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Channel: ROCK LIQUIAS
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TRIO OF DOOM - John McLaughlin, Jaco Pastorius, Tony Williams 1979

July 3, 2018, 12:02 am
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El concepto de "power trío", formación integrada por tres músicos (bajo,batería y guitarra), es algo muy extendido en el mundo del rock. Ejemplos históricos podrían ser: Taste, Cream, The Jimi Hendrix Experience, Blue Cheer, Beck-Bogert-Appice, Rush, Motörhead y muchos más. En otros géneros como el jazz fusión no hay tantos casos pero a veces los dioses se reúnen  dando lugar a formaciones como la que hoy traemos a Rockliquias. 


En 1979 John McLaughlin ya había abandonado su aventura con Sharkti y estaba colaborando en multitud de proyectos. Ese mismo año publicaría su sexto álbum en solitario, "Electric Dreams", y comenzaría a gestarse su asociación con Paco de Lucía y Larry Coryell.

Por su parte Tony Williams seguía con V.S.O.P. junto a Ron Carter (bajo), Freddie Hubbard (trompeta), Wayne Shorter (saxo) y Herbie Hancock (piano), editando el "Live Under The Sky". 

Por último Jaco Pastorius editaba junto a Weather Report, "8:30", segundo disco en directo de la banda. También aparecía en "Mingus" de Joni Mitchell.


 La grabación pertenece a un evento cultural de "hermanamiento" USA-Cuba organizado por la discográfica Columbia celebrado en Marzo de 1979 en el teatro Karl Marx de Cuba. El festival duró 3 noches participando artistas como Billy Joel, Stephen Stills, Kris Kristofferson, Rita Coolidge,tan Getz, Jimmy Heath, Dexter Gordon, Hubert Laws, Arthur Blythe, Woody Shaw, Cedar Walton y Bobby Hutcherson. Por parte cubana actuaron entre otros  Irakere grupo en el que podíamos encontrar a Chucho Valdés, Paquito D’Rivera y Arturo Sandoval.

El Cd está dividido en dos partes. La primera nos muestra la actuación del "Trio of Doom" en el Habana Jam del 79. Cinco temas de jazz fusión con numerosos solos de Tony Williams (batería), endiablados riffs de John McLaughlin (guitarra) y una gran sensibilidad musical a cargo de Jaco Pastorius (bajo). Sin duda destacan "Dark Pince" de McLaughlin y la preciosa "Continuum", genial Jaco. Se rumorea que McLaughlin se negó a que se publicase la actuación. Aunque por otra parte fue el quién rescato las cintas  y mejoró el sonido viendo la luz en 2007.

La segunda parte del Cd corresponde a las grabaciones realizadas en los estudios CBS en New York el 8 de Marzo de 1979. Parece ser que McLaughlin no estaba muy satisfecho con lo realizado en la Habana. Particularmente prefiero la frescura y espontaneidad del directo. Incluso algunos dicen que Jaco y Tony Williams llegaron a las manos..
J.C. Miñana




Temas
01 | 0:00.00 | Drum Improvisation (Live)0:00.00
02. Dark Prince (Live)2:26 9:02
03. Continuum (Live) 9:02
04. Para Oriente (Live) 14:14
05. Are You The One? Are You The One? (Live) 19:57
06. Dark Prince (Studio) 24:51
07. Continuum (Studio) 29:00
08. Para Oriente (Alternate Take 1) (Studio) 32:49
09. Para Oriente (Alternate Take 2) (Studio) 33:55
10. Para Oriente (Studio) 34:16




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BRAINSTORM - Last Smile (1974 - 2001 / GARDEN OF DELIGHTS)

July 4, 2018, 12:13 am
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La proliferación de bandas alemanas haciendo jazz rock, con más o menos investigación musical de por medio, fue muy alta en los 70. Ya de por sí respiraban kraut vibrations en el aire, así que cualquier aproximación progresiva ejercía un alto grado de riesgo musical en aquellos combos. 


La sombra del Miles Davis de "Bitches Brew" o "Jack Johnson" era alargada. Y en ella se refugiaban Release Music Orchestra, Kraan, Emergency, Passport, Xhol Caravan, Prosper, Embryo, Volker Kriegel & Mild Maniac Orchestra, Niágara, Orexis, Katamaran, Sunbirds, Free Orbit, Ceddo, Creative Rock, Wolfgang Dauner Group, Real Ax Band, Munju, Missus Beastley......podríamos llenar la reseña de nombres y dejarla incompleta. Entre todos ellos también estaban Brainstorm. Banda que editó dos álbumes para la subsidiaria de Intercord, Spiegelei : "Smile a While" (1972) y " Second Smile" (1973). El que hoy comentamos, es un live grabado en los últimos días de la banda, durante la primavera de 1974. Editado por los arqueólogos kraut, Garden of Delights,  en el 2001.
Para éste concierto, la formación estaba compuesta por Rainer Bodensohn (flauta, voz), Enno Dernov (bajo), Horst Mittmann (batería), Roland Schaeffer (saxo, clarinete, guitarra, voz) y Eddy Von Overheidt (teclados, voz).

Un desenfreno "sexuarrl" de saxo-flauta-sección rítmica  da comienzo a "Marilyn Monroe" (4"12). Casi como una salvaje improvisación de los primeros King Crimson, en un duelo a muerte entre Ian McDonald y Mel Collins. La voz rockeriza en lo que puede, un corte con el turbo jazzy a toda pastilla. 

De la misma guisa se presenta "Das Schwein Trugt" (4'59), con el jazz planeando sobre toda la atmósfera del tema,y comparativa con Soft Machine. No sólo en el poderoso saxo demostrado, también en un bajo que golpea como un púgil cabreado. Es un buen instrumental  que demuestra el nivel superlativo de Brainstorm. La combinación al unísono de flauta y saxo produce un estilo característico en el grupo. Cuando entran las voces, con gusto por las armonías,  los recuerdos hacia Colosseum o IF se hacen patentes. 


La flauta de Bodensohn es protagonista en cada pasaje, de dulce y audaz intervención en todo momento. Eso nos ofrece "Signed" (8'32), en una inspirada mezcla entre Caravan, , Focus y Herbie Mann. "There Was a Time" (12'36) plantea un extraordinario y melódico ejercicio al saxo de Roland Schaeffer, con la voz solista contestando con la misma sentida cadencia sentimental. Al fín entra un esencial sólo de órgano nada convencional en su sonido, (que ya se estaba haciendo esperar!), y resuelto de nuevo por una convincente y espectacular forma del saxo.

"Stars on the Stage" (10'33) pone fin a éste meritorio rescate de los especialistas, Garden of Delights. Las maneras vocales del tema, e incluso todo él,  recuerdan a los primeros Iceberg de "Tutankhamon", por el tándem a lo  Ángel Riba / Máx Suñe. Eso sí,  la omnipresente flauta aleja parecidos y nos deja claro que Brainstorm poseían un propio sonido. Curiosamente,  en la recta final del tema, la guitarra / flauta se desmelenan en una increíble jam de sonoridad Southern rock más propia de The Marshall Tucker Band!! Lo que no deja de ser estupendo y vigorizante en la escucha. Un disco lleno de buen feel underground, que pasa sin enterarte,  y  eso es muy buena señal.


Roland Schaeffer pasaría, tras la ruptura de Brainstorm, a los tremendos Gurú Gurú, y poco más hay que añadir. El lujoso libreto que incluye la edición  (sólo en cd), te pondrá más al corriente. Fuerza y sensibilidad unidas en un gran disco de directo.
J.J. IGLESIAS


Temas
1 Marilyn Monroe 4:12
2 Das Schwein Trügt 4:59
3 Signed 8:32
4 There Was A Time... 12:36
5 Stars On The Stage 10:33



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CAN - TAGO MAGO (1971)

July 5, 2018, 12:02 am
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Corría el año 1976, el aquí presente 22 añicos tenía entonces. Yo compraba el Disco Expres de manera habitual desde 1969, la única revista de formato periódico en blanco y negro que existía en España con ciertos visos de “modernidad y enrolle musical” y que tan temprano apareció en nuestro país. Los más mayores recordareis también: “Popular 1” o “Vibraciones”. Fueron los únicos medios de los que disponíamos a para estar “al día” en esas músicas que hoy han pasado a la leyenda. 


Creo recordar que fue en “Disco Expres” donde leí la primera reseña de la música de CAN a principios de los 70´s (hicieron otra en 1977 cuando actuaron en Barcelona ya algo descafeinados), en los términos que se hacía entonces: raro, extraño, diferente, locura etc. No recuerdo quién firmaba el artículo, probablemente fue Jordi Sierra I Fabra o Diego Manrique o quizá otro de la época…no lo recuerdo. Lo que sí recuerdo es que recién licenciado del servicio militar y con alguna perrilla ahorrada con ayuda paterna claro, hice mi primer viaje en autobús a Andorra La Vella, porque el hecho de que allí había discos de los que había oído hablar imposibles de conseguir aquí, me producía una felicidad eterna. (los Lp´s estaban bastante más baratos que aquí).  Un fin de semana completo. Lo que no les dije a mis padres es que me fui con una chica para completar mi jolgorio y alegría. Fue encantador aquello en ese momento, pero no eran épocas para que las relaciones estables durasen, y más si la mili te partía la vida, los estudios siempre pendientes y además tu bolsillo siempre bajo mínimos. Mal negocio. A la vuelta se marchó. Hizo lo correcto.  Solo me quedó la música que había comprado en Andorra que ya no era tan “bella”. Pero quien no sufre no aprende y yo aprendí rápido porque a esa edad ya te han dado alguna que otra hostia. 


De aquel “triste” viaje, me traje el doble vinilo, entre otros, en la versión “apertura en sobre” del doble Tago Mago de CAN edición francesa o inglesa creo (precioso encarte granulado) También ese año pasé de escuchar a Genesis a todas horas, a escuchar a Vander Graaf Generator, Zappa, Soft Machine y Hatfield And The North entre muchos otros. Fue empezar a entender la broma curiosa de la vida. Reconozco que no habría roto ciertas normas ni habría entendido la música de CAN si mi estabilidad emocional no hubiese cambiado radicalmente. La mili cambiaba a las personas y el desengaño en las relaciones humanas lo hacía todo más difícil. CAN en 1976 fue perfecto para mí y Tago Mago fue una terapia irrepetible. Si quería cabrear a “lo establecido” CAN, Zappa o Henry Cow eran perfectos. Incluso Tangerine Dream ponía nerviosos a muchos: “Zeit” por ejemplo. Música diferente, retorcida, sin concesiones, sin mariconadas. Esa música molestaba a mucha gente y eso a mí me ponía a 100. Que se jodan! me decía con soberbia y entusiasmo. Que tiempos! Pero la sabiduría no había llegado todavía, ni las canas. Faltaban muchos años para comprender las ventajas de ser un “calzonazos” y un yayo descreído, encantador y cínico, educado y amable, que admite por experiencia el sinsentido de la vida, su absurda vanidad, sus cagadas y la ridiculez de tomarlas en serio.


