o Allman Brothers aquí o allá,  en "Water" (8'20), "Snowchild" (9'47), "In my Mind" (8'05) o "You and I" (6'09).

Así hasta completar 75 mts que por fín vieron la luz en formato cd en el 2002. No estaría nada mal una reedición en doble vinilo, sugiero.



El último concierto de Wakefield fue en 1974 en el estadio de su natal Pueblo, abriendo para Redbone. Diezmados y como power trío,  con Barth / Marcon / Ferrill, fue el último cartucho que les quedaba hasta la total extinción. Bobby Barth lo siguió intentando hasta conseguir el tan buscado reconocimiento. Primero con Babyface, luego con Axe y más tarde con Blackfoot.
Con Wakefield, ya deberían de haberse abierto las doradas (pero traicioneras), puertas del triunfo.
J.J. IGLESIAS



Temas
1)Bring It On - 4.22
2)Something  Is Coming - 4.11
3)How Does It Feet - 3.56
4)I Will Always Com Back - 4.34
5)Old Man - 11.08
6)I Know - 3.12
7)Water - 8.20
8)Snow Child - 9.47
9)In My Mind - 8.05
10)Land Grabber - 4.42
11)You And I - 6.09
12)Lat's Get Leaded - 3.29
13)You'll Find Your Man - 4.58
14)Rollin' Down The Higway - 0.33




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CAN - Soon Over Babaluma (1974)

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Creo recordar que éste fue el primer disco de CAN editado en prensaje español. Es posible por tanto que el primer acercamiento hacia la música de CAN en mi país fue a través de ésta referencia. En esos años el por entonces llamado “rock alemán” se abría un hueco comercial en las tiendas de discos de aquí, con una importante promoción de sellos como Brain o Bacillus entre otros, en una baraja de grupos de los más variado y peculiar: Embryo, Amön Düul, Niágara, Faust, Popol Vuh, Ash ra Tempel, Guru Guru, Neu, Tangerine Dream, Klaus Schulze y por supuesto los super comerciales Kraftwerk. Fue una campaña que renovó a los oídos tradicionales más acostumbrados al rock y al blues y también abrió la futura puerta aséptica a lo que se conoció posteriormente con términos sospechosos como techno, trance, étnico, new age  o “minimalista”. 


Ya sabéis que tarde o temprano todo lo original termina en franquicia y los hippies y los modernos acaban promocionando la coca cola, el acuarius y el feng shui para el salón, el dormitorio y el wc donde defecar en comunión con la naturaleza con sonidos de gamelán y flautas de bambú y limpiarte el culo con aloe vera. Precioso. 

CAN, fieles a su tendencia de no repetirse en ningún disco de estudio, cambian completamente de registro ahora reducidos a cuarteto. Las voces en este grupo alemán siempre han sido algo así como un instrumento más. Damo se les marchó porque vio a dios, pero la esencia instrumental del grupo siguió tan corrosiva como antaño para lo bueno pero también para lo malo. El reggae se empezaba a poner de moda y los ritmos caribeños jamaicanos también. Ese insidioso y plomizo ritmo, daba suficiente juego para que inteligentemente mezclado con otros ingredientes, le diese cierto aire de actualidad y moda.

 “Soon Over Babaluma” tiene esos ingredientes novedosos para 1974, donde la pesadez y el coñazo musical en ciernes todavía no había hecho sus estragos. Por eso se escucha como “cierta originalidad” para su época. Tengo que reconocer que la primera pieza “Dizzy Dizzy” atrapa como la luz a una polilla. El sonido en eco con el golpe de Liebezeit, el bajo tremendo de Holger y el violín de Karoli son imposibles de pasar por alto. Es un corte, vicioso, atractivo y tremendamente sensual. 

“Come sta la luna” parece una broma, entre un bolero, un tango, un chachacha, una salsa…que se yo. Es verdaderamente horroroso o como una película surrealista de David Linch o algo sacado del expresionismo alemán de Murnau o Fritz Lang. Las voces son de Karoli o Irmin y no sé si estoy escuchando una mierda o una obra maestra. Probablemente las dos cosas. 

“Splash” podría ser el desarrollo marciano-cool-jazzero de lo anterior o una rumba indigerible. Las disonancias y la cocktelera de estilos alérgicos como sacados entre un vómito de Santana o una verbena de la paloma. Entre sí dan como resultado un brebaje difícil y chocante. Recuerdo que este disco fue lo más entre los progres snobs melómanos del momento. Pocos años más tarde estos mismos cambiarían el color de pelo y en su caso la largura del mismo incluyendo imperdibles en zonas erógenas. CAN quizás sin proponérselo había fracturado la música, algunos dicen que fueron unos proto-punk sonoros. Bueno CAN fueron músicos que sabían tocar, los punk no. Lo cual resulta grotesco. Incluso se dijo de Robert Fripp que había roto toda regla musical en aras de una “progresión interesada a los nuevos tiempos” y también tuvo mucho que ver en los cambios a peor sucedidos a finales de los 70´s como tuvo que ver Peter Gabriel y sus pseudo trabajos étnicos que dejaron patidifusos a los seguidores de Genesis. Se achacan a Phil Collins las enfermedades sonoras contraídas en ese encantador grupo de rock sinfónico. Collins volvió a Génesis tonto, pero el verdadero traidor fue Peter Gabriel. Yo viví todo aquello que se ensalzó como la panacea de lo moderno y guay y asistí a mezquindades sin nombre en torno a la verdadera música. Son los pros y los contras de haber sido testigo directo de la historia.


La cara segunda de “Soon Over Babaluma” son dos piezas instrumentales con alguna vocalización enlazada “Chain Reaction” y “Quantum Physics”. La primera vez que las escuché me dejaron relativamente frío, ya que no oía el “punch” sonoro de antaño incluso se me antojaba cierta falta de “poder”. Algo había cambiado y los ritmos me parecían más inocuos, machacones, con menos garra y fuerza que antaño. Las posteriores escuchas con los años no han cambiado significativamente mi apreciación y el problema es que Liebezeit ha bajado de intensidad hacia unos ritmos étnicos con menos personalidad que antaño. La maraña instrumental está en la misma onda que Bel Air pero no llega a calar de igual manera. Se intuyen visos de “rockerización” pero el sonido es más débil y previsible. La intención del sonido vanguardista está ahí sin duda, pero no consiguen la sorpresa, la bofetada y el peligro del aburrimiento está servido. Para un post-rockero o un indie de hoy recién llegado le parecerá la madre del cordero, pero para un oído veterano y cabroncete como el mío resulta insuficiente y muy abúlico. Pero todavía son CAN y no podré decir lo mismo de aquí en adelante.
Alberto Torró










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I GIGANTI - Terra in Bocca (1971)

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Fueron una banda originaria de Milan formada en 1964 y disuelta en 1971. La música anterior a 1970 era pop italiano y en esto parecen coincidir la mayoría de bandas italianas por lo que afirmo sin duda alguna, que el cambio hacia músicas complejas se debió al enorme impacto creativo que en sus inicios ejerció el rock progresivo en ese país. Es una sana envidia comprobar la rápida evolución de los itálicos en tan breve espacio de tiempo y la enorme proliferación de bandas volcadas en este estilo. Un viaje en el tiempo de 1970 a 1975 por las tiendas de música en Italia debió ser un interesante espectáculo, porque en su momento pocos trabajos lograron traspasar fronteras e imagino las escasas ventas en la mayoría de ellos. Aparecían y desaparecían de la noche a la mañana, pero algunos dejaron alguna grabación para la historia como el disco que nos ocupa.



 “Terra in Bocca”  (o poesía de un delito) es un álbum concepto sobre un crimen de la mafia siciliana ocurrido en la década de los años 30. Un tema recurrente si hablamos de Italia, claro, pero no muy habitual en la temática del rock prog. Este es uno de esos discos raros y diferentes dentro del RPI. Fijaros que es una fecha muy temprana y que todo estaba todavía algo verde. Faltaría un año para que el prog italiano despertase definitivamente en 1972. Lo que sorprende en este disco es el extraordinario trabajo vocal de sus cuatro componentes. Todos cantan. Su teclista Francesco Marsella formaría parte al poco tiempo de otra exquisita banda llamada “Il Volo”. La música que interpretan I Giganti no tiene concomitancias ni paralelismos con ninguno de otros compatriotas suyos. El trabajo tiene una fuerte dosis de dramatismo que el mellotrón se encarga de remarcar. Las partes de guitarras acústicas, pianos y órgano, le dan un toque poético a esta casi narración cántico, a veces casi operístico, pero la instrumentación es hermosa y sumamente elaborada. Nuevamente la sombra emersoniana aparece. No me extraña que Keith viajase tanto a Italia y fichase para la Manticore, dado el respeto y la veneración que muchos teclistas y músicos italianos tenían por su persona. 


