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IQ - The Seventh House (2000)

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Bien, pues fieles a su costumbre de no sacar discos a voleo y no tener presiones de ninguna compañía, ya que con su sello “Giant Electric Pea” ellos se lo guisan y se lo comen, se meten de nuevo en el estudio en los albores del nuevo siglo que nos ocupa. Con una determinación de hacer siempre un buen disco es siempre preferible esperar con ellos el momento preciso. Como ya comenté, cada disco de IQ es un acontecimiento que los amantes de este estilo tan estupendo de música, agradecemos infinitamente. Todo un privilegio ser un “prog lover” por lo de exclusivo y afortunado que supone, aunque dentro del estilo “estemos diferentes familias” no siempre bien avenidas es cierto, algo así como los “Hatfields y los McCoys” (ver western en Netflix).


“La séptima casa” puede enlazar perfectamente con “Ever”. Las composiciones de IQ mantienen un halo familiar con una personalidad perfectamente definida. Las melodías son claras y siempre adictivas. La cadencia rítmica, tan descriptiva, tan viajera, es inconfundible. Las progresiones de acordes tan bien puestas, tan efectivas, tan emocionales. En realidad, es una estructura clásica típicamente británica, tan alejada de otras culturas musicales como la norteamericana por ejemplo. Es tan radicalmente distinto el concepto, que resulta en una valoración cultural muy distinta. Escuchando a IQ ves completamente alejados otros subgéneros progresivos que al fin y al cabo pueden ser más convencionales. Nada de “rock” ni de “blues” ni de “jazz” ni de fusión. La base es clásica al 100% pero la melodía exquisita es el ingrediente principal. Genesis fueron el mismo concepto, pero estos tipos los han superado. IQ ensombrecen a Marilliones, Pendragones, Arenas y a la legión de imitadores que se fijaron en Génesis y en Camel. Este disco suena ya tan perfeccionista en su estilo que ningún neoprog advenedizo puede hacerles sombra. Hay una “potencia” sonora mayor en este disco. La grabación es tan perfecta que cada instrumento está perfectamente equilibrado. 

“The Wrong Side Of Weird” es el típico IQ de siempre. Su música parece una composición continua que se perpetua de un disco a otro de manera inconfundible y curiosamente sin repetirse, como si las estructuras y la melodía se subdividiesen en múltiples formas, en inagotables maneras de un mismo “todo”. Explicarlo con palabras no le hace verdadera justicia. 

Tras la densidad algo dramática de “Erosion” nos vamos al ultra-sinfonismo british por excelencia en ese complicado y variado tapiz sonoro que son los 14 mtos de “The Seventh House” desde el precioso comienzo cierras los ojos para imaginar lo que quieras. La melodía es fantástica, la voz de Nicholls tremenda, la estructura musical maravillosa y por adjetivos que no sea. Momentos de potencia y tensión van construyendo una montaña sinfónica hasta que la guitarra de Holmes se alza en las alturas y como Icaro intentas que no se quemen tus alas por aproximación al sol. Los cambios rítmicos se suceden en medidas siempre extrañas y contratiempos. Un estribillo melódico distinto se sucede a otro, mientras el piano recorre plácido y animado. Composición elaborada hasta el detalle donde la emoción no decae nunca. La conclusión final nos recuerda a aquel memorable “Afterglow” de Banks y el calor y lágrimas recorren tus venas. 

“Zero Hour” tiene un pulso de bajo memorable y adictivo. Nicholls vuelve al formato canción con una delicada guitarra clásica decorando los trasfondos. Aparece un saxo, algo poco habitual en este estilo de música, yo personalmente no lo emplearía para sinfonismos, aunque reconozco que no desmerece la pieza en sí. 

En la misma línea pondríamos a “Shooting Angels” que aun siendo una buena canción, es algo más anodina que el resto, quizá porque pasa más desapercibida y al lado de las otras, tira algo al pop lineal con saxo deluxe incluido. 


Para el final han dejado “Guiding Light” otra barbaridad sinfónica que como en el caso de las piezas de “Ever” estremece emocionalmente. Esta es una de las grandes de IQ. La que trasciende las épocas y los tiempos. Preciosa de principio a fin y con ese trasfondo de hermosa tristeza que impregna casi todas las grandes composiciones del grupo. La parte central eriza la piel y el largo solo de Holmes al lado de los barroquismos teclísticos, desbordan el jardín de las delicias prog para que te empaches a gusto. Abiertas las puertas del paraíso, las ciudades luminosas de bondad imaginarias y los valles eternos se rendirán a tus pies. Y vale ya, que me estoy poniendo moñas pero es que me encanta este disco.
Alberto Torró



Temas
1.The Wrong Side of Weird  00:00
2.Erosion  12:24
3.The Seventh House  18:07
4.Zero Hour  32:36
5.Shooting Angels  39:47
6.Guiding Light  47:08




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LE ORME- Il Fiume (1996)

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Permitidme un salto en el tiempo de 16 años, tiempo éste en el que tan solo grabaron 3 discos muy mediocres, a saber: “Piccola Rapsodia dell´ Ape” (1980), “Venerdi” (1982) y “Orme” (1990) Incluso se dice que incomprensiblemente participaron en el trasnochado Festival de San Remo, quintaesencia de la canción italiana retro más comercial y primo hermano del hortera deluxe repulsivo y politizado Festival de Eurovisión. De las tres bandas principales del RPI que llevamos, ninguna se salvó de hacer el ridículo popero y vulgar y de cambiar de look en los 80´s. Los tres intentaron colar el mensaje de “esos tiempos modernos” y justificarse ante lo injustificable. De la misma forma que con las orejas gachas y el rabo entre las piernas intentaron tímidamente al principio de los 90´s volver al redil después de haber gestado la “alta traición” a sus viejos fans. En el caso de Le Orme, estos al menos volvieron y grabaron nueva música tan buena o más como la de sus inicios setenteros.


 Absueltos pues de pecado regresan al estudio en 1996. Ya no está Tony Pagliuca a los teclados. Siguen Tagliapietra y Dei Rossi y se incorporan dos teclistas: Francesco Sartori y Michele Bon. Esta formación grabaría “Il Fiume” el primero de una serie de discos bastante buenos y agradables.

En este regreso el sonido ha cambiado sustancialmente. El armazón sonoro ya no es tan débil y ha ganado cuerpo. Estamos en otra época y si había cierta “debilidad” en el sonido antiguo, las nuevas tecnologías permiten más empaque y claridad. Tagliapietra sigue cantando con la delicadeza que le caracteriza y nuevamente vamos a encontrar sencillas y bellas melodías, pero con unos arreglos mucho más consistentes que antaño. Sea como fuere Le Orme siempre han sido una banda de fácil escucha, independientemente si un álbum era más prog que otro. Como iremos viendo en la segunda temporada dedicada al RPI con otras bandas italianas de la época, no serán los únicos que adopten esa característica del país mediterráneo por excelencia. En realidad, nos encontramos con un álbum-concepto en toda regla que debe escucharse como tal. Lo primero que nos viene a la mente es una música amable, delicada. Como siempre probablemente, pero encuentro incluso una elegancia más acentuada que antaño. La guitarra (sintetizada en este caso) es absolutamente determinante y mucho más activa que antaño. El añadido del sitar le da una magia especial al disco.