Yo tuve mi primer equipo stéreo en 1977, hasta entonces un tocadiscos monoaural portátil Cosmos de color rojo, reproducía mis vinilos setenteros. Aunque yo lo disfrutaba igual. Cuando puse la aguja en “Paperhouse” no había oído a CAN en mi vida. La bondad de mis “sinfonismos” y hermosas melodías habían marcado mi vida. Defensor a ultranza de Genesis, ELP, King Crimson, Jethro Tull, Yes, Pink Floyd, Greenslade, Nektar, Moody Blues y tantos otros, habían “ordenado” mi oído de una forma muy concreta. Cierto es que para entonces Tangerine Dream, con su “Phaedra” y “Rubycon” y el “Time Wind” de Klaus Schulze ocupaban asiduamente mis audiciones, pero el tema CAN era otra cosa. Borrón y fuera conceptos predeterminados. No hay otra manera. Esto no es hermoso ni lírico me decía a mí mismo. Esto es terrible, enfermizo y lo más curioso es que me gusta y no se el por qué. También tengo que decir que CAN es para mí una excepción en toda regla. Jamás he aguantado a un grupo “sucio y ruidoso” nunca. No soporto una audición de la Velvet Underground por poner un ejemplo ajeno al krautrock, pero tampoco soporto fácilmente, ni cosas de Faust, ni de Amon Duul, ni de Popol Vuh (salvo alguna excepción) o de Floh De Cologne entre otros. CAN tiene algún ingrediente adictivo que desconozco. No lo sé. 

El efecto alucinatorio de la primera pieza de Tago Mago cuando cambia el ritmo a mitad, no tiene precedentes. Es como un ataque repentino de epilepsia que hay que escuchar a mayor volumen posible. Es 1971 y nadie le sacudía a la batería como Liebezeit. También hay un trasfondo psicodélico de puro ácido y mucho eco y delay sonoro aparentemente simple. Es la crudeza lo que hace a CAN único en su género: “Mushroom” es un sonido filtrado y manipulado de forma extraña. El golpe rítmico es bruto y sofisticado a la vez. La voz susurrante de Damo es la intranquilidad y el desasosiego reinante casi a modo de pesadilla. Una tormenta inicia la cabalgada húmeda de “Oh Yeah” y el bajo y batería Czukay –Liebezeit, taladra sin piedad mientras Irmin coloca acordes marcianos a su Farfisa y a su  Alfa 77. La guitarra manipulada y los efectos grabados y reproducidos al revés le dan un aspecto fantasmal al tema. La “melodía”, raro pero la hay, de Suzuki, tiene su gancho y su peculiar “baile”. El golpetazo seco de caja y bombo a contratiempo es fantástico y reconozco que me influyó mucho a la hora de tocar mi batería. La música se filtra como un veneno mortal. La bestialidad que comenté con “Mother Sky” tiene ahora a su madre definitiva con la enorme e inmortal “Alleluhwah”. Si pones esto en una disco en aquella época o incluso en esta, o puedes vaciarla, o llenarla de criaturas feroces escapadas del manicomio. 18 mtos de la insidia rítmica más brutal que hayas escuchado en tu vida. Una obsesiva pieza de estructura aparentemente monótona y minimalista que, si tienes paciencia en escucharla detenidamente, verás o mejor oirás, una cantidad de detalles y efectos que pasarán desapercibidos a muchos que solo se dejen llevar por la danza tribal que en realidad parece. Esta es una de mis favoritas de CAN. Cuando la oí por primera vez dejé de pensar en un mundo civilizado e imaginé salvajes perdidos en una prehistoria futurista. Si vas a escuchar “Alleluhwah” olvídate de tus conceptos musicales prestablecidos y eso que todavía no he hablado del segundo disco. Porque sé que aquí muchos van a tirar la toalla. El trabajo rítmico machacón acaba por meterte en un trance o en un ritual extraterrestre primitivo, tan adictivo como un polvo salvaje a una viscosa y lasciva marciana verde de grandes y múltiples tetas e insondables profundidades venusianas. No puedo imaginar esto colgado de LSD. Sonidos de violín de ultratumba, teclados imposibles y atonales se mezclan con una acidez de guitarra que ni con omeprazol. El bajo va taladrando sin piedad mientras pulveriza sonidos y efectos por todos lados. Si esta música no te levanta o no te la levanta o estás muerto o necesitas viagra. Vaya paliza para cualquier batería menos para este monstruo que parece querer reventar el parche del bombo en cualquier momento. El tema conforme avanza se torna en mayor locura. Hay momentos de éxtasis sonoro que actúa como un peligroso opiáceo de mil contraindicaciones físicas y mentales. Os podéis creer que a mí no se me hace larga esta pieza. La he oído tantas veces…y aun así me sigue sorprendiendo casi medio siglo después.


Cuando coloqué en el plato el segundo LP y empezó a sonar “Aumgn” (toda la cara a) me dije a mi mismo ¿…pero que cojones has comprado Alberto…? Ahora entiendo quienes, fueron los maestros de Irmin Schmidt, Holger Czucay y  Caroli incluido. Ríete tu de las excentricidades sonoras de Zappa con Varesse. Estos dejan a Ligeti, Cage y a otros raritos de mediados del siglo XX casi para Eurovisión. Recuerdo que sentí sensación de miedo y opresión al escuchar esta pieza inclasificable y me parece ver a la niña del exorcista con cascos escuchándola con beatífica sonrisa mientras le cae líquido verde caliente por la boca o a mi ex jefe, primo hermano del Sr Burns (la misma napia y calvo, pero añadiendo bigote facha), extasiado de placer el día que me despidió de su diabólica empresa y haciendo gestiones malvadas para impedir mi acceso a la vida laboral en cualquier terreno privado de esa actividad. Escuchar a Liebezeit hacer lo que le sale de los cojones hacia el final infernal redundancias aparte y con un perro ladrándole un rato no tiene precio. Pero lo que no tiene precio son los 11 mtos del otro lado del vinilo con “Peking O”. Si estás medicado o en tratamiento psiquiátrico grave, no oigas esta pieza te lo recomiendo de verdad. Jamás me he reído tanto y no sé si era la intención de CAN al “descomponer” esto. La saturación del órgano, la voz y el bajo con ecos inauguran una “experimentación” que no sé hasta qué punto es una improvisación y hasta qué punto no. Parece todo un montaje premeditado y preparado por la cantidad de loops y añadidos que hay. No creo que una mente seria hubiese compuesto esto de ninguna manera. Pero CAN es a veces imprevisible y me los imagino partiéndose el pecho con un grotesco Damo Suzuki haciendo el gamberro, burlas, ruidos y bobadas continuas con la voz. Esta es probablemente la mayor locura que he escuchado en música, pero tengo que decir que en este caso el exceso de todos los excesos sonoros me resulta genial e hilarante. Podría ser la banda sonora de una campaña electoral o unas primarias de partido conservador de centro de toda la vida. Le va como anillo al dedo. Termina el disco dos con “Bring Me Coffe Or Tea”, la pieza más anodina e inofensiva del álbum, como diciendo pues ya vale, ya os hemos sacudido a gusto!!. 

Este doble álbum definitivamente es una de las consideradas obras maestras del krautrock y de la música de vanguardia de todos los tiempos. Se hizo en 1971 y se adelantó a su tiempo. Pero tened presente que no todo el mundo está preparado para escuchar esto.
Alberto Torró













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APOTEOSI - Apoteosi (1975)

July 6, 2018, 12:15 am
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Nos encontramos ante una de esas escasas gemas que se perdieron en la década de los 70´s dentro de la imaginería sinfónica italiana. Es curioso comprobar el nivel y la calidad tan alta de estas fugaces agrupaciones de músicos y grupos, y la dificultad de la mayoría de ellos para conseguir una continuidad y pasar de la maldición de solo una grabación o un LP. Nuestros vecinos del mediterráneo están plagados de grupos de un solo álbum y una gran cantidad de discografías en el mejor de los casos, se componen de dos o tres discos a lo sumo. Lo curioso del caso es que estas perlas perdidas en el océano histórico de la música, no son en absoluto trabajos mediocres, ni música que se hizo para pasar el rato.



Apoteosi duraron apenas un año y lo componían tres jovencísimos hermanos del sur de Italia que compartían el apellido Idà: Silvana (voz) Massimo (teclados) y Fredico (bajo y flauta). Completaban la formación Franco Vinci (guitarra) y Marcello Surace (batería). La familia Idà naturales de Palmi (Calabria) eran menores de edad y la grabación y producción de este disco corrió a cargo de su propio padre. Todo un ejemplo. No imagino a un padre en aquella época defendiendo y apoyando el rock sinfónico de sus hijos. Hoy sería más factible lo contrario y de hecho, hay casos de padres sinfónicos que ya pintan canas, que incorporan a sus hijos para tocar la música que siempre han querido. Afortunadamente para el rock progresivo en general, el legado y bastón de mando, ha pasado a las nuevas generaciones. Hay muchos chavales hoy y puedo afirmarlo en mi propia casa, que aborrecen del regetón, la disco, el hip hop, el rap, los triunfitos, las lady gagas, el pop gallináceo, el rock cutre, los lolailo y el zumba-zumba. Afortunadamente no todo son manadas descerebradas y la música en muchos casos ha pasado a buenas manos. Aunque también hay que decir que jamás la buena música ha sido tan minoritaria como ahora, aunque a buen recaudo, es cierto, y también que el “progresivo” y no solo este estilo, ha sufrido sus peligrosas contaminaciones con la mierda sonora que invade el planeta en este siglo.



Comprobar como Massimo, el teclista de Apoteosi, un chaval que, con sus 14 años, toca el piano, el órgano hammond y el sintetizador ARP pro-soloist, en este disco, es para alegrar a cualquiera. Como su hermana, poco mayor que él, tiene una voz preciosa y con un hermoso acento del sur de Italia, y como el resto de los músicos (muy jóvenes también) de esta prodigiosa banda, se desenvuelven en una música fina y elaborada en unas composiciones de alto nivel. 

Con solo 5 temas: “Embrión” (2.35) “Prima Realta/Frammentaria Rivolta (14.40) “Il Grande Disumano/Oratorio/Attesa (8.36) “Dimensione da Sogno” (3.48) y “Apoteosi” (5.50) nos presentan uno de los discos más hermosos de rock sinfónico que se grabaron para el RPI en 1975. Una pena que no hubiese continuación, porque con sus edades eran una promesa en firme y lo tenían todo por delante. No abandonaron del todo la música y algunos de sus componentes siguieron en activo. Pero insisto que resulta una pena que este primer y único LP, no tuviese más hermanos vinílicos. No es una producción de altos vuelos, aunque está bien grabado. La voz de Silvana quizá necesitase algo más de volumen, aunque el resto está bien equilibrado. La tirada de este disco fue escasa por los probables gastos que le suponía a la familia Idà. El precio de este vinilo, buscado por coleccionista es alto. Nos conformamos con la versión CD de esta pequeña joyita pasada por alto. 
Alberto Torró




Temas
A1 Embrion
A2 Prima Realtà
A3 Frammentaria Rivolta
B1 Il Grande Disumano
B2 Oratorio (Corale)
B3 Attesa
B4 Dimensione Da Sogno
B5 Apoteosi




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Sabicas With Joe Beck ‎– Rock Encounter 1966

July 7, 2018, 12:46 am
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En la década de los 70 muchos fueron los intentos de fusionar el flamenco con el rock. Grupos como Smash, Triana o el propio Camaron, realizaron diversas grabaciones donde las dos culturas se daban la mano. Pero antes de todo esto a mediados de los 60 dos pioneros ya lo habían intentado con escaso éxito. Me refiero a Sabicas y Joe Beck, grabaron un disco que pasó totalmente desapercibido.


Conviene recordar quienes fueron estos dos intrépidos músicos.