Once temas componen este trabajo puramente italiano en su música y en su temática. No gustará a todo el mundo, eso seguro. Pero para los que sabéis apreciar el complicado y duro trabajo de las armonías vocales, y los finos teclados, a veces muy cercanos a Latte e Miele, cuando menos digo, os va a parecer sumamente agradable e interesante. Para mí es un gran disco que merece varias escuchas porque tiene recovecos buenísimos a nivel de composición e insisto que el trabajo de las voces es sobresaliente. La discografía anterior de I Giganti, un par de discos de los 60´s,  nada tienen que ver con esta joya perdida en el espacio y el tiempo. A gusto del consumidor lo dejo no obstante.
Alberto Torró


Temas
A1 Largo Iniziale-Molto Largo-Avanti 12:34
A2 Avanti Tutto-Brutto Momento-Plim Plim 8:18
A3 Plim Plim Al Parossismo-Delicato Andante 9:38
A4 Rumori-Fine Incombente 1:00
B1 Fine Incombente-Allegro Per Niente 4:16
B2 Tanto Va La Gatta Al Lardo-Su E Giù 15:44
B3 Larghissimo-Dentro Tutto 8:00
B4 Alba Di Notte-Rimbalzello Triste 1:55
B5 Rimbalzello Compiacente-Ossessivo, Ma Non Troppo-Fine 5:00



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ZAGUÁN - Zaguán (2002 / GARPEL) (Rockliquias bandas)

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Hoy parece de ciencia ficción, pero en la segunda mitad de los 70, un grupo de rock progresivo dominaba las listas nacionales, Triana. Iniciadores del Rock Andaluz (si bien hubo intentos anteriores), nadie debería olvidar el personalisimo estilo de aquel trío  (acompañado por excelentes músicos de sesión). Los tienes ahora en televisión,  en un anuncio de aceite...... Tan sólo queda Eduardo Rodríguez Rodway, al que se le ve encantado de apoyar a los sevillanos Zaguán. La banda que mejor ha heredado el sonido de Triana desde 1997, cuando todavía eran Raíces. 



En el 2000 lanzan la maqueta debut con dos temas propios y tres versiones del legendario grupo : "El Lago", "Tu Frialdad" y "Luminosa Mañana".  Clara declaración de intenciones. Comienzan a tocar en vivo y a ganarse una excelente reputación de directo. Tanto, que son llamados para participar en el disco "Homenaje a Jesús de la Rosa", junto a artistas más consagrados. Es entonces cuando cambian a Zaguán. Con los integrantes Armando Gómez (batería), Alfonso Vidal de Torres (bajo), José A. Mazo "Gori" (guitarra flamenca), Rafa Carrique (guitarra eléctrica) y Miguel A. Gómez  (voz solista y teclados). Como se puede ver, una alineación igual a Triana. 

Su debut será éste homónimo "Zaguán" del 2002, donde a las primeras notas de "Tu Reflejo", se te eriza la piel al ver el gran parecido vocal e instrumental,  sin olvidar el compositivo. Esto no es peyorativo en absoluto. Comprobado está por intentos de otros, que no es fácil plasmar el sentimiento de aquella banda. De inmensa tristeza, nostalgia y florida poesía. Rock sinfo-progresivo de profunda raíz del sur, con toda la extraordinaria fuerza emocional que es requerida.



"Noche tras Noche" posee juguetones interludios de teclado / eléctrica,  la cual es, sencillamente,  magnífica. De resplandecientes solos y contestada por la flamenca con la pureza necesaria para hablar en serio de ésta banda. Puede que la base fuera Triana, pero el cohete ha despegado y marca ya su propio destino. Y es extraordinario.

 "Solo una Niña" , con su cadencia flamenco -reggae, es una original canción  de mobiliario antiguo, pero astutamente reciclado en algo actual. Con buen apoyo de Hammond , ritmos dominantes (extensible a todo el disco), y un final de guitarra a lo Santana sublime.

Miguel A. Gómez atrapa el ángel con su sentida voz, de escuela Jesús de la Rosa total, sonoridad al órgano de Procol Harum y cadencia psych / blues......eso es "Por Ti". Y de nuevo la eléctrica de Rafa Carrique enerva los sentidos. Qué calidad tiene éste hombre!.



Es escuchar "Una Voz" , e instantáneamente imaginas las sombrías ilustraciones de Máximo Moreno......ahí está el feeling trianero intacto. Si bien Zaguán moderniza con técnicas más de ahora, como los hijos sucesores de un histórico padre que son. También la poesía tiene un papel relevante en las letras de Zaguán, eso era de esperar. Y da gusto oirlas. Escucha "En mi Recuerdo" y conten las lágrimas. "Volverse a Encontrar" tiene ese aire underground floydiano que debe estar ahí si se quiere recrear ese espíritu setentero fielmente. Y qué bien le sienta. A los músicos, al disco, al oyente.....gracias por esto, de corazón. El dramatismo oprime y acongoja,  y en "Pasión" recordamos sensaciones, sabores, olores y añejas vibraciones, puestas al día con entera dedicación y como dice ell título,  mucha pasión.  "Gori" es un guitarrista flamenco elegante y fino, que sabe cuando es su momento y lo aprovecha al máximo. 

"Dulce Nombre" es otra esencia psicodélico - andalusí,  como si en una jam  entre almas de otra dimensión,  Jesús de la Rosa, J.J. "Tele" Palacios y Rick Wright  hubieran compuesto su mejor canción. Que belleza, por todas partes. Termina el sueño con "Cuando Acaba el Poema", que es otro pedazo de fantasía poética andaluza que, es algo evidente, sólo podía salir de aquellas tierras, por mucho monstruo técnico instrumental internacional que pulule por el mundo. Ésta delicadeza fascinante es inherente al prog andaluz, no hay duda. 

Aún tenemos una revisitación de "Sólo una Niña (versión corta - tangos)", como broche de oro perfecto. Su seguimiento, (ya con Universal, en el 2005),  será "Testigo del Tiempo". Otro "temible"álbum si sufres de hiper - sensibilidad. 



Zaguán  (y Raíces, en paralelo), siguen demostrando  su total amor por la leyenda Triana. El 27 de Febrero de éste año tocaron en el Teatro Lope de Vega en Sevilla, junto a la Orquesta Sinfónica de Triana. Con invitados tan esenciales en la historia del grupo como Eduardo Rodriguez Rodway, Lole Montoya, Manuel de la Rosa o Gabriel y Gonzalo García - Pelayo.

Jesús de la Rosa y J.J. "Tele" Palacios (al que conocí personalmente y sé que estaría encantado), miran desde algún sitio a Zaguán llenos de orgullo por lo bien que mantienen su inmortal legado. Zaguán es cosa seria. 
J.J. IGLESIAS




Temas
1. Tu reflejo 00:00 (José Macías, Javier Gandia y Zaguán)
2. Noche tras noche 03:48 (Miguel Ángel Gómez)
3. Sólo una niña 07:40 (Miguel Ángel Gómez)
4. Por ti 12:46 (Miguel Ángel Gómez)
5. Una voz 17:14 (Miguel Ángel Gómez)
6. En mi recuerdo 20:39 (Miguel Ángel Gómez)
7. Volverse a encontrar 24:18 (Miguél Ángel Gómez)
8. Pasión 28:10 (Rafael Carrique)
9. Dulce nombre 33:15 (Miguel Ángel Gómez, José Antonio Mazo "Gori"
10. Cuando acaba el poema 38:54 (Miguel Ángel Gómez)
11. Sólo una niña 42:50 (BONUS TRACK, versión corta - Miguel Ángel Gómez)



P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70


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THE BABYS - Spoiled Brats Live 1977

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En 1973 Michael Corby (teclados, guitarra) y Adrian Millar (manager) se reúnen en un pub londinense para emprender un nuevo proyecto, The Babys. Realizan diversas audiciones y completan la banda  con John Waite (bajo, voz),  Tony Brock (batería) y  Wally Stocker (guitarra).


Su primer disco , "The Babys", producido por  Brian Christian y Bob Ezrin llega en 1977. En Septiembre de ese mismo año lanzan el segundo, "Broken Heart",  colocando el tema "Is not it time" en el nº13 del Bilboard y siendo durante dos semanas número 1 en Australia. Con variaciones en su formación, sale Corby y entran Jonathan Cain (guitarra, voz, teclado) y  Ricky Phillips (bajo), editan en 1978 "Head First".  Su cuarto disco ve la luz en el 80, "Back on My Feet Again", teniendo un discreto seguimiento. La gira de promoción la realizan junto a Journey.  Su último disco llega ese mismo año, "On the Edge". La banda se disolvería en 1981. Jonathan Cain se uniría a los Journey. John Waite comenzó su carrera en solitario. Tony Brock tocó la batería durante algunos años en la banda de Rod Stewart. Wally Stocker también estuvo con Stewart, Air Supply y Humble Pie.


La grabación pertenece al concierto de The Babys en el Old Waldorf Theatr de San Francisco en 1977. La banda fue etiquetada en su día como un grupo de pop con toques rockeros pero esta grabación desmiente totalmente esa afirmación. En el "setlist" podemos encontrar muy buen hard rock con temas como   "Looking For Love" o "Rodeo" que nos puede sonar a Free, " If You've Got The Time " con muy buenos riffs de guitarra. "If You Could See Me Fly", es una de mis favoritas con una labor increíble de sus dos guitarristas, Stocker y Corby. También hay una parte más melódica en " Wild Man" o en "Rescue Me". El disco se cierra con "Do You Wanna" y un solo de batería totalmente prescindible. El sonido es más que aceptable. Sin duda una grabación que pone en su sitio a esta gran banda.
J.C. Miñana



Temas
01 - Looking For Love 00:00
02 - Rodeo 05:18
03 - Wild Man* 09:53
04 - Dying Man 13:31
05 - If You've Got The Time 22:58
06 - Rescue Me 26:20
07 - If You Could See Me Fly 33:32
08 - Do You Wanna 42:42




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HERBIE HANCOCK - Sextant (1973 / COLUMBIA)

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En algunos casos de la historia de la música, el riesgo, aún a pesar de "estar de moda" en un tiempo determinado,  no fue valorado ni recompensado. Herbie Hancock venía con la lección bien aprendida. Había estado en "On the Corner" de Miles Davis, un año antes. Y aquél maremagnum sonoro, grito desesperado del ghetto en clave funk / psych, lo tenía atrapado. Ya venía de largo. Su proyecto místico - africano Mwandishi era una suerte de experimentación afro-americana, con el que ya había editado un homónimo álbum en 1971 y "Crossings" en 1972. Discos no muy bien vistos por puristas ni por el sello, Warner Bros. 


