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LUIS GASCA - For Those Who Chant (1972 / BLUE THUMB)

June 12, 2018, 11:56 pm
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Estaría bien que se escribiera algún día un libro sobre esos "artistas de trastienda", que no acapararon grandes titulares ni rótulos de neón,  en la escena de San Francisco de los primeros 70. Uno de los muchos es Luis Gasca, que no es mi vecino del tercero izquierda, sino un notable músico de por entonces. 


Nacido en Houston, pero chicano hasta la médula. Un trompetista exquisito, que ha puesto su instrumento al servicio de los más grandes. Muy influido por el jazz neoyorquino,  sus ídolos procedían abiertamente de la Gran Manzana, en vez de fijarse en músicos de la Bay Área. Dizzy Gillespie, Miles Davis, Clark Terry, Blue Mitchell o Freddy Hubbard hicieron mella en su depurado estilo. Dentro de ése género, el del jazz, ha aportado su saber a históricos como Stan Kenton, Woody Herman, Count Basie,  Mongo Santamaría,  Hubert Laws o Tito Puente. 

Luego está su faceta propia de los tiempos. El rock ácido,  el jazz rock o el latín rock, tenían que empapar  a un músico que estaba viviendo los días dorados de Frisco. El jazz rock lo reclama : Herbie Hancock o Stanley Clarke, por ejemplo. Con Janis Joplin toca en Woodstock. Y con Jefferson Starship, Grateful Dead y Santana (aparece en el tercer y cuarto álbum del guitarrista). Tal vez por ésta conexión,  entra en las filas de Malo, el grupo de su hermano Jorge Santana. Así que no sorprende que "For Those Who Chant" sea considerado un "álbum perdido de Santana". Aquí tenemos a Mike Carabello  (congas), Mike Shrieve (batería), Carlos Santana y Neal Schon  (guitarras), Greg Rolie (teclados), Coke Escobedo (timbales) y José "Chepito"Áreas  (vibrafono). Pero también a Stanley Clarke y Lenny White, bajo y batería respectivos de Return to Forever.  O el grandísimo Joe Henderson al saxo tenor. Entre otros. Suma una sección de cuatro percusionistas y miembros de Azteca y Malo. Y es que el "Bitches Brew" había calado hondo. Y Gasca, que había absorbido lo mejor de ambos mundos, el jazz rock revolucionado y el furioso latin acid rock.


Que es justo lo que nos encontramos en las primeras notas de "Street Dude" (11'41). Santana y Gasca dialogando acaloradamente en una esquina del ghetto, mientras el ejército de percusiones guardan con seguridad la retaguardia. Mil dibujos percusivos sobre una alfombra Hammond B3 y el elegante arropo de saxo y flauta. Eso, resumiendolo mucho. Porque es esta una super-jam policromatica de vivos y chillones colores. Como las alucinaciones ilustradas del gran Mati Klarwein (por cierto portadista  de Davis y Santana). De hecho estoy viendo el libro "Mati & the Music" mientras escucho esto y no se me ocurre mejor música para definir tan elevado arte.

Voces pseudo-africanas son utilizadas como otro instrumento más,  dando otro motivo exótico a ésta fecunda sesión. "La Raza" (8'03) tiene todo el groove psych/jazz en su libre forma, del "Jack Johnson" de Miles. Luis Gasca es un alumno aventajado de su escuela. Y el envoltorio a su alrededor, marea. Uno no sabe qué camino atender, la escucha estresa, si eres de esos oyentes observadores que no se quieren perder ni un detalle. El bombardeo es continuo y masivo. Joe Henderson  y su fraseo coltraniano destaca entre un maelstrom de sonidos a cual más atractivo. Una jungla de ritmos y baterías desesperadas. Fender Rhodes declarados en rebeldía,  como un Keith Jarrett en pleno ataque de nervios. Qué bello sindios. Damos la vuelta y "Spanish Gypsy" (15'08) es la perfecta mutación entre el "Lotus" de Santana y el "Live Evil" de Miles Davis. La influencia de éste último resulta decisiva en Gasca, pero contar con toda la banda Santana también deja su huella. Y pisan fuerte. Puro trance psicotropico y kilombo sonoro descomunal el que se produjo en los Columbia Recording Studios de San Francisco a finales de 1971. El productor David Rubinson pone orden cómo puede, pero imagino que no sería cosa fácil entre ésta jauría de freaks en estado epiléptico. 


"Little Mama" (5'26) pone fin a éste maravilloso desfase instrumental.  Con la trompeta de Luis Gasca presidiendo una studio-party exagerada y extasiante. No hay tregua por parte de ningún instrumento. Y todos gozan de una contagiosa inspiración efervescente que vigoriza el alma más deprimida. Pura medicina para los sentidos, éste disco. Ya no se hacen así. 
J.J. IGLESIAS


TEmas
A1 Street Dude 11:40
A2 La Raza 8:03
B1 Spanish Gypsy 15:07
B2 Little Mama 5:28



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IQ - The Road Of Bones (2014)

June 14, 2018, 12:45 am
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Como es costumbre en ellos ya han pasado cuatro años desde el “Frequency” y con la esperada edición de su flamante “Camino de los Huesos” los fans pueden saciarse de nuevo. Es cierto que acaba de aparecer en el pasado 2017 una especie de grabación para su club de fans llamada “Tales from a dark christmas” en realidad un álbum en toda regla, pero al parecer ellos mismos lo consideran “un añadido” como un trabajo alternativo mientras preparan su futura magna obra. En este sentido de “magno” podríamos considerar su último gran trabajo hasta la fecha. Las ediciones del prog actual como suele ser habitual, empiezan con un CD, luego se amplía a un doble deluxe edition y como en este caso hasta un triple con bonus tracks añadidos. Es decir el resultado de muchas horas de estudio y un box cd atractivo,  con un nada escondido marqueting de ventas. Pero seamos sinceros: a que fan acérrimo no le gustan las cajitas de bombones musicales o a cualquier extra que sus bandas favoritas le ofrezcan…?.


Nos encontramos al final (por el momento) de la discografía de esta fantástica agrupación británica que supieron recoger el relevo cuando la Inglaterra de música genesiana dijo adiós a la música amable, hermosa, innovadora (por supuesto) y tremendamente lírica. Que le pasó al “lirismo”…que fue arrasado por hooligans, clases sociales bajas y puteadas por el sistema. Jóvenes cabreados por fracaso escolar y sin trabajo. Que ya no estaban por lindezas musicales de ningún tipo. No justifico al Punk en términos de arte o culturales, porque no la tiene. Pero sí comprendo el cabreo social y la desesperación de una generación sin futuro, engañada y completamente perdida. La ira y la pérdida de idealismos o un mínimo confort material lleva a reventarlo todo y es comprensible. No hay honor en la esclavitud impuesta por los neoliberales o el actual Ibex 35 y eso pasa factura. La mala hostia que supone el ser honesto y convertirte en un “outsider” u optar por la zombificación del sistema y convertirte en una estúpida marioneta, supera cualquier tipo de argumentación. A mi edad, o eres un imbécil o te conviertes en anarquista solitario que debe aprender un cínico teatro. Según tu “IQ” o coeficiente de inteligencia tendrás la respuesta.


La carretera de los huesos, según he leído por ahí era un lugar de muerte y terror para disidentes y condenados durante el horror del régimen criminal stalinista. Otra fuente apunta a que en realidad IQ ha desarrollado una historia en torno a un asesino en serie de lo más brutal e inhumano. Para un grupo de rock sinfónico esto es “tela marinera”. No es lo habitual francamente, pero al menos rompe la fama que llevamos los sinfónicos de vivir en disneylandia. Claro que es broma lo que digo, pero algo de eso hay. Un escritor amigo mío llamado Antón Castro, me dijo en cierta ocasión, que todo amante de la “gran música” teníamos en realidad un escondido espíritu aristocrático. Aquello me hizo reír a carcajadas pero reconozco que en el fondo tenía toda la razón. Hay parte de verdad en ello y requiere de un buen sentido del humor y madurez para admitirlo. Pero aunque os parezca extraño a ningún pijo de mierda le gusta la música clásica o el rock progresivo. Son tópicos falsos. Los pijos son igual de incultos que los demás y yo diría que incluso más. Son gañanes con pasta. 


“The Road Of Bones” es música de gran calibre, de producción impecable. Ellos han llegado a dominar el control absoluto de su estilo y es cierto. El primer CD o lanzamiento oficial consta de 5 piezas: “From The Outside”…una densidad oscura arrastrada por una polvareda de viento fuerte que no deja ver la luz. Fuerza desatada en un IQ en estado puro y descarnado. El riff de guitarra y un musculoso chorus de teclado. Neil Durant es el nuevo teclista de IQ. Un tipo impresionante de una calidad desbordante que estructura las composiciones como una catedral sonora. “The Road Of Bones” parece música sin esperanza donde han ganado “los malos”. La escucha es dolorosa y anhela algo de misericordia. Los teclados de cello en masa agregan drama al asunto. Bajo y batería son una máquina implacable, hasta que acordes melancólicos imploran piedad en algún momento. Esta pieza acojona literalmente salida del reino de hades o el infierno de dante. Una épica tristeza sería su definición. “Whitout Walls” nos lleva de nuevo al mundo de las suites de coeficientes altos en inteligencia. La melodía ya empieza de nuevo a ablandar el corazón herido. IQ en estado puro y esa música de nostalgia que siempre los define. Génesis jamás llegaron tan lejos. Poderosos acordes, guitarra sin piedad, órgano abrasando lentamente. Nicholls en su papel eterno. Las procesiones por las catacumbas romanas camino del martirio parecen imponerse. El teclado se erige como belzebú. El mundo de las sombras parece encogerse en un extraño ritual de fascinante suplicio y horror, aunque la mano benefactora se abre sincera en todo momento, pero no llegas a asirte a ella, casi, pero no llegas. De repente un “agujero de gusano” nos arrebata en un ritmo que se acelera. Está buscando la luz. La implora. La música es prog puro del bueno. Que cerca estamos de aquellas puertas del delirio de Yes hacia el final. Que bien lo hacen los cabronazos de ellos, estamos esperando la redención del alma…pero va a llegar…?. Si claro por fin. El sinte ya ha abierto una brecha en el cielo y ahora todo es hermoso. La melodía vuelve a doler como en Ever y las lágrimas retenidas se sueltan de una puñetera vez. Los ángeles se despiertan y te llevan en volandas al bar de la risa y de los besos. Precioso. Cabronazos músicos que me emocionan. Estoy sin recuperar y me dan la puntilla con “Oceans”. Un abrazo casi tierno, como si nunca hubiésemos salido del mundo de la infancia. Qué maravilla de melodía!...joder que aún no me he recuperado. Esta canción es la prueba absoluta para medir tu sensibilidad en música. Tan simple como perfecta. Porque es perfecta, hermosa, delicada y la hostia en verso. Cabritos…cabronazos, os quiero capullos!!!. Qué envidia sana. Los 12 mtos etno-clasicistas y misteriosos de “Until The End” dan cierre al primer CD en un tono oriental-arabesco en lo percusivo y en el tratamiento de acordes y tonalidades. Una sensación dramática se apodera ahora de ti que contrasta con ciertas bondades anteriores. Va dirigiéndose hacia el final la composición hacia la melodía épica y ya están IQ abriendo nuevamente la sonrisa de lo excelso, de lo sinfónico, de lo que no pueden prescindir porque es su ser y su vida. Son un grupo agradecido. Son buenos tíos y su música lo refleja.