Sabicas (Agustín Castellón Campos) nació en 1912 en Pamplona. Cuando todavía era un niño sus padres le compran una guitarra por 17 pesetas. De forma autodidacta aprende a tocarla y se estrena en el teatro   Gayarre en una jura de bandera. Por motivos familiares se tiene que trasladar a Madrid y con 10 años debuta en el teatro Eldorado. Durante algunos años fue un fiel seguidor de Ramón Montoya, guitarra flamenco y pariente de su madre. En los años 30 trabajó como acompañante de Juan Valderrama, Estrellita Castro, Imperio Argentina y Antonio el de la Calzá entre otros. Durante la guerra civil decidió abandonar España realizando una extensa gira con Carmen Amaya por América del Sur y en 1940  da el salto a Estados Unidos actuando dos años más tarde en el Carnegie Hall de Nueva York. Durante cinco años realiza diversas giras por América del Norte hasta que se traslada a vivir a México donde contrae matrimonio. En 1955 Carmen Amaya lo contrata para una nueva gira por USA trasladándose definitivamente a Nueva York . Realiza una extensa colaboración con Mario Escudero con el que graba tres discos y se dedica a realizar giras por todo el continente.  Su producción musical es enorme con más de 40 discos de estudio y numerosos en directo. En 1967 volvería a España para dar un concierto en la IV Semana de Estudios Flamencos de Málaga y en 1982 Pamplona le dedicaría sus San Fermines. En los ochenta colabora con Enrique Morente en el disco "Morente-Sabicas. Nueva York / Granada".  En 1990 recibe un nuevo homenaje en el Carnegie Hall  muriendo en Abril de ese año.


Joe Beck nace en Filadelfia en 1945 trasladándose a Manhattan donde comienza su carrera musical. A los 18 años colabora con Stan Getz y en 1967 graba con Miles Davis. Un año más tarde se integra en la orquesta de Gil Evans. Su primer disco llega en el 69, "Nature boy" y posteriormente llegarían casi una treinta.  Joe ha colaborado con Louis Armstrong , Duke Ellington , Buddy Rich , Woody Herman , Miles Davis , Maynard Ferguson , Howard Roberts , Tommy Tedesco , Larry. Coryell , John Abercrombie , Tom Scott , Jeremy Steig , Frank Sinatra, Gloria Gaynor y muchos más. Murió de cáncer de pulmón en 2008.


Rock Encounter se grabo en los estudios A&R de la 7ª avenida de Nueva York en 1966 aunque tardaría cuatro años en llegar a las tiendas. Sabicas (guitarra flamenca) y Joe Beck ( guitarra eléctrica) estaban acompañados por Diego Castellón (guitarra, hermano de Sabicas), Tony Levin (bajo). Donal McDonald (batería) y Warren Bernhardt (teclados).

El disco se inicia con "Inca Song", aires flamencos mezclados con melodías  andinas que van dando paso a un frenético solo de Joe Beck  y una batería endiablada de McDonald. "Joe's Tune", maravillosa la entrada de Sabicas, qué bella es la guitarra flamenca tocada por un genio. Poco a poco entra el grupo de una forma más pausada que el tema anterior y con una mayor integración. En esta composición si que hay una verdadera fusión. "Zapateando", el título es bastante descriptivo, se trata de un zapateado flamenco que da paso nuevamente al rock con un Joe Beck en plan psicodélico rockero. En "Zambra" nuevamente la integración del flamenco y el rock es bastante buena. Impresionante Sabicas. Simple palmas flamencas es lo que encontramos en "Handclaps" a penas 30 segundos. En "Flamenco Rock" volvemos a encontrar dos partes bien diferenciadas, el rock en la inicial y final y el flamenco en la central. "Bulerías " es el único que no es instrumental. Netamente flamenco con el cantaor Domingo Alvarado. El disco se cierra con "Farruca" donde los dos géneros se fusionan  bastante bien.

Sabicas repudió totalmente el disco aunque curiosamente lo volvió a intentar en 1971 con "he Soul of Flamenco and the Essence of Rock" .Joe Beck tampoco quedó muy satisfecho y en alguna entrevista comentó que a pesar de la buena disposición de Sabicas la comunicación entre ellos fue bastante complicada.
J.C.Miñana 



Temas
A1 –Sabicas With Joe Beck Inca Song 00:00 
A2 –Joe Beck Joe's Tune 05:20 3:49
A3 –Sabicas With Joe Beck Zapateado 09:14 
A4 –Sabicas With Joe Beck Zambra 18:54 
B1 –Sabicas With Joe Beck Handclaps 23:00 
B2 –Sabicas With Joe Beck Flamenco Rock 23:36 
B3 –Sabicas With Joe Beck Bulerias 29:47 
B4 –Sabicas With Joe Beck Farruca 37:08 




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Creedence Clearwater Revival - Jam Session With Booker T. Jones 1970

July 8, 2018, 1:08 am
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CCR y Booker T. & the M.G.'s habían realizado numerosas actuaciones juntos en las diversas giras que realizaron por todo Estados Unidos. Por ello no es de extrañar que surgiera la amistad entre las dos bandas ( no siempre pasa). Tampoco es raro que se encontraran en los Fantasy Studios situados en Berkley. Posiblemente después de unas copas y algo más surgiera la idea de realizar una jam. Lógico entre músicos, copas y algo más.


En 1970 CCR estaban en la cima del estrellato. Con cuatro discos a sus espaldas (Creedence Clearwater Revival (1968), Bayou Country (1969), Green River (1969), Willy and the Poor Boys (1969)) y numerosos singles en las primeras posiciones de las listas. Ese mismo año editan un nuevo single, "Travelin' Band / Who'll Stop the Rain" con el que tienen algunos problemas legales por su parecido con el "Good Golly Miss Molly" de Little Richard. Realizan una gira por Europa y en Julio editan "Cosmo's Factory".

Por su parte Booker T. & the M.G.'s era una banda veterana (más de media docena de discos) que también había alcanzado el éxito con temas como "Green Onions".  En Abril sacarían al mercado "McLemore Avenue" una especie de homenaje a los Beatles incluso emulando la portada del  Abbey Road



La jam se realizó el 30 de Enero de 1970 en los Fantasy Studio, Berkley. En cuanto a los participantes tenemos a la CCR en pleno (John Fogerty ,Tom Fogerty, Stu Cook y Doug Clifford – drums) y a Booker T Jones al órgano. Algunos dicen que también estuvieron  Donald "Duck" Dunn y Steve Cropper pero este dato no está confirmado. En cuanto al "setlist" tenemos largas improvisaciones como "Jam Warm Up" (13:18) o "I Put A Spell On You" (15:38) y temas clásicos del grupo como "Proud Mary", "Travelin' Band" o "Down On The Corner" aderezados con el exquisito toque de Booker T Jones. Hay que tener en cuenta que se trata de una jam donde lo único que se pretende es pasarlo bien. El sonido es bastante bueno. Se rumorea que después se fueron a jugar al baloncesto. Al día siguiente CCR dio un memorable concierto en el Oakland Coliseum. Fue grabado un documental del concierto que sigue durmiendo en algún desván. El audio fue editado nueve años después como "The Concert" con la confusión de que se dijo que estaba grabado en el Royal Albert Hall (falso).
J.C. Miñana



Temas
1Jam Warm Up13:18
299 1/26:27
3Proud Mary5:40
4Travelin' Band5:10
5Born On The Bayou6:17
6Spurtitel Down On The Corner5:06
799 1/2 Reprise2:49
8I Put A Spell On You15:38
9Final Jam6:37




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WARNER JEPSON - Vídeo Face With his Electronic Buchla (1970 / WJ) (serie Pioneros)

July 9, 2018, 12:20 am
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Warner Jepson fue otro explorador sonoro que no se conformó con eso, y amplió su campo a lo que hoy llamaríamos "arte multimedia".


Graduado en composición por el Oberlin Conservatory of Music en 1952, sus primeros trabajos vieron la luz a finales de ésa década.  Aplicando sus enseñanzas y logros sonoros con el modular Buchla a performances y ballet. Posteriormente lo ampliaría a filmes y exposiciones de escultura y fotografía.  Esto último también una disciplina artística inherente al autor. Algunos de sus film-scores son "The Bed" (1968), "Luminous Procuress" (1971) y "Gold" (1972).

Lo que presentamos hoy no es un álbum  per se, aunque su duración de 43'48 mts así lo parezca. Se trata de una filmación experimental hecha por el propio Jepson, con música extraída de su primigenio módulo sintetizado Buchla. Inmediatamente se advierte que estamos ante otro desconocido y adelantado a todo lo que explotarla por esas fechas, (aunque Jepson ya llevaba unos cuantos años de estudio en la electrónica sonora). Su estilo tiene muchos parecidos con el naciente rock alemán,  sector cósmico experimental. Aunque algo de los vanguardistas USA también puedan ser influencia. Su sentido rítmico y melódico avanza maneras y pretensiones que luego se verán en todos los iconos del movimiento referido.


Es comprensible que, en su otra faceta de fotógrafo,  hiciera realidad el proyecto aquí expuesto, juntando sus dos grandes aficiones. Un trabajo innovador y revolucionario en aquellos creativos días,  en fantasía audio-visual muy común por otra parte en aquellos tiempos de búsqueda. Donde nada daba miedo de exponer por marciano que pareciese.
Si nos atenemos a lo nuestro,  la música,  tenemos aquí otro excelente ejemplo de experimentador electrónico,  o proto-sintetista de primera generación. De fuerte carga imaginativa, melodías de otro mundo y soundtracks imaginarios para cine de ciencia ficción en blanco y negro.

La verdad es que el Buchla tenía un sonido particular "other worldly", que fue muy usado para menesteres cinematográficos.  Su sonoridad "alienígena" daba el ambiente adecuado a aquellas primeras pelis sobre platillos volantes y marcianos picarones, secuestradores de la rubia de turno.

Ésta obra no se aleja en nada de las creadas por ése tiempo, por los caballeros cósmicos alemanes, principalmente.  Quizá vaya adelantada dos o tres años a su tiempo. Warner Jepson murió el 5 de Julio de 2011 a los 81 años.

Es recomendable el doble cd  "Totentanz and others Electronics Works 1958 - 1973", editado por Melón Expander en el 2008. La que hoy traemos es una maravillosa sesión de síntesis vetusta a la vez que bien creada e imaginativa.
Sabían lo que hacían,  éstos pioneros.
J.J. IGLESIAS






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SUBJET ESQ.‎– Subject Esq. 1972

July 10, 2018, 12:00 am
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Esta banda alemana procedente de Munich se formó en 1966 teniendo en sus filas a Gerd Stöhr (guitarra), Harry Rosenkind (batería), Michael Hofmann (guitarra, voz) y Stephan Wissnet (bajo, voz). En el 68 ganan un concurso en el Löwenbräukeller dándoles cierto prestigio en su ciudad y forjando un estilo propio que se alejaba del emergente Krautrock.


En 1969 se producen algunos cambios en su formación entrando Peter Mark (guitarra), Peter Standler (órgano) y Alex Pittwohn (guitarra), Llegan a ser teloneros de John Mayall en su  actuación en el Blow Up de Munich.  Conciertos por toda Alemania y abandono por parte de Peter Mark. En el 72 fichan por la CBS y editan "Subject Esq.". En otoño llegan nuevos cambios al grupo: Hennes Hering (teclados, Out of Focus) y Nick Woodland (guitarra, Gift). Cambian de discográfica, Ariola, y cambian su nombre, Sahara. lanzando dos discos más, "Sunrise"y "For all the clows". En 1977 decidirían dejarlo.