 “Madre Mia” es una melodía preciosa completamente italiana en el sentido más natural y poético del término que se quedará en tu cabeza de forma deliciosa. Como siempre todo es breve, preciso, pero engancha a la primera por su claridad y elegancia. No hay que tener prejuicios con lo sencillamente bonito. Las partes de sinte y piano son hermosas y no pretenden otra cosa como en “Prima Acqua”. Hay cosas más rock desenfadadas como “Chiesa d´asfalto” pero que tampoco desfiguran la línea de escucha y están bien ensambladas como la “Danza dell´aqua”. Todo es agradable: “Lungo il Fiume” con su bonito estribillo. “Dove l´acqua si ripossa” con sus ribetes clásicos de piano que desembocan en nuevas melodías y canciones: “Il Vechio” o la “Grande Acqua”. Todo huele a flores frescas, limpio, hermoso y sin malicias, con coros incluidos. “Il Fiume, parte seconda” cierra un disco brevísimo como siempre que pasa sin casi darte cuenta. Pero repito, es sencillamente bonito como el olor a flores y fresas, pero sin llegar a lo cursi, aunque a veces la línea sea muy fina y muchos lo confundan.
Alberto Torró











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GATOMOJADO - "La Moral del Perdedor" (2018) (Entrevista) (Rockliquias Bandas)

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Desde Madrid llegan Gatomojado una banda procedente de Vallecas integrada actualmente por Kike Orduña (Guitarra y voz ), Alberto Sánchez (Batería, percusión y coros) y Diego Marín (Bajo y coros).  En febrero de este año (2018) han editado su primer larga duración, "La Moral del Perdedor".


Rockliquias se puso en contacto con Kike Orduña para que nos diera algunos detalles del proyecto.


Rockliquias.- Nos puedes comentar de donde viene lo de GatoMojado y cómo se escribe (junto o separado)

El Gato Mojado surge por la búsqueda de un sonido distinto al de la banda en la que me encontraba, ``La diligencia de los vaqueros zombies´´. Nace como proyecto en solitario y el nombre de Gato Mojado sería mi propio nombre de Bluesman, como si yo mismo fuese uno de aquellos célebres bluesmen del sur de los Estados Unidos, y como soy de madrid y trato de hacer Blues sin tener un bagaje musical demasiado extenso, tan solo la pasión que me despierta el espíritu del mismo, pues lo hago a trompazos y con cierto desorden característicos de un Gato mojado. 
Cómo dijo el Bienve, el dueño del ``Blues Frontera´´ (Puente de Vallekas), un Gato Mojado es un japonés madrileño en crisis. Hasta la fecha no he escuchado una definición que describa mejor el nombre jajaj.
Antes lo escribía separado, ahora todo junto ya ves, tampoco influye en el resultado jeje. Puede que todo junto tenga un poco más de solidez quien sabe.

Rockliquias.- ¿Cómo fueron tus inicios y tu faceta de músico callejero ?

El comienzo del Gato fue emocionante y arriesgado, aun no deja de serlo para mi, coincidió que me hice con un equipillo sencillo para grabar maquetas con el cubase, y me puse a grabar canciones que no sabía muy bien donde iban a conducirme. Una guitarra acústica, una armónica amarrada al cuello y una panderetilla en el pinrel me acompañaban. Empecé a salir a la calle a tocar con mi amiga Rebeka (la perraseca) que toca el saxo. Buscábamos sacar dinero con ello así que tocábamos mis temas y algún que otro bolero friki, sospecho que esto último cuajaba más jajaj. A estas visitas callejeras se incorporaba el Verde con su violín, un poco más adelante ambos se unieron al proyecto musical del Blusman felino y algo torpe, el Gatomojado.


Rockliquias.- En 2015 llega tu primera grabación, "En el Nombre del Gato", tú con tu guitarra y poco más.  ¿Cómo fue esa primera experiencia en el estudio?

Pues fue la oportunidad de continuar seriamente con el proyecto, la prueba de fuego que me hizo ver que Gatomojado puede coger una forma guapa y cierto filin verbenero.
Yo me dedico a la ilustración y a las artes gráficas asique mi colega DJ Maos, que lleva el MMR Estudio, me ofreció grabarme unos temas a cambio de un trabajo de ilustración y diseño gráfico para uno de sus discos de Hip Hop. Ya me había metido en un estudio anteriormente a grabar voces cuando cantaba en la banda de Hardcore-Punk ``Spidikflotes´´ pero esto fue un tanto más extraño. Enfrentarme a la claqueta con la guitarra, con la voz y con la armónica con ritmos más lentos de lo que estaba acostumbrado a hacer fue como llevar una chincheta en el culo cuando estaba en la pecera aquella. Una puta tortura y creo que es por eso que aquella maqueta pierde un poco de frescura comparada con la fuerza del directo, donde las imperfecciones generan un ruido más auténtico y propio de la personalidad de gatomojado. En todo caso ``En el nombre del gato´´ fue una declaración de intenciones, oye aquí estoy y voy a hacerme oir aunque sea a gritos.
Decir tambien que en esa grabación conté con la colaboración de algunos amigos, Stiky Sánchez al saxo en ``Mi nombre´´, Mario Boville a la guitarra en ``Gatomojado´´, Verde y Harry a la guitarra eléctrica y al teclado en ``Karmela´´.

Rockliquias.- Luego se unen a la fiesta la Blues Farm Band...

Eso es, después de estar tocando en la calle un tiempo con Rebeka y Verde aparece el Alberto, un colega cantante de metal que me sugiere aprender a tocar la batería con nosotros. Así sin comerlo ni beberlo al gatomojado le salen amigos de debajo de las piedras… Aparece el Robertez (Motociclón) tocando la armónica, luego le coge el relevo el Manolo de los ``Meadow sinners´´ y finalmente con motivo de unos conciertos programados en el BlackBird Rock bar (Madrid) se incorpora Diego al bajo. Parece que Gatomojado cuenta con la Bluesfarm Band, y como aquello es un nombre demasiado largo decidimos seguir usando el nombre ``Gatomojado´´ el bluesman y sus compinches, de esta forma Gatomojado podría actuar en diversos formatos, en solitario, en dúo, power trío y banda completa.


Rockliquias.- Unos meses más tarde junto a la saxofonista Perra Seca, publicáis  tres temas. ¿Cómo fue esa colaboración?

Pues en realidad esta maqueta es anterior a la ``Bluesfarm band´´ digamos fue el elemento precursor. Esta maqueta tenia unos 12 temas pero finalmente solo publico 3, ``Síndrome de estocolmo´´, ``Negra flor´´ y ``Los pelos del gato´´. Alguna que otra canción fruto de las típicas tonterías que sufren los seres humanos con los desengaños y traiciones de sus semejantes con cierto humor y acidez.
Convencí a la Rebe para tocar juntos y ella me dijo, tio… si tu eres el Gato mojado yo soy la Perra Seca. Jajaja asi en plan antagonista 
Total que de esa gracia surgió la idea de ponerles nombres de animales a los integrantes de la banda, de esa forma, Verde (violin y guitarra) sería la rata limpia. Robertez (armónica) era el Reverendo Hormiguero. Manolo (armonica) fue el Oso blanco de Wisconsin, Alberto (Bateria) la Gamba Roja y Diego (Bajo) el Mapache Nihilista.

Rockliquias.-  A finales de 2017 llega vuestro homenaje a los chunguitos con la cover "ME QUEDO CONTIGO"

Un amiguete que estaba estudiando para técnico de sonido nos ofreció el estudio de su escuela para grabar un tema, como ya teníamos previsto grabar los 9 temas del disco ``la moral del perdedor´´ decidimos hacer un tema homenaje a una de las bandas más influyentes de los parques de todo Madrid, los chunguitos. Para ello tratamos de meterle un rollo ``Hoochie coochie man´´ a lo Muddy Waters versión gitano, toda una experiencia Jander Blues con la que el proyecto, ya con banda, empieza a funcionar en eléctrico con mayor soltura.