Así que para "Sextant" estrena compañía, ahora con Columbia, y termina su trilogía contra viento y marea. Sería su album número 11 y el más acertado en ese anticomercial proyecto. Una imposible mezcla de afro-funk-improv, groove de eterna hipnótica y sintetizadores a go go. Para colmo, invita al Dr. Patrick Gleeson, un pionero de los modulares al que pronto daremos cobertura en nuestra sección al respecto. Por su parte Herbie Hancock no se queda manco : Fender Rhodes, Hohner D6 Clavinet, Fender Fuzz Wah y Echoplex pedals, mellotron y percusiones. Benny Maupin a los saxos, clarinete y piccolo. Eddie Henderson a la trompeta y fiscornio.  Julian Priester al trombón.  Buster Williams al bajo fuzz y wah wah. Billy Hart en la batería  y Buck Clarke en las percusiones.

"Sextant" es un disco más cercano al psych / jazz kraut de Embryo o Niagara que a lo que se espera del gran pianista. De hecho agradara a todo freak de la psicodelia más bizarre,  con su funk alienígena y anárquico.

"Rain Dance" (9'16) huele al Davis más libertino, cosa que Hancock hace con toda la alevosía  (y mala leche) del mundo. Que se jodan los cansinos puristas. La teclistica recuerda incluso a los Tangerine Dream de "Atem", verbigracia de Patrick Gleeson y sus ARP 2600 y Soloist. Menos mal que Mwandishi (Herbie himself), se apiada de nuestras almas y ataca el Rhodes para recordar que esto es, al fin y al cabo, jazz. De otro mundo, pero jazz. El bajo de Buster Williams deja a Mingus en las cavernas del género. El Dr. Patrick Gleeson sigue haciendo de las suyas, dando empaque electrónico absoluto a los desvaríos lisergicos,de todo el complejo entramado musical. Por momentos no alejado de los primeros Kraftwerk. 

"Hidden Shadows" (10'11) comienza como si unos Genesis negros de pelo afro abusaran del mellotron en el ghetto. La percusión es puro lubricante para la desfachatez electrónica,  bien surtida  de todo tipo de extraños sonidos de la ciber-jungla. Se apuntan a la orgía vientos de todo pelaje, para darle más sensación "jungle" a ésta marcianada watusi perfecta para una jam exótica de Can. Sopa funk en LSD líquido  para verlo todo, como mínimo,  como el magnífico artwork de Robert Springett desplegado en la portada. Miles Davis hubiera retozado su sordina aquí como un cerdito feliz en el barrizal, lastima. No me extraña que adorada a Embryo.....Hancock estaba haciendo una estrategia similar. Lo único achacable es el odioso fader bajando el volumen, porque esto podría durar en su nirvana surreal hasta el infinito y más allá. 



La cara B todavía es más extrema, con una única composición,  "Hornets" (19'35), donde la falta de puertas al campo improvisador funciona de lujo. El Clavinet se alía con las percusiones, los vientos con el profundo ronquido del bajo, y los sintes entran como elefante en cristalería,  dando constancia de su importancia en el contexto. Intensidad cromática to the max,  plagada de detalles multicolores e hipnosis afro-funk-free-jazz-kraut-electronic galore. Como era de esperar, los de siempre lo ignoraron. Siendo mejor visto por el roquerio drogata, que para sus cuelgues llevaba incluso mejor gasolina que Pink Floyd.

La crítica jazz lo salvó por los pelos y "por ser vos quién sois". Y la rock le dio cinco estrellas. Pero no vendió. Las masas exigían carnaza funk pura para la pista bailonga. Y el tío Herbie, en un giro magistral propio de un genio lleno de astuta mala hostia, se las dio todas en un carrillo. 

Satisfechos los bailongos y Columbia. Editando ese mismo año "Head Hunters" .....Vendetta en plató frío. 

.....Pero él terminó su "trilogía kraut" Mwandishi. Para el oyente avispado, en ésa trilogía ya estaba la semilla del clásico "Head Hunters". Asunto resuelto.
J.J. IGLESIAS




Temas
"Rain Dance" - 00:00 
"Hidden Shadows" - 09:16 
"Hornets" - 19:27 






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LANCE LOPEZ - Tell The Truth 2018

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Más de 800.000 personas tiene el apellido López en España pero Lance Lopez no es uno de ellos. Nacido en Shreveport (1977), Louisiana es una de las promesas del rock actual. Mejor dicho es una realidad certificada por guitarristas como Jeck Beck o Slash.


Como en todos los casos de guitarristas geniales comenzó a tocar la guitarra muy joven, a los 8 años.  A los 12 años se traslada a Dallas con su madre donde asiste al último concierto de Stevie Ray Vaughan junto a B.B. King. Su siguiente paso es New Orleans donde realiza sus primeras actuaciones en el barrio francés con tan solo 14 años. De vuelta a Dallas conoce a Billy Gibbons (ZZ Top) y consigue incorporarse en la banda de Johnnie Taylor con la que recorre el sur de Estados Unidos. A los 18 años lo contrata Lucky Peterson para girar por todo el mundo durante tres años. Durante ese tiempo también participa en la Buddy Miles Express. Por fin en 1999 lanza su primer disco, "First Things First, con su propio sello discográfico. Los reconocimientos y premios van llegando, Blues Band of the Year. Su segundo disco lo tenemos en 2003, "Wall of Soul, con la participación de Eric Gales y Doug Pinnick (King's X). En 2005 forma, Band of Trouble, junto a Buddy Miles (Hendrix) y el bajista Tommy Shannon (SRV). En 2005 llega su tercera producción, "Simplify Your Vision" y dos años más tarde "Higher Ground" y "Live". La fama de Lance corre como la pólvora por todo el mundo realizando multitud de giras y actuaciones junto a bandas como ZZ Top, Whitesnake, Def Leppard, Rod Stewart entre otros. Su discografía en solitario la completan "Salvation From Sundown" (2010), "Handmade Music" (2011) y su último proyecto hasta la fecha "Tell the Truth". 

El disco está editado por el sello Provogue y producido por Fabrizio Grossi conocido bajista que ha colaborado en proyectos  de Nina Hagen, Steve Vai, Neal Schon, Steve Lukather, Michael Landau, Frank Gambale, John 5, Ritchie Kotzen, Slash, Eric Gales, Tracii Guns, Gilby Clarke y muchos más. La banda de Lance la integran: Wes Jeans (guitarra, voz), Eric Scortia (teclados), Landis Chinsenhall (batería) y Aris O'Neil Poncey (bajo). El Cd nos presenta once temas cargados de un excelente rock blues con ciertos tintes sureños.  Mamando de las fuentes correctas (Hendrix, SRV, BBKing, John Lee Hooker, etc) nos ofrece grandes riffs. Desde la rural rockera "Never Came Easy To Me" pasando por su versión de "Mr. Lucky" (John Lee Hooker ) con sonido  a lo SRV.  Seguimos con "Down to One Bar" , tema que podría esta en alguno de los últimos trabajos de Lynyrd Skynyrd.  En la misma línea sonora podemos encontrar "High Life". Ambiente "stoniano blusero" es lo que nos depara "Cash My Check". Si quitamos la voz de Lance y ponemos la de Coverdale podría pasar por Whitesnake. Las baladas las tenemos en "Raise Some Hell" y Blue Moon Rising". Su devoción por Hendrix la encontramos en "Angel Eyes of Blue" con matices totalmente renovados. Con "Back on the High way" tenemos hard rock sureño del bueno con excelente slide. La grabación finaliza con "Tell The Truth" otro excelente gran riff para finalizar con fuerza y mucha garra.
J.C. Miñana








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SEA DOG - Sea Dog (1972 / MUCH)

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Las fértiles tierras de Canadá nos traen hoy a uno de esos muchos grandes desconocidos que sólo tuvieron notoriedad en su país,  durante los 70. Sea Dog se formó en 1971 de las cenizas del grupo Tote Family, en Toronto.


Tocan sin cesar con bandas contemporáneas suyas y del mismo palo, como April Wine, Crowbar, A Foot in Cold Water, Fludd, Brutus, Lighthouse y Rush. Éste frenesí de actuaciones les da la opción a un contrato discográfico con Much Records, del que saldrá su homónimo y único disco. Para presentarlo, abrirán conciertos de la Primera División  rockera : Sly & the Family Stone, Bob Seger o Ike & Tina Turner. Su particular lucha por el éxito acabará en 1975, cuando se disuelven definitivamente.  Doug Varty  (teclista y voz), fue el único miembro que aguantó de principio a fin de la aventura. Siendo un buen número los músicos que entraron y salieron de Sea Dog. Su único álbum, que ahora está por los 70 pavos (poco me parece, dada su rareza), es un pedazo de tiempo atrapado en sonido. Del que nos gusta.

"I'm Going Down" ya advierte dominio de Hammond, y tanto éste instrumento como la voz y su melodía,  nos transporta a Atomic Rooster y su blues disfrazado de Hard Rock. Probablemente,  el resto del grupo eran Jim Norris (batería,  voz), Mark Corbin (bajo, voz) y MIchael Argue (guitarra, voz).

"Welfare Blues" entra en el boogie rock'n'roll de sonido Midwest, al puro estilo HeadEast o REO Speedwagon.