La grabación original está compuesta por 6 temas que se mueven por los terrenos del rock progresivo recordándonos a los grupos del género de la época. Su primer tema, "Alone", está lleno de cambios de ritmo con un gran riff de guitarra a cargo de Paul Vincent, guitarrista invitado que se encarga de las partes de guitarra de la grabación. Michael Hofmann  nos puede recordar a Mel Collins. El único punto débil puede estar en las "tiernas vocecillas" que aparecen debe en cuando. Su segundo corte, Giantania, nos retrae a la época de los primeros Yes o incluso Genesis con órgano a cargo de Peter Stadler con sonoridades a lo Tony Banks.  "What is love" sigue la línea del anterior y siguen las vocecillas. Creo que hubieran ganándolo suprimiéndolas la prueba de ello es el tema siguiente, "5:13", instrumental con flauta a lo Anderson que nos puede sonar a Van Der Graaf Generator. Uno de mis temas favoritos. "Mammon" es el tema más largo con algo más de doce minutos., moviendose por los caminos del jazz rock. El disco finaliza con "Durance is waiting", sigo pensando en lo que hubiera sido un disco totalmente instrumental. Las ediciones posteriores en Cd vienen completadas con dos largos temas en directo "Giantania" y "Untitled", ojito al solo de flauta.
J.C. Miñana



Temas
1 Alone 00:00 
2 Giantania 05:22 
3 What Is Love 12:04 
4 5:13 17:44  
5 Mammon 22:14 1
6 Durance Is Waiting 34:55 
7 Giantania Improvisations 43:22 1
8 Untitled  01:02:35




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CHARLIE DANIELS BAND & FRIENDS - Volunteer Jam VI (1980 / EPIC)

July 10, 2018, 11:59 pm
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Con el sofocon veraniego me apetece especialmente escuchar buena música sureña. Debe ser que descubrí el género en un lejano verano de 1977, y siempre vuelven esos recuerdos y sensaciones cuando llega éste tiempo. Para hoy he escogido un volumen - año de los llamados "Volunteer Jam" que organiza, (pues sigue en ello), Charlie Daniels desde 1974. Siempre como anfitrión y presentando lo más granado del rock sureño, country rock, country, soul y músicas afines del sur. Éste evento se convirtió en toda una tradición.  El volumen editado en su sexto año en 1980, incluye como de costumbre, a extraordinarios grupos y artistas.


Abren el álbum sus "protegidos", The Winters Brothers Band, banda ésta que ya apareció por nuestra redacción.  En un cañonazo Southern titulado "Rich Kids" (3'13), de pura factura Outlaws.  Tremenda slide y conjuntadas voces, para hacer el cabra en Nashville o en Albacete, porque esto es la monda de bueno.

Louisiana's Leroux colaboran con "New Orleans Lady" (4'51). Aquí la banda todavía estaba en su primigenia formación sureña, antes de convertirse en una leyenda del Pomp / AOR, simplemente como Leroux. El tema es de orientación Southern / gospel / soul,  lleno de sentimiento, buenas y cálidas vibraciones. 

El tejano de color, Dobie Gray, demuestra que esto no era una congregación del KKK en estado de embriaguez, precisamente.  Grandioso cantante de Soul, pop y country,  se marca una sobrada de versión del "The Night they Drove Old Dixie Down" (6'58) de The Band, que no sólo es apropiada por el evento, sino por quién la canta. Un hombre de raza negra. Eso dice mucho de la cantidad de clichés,  topicazos y estereotipos injustos con los que se ve a éste lado de USA, desde el resto del mundo. 

La bellísima  (hasta hoy en día ), Crystal Gayle, hermana de Loretta Lynn y prima de Patty Loveless, se lanza por un blues popularizado por B. B. King,  "Same Old Story, Same Old Song" (3'57), sureñizado para la ocasión y la intérprete,  con efectivos resultados. 

La cara 2 es para los jefes del tinglado, The Charlie Daniels Band.
"Funky Junky"(6'55) es una cálida revisión de un clásico de su repertorio. Puro Southern por uno de sus pilares básicos. Poderosa influencia de Allman Brothers (que también participaban), y música gozosa, para deglutir cerveza en una barbacoa, (perdón para los lectores vegetarianos). El himno "Amazing Grace" es unido al clásico  "Will the Circle Be Unbroken" (8'06), al que se une Bobby Jones & New Life con la banda. En una especie de homenaje a Elvis, por el tratamiento que toma la canción. Recuerda que estamos en el profundo sur, bro.


Entramos en la cara 3 con otros infaltables del Southern 70s, Wet Willie  y su "Keep on Smilin" (6'54). Una banda ésta que a mí particularmente me encanta. Abordaban el Soul, jazz o rhythm'n'blues con naturalidad y sin prejuicios. Precisamente todos los que tienen sus detractores. En fin, Wet Willie en su explosiva salsa. 
La Henry Paul Band entregan un "So Long" (5'48) memorable, con el inevitable sabor a classic Outlaws, pero por algo era su cantante fundador. Una banda que ha ido creciendo en importancia con los años. A mí siempre me han parecido brillantes.

Otro negrito vacilón,  el violinista de Hot Tuna, Papa John Creach, le da al "Down Home Blues" (6'33) con la Charlie Daniels Band de backing band y los vientos de The LA Reflection Section. Inimitable. 

Del mismo arropo instrumental disfruta Ted Nugent en la cuarta cara, con su "Carol" (5'23) de Chuck Berry. Será de Detroit, pero el Nugent es la personificación del redneck cowboy hasta la médula. Así que está en éste sarao todo contento y feliz. Y claro, revienta el festi con su hard rock' n ' roll dinamitero.

El gran Rufus Thomas recupera todo el feel de Stax con su hipnótico trance Soul en "Do the Funky Chicken" (7'16). Bien protegido por la sección de viento antes referida, The Charlie Daniels Band y un invitado de lujo al órgano,  Mr.  Al Kooper. Esto echa chispas. 

Finalizando el doble y entretenido live con los extraordinarios Grinderswitch y su "Lady Luck" (5'16), otro ejemplo de calidad sureña 70s, y un favorito personal. La juerga no se quedó ahí.  También hicieron acto de presencia Allman Brothers, Willie Nelson, Delbert McClinton, Mylon Lefevre, Elvin Bishop, Stillwater, Sea Level......Esto fue un Monster of (Southern) Rock y lo demás chorradas. El bar se quedó vacío y mi sitio estaba allí. 
J.J. IGLESIAS




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CAN - Ege Bamyasi (1972)

July 12, 2018, 12:01 am
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Este álbum supone un punto de inflexión entre la locura y sacudida emocional de “Tago Mago” y el álbum que le precedería: “Future Days”. Estamos en el punto máximo de búsqueda de la banda donde todos los caminos musicales son impredecibles y donde ya han encontrado un sonido definitorio que los hará pasar a la historia como uno de los grupos de culto más originales de “rock experimental” por decir algo. 


Definir a CAN en un estilo de música resulta un ejercicio tan vano como inútil, es como definir la música de Zappa o de Magma de quienes ya hablamos en su momento. Asistir a un concierto de CAN en aquella época debió ser una aventura excitante porque nadie sabía exactamente lo que iba a escuchar. Si os dais cuenta y os interesáis por los directos del grupo, la mayoría no oficiales, veréis que casi siempre el programa es completamente improvisado con piezas que pueden llegar a los 30 mtos de duración y títulos que no aparecen en estudio. Irmin comentó en una ocasión que mientras estaban improvisando en directo, un individuo en estado de trance, subió al escenario con un cuchillo y los obligó a seguir tocando sin parar. Hasta tal punto de locura podía ejercer ese sonido en la audiencia. No es muy agradable que tu integridad física peligre mientras estás tocando, pero cuando realizas una música de tal salvajismo, debes de tener en cuenta que los de abajo pueden ser imprevisibles y no muy normales. Es un riesgo a correr. Máxime si en aquella época la gente se metía de todo y hay músicas que atraen a los psicópatas y enfermos por igual. La música de CAN no era precisamente inocente, ni calmaba a las fieras.

“Ege Bamyasi” no es de trago fácil. Ningún disco de CAN de la época del japonés lo es. Las bases presentadas en Tago Mago, están aquí más concentradas.

 “Pinch” es otra marcianada con Damo hablando cosas incoherentes y la rítmica ya inconfundible en una especie de funk extraño de alaridos de guitarra, tempo rarísimo y sonoridades caprichosas de teclado. Y definitivamente CAN no sería lo que fue sin su batería. Esto va a ser una constante en la discografía del grupo y no me cansaré de repetirlo. A veces me recuerda de forma lejana, a esa época de Miles Davis cuando decía a sus músicos que tocasen cualquier cosa y cuando lo escuchabas, nada parecía tener sentido. Todo era abstracto e incomprensible. Los últimos años de John Coltrane fueron algo parecido, cuando su saxo se desmadraba y gritaba por completo y la gente salía de los conciertos desorientada. Recuerdo algo parecido cuando me fui aborrecido a mitad de un concierto del pianista Cecil Taylor. “Pinch” es algo parecido. 


“Sing Swan Song” presenta esa desgana porrera y hippiosa de habitación poco iluminada y saturada de humo, sonidos que hoy serían tendencia étnica y olor a te de hierbabuena, o como tirados en una duna desértica al atardecer con un colocón de cojones y olor a caca de camello cercano o metano de pedo de dromedario. Peste y vagancia en estado puro. 

“One More Night” es una de las piezas más atractivas con su ritmo pegajoso y adictivo y tremendamente sexual: cuerpos húmedos desnudos que se rozan entre vapores lascivos y dejadez absoluta sin prejuicios. Pieza “aceitosa” que debía de bailarse en las noches de Sodoma y Gomorra o en la corte de la diosa Circe con Ulises completamente erecto y el cíclope cascándosela viendo la escena. 

Guarrerías aparte, “Vitamin C” es un desquiciado tango imposible y decadente, con una batería que te abre en canal…estoy perdiendo vitamina C dice el Damo como si nada. El sonidillo del órgano es cachondísimo y agradable a la vez. Una jaula de grillos que empalma con “Soup” y todos los locos del psiquiátrico salen de la mano al recreo. La rítmica nuevamente es adictiva y la guitarra vierte ácido sulfúrico por encima. Música inclasificable, indescifrable, loca, borde, malvada. Es como quitarte los puntos de una operación de corazón tu mismo y hurgar con curiosidad tu propia herida. Están locos éstos alemanes. Vaya sopa sanguinolenta y caliente. El japonés completamente ido de madre.  El ácido traspasa el metal al final del tema, como mezclado con una piel quemada por napalm. Ni se te ocurra regalar este disco a tu novia ni a tu mujer ni a amigos normales. No te lo perdonarán nunca. 

“I´m so Green” vuelve a los sonidos cannábicos y a la desgana. “Soy tan verde”…hasta mi mujer me lo dice. Joder estamos en muy mala edad y a veces pensamos con el cerebro de entrepierna. Es decir, el que no piensa. 


“Spoon” es el tema CAN por excelencia. Quizá el más famoso. Otra pieza sensual con un ritmo que se clava en tu cabeza irremediablemente. Suena como una mezcla de danza turca marciana con sonido de templo perdido en la jungla de Birmania. Se hacen muy cortos sus tres minutos en su versión de estudio ya que en directo esta pieza la tocaban hasta los 15 y 20 mtos o más y podéis imaginaros la mandanga y el despiporre. Esto como te guste es más adictivo que el caviar iraní, pero en caso contrario te sabrá como una ensalada de alcachofa cruda con ortigas y aceite de ricino.
Alberto Torró






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METAMORFOSI: Trilogía. “Inferno” (1973) “Paradiso” (2004) “Purgatorio” (2016)

July 13, 2018, 12:06 am
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Este cuarteto se fundó en Roma en 1969 y fueron de los primeros en formar parte del RPI y al igual que la mayoría de ellos sus raíces se encuentran entre el pop y la primigenia psicodelia italiana de finales de los sesentas. 