Rockliquias.- Por fin en febrero de 2018 llega vuestro primer álbum con nueve temas grabados en los estudios de Santiago Campillo en Murcia. Nos podéis contar como surgió está colaboración

Que os voy a decir que no sepáis de Santiago Campillo… un Monstruo, un figura de la guitarra y un apasionado de la música afroamericana con un gran respeto y soltura a la hora de trabajar sobre ella. Muchos le conocen como el fundador de M-Clan, y los aficionados a la banda suelen coincidir en que fueron sus primeros discos, los de campillo, los más rockeros e influyentes. Yo si te soy sincero nunca escuché M-Clan y no tenía ni puta idea de quién era este tal campillo hasta que le escuché tocar blues, tengo el orgullo de decir que yo conocí a Santi Campillo como Santi Campillo y no como parte de un grupo que a día de hoy cosecha éxitos sin él, eso me la resbala completamente… a veces en la música parece que no seas nadie sin un apellido potente, en este caso os puedo asegurar que es una tremenda patraña, escuchen al murciano y agárrense donde puedan.
Coincidí con Santi en una Master class que daba en Madrid, al terminar, entre risas y algún que otro canuto me acercó al barrio con el compadreo y el buen rollo de un amigo. Me comentó que estaba montando su estudio, Niculina Records, en su casa en Murcia. Así que cuando decidimos grabar no dudamos en llamarle.
Fue una experiencia brutal, nos ayudó con la producción y conseguimos un sonido bastante bueno para la edad que tenemos (entre risas, una de las frases que nos soltaba el Campillo) aparte colaboró con su guitarra slide en ``siempre se van los mejores´´ y con el pedal steel en ``largo tiempo´´ dandole al disco una calidez y una frescura cojonuda.
Gatomojado es una mezcla de Elmore James con Pastor Belga me decía jajaja, no podía tener más razón el tío. 


Rockliquias.- ¿Cómo ha evolucionado la banda hasta esta última producción?

La banda fue cambiando, Rebeca nos dejó para seguir su camino como intérprete de jazz antes de la grabación del disco, Manolo (armónica) grabó como músico colaborador igual que Violeta del Río (teclados) que quiso echarnos sus manos de pianista para enriquecer el disco.

A día de hoy la banda tiene su formación fija de guitarra, bajo y batería con la idea de ir contando con músicos eventuales, armónicas, sección de vientos, teclados, etc…

Rockliquias.- Blues en español, parece en principio una apuesta arriesgada que pocos afrontan.

Pues vuelvo al guiño de antes ``japonés madrileño en crisis´´. Hay quien dice que cantar Blues en un idioma que no es propio del estilo es como si un japonés se pusiera a cantar flamenco… oye y por qué no. Al final se trata de expresarte como a ti te sale, yo no sé inglés aunque a veces me gusta cantar las canciones que me encantan y están en inglés, pero bueno quien dice qué es o qué no es blues. ¿Quién dice que no me crea lo que canto, y que la gente que me escucha en los bares o en las calles no entienda mis letras? Al final pienso que para mí, para Gatomojado, cantar Blues en castellano es hacerlo más compadre y cercano a la gente del barrio. ¡Oye y si tocas fuera de España no te van a entender tío! Yo tampoco entiendo de primeras las canciones que no están en mi idioma y aún así me llegan al alma, y luego hago el esfuerzo de traducir la letra. ¡Coño, no hay tanto misterio! Canta con el corazón y al que no le parezca bien que escuche otras bandas, que las hay a puñados y muy buenas. Hace unos días coincidí con Alex Caporuscio en un bar, yo pedí una caña y él una copa de anís. Con la caña me ponen una tapilla de queso y él me dice, kike hay mucha gente que dice el blues es esto y no esto otro, que Gary Moore no mola y que Jimmy Hendrix no era guitarrista de blues y bla bla... tronco, (coge un trozo de queso y su copa de anís) ¿si te apetece mojar el puto queso en el anís que pasa? Es que acaso no puedes hacer lo que te apetezca? Pues eso es para mí la música, eso es para mí el blues. No quedarte con los supuestos ni con lo establecido, y construir tu propio lenguaje. 
A mí me pareció una buena reflexión (desde la barra de un bar, cómo no…)
Está claro que pretender sonar a Blues cantando en castellano es difícil, las palabras no tienen la misma sonoridad y es fácil acabar sonando a rock pop, pero aquí estamos intentándolo, con respeto hacia el género y hacia los músicos que se ganan la vida tocando Blues y con pasión por contar historias al personal.

Rockliquias.-Nos podéis comentar las colaboraciones con las que cuenta la grabación

La grabación cuenta con el teclado de Violeta del Río (La Caimana de Louisiana). Violeta andaba peleándose con los yankis para que la sellaran un visado y poder vivir y trabajar en Nueva Orleans como en otras temporadas había hecho. Ya que la cosa se hacía esperar se animó desinteresadamente a colaborar en nuestro disco. Una artista que se dedica profesionalmente a la música, que lo mismo toca clásico como que toca jazz, todo un lujo contar con ella y su experiencia con la música. Mira ayer mismo me contaba que, allí en Nueva Orleans, había estado tocando en JazzFest compartiendo cartel con Buddy Guy entre otros, te cagas… 
Tambien y como comentaba antes, el propio Campillo se marca sus fraseos con el slide y el pedal steel dándole un rollito Country Blues muy guapo.


Rockliquias.- ¿ Cómo va la promoción del disco?. Conciertos previstos.

Pues muy acorde con el título del mismo, ``la moral del perdedor´´ preparamos una gira nosotros mismos por la península tratando de pillar fines de semana y festivo para compatibilizar con nuestros curros. A una semana de comenzar se fueron cayendo fechas… y de 12 o 14 conciertos programados casi se quedaron a la mitad jaja. Pero vamos muy contentos y los conciertos que hemos ido dando parece que han sido plato de buen gusto para el público, y eso es lo más importante para nosotros, disfrutar con lo que hacemos y transmitir ese "filin" a los parroquianos.
Tenemos previsto Zaragoza ( Sala Z - 25 de mayo) y Bilbao (Plaza Beltza - 26 de mayo). Más adelante bajamos a Granada en noviembre y Valencia y Galicia caerán ya en diciembre.

Rockliquias.- Habéis realizado diversos vídeos para promocionarlo...

Un colega, el Félix, grabó algunos planos en un directo y nos hizo un pequeño montaje muy resultón para ``la ruina´´, siguiendo la temática animación y directo montamos otro para ``huellas dispares´´ Ahora pensando en invertir en un buen vídeo, parece que a día de hoy un buen vídeo es la clave para que la gente pueda interesarse por tu banda.




Rockliquias.- ¿Qué opináis del panorama musical madrileño actual. realmente ¿hay oportunidades para las nuevas bandas?

Pues creo que el panorama musical en Madrid es difícil, hay músicos muy buenos que están puteados haciendo bolos de mierda para poder vivir. El problema de Madrid, y creo que es en general en el país, es que el circuito parece estar vetado a unos pocos. La música es un autentico negocio abrasivo por tanto hay bandas que funcionan muy bien y generan dinero por lo que son rentables para los festivales y promotores de conciertos, y otras que no tanto. Para estas últimas es muy prohibitivo tocar por los alquileres que piden las salas de conciertos y demás cuestiones de pasta bastante desagradables. 
Pero el principal problema creo que es la ausencia de una escena. Antes parecía que dentro de cada estilo, la gente se movía en manada para ver los conciertos, indiferentemente de si les conocían o no, les movía o mejor dicho, nos movía la música. Hoy nos mueve Netflix y la comida a domicilio, para que vaya la gente a los conciertos hay que freírles a publicidad y casi apuntarles con un arma… tío eso no es rock and roll (como decía mi colega sebas de Electric Belt) De verdad que más nos vale espabilar y apostar por la música que nos gusta, o esta se desangrará en un puto callejón sin que nadie la vea.
Pero dramas aparte, hay bandas que con mucho sudor y esfuerzo están floreciendo en Madrid y son un verdadero ejemplo para los que se dedican a la música. A ver si entre todos, músicos, salas de conciertos y público conseguimos dar con la fórmula para que esto no pare y disfrutemos de proyectos creativos e innovadores que nos saquen de este abismo de mierdas light y regaeton de los cojones.