"On the Street" tiene un aire "eclesiástico "/psico del que solían hacer uso Procol Harum, Rare Bird o los mismos Deep Purple en sus comienzos. La psicodelia no había sido erradicada del todo en 1972, por lo menos no en Canadá. La organada es felizmente densa, con buenas voces y acústicas.  Podría ser un tema de Módulos perfectamente.  Pero al cantar en inglés, su parecido es con Sugarloaf.

"Touch you in my mind "  suena casi a vodevil, cabaret o tema teatral del estilo de The Kinks. Con "Tell Him" damos un giro total con una rola tremenda, puritito Uriah Heep de primera época. Hasta la voz de Varty recuerda a Byron en su mejor forma. Hard rock Soul con la marca infalible del mejor espíritu setentero.


Vuelta al disco y casi sonidos del primer Crimson en "Ain't No Use". Tema de cierta solemnidad coral, entre los citados y The Moody Blues. "Rock'n'Roll Business" es un rhythm ' n' blues con Hammond a lo Brian AUGER y algo de guitarra  (no se suelta mucho, la verdad). 

La manera de cantar en "Everybody" recuerda a Dr. John, y de hecho casi lleva tesitura New Orleans, para pasar un good time, incluyendo de nuevo teclas a la Trinity de Brian Auger. 

"Everybody What's my name" posee ese entrañable empaque romántico - épico  a lo David Byron. Y finalmente "I Don't Wanna Hear" cierra en onda Soul desquiciado,  salvaje y negroide. Un disco muy apañado y entretenido, en el que se intuye claramente,  que de haber seguido 

Sea Dog hubieran tirado al hard rock sí o sí.  Por lógica del momento.  Doug Varty publicó el álbum  "Feel Free" en 2013, siendo el único miembro todavía activo en la música. Curiosidad canadiense para la lista interminable de rarezas que ha dado éste país. 
J.J. IGLESIAS 



Temas

A1 I'm Going Down 
A2 Welfare Blues 
A3 On The Street 
A4 Touch You In My Mind 
A5 Tell Him 
B1 Ain't No Use 
B2 Rock 'N' Roll Business 
B3 Everybody 
B4 Everybody What's My Name 
B5 I Don't Wanna Hear





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CAN - Landed (1975)

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Este vinilo vino en el mismo lote que me traje de Andorra en 1976 con “Tago Mago” y así como el Tago me impresionó, éste no me dijo absolutamente nada. Incluso me arrepentí de haberlo comprado. No entendía algo tan diferente en un mismo grupo en una diferencia de cuatro años entre ambos discos. 


En 1975, todas las bandas clásicas de rock, de rock progresivo o de jazz rock o de lo que queráis en términos musicales, ya habían sacado sus obras principales, maestras o legendarias, según el adjetivo que os guste más utilizar. Entre 1967 y 1975 se hizo “todo”. Toda la cosecha principal de la alegremente llamada “música moderna” en todas sus variantes y estilos se encuentra concentrada en esos 8 años irrepetibles. Pero este período histórico ha sido explotado (y degenerado) sin embargo, para llenar cinco décadas de música. Obviaremos por supuesto el jazz y la música clásica porque ese es otro mundo que afortunadamente va por libre, pero en lo que a “rock” se refiere en términos globales, en ese período se encuentra su templo de shaolin y su oráculo de Delfos. Decirle a la gente que toda la música realizada en los últimos 50 años parte de una simplificación, decadencia, imitación, simulacro y degradación de todo aquello, puede que os parezca radical por mi parte y como diría Bugs Bunny con su… ¿qué hay de nuevo amigo?...absolutamente nada afirmaría. La música hoy, por llamarla de alguna manera, va a la par que el cambio climático, la clase política, los medios digitales y la tecnología del Smartphone, incluida la educación reggaetonera de las escuelas que de aquí a nada todo ello va a convertir el planeta en inaguantable. Un mundo de humanidades en todo su esplendor.      

La portada de “Landed” hace daño a la vista pero tiene su coña. Si la tomas como broma puede decorar incluso la carroza de algún desfile del orgullo alegre o también puede ser el cartel con las fotos de los maestros de una corrida de toros en las fiestas de minglanillas del campo. También tiene su punto de afiche de película Almodovar y su toque cutre cachondo, que para ser alemanes son la hostia y se lo han currao.

La “música” contenida en “Landed” define bien el concepto de esquizofrenia de un grupo inteligente que busca provocar y descojonarse. Este disco es su certificado de defunción y la paradoja del asunto es que quienes han aborrecido el lado anárquico de sus anteriores LP´s van a apuntarse a partir de este disco bendiciendo y laureando sus siguientes trabajos como “Flow Motion” de 1976, “Saw Delight” del 77 y los que siguieron. Yo no voy a hablar de estos álbumes y dejaré a CAN en este último artículo. Por respeto a ellos y a los que les gusta la música imaginativa. CAN quisieron hacer aquí una especie de disco de “rock”. “Full Moon in the Highway” es un ruidoso hard de estructura un tanto convencional con un Karoli desmadrado y agresivo. Adiós a las baterías imaginativas y los bajos pulsantes. “Half pas one” tiene un toque a españolada marciana con guitarra al estilo. Entre lo hortera y la broma decadente a lo spanish-hollywood. Por decir algo. “Hunters and Collectors” podría ser la banda sonora del peor film de 007 en las calles de Hong Kong o una de karate de serie b. También por decir algo. “Vernal Equinox” con sus 8 mtos nos da algo de “vidilla” recordando al CAN que fue pero ahora super enrockerizado con un Karoli sin miramientos. La batería de Liebezeit ya no tiembla como antaño aunque las disonancias y anti-reglas se incluyen aquí. Irmin rasga el órgano sin miramientos y la lejía y el salfumán vuelven a salpicar el suelo que pisas. Etnicismos completan algunas fases del tema que por otra parte es infumable y escuece como una picadura de avispa.  


Das la vuelta al LP y aparece “Red Hot Indians” ni se calificarla. Imagino a Lou Reed borracho y a los CAN aburridos y abúlicos en plan…vaya mierda que estamos grabando. “Unfinished” acaba en forma pesadilla atmosférica sonora en 13 mtos que dicen adiós a lo que fueron, pero que ya no pueden ser, ni quieren. Pieza como perdida entre tumbas de niebla y fuegos fatuos completamente experimental que no pega nada con el resto del disco. A estas alturas yo creo que les daba ya igual todo. Con los años salieron cosas interesantes como las “Peel Sessions” que abarcan del 73 al 75 con excitantes jams e improvisaciones y el “Box Music Live” con piezas del 71 al 77. Ambos bastante recomendables.
Alberto Torró 






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BAFFO BANFI: “Galaxy My Dear” (1978) &“Ma, Dolce Vita” (1979)

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Giussepe Banfi “Baffo” para los amigos, fue un teclista excelente que formó parte de Biglietto Per L´inferno una banda progresiva fundada en Lecco en 1972 y que lanzó dos excelentes álbumes progresivos. La idea inicial de este artículo era hablar de ellos, pero me ha parecido más interesante hablar de los dos trabajos instrumentales de su teclista. 


Hasta ahora no me había dado por hablar de electrónica cósmica, para eso ya tenemos a J.J. que controla este tema y también es verdad que a ambos nos da por enredar con aparatejos que lleven teclas para hacer marcianadas y sonoridades que acojonen en los múltiples sentidos de la palabra. El tema de la electrónica siempre ha llevado a controversias. Dentro de los ámbitos más serios de los músicos “de verdad”, pianistas y virtuosos concretamente, la música electrónica deviene como algo “engañoso”, artificial. Yo recuerdo los comentarios de un amigo músico que en los 70´s vio en directo a Tangerine Dream. Recuerdo su sentencia como si fuese ahora: “creo que esto es una tomadura de pelo”. Yo estaba encantado con TD y aquello me sonó muy duro. Incluso afiló la crítica para decir: “me gustaría verlos con tres pianos a ver si son capaces de tocar “algo”. Esto me hizo pensar en que en parte, realmente tenía razón. Posteriormente se habló del término de “no música” cuyo principal exponente fue Brian Eno. Pero todo este tinglado venía de lejos y de los laboratorios donde se experimentaba con “ruiditos” a mediados del siglo XX. Desde luego no es lo mismo un “sintesista” que “un teclista”. Vale. Claro que a mi me encantaría tener ocho años de piano y conocimientos de armonía y composición. ¡A que músico con pretensiones no le gustaría!... Sería la hostia a la hora de enfrentarme a un sintetizador porque lo esencial estaría cumplido. Un sueño a día de hoy imposible. Pues fijaros que este es el caso de Baffo Banfi. Un tío competente a nivel técnico metido a sintesista. Una ventaja a la hora de hacer música es tener conocimientos, esto es importante y no siempre ocurre, aunque otra cosa es la imaginación. Hay buenos intérpretes, pero malos compositores y viceversa y gente mediocre y sin puta idea pero muy lista que se han hecho millonarios. La historia de la música está llena de estos ejemplos. 

En 1975 Klaus Schulze se fijó en este italiano, de hecho, su primer trabajo “Galaxy My Dear” de 1978 estaba dedicado al que consideraba su maestro y aquí encontramos todos esos “aparatejos” con los que muchos habríamos soñado tener: mini moog, micro moog, poly moog, ARP Odyssey, Roland, Farfisa, Logan, Solina etc etc… y a volar toca. Este disco puede competir de sobra con cualquier punto álgido en la discografía del ciborg alemán, pero claro el apellido Banfi no es Schulze y salvo fanáticos, este hombre no es muy conocido en el panorama de la música planeadora. Las melodías y los encantamientos de las seis piezas de este trabajo son de verdadero ensueño con un maravilloso empleo de los secuenciadores. Una electrónica celestial que invita al optimismo, llena de hermosas armonías y a perderte por fascinantes y a veces misteriosos parajes. 