En un principio suenan como un grupo beat hasta que un cantante de nombre Jimmy Spitaleri originario de Sicilia se une a ellos y comienzan a elaborar un primigenio rock sinfónico algo hard. Su primer trabajo aparece en 1972 “E fu il sexto giorno” en esa línea, y con una importante dosis de teclado por parte de Enrico Olivieri a medio camino entre Uriah Heep y ELP. La voz de Spitaleri pronto es la marca registrada de la banda. Una voz potente, lírica y con la suficiente dosis de dramatismo para adentrarse en la temática del segundo disco que les haría pasar a la leyenda progresiva. Tanto la épica como los temas grandilocuentes y profundos fueron la fuente de todo sinfonismo setentero. Hoy resultaría ridículo hablar de temas bíblicos o religiosos o poético-metafísicos, pero la mente de los progres de antaño y de la hippilandia porrera era más proclive a creer en criaturas fantásticas, ovnis y en blancanieves y los siete enanitos. Si la obsesión de los neoprogs en los 80´s fue básicamente la literatura de Tolkien, en los setentas los temas metafísico-religiosos tuvieron su furor, así como los libros lisérgicos de Carlos Castaneda o toda la parafernalia indú que afecto a mentes tan infantiloides como la de Jon Anderson que decía que creía en las hadas y los duendes. Parte del odio y la crítica hacia el rock sinfónico viene por causa de estas chorradas y ridiculeces propias de sus creadores. Italia tenía sus propias fuentes literarias y una de ellas fue Dante Aliguieri, el famoso poeta que vivió entre el siglo trece y parte del catorce y escribió la Divina Comedia. Metamorfosi utilizó la trilogía dantesca del infierno el paraíso y el purgatorio pero tardó unos cuantos años de diferencia en grabarlo todo. En realidad, los temas medievales también tenían su hueco e importancia en el mundo del progresivo como todos sabemos. 

“Inferno” aparece en 1973. 12 cortes cuidadosamente elaborados donde los teclados y la voz reinan adecuadamente en cada una de las composiciones. Los amantes del poderío analógico disfrutaran de lo lindo. El nivel instrumental de la banda no tienen nada que envidiar al resto de sus compatriotas ya encumbrados. Desde la primera pieza la habilidad y los sonidos sacados del sintetizador son bastante más originales para su época incluso si lo comparamos con la PFM o Banco. Alta calidad en las composiciones y una extraordinaria ejecución hacen de este álbum uno de los mejores de su época. Davide Spitaleri (su nombre original) es uno de los mejores cantantes italianos de su tiempo y ya lo demostró cuando lo hizo en los últimos días de Le Orme. Su voz no ha cambiado con el paso del tiempo y no es muy habitual ya muy pasados los sesenta años. Su forma de cantar está muy próxima al mundo clásico académico. Muy varonil ciertamente, nada que ver con Tagliapietra o Branduardi por poner ejemplos y en el lado opuesto a Di Giacomo. Sin embargo cuando se pone lírico es realmente emocionante. Hay mucha influencia Emerson cuando Olivieri toca el piano en base jazz. La flauta y el clavecín, son otros de los instrumentos que aparecen en las partes más relajadas del disco curiosamente la guitarra aparece los créditos, pero yo realmente yo no la oigo por ningún sitio. Es un cuarteto bajo, voz, teclados, batería y el teclista como digo es el rey en el 100 %. 


Su siguiente disco “Paradiso” llegó a componerse en los 70´s pero no a grabarse. Tendrían que esperar a su resurrección en 2004 en uno de tantos revivals progresivos para ver realizado este tercer álbum. Personalmente este paraíso me gusta mucho más incluso que el infierno y no es una obviedad moral o ética por mis palabras sino porque musicalmente estos tíos han conseguido no bajar en la calidad de sus propuestas. Catorce cortes componen esta continuidad conceptual sobre la obra de Dante y yo diría que el sinfonismo es mucho mayor en este caso. Hay preciosidades como “ Cielo della luna” que realmente emocionan a cualquier sinfónico que se precie. Son cortes breves, composiciones que se suceden unas a otras. La música es elegante, pletórica de fino estilo y ejecutada con mucha clase. El pianista se reafirma como un tipo súper-competente que además maneja el sintetizador y el resto de teclados con una clase a la altura de los mejores. La música es clásica en su base estilística y este disco es mucho menos “rock” que lo podrían serlo los anteriores. Las melodías vocales se suceden y son un encanto. Generalmente arropadas por piano, acústicas o colchones orquestales. Todo finísimo y limpio. 


En 2016 culminan la trilogía de Dante con “Il Purgatorio”. En esta ocasión son 19 temas perfectamente ensamblados y con el mismo encanto y prodigio sonoro que los anteriores. Sinfónico poético, intimista si quieres, pero nada aburrido y completamente alejado de modernas corrientes engañosas low cost. 


En 2011 grabaron un hermoso directo en Roma con el nombre de “La Chiesa Delle Stelle”. Metamorfosi fueron uno de los grandes grupos italianos de rock sinfónico y uno de mis favoritos.
Alberto Torró

Inferno


Temas
A1 Introduzione 
A2 Selva Oscura 
A3 Porta Dell'Inferno 
A4 Caronte 
A5 Spacciatore DI Droga 
A6 Terremoto 
A7 Limbo 
A8 Lussuriosi 
A9 Avari 
B1 Violenti 
B2 Malebolge 
B3 Sfruttatori 
B4 Razzisti 
B5 Fossa Dei Giganti 
B6 Lucifero (Politicanti) 
B7 Conclusione

Paradiso

Temas
01 - Introduzione - 00.00
02 - Sfera di Fuoco - 2.14
03 - Cielo della Luna - 3.34
04 - Salita a Mercurio - 6.12
05 - Cielo di Mercurio - 9.02
06 - Salita a Venere - 11.33
07 - Cielo di Venere (Notturno su Venere) - 15.10
08 - Il Sole - 19.00
09 - Cielo di Marte - 21.37
10 - Cielo di Giove - 27.37
11 - Cielo di Saturno - 31.51
12 - Stelle Fisse - 34.56
13 - Empireo - 38.03
14 - La Chiesa delle Stelle - 44.16





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JUZZ - Juzz (2018 / JUZZ) (Rockliquias Bandas)

July 14, 2018, 12:22 am
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Una más que interesante banda nos llega desde Pontevedra, liderada por el guitarrista y compositor,  Virxilio Da Silva. Músico inquieto que no para, y que también suele pasear su guitarra por bandas como Foxy Freire, Loiros,  Fuzz o Steel Sheep. Completando la formación están Rosolino Marinelo (saxo tenor), Alex Salgueiro (Hammond B3), Xan Campos (Rhodes), Félix Barth (bajo) e Iago Fernández (batería).


El disco fue grabado entre Portugal y Galicia en 2016 y en su densa música podemos encontrar, según sus protagonistas, elementos del psych rock, pop experimental, stoner, noise o jazz. Pero describamos con más detalle éste atractivo y original debut según nuestro criterio. 

"Rathenow Towers" (9'10) entra espectacular,  como una absurda e improbable mezcla de Henry Cow y Deep Purple. Pronto advertimos que en la primera referencia se encuentra una pista a su sonido. Ese que llamaran Canterbury en los felices 70, y que tan ídem nos hiciera a unos cuantos locos. Su vertiente más arriesgada es en la que parece sentirse más confortable Juzz. Toma posiciones pues, entre el universo ilimitado del catálogo del sello Cuneiform, e incluso del paralelo de ECM en ocasiones. La guitarra de Da Silva exprime notas contaminantes en gérmenes de buena salud creativa, como un Terje Rypdal gallego y musicalmente deslenguado. Es contestado por el expresivo saxo tenor, de estupenda dicción jazz. Mientras, la sección rítmica rockea con una profunda pegada y los teclados admiten a trámite adornos perfectos e imprevisibles. Rico entrante, mon dieu. 

Para "Lamento Fuzz" (9'08) se suma la presencia de Joao Mortagua al saxo alto como invitado. De gusto crimsoniano en un principio, el juego de saxos con escapadas organisticas,  nos llevan a una alucinación colectiva de prog experimental con añejo, pero exquisito, sabor retro que enamora. Con cartesianas conversaciones de ambos instrumentos de viento , muy bien posicionados. La sección rítmica corretea constante por el parque de acidos colores tridimensionales,  y todo sube de intensidad a límites emocionales peligrosos con el decisivo aporte de las seis cuerdas de Da Silva. Todo vuelve al principio, a los tiempos de "Red", concluyendo pletoricamente. 


"Outro Tempo" (10'03) dispara rayos hipnóticos con procedencia Soft Machine, Nucleus, French TV o Hatfield and The North, de belleza melódica incuestionable. Otro behemoth de fantasía astral exuberante e instrumentación laberíntica.  Sin perder de vista algo tan vital llamado "emociones". Eso que nos diferencia de un montón de chatarra de hierros retorcidos, plástico y chips, y que dicen nos suplantara en un futuro próximo.  

Finalmente "Dead Water" (7'35) es otro leve recordatorio carmesí al intransferible estilo Juzz (Jazz + Fuzz ?.....), con interludios aptos para la improvisación,  que en directo puede subir muchos enteros en la bolsa del buen gusto y apreciación artística del personal. Arrebatos de piano eléctrico en ataques espasmodicos fulgurantes,  y la eléctrica charlando calidamente con el saxo amigo. 

Que buenas, esas charlas. Con la elegancia dadaista de los que se sienten protegidos del violento mundo, por la certera verdad de la música. Ritmos algebraicos y asilvestrados nos dejan los poros boquiabiertos e inconsolables. Porque esto se acaba y yo quiero una colección de Juzz de veinte volúmenes,  para ir abriendo boca. Nada exagerado. Porque esto es escandalosamente bueno.
J.J. IGLESIAS





P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70


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Sharks - Rainbow Theatre London 1973

July 15, 2018, 12:50 am
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Nos remontamos  a 1972, Andy Fraser acababa de abandonar Free por segunda vez y junto a su amigo Marty Simon (Batería) se pone en contacto con el guitarrista Chris Spedding para formar Sharks. Necesitaban un cantante y después de rechazar a  Robert Palmer y Leo Sayer se deciden por un joven procedente de Yorkshire, Steve Parsons (Snips).


La banda debuta en Islington al norte de Londres, realizan una pequeña gira por Europa y posteriormente hacen diversas actuaciones en Inglaterra teloneando a Roxy Music y participando en el programa de la BBC, " Old Grey Whistle Test". Su primer disco, "First Water", llega en 1973 pero Andy Fraser abandona el grupo para formar su propia banda. Es reemplazado por  Busta Cherry Jones. También se incorporara el teclista Nick Judd. Con está formación realizan diversas actuaciones por el Reino Unido y en el 74 graban su segundo LP, "Jab It in Yore Eye".  Después de girar por Estados Unidos entran en el estudio para grabar su tercer álbum  pero Marty Simon  es sustituído por Stuart Francis y Cherry Jones regresa a los Estados Unidos después de vender una de las guitarras de Spedding para pagarse el pasaje. . Las grabaciones no gustaron a la compañía discográfica, Island Records, y en octubre de 1974 deciden disolver la banda. En 2016 se editaría este disco de forma no oficial bajo el nombre de Car Crash Tapes.. Posteriormente y en por lo menos dos ocasiones quisieron reflotar la banda pero sin obtener ningún resultado memorable.