En la edición de luxe aparece un CD que parece la continuación del anterior, solo que se han permitido ciertos “caprichos” en formas algo más abiertas musicalmente hablando, aunque puedo asegurados que es tan bueno en términos musicales como el programa madre. Me está saliendo la crítica algo larga y si empiezo a comentar cada pieza se nos va a alargar el asunto así que mi recomendación es que se trata de un disco esencial y complejo, como casi todos los iniciados desde el fabuloso “Ever” y que no debéis dejar pasar. Siempre y cuando os guste esta banda naturalmente. Jamás os diría que compréis una mierda y los que me leéis desde que empecé en Rockliquias, sabéis de mis gustos y preferencias perfectamente.

Termino aquí con IQ. La semana próxima cambiamos completamente de registro porque no solo vive de sinfonismos el que aquí escribe. Necesito un revulsivo. Un contraste. Por eso la próxima semana os hablaré de una de las bandas krautrock más anticonvencionales que han existido nunca. Los alemanes CAN.
Alberto Torró


Temas
Tracklist CD1:

01. From the Outside In 00:00
02. The Road of Bones 07:25
03. Without Walls 15:57
04. Ocean 35:12
05. Until the End 41:07 

Tracklist Bonus disc on Box Set & Limited edition: 

01. Knucklehead 53:09
02. 1312 Overture 1:01:19
03. Constellations 1:05:37
04. Fall and Rise 1:18:03
05. Ten Million Demons 1:25:12
06. Hardcore 1:31:22






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LE ORME - La Via Della Seta (2011) (final 1ª temporada de RPI)

June 15, 2018, 12:01 am
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El último esfuerzo compositivo de Le Orme, con Michi Dei Rossi como único componente original, sería este álbum inspirado en los viajes y estancia del veneciano Marco Polo por Asia oriental.


 Realmente este disco podría firmarlo cualquier otro grupo italiano sinfónico de la época. La nueva voz del veterano cantante Jimmy Spitaleri (Metamorfosi) cambia por completo la forma y el estilo. Nos habíamos acostumbrado a la voz inconfundible de Tagliapietra es cierto, pero Spitaleri también es un buen cantante y hace un excelente trabajo en este nuevo CD, tan sinfónico o más que las últimas entregas. Como siempre 12 cortes y canciones cortitas pero muy bien ensambladas a modo concepto. El trío Dei Rossi, Bon y Trentini, se ve ampliado ahora por el nuevo cantante, un guitarrista llamado William Dotto y otro teclista de apoyo: Federico Gava. No han perdido en absoluto su sentido melódico y las canciones agradables, incluso diría que el nivel instrumental es superior que el de antaño. Músicos muy experimentados con un preciso nivel de ejecución lo que se pone de relieve por una perfecta grabación y producción impecable. 

Los dos primeros cortes son breves instrumentales hasta que en la tercera aparece la elegante y potente voz de Jimmy en plena balada de corte muy sinfónico. La guitarra real solista se expresa con precisión y clase. La línea continuará durante todo el disco con momentos realmente agradables de prog rock clásico de siempre. “Serinde” es una delicada pieza instrumental que nos sumerge en vientos orientales y “ sinfonizantes” con bellos pasajes de sintetizador. No suenan para nada aquí a Le Orme, tan solo a una excelente banda de rock sinfónico italiano, lo cual no es poco. Como es habitual todo es demasiado breve, corto para mi gusto. Esta fantástica pieza habría dado para muchos minutos más. En “Incontro dei Popoli” volvemos a los hermosos cánticos italianos, con un refinamiento en la composición y en la voz solista realmente emotiva. Una canción preciosa que también podrían haber alargado un poco más. Que le vamos a hacer. “La Prima Melodía” es otra joya para tatarear a gusto. Al menos aquí se van a los 5 mtos que son sumamente placenteros y la voz es espectacular. Hay alegría y euforia y yo lo agradezco infinitamente. “Xi´an Venezia” no baja el listón instrumental emprendido en el disco y a aquellos que nos privan los bonitos dibujos de sinte y órgano estamos de enhorabuena. Las composiciones son de alta calidad y riqueza pero siempre queda el regusto de querer más. Una pena. 

“La Via Della Seta” termina como un hermoso himno de marcha en un sentimiento de épica total, sonido de cornamusas incluidos, que nos deja eufóricos y contentos de haber escuchado un disco sensacional que pasa excesivamente pronto. Una pena que esta formación solo grabase este bonito disco. En 2016 y para celebrar el 50 aniversario del grupo, el trio que cito al principio, grabó una nueva revisitación de “Felona e Sorona” nuevamente en ambas versiones italiana e inglesa pero naturalmente con la tecnología actual. Para gustos los colores.


La próxima semana iniciaremos la segunda temporada del RPI (rock progresivo italiano) sobre otros grupos de la época, qué si bien no tuvieron la fama e influencia de la PFM, Banco o Le Orme, grabaron verdaderas piezas de gran valor. Muchos de ellos piezas únicas o incunables si usamos una terminología literaria.
Alberto Torró








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JARDIN DE LA CROIX - Circadia (2016 / ALOUD) (Rockliquias Bandas)

June 16, 2018, 12:51 am
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Math rock, alt rock, post rock........no sé. Creo que todo esto no son más que excusas bienintencionadas para animarse a coger un instrumento e intentar crear algo.Antes se llamó,  simplemente,  punk. Ya sabes, hágalo usted mismo y no se preocupe si está bien o mal. Es suyo. Suficiente. Mucha gente joven que entra en esas (no tan) nuevas tendencias, acaba desapareciendo por aburrimiento, falta de ideas o porque el peso de la pretenciosidad los hunde como un saco de plomo en el mar. Post rock : definición  (según la Classic Rock Magazine), de música no-rock, hecha con instrumentos rock. Que me aspen si eso no es pretencioso y pedante hasta el infinito y más allá. A ver, ricuras,  si en la cazuela echo  arroz, langostinos, gambas y almejas (no me llega para el bogavante), tengo una paella. No un cocido madrileño. Y me seguirá sabiendo a paella, por mucho que me digan que es cocido. Y de eso saben bastante Jardín de la Croix, de paellas, cocidos y rock progresivo. Que es lo que ésta banda ha reivindicado siempre. Que eso es lo suyo, al margen de novedosos epítetos que no sirven más que para despistar. En mi particular teoría,  cualquier músico que desarrolle su instrumento a lo largo de los años en eso del post rock, evoluciona inevitablemente en prog rock. Y en éste caso, del bueno.


Israel Arias (batería), Ander Carballo (guitarra, sintetizador), Pablo Rodríguez (guitarra) y Nacho Hernández (bajo) así lo han entendido desde aquel lejano "Pomeroy" que se autoeditaron en 2008. Hacía un año que se habían formado en Madrid. El 2011 trajo "Ocean Cosmonauts" ya en el sello Norma. Por esas fechas deciden re-grabar el primero y vuelven a autoeditarse "Remix on Pomeroy" (2012). Norma lanza en 2013  "187 Steps to Cross the Universe". Las buenas críticas,  bolos incesantes y participación en festivales, (el Be Prog, My Friend entre ellos), los han hecho crecer de manera ostensible. 

En 2016 sale el que hasta ahora es su último trabajo, "Circadia". Un manifiesto de rock instrumental churrigueresco y extraordinario. Su mejor obra hasta ahora. Como su portada,  una invasión origami (otra igual, no se llamaba "papiroflexia"?!!!), que puede dar la sensación de poder y fuerza, a la vez que fragilidad. Como la música contenida. "Seventeen Years to Hatch An Invasion" (7'16) tiene la fluidez de unos Bruford Levin Upper Extremities, y la caña de la escudería Magna Carta en los 90 (Bozzio / Levin  / Stevens). El jazz rock avant no es ignorado en "Reversión" (7'45), que me recuerda a trabajos de McGill / Manring / Stevens (o de esos mismos fieras en solitario). "Intermareals" (7'45) utiliza la reiteración evolutiva de Terry Riley , - que luego harían famosa en los 70 visionarios como Mike Oldfield -, y la fusionan con lo más acorazado del metal prog.

Los teclados le hacen mucho bien a "Green Architect"(8'34), pues reblandecen la granitica rítmica con melodías balsamicas, en un tratamiento sinfónico que, en su rol pianistico, recuerdan al mismísimo Rick Wakeman!!!!


"Trail from Alaska" (4'50) posee una buena organización estratégica de cortes, cambios y sonidos. Sin duda Jardín de la Croix me parecen los herederos del siglo XXI de aquel Neo Classic Metal instrumental que fascinaba en los 80 desde el sello Shrapnel Records : ( Vinnie Moore, Tony Macalpine, Joey Tafolla, Greg Howe, Marty Friedman, Richie Kotzen, Paul Gilbert, tantos y tantos.......).

"Flowers and Carrion" (6'17) puede que sea el tema más claramente progresivo (todos lo son), con ese sonido directamente heredado del "Discipline" de King Crimson,  que tan bien han sabido moldear y hacerlo suyo los madrileños. Es otra maravilla instrumental desmesurada.


Jardin de la Croix son el experimento genético de juntar la esquizofrenia de Don Caballero, Talk Talk a más revoluciones y Dream Theater instrumentales y algo jazzificados. Con una fuerte dosis de su propia cosecha y la habilidad para hacer que todo en conjunto, suene a personal música propia. Que saben hacerse oír por sus propios méritos,  vaya. Al margen de etiquetas engorrosas, son un grupo cojonudo.
J.J. IGLESIAS



Temas
1. Seventeen years to hatch an invasion 00:00
2. Reversion 07:15
3. Intermareals 15:01
4. Green architect 22:46
5. Trail from Alaska 31:18
6. Flowers and carrion 36:10





P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70


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The Gil Evans Orchestra Featuring John McLaughlin ‎– We Remember Jimi... 1986

June 17, 2018, 12:38 am
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Gil Evans fue un pianista, arreglista, compositor y director de orquesta nacido en Canada en 1912.  Durante su carrera fue un factor importante en el desarrollo de géneros como el free jazz, cool jazz o el jazz fusión.  Sus colaboraciones junto a Miles Davis representaron verdaderos hitos dentro de la historia del jazz. Cuenta la leyenda que Jimi Hendrix y Gil Evans habían concertado realizar unas sesiones junto a una gran orquesta. Lamentablemente el genial guitarrista murió tres días antes. Posteriormente Evans editó un disco con temas de Hendrix, "The Gil Evans Orchestra Plays the Music of Jimi Hendrix" (1974).

En 1986 John McLaughlin estaba girando con una reformada "Mahavishnu" integrada por  Bill Evans  (saxo), Jonas Hellborg (bajo), Mitchel (teclados),  Danny Gottlieb (batería) y el propio McLaughlin a la guitarra que por aquel tiempo estaba entusiasmado con el Synclavier. No fue el único.  Bajo está denominación grabaron dos discos: "Mahavishnu" (1984) con Billy Cobham a la batería y "Adventures in Radioland" (1987).


La grabación pertenece a una de las últimas de Gil Evans por Europa, murió a causa de una peritonitis en 1988. El concierto se realizó el 3 de Julio de 1986 en la Rocca Brancaleone dentro del Festival de jazz de Ravenna. En ese mismo evento participaron Jon Hendricks & Co. Michel Petrucciani/Jim Hall Duo, Pat Metheny Trio w. Charlie Haden, Billy Higgins, Astor Piazzolla & His Quintet of Modern Tango, feat. Gary Burton, John Scofield Quartet, The Milt Jackson/Ray Brown Quartet, Stanley Turrentine, Enrico Rava Quartet con John Taylor  y la Mahavishnu de John McLaughlin. 