Su siguiente trabajo “Ma, dolce vita” de 1979 supera incluso al anterior y ya fue fichado para el sello Schulze “Innovative Comunications”. Las melodías son deliciosas y el pulso de las secuenciaciones te empuja al cosmos para jugar en el vacío y en la flotación mental. Banfi sabe sacar partido a esos maravillosos sonidos analógicos que a veces rozan la ternura. La alegría es barata porque no cuesta nada. “Quelle dolce estate sul pianeta venere” es un ejemplo que lo hermosos que pueden ser los sintes bien empleados, pero la pieza que me pierde de este disco son los 18 mtos de la “fantasía de un planeta desconocido”, un verdadero laberinto de secuencias fantásticas como su nombre indica y una de mis piezas favoritas de toda la música planeadora que se ha grabado en la historia de este estilo. Una épica futurista que corre veloz a través de universos paralelos y agujeros de gusano y que hará las delicias de todo amante de la Berlin School en su lado más amable y menos frío. Preciosa. Banfi grabó un tercer álbum para IC llamado “Hearth” pero las tendencias robóticas de los 80´s ya habían enfermado cualquier atisbo de calidad y dio un paso en falso. Banfi dejó aquí su breve historia musical pero los dos discos mencionados son dignos de habitar en casa de cualquier amante de la electrónica progresiva.
Alberto Torró


Galaxy My Dear 1978


Temas

Galaxy My Dear 13:00
Audio Emotion 6:00
Paradox: Streams 5:00
Gang (For The Rock Industry) 6:00
Goodbye My Little Star 18:00

Ma, Dolce Vita 1979


Temas

Oye Cosmo Va 6:41
Quelle Dolce Estate Sul Pianeta Venere 6:05
Vino, Donne E Una Tastiera 7:14
Astralunato 3:51
Fantasia Di Un Pianeta Sconosciuto 17:57



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Peter Roar & Lucky Gurí ‎– We Are Digging The Beatles 1972

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Nuevamente estamos ante una "Rockliquia" de los 70 rescatada en 2009 por la discográfica Picap. La grabación fue editada originalmente en 1972 y retirada una semana después por problemas legales con la compañía de los de Liverpool.


Recordemos quienes fueron los protagonistas de este proyecto:

- Lucky Guri (piano, teclados), excelente pianista catalán que comenzó su carrera a principios de los 70 con New Jazz Trío que posteriormente se transformaría en  Barcelona Traction. En 1975 graban su primer disco y participan en el emblemático Canet Rock. En 1976 entra a formar parte de Música Urbana estando presente en su primer disco. En los 80 comienza su carrera televisiva en programas como  "Tres picos y repicó" y colabora con Andreu Buenafuente y Ángel Casas. Ha seguido realizando actuaciones fundamentalmente de jazz y con diversas formaciones hasta la actualidad.

- Peter Roar, saxofonista que colaboró con diversos grupos en la década de los 70 participando en el disco en directo de Máquina.

- Carles Benavent  uno de nuestros más afamados bajistas y con una larga trayectoria pasando por grupos como Crac, Máquina, Música Urbana, etc. Notables colaboraciones con  Chic Corea, Camarón de la Isla, Kitflus,  Michel Camilo y una interminable lista de  músicos de todo el mundo.

- Salvador Font otro histórico batería del rock español en grupos como Crac, Mantequilla Group, Máquina, Música Urbana y muchos más.

- Max Sunyer uno de los mejores guitarristas catalanes de todos los tiempos y uno de mis favoritos. Participó en excelentes grupos que han marcado la historia del rock en nuestro país (Guitarras Mestizas, Iceberg , Max Sunyer Trio, Pegasus, Tapiman, Vértice, etc).


La grabación se realizó en los estudios Gema teniendo como ingeniero de sonido a Joan Sirvent. El disco contiene diez versiones de temas de The Beatles en clave jazz. A parte de los músicos mencionados anteriormente (Guri, Roar, Benavent, Font y Sunyer) también podemos encontrar a Miguel Garriga (banjo), Oriol Carreras (banjo), Ricardo Solís (trombón), Carlos Avallone (trompeta), Tomás González (saxo) y Ricard Gili (trompeta). Se trata de un curioso intento de llevar la música de The Beatles por otros terrenos musicales.
J.C. Miñana











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BLUE ÖYSTER CULT – LIVE IN THE WEST 1975

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Sin duda "(Don't Fear) The Reaper" es el tema más conocido de los BOC, incluido en la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos realizada por la revista Rolling Stone, pero esta magnífica banda es mucho mas que un éxito solitario. Hoy los recordaremos en su gira de 1975.


En 1975 la banda ya había editado tres discos en estudio: "Blue Öyster Cult" (1972) , "Tyranny and Mutation" (1973) y Secret Treaties (1974). Ese mismo año editarían su primer en directo oficial, "On Your Feet or on Your Knees" (1975). Su gran éxito llegaría al año siguiente con "Agents of Fortune", llegando a ser disco de platino.


La grabación nos muestra diversos conciertos de BOC realizados en el Civic Auditorium, Redding, CA (3/07/1975), Paramount North West, Portland, OR (4/07/1975), Paramount North East, Seattle, WA (5/07/1975) y el National Guard Armoury, Medford, OR (8/07/1975). La banda estaba integrada por: Eric Bloom (voz, guitarra),  Donald "Buck Dharma" Roeser (guitarra), Allen Lanier (teclados, guitarra), Joe Bouchard (bajo) y Albert Bouchard (batería). En cuanto al "setlist" tenemos cinco temas del "Secret Treaties", disco que estaban promocionando en ese momento, tres del "Tyranny and Mutation", dos de su primer disco "BOC" y por último dos extras, "Buck's Boogie" y Maserati GT (Ain't Got You) que solían tocar en directo.  En cuanto a la música tenemos excelente hard rock con el toque personal de los BOC. Buenos riffs y  grandes momentos guitarreros. Temas destacados "Seven Screaming Diz-Busters", "Astronomy", "Buck's Boogie" y por supuesto Maserati GT, una extraordinaria versión del tema "Ain't got you" (Calvin Carter) popularizada por The Yardbirds. Se rumorea que las grabaciones salieron de la propia banda para repartidlas entre sus amigos. Por otra parte tenemos el aliciente de escuchar cinco temas ( "Stairway To The Stars", "O.D'd On Life Itself", "Flamin 'Telepaths", "Dominance & Submission" y  "Astronomía") no incluidos en .el directo oficial de la banda "On Your Feet or On Your Knees".
J.C. Miñana



Temas

01. Stairway To The Stars 00:00 
02. OD’d On Life Itself  04:15 
03. Harvester Of Eyes  09:12 
04. Flamin’ Telepaths  14:30 
05. Dominance And Submission  20:50 
06. Subhuman 26:50  
07. Seven Screaming Diz-Busters 35:19 



01. Astronomy 48:54 
02. Cities On Flame  58:20
03. Buck’s Boogie  01:04:08 
04. Hot Rails To Hell  01:17:35 
05. Maserati GT (I Ain’t Got You) 01:23:50



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PATRICK GLEESON - Patrick Gleeson's Star Wars (1977 / MERCURY) (Serie Pioneros)

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.......En el último episodio de la saga "Ensayos...." dejamos a Herbie Hancock creando una joya del jazz de vanguardia como fue "Sextant" (1973). En ella encontrábamos al Dr. Patrick Gleeson que ya había participado en el anterior, "Crossings" (1972), asesorando a Mr.  Hancock sobre sintetizadores, y colaborando él mismo con sus ARP. También gira con él ayudando en la promoción del proyecto Mwandishi.


Gleeson ya llevaba su camino andado en éstas materias. Nacido en California, ingresa a mitad de los 60 en la San Francisco Tape Music Center,  fundada a comienzos por Pauline Oliveros, Morton Subotnick y Ramon Sender. Toda una institución como academia de músicas avanzadas y con la electrónica como primera prioridad.  Allí desarrollan el modular Buchla, y es frecuentado habitualmente por Terry Riley o Steve Reich, entre otros. Patrick Gleeson se introduce de lleno en ese nuevo y fascinante mundo. Por esas fechas escucha el "Switched On Bach" de W. Carlos y se lanza a por un Moog Modular de cabeza. Y no era capricho barato. Además crea los Different Fur Studios, donde se grabarán "Sextant" y "Headhunters" de Hancock, por ejemplo. Al parecer éste corre la voz, y sus próximos clientes serán Lenny White, Freddie Hubbard, Charles Earland o Eddie y Joe Henderson. 

El debut de Gleeson será "Beyond the Sun - An Electronic Portrait of Holst's The Planets" (1976) en donde participa con unas notas de texto W. Carlos. Su seguimiento será algo mucho más comercial, a priori. Un punto de vista muy particular y "sui generis" de la banda sonora de Star Wars.

"Patrick Gleeson's Star Wars" reinterpreta la música de John Williams, en el mismo año de su estreno, pero llevada a su propio terreno. Lo cual ya no es tan comercial. De hecho se aleja del sinfín de discos-tributo que saldrán por esas fechas, todos con la temática galáctica del fenómeno del momento. Desde jazz hasta disco (Meco), que se editarán  en avalancha ése año.