Rockliquias.- ¿Qué le diríais a nuestros lectores para que se descargasen el CD y fueran a vuestros conciertos?

Pues que después de leer toda esta parrafada que he escrito mandaría huevos que no lo hicieran jajaja. Diría que Gatomojado es una banda con muchas ganas de tocar, de aprender, de innovar y de estar al servicio de la gente, porque todo el mundo quiere escuchar una buena historia y el Gato ha venido a la ciudad para contárosla queridos amigos.
``La moral del perdedor´´es un disco lleno de historias y referencias, sobre personajes que sobreviven, sobre héroes ocultos en la noche, en los bares, en los callejones. Es un disco que convierte el dolor en humor y el desengaño en chiste, que tiene presente el pasado pero mira hacia el futuro y, tropezando una vez tras otra, se enfrenta a la crudeza de la vida y eso le hace jodidamente hermoso y auténtico. 
Muchas gracias a todos por la atención y os recuerdo que pueden seguirnos a través de Facebook y bandcamp (gatomojado.bandcamp.com) descárguense el disco y vengan a los conciertos para llevárselo a casa en formato físico que es como mola tenerlo jeje.
Un zarpazo grande del Gatomojado!!



El Gatomojado, la Gamba Roja, El Mapache Nihilista y la Rata Limpia  se lanzan a la piscina del blues en español realizando un doble tirabuzón invertido y lo cierto es que lo clavan. El Blues se ha convertido en un lenguaje musical universal y Gatomojado lo borda en español. La forma de cantar de Kike me recuerda a un joven Sabina, antes de que el tabaco o que se yo le maltratara su voz, buena prueba de ello lo tenemos en "Manos Sucias". Letras con ingenio y desenfadadas aderezadas con la instrumentación justa pero no por ello escasa. No podemos olvidar las colaboraciones de La Caimana de Louisiana en los teclados, El Oso Blanco de Wisconsin en la armónica y la sutil guitarra de Santiago Campillo.
J.C. Miñana


Temas
1 - Manos sucias 0:00
2 - Historia 3:57
3 - La Ruina 8:40
4 - Susan 11:32
5 - 2000 cigarros y un blues 17:04
6 - Síndrome de estocolmo 20:52
7 - Siempre se van los mejores 25:14
8 - Huellas dispares 30:57
9 - Largo tiempo 33:41







P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70


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JON LORD - Olympic Rock And Blues'82

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Jon Lord es uno de mis teclistas favoritos junto a Rick Wakeman y Keith Emerson. De estos tres grandes ya solo nos queda Rick. A Jon tuve la oportunidad de verlo junto a Deep Purple y Whitesnake, siempre genial, mezclando lo clásico con lo rockero.


En 1982 Jon Lord estaba en Whitesnake, formación en la que nunca se sintió lo suficientemente valorado.  El 20 de Noviembre editaron "Saints & Sinners". Por su parte Lord sacaba al mercado "Before I Forget " en la que colaboraban gente como Tony Ashton, Bernie Marsden, Mick Ralphs, Neil Murray, Boz Burrell, Ian Paice, Simon Phillips ,Cozy Powell y Simon Kirke entre otros. También participó en el disco de George Harrison, "Gone Troppo".


"Olympic Rock & Blues Circus" fue un proyecto del batería alemán  Charly Eichert que reunió a diversos músicos para realizar varias giras (1981-82-89) fundamentalmente por Alemania. Las formaciones cambiaban en cada concierto (Brian Auger, Tony Ashton, Miller Anderson, Zoot Money, etc) . La grabación que hoy presentamos pertenece al concierto celebrado en Berlin el 29 de Septiembre de 1982. En esta ocasión la banda estaba formada por: Chris Farlowe (voz, Colosseum, Atomic Rooster), Pete York (batería, Spencer Davis Group), Jon Lord (teclados, Deep Purple, Whitesnake), Colin Hodgkinson (bajo,  Alexis Korner, Whitesnake), Jeff Reynolds, Jim Campagnela y Andre Pot   (vientos), John Marshall (guitarra) y por supuesto Charly Eichert a la batería.

El Show comienza con un tema del saxofonista Campagnela, "Motorboat", en clave de jazz y con Jon Lord calentando motores. En "Watch The River Flow" se incorpora Farlowe con su inconfundible voz. El momento tierno llega con la versión del " A Whiter Shade Of Pale" con Lord al piano. Solo del bajista Colin Hodgkinson en "Mississippi Delta Blues" y de los baterías en "Sincussion", no se quién de los dos, Eichert o York, es el encargado de hacer los "ruiditos".  Volvemos al jazz funk con el instrumental " Compared To What".  "Take Me On The Road" es un gran blues con Farlowe realizando florituras vocales. No relajamos un poco con "Never Loved A Woman" y llegamos a " It's Gonna Rain Today" cantado a capela por Farlowe. La hora de Lord llega en "Walk On The Wild Side", alucinante su solo que navega por terrenos clásicos y rockeros. El concierto se cierra con un clásico "Stormy Monday Blues". Una noche de ensueño, la pena el sonido de la grabación. Hay que sufrir un poco para disfrutar de semejante evento.
J.C. Miñana



Temas
1. Intro - Motorboat 00:00
2. Watch The River Flow 14:08
3. A Whiter Shade Of Pale 19:20
4. Mississippi Delta Blues 25:53
5. Sincussion 32:26
6. Compared To What 40:40
7. Take Me On The Road 45:15
8. Never Loved A Woman 54:26
9. It's Gonna Rain Today 01:01:58
10. Walk On The Wild Side 01:03:21
11. Stormy Monday Blues 01:19:25




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SIMON HOUSE with SPIRAL REALMS - Crystal Jungles of Eos (1995 / HAWK RECORDS)

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Un personaje que no podía faltar en nuestra "galería de monstruos" electrónica, es el británico Simón House. De educación musical clásica,  su violín ha sido alquilado por visionarios, modernos, locos, marcianos y genios de la escena psych desde los 60.


Antes de unirse a Hawkwind en 1974 y revolucionar su ya de por sí revolucionado sonido, había estado con los inclasificables maestros surrealistas Third Ear Band, y los guerrilleros ácidos de High Tide. Su primer álbum dentro de la nave Halcón,  "Hall of the Mountain Grill" (1974), es una obra maestra que mezcla el Downer Rock mellotronico con el singular estilo psicodélico de Hawkwind. El siguiente, "Warrior on the Edge of Time"; (1975), no le andaba lejos. Y entre escapes y vueltas, aún ha tenido tiempo de escribir una quincena de discos con una banda que, por sí sola, creó su propio género.  En 1978 lo llama David Bowie, y contribuye a una de sus etapas mágicas  con "Stage" (78) y "Lodger" (79). Su elegancia espacial al violín eléctrico y efectos ha sido reclamada en discos de Michael Moorcock, Robert Calvert, Nik Turner, Japan, David Sylvian,  Thomas Dolby, Mike Oldfield, Magic Muscle, Adrián Shaw, Bedouin, Judy Dyble, Astralasia, Alan Davey, Nektar o Anubian Lights.