La grabación corresponde a parte de la actuación de Sharks en el Rainbow Theatre, Londres, el 31 de Marzo de 1973.. En ese momento la banda estaba formada por Snips (voz), Andy Fraser (bajo, piano), Chris Spedding (guitarra) y Marty Simon (batería). De los cinco temas que podemos escuchar cuatro de ellos pertenecen al primer disco de la banda, "First Water" y el quinto "Colour" vería la luz muchos años después en el "Car Crash Tapes". En cuanto a la música está muy cercana a la onda Free aunque con menos influencia blusera. La grabación está tomada de la FM por ello el sonido es bastante bueno.
J.C. Miñana




Temas
1. Snakes And Swallowtails
2. Follow Me
3. Ol' Jerry Roll
4. Colours
5. World Park Junkies




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VICTOR CERULLO - Visions - A Homage to Andrei Tarkovsky (2003 / ELECTROSHOCK)

July 15, 2018, 11:58 pm
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Todo tiene su conexión. Victor Cerullo,  sintetista italiano dedicado al space-ambient, editó éste "Visions - A Homage to Andrei Tarkovsky", en el sello ruso del hijo de Edward Artemiev, Artemiy Artemiev (también sintetista). Se da la circunstancia de que el binomio Tarkovsky / Artemiev, imagen y música, funcionó a tal punto de exaltación a la belleza que crearon varias obras maestras del séptimo arte : "Solaris", "Mirror", "Stalker". Una de las últimas producciones de Tarkovsky antes de su temprana muerte, "Nostalghia" (1983), fue rodada en Italia. Otra conexión con Cerullo. Así que no es de extrañar que un músico italiano rinda homenaje al "más grande de los directores", en palabras de Ingmar Bergman. Y que lo haga en un sello ruso especializado  en electrónica seria. ...... Con un programa nacional de tv dedicado a éstas músicas. Igual que en Occidente. 



Victor Cerullo gusta de utilizar software de última generación,  más por comodidad. Porque la lista de instrumentos imitados es absolutamente tradicional y afín a los 70 : ARP 2600, Mellotron, Synclavier, Chamberlin, Minimoog o Hammond B3, entre otros. 

Un oximoron como título para el primer corte, "Last Scene" (1'11), reflexivo y perfecto, en la línea de pensamiento estético tarkovskiano. Que sigue encadenado, como toda la obra, en "Crepuscular Rays" (3'40), con cantos de monjes y sonidos de agua, junto a soundscapes entre inquietantes y de total paz interior.....la muerte como final feliz? Gusta de incluir pequeñas frases spoken word, lo cual le da ése toque humano / divino que refleja su música. Sigue con "Flashback" (1'45), en esa imaginaria película  de puro estilo Tarkovsky que Cerullo recrea desde su cabeza, a sus teclados maestros Kurzweil K2500 -S. Corales religiosas magníficas forman parte del global sintetizado, en un grandioso resultado casi apocalíptico. 



"Timelapse 1" (10'49) entra en dimensión Schulze cerca de "Dig It", "Trancefer" o "Audentity", esto es, los primeros 80. Una buena descripción sónica de una tormenta de iones en descarga magnética estelar, eso en el caso de que el sonido se escuchara en el espacio. "Andrei Tarkovsky " (7'05) expresa toda la fascinación que le produce el personaje a Víctor Cerullo, con alargadas notas de síntesis flotante dignas del mejor Vangelis.  "Timelapse 2" (10'02) nos envuelve como en una banda sonora alternativa de "Solaris". Música flotante para almas flotantes. Y no hace falta que te fumes Jamaica. Esto entra sólo. 

"Lullaby for a Distant Son" (5'18) conlleva encantadora melodía minimal a lo Kitaro, con emulación de instrumentos de cuerda astutamente dispuestos. De siniestro / patético final, casi al gusto de Beethoven. "Timelapse 3" (10'15) vuelve al vacío reinante y la nada absoluta, como lugar apropiado para denominar , "cielo". Paz eterna en su más grandioso significado. Con paralelismos, en alguna estela sónica,  de Eno y sus músicas casuales. En el corto espacio de "Behind the Mirror" (1'41) volvemos a la reflexión existencialista por medio de cánticos de liturgia y sonidos de profunda operística,  con breves spoken words en el lote.



"Artificial Dream"; (3'44) genera la eterna pregunta sobre que es la realidad. Es la Matrix, algo más que una película de acción hollywoodiense? Nos intentan decir algo, un mensaje real, en algunos filmes para el gran público?  Existen los Ingenieros de "Prometheus" y descendemos de unos "dioses de segunda" ?......La música de Víctor Cerullo facilita la formulación de éstas y otras preguntas, mientras digieres tu perfecta dosis de garbanzos y espinacas. "Revelation" es apenas un minuto de epifanía reveladora, que sólo tú descifraras en tu imaginada secuencia. Mientras que el final, "Sacrifice" (4'28), muestra como todo debe de ser destruido, para volver a crearlo. De otra manera. Que también será destruido. Así hasta el final de los tiempos. Que tambien serán destruidos. De otra manera...... (Bucle temporal). Sin conexión terrestre. Bienvenidos al "Event Horizont". Final de trayecto.
J. J. IGLESIAS




Temas
1 Last Scene 1:11
2 Crepuscular Rays 3:40
3 Flashback 1:45
4 Timelapse 1 10:49
5 Andrei Tarkovsky 7:05
6 Timelapse 2 10:02
7 Lullaby For A Distant Son 5:18
8 Timelapse 3 10:15
9 Behind The Mirror 1:41
10 Artificial Dream 3:44
11 Revelation 0:56
12 Sacrifice 4:28




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Tennessee Farm Band ‎– Communion 1977

July 17, 2018, 12:37 am
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La comunidad de The Farm fue fundada por Stephen Gaskin, una especie de visionario, en la década de los 70. Gaskin y una comuna de más de trescientos seguidores se establecieron en el condado de Lewis en Tennessee. Entre sus preceptos estaba el voto de pobreza, no usar anticonceptivos artificiales, nada de tabaco y alcohol pero si marihuana que era considerada como un sacramento. Pues bien esta comunidad tenía un grupo de rock que se encargaba de predicar sus enseñanzas por medio de la música. Dicho grupo era The Farm Band.


The Farm Band realizaba conciertos gratuitos y llegó a editar de forma privada cuatro discos: 'The Farm Band' , 'Up in Your Thing', 'High on the Rim of the Nashville Basin' y 'Communion'. En los 2000 fueron distribuidos por Mantra Records y Akarma Records. Sus actuaciones se caracterizaban por incluir largas jams al estilo Grateful Dead. En la última fase de su recorrido cambiaron su nombre por el de Tennessee Farm Band.


La grabación nos muestra el cuarto trabajo de Tennesse Farm Band. En ese momento la banda estaba integrada por Michael Sullens (bajo),  David Chalmers (batería),  Walter Rabideau (guitarra voz), Linda Hershfield (voz) y  Thomas Dotzler (voz, teclados, saxo). En cuanto a la música se mueven dentro de l rock con marcado tintes sureños. El disco comienza con "Electric Glue", con la gran voz de Linda y una muy buena instrumentación con buenos riffs y solos de teclados. Un gran tema sin duda. "King Tut's in Chicago" es un gran blues al estilo Mayall. La cara A finaliza con el campestre "The First Time. El primer tema de la cara B es una Medley,  "Hot Tofu Medley", compuesta compuesta por temas tan conocidos como "Walk Don't Run", "Apache", el tradicional "Tennessee Hoedown" y los propios "Fried Chunks" y "Magic Boogie". Ambiente sureño.  El disco finaliza con "Makin's Up For Los Time" nuevamente cantando Linda. Al margen de los mensajes que puedan transmitir en sus letras, totalmente inocuos, la instrumentación es excelente.
J.C. Miñana 



Temas

A1 Electric Glue 00:00 5:12
A2 King Tut's In Chicago 05:15 
A3 The First Time 10:24 
Hot Tofu Medley 16:38 





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REVOLVER - A Piece of the Action (1979 / REVOLVER)

July 18, 2018, 12:13 am
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Entramos en el enmarañado mundo de los prensajes privados 70s. Terreno prohibido para los mortales hasta hace unos años. Uno de esos grandes logros de internet es acceder y disfrutar de música que, de otro modo, te irías al otro barrio sin paladear por no tener unos cientos de pavos sobrantes. Pero mira, aquí llegan los tejanos Revolver, (no te asustes, no voy ni a mentar a la bicha española), con un (probable) único disco que catalogan de Southern y en mi leonina ,  (por Leo), opinión,  no lo es. A no ser que nos quedemos sólo con el dato geográfico. 


Revolver eran Rick Whitley (bajo, voz), Wendell Fry (batería), Kirk Dawtry (teclados, voz), Kent Lohman (guitarra rítmica y cantante solista) y Randall Reeves (guitarra y cantante solista y productor de la cosa). Por lo que intuimos, éste último sería el líder de la banda. También se concluye que aprecian mucho los juegos de voces, con dos solistas e implicación del resto (ya sabemos cómo son los baterías,  si no, no serían baterías). También tenemos teclista de relevancia y nivel.

Así que en las primeras notas de "Changing All the Time" el elemento Hard - Pomp resulta ya acusado. En una orientación de maravilla Midwest a la Starcastle, primer REO Speedwagon, y hasta Boston, si me apuras. Cambios muy técnicos,  finisimos solos y voces angelicales. Simplemente me encanta. En "In and Out of Heaven" puedes situarlos por los creativos páramos de Uriah Heep cerca de "High & Mighty" o "Firefly". Enérgico sophisto -rock con la potencia magnífica de los de Mick Box.

El tema título posee una Purple intro, pero ese sinte y la aguda voz, similar a la de Rick Sanford (Legs Diamond), se lleva el juego a un finísimo Pomp, típico del momento. Del que se cocinaba con total alegría e impunidad por entonces en yanquilandia. Las guitarras se hermanan y tejen sólidas redes eléctricas  para un seguro soporte de la banda. Entusiasman. "Magic in your Soul" , con un ensoñador colchón de cuerdas de un Logan String o un Solina, sinfoniza un tema de calidad progresiva, con caricias Gilmour a veces, y la estupenda voz solista (Reeves o Lohman),  recordatoria del gran Frank DiMino (Angel). Es definitivo, podemos aseverar categóricamente que por su parte instrumental,  aquí hay indicios de prog orientación descarada. "No Room to Talk" tiene una euforia digna de los primeros Boston. Aunque la voz vuelve a sonar más a Ángel. Lo que me parece de perlas. Explosivo y soberbio está Randall Reeves, en una canción destacable entre un álbum lleno de aciertos.

"Locomotive Lady" abre la segunda cara y esto toma aires a los primeros y fabulosos HeadEast. Los siderales solos de sinte no pueden evitar el parecido con Greg Giuffria. Demuestran buen gusto contínuo en todo tipo de arreglos.

"Bye Now" podría haber sido uno de esos cortes "inesperados"con los que sorprendían  los últimos Led Zeppelin. El arreglo de guitarra es más "Blackmore sureño". Con slide y fuerte carga, ésta vez sí,  Southern rock. "Send me Home" abre fuego a bocajarro a lo Rick Derringer, Moxy o los mismos Rainbow. Finalmente se deciden por el estilo del primero, con técnica que nada tiene que envidiarle. "Straight Shootin Woman" sí es un boogie típico del sur, al modo Molly Hatchet. Es como si Revolver "aorizaran" con una mano de sofisticación,  la rudeza típica del género. Y queda más que bien, aviso. 

Termina éste portentoso y codiciado vinilo con "Can't Believe my Ears" (ni yo tampoco!), y su descarada orientación AOR. Que quizá tenga que ver con el título. 


Teniendo en cuenta que era 1979 y que la explosión del rock melódico estaba al doblar la esquina, no hace falta ser Nostradamus para profetizar que Revolver, de seguir, se hubieran tirado a la piscina FM Rock. En ésta última pieza, una bella mezcla de Styx, REO Speedwagon y Ambrosia, se puede comprobar el tremendo potencial que atesoraban , ( y como  se adelantaron al "Runaway" Bonjovinero). Otros más al limbo de los que pudieron ser grandes, y se quedaron en disco urgente de busca y captura.
J.J. IGLESIAS




Temas
A1 Changing All The Time 5:24
A2 In And Out Of Heaven 3:26
A3 A Piece Of The Action 4:30
A4 Magic In Your Soul 4:34
A5 No Room To Talk 4:32
B1 Locomotive Lady 3:53
B2 Bye Now 3:17
B3 Send Me Home 3:00
B4 Straight Shootin Woman 3:43
B5 Can't Believe My Ears 3:33




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CAN - Future Days (1973)

July 19, 2018, 12:19 am
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Los días futuros sería el último disco de CAN con el japonés como “cantante”. Damo debió ver alguna extraña luz, abandonó la música en 1974 y se convirtió en testigo de jehová, lo cual resulta francamente incomprensible e imagino las caras del resto del grupo ante tal cruzada de cables. No me imagino al histriónico y convulso cantante, con el pelico corto, cara de buen chico y con una biblia de casa en casa dando el coñazo. 