Evans se presentó con una  banda de trece músicos: John Surman (saxo baritono y soprano), George Adams (saxo tenor), Chris Hunter (saxo alto, flauta), Joseph Payne (bajo), Kenwood Dennard (batería), Delmar Brown y Peter Levin (teclados), Miles Evans, Shunzo Ono y  Lew Soloff (trompetas), Dave Taylor y  Dave Bargeron  (trombones) y John Clark ( trompa), con la participación especial de John McLaughlin a la guitarra.

En el "setlist", tres temas de Hendrix: "Up From The Skies", "Little Wing" y "Stone Free". Uno de Tony Williams, "There Comes A Time" y otro de Charles Mingus, "Goodbye Pork-Pie Hat". También podemos escuchar dos composiciones de Evans, "Bud & Bird" y "Eleven". En cuanto a la música nos movemos por los terrenos del jazz rozando el free jazz con temas que en algún caso superan los veinte minutos.
J.C. Miñana 




Temas
1-1 Up From The Skies 9:17
1-2 Little Wing 17:05
1-3 There Comes A Time 21:13
1-4 Stone Free 12:50
2-1 Bud & Bird 17:50
2-2 Goodbye Pork-Pie Hat 10:00
2-3 Eleven 19:20


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RYUICHI SAKAMOTO - Thousand Knives of (1978 / NIPPON COLUMBIA)

June 18, 2018, 12:10 am
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Fundador de la influyente Yellow Magic Orchestra, junto a Yukihiro Takahashi y Haruomi Hosono en 1978, dieron pie a una serie de corrientes comerciales basadas en el sintetizador. Marcarían los próximos años : Electropop, Technopop, Cyberpunk o Synthpop.


Sin menospreciar para nada a la Y.M.O. , prefiero su trabajo en solitario. Más centrado en experimentar y menos en agradar vía pop music, como un remedo de Kraftwerk. Ryuichi Sakamoto entra en la Tokyo National University of Fine Arts & Music en 1970. Combina estudios de clásica  (Debussy es su dios), étnica  (oriental y africana) y electrónica. El equipo de la Universidad  no es es nada desdeñable. Y comienza sus primeros pasos creativos a éste respecto con los modulares Buchla, Moog y ARP, que hay en la "uni". En el mismo año que forma la Y.M.O. ,consigue contrato con Nippon Columbia nada menos. Grabando en los Columbia Studios de Tokyo su primer álbum,  "Thousand Knives of Ryuichi Sakamoto". Se dice que no fue un parto agradable (de ahí quizá su título), costándole muchas noches de insomnio. El perfeccionismo del japonés,  que casi lo mata. 

La elegante intro al vocoder de "Thousand Knives" (9'34) lo identifica inevitablemente  con Kraftwerk. Aunque su melodía posterior, cálida y fluida, denota orientalismos "occidentalizados", con minimal toque e increíble buen gusto para los cambios armónicos y detalles mil. Debussy se deja notar, y nos recuerda a un Robert John Godfrey o Isao Tomita. Su equipo electrónico anda a la vanguardia tecnológica del momento :  Kong PS 3100, Oberheim Eight Voice, Polymoog, Moog III-C, Mini & Micro Moog, Korg VC-10 (vocoder), Korg SQ-10 (analog sequencer), Syn-drums, Electronic Drum Kit y microprocesador Roland MC-8. No está mal para 1978!!!! En éste tema ayuda su colega de la Y.M. O. Haruomi Hosono. Además de la jazz rocker guitar de Kazumi  Watanabe, que nos lo acerca entre nuestros Iceberg, y Stomu Yamashta en sus proyectos "Go". Deliciosa prog electrónica con exhuberante jazz flavour.

El tropical electronic ambient de "Island of Woods" (9'50), perfecto para un episodio de "Perdidos", recuerda aquí a Patrick Moraz en solitario.  La cosa toma un aspecto kosmische formal a la Edgar Froese / Michael Hoenig de lo más atractivo, (si lo tuyo es la vanguardia sería sintetizada). Cierra la cara "Grasshoppers" (5'16), con el piano de Yuji Takahashi intercalando excelentes fraseos en el reinado sintetizado de Sakamoto. Éste último queda en un segundo plano, ofreciéndole un más destacable, efusivo y optimista puesto a las acústicas teclas de Takahashi. Un precioso tema.


Segunda cara y "Das Neue Japanische Elektronische Volkslied" (8'05) (al referirse en alemán,  ya deja claras sus pretensiones), es como crear un nuevo jap-kraut de personal sello, en un cóctel de sonidos que agita a Godfrey / Jobson / Blake / Baumann y el licor resultante le queda de lo más embriagador. "Plastic Bamboo" (6'31) es otro pícaro ensayo de mezclas. Junta los devaneos debussynos de Isao Tomita, el animado cachondeo sin reglas de Cluster y algo del también recién llegado, Jean-Michel Jarre. La estrategia percusiva combina con los flotantes colchones a la perfección. Justo lo que busca Sakamoto, perfección. 

Por último "The End of Asia" (6'21) es un ejercicio cuasi-funk no muy alejado de los AshRa  de "Blackouts", "Correlations" o "Belle Alliance. Era la época, y a casi todo el mundo le dio por llevar lo electrónico por la puerta del funk, para agradar a las compañías con algo un poco más,  ejem, "digerible". No es un mal corte, ni mucho menos. Además con la intervención de nuevo del guitarrista Kazumi Watanabe. Un muy meritorio debut  que seguiría en el 79 con "Summer Nerves" y en el 80 con "B-2 Unit".

Luego, ya sabes, bandas sonoras de renombre, colaboraciones con lo más cool del momento, eventos internacionales (como Barcelona '92) o sesudos proyectos minimalistas. Cualquier cosa de éste hombre lleva su grado de interés. "Thousand Knives of" es una perfecta entrada para nuestra sección. Y un disco a recomendar.
J.J. IGLESIAS



Temas
A1 Thousand Knives 0:00
A2 Island of Woods 9:36 
A3 Grasshoppers 19:24
B1 Das neue Japanische elektronische Volkslied 24:46
B2 Plastic Bamboo 32:54
B3 The End of Asia 39:15




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Hard Meat ‎– Hard Meat 1970

June 19, 2018, 3:27 am
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El vinculo familiar en el mundo del rock ha sido desde siempre un factor importante a la hora de formar una banda. Lo normal es que el hermano mayor enseñe al pequeño a tocar la guitarra y en la mayoría de los casos resultaban ser alumnos aventajados. Desde los Kinks pasando por Van Halen, AC/DC, The Black Crowes, Creedence Clearwater Revival, Scorpions, Lynyrd Skynyrd, Toto, Beach Boys, etc. Hard Meat podrían estar perfectamente en esta lista.


Los Hermanos Dolan, Mike (guitarra) y Steve (bajo) procedían de Birmingahn y junto a Mike Carless (batería) formaron la banda en 1969. Su primer single llega ese mismo año. Editado por la Island Records y conteniendo una versión del "Rain" de The Beatles y en la cara B, "Burnin' up years".  En Mayo de 1970 lanzan su primer disco, "Hard Meat" y al año siguiente llegaría el segundo, "Through a window". Realizan algunas giras por Europa y Estados Unidos y poco más.


Hard Meat nos presentan siete temas de corte rock psicodélico. En la primera cara están los temas más tranquilos. Buenas voces, guitarras acústicas y eléctricas se combinan para obtener un resultado más que aceptable. Incluso se atreven con un tema de Bod Dylan, "Space Between". En la cara B está el tema estrella, "Run Shaker life", desarrollo guitarrero al estilo de lo que hacían grupos como Cream. Me gustaría conseguir una versión en directo de está composición.. Finalizan con  "Universal Joint" y "Mos likely you go your way I'll go mine", en la línea de la primera cara.
J.C. Miñana




Temas
A1 Through A Window 00:00
A2 Yesterday, Today, Tomorrow 03:53
A3 Space Between 08:54
A4 Time Shows No Face 13:27
B1 Run Shaker LIfe 17:23
B2 Universal Joint 27:40
B3 Most Likely You Go Your Way I'll Go Mine 31:16



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CRAG DWELLER - Magic Dust (2012 / Crag Dweller)

June 20, 2018, 12:06 am
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La cosa maravillosa de la explosión Stoner, y posterior asentamiento como género clásico,  es que te trae a veces obras deliciosamente atemporales. El debut de Crag Dweller (tras una demo del mismo año), podría ser de 1970 y estaríamos tan panchos.


 Encantados de saborear igualmente, su proto-hard / metal psicodélico lleno de ácida wah wah y mala leche visceral. Este power trío de Portland, Oregón,  lo componen Richard Vivarelli (guitarra, voz), Clifton Martin  (bajo, voz) y Travis Clow (batería). Podrían ser en un universo paralelo los integrantes de Blue Cheer en los finales 60. Pero no. Aunque palpitan rocanrol actual, su mente y alma está en aquellos dorados días. Cuando todavia acojonaba escuchar unas notas de bajo saturado dándote cozes en el pecho.

 Como en la intro de "Chrononaut" (5'23), titulo adecuado, pardiez! Acto seguido entran en tromba para que conozcas a éstos tres tiernos infantes que rebasan el vaso de bourbon de la actitud canallesca, auténtica y macarril. Imagina un Mick Box como guitarra de MC5. O a The Damnation of Adam Blessing en cruce con los más brutos Blue Oyster Cult del "On Your Feet or on your Knees". Por cierto, éste "Magic Dust" fue grabado en el estudio, totalmente en directo, como se hacía antes. El Buzz or Howl Studios debió de necesitar un exorcismo gordo, después de abandonar el recinto Crag Dweller.


El cargado ambiente es tangible en toda la audición,  y no me refiero al olor a tigre, que también. Comprobable al escuchar "So Far, So Good. So What" (4'50), con una descarga de adrenalina furibunda y malsana, que no hace ascos tampoco al dirty blues, wild boogie,  desert o southern rock. Para emplastecerlo con hard psych venenoso y sumamente adictivo, como la peor (o mejor) de las drogas. Foghat de speed hasta el cogote, te ofrece ésta bonita canción para amenizar un ágape mañanero de las juventudes peperas y ciudadanas, ese gran valor moral de futuro.....

"The Gate" (6'15) retoma el "negocio inacabado" de Dick Peterson, Lemmy Kilmister o Terry Brooks, con estructuras psych dentro de una riada de watios desbocados a la que ya nos tienen (mal)acostumbrados estos tres alicates. Una gozada su libre albedrío instrumental, que evoca lo más pernicioso de Manilla Road, Randy Holden, Captain Beyond o The Boyzz.

 "Gotta Have It" (3'39) entra más o menos en la escuela Hendrix, si bien nunca abandona su eterna alma a éstos angelicos. Insertan un piano sibilino que hace lo mínimo,  provocando lo máximo. 