A mitad de los 90 estrena etapa solista como sintetista + violín supradimensional, con el ineludible "Yassasim" (1995) y ese mismo año, con "Crystal Jungles of Eos".  Aquí ayudado por Len del Rio en los moogs, samples y synths. Damos a la manivela del tiempo hacia atrás con "Cysyrgy" (7'02), llevándonos al sonido EGG de Tim Blake o Françoise Breant. Mística opresiva de jungla, tema muy utilizado en la prog electrónica que surte efecto cuando además,  el  violín forma parte importante de lo expuesto. Recuerda en ocasiones a lo hecho por Edgar Froese cuando nos teletransportaba con su guitarra. House usa su violín en una suerte de electronic -exótica  que casi lo hace único. 

"Rush Hour Betelgeuse" (4'08) no abandona la floating music, pero en su melodía nos recrea tiempos más directos de primeros 80, como Japan, Ultravox o Visage.......pero sin perder el norte.

"View from Ganymede" (7'26) incluye samples de batería,  y esto alcanza niveles muy interesantes, casi "comerciales". Como unos Tangerine Dream o Schulze de los 80, donde la melodía es tan importante como el ciber-envoltorio. 

En "Sands of Mars" (8'05) la experimentación tonal es suave, cálida,  una ensoñación agradable, una sensación narcotica de bienestar, como una modorra post-comilona. 

"SF67" (5'17) posee una columna vertebral rock, y de haber utilizado un combo al uso, sería una pieza muy Hawkwind. Tiene su alienígena ADN.

"Crystal Jungles of Eos" (5'48) parece la sintonía de una añeja serie TV del espacio, si bien sus esquizofrenias melódicas disimulan su naturaleza naive. 

Casi entramos en el sinfo-prog con "Solar Wind" (7'23). Y es que el estilo de Simon House, agregado en su instrumento estelar, da pie a ello con total naturalidad.

Pudo nuestro hombre influenciarse en "Parsecs" (8'10), de la música de "X - Files"? 1995 fue un gran año para la serie y su creador sonoro, Mark Snow. Realmente, Marty Fulterman era su nombre. Que junto a otro futuro VIP de los soundtracks hollywoodienses, Michael Kamen,  provenían de la banda de rock psicodélico New York Rock Ensemble. Todo el drama atmosférico de la serie es perfectamente captado no sólo en éste tema, sino en todo el álbum. 

"Ice Riders of Charon" (4'25) también guarda su halo-soundtrack, sin perder cierto acento berlinés. 

"Crystal Jungles of Eos" es un muy agradable bálsamo cósmico de sobremesa, para una digestión relajante y una evasiva escapada mental. Que buena falta hace.



Viene con un segundo disco de "remixes". Algo muy "in" en los 90 para "chill outs" y demás paridas de moda pijaitil. El resultado no está mal hecho, - para ésta ocasión -. Los temas son barajados en orden aleatorio, y pasados por el turmix de la mesa. Buen muzak para ascensores....tú mismo. La cosa real,  o sea,  el disco, enlaza directamente con otra maravilla a recomendar, como es el "Spiral Galaxy Revisited" del 2000. Otra sabrosa volada.
J.J. IGLESIAS






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STRAWBRIDGE ‎– Just For Kicks 1973

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Internet ha supuesto una verdadera revolución en nuestras vidas y por supuesto también en la música.  Para los que nos gusta investigar en la historia musical es una delicia encontrar joyas como Just For Kicks" de los Strawbridge, al alcance de unos pocos en los 70 y ahora  lo pueden disfrutar hasta los esquimales.


Procedentes de Jackson, Mississippi  la banda estaba compuesta por Mick Pogue (guitarra) , Bobby Furman (guitarra) , Mike Pollock (batería), Mike Hightower (bajo) y  Dave Player (voz, teclados). Y punto pelota. Podemos escuchar su música pero para conocer su historia alguien debió transcribirla.


Strawbridge nos ofrece ocho temas, tres de ellos propios y el resto versiones. Son de la zona del Mississippi por tanto es razonable que se muevan por los terrenos del rock sureño. El disco se inicia con "Take a ride", buenos riffs que nos trasladan a sonidos de grupos como Allman Brothers o Lynyrd Skynyrd. La plena confirmación llega en "Something Going on" y en el instrumental "For Walter". En cuanto a las versiones tenemos "Aint Wasting Time No More " (Gregg Allman), "Chevrolet" (Billy Gibbons), "Stateboro Blues" (Blind Willie McTell), "Country Comfort" ( Elton John & Bernie Taupin) y "Here Comes The Sun" (George Harrison). Todas magníficamente interpretadas con el toque personal del grupo. El disco se grabó en 1973 de forma privada y su sonido es algo opaco. Podemos encontrar a Strawbridge en otra grabación que recopilaba bandas que habían actuado en el Zodiac ( 'Live At The Zodiac'). Su participación consistía en una versión de Jo Jo Gunne, "'Run Run Run".
J.C.Miñana



Temas
1 Take A Ride 00:00
2 Something Going On  03:37
3 For Walter 08:31
4 Aint Wasting Time No More 11:42
5 Chevrolet 15:47
6 Stateboro Blues 19:08
7 Country Comfort 23:13
8 Here Comes The Sun 28:33



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SATCHITANANDA - A Thought Away (1978 / AFERTON)

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Uno no deja de maravillarse ante el contínuo descubrimiento de bandas prog 70. Se diría que ésa década nunca terminó, o duró más de diez años. A pesar de la continua labor investigadora de la comunidad progresiva internacional, nunca "terminamos la colección". Y que siga. La siguiente sería decir que "lo poco que quede por descubrir, será ya un truñaco pestilente". Primero, no sabemos si "queda poco por descubrir". Y truñacos, alguno habrá, pero desde luego no es lo habitual. Había muy buen gusto y respeto por la audiencia, en esos días. 


Es el caso de los norteamericanos Satchitananda. De un único trabajo superlativo con potencial de maestros Jedi. Prensaje privado de 1978 desde Maryland, Washington DC, de fuerte inclinación progresiva con perspectiva jazz. Sí, de cabeza para nuestra sección "Canterbury Ways". La formación también colabora a ése característico sonido. Ken White (cantante solista, flauta, saxo soprano), Kevin McGlennon (Grand piano Yamaha Electric, flauta, voz), Mark Janas (batería) y Dave Hoffman (Fender Rhodes, Yamaha Electric Grand, ARP Odyssey, ARP String Ensemble, flugelhorn, voz). Cuarteto que pronto emparentamos con However, Boud Deun, Happy the Man, Grits, Drama, Maelstrom y todos los sospechosos habituales del "Canterbury USA". Gloria bendita, en traducción simultánea. Grabado en los Deglman Studios por su dueño, Tom Deglman, y Ken White. El disco no parece para nada un prensaje privado si nos atenemos a su exquisito sonido.

 "A Thought Away" (9'12) recrea en su comienzo al piano eléctrico una reflexión, una mirada perdida, un sentimiento de culpa.....como habrá podido comprobar el lector observador, aquí no hay guitarras ni bajo. Teclados galore a todo meter. Y conexiones con Hatfield and The North, National Health, Bruford o Matching Mole. La voz de Ken White es casi equiparable a Jon Anderson, pero en un contexto jazzistico. El desarrollo de la pieza es delicioso, acariciante y renovador ( de cutis, también). Greenslade a la vista por estribor. 

"The Whisper Heard Above the Roar" (3'44) es una delicatessen andersoniana con fondo de Rhodes y sabor jazzificado y acaramelizado. 