Miembros de Tower of Power o Headhunters (Harvey Mason en la bateria), así como una sección de cuerda, colaboran junto al arsenal electrónico  más actual para 1977. Si bien el comienzo con "Star Wars Theme (Luke's Theme)" (5'49) guarda respeto al original, su tratamiento dominado por sintetizadores le da claramente un aura de autenticidad futurista que resulta totalmente acertada para la ocasión. 

"The Tatooine Desert" (6'25) podría formar parte de cualquier concept-album de Rick Wakeman o Patrick Moraz. Los arreglos arriesgados la trasladan al terreno del prog rock electrónico, y suena tremendamente descriptiva. 

"Death Star" (5'29) en cambio pasaría por un soundtrack de Keith Emerson, por su aspecto más oscuro y siniestro, incluyendo voces femeninas al estilo de "Inferno", que hiciera el desafortunado teclista para Dario Argento.  Es un punto álgido en un disco sin bajones, con pasajes sintetizados dignos también de Larry Fast / Synergy. 


La segunda cara la inaugura "Star Wars Cantina Music"(3'15), puede imaginarse fácilmente lo que da de si ésa música pasada por sintetizadores de todo tipo. Aquí sí que Moraz la hubiera gozado, incluyendo fragmentos de alegre bossa y música brasileira. El desmadre "charlestoniano" se conserva, faltaría más. Otra curiosidad resulta "Princess Leia's Theme" (4'03), no muy alejada de Isao Tomita y sus homenajes cibernético -debussyanos.

"Droids" (2'18) casi roza la electrónica kraftwerkiana, vocoder incluido. Y finalmente "Ben Kenobi's Theme" (7'07) entrega otro imaginario sonoro al que no le hacen falta imágenes. En un tremendo despliegue épico con analogía sintetizada por doquier, de culturista musculatura. Casi al nivel de Jürgen Fritz en Triumvirat.

Ocho discos componen la carrera de Patrick Gleeson, además de su inmensa lista de colaboraciones, soundtracks  ("Apocalypse Now", "Crossroads", "The Plague Dogs", "The Bedroom Window"), o series para TV.

Su particular "Star Wars" resulta mucho más interesante de lo que pueda parecer a un primer golpe de escucha.
Todo un secreto muy bien guardado.
J.J. IGLESIAS



Temas
A1  Star Wars Theme (Luke's Theme) 5:49
A2  The Tatooine Desert 6:25
A3  Death Star 5:29
B1  Star Wars Cantina Music 3:15
B2  Princess Leia's Theme 4:03
B3  Droids 2:18
B4  Ben Kenobi's Theme 7:07




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JAMES TAYLOR QUARTET - Live At The Jazz Cafe 2008

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Fueron muy afortunados los que tuvieron la posibilidad de ver a James Taylor Quartet el pasado mes de Junio en el Azkena Rock Festival de Vitoria-Gazteiz. Para los que no pudimos asistir nos puede servir de consuelo escuchar este magnífico directo de 2008.
James Taylor creció en una familia de músicos. Su madre y su abuela eran pianistas clásicas, fue esta quién le compró su primer piano a los seis años y le dio sus primeras clases. A los 14 años Taylor comienza a escuchar a gente como Booker T. & the MGs y queda prendado del sonido Hammond. Su pasión por el instrumento le lleva a comprar discos de Brian Auger y Keith Emerson. Su primer teclado llega a los 15 años, un Casio 202. En el 82 entra a formar parte de The Prisioners con los que graba cuatro discos "A Taste of Pink"(1982), "The Wisermiserdemelza"(1983), "The Last Fourfathers" (1985) y "In From the Cold" (1986). Por fin se decide a formar su propia banda, James Taylor Quartert, y edita en la discográfica Acid Jazz su primer EP, "Mission Imposible" (1987), conteniendo temas de famosas películas (Alfie, Mres Robinson, Goldfinger, Blow-up, Mission Imposible,Joyhouse, The Stooge). Su discografía contiene más de veinte grabaciones y una reputación internacional fuera de toda duda. En la actualidad Taylor posee cinco Hammond's (M100, dos C3, A100  y un modelo de transistores X5 de principios de los 70).


La grabación nos muestra la actuación de James Taylor Quartet en el famoso Jazz Café. La música de la banda es lo que se denomina acid funk jazz. Al margen de esta enrevesada etiqueta Taylor nos ofrece virtuosismo con su Hammond con un "groove" increíble. Desde el primer tema "Picking Up Where We Left Off", nuestros pies se moverán al son de la música. Taylor a conseguido el sonido perfecto para su C3, estuvo años experimentando para lograrlo. Junto a James tenemos unos excelentes músicos.  Por una parte tenemos a Nigel Wallace Price, excelente guitarrista con un sonido jazz que nos trasladara a los sonidos de los grandes de este género. Las sección rítmica formada por Andrew McKinney (bajo) y Adams Betts (batería) es realmente genial su interpretación va más allá del mero acompañamiento y en diversos momentos de la grabación lo podemos comprobar. Como invitados tenemos a la sección de viento formada por Nick Smart y Rob Townsend que intervienen a partir del cuarto tema, "Joe's Diversions". La percusión latina de Noda Oreste también está presente. La cantante Yvonne Yanney participa en dos temas, "Tore My Heart Out" y la versión del tema de Carol King "I Feel the Earth Move". En definitiva una grabación especialmente indicada para los amantes del sonido Hammond.
J.C.Miñana



Temas
1.- Picking Up Where We Left Off 
2.- No Way 
3.- Easy Time 
4.- Joe's Diversions 
5.- The Exorcism 
6.- Tore My Heart Out 
7.- Never In My Wildes Dreams 
8.- Blow Up 
9.- Jan Jan 
10.- I Feel the Earth Move 
11.- The Theme from Starsky and Hutch





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KHAZAD - DOOM - Level 6 1/2 (1970 / LPL)

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Cuando éste fino cuarteto de Illinois editaron ésta rodaja hippie - nerd en el comienzo de los 70, ya habían pasado por sus filas 29 miembros desde 1964. Eso sin contar nombres como The Vibratos o The Laymen. En ése loco cálculo de probabilidades,  surgió la química al fin.  Su líder,  el guitarrista y cantante Jack Eadon, se aseguró una más que destacable alineación  con la que seguir batallando. En ella estaban Al Yates (órgano,  piano, voz), Steve "Crow" Hilkin (batería,  voces) y Tom Sievers (bajo y voces). Tal frenética actividad previa, había dejado algunas grabaciones de 1968 de pura fantasía beatleliana, que aparecerían posteriormente como "Cherrytown".


Aunque aquí lo que nos interesa es el único álbum editado por la banda en su momento. "Level 6 1/2" es uno de esos "holy grail" de coleccionista que lo reúne absolutamente todo. Su rareza absoluta, ya que tan sólo 180 copias fueron editadas a través de la independencia.  Su sonido, en una perfecta y engrasada balanza que integraba elementos garage, psicodelia y proto-progresivo. Su precio..... un anónimo japonés se llevó no hace mucho en E Bay un original por 2200 pavos. Añadase que es un album conceptual de fuerte carga tolkiana, (el nombre del grupo es una ciudad de la Tierra Media). Y es que "Lord of the Rings" fue por aquellos días una de las biblias hippies junto a los libros de Herman Hesse o Carlos Castaneda.

La reedición vino de Void Records en 2007, con la aprobación y ayuda del propio Jack Eadon, que también fue el productor del artefacto en su día.  En ésa ocasión tampoco es que lanzaran muchas copias (800), con lo que si sumamos todos, todavía no llegarían ni a los 1000 editados. Salvo cds y piratadas varias que escapan a nuestro control informativo. 

El disco está dividido en Act 1 y Act 2 (las caras), y 9 "escenas", (las canciones, de las que una pertenece a un segundo álbum nunca editado). "Excerpts from the Hunters, the Prelude" (12'15) es la perfecta exposición del sonido Khazad - Doom : órgano prominente, excelentes voces y armonías y una mezcla entre psych y prog primerizo de primer nivel (más de "6.5"). Equiparables a productos de su tiempo similares, como Wizards from Kansas, Touch,  Mandrake Memorial, Clearlight o Listening. El órgano se entrega a desarrollos generosos, (cosa que no hace la guitarra, curiosamente ), sustentado con seguridad por una solvente base rítmica. 

"In This World" (2'40), "Nothing to  Fear" (2'45) y "Music" (3'35), siguen con la racha de colorines aceitosos y alucinaciones marca Iron Butterfly, Doors o Zerfas. 


El "segundo Acto" comienza con un terciopelo vocal de majestuosos aires "In the Court of the Crimson King", con "In the Den" (4'25). Unas cuidadas voces que no desentonarian en un clásico álbum de Moody Blues.

Khazad - Doom a estas alturas ya te tienen en su nirvana particular, con la boca abierta y babeando como un bobalicon Homer Simpson. Estas a su merced, y sólo un inspector de Hacienda o el "Salvame" podrían sacarte de ése placentero letargo. "The Golden Yellow Meadow" (7"05) o "Narcissus" (5'53) son más momentos que definen ese proto-prog tan magnético y perfecto, obra de estos deliciosos colgaos de Chicago. 
El disco es en suma, una maravilla para perderse entre sus surcos y no dejar bajo ningún concepto que nadie moleste tu meditación regresiva. Los alegres días del incienso, el patchouli, el sexo libre y las drogas de verdad quedarán lejanos. Recrearlos con Khazad - Doom es una buena manera de revivirlos. Aunque sea acompañado tan sólo con una buena cerveza.
J.J. IGLESIAS




Temas
 Before Khazad Doom: The Laymen
1 Cherry Town 3:09
2 Love Which We Share Among Us 2:08

Early KD: Level 6 1/2
Hunters
3a The Prelude 12:18
3b In The Den 4:25
3c The Golden Yellow Meadow 7:05
4 Narcissus 5:04
5 In This World 2:39
6 Nothing To Fear 2:44
7 Excerpt From Uncle Gilroy's Crazy Son 2:54

Later KD: Khazad Doom, The Album
8 Stanley's Visit To Kerkle Morff 12:24
9 Can't Find Love Alone 2:48
10 Dirrt 1:50
11 Paper Bus 4:01
12 Frozen Faces 3:35

After Khazad Doom
13 Come With Me 4:13


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SCANDINAVIAN SYMPHONIC TALES - Moon Safari (prólogo) - A Doorway To Summer

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Inauguramos nueva sección y esta vez nos vamos para allá arriba. Tierras frías de escasa luz durante meses. Pueblos bárbaros de vikingos y fiordo con sus topicazos y filón literario de sagas, runas y naturalmente leyendas épicas fantásticas. 