El proto-metal de "True Believer" (4'07) es una especie de outtake del primero de Tank, porque también saben mimetizarse en NWOBHM, no sé si queriendo o sin querer, pero les queda de puta madre. A pesar de todo lo dicho, éste trío tiene la melodía como aliada, bien forjada a fuego, y saben componer canciones muy bien amuebladas, (aunque los muebles sean de segunda o tercera mano, el old school es lo que tiene). By the way,  retrocedemos en el tiempo, y la suprema guitarra de Richard Vivarelli nos trae "Madness" (5'01), como si no tuviéramos ya bastante locura. Complexión de granito hard-psych con "greetings" a Grand Funk Railroad, Point Blank, Dust, Bang o Curtis Knight Zeus. Asombrensen con la regresión,  damas y caballeros. Llegamos al final sin enterarnos, con la apocalíptica blues rocker song, puro plomo rítmico,  "Motel Burnout" (5'27). Otro bofetón en la jeta que espabila al instante si, como un servidor, te pones éste disco aplasta-cráneos recién levantado.


Si añoras la etapa Motorhead con Eddie "Fast" Clarke, "Magic Dust" es un buen consolador para esos sueños húmedos de princesa......aunque te llames Manolo y seas camionero. No administrar sin consultar a su farmacéutico. 
J.J. IGLESIAS



Temas
1. Chrononaut 00:00
2. So Far, So Good, So What... 05:24
3. The Gate 10:14
4. Gotta Have It 16:30
5. True Believer 20:10
6. Madness 24:17
7. Motel Burnout 29:18





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CAN:- Prólogo: La anarquía en música - Monster Movie 1969

June 21, 2018, 5:47 am
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Permitidme antes de empezar, unas palabras del propio Irmin Schmidt que a sus 80 años es el único miembro vivo de aquel peculiar y extraño cuarteto. El guitarrista Michael Karoli murió de cáncer en 2001.El Batería Jaki Liebezeit en enero de 2017 y el bajista Holger Czukay en septiembre del mismo año. Vivos quedan todavía sus dos cantantes: el estadounidense Malcolm Money y el emblemático japonés Damo Suzuki.

“Can ha sido la experiencia que más ha marcado mi carrera. Es parte fundamental de mi vida. Cada uno era extraordinario en su parcela, pero juntos éramos aún mejores, trabajando sin ningún tipo de presión por parte de la industria y sin atenernos a ninguna regla. A veces fue difícil, pero me siento absolutamente afortunado”.


Sin atenernos a ninguna regla. Esa fue la máxima de aquel movimiento alemán llamado “Krautrock” (término que usaban despectivamente los ingleses para referirse al rock extraño proveniente de los germanos). La terminología Kraut hace referencia hacia un vegetal como la col o el repollo (¿?). Aquello coincidió con todos los malos rollos socio-políticos de la época. Es decir: la guerra fría desde la caída de Alemania después de la segunda guerra mundial, la guerra del Vietnam, el mayo del 68 y sus utópicas revoluciones y un marcado izquierdismo radical potenciado por el muro de Berlín y la otra Alemania bizarra, con un alucinante maoísmo que comió el tarro hasta a los hiparras más colgaos. Añadir el descontento de una generación joven radicalmente opuesta al convencionalismo y a las formas, que derivó hacia una anarquía salvaje, no exenta de cierta esquizofrenia tanto en términos sociales como culturales. 

En España se vivía en las antípodas de todo eso. Nuestro aporte cultural de aquel año fue Massiel y el festival de eurovisión. A Serrat como cantaba en catalán le dijeron que hostias.  Mal hecho. Hoy sería una gloriosa y recordada hazaña para nuestros simpáticos vecinos.   Sin embargo, a diferencia nuestra, los germanos lograron perder la vergüenza al legado nazi, condenando su lamentable y terrible pasado. Cierto es que nosotros en los años 60, vivíamos en el “confort” de un fascismo primitivo y beato, ya aparentemente light y tonto si comparamos con las barrabasadas de dos décadas antes, siempre sumidos en la ignorancia y orgullosos de ser españoles y mucho españoles. Y cuando todavía el alcalde no elegía a los vecinos, ni éramos sentimientos que tenían humanos. Eso vino más tarde para jolgorio de todos. Los otros: Toda aquella peña de peludos y desarrapados que querían cambiar todo, hoy son domesticados ancianos, algunos venerables otros no. Porque el sistema siempre gana. Los que ya somos mayores y perros viejos preferimos malo conocido que bueno por conocer porque seguramente será más malo todavía. Las ideologías son todas una repugnante mentira. Todas las creencias lo son. Shoppenhauer que fue una mente privilegiada para su época, decía que el estado es un “bozal” para perros. Las revoluciones aun en su bien intencionada utopía quitan el bozal y no hay nada más placentero para el ser humano que devorarse entre ellos mismos. Quiero recordar que generalmente y con sus excepciones naturalmente, el coeficiente de la raza humana está por debajo de cero coma. Por eso siempre ganan los malos. Por eso la libertad no existe. Pensad que los buenos en cuanto pillan cacho y las tocan, siempre terminan siendo malos y en realidad socialmente en nuestro comportamiento con los demás, no hemos salido de la edad media por mucha robótica y muchos teléfonos celulares que llevemos en el bolsillo y da igual incluso la mucha educación recibida. Igual de bestias. Alguno pensará que si este es un blog de música debería callarme. Tienen razón y soy un pesao. Lo reconozco. Debo decir, no obstante, que música y sociología van de la mano y nadie somos ajeno a ello. Una cosa depende de la otra.

Dicen que CAN fue el creador del krautrock o al menos uno de sus artífices. CAN en su música reflejó a la perfección el lado primitivo y salvaje de nuestro comportamiento fuera del bozal del sistema. Nada de reglas. Música para neandertales y cromañones, exagero en broma claro. La mona Chita y Copito de nieve. Yo recuerdo aquella película llamada Las Minas Del Rey salomón de 1950, donde hacia el final, había una fabulosa secuencia de baile ritual y tambores Massai y Batusi,  llena de espectacularidad incluso elegancia. La música de CAN es mucho de eso. Sin embargo, es tan rara y adictiva que se adelantó a su tiempo. Os puede resultar chocante y confuso que un amante del prog rock clásico como yo, quede atrapado por algo tan antagónico. Lo es. De hecho, no recomiendo meterse en el barrizal del kraut a quien tenga por definición un “oído romántico” porque saldrá por piernas horrorizado. También es cierto y lamentable, que en parte, su legado afectó e influyó en muchas marranadas musicales para las siguientes décadas. Hay músicas horribles de hoy que tienen al grupo alemán como gurú y santón a venerar. El que tenga un oído aventurero sabrá apreciar la diferencia entre uno y otros y ahí lo dejo. Aunque no es fácil a veces separar el grano de la paja.

Así pues, CAN nace en Colonia en el año mítico de 1968 y en medio de todo el jaleo y la mala hostia político social que forma parte de una de las movidas históricas más relevantes del siglo XX. El cerebro intelectual de esta historia es un músico alemán académico llamado Irmin Schmidt. Pianista de conservatorio y compositor que fue alumno directo de Stockhausen y de György Ligeti, ambos compositores asociados al aspecto más radical de la música contemporánea de mediados del siglo. En su viaje a EEUU conoció a John Cage, La Velvet Underground y al guitar hero del momento Jimi Hendrix. Esto evidentemente le marcó y a su vuelta a Alemania tenía claro el giro radical que iba a suceder en una música adelantada a su tiempo. No hay muchos casos de compositores “serios” que actúen de esta forma. El compañero de fatigas se llamaba Holger Czukay, también alumno de los mencionados compositores. Un bajista atípico enamorado de los cachivaches electrónicos, las ondas de radio y las cintas de grabación para hacer extraños experimentos y loops. Se les unió un guitarrista de nombre Michael Karoli, alumno a su vez de Holger Czukay, que además tocaba violín y cello. Karoli venía del jazz y de las entonces tendencias hippies de la costa oeste californiana. Se les une Jaki Liebezeit, un batería tremendo también con base jazz, pero que fue el precursor de una forma de tocar llamada “motorik”. Jaki era un metrónomo percusivo, original y completamente diferente de todos los baterías del planeta. La música de CAN recae en él de forma determinante. Comienzan a ensayar “sin estructuras determinadas”. La composición se torna en “improvisación instantánea” que resulta ser el “catecismo” del kraut alemán. Tal ruptura de formas les lleva a incluir cantantes “que no saben cantar”. Buscan la voz como un instrumento libre y salvaje y el primero en adentrarse en tal locura es un cantante afroamericano llamado Malcolm Money, un tipo con problemas mentales que al poco tiempo acabó en el psiquiatra. 

Después de unas demos de 1968 que aparecerían años más tarde como “Delay”, se meten en el estudio para dar forma al primer LP oficial: “Monster Movie”. No fue el primer álbum que escuché de CAN. Reconozco que tal experiencia me habría resultado imposible, porque a una mente romántica sinfónica como la mía le habría sonado en aquel momento como algo totalmente desagradable. Tampoco fue fácil para mí CAN y lo primero que compre a ciegas y en Andorra fue el doble Tago Mago. Le eché cojones. Mi curiosidad por lo raro y diferente me ayudó a dar el paso. Esa audición me hizo replantear mi concepto de la música y yo todavía era muy joven. Pero así somos las mentes inquietas en música. Si entras por primera vez en CAN con “Monster Movie” vas a salir corriendo. El sonido es bruto, sucio, denso, repetitivo y salvaje. Está grabado en 1969 y desafía al oído más aventurero y de apertura de miras. Pero si empiezas a escuchar toda la música brutal que venía de Alemania en ésa época, te va a suceder lo mismo. Aquí nos encontramos con un problema. O lo interpretamos bajo el oído convencional que todos tenemos o dejamos salir a la bestia que todos llevamos dentro. No quiero imponer o influenciar de alguna forma al oído “convencional”, solo digo que si te atreves adelante. Si esto te parece insoportable o una tomadura de pelo, lo entenderé, pero si una “chispa” adictiva y especial fuera de prejuicios logra interesarte, te diré también, que enhorabuena!!, has logrado traspasar una frontera compleja, un desafío para entrar en otros niveles igualmente fascinantes. CAN es una prueba que exige unas condiciones especiales. No es música para todo el mundo que paradójicamente ha hecho incluso singles de éxito. Puestos en antecedentes allá vamos. 


Solo cuatro “bofetadas”. “Father cannot Yell” inaugura la histeria. Aquí no hay teclados sofisticados, sólo un farfisa organ aporreado y distorsionado, un bajo pulsante y guitarra chirriante, efectos electrónicos y batería ultra underground. La voz medio hablando gritando y formando onomatopeyas. Un ambiente corrosivo y obsesivo como la baba del alien. Todo huele a hierro quemado. Melodía cero, balbuceo diez. Pero atrapa como una enfermedad mortal. 

“Mary Mary so Contrary” anti-balada con intentos. Dejadez y guitarra que escuece como una inyección de penicilina. Todo es marchito, áspero y decadente. Anti alegría. Anti esperanza. Gris sucio como una tumba. Lirismo tipo familia Adams.

” Outside my door” suena como una extraña mezcla de costa oeste o grupo rock garajero. Recuerdo que estamos en 1969 y raro es el que no sonaba guarro. 