En "Alpha and Omega" (7'28) se añade un condimento de flauta a la Jimmy Hastings, sinte de cuerdas de fondo, fiscorno y un gusto imbatible. Los bajos se dejan oír aunque no haya, que las teclas se ocupan a las mil maravillas. Caravan, Soft Heap, Nucleus o Keith Tippet Group como alma inspirativa. Aquí no hay muchas diferencias estilísticas. Da igual que sean de EEUU, el sonido mira para Kent, sus verdes praderas, arcaicas construcciones y nublados parajes. La sensación de asombro e inmenso placer me invade como una aparición mariana (o algo así debe de ser, no?).


 Volteamos la cera vinilica, (es un decir, ya me gustaría tenerlo!) y "Destiny" (4'23) es guiado por la melodía vocal extraordinaria de Ken White, unido a unas aplicadas corales, un batería cobhamiano, flugelhorn superlativo y teclados a plena inundación. Demasiado bueno para triunfar. 

"Listen to me" (5'47), con una dolorosa entrada introspectiva, suelta a bocajarro referencias Gentle Giant que desembocan en algo parecido a Moraz / Bruford, pero en eléctrico. La flauta engrasa con eficacia, gracia, salero y alegría infecciosa. 

Otro tema para oir desde la oficina de Philip Marlowe, con la luz nocturna del intermitente neón, es "Prelude" (3'19). Miles Davis hizo mucho por el prog rock, amigüitos. 

Finalmente "Along Our Way" (4'27) nos devuelve la ilusión por vivir (bien), con un portento de exposición canterburyana feliz, técnica, inspirada, bien hecha, inteligente, audaz, lanzada y prog que te cagas. 

Esto es pasarlo bien y olvidarse del mundo y sus miserias. Una genuina masterpiece olvidada, que me da más fe para seguir escarbando en éstas vetustas ruinas arqueológicas de los 70, llenas de inacabables tesoros. Como éste. 
  J.J. IGLESIAS


Temas
A1 A Thought Away 9:12A2 The Whisper Heard Above The Roar 3:44A3 Alpha And Omega 7:28B1 Destiny 4:23B2 Listen To Me 5:47B3 Prelude 3:19B4 Along Our Way 4:27




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IQ - Dark Matter (2004)

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Como anteponiéndose a un tiempo por venir, llega “Materia Oscura” como una premonición ante la estupenda vida que nos va a tocar contemplar. Una música hermosa la de IQ pero que siempre ha jugado su lado siniestro. El otro lado que ya se intuía en “The Wake” o en las partes más claustrofóbicas de “Subterránea”, se muestran aquí con mayor énfasis.


 Esa “tristeza” siempre presente en su música. El rock sinfónico de IQ no es de cuento de hadas, ni de mensaje metafísico, ni de gloriosas gestas de caballería ni de amores novelescos ni de los tópicos absurdos que siempre han acompañado al estilo. Puede que, con su lado literario, su invención, incluso su humor o sus oscuras y atractivas historias imaginarias, la música de IQ sea esencialmente realista y no exenta de cachondeo propio e irreverencia. La hacen tan bien que ni siquiera se la toman en serio. Esto me encanta. Esto es genial porque además les entusiasma lo que hacen. Nada tan inteligente como no tomarse nada en serio. Pero dentro de un aparente desdén, es la música de la soledad del individuo. Del dolor sordo. Del pringao de siempre. Con su escucha me vienen imágenes. Es tan distinto este joven siglo a las antaño músicas idealistas… A aquella rimbombante trascendencia rozando lo ridículo…. 

A las historias de compromiso social y toda la sensibilización de una infantil revolución ya amortizada, ya olvidada, hasta tal punto, que hoy todo bien y toda gesta noble, parecen motivo de burla y engaño. Nadie se cree ya nada. Estamos en 2018 y no hay futuro porque nada es creíble. A la vista del panorama siniestro que disfrutamos con candor juvenil y que día a día nos mortificamos a placer, cotidianamente de horribles noticias, de cagadas políticas, de burradas y de miserias humanas espeluznantes, siempre está una música benefactora, porque raro será que mañana veamos alguna luz de inteligencia o algún comportamiento relevante. Ni lo espero. Diría que afortunadamente me da igual. Qué más da, si dentro de 10, 15 o 20 años de vida alargando como mucho, la mayoría de los de mi generación ya no estaremos aquí. Aunque aún tengamos por delante todavía un bonito panorama de denigración social in crescendo y también música progresiva como tratamiento a la perdida de neuronas. A día de hoy, no me gusta nada lo que veo ni lo que piensa la gente, si es que generalmente piensan.  Incluso me pregunto cómo es posible que aun haya música decente en esta astracanada de vida. El agotamiento generalizado y la retorcidamente estudiada desaparición de todo humanismo, digamos del sentido de “humanidad” más concretamente, es malo para el negocio. Todo eso ya no existe. Y eso pasa a la música y a unas actitudes bien diferentes a los de los 70´s. Darwin fue listo y revelador: El malo es el único que sobrevive, se alza sobre los demás y triunfa. Tener al mundo cabreado suma royalties. Para colmo, toda revolución es estúpida en sí misma. Se celebró hace nada el 50 aniversario del 68. Una verbena del Inserso y residencia de ancianos Nunca sirvió para nada. Los mismos siempre han ganado la misma batalla porque nunca se han ido. Debería causarnos risa tal derroche de propósitos vacuos. A falta de cultura incluso aumentan y se perpetúan los rezos a seres imaginarios y al espagueti volador, que es el otro negocio a proteger, aunque martiricen vidas y generaciones. Que nos queda entonces para huir del ridículo y la vergüenza generalizada del mundo: la música ¿Qué es la música entonces…? El refugio del solitario. El elogio del individuo. Su exaltación y su mejor chiste. La música, es un ansiolítico natural. Analgésico potente y también laxante a veces. Pero solo para aquellos a los que ya nada puede engañar. Prefiero que no me quieran a ser uno de ellos…o de los otros…  Huir a veces de nosotros mismos incluso, es el único camino que nos queda. 

“Sacred Sound”… su densa escucha y la observación de la portada del disco, me motivó en parte a escribir este coñazo de texto preliminar. Que por supuesto podéis obviar como la pataleta de un cenizo sesentón. La música de IQ tiene eso, una amarga nostalgia que enfrenta belleza y realidad.  Incluso intuye una doble lectura. Música de tormenta interna, como la que está cayendo ahora en mi ventana. De remover estómagos, de desacuerdos con uno mismo. Teclados con sonido analógico, órgano, mellotrón, viento gris que levanta el polvo como una jaculatoria catedralicia que implora al destino y la guitarra que desgarra sus lamentos. Génesis acertó en el desarrollo instrumental de “Cinema Show” esa rítmica peculiar caló fuerte en IQ. 

“Red Dust Shadow” es un corte tristón, algo Floyd en sus últimas entregas. No dice gran cosa y podría acercarse incluso a los últimos y abúlicos Porcupine Tree y al interminable bostezo. “You Never Will” es más de lo mismo. Todavía no aparecen las melodías que enganchan y la música me suena muy a penumbra y a bodega con alto grado de humedad. Cuando aparece Holmes todo reluce de otra manera, pero hasta ahora está muy comedido. “Born brilliant” va corriendo debajo de una alcantarilla mientras las ratas entonan cánticos cistercienses y entre todas ellas logran levantar una mohosa loseta metálica y los vapores oscuros escapan. La música es algo pesada y corrosiva, pero te mantiene atento con su olor a cripta revenida.