En alguna entrevista reconoce que se casó con una mujer que era testigo de idem. Que lo operaron de un cáncer y como buen seguidor de la secta, se negó a recibir trasfusiones de sangre (no palmó de milagro) y que de vez en cuando evidentemente sigue leyendo la biblia. Cuenta también que cuando CAN le ofreció ser su cantante fue porque lo vieron gritando en la calle como un loco y montando un pollo de cojones como protesta de algo que ignoro. La voz les importaba una mierda, querían un “alien” de front man y lo consiguieron. CAN llegaron a su punto culminante con este disco. No hay un antes y un después de “Future Days” porque es diferente a todos, pero es CAN en estado puro. Si en sus anteriores trabajos podemos hablar de un sonido salvaje y primitivo, en este álbum encontramos un extraño refinamiento y cierta sensación de placidez. 

El disco funciona como un organismo propio, como una estructura compacta musicalmente inclasificable. Los ritmos poderosos siguen ahí y el sonido está mucho más enriquecido en medios y detalles. Casi se diría que es un acercamiento a lo “progresivo” y aunque reconozco que es mi disco favorito de CAN, personalmente no los metería en esa clasificación porque son imposibles de etiquetar. Los alemanes tenían su propio estudio de grabación: el “Inner Space Studio” un viejo cine adaptado para ellos y con plena libertad de ensayos y movimiento. De allí salieron muchas horas de locuras musicales y se nota que éste ha sido su disco más elaborado. Rodeados de cachivaches raros, percusiones exóticas, modificaciones de teclado y sus extraños “filtros sonoros” y de los manipulados inventos electroacústicos del Holger Czukay, el alumbramiento de “Future Days” sería su techo creativo porque en los siguientes discos vendría el descenso de mediocre a peor.


“Future Days” es la primera de las cuatro piezas del disco. Nueve minutos de sonido embriagador y adictivo con cantidad de efectos y detalles hasta que poco a poco el ritmo va penetrando en la sangre y ya no puedes escaparte de su embrujo. La lejana letanía de Damo en una languidez vocal más acentuada de lo habitual y en una monótona línea melódica hasta logra cautivar. Liebezeit inenarrable como siempre y la límpida guitarra de Karoli y el “aserramiento” de teclados literalmente expresado, producen una sensación de placer y encantamiento única. 

“Spray” (8.29) es un instrumental percusivo absolutamente vanguardista donde Jaki se luce golpeando todo lo que encuentra a su paso en un ritmo endiablado y donde Irmin convierte en incandescencia pura los sonidos de su Alpha 77. El bajo cambia el tren rítmico constantemente y Karoli va posando sus agudas florituras a la guitarra muy próximas a la psicodelia y a los primeros discos de sus paisanos Agitation Free. 

“Moonsake” con sus tres minutillos es suficiente ejemplo del CAN primitivo de “Spoon” y single pegadizo y bailable pero el tema cumbre de CAN será “Bel Air” que ocupará toda la cara b del vinilo con sus casi 20 mtos. La pieza musicalmente es inclasificable. Ronda mucho la experimentación, lo espacial y atmósférico en algunas partes, pero también la psicodelia ácida en su fase más vanguardista. Damo emplea una melodía muy similar al primer tema “Future Days” y por momentos también me recuerdan un poco a Ashra y a Manuel Gottsching  con cierto toque que rozan casi los sinfonismos (a la kraut ojo!!), algo difícil de encontrar en este grupo. Es sonido es raro y adictivo con esa tensión eléctrica que imprime casi siempre su música. El bajo es obsesivo y taladrante para dejar a Karoli libre por lisérgicos caminos. La batería es casi imposible de emular. Hacia la mitad el tema cambia hacia mundos inhóspitos habitados por insectos y zumbidos tórridos mientras la música se balancea en un agradable paseo, siendo uno de los pasajes incluso bonitos que sorprende dentro de su habitual aspereza y donde la guitarra se aproxima mucho al estilo de la west coast californiana. Un extraño rock experimental y muy vanguardista repito, dice adiós a la gran época del grupo. El disco les salió perfecto. Una obra imprescindible para oídos aventureros que no temen lo diferente y raro.
Alberto Torró









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LATTE E MIELE: Discografía (1972-1976)

July 20, 2018, 12:30 am
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Procedentes de Génova, Latte e Miele son tres chavales muy jóvenes que se fundan en 1971. Fueron un trío que de alguna forma parecen emular a sus compatriotas Le Orme y por supuesto a ELP que eran en ese año las estrellas sinfo-progresivas del momento.


 El estilo de este trío genovés en nada se parece a otros de sus compatriotas del momento. En realidad, son un trío clásico muy influenciados por la música barroca y romántica, es decir completamente sinfónicos. El líder de la banda el batería Alfio Vitanza solo tenía 16 años cuando formó la banda, pero esto no es nada extraño, muchos de los que venimos de aquella época empezamos a aporrear instrumentos siendo imberbes y estando en el colegio. Yo tenía 13 años (1967) y ya di la tabarra por conseguir (y lo hice) una vieja y destartalada batería polvorienta de probablemente antes de la guerra del 36, abandonada en un viejo local de baile del pueblo de mis abuelos. Madera muy basta y apolillada hasta en las gruesas baquetas, con parches de tripa, crótalos de madera de diferentes tamaños, caja muy estrecha de tres bordones metálicos oxidados, plato de latón muy sucio y charles terrible con un enorme bombo muy alto, el pedal estaba roto y lo apañé. Solo faltaba un poster sepia desgastado de Josephine Baker en bolas y la mambo orquesta de Perez Prado. Todo horrible de sonido, pero yo más contento que un niño con juguete nuevo. Ya lo creo que hice ruido, naturalmente todavía no sabía tocar, y evidentemente ya no recuerdo donde acabó ese trasto, entre residuos de algún descampado supongo. Hoy sería pieza de museo. 

Volviendo al tema los otros dos componentes de leche con miel serían Marcello Giancarlo a las guitarras, violín y bajo y voz solista y el teclista Oliviero Lacagnina con un buen despliegue de piano, hammond, moog, clavecín, celesta, mellotrón, Solina strings y ARP, con lo cual iba bien surtido el mozo. No me explico, como y de que manera, conseguían todo ese material a esas edades.


 En 1972 se meten en el estudio y editan “Passio Secundum Mattheum”, tema bíblico para variar y prácticamente un álbum concepto. Empiezan fuertes los chavales y se les nota que han estudiado y han hecho los deberes. El nivel técnico musical es muy académico y la épica está servida, así que los sinfónicos recalcitrantes como yo, a disfrutar toca. Se combinan recitados, cánticos renacentistas, sonidos de clavecín y ambientes de peluca, rape y bisoñé. 



Entre una mezcla de Mozart, Bach y Emerson, los 12 cortes transcurren elegantemente realizados y muy bien interpretados. Pueden recordar a los New Trolls en algún momento, aunque sin llegar a tanta afectación algo cursilona. Hay bonitas melodías y gráciles pasajes y la música muy delicada, hay que colocarla en ese contexto del sinfónico italiano de la época. 



El siguiente disco “Papillón” de 1973 es una continuación estilística del anterior, pero las piezas están más desarrolladas y ahora sí que suenan bastante a ELP o incluso a Triumvirat. Los amantes de las cabalgadas de teclado tienen aquí una buena tarta de queso cremoso para degustar. “Papillón” es una suite de 19 mtos con siete cuadros que no le hacen ascos a las carreras de cuadrigas y a las legiones romanas avanzando por la Vía Apia: moog, piano y órgano desatados y hermosos momentos sinfónicos que tan solo una voz demasiado afectada y algo ñoña desentona a veces, pero lo perdonamos porque las melodías están muy conseguidas y aún con su toque algo demodé y a veces cursilón consigue alegrarnos la escucha. Resulta bonito y a mí lo bonito no me molesta nunca. Es lo que tiene la esquizofrenia de escuchar a CAN nuevamente en estos días y luego a estos benditos monaguillos con alitas y mofletes sonrosados. La vida es un frenesí…jejeje. Con todo, estos chicos tienen una encantadora forma de hacer las cosas y lo “clásico-modernista” de principios-mediados del XX, que a mí en verdad y lo confieso de corazón, es lo que realmente me gusta por encima de casi todas otras músicas, está presente constantemente en el estilo del grupo. 





Tras un divertimento jazz-mellotrónico, la otra gran pieza del disco es otra suite llamada “Patética” en tres partes muy chopiniana al comienzo y muy Nice-ELP para variar en su desarrollo. Hay muchos cambios rítmicos como a mí me gusta y la sombra de Pior Tchaikosky está por ahí revoloteando así como el Barroco y el señor Vivaldi con sus estaciones y algún que otro compositor encumbrado lo que certifica la base académica que tenían estos músicos. 



Llegan hasta 1976 y aparece “Aquille e Escoiattolli” la trilogía setentera con algún cambio de formación y algunos músicos nuevos más. Probablemente su mejor disco. El más elaborado y donde el sonido ha cambiado para mejor. Bonitas melodías y algún Floyd-Génesis temprano me suena por ahí. Pero el tema estrella es “Pavana” nada menos que 23 minutos de rock sinfónico en toda regla con todos sus ingredientes master chef del estilo y múltiples cambios para no aburrirte. Su masterpiece sin duda y recomendable para el sinfónico con pedigrí. Las alusiones a las diferentes formas musicales del género son constantes, incluso pasajes a la “canterbury” están presentes. Super agradable de escuchar. 



Temas
01 Aquile e scoiattoli
02 Vacche sacre~Falso menestrello
03 Menestrello
04 Opera21
05 Pavana

Latte e Miele se separaron. La cagaron con otro disco en los 80´s para no ser menos horteras que los demás, pero es perdonable. Volvieron a juntarse en 2009 por el corno de llamada de las viejas musas progresivas y con la alineación original con un disco sobre Marco Polo. Muy decente es cierto. Incluso revitalizaron su primera obra la pasión de San Mateo con nueva música. Grupo fino donde los haya y no solo para fanáticos del RPI.
Alberto Torró






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OUR NEXT MOVEMENT - 119 (Entrevista) (Rockliquias Bandas)

July 21, 2018, 12:03 am
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Our Next Movement nos llegan desde tierras valencianas. Una formación integrada en este momento por Paco Solera (batería), Juan Suay (bajo, cello, voz), Fran López (guitarra) y Sergio Santoro (guitarra, voz). En 2016 editaron su última producción, "119",  y este año participaran en el prestigioso Bergmal Festival de Zürich. Nos pusimos en contacto con ellos para conocerlos mas a fondo. 


Rockliquias - ¿De dónde viene el nombre de la banda?

“Our Next Movement” es el título de un tema del grupo japonés de rock instrumental Toe, que nos encanta, y que escuchábamos muchísimo cuando estábamos montando la banda. Lo escogimos
porque nos gustaba cómo sonaba, y como homenaje a ellos.

Rockliquias - ¿Nos podéis comentar qué variaciones en la formación se han producido desde que empezasteis?