Para el final dejaron “Doo You Right” donde se prefigura la pesadilla CAN por excelencia. 20 mtos minimalistas. Percusión prehistórica. El bajo Czukay y la machacada Liebezeit, van a abrir el pecho de la ofrenda humana y comerse las vísceras. La voz es verdaderamente horrible, si no, no serían CAN. La psicodelia enfermiza y el kraut bruto y descarnado. Porros, ácido, opio, alcohol, sudor y olor a templo mariano. Los sonidos electrónicos van quemando la piel poco a poco. Liebezeit lleva las muñecas desatadas en redobles jodidos y todo entra en un trance. Irmin hace cosas que ningún teclista normal haría. Es como darles un equipo de música e instrumentos a primates enloquecidos o tíos que les suda todo la polla. Lo último es lo exacto. Pero a su vez es fascinante y adictivo. Música guarra y anti todo. Es todo tan espantoso que hasta me gusta. La monotonía: aspecto destacable e irritante. El sonido: la excavadora de una obra y la mezcladora de cemento. Olor a alquitrán, vapor irritante, calcetines de obrero ventilándose y algún eructo más generosa ventosidad. Bienvenidos a CAN. La vida misma. Lo horrible y hermoso a la vez.
Alberto Torró






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Locanda Delle Fate - Forse Le Lucciole Non Si Amano Piu (1977) (Rock progresivo italiano- Segunda Temporada)

June 22, 2018, 12:31 am
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Consciente de que el RPI es un pozo sin fondo e interminable, hablaremos de aquellos grupos de los 70´s que en la mayoría de los casos se limitaron a uno o dos discos, pero que representan de forma genuina el sentir musical de la Italia en aquella época tan rica en inventiva musical y calidad asegurada. De la escudería italiana progresiva un porcentaje muy alto son de “un solo disco”. En algunos casos viendo la aceptación, sobre todo en países como Japón, país agradecido como pocos que ha ejercido una intensa labor en rescatar del olvido discos sumamente interesantes y bellos, algunos como digo, se reformaron incluso varias décadas después, en vista que aquel disco que grabaron en su juventud, hoy es una pieza valiosa y cotizada, gracias a las excelentes remasterizaciones y producciones del país del sol. Recuerdo que en una ocasión ya hace muchos años, en la época de mi fanzine Lunar Suite, recibí una carta enviada desde Tokyo, de alguien interesado en grabaciones raras de rock progresivo español incluso cintas caseras. Se me pasó por la cabeza enviar una maqueta de mi propio grupo. Desistí por considerar que aquella grabación era muy mala, pero se me quedó la duda para siempre. Los medios que teníamos para grabar maquetas entre 1978-79 en España eran lamentables o muy caros fuera de nuestras posibilidades económicas. Una grabación en vinilo de 300 copias, nos costaban en un sello independiente, 250.000 pesetas de la época. Tuvimos esa oportunidad, es cierto, pero nunca esa cantidad de dinero. Ahí se quedó la cosa. Yo le di la información que pude al educado japonés, sobre tiendas y contactos y como es habitual en ellos me lo agradeció efusivamente.


Locanda Delle Fate fueron una banda exquisita de siete músicos, con dos teclistas y un emocionado cantante llamado Leonardo Sasso. Su leyenda se debe a este disco de 1977, si bien es cierto que grabaron otro en 1999 y hasta 2013 aparecen un par de grabaciones más en directo más como un ejercicio de nostalgia que como una continuidad. En realidad, esta grabación y estas composiciones compiten en calidad y belleza con cualquier disco de la PFM o Banco. La diferencia es que Locanda hacía una música mucho más orientada al sonido británico tipo Génesis, Yes o incluso Camel. Pero al cantar en italiano la cosa cambia y mucho y el encanto sube enteros.

 Este álbum, según las críticas, tiene una alta valoración. Incluso algún entusiasta exagerado dice que es lo mejor que ha hecho el RPI. No es para tanto desde luego. Ahora sí, el disco es una preciosidad que cualquier amante del prog italiano debe tener. El prog británico imprime fantasía, pero en manos italianas es pura poesía sonora. Esta ha sido siempre la diferencia y el idioma tienen mucho que ver. Ya lo he dicho en multitud de ocasiones que la lingua de Dante es la más musical del planeta. Por encima del inglés que es la siguiente. Españoles, franceses, alemanes etc, no ejercen la misma emoción al cantar al menos en este estilo de música. Yo así lo siento y haría una excepción con el gaélico que me parece precioso. Las voces célticas femeninas son mi debilidad, la música celta también efectivamente. 

Bueno volviendo a lo que nos ocupa, hasta la portada de este LP (suerte si lo encuentras) es diferente al bizarro art cover del prog italiano. Su portada va como anillo al dedo a lo que vamos a escuchar. “A volte un instante di quiete” un instrumental se vuelca en la melodía amable cercana a Renaissance o Camel sin problemas. Piano, flauta, órgano, guitarra refinada y sinfónico hermoso que puedes oír una y otra vez porque todo es familiar y sumamente agradable. 


“Forse le Lucciole…” nos muestra el sentido delicado y la buena formación de unos músicos que tocan lo que sienten y les gusta. La producción no es una grabación brillante, es cierto, pero está dentro de lo aceptable del sonido setentero típico. Las composiciones están muy trabajadas, con sus diferentes planos y cambios de ritmo y siempre un perfume clasicista. Los teclados hacen lo que corresponde a su nivel. La flauta tiene ese toque Jethro Tull que tanto influyó en aquella época y en general la música no aburre en ningún momento como debe ser cuando alguien hace rock sinfónico de calidad.

 “Profumo di Colla Bianca” es otra delicadeza hermosa y típicamente versada en el estilo italian-prog. Aquí incluso suenan un poco a la Premiata más inicial del “Per Un Amico”. La música “acaricia” incluso más que Mussida y cia y la guitarra está fabulosa al final del corte. En “Cercando un novo confine” el desgrane acústico es un melancólico paseo por la Via Apia con olor a pino y vestigios de historia. 


“Sogno di stunno” suena ligeramente a Tull nuevamente con finos momentos de moog y piano. Prácticamente el piano lleva toda la base compositiva en la mayor parte del disco. “Vendessi Sagezza” es una de las mejores piezas en un estilo que sigue fiel a lo largo de todo el álbum. No hay contrastes de estilos musicales diferentes en ningún momento y la armazón sonora es un todo a lo largo de la escucha. Es un disco detallista que merece sus precisas escuchas y muy sinfónico italiano en toda su extensión. Te vendrán inevitablemente grupos ingleses a la mente en su escucha, pero la esencia italiana típica se apodera de posibles influencias. Es un disco muy hermoso y delicado y en parte un rara avis sin continuación.
Alberto Torró



Temas
A volte un istante di quiete -- 00:00
Forse le lucciole non si amano più -- 06:28
Profumo di colla bianca -- 16:07
Cercando un nuovo confine -- 24:22
Sogno di Estunno -- 31:02
 Non chiudere a chiave le stelle -- 35:43
 Vendesi saggezza -- 39:15




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Granada Goblin - Ciencia Ficción (2018) (Entrevista) (Rockliquias Bandas)

June 23, 2018, 12:22 am
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Granada Goblin es una banda santanderina integrada por Dani (Voces), Fran (Guitarra), Santi (Guitarra), Gabo (Bajo) y Toro (Batería). Desde 2008 llevan dando guerra y en Marzo de este año editaron su última producción, "Ciencia Ficción". 


Como siempre nuestro reportero más intrépido se puso en contacto con ellos para que nos contactaran sus experiencias y algunos detalles del nuevo proyecto.


Rockliquias.- De donde procede vuestro nombre. Alguna relación con el juego de cartas.

Si, es de una carta de magic. Aunque no se nos note e intentemos ocultarlo somos un poco frikis.



Rockliquias.- Nos podéis comentar que variaciones en la formación se han producido desde que empezasteis allá por el 2008

Pues empezamos siendo 4, Dani el cantante tb tocaba la guitarra, pero después del primer disco se decidió que mejor hiciera una cosa regular que dos mal. Tb después del primer disco Juan, el primer guitarra dejo el grupo, en ese momento entran Tillo y Fran a las guitarras. Mas adelante antes de grabar nuestro ultimo trabajo Ciencia Fricción entra a la batería Toro.


Rockliquias.- ¿Cuáles son vuestras influencias más importantes?

Pues cada uno escuchamos cosas bastantes dispares y tampoco ponemos ninguna barrera al aplicarlas a las canciones, pueden ir desde Frank Zappa y  Mama Ladilla hasta Testament o Black Panda, pero seguramente la linea va mas hacia Clutch o Black Sabbath.

Rockliquias.- En 2014 llega vuestro primer trabajo, "Jacklope", Nos podéis comentar algunos detalles de la grabación y cómo fue esta primera experiencia en el estudio.

Este primer disco lo grabamos en el local, disponíamos del equipo y de ciertos conocimientos para hacerlo y decidimos hacerlo asi, para la mezcla le pedimos ayuda a Javi Prieto porque teníamos la cabeza como un bombo jajajajaj. Por este motivo los siguientes discos hemos preferido ir a estudio, hacerlo tu mismo esta bien, pero se suele eternizar, al estudio ya vas a hacerlo si o si y ademas dos orejas externas ayudan mucho a enfocar los temas y hombre, que tanto Alex Pis en “y el misterio del chile fantasma” como Javier Escudero en “Ciencia Fricción” son mucho mejores que nosotros y unos maquinas jejejeje.


Rockliquias.- Ese mismo año editáis nuevo material, "Y El Misterio Del Chile Fantasma". Se nota que teníais muchos temas acumulados durante todos estos años.

En esto tenemos que pedir perdón porque es un error (ya corregido) en bandcamp, “Jackalope” es de 2011, ósea que nos ha llevado 3 años entre cada disco, la verdad es que en ambos casos había bastantes temas hechos al poco de finalizar el disco anterior, pero tb en ambos casos nos ha coincidido con cambios en la formación y eso conlleva volver a empastar el grupo, que los nuevos aprendan los temas, que los viejos se acuerden, etc

Rockliquias.- Vuestra última producción está aún caliente, marzo del 2018, "Ciencia Fricción". ¿Cómo ha evolucionado el sonido de la banda desde vuestros comienzos?

Bueno realmente desde dentro no se aprecia mucho, el cambio de guitarristas y posteriormente el de batería cambio cosas, cada músico aporta su toque personal, pero la forma de afrontar las canciones pensamos que sigue siendo la misma, se trae una idea que se deglute entre todos y sale lo que sea. Si puede ser que al principio fuera algo mas rockero, el segundo álbum tal vez mas denso y lineal y este ultimo hayamos explorado mas en atmósferas y sea un poco mas heterogéneo.


Rockliquias.- Nos podéis dar algunos detalles de la grabación. ¿Quién ha diseñado la portada?

La grabación la hicimos en los estudios Cubex de Javier Escudero un autentico crack, estamos muy contentos de haberlo hecho allí. A la portada le estuvimos dando bastantes vueltas con distintas ideas y al final precisamente a través de Javier Escudero contactamos con Adrian de la Cruz que es un dibujante de aquí de Santander, nos reunimos con el y le dimos mas o menos las ideas que teníamos en la cabeza. En seguida conectamos y plasmo muy bien nuestra idea currándose ese diseño que nos encanta.

Rockliquias.- Temas  con sonido hard setentero mezclado con tintes stoner y cantados en español.

Ya hemos comentado antes que las influencias son variopintas, pero en cuanto a lo musical esa era mas o menos la dirección que queríamos tomar, luego lo de cantar en español Dani lo tenia muy claro, las letras son una parte importante y a parte de por el hecho de que se entiendan era mucho mas sencillo en español, porque tienen juegos de palabras, dobles sentidos y cosas que un idioma que no es el propio era mas complicado de desarrollar.