Mi relación con la música de estas tierras fue previamente con la clásica: Sibelius y Grieg principalmente y sigo metido en ese mundo de la sinfonía, el ballet y el concierto. No es nada raro ni friki. De crío como no me gustaba el fútbol me dedicaba a escuchar los discos de mi padre y a ver películas de romanos o históricas en el cine. Mí conversión al rock fue posterior o a la par probablemente. Se dice que en los años 70´s el rock progresivo creó muchos adictos al mundo clásico sinfónico y es cierto. A mí también me ayudó y me abrió puertas. ELP ayudaron a conocer a Modest Mussorgky, a Bela Bartok. a Leos Janacek, a Aaron Copland, o a Alberto Ginastera. Renaissance hizo lo propio con influencias de Prokofiev, Rimsky Korsakov, Bach o Albinoni. Zappa lo hizo con Igor Stravinsky, Varesse o Schoenberg. The Enid lo hicieron con Elgar y Mahler y en lo que a España respecta lo hicieron los Canarios con las estaciones de Vivaldi en su Ciclos. Manuel de Falla o Joaquin Rodrigo, más apreciados en el extranjero que por nosotros, fueron lo más florido que hemos dado al mundo, pero vemos por contra que casi obviaron por completo sus mejores y menos conocidas obras. La aportación nacional a su propio legado musical es escaso y anecdótico. Algo muy propio y muy nuestro. Pero curiosamente siempre son los de fuera los que nos valoran. Por otra parte, no hay que tener miedo de los dogmas culturales. Ni de las elevadas alturas de los que creen saber y se piensan vivir en un olimpo intelectual inaccesible a los mortales. Todo es fachada pedante os lo aseguro y lo mismo pasa en el resto de las artes. La música no depende de juicios ni de verdades absolutas porque es el mayor ejercicio de libertad personal que existe. Patrimonio de la humanidad. Nada lo supera.

Yo en lo que a rock progresivo respecta suelo ser algo particular lo reconozco, pero solo para mí. No todo me vale. Sin embargo, todo el mundo tiene derecho a hacer la música como le dé la gana y como le apetezca, faltaría más. Pero también odio el perfeccionismo y la seriedad como único objetivo. Se trata de hacerlo bien y entretenido que no es lo mismo que perfecto, porque si no la música pierde vida y naturalidad. La música ante todo debe emocionar y ponernos contentos por eso no suelo deslumbrarme con fuegos artificiales ni exageradas técnicas que solo consiguen aburrir. La música no necesita anabolizantes ni enfermizos y exagerados ejercicios.  De ahí mi reticencia hacia las “franquicias”, a la velocidad metalera con el único objetivo que apabullar al oyente. Son las tendencias del momento, que todas pecan de lo mismo: escaso sentido para la melodía y para la composición imaginativa.  Eso de que está muy bien hecho, pero no me dice nada, me ocurre con cantidad de bandas actuales que suenan tan perfectas como vacías. Los hay a cientos hoy día. Pero la música es como un calambre eléctrico. Si no emociona, si no duele o alegra, excita, quema o nos estremece, no nos dice nada. Por eso no soy muy proclive a día de hoy a admitir a cualquier grupo progresivo en mi personal “biblioteca musical de Alejandría”, aquella del saber prog antiguo, de la sinfónica Hipatia de principios los 70´s y su violación y muerte por las hordas enfermizas del “cristianismo punkarra-nuevaolero” y sus san cirilos de afilada pluma de finales 70´s. La destrucción de cualquier atisbo de inteligencia, avance positivo y cultura en la historia del hombre, es una máxima que se repite en el tiempo casi siempre por culpa de las creencias o las ideologías. Dos cánceres a extirpar en una mente inteligente. Desde el despertar de segundas y terceras generaciones progresivas, muy pocos ejemplos son dignos de figurar en esa imaginaria Alejandría musical que acabo de inventarme.

En los países nórdicos hay actualmente una importante generación de músicos afincados en los terrenos del prog rock. Siempre la hubo, otra cosa es que aquí llegasen o se tuviese acceso a ello. Independientemente del estilo que practiquen, tienen una norma común: hacerlo bien e inteligentemente. Suecia por ejemplo y desde hace algunas décadas se ha convertido en sello de calidad en un porcentaje de grupos y músicos por encima de la media. Ellos llevan las riendas a la hora de que un producto pueda llegar a interesar tanto a la audiencia más veterana y más curtida como a la más joven e interesada en las lides del estilo. Hay muchos ejemplos y grupos recomendables y para mí por ejemplo los suecos Moon Safari son actualmente un claro ejemplo de ello en mezclar lo agradable con lo inteligente. 


Este joven sexteto natural de la localidad de Skelleftea inicia su actividad en 2003, es decir estamos hablando de una banda actual con un amplio despliegue instrumental: dos teclistas, dos guitarristas, batería y bajista. La característica primordial de esta banda son un extraordinario empleo de las voces, ya que todos cantan y de guitarras acústicas y finos teclados en buena parte de sus composiciones. Su estilo vocal es inconfundible y es lo que le da la personalidad al grupo. En los ambientes progresivos que vivimos hoy son un rara avis, ya que no es habitual encontrarnos con el nivel vocal tan fantástico que poseen estos tipos. Se les achacan ciertos defectos (que para mí no lo son), como el exceso de azúcar en el empleo de encantadoras melodías y pasajes propios casi de película de Walt Dysney. Son líricos hasta la extenuación, preciosistas hasta el detalle y alegres como nadie. Es música completamente luminosa, sin dobleces, pero en absoluto ñoña o cursi como afirman algunos críticos muy espabilados que piensan que su música es para pipiolos amantes de los cuentos de hadas. Naturalmente quién no asimile el lado más “cariñoso” y bonito de la música, no los va a soportar. No así los buscadores empedernidos de la belleza. Este grupo es para ellos. Así que desde aquí advierto a los amantes del ruido, la bronca, lo oscuro y lo desagradable, que se abstengan de escuchar a esta banda delicatesen porque no es para ellos y les hará vomitar. No hay problema. Bastante horroroso es el mundo en que vivimos así que bienvenido este otro mundo paralelo completamente imposible de hacerse realidad, salvo en tu imaginación y en tus sueños. Sus voces y sus pasajes instrumentales, son parafraseando a Jon Anderson: All Good People “para toda la buena gente” que muy a mi pesar, son minoría. De todos es conocido que los caminos del prog han sido prácticamente copados por bandas de metal pesado. Es un estilo evidentemente asociado al mundo y a la forma en que vivimos. Poco espacio para la calma y la fina degustación y mucho para la velocidad y la violencia. Es lo que toca. Es el siglo XXI, un siglo sin misericordia para nadie donde el atisbo de un mínimo gusto o excelencia está hasta mal visto. No soy nada optimista con respecto al futuro de la música porque todo lo delicado está condenado a su desaparición.

Estos entonces chavales, sacaron su primer CD en 2005 bajo el título de “A Doorway To Summer”, música veraniega pero no de chiringuito festivalero en la playa. Las voces pueden recordarnos a una mezcla entre CSN&Y, Beach Boys, America, Magna Carta o Yes y alguno más probablemente. Los que rugen en lugar de cantar pondrán el grito en el cielo: “vaya panda de maricones” y benditos sean, diría yo. Luego de escucharlos me encuentro con una banda que construyen perfectamente las composiciones, que se atreven con largos pasajes y que tienen un sentido para la melodía excepcional. Poseen todos los ingredientes para agradar al sinfónico en su vertiente más delicada y hermosa. Si estos discos los acompañasen de bonitas portadas ganarían muchísimo, pero no se lo han currado nada a este respecto y son bastante malas visualmente. No todo van a ser alegrías.


 Cinco largas piezas componen este caramelo: acústicas, piano soñador y angelotes cantando ya desde el principio: “Doorway” 11 mtos con mellotrones, sintes, órganos y guitarras de ensueño. ¿Qué alma cándida como yo va a resistirse…? Imposible. Sonido completamente analógico. Guitarras Latimer-Hackett-Phillips deliciosas. Hasta la ola de calor de estos días parece amortiguarse en su escucha. Bonito realmente. “Dance Across The Ocean” son los Yes que siempre deberían haber sido en su faceta más mágica y desbordante. Precioso. Hay un toque folky siempre en el trasfondo que rubrica lo dicho. “A Sun Of Your Down” es más reflexiva y calma. Todo es benigno y hermoso, no hay lugar para el mal rollo ni lo borde. Es como un mundo inocente y hasta un ligero recuerdo a los mejores Beatles vía Paul McCartney se me cruzan en la mente. Esto pide escuchas, muchas escuchas. Está tan bien hecho que parece imposible a día de hoy un grupo de estas características. “We Spin The World” dura 24 mtos del mejor rock sinfónico que puedas imaginarte con constantes cambios, a veces peculiares ciertamente y si existe un concepto de gusto exquisito, estos suecos lo tienen y van completamente sobrados. Cuando una banda disfruta con lo que hace se nota a la legua. 