Comenzamos siendo 4 miembros: Fran, Víctor, Sergio y Paco. Víctor, que tocaba bajo y teclados, dejó la banda en cierto momento, y entonces incorporamos como bajista a Juan, que hasta el momento había hecho colaboraciones puntuales con nosotros al cello. Un poco más tarde se unió a la banda Carlos Plata como teclista/voces, y con esta formación hicimos nuestra primera tanda seria de conciertos. Carlos dejó la banda para ir a estudiar al extranjero, y desde entonces hemos mantenido la formación clásica de 2 guitarras, bajo y batería.

Rockliquias - ¿Cuáles son vuestras influencias?

Tenemos muchísimas. Principalmente son bandas de países con una escena instrumental fuerte, como Reino Unido o Japón: Enemies, And So I Watch You From Afar, Toe, Lite… nos gustan también mucho bandas como Mutiny on the Bounty, de Luxemburgo, o aquí en España Jardín de la Croix, que son compañeros de sello.


Rockliquias - Vuestro primer trabajo "Polyhedral Trails" ve la luz en Septiembre de 2014. ¿Nos podéis dar detalles de la grabación?

Grabamos el EP en 5 días en Barcelona con Sergio Picón, la persona detrás de Aloud Music. Lo hablamos con él durante una gira de Exxasens que pasó por Valencia y Murcia y en la que abrimos para ellos los dos conciertos. Era la primera vez que entrábamos en serio a un estudio y estábamos bastante nerviosos, pero la experiencia nos sirvió para conocer un poco más y mejor a Sergio. Por todo lo que pasó después, diríamos que mereció bastante la pena.

Rockliquias - ¿Qué tal la colaboración con Cesc Céspedes?

Cesc era el bajista de Exxasens, lo conocimos durante la gira que te he mencionado antes. Compuso y grabó los bajos de varios de los temas del EP, que por algunos problemas no pudimos grabar bien
mientras estuvimos allí. Es un gran profesional, un bajista enorme y un muy buen amigo de la banda.

Rockliquias - Dos años más tarde llega vuestra segunda producción, "119". ¿Cómo fue la grabación?

El 119 lo hicimos con Santi García en Ultramarinos Costa Brava. Santi ha grabado discos míticos de bandas que nos molan, como Viva Belgrado, Nothink o Nueva Vulcano, y teníamos claro que en
este disco queríamos trabajar con él. Estuvimos con Santi 10 días grabando y mezclando y fue una pasada. Aprendimos un montón de cara a futuras grabaciones, y como banda nos fuimos de allí teniendo mucho más claro qué era lo que queríamos hacer.


Rockliquias - ¿Cómo ha evolucionado vuestra música?

Si te refieres a después del 119, ahora mismo estamos trabajando en consolidar un sonido que sea característico de la banda y en hacer temas más compactos. 119 fue un experimento guay, ecléctico, en el que probamos diferentes estilos. Nos gustaría que el próximo trabajo tuviera una línea más coherente en cuanto a composición, hacer un disco más “hilado”.

Rockliquias - Los temas suenan muy frescos y dinámicos. ¿Denotan el estado de la banda?

Desde el principio hemos tenido claro que queremos componer temas que nos suenen originales y diferentes. Siempre hemos hecho música pensando primero en nosotros mismos, en mejorar como músicos y como banda, que ninguno somos grandes virtuosos. Si además después hay gente que recibe bien nuestro trabajo, eso nos alegra muchísimo, que es en el directo donde mejor lo pasamos, y donde creemos que se representa mejor el espíritu de la banda.

Rockliquias - ¿Cómo van los conciertos, hay público para este tipo de música?

Nosotros hemos tenido algunos conciertos muy buenos y otros peores en cuanto a afluencia de público se refiere. Unas veces hemos tenido casi doscientas personas viéndonos, y otras, ni cinco.
No son números monumentales. En España cuesta en general que la gente se mueva a ver conciertos que no sean de bandas con un gran nombre. De todas maneras, nos alegra mucho ver a bandas del país haciendo instrumental a las que les está yendo muy bien, como pueden ser Toundra o Jardín de la Croix.

Rockliquias - ¿Cómo surge la oportunidad de tocar en el Bergmal Festival de Zürich?

Fue gracias a Mau, el otro jefe de Aloud Music. Contactó con el festival y les debió de interesar la propuesta, porque ahí estamos. Va a ser la segunda vez que salimos de España a probarnos y el cartel es una pasada, tenemos muchísimas ganas.


Rockliquias - ¿Para cuándo nuevos temas?

Ahora mismo estamos centrados en la composición de temas para el próximo disco. Tenemos ya dos temas nuevos cerrados, que estamos probando en los directos y creemos que funcionan bien, y otros cuantos empezados que nos molan. Hay ganas de sacar música nueva, la verdad.

Rockliquias - ¿Qué opináis del panorama musical en vuestra zona? ¿Surgen bandas nuevas?

Valencia es una ciudad grande y continuamente están apareciendo grupos nuevos. Nosotros conocemos a gente que está tocando en bandas bastante jóvenes a las que les está yendo muy bien, como pueden ser La Plata o Badlands. Ellos hacen otros estilos, pero si hablamos de instrumental, los chicos de Dûrga han hecho muchísimas cosas en apenas dos años, desde grabar dos discos a hacer conciertos por México y Estados Unidos, y nos parecen brutales.

Rockliquias - ¿Qué les diríais a nuestros lectores para que se descargasen el CD y fueran a vuestros conciertos?

Bueno, nuestros discos se pueden descargar de forma gratuita en nuestro Bandcamp, así que por esa parte no hay excusa posible. Y en cuanto a los directos, nosotros estamos convencidos de que es ahí donde la banda se expresa mejor.


El último trabajo de Our Next Movement nos ofrece ocho temas que según los sesudos críticos musicales actuales se mueven por los caminos del math rock con ciertos tintes post-rock. Menuda explicación. Para los que ya peinamos canas es mejor hacer referencia a los clásicos como el "Red" de los Crimson pero actualizado al nuevo milenio. Música donde los pasajes instrumentales van cambiando sutilmente para envolvernos en una maraña de sonidos cautivadores. La grabación se inicia con uno de los temas más potentes "Michael's Secret Stuff", ritmos entrecortados donde las guitarras de Fran y Sergio se coordinan con una precisión digna del mejor reloj suizo. "Sr. Shemyrs" nos demuestra la destreza técnica de los miembros de esta banda valenciana. Sigue la fuerza instrumental combinada grandes riffs. 
Who the Fuck Invited Murphy?, curioso título. ¿Alguién sabe quién fue?. Uno de los pocos temas donde aparecen voces en forma de coros. "Ihan Kaunis" es la composición más larga de "119" con un sutil tratamiento del cello y con voces que se desmelenan entre tanto entramado sonoro. Llegamos a uno de mis temas favoritos, "·", escueto pero extremadamente bello donde cello y guitarra acústica se combinan magistralmente. "Goodbye, Dusty Harry" ,magnífica labor de su sección rítmica, Paco y Juan, sin olvidarnos de su teclista, Carlos, que actualmente ya no está con el grupo. "The Japanese Standoff", otro de los destacados. Finalizan con "Last Night's Grandpa", gran alarde instrumental.
J.C. Miñana


Temas
0:00       Michael's Secret Stuff
4:16       Sr. Shemyrs
7:24       Who The Fuck Invited Murphy?
12:58     Ihan Kaunis
19:45     ·
21:52     Goodbye Dusty Harry
26:16     The Japanese Standoff
31:45     Last Night's Grandpa





P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70


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Badfinger ‎– BBC In Concert 1972-3

July 22, 2018, 1:07 am
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Badfinger fue un grupo maldito. Por una parte fue prematuramente etiquetado como los abanderados del "power pop", una especie de mezcla entre rock y pop,  Por ese motivo no estaban muy bien vistos por los rockeros. Si ha eso unimos todos los problemas que tuvieron con su manager Stan Polley y el cobro de derechos de autor que llevo a dos de sus miembros al suicidio (Pete Ham y Tom Evans), tenemos como resultado un olvido general de lo que significó la banda. Hoy recordaremos su parte más rockera, que la tuvo.


La banda se formó a principios de los 60 bajo el nombre de The Iveys teniendo como miembros fundadores a Pete Ham (guitarra), Ron Griffiths (bajo) y  Dai Jenkins (guitarra). Fichan por la compañía discográfica de los Beatles, Apple Records, e incluso Paul McCartney les cede una de sus canciones, "Come and Get It", que editan como sencillo, obteniendo un notable éxito. En ese momento y tras diversos cambios en su formación, entra Joey Molland (guitarra) y cambian su nombre por el de Badfinger. En 1969 llega el primer disco con esa denominación, "Magic Christian Music", y al año siguiente editan "No dice" donde incluyen dos de sus temas más conocidos, "No Matter What" y "Without You". Este último sería versioneado por Harry Nilsson obteniendo ventas millonarias. Posteriormente Mariah Carey volvería a encumbrar el tema en los 90.  Por otra parte ese mismo año contratan como manager a Stan Polley personaje que a la postre resultaría el cáncer de la banda. Un nuevo disco, "Straight Up", producido por  George Harrison y Todd Rundgren, vería la luz en el 71. En 1972 Polley, el malvado manager, decide romper el contrato con Apple y firmar por la Warner. Su primera grabación en esta compañía sería "Badfinger"( 1974) que casí se solapa en el tiempo con material editado por Apple, "Ass". Todo un desconcierto para sus seguidores.

En 1974 llega "Wish You Were Here" y posteriormente grabarían "Head First" (1975) que no vería la luz hasta el 2.000.  A mediados de los 70 Stan Polley se fuga con todas las ganancias de la banda llevando al suicidio a Pete Ham que moriría ahorcado a los 27 años de edad. Esto supuso la ruptura de la banda pero en el 78 Joey Molland y Tom Evans quisieron reflotarla con el álbum "Airwaves" y tres años más tarde con "Say No More " que constituyó un notable fracaso. Al final acabaron a tortas y en los tribunales. El 19 de noviembre de 1983 Tom Evans se ahorcaba. Era el fin definitivo de la banda.

Como curiosidad podemos citar la aparición del tema de Badfinger, "Baby Blue", en la última escena de la serie Breaking Bad.



La grabación contiene dos conciertos  de Badfinger celebrados en el Paris Theatre de Londres . Los siete primeros temas corresponde al año 1972. En este concierto podemos escuchar a los Badfinger más rockeros con la inicial "Better Days" y siguiendo con las versiones de Dave Mason (Trafic), ""Only You Know and I Know" y ""Feelin' Alright", gran instrumentación guitarrera donde Pete Ham y Joey Molland muestran todo su potencial sin olvidar a Tom Evans (bajo) y Mike Gibbins (batería) . Por supuesto también tenemos temas tranquilos como " We're For The Dark" o "Sweet Tuesday Morning".

El segundo concierto pertenece al año 1973 y contiene siete temas más. En el "setlist no aparece ninguno de sus grandes éxitos lo que no implica que no disfrutemos con el material. Personalmente prefiero la grabación del 72. Para finalizar se incluye "Come And Get It ", grabada en el show "Top of the Pops".

Badfinger ‎– BBC In Concert 1972-3 nos da una visión diferente a la que estábamos acostumbrados de la banda.
J.C. Miñana


Temas
1 Better Days 00:00
2 Only You Know And I Know 03:55
3 We're For The Dark 10:23
4 Sweet Tuesday Morning  15:07
5 Feelin' Alright  17:58
6 Take It All  27:06
7 Suitcase  31:29
8 Love Is Easy  39:06
9 Blind Owl  42:15
10 Constitution  46:54
11 Icicles 51:00
12 Matted Spam  53:36
13 Suitcase 57:23
14 I Can't Take It  01:03:27
15 Come And Get It 01:08:05




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