Rockliquias.- ¿Cómo van los conciertos y la presentación del disco?
Pues de momento llevamos 3, la presentación del disco en la que se hizo sold out, el aniversario de noche de rock, que es un programa de radio de aquí que acaba de cumplir 22 añitos y en el festival de la ley del plomo, ahora hay que ver que va saliendo, estamos muy contentos y con ganas de seguir al pie del cañón.


Rockliquias.- Qué opináis del panorama musical en vuestra zona ? ¿Surgen bandas nuevas?

Hay muy buenas bandas y surgen bastantes de muchos estilos, hay chavales que tocan genial, este año esta viniendo muy bien en cuanto a discos Voltaje Cadaver y Wet Catus han sacado dos discazos y Soulbane sacara dentro de poco el suyo que tiene muy buena pinta, en otros estilos Mehnai ha sacado tb un disco cojonudo y otros muchos que seguro que me dejo. En cuanto a sitios donde tocar ahora mismo hay unas cuantas salas con buen equipo y condiciones, hemos estado mucho peor jejeje.

Rockliquias.- ¿Qué le diríais a nuestros lectores para que se descargasen el CD y fueran a vuestros conciertos?
Que si no lo hacen los matamos.


El último trabajo de Granada Gobling nos presenta a una banda mucho más madura y con una notable evolución en su sonido. Su primer tema, "Elige tu propia aventura" va directamente al hígado, excelentes riffs de guitarras  que nos levantaran de nuestro letargo. No bajan la guardia y su segundo latigazo llega con "Barba de abeja, ritmos hard con gran fuerza vocal y en español. El tema que da título al disco,"Ciencia Ficción", roza incluso la línea hard- heavy con un riff que a buen seguro hubieran utilizado los Judas para si mismos. "Nahual" y "Genocidio por amor" siguen la misma línea con una fuerza inusitada. Un pequeño remanso de paz llega con la cálida y angelical voz de Lala Lau  y continua con uno de mis temas favoritos, "Granada Goblin".  La fiera se ha calmado y nos cuenta la historia de "Joe el taxidermista". Pero no te fíes. poco a poco vuelven los frenéticos riffs. "Sacrificio" y "El Zar de la basura" son buena prueba de ello. Con Granada Goblin es imposible quedarse inmóvil.
J.C. Miñana 







P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70


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Stevie Ray Vaughan - Goin' To San Antone 1978

June 24, 2018, 12:00 am
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Stevie Ray Vaughan es uno de mis guitarristas favoritos. Su trágica y prematura muerte nos privó de una discografía más extensa. Afortunadamente existen numerosos bootlegs con un gran sonido  y con los que podemos disfrutar de este guitarrista tejano.


En 1978 Stevie no era un guitarrista muy conocido, formaba parte de Triple Threat Revue junto a la cantante Lou Ann Barton,  W. C. Clark (bajo) y Fredde Pharaoh (batería). En Mayo Vaughan reforma la banda transformándola en la Double Trouble con Jackie Newhouse (bajo) y  Chris Layton (batería). No sería hasta 1980 cuando llegaría Tommy Shannon (bajo) conformando la banda que todos conocemos.


La grabación nos muestra uno de los primeros conciertos de Stevie Ray Vaughan & Double Trouble celebrado el 30 de Agosto de 1978.  Junto a Vaughan (guitarra, voz), Jackie Newhouse (bajo) y  Chris Layton (batería), tenemos a Lou Ann Barton (voz) a partir del octavo tema. También está presente el saxofonista Johnny Reno. En cuanto a la música encontramos a un joven guitarrista (24 años) que todavía está definiendo su sonido pero a pesar de ello demuestra una gran maestría moviéndose en todo momento por los caminos del blues. El "setlist" está compuesto por algunos de los temas que posteriormente le llevarían a la fama: "Texas Flood", "I'm Crying" y "Tell Me" de su primer disco "Texas Flood" (1983). Sonido aceptable - bueno.
J.C. Miñana



Temas
01 - Instrumental [00:00]
02 - Howling For My Darling [05:42]
03 - Texas Flood [10:27]
04 - All Your Love I Miss Loving [16:41]
05 - I'm Crying [22:29]
06 - Shake For Me [25:52]
07 - Tell Me [30:01]
08 - You Can Have My Husband [33:43]
09 - Shake A Hand [39:47]
10 - Kansas City [44:17]
11 - Hip Hip Baby [47:48]
12 - Sugar Coated Love [53:22]
13 - Oh Yeah [57:23]
14 - Through The Night [59:55]
15 - Instrumental [01:04:53]




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GALEN - Limacon (1979 / GALEN)

June 25, 2018, 12:07 am
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Desde nuestro humilde feudo Rockliquiano, quiero felicitar y felicito, además de recomendar efusivamente, el canal youtube Prog Line. Ese tío juega en otra liga , (él sólo?), en cuanto a colgar maravillas escondidas del progresivo mundial en todas sus vertientes. Su última entrada ha sido éste cassette-album del sintetista "juanpalomo" USA, Galen Herod. 


Éste músico tuvo un fértil período cassettero entre el 79 - 82. Distribuía él mismo sus voladas, vía la distribuidora Eurock, por el área de Phoenix y Arizona. Un loco, vamos. Porque ya me dirán ustedes a quién le podían importar las fantasías krauties de éste hombre. A no ser que fueras un chamán hasta el ojete de peyote, en el desierto lagartijero ése.  El bueno de Galen, con su estudio casero,  predicaba en el desierto con sus osciladores de onda, filtros, secuenciadores y demás trastos construidos por su amigo Gary Dukavich. Así se fue creando una cassecoteca muy particular : "Xom", "Gulag" y "Limacon" en 1979. "Patterns for the Outside Surface of a Cube", "The Trouble With Bill", "Meditationes Algebraicae" y "Life on this Earth", entre el 80 - 82. Por esas fechas se une a Greg Horn y forman el "exitoso" dúo minimal-synthpop, Tone Set.  Lo de las cassette-albums era un formato muy extendido en aquellos finales 70. Sin ir más lejos, nuestro querido Alberto Torro también se dedicó a ello por entonces, vendiendo sus obras en la tienda de discos más famosa de Zaragoza. Ahora anda en plena resurrección digital de alguna de éstas cintas,  con vistas a la eternidad.

"Limacon" recrea ésos días a las mil maravillas. Sus 15 mts iniciales hacen clara referencia a otro maestro cassettero, como era Conrad Schnitzler. Hasta los grandes se apuntaron a ésta alternativa, cuando los sellos comenzaron a apretar tuercas exigiendo comercialidad. Tanto para los ya veteranos del género,  como para los principiantes, era una vía de escape perfecta para dar a conocer sus inquietudes sin adulterar en lo más mínimo su mensaje.  La hipnótica secuencial, con derivaciones melódicas subliminales, es el plan de ataque de éste claro exponente Berlín School - made in USA.

"Limacon 2" (5'10) es oscuridad en un vacío cósmico donde todo es el UNO. Incluidos esos seres tan pretenciosos y tan poca cosa llamados humanos. Edgar Froese en valium y recién comido. Y buenas dotes en la improvisación de síntesis. 


Volvemos la cinta y "Two Years" (9'54) sigue arrastrandonos a un Vórtice de sonido Tangerine Dream mid-70s. Soledad existencial como cobijo ante la deshumanización del planeta imbécil,  éste. Nada mejor que la fusión con el Universo, eso en el supuesto de que éste exista......que cada día es más dudoso. Vertiginoso ambient sci -fi de claras referencias alemanas. Déjate abducir por el agujero negro del inexplicable placer cibernético,  en su inhóspita acogida. Puro masoquismo espacial.
 "Three Trails" (6'49) acerca planteamientos nano-melódicos con Moebius/Roedelius, en un agradable e ingenioso entramado sintético muy bien construido.

Finalmente, "(  )" (7'13), puede que no lleve título porque haya intentado captar con ondas senoidales, la descripción del vacío. De la nada cósmica. Bendita sensación de eterna paz. Una utopía musical que, por imposible, se lleva todos mis afectos. Alejado de Berlín, y más cercano a Eno / Fripp, es un bonito final para ésta electrónica cinta magnética. Que ha sido pasada a vinilo en el 2015 en el triple "Tape Recordings 1979 - 1980" por Juno Records, edición limitada y numerada. Si no tienes bastante, intenta la box-set "Modular Electronics 1979 - 1982 / American Cassette Culture", en edición de 300 copias. Un valiente explorador, éste Galen Herod, que hizo todo lo que estuvo en su mano para dar a conocer su estimable talento como sintetista. Muy interesante.
J.J. IGLESIAS



Temas
1. Limacon 1 (0:00)
2. Limacon 2 (15:19)
3. Two Years (20:30)
4. Three Trails (30:23)
5. ( ) (37:14)




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Barry Goldberg ‎– Two Jews Blues 1969

June 26, 2018, 12:06 am
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El nombre de Barry Goldberg puede que resulte desconocido para algunos de vosotros pero si os digo que cuando todavía era un joven teclista ya se codeaba con  Muddy Waters, Otis Rush y Howlin' Wolf. ¿Os parece poco? pues sigamos...


Goldberg acompañó a un electrificado Bob Dylan en su actuación en el Festival de Newport en 1965. Dos años más tarde formaría The Electric Flag junto a Mike Bloomfield. Estuvo presente en la grabación del "Super Session" junto a  Michael Bloomfield, Stephen Stills y Al Kooper. Sus canciones han sido grabadas por ilustres como  Rod Stewart, Joe Cocker, Steve Miller entre otros. Durante todos estos años ha seguido activo en numerosos proyectos junto a  Nick Gravenites, Harvey Mandel, Corky Siegel, Stephen Stills,  Kenny Wayne Shepherd y una lista interminable. 


"Two Jews Blues" nos presenta una de las primeras grabaciones de la discografía de Barry Goldberg. El disco está lleno de un buen número de colaboradores. En el apartado guitarrero tenemos a  Mike Bloomfield (aparece en los créditos como "Great") participando en seis temas. A lo largo de su carrera Goldberg y Bloomfield colaboraron en diversos proyectos. Otro de los guitarristas ilustres que interviene es el genial Harvey Mandel  en "A Lighter Blue" y "Spirit Of Trane". El tercer guitarrista es Eddie Hinton (Otis Redding, Arthur Conley, Aretha Franklin, Johnnie Taylor, Wilson Pickett, Joe Tex, Solomon Burke, Johnny Jenkins, Boz Scaggs, etc) en el tema que abre el disco, "You're Still My Baby". Por último la intervención estelar de Duane Allman en "Twice a man" y su sutil "slide guitar". El resto de colaboradores son: Eddie Hoh (batería), Charles Musselwhite (armónica), David Hood (bajo), Don MacCallister (bajo) y la Soulville Horns. En cuanto a la música fundamentalmente blues aunque también encontramos algo de rock, soul e incluso jazz en el tema que cierra el disco, "Spirit Of Trane".
J.C. Miñana




Temas
1 You're Still My Baby 3:31
2 That's Alright Mama 2:47
3 Maxwell Street Shuffle 2:35
4 Blues For Barry And (Dedicated To Big John's) 10:15
5 Jimi The Fox (Dedicated To Jimi Hendrix) 3:27
6 A Lighter Blue 2:45
7 On The Road Again 2:00
8 Twice A Man 4:25
9 Spirit Of Trane 4:00




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BELLA BAND - Bella Band (1978 / CRAMPS)

June 26, 2018, 11:56 pm
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Hace pocos días nos dejaba una leyenda de la batería y del progresivo en particular, Jon Hiseman. Sus trabajos con John Mayall, Colosseum o Tempest (ante todo), son parte indispensable de éste género en su búsqueda de combinar elementos jazz, rock y blues. Colosseum, su banda, fue factor decisivo en la influencia que ejerció en muchas formaciones de todo el mundo. Sirva como homenaje uno de aquellos combos. Los muy poco conocidos, Bella Band, fue una tardana banda de Florencia liderada, oh "casualidad", por su batería,  Mauro Sarti (que venía de los magníficos Campo Di Marte). Consiguen fichar por el histórico sello Cramps y editan en el 78 su único album homónimo. El resto eran Roberto Buoni (saxo, flauta y clarinete), Luigi Florentini  (guitarra), Tonino Camiscioni (bajo) y Ricardo Cioni (teclados).