 Afortunadamente nos vamos a “Harvest Of Souls” y durante 24 minutos nos regalan otra hermosa suite como ya es costumbre en ellos. Vuelve la delicadeza y una luz que parecía perdida hasta el momento. Los diferentes planos y pasajes instrumentales vuelven a trasportarnos por ilustres veredas. Solo por esta pieza merece la pena este disco, a mi juicio no tan bueno como otros. Apunte personal sin duda, aunque el nivel de calidad de la música es el de siempre. Me encanta la portada porque no alberga ninguna esperanza.
Alberto Torró


Temas
1. Sacred Sound (0:00)
2. Red Dust Shadow (11:40)
3. You Never Will (17:41)
4. Born Brilliant (22:29)
5. Harvest of Souls (27:48)
- I. First Of The Last 
- II. The Wrong Host 
- III. Nocturne 
- IV. Frame And Form 
- V. Mortal Procession 
- VI. Ghosts Of Days




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LE ORME - Elementi (2001)

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Animados por la nueva formación y por el resultado aceptable de “Il Fiume”, en el 97 vuelven al estudio para hacerse un auto-tributo y regrabar completamente algunos viejos éxitos de los 70´s bajo el nombre de “Amico Di Ieri”. Al igual que en las salvajadas taurinas, hubo división de opiniones y “modernizar” el viejo sonido no siempre tiene resultados positivos por lo que la “faena” sé quedo en algo muy insípido. No a todos convenció.


 Cuatro años más tarde vuelven con “Elementi” otro álbum concepto y con un nuevo miembro llamado Andrea Bassato, que además de teclista toca violín y canta. Los preceptos iniciados en “Il Fiume” van a refinarse mucho más. “Elementi” es un álbum de buena factura que se alía con el mejor rock sinfónico de siempre. Vuelven a encargar la bonita portada a Paul Withehead, supongo que su amistad y relación con Peter Hammill fue más que una recomendación en el art work. La temática sobre los elementos naturales de la naturaleza viento, agua, tierra y fuego puede resultar manido y previsible, pero una vez que escuchas este disco el resultado es tan poético y hermoso que los tópicos sinfónicos se olvidan en aras de una más que agradable escucha. 

Le Orme suenan ahora a progresivo limpio, actual, melódico y súper agradable pero siempre en las estructuras y melodías puras clásicas, sin contaminaciones post, ni ocurrencias hacia sonidos invalidantes planos y duros de las neo tendencias aburridas que invaden a la mayoría de las nuevas bandas del siglo XXI. Se agradece que la música “respire” de forma natural, que la melodía mande, que la barra metálica recta en la que se ha convertido la música de hoy sea dúctil y se deje reblandecer, curvar, y que se convierta en crema o agua si quiere. La música debe ser un confortable cojín de vientos, una nube húmeda, un prado remojado por la lluvia o un chiste gracioso si quieres, es menos lesivo para la salud, ya que mucho progresivo de hoy es un paseo por una fría plancha de acero de kilómetros de longitud con un viento molesto y gris horizonte de pesada letanía taladrando el cerebro. La recorres descalzo y hay cristales y recortes y rebabas de serrín metálico salido de las fábricas. La obsesión del acero, del cuero negro, de la estética tipo familia Adams. “Cariño que maravilla nuestra futura tumba pudriéndonos por toda la eternidad” (Morticia en un momento moñas). Grupos vestidos de negro, volúmenes imposibles de selva cabelluda para que te contrate la Inside Out Records, anagramas esculpidos a fuego en la piel versus tatoos, objetos pesados, herrería barata, símbolos de guerra y pasión por los altos hornos. Joder macho!!! Yo solo quiero música, no una fábrica que me deje sordo. Chavales que escucháis el moderno progressive rock… NO. Eso no es prog rock. Os lo dice yayo Alberto. La música no es una fábrica de ruidos ni te mira para pegarte una hostia. La música puede molestar por ser “rara” o “diferente” pero nunca debe suponer ser un ataque de gota, una fractura abierta, un cólico nefrítico o una migraña crónica y mucho menos una conferencia evangelista. Si “Elementi” es lo que es, es porque es la antítesis a todo eso. Yo entiendo que lo duro y desagradable tenga adeptos. Las mentes no dan para más. Estamos jodidos entonces. 

Pones “Elementi” y su hermosa música con sus danzas del viento, del fuego o de la tierra y te das cuenta qué en un momento de la historia, esta música llegó a una estación término atemporal  pero otros cogieron el tren equivocado que no iba a la campiña progresiva a degustar el vino fresco de temporada, ni las angulas, ni el marisco, ni la cerveza IPA, perfecta para escuchar delicadezas como esta. Ese tren marchaba recto a una oscura estación de la Siberia musical donde lo único que comer era la grasa de los raíles y el betún de las botas. Marchaba a un bienvenido siglo XXI, tan majo él y con tantos grupos del averno.
Alberto Torró



Temas
Danza del vento – prima parte - 3:36
Il vento, il cielo e la notte - 7:16
Danza del vento – seconda parte - 1:29
Danza della terra - 2:22
Risveglio - 3:59
Canto di preghiera - 1:59
Lord of dance - 2:52
Danza della pioggia - 2:38
Dove tutto è! - 4:40
Luce dorata - 1:29
Danza del fuoco - 2:41
Il respiro - 2:21
Danza del vento – terza parte - 3:38
Risveglio – ripresa - 1:27






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THE SOULBREAKER COMPANY - Itaca (2010 / ALONE) (Rockliquias Bandas Classic)

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Esta es la primera banda del "Rockliquias Bandas Classic" que pertenece al nuevo siglo. Pero es que para mí,  The Soulbreaker Company ya son "Classic". Formados en 2003 en Vitoria y movidos por su hambre de buen rock 70s, e influencias como Grand Funk Railroad, Captain Beyond, Mountain o Led Zeppelin. Aprietan el acelerador desde el segundo uno. En el 2004 editan una demo de seis temas  (que conservo como oro en paño, junto a un comic guarro en el que los sufridos protagonistas son ellos!).
El 2005 es un gran año para el sexteto. Ganan el XVII Villa de Bilbao a la mejor banda de Euskal Herria. Y abren conciertos para Mother Superior (que es cuando los vi por primera vez, alucinando pepinos), Raging Slab o The Steepwater Band. Al poco, meten cabeza en el Azkena Rock Fest, (el mejor con mucho del país), junto a Wilco,  Monster Magnet, Gov't Mule o Deep Purple, entre otros.



Y editan su primera andanada oficial y salvaje, con el título de "Hot Smoke & Heavy Blues". Hard Southern calentito, como su nombre indica, en glorioso 70s rock que se puede masticar. Evolucionan tan rápido como las células alien en una peli del género. Y así,  "The Pink Alchemist" (2008) incorpora psicodelia, ramalazos de The Who y otras referencias atractivas, además de un gusto por los desarrollos instrumentales  más sofisticados. Una joya de album de obligada visita.


Para el 2010 se largan un helado enero a los Foel Studios de Gales, propiedad del legendario Dave Anderson ( ex miembro de Hawkwind, Amón Duul II, The Groundhogs o Space Ritual, y responsable del resurgir psicodélico de los 90). Y con ésa guía espiritual a los controles, no podía salir más que una maravilla. Bien es cierto que la banda traía los deberes hechos desde Gasteiz. En éstos tiempos, el line-up lo componen Daniel Triñanes (guitarras eléctricas y acústicas), Jony Moreno (voz, acústicas y coros), Andoni Ortiz (batería), José Javier Manzanedo  (bajo), Óscar Gil (Hammond, sintes, piano, teclados y coros) y Asier Fernández  (guitarras eléctricas,  acústicas y voz). Son las personitas culpables de "Itaca", monstruosidad infaltable que abarca un buen abanico de tendencias 60-70. 




Delicado Space rock nos propone "It's Dirt" (9'37), con floydiana intro de teclados y elegante saxo aterciopelado, del invitado Kike Guzmán. Les sigue ácida fuzz en una avalancha de sentidos que creíamos olvidados para siempre. Casi una invocación actualizada de Triana, Bloque y otros héroes prog de nuestra particular historia. Poco queda de las sacudidas cuasi stoner de los comienzos. A cambio, una mina psych/prog a explotar con ahínco. 