Se me olvidó deciros que esta banda fue apoyada y lanzada por Tomas Bodin el teclista de otra banda sueca fantástica como The Flower Kings a quienes conocí personalmente y comí paella con ellos en un pequeño restaurante barcelonés en los tiempos del Lunar Suite. “Beyond The Door” pone el epílogo a este primer disco deslumbrante. A la semana que viene más porque ya me he alargado demasiado.
Alberto Torró






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RACCOMANDATA CON RICEVUTA DI RETORNO - Per Un Mondo Di Cristallo (1972)

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“Carta certificada con acuse de recibo”. Nadie como los italianos para ponerse nombres curiosos a la hora de montar una banda progresiva. Estos romanos con las siglas RRR fueron un sexteto que se formaron en 1972 y para no variar en gran parte de la tradición de “obra única” dejaron este “para un mundo de cristal” en la leyenda de piezas sueltas progresivas italianas. Todos sus miembros venían de bandas en parecidas circunstancias: hoy estamos, mañana ya no. 


Es curioso comprobar como los llamados festivales de “música pop” en los años 72-73 por la geografía italiana incluían un alto porcentaje de bandas de rock progresivo. En mi querida España, esa España nuestra, también recuerdo que se empleaba en aquella época el término genérico de música pop en los festivales donde se solía mezclar de todo: cantautores protesta, cantantes beat, canción melódica, rock, grupos de folk, rumberos y hasta flamenco: todo bajo el paquete POP. Yo y mi grupo llegamos a compartir escenario tanto con José Antonio Labordeta como con Manolo Escobar, los Módulos o La Banda Trapera Del Río ya en la punkarrada barriobajera. No es una broma, sino real como la vida misma. Ahora os puede parecer ridículo, pero no había nada peor visto que ser músico de rock en la España de los 70´s, porque las pintas y los pelos ya te consagraban a la categoría de vago, maleante o degenerado cuando no algo peor. Cuarenta años de retraso con Europa se notaban y mucho. 


No todo el RPI en Italia se basaba en la misma fórmula o estilo. Las variantes iban de un extremo a otro y todo tipo de música pasaba por un agitado cocktail de sonidos para convertirse en lo más original posible. El estilo de la “Raccomandata” no era de fácil clasificación por la complejidad de su propuesta. El barroquismo de “Nulla” y sus complejas estructuras medio medievales, folky-rock muy aventureras y a veces clasicistas pueden recordarnos ligeramente a Jethro Tull o Gryphon. Hay mucho trabajo de guitarras acústicas en esta línea y por supuesto el empleo constante de la flauta y los sonidos graves de chelo (¿?) o teclados, le dan un aspecto vanguardista y misterioso a la música que también en parte se aproxima a sus compatriotas Goblin o incluso Osanna con un toque exótico típico de la época. Las cadencias de blues o jazz no faltan tampoco. Se nota una intencionalidad en lo que hoy denominaríamos progresivo ecléctico o “crossover” prog que está muy de moda. Buen ejemplo de ello es la pieza denominada “Il mondo cade su di me” o incluso los clasicismos a la ELP en “Nel mio quartier” con bruscas variaciones a la Tull o incluso Banco. Los bucolismos se reparten también en muchos pasajes como “L´ombra” o “Un palco de marionette” que avanza hacia un particular y elaborado blues rock muy Tull nuevamente. Pero las variaciones en su música son tan constantes y a veces tan vanguardistas que es difícil clasificar cada canción en un estilo determinado. 


Son músicos de alto calibre en la ejecución de sus respectivos instrumentos y en ningún momento la música resulta aburrida por la cantidad de caminos que proponen. Otra pena de grupo con un potencial tremendo y una música de altísima calidad. Se volvieron a juntar en 2010 y en 2012 para algunos conciertos conmemorativos.
Alberto Torró



Temas
A1 Nulla 
A2 Su Una Rupe 
A3 Il Mondo Cade Su Di Me 
A4 Nel Mio Quartiere 
B1 L'Ombra 
B2 Un Palco Di Marionette 
B3 Sogni Di Cristallo - Nulla



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PRISMA CIRCUS - MK II / Promethea's Armageddon (2017 / PC) (Rockliquias Bandas)

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La heavy psych music ciertamente tiene poco que ver con lo aplicado hoy como tal. Quiero decir, que de "heavy", tal como ahora se entiende, nada. Resurgió con fuerza con el asentamiento del Stoner Rock de los 90. A pesar de esto, yo nunca he oído un sólo corte Stoner, (y menos psych!), en los bares heavy de mi city.  Demasiado preocupados por que "no se pierda el legado 80s", digo yo.....Por eso me ven tan poco el pelo por esos antros. La esencia de los 60 / 70 se ha ido conservando magníficamente gracias a éste estilo, y a formaciones mayormente underground de todo el mundo. A comienzos de ésta década se forma en Barcelona, Prisma Circus. Extraordinario trío que venera a Blue Cheer, May Blitz, Grand Funk, Cream o The Jimi Hendrix Experience bajo un punto de vista más actual, pero siempre respetuoso con las sagradas formas.


Aclamados shows en vivo y un EP en 2012. Estreno  de largo en 2013 con el álbum "Reminiscences" y giras por toda Europa al lado de tremendos exponentes como Radio Moscow, Brain Pyramid o Samsara Blues Experiment. Eso ya lo dice todo. Aquella (ya) legendaria formación eran Joaquín Escudero (bajo y voz), Alejandro Carmona (batería) y Óscar García  (guitarras). Una bomba hard-psych-blues-rock demasiado concentrada para no explotar en mil pedazos. Carmona partirá a Cachemira (otros que tal) y Óscar García a Saturna. Dejando claro que Prisma Circus era una cantera para la mejor psicodelia dura del país. Esto impone un largo hiatus de silencio que se resolverá  (parcialmente), con la edición de "MK II / Promethea's Armageddon", en los días finales de 2017.

El nuevo guitarra será Alexandre Sánchez de Brain Pyramid. Y el batería,  también ocasional acústica,  órgano y sintes, será Antonio Tamargo, de Acid Mess. Queda de la anterior "MK", Joaquín Escudero al bajo, voz, acústicas y percusiones. Otra super formación habemus. Pero desgraciadamente,  no llevan idea de continuidad ni de promoción  del álbum en vivo. Es como una despedida (esperemos que un hasta luego), bien hecho, con un recuerdo imborrable. Si "Reminiscences" era una bestialidad comparable a una silla eléctrica a golpe de fuzz y riffs,  en éste último precisan de una mayor sofisticación,  sin perder para nada la esencia acid rock blues 70s de su inicial estilo.

El tema-título recoge en poco más de cinco minutos la nueva propuesta volcada en estudiada melodía,  psicodelia convulsa y dramática,  de poderosa técnica y cambios progresivos. Aquí el sólo de guitarra lleva veneno, pero en dosis de fino y exquisito licor. La producción de Miguel Herrero, que también se apunta al órgano y el sinte, es natural y respirable para el sonido de cada miembro.

"El Blues del Matusser"  agarra del cuello el estilo de Mahogany Rush y aprieta fuerte para que no se escape ninguna esencia. El órgano prepara la orgía psico mientras que el wah wah cabalga desbocado. Hendrix en Vanilla Fudge. Brutal del todo. Con el blues se crecen, escucha sus homenajes al inmortal Pappo que cuelgan en You Tube. 

"El Loco y el Mago" embiste como un instrumental  - locomotora a vapor a toda hostia contra un muro de hormigón de veinte metros de espesor. Su posterior calma, a base de puñetazos de bajo y serpenteante órgano reduce a escombros cualquier duda o flaqueza sobre Prisma Circus. Se encadena a "Fake Coral Snake", en otra avalancha suicida de riffs que acojona. Radio Moscow rinden respeto hacia los catalanes, y no extraña. 

En "The Obsolete Man" la batería es un monstruo rítmico que empequeñece al oyente incluso más que sus compañeros. Con efectos espectaculares acoplados al urgente maremagnum con fiereza e inteligencia.  El corto "Preludio" , de acústica y flamenca naturaleza, te hace sentir como el del poncho y el purito entrando lentamente a caballo en el ardiente pueblo mejicano semiabandonado. Da pie al tema más extenso, "El Guía de la Santa Compaña" (6'32), cantado en castellano,  el enfoque todavía resulta más amenazador. La guitarra asesina a cada nota, y la "Santa Compaña Hendrixiana" hace acto de presencia con sus espectrales ataques decibelicos de mismo rango que los Frank Marino, Eric Gales, Terry Brooks, Uli Roth o Randy Hansen. Te recuerdo que estamos hablando de gente de aquí. 

Finalizando con "Los Pasos del Coloso", en un híbrido ensoñador que fusiona a Smash con Robin Trower.

Lástima que no haya más Prisma Circus. Lástima que el disco sea tan corto (32 mts). Y lástima que no hayan anunciado su regreso. A juzgar por todo éste superlativo material, vaya putada gorda.
J.J. IGLESIAS



Temas
1. Promethea's Armageddon (00:00) 
2. El blues del Matusser (05:23) 
3. El loco y el mago (08:50)
4. Fake Coral Snake (12:25) 
5. The Obsolete Man (16:42) 
6. Preludio - (20:05)  
7. El guía de la Santa Compaña 
8. Los pasos del Coloso (28:12)






P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70


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