El enorme legado progresivo italiano también se vio enriquecido de buen jazz rock prog, como mandaban los canones de la contracultura centroeuropea.  Área,  Perigeo,  Nova, Etna, Dedalus, Esagono , Arti + Mestieri o Picchio dal Pozzo fueron algunas de las más sonadas agrupaciones de éste género, (no las únicas! ). Tendremos que sumarle a Bella Band, ya que su único y raro álbum es una preciada gema totalmente inmersa en esos sonidos. Cuatro largos temas instrumentales  lo componen. 


"Faidadiesis" (6'45) abre la audición con la energía habitual de una obra de Colosseum. El saxo de Roberto Buoni recuerda en su intro al inolvidable Dick-Heckstall Smith  (también ya fallecido).Y acto seguido la tromba instrumental nos lanza la melena hacia atrás,  (eso el que tenga, el que no que se ponga una fregona y verá ). El bajo de Comiscioni es impresionante, un ciclón durante toda la sesión.  Al igual que el resto, sobresaliendo ahora una flamigera guitarra que levanta lo que haga falta.....ahora cualquier otro miembro de Bella Band. La respuesta de los teclados no se hace esperar, en un acalorado diálogo muy parecido a los de Peter Bardens o David Sinclair. Espectacular entrada, muchachos.


"Promenade" (10'45) entra de lleno en el Canterbury sound, concretamente al Soft Machine style, aunque, sorprendanse, podría estar en el rrollo del roc laieta catalán. El primero de la Dharma y Música Urbana serían buenos paralelismos. El Rhodes juega en alegres círculos alrededor del sonido total. La batería entra en complicados ritmos a seguir con atención, comparable a Furio Chirico (otro batería líder en Arte + Mestieri) o incluso a Bill Bruford. Un auténtico alboroto rítmico de buen gusto, que desemboca en un pacifico remanso de piano eléctrico -flauta-saxo de Colosseum recuerdo. Hasta que progresivamente,  retoman el pulso activo de la pieza. Sensacional, lo mires por donde lo mires.


Vuelta al vinilo, y "Porotopostrippa Sul  Pero" (8'50) es otro despliegue instrumental de inspiración desbordante. Teclados con iniciativa, seguidos de saxo-guitarra en onda IF / Isotope con los mismos niveles de radiación. La altura armónica es estratosferica,  y ponen en serios aprietos a sus colegas Perigeo. Eso es mucho. Qué músicos,  mon dieu! La batalla instrumental entre bajo y guitarra es digna de Hugh Hopper y Phil Miller. Arrasando filas de Orcos en segundos.

 Finaliza éste corto disco de 32 mts (lo normal de la época), con "Cipresso Violento" (5'20), con oníricos lamentos otoñales a la Keith Tippett Group, Soft Machine, In Cahoots o Pip Pyle's Bash! No por ser la pieza menos extensa tiene menos enjundia. Jazz prog con aroma canterburyano y sabor a Colosseum, entre muchas esencias a saborear con tranquilidad.
Realmente,  qué Bella Banda !
J.J. IGLESIAS



Temas
1 Faidadiesis 6:45
2 Promenade 10:45
3 Porotopostrippa Sul Pero 8:50
4 Cipresso Violento 5:20




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CAN - Soundtracks (1970)

June 28, 2018, 12:01 am
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Con muy poca diferencia de tiempo y muy poco habitual en una banda de “rock”, CAN es requerido para “musicalizar” bandas sonoras de películas “experimentales” o de “arte y ensayo” como se decía en mis tiempos.  


Teniendo en cuenta que los propios Pink Floyd, también se iniciaron en estas disciplinas relativamente temprano, a este respecto recordemos “More” o “Zabriskie Point”, no sorprende que sonidos tan especiales atrajeran la atención de aquellos directores de films “extraños”. La músicas bizarras, son especialmente atractivas para autores “outsider” o raritos para entendernos. En 1970 todo arte raro era inclasificable. Hoy nos ponemos a etiquetar todo con el fin de dar un sentido. Los que vivimos aquellas épocas revolucionarias que afectaban a todos los movimientos artísticos por igual, no éramos tan determinantes en la hora de las calificaciones. La enciclopedia histórica se ha encargado de ello y ha facilitado, con mayor o menor acierto, el cocktail surrealista que bombardeó nuestras mentes adolescentes y curiosas. Tened en cuenta que las “familias” musicales que hoy admitimos como progresivas y todos sus movimientos asociados, no existían como tal. Un músico en 1970, no etiquetaba su música. Los que se iniciaron en el “rock sinfónico” por ejemplo, el Canterbury, la fusión, lo espacial y hasta el krautrock, nunca denominaron su música de tal manera. Fueron los críticos y los “snobs” de siempre los que inventaron las etiquetas. CAN, en palabras de Holger Czukay realizaba “composición instantánea”, no creo que en su pensamiento existiese la palabra “Kraut” como podéis suponer. Cuando yo le pregunté a Pyp Pyle (National Health era) en 1979 si eran la última banda de “Canterbury”, me miró extrañado diciendo que eso era una zona al este de Inglaterra…(¿?) bueno igual se quedó conmigo, muy británico por otra parte. Cuando a Tony Banks de Genesis le dijeron en España en 1975 que hacían “rock sinfónico” le hizo mucha gracia y no comprendía el término. Os puede sorprender esto a los más jóvenes. Ni siquiera los primeros músicos de jazz llamaban jazz a aquella música “novedosa”…curioso verdad?. Esta es la realidad. Hoy día si alguien monta un grupo nuevo ya está definido de antemano. Hacemos “este o aquel estilo” a no ser que tu mismo te lo inventes.

 En “Soundtracks” CAN grabó música para películas que no llegaron ni a estrenarse y si así fue yo lo desconozco. En un momento dado los músicos alemanes vieron a un joven chaval japonés cantando en la calle. Lo de “cantar” era un decir. Damo Kenji Suzuki era un tipo raro que abandonó su país y se perdió por Europa en busca de la utopía “hippy”. En 1970 CAN tenía a un cantante negro y a otro japonés. Ninguno de los dos dio una nota musical en su sitio. No tenían ni puta idea. Esto es fascinante. El segundo LP del grupo se grabó con los dos. De las siete piezas Damo canta en todas salvo en dos que son de Mooney. El afroamericano estaba completamente zumbao y terminó con problemas mentales. Damo cogió el micrófono. Poca voz pero chillona y aguda. Perfecto para CAN. Tu gruñe y nosotros improvisamos lo imprevisible.  La música de CAN no se ajusta a estilos y no es “rock” por mucha bronca que organicen. Hasta un tango o lo más decadente que puedas imaginarte tiene cabida en lo que hacen. Pero hablando en términos actuales gastronómicos todo está “deconstruído” como una tortilla de vanguardia. La esencia se pulveriza. A veces parece una broma y hasta te ríes, pero no sé qué narices hacen que acabas atrapado por un sonido de lo más cabrón y adictivo que puedas imaginarte. 

La guitarra de Karoli inaugura “Deadlock” y ninguna nota parece estar en su sitio. Es la música que más se parece a un sarpullido o a un ezcema. Pica que te rascas. “Tango Whiskyman” es Liebezeit y su toque de caja y timbal que me lleva por la calle de la amargura. Nada parece tener sentido salvo que te fumes un porro, comas un taco con chile habanero y te bebas media botella de mezcal. Dios te asista en tal caso. Esa “dejadez” extraña con una música que quiere molestar más que agradar. “Soul Desert” es una pieza cantada-destrozada por Malcolm Mooney. Has pisado una culebra y te ha picado. Te retuerces, hace calor…mucho. Te rascas y vuelves a rascar…pica de la hostia. No hay agua solo tequila o güisky. Lo tienes jodido. 


La pieza clave de este disco es “Mother Sky” y sus 14 minutos de salvajismo CAN. Para escuchar en condiciones esta salvajada ponte en pelotas, embadúrnate con barro o caca como hacían los antiguos celtas para acojonar a los romanos, hazle un calvo a tu jefe de empresa y jura y grita maldiciones, pero no vuelvas a trabajar al día siguiente porque habrán llamado al psiquiátrico o a la ley y el orden. La batería en vena de Liebezeit destroza tus neuronas, saca tu yo ancestral y primitivo y eres el animal más feliz del mundo que goza como una bestia salvaje.
Alberto Torró





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MUSEO ROSENBACH - Zarathustra (1973)

June 29, 2018, 12:27 am
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Inspirados en parte por los nombres atípicos de las bandas italianas del momento. Que si panaderías, bancos etc, este quinteto optó por ser un museo. Todos competían por ser lo más ocurrentes posible y en hacer la música lo más dispar posible. 


Originarios de Liguria se forman en 1971 y como la mayoría de bandas de la época absorben las influencias externas de las músicas del momento tanto progresivas como de hard rock. Como muchos otros comenzaron haciendo covers que iban de Hendrix y Deep purple hasta Jethro Tull (supongo que sin flauta). También las lecturas de filósofos nihilistas estaban muy de moda por entonces.

 La obra de Nietzsche “Así Hablo Zaratustra” fue el tema elegido para este disco “solitario” de 1973. Lo que más sobresale de este disco es el uso muy marcado del mellotrón y el órgano, así como el piano y algo de moog. En general el ambiente oscuro de esta suite de 20 mtos lo ocupa todo y está más cerca de lo pesado que de lo lírico. Parecen más una especie de Van Der Graaf Generator a la italiana. Los cambios son constantes y el trabajo de los dos teclistas del grupo se hace notar profusamente. De las cinco partes de Zaratustra la cuarta “Superuomo” es la más lograda y los amantes de las teclas analógicas la disfrutarán bastante. El final es muy crimsoniano a lo “Wake In Poseidon”, pero claro sin la fuerza lírica de Fripp y Lake. 

En la cara B del vinilo tenemos tres piezas en una onda similar: la primera es densa e infernal y aquí la guitarra solista a diferencia del otro lado del disco tiene su protagonismo. El vocalista canta con la típica voz “rasposa” italiana. Bastante áspero para mi gusto. A decir verdad, tampoco pegaría aquí una voz hermosa por el estilo de sinfónico agresivo y algo siniestro a veces. “Della Natura” parece un híbrido entre unos primeros Genesis, King Crimson y ELP y el efecto está bastante logrado. Destacar en ellos los constantes cambios de tempo y pasajes interesantes con piano eléctrico y diferentes ambientes en las voces. Los teclados son lo más interesante de este grupo. La última pieza despliega el resto del arsenal vigoroso del que hacen gala. He elegido este disco más por su fama legendaria dentro del RPI y por sus críticas favorables unánimes, que por su valor real. Pienso que es un trabajo que está valorado en exceso. Pero esto es una opinión personal ya que un porcentaje alto de coleccionistas y amantes del progresivo italiano lo tienen en un pedestal. Vosotros decidís. 


El hecho de que muchas bandas italianas del primer quinquenio setentero desapareciesen con escasas grabaciones, ayuda a la leyenda y no da pie para poder comparar entre otros discos si los hubiese. Decir que la portada, bastante horrible por cierto de este disco, fue censurada en algunos sitios por aparecer una imagen del duce Benito Mussolini. Grabaron algún disco más con diferentes formaciones en el 2000 “Exit” y en 2013 “Barbarica” pero eso es otra historia.
Alberto Torró


Temas
01) Zarathustra
    a) L'ultimo uomo (0:00)
    b) Il Re di ieri (3:51)
    c) Al di là del bene e del male (8:39)
    d) Superuomo (11:20)
    e) Il tempio delle clessidre (17:52)

2) Degli uomini (20:46)

3) Della natura (24:51)

4) Dell'eterno ritorno (33:20)




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SATURNA - Lost in Space (2017 / WORLD IN SOUND) (Rockliquias Bandas)

June 30, 2018, 12:27 am
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Que vayas a ver a un grupo tan tremendo como los madrileños KrazarK (ver anteriores RB), y de rebote te enteres en el mismo concierto de la existencia de Saturna, es un rotundo pleno al 15. Boquiabierto me quedé con la soltura instrumental y lo bien que se desenvuelven los barceloneses. En temazos que percibes clásicos a la primera oída.  Y suscribiendolo todo, una extraordinaria voz solista que te hace pensar en combos históricos favoritos personales.


Saturna se formó en Barcelona en el 2010. En Enero de 2013 ponen en circulación "The Kingdom of Spirit" (o "Saturna"), alborotando todo el circuito underground. Ese mismo año pero a finales, lanzan "Ignis". Que los refuerza en sus planteamientos con excelentes críticas en medios especializados. Puede que estén inmersos en la onda Stoner, pero claramente son de la facción Old School. Hard blues pesado con deudas a Mountain, Pentagram, Jerusalem o, cómo  no, Black Sabbath.

Ellos son Enric (batería), Rod (bajo), Óscar (guitarra) y Jimi (guitarra y cósmica voz). Su tercer disco sale en 2016 como "III", pero al parecer,  en éste tiempo han sido fichados por los alemanes World in Sound en 2017. Retitulandolo "Lost in Space". Que es la copia vinilica, (lujuriosamente presentada), que compré  yo. Destacando sobremanera el artwork / portada hecha por el artista Jalón de Aquiles.



En el momento que cae la aguja sobre la placa sabes que estas ante un mastodontico ejercicio Hard de la vieja escuela. "Tired to Flight"(3'03) me recuerda poderosamente, ( todavía más en directo), a Winterhawk, incluso a Humble Pie puedes meter en la fórmula. El elemento blues como condimento alquimico es mezclado con estruendoso y adictivo Hard psych. 

"All Has Been Great"(5'32) y su pesado deambular melódico de siniestra ambientación me trae a otros en los que pensé mientras los estaba viendo, la banda de Chicago, Trouble. Absolutos Reyes del Doom con un histórico maestro de ceremonias como era (ya no está con ellos), Eric Wagner. Este tema podría estar en "The Skull" con todas las de la ley. Y ése álbum hizo historia en el género.

 De la misma guisa se las gastan en "Birds in Cages" (4'19), ritmo de cemento (o cementerio?), guitarras que estrangulan y la dominante voz de Jimi, que aquí se acerca más a unos Danzig. Los desarrollos son apocalípticos,  llenos de efectos psico que te harán alcanzar la omniscencia absoluta. Nada que envidiar a Candlemass, Saint Vitus, Pentagram o Kadavar, en "Five Fools"(4'26), y su abracadabrante transcurso por las marismas de la Muerte. "Routine"(3'48) parece un sobrante del "Mob Rules" en su comienzo, aunque en su desarrollo entra más en territorio del "Sabotage", lo que no es poco.

La vuelta al disco nos trae "Leave It All" (6'03), una de mis favoritas por el astuto empleo de la melodía vocal, que a Ozzy estoy seguro le encantaría. Las guitarras se emplean a fondo en un perezoso bostezo cuasi-Southern / West Coast , mientras se advierte un órgano de fondo que enamora, (sorry, el vinilo no lleva créditos). Una maravilla de pieza casi en la línea de los más duros James Gang.

"Unsolved" (4'33) combina acústicas con trallazos de furia eléctrica descomunal, haciendo un lazo ADN entre los 70 y los 90, en un híbrido que funciona a la perfección. 

Un aire al "Man on the Silver Mountain" se respira en "Disease", que Saturna se encarga de "stonizar" con solvencia  y  giros, de nuevo, muy Trouble.

Finalizamos con una tonada casi hippie (Black Crowes?...)
en " A Place for Our Soul" (5'19), deliciosamente retro y por descontado de magia instantánea,  en su deambular pseudo - baladistico. 

Saturna se apuntan un tanto decisivo para la imaginaria clasificación Hard Rock del país. Un disco con muchas escuchas por delante que nos deja con ganas de nuevo material. De momento, puedes escuchar el tema " Black Purple" que han colgado en bandcamp, para ir haciendo boca. "Lost in Time" es salvajemente convincente, y una pequeña joya de nuestro tiempo. Pero un directo será su baza definitiva. En ése campo son imbatibles.
J.J. IGLESIAS 





Temas
0:00 - Tired to Fight
3:01 - All has been Great
8:31 - Birds in Cages
12:45 - Five Fools
17:07 - Routine
20:55 - Leave it All
26:56 - Unsolved
31:29 - Disease
36:33 - A place for our Soul





P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70


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CREAM - Grande Ballroom, Detroit, 1967

July 1, 2018, 12:37 am
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El otro día estuve viendo un documental sobre la carrera de Eric Clapton, "Eric Clapton. El patrón del blues". Se centraban en las producciones de los 60 y 70 con The Yardbirds, Jonh Mayall, Cream, Blind Faith y Derek and the Dominos. La época dorada de "Slowhand". Por todo ello me ha parecido conveniente recordar a la audiencia presente y ausente que Clapton is God.


En 1967 Cream estaban intentando introducirse en el mercado americano. Realizan una primera gira en Marzo que no obtiene el éxito deseado. En mayo comienzan a grabar su segundo disco, "Disraeli Gears", en Nueva York, producido por Felix Pappalardi. En Agosto comienzan a realizar conciertos como cabeza de cartel y el público americano enloquece con su música.


La grabación pertenece al concierto de Cream celebrado en Grande Ballroom, Detroit, el 15 de Octubre de 1967.  El "setlist" está compuesto por largas improvisaciones de temas de sus dos primeros discos, "Fresh Cream" (1966) y "Disraeli Gears (1967)".  Como prueba de ello tenemos "N.S.U." (16:16), "Sweet Wine" (14:06), "Spoonful" (20:59), "Toad"( (17:10) o "I'm so glad"(10:45).  Clapton está en su mejor momento, todo lo que sale de sus dedos es una obra de arte. En una entrevista Eric comentó que siempre estuvo buscando al grupo ideal en donde todos sus miembros fueran realmente excepcionales. Creo sinceramente que ese grupo eran los Cream del 67. Gran sonido.
J.C. Miñana



Temas
1. Tales of Brave Ulysses* 
  2. N. S. U.*  - (4:21)
  3. Sitting On the Top of the World - (20:36)
  4. Sweet Wine* - (25:05)
  5. Rollin'& Tumblin' - (39:10)
  6. Spoonful* - (46:41)
  7. Steppin' Out* - (1:07:39)
  8. Traintime - (1:19:05)
  9. Toad* - (1:26:32)
10. I'm So Glad!* - (1:43:42)




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GEOFFREY DOWNES & THE NEW DANCE ORCHESTRA - The Light Program (1987 / GEFFEN)

July 1, 2018, 11:55 pm
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En 1987, el otro teclista rubio de Yes, Geoff Downes, (Buggles, Asia, Icon), tenía sorprendentemente tiempo libre para editar éste su primer álbum en solitario. Se agregó lo de "The New Dance Orchestra" no sé para qué,  porque ése nombre sólo podía ahuyentar a los feligreses. Los que nos atrevimos, descubrimos un asombroso y novedoso doble álbum. Todo temas largos, (subdivididos en partes tituladas), de imaginación y recursos mentales, -los materiales ya le sobraban -, desbordantes.


La primera cara constaba de la "Symphonie Electronique" (14'34). Grandiosidad de síntesis con el arsenal de la época  ( Synclavier + Fairlight incluidos ), samplers (que mal dieron con el nuevo invento), y teclados de todo pelaje. TODO está tocado por Downes, y efectivamente,  esto parece una orquesta electrónica con dos pares. Las percusiones resultan naturales aunque no lo sean, gracias al sampleado. Y la línea melódica de la pieza es, sencillamente,  extraordinaria. Evidentes recuerdos para Larry Fast / Synergy o Jean-Michel Jarre, pero Downess se las arregla para crear su propio mundo. A veces la vena sinfonica se acerca a Mike Oldfield o sus alrededores, ( Tom Newman , David Bedford)....esto tiene una sería enjundia a considerar.

Cara B y "Oceanía" (16'34), algo más space, con primeros momentos casi Kitaro / Vangelis, para pasar a un moderno electro-prog 80s inevitable, pero respetando las normas tradicionales del género. El contínuo encadenamiento de ideas resulta estresante. Demasiada información a procesar. Y eso me encanta. Por momentos parece Pierre Moerlen's Gong él solito. Aquí se ve cuando un músico está en estado de gracia. Y Downes en el estudio, ( el Townhouse Four), está en su hábitat natural, produciendo y tocando botoncicos.

Para la cara C inserta dos largos temas. "Ethnic Dances" (11'32), equiparable al Oldfield ochentero más centrado, (tú ya sabes cual), en donde abruma la genial simpleza melódica,  orquestada con lo mejor en electrónica de aquel momento. Puede que por su orientación étnica, ( dos de las partes se titulan "Bouree" y "Jethro", pero no), sea la pieza más oldfieldesca, superando a éste por entonces.  "East West" (14'34) nos da la oportunidad de oír a Downes desenvolverse más que bien con el Grand Piano, que utiliza con verdadero gusto a lo largo de todo el álbum. Es otra de esas piezas que se nota le han salido solas. Bien entrada en pistas y detalles mil, con picardía y su fino olfato eligiendo sonidos (increíble verdad? En plenos 80!) Pasa perfectamente por un grupo japo instrumental .Hasta gusta de insertar algún pasaje oriental de sabor Vangelis, verdaderamente hermoso.

Finalizamos la cara D con "Urbanology" (14'00), ahora de orientación Funk, por aquello de hacer una descriptiva urbana acorde a los 80. Así que existe un paralelismo con Ash Ra o Manuel Gottsching evidente.......material incandescente para "sampleadores de tumbas" sin escrúpulos. 


"The Light Program" es sin duda, un disco extraordinario. Con una magia intrínseca que no lo hace para nada pasado de moda, a pesar de llevar una producción made in 80s. Y con un catálogo de sonidos que es el follaje electrónico de aquella era. Un misterio más grande que el de Belmez.

Respuesta al enigma :  Música viva, llena de alma, chispa creativa y sensacional derroche instrumental. 
Una pequeña obra maestra.
J.J. IGLESIAS





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