"Oh! Warsaw" (4'01) no desentonaria en un disco actual de Deep Purple, más interesados en la madurez como instrumentistas que en el watio desbocado. Sin desaprovechar un plus de energía,  que torna en crimsoniana por un esquizofrénico saxo y Hammond de lujo. "Sow the Roses" (4'37) es un tema que inspira carretera, para mirar al frente con el viento de cara.



El hard prog hace acto de presencia en "Rude Perfume" (3'29) con implacables arreglos y guitarras / órgano en lava líquida. Que se encadena con "Colours of the Fire" (5'42) en una recreación kraut no muy alejada de Jane, Birthcontrol y otros ilustres caballeros teutones.



A pesar de cantar en inglés,  en cortes como "Where Mermaids Sing Loud" (4'19) siguen recordandome a lo más histórico del progresivo español de los 70. Si aquí no oyes ecos del "Abre la Puerta" es que no tienes olfato, nene.Esto es néctar de los dioses hispanos. 



Más british prog se me antoja "No Way Back Home" (4'40), con su sibilina flauta, hard pugilístico y solos eléctricos llenos de rabia. Saxo y Hammond redondean, junto a una sección de ritmo made in Masón / Waters. Un corte perfecto, con esencias de Fuzzy Duck, Raw Material, Marsupilami, Gravy Train o Steel Mill. Y ese mismo espíritu continúa en "Hail While She Leaves" (3'55), de tremenda fuerza y gancho.


"Take a Seat on the Moon" (4'54) de nuevo suena a clásico disco raruno de la escudería Vértigo,  porque sus integrantes viven y respiran ese tiempo con total sinceridad. 



"Saviours" (3'33) vuelve al hard prog alemán,  ése que nos vuelve autistas al escucharlo, gente como Virus, Kin Ping Meh,  Satin Whale o Lucifer's Friend. Algo que definitivamente corrobora la cegadora brillantez psicodélica de "Sandstorm" (7'10), otro de los grandes pedazos de un pastel envenenado en extraordinaria 




MÚSICA con mayúsculas. Elegido mejor disco nacional 2010 por Popular 1. Desde entonces, una recopilación de rarezas, "Shameless" (2013), para quitar el mono a sus seguidores. Y dos entusiasmantes discos más,  "Graceless" (2014) y "La Lucha" (2016), con el que volví a comprobar la seguridad de sus directos, y que siguen añadiendo condimentos a su personal fórmula. 


The Soulbreaker Company siguen creando y alegrando vidas, la mía por supuesto. Nadie más que ellos se merecen ser considerados ya, clásicos. Reverencias, milords.

J.J. IGLESIAS





Temas

01. It’s Dirt - 00:00

02. Oh! Warsaw - 09:37
03. Sow The Roses - 13:38
04. Rude Perfume - 18:15
05. Colours Of The Fire - 21:45
06. Where Mermaids Sing Loud - 27:27
07. No Way Back Home - 31:47
08. Hail While She Leaves - 36:26
09. Take A Seat On The Moon - 40:20
10. Saviours - 45:14
11. Sandstorm - 48:47





P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70


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SANTANA - Festhalle Frankfurt 1980 (con Jimmy Page)

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Santana nos vuelve a visitar este verano. Actuará en Agosto en las ciudades de Alicante (7), Fuengirola (9) y Peralada (11). En Julio cumplirá 71 años llevando más de 40 en la carretera. Creo que va siendo hora de que vayamos a verlo. Para abrir boca recordaremos uno de sus concierto del 80 con un invitado muy especial.


En 1980 Carlos publica "The Swing of Delight" bajo la denominación de Devadip Carlos Santana. Lo de Devadip (La luz del cordero del ser supremo) se lo puso el gurú Sri Chinmoy. El disco contaba con colaboraciones ilustres como Wayne Shorter, Herbie Hancock, Ron Carter o Tony Williams entre otros, navegando por los caminos del jazz fusión. 


El concierto se celebró en el Festhalle de Frankfurt el 1 de Julio de 1980.  El "Setlist"  contiene algunos de sus grandes temas: Oye Como Va,  Black Magic Woman, Savor / Jingo, Europa, Samba Pa Ti, etc. También podemos escuchar algún tema (All I Ever Wanted, Lightning in the Sky, Aqua Marine) del "Marathon" editado el año anterior (1979). A Carlos le acompañan Graham Lear (batería), Richard Baker (teclados), Alex Ligertwood (voz, guitarra), David Margen (bajo), Armando Peraza (percusión),  Raul Rekow (percusión) y Orestes Vilato (Percusión). La sorpresa llega casi al final. Cuando interpretan "Shake Your Moneymaker" (Elmore James) sube al escenario Jimmy Page. Resulta que los Led Zeppelin habían tocado la noche anterior.
J.C.Miñana



Temas
00:00 Hannibal
04:00 All I Ever Wanted
08:16 Tales Of Kilimanjaro / Black Magic Woman /Gypsy Queen
17:44 Oye Como Va
23:18 Just In Time To See The Sun / Incident At Neshabur
36:19 Lightning In The Sky
40:52 Percussion Solo / Aqua Marine
49:58 Savor / Jingo
1:03:25 You Just Don't Care
1:12:31 Europa
1:19:37 Well Alright
1:23:26 Soul Sacrifice
1:42:13 Open Invitation
1:47:14 Samba Pa Ti
1:53:08 She's Not There
1:59:06 Transendance 
2:06:23 Band Intros / Shake Your Money Maker (w/Jimmy Page)
2:16:21 Evil Ways
2:22:19 Evil Ways Reprise




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BATTIATO - Pollution (1972 / Bla-bla)

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Antes de convertirse en el hermano mayor de Berto Romero, y gurú en los 80 de funcionarias pretenciosas, Franco Battiato fue un enorme compositor experimental que vino del rock progresivo. Parece mentira que no haya aparecido por aquí antes. Nacido en una pequeña provincia de Catania, isla de Sicilia, comenzó en los 60 editando singles de canción romántica. 


Pero en los primeros 70 ya da gusto verlo de hippie. Conoce a Juri Camisasca, experimentador nato que le abre las puertas de la percepción vanguardista. Battiato funda la banda progresiva Osage Tribe, que pronto abandona por un contrato con el nuevo sello avant, Bla-bla. Su debut será una obra sci-fi titulada "La Convenzione Paranoia" (1971). Seguido del excelente "Fetus" del mismo año, con portada censurada. Al parecer, sacar la foto de un feto era "demasiado" para las autoridades italianas. Me huele a español y mucho español. Su tercera obra será "Pollution" (1972). Julian Cope, en un tiempo activista tocawevos new wave, convertido al kraut psicodélico en algún atracón de gominolas lisergicas, lo compara al "Tarot" de Walter Wegmuller. La verdad es que Battiato hacía un "kraut rock italiano" de personal índole. Y si todo un Frank Zappa lo llamó "GENIO" por esas fechas, algo le vería. En éste disco nuestro hombre cantaba, tocaba VCS3 Synthesizer, componía toda la música y letra. Le acompañaban Ruby Cacciapaglia (piano, VCS3 y VCS2 synths), Gianfranco D'Adda (batería), Mario Ellepi (guitarras, VCS3 y voz) y Gianni Mocchetti (bajo, VCS3, voz)

Un vals orquestal nos introduce en el tenebroso mundo de "Pollution", con "Il Silenzio del Rumore" (2'48). Continúa con prog barroco italiano al modo New Trolls, con fuzz guitar, órgano y bonhaniana batería. "31 Diciembre 1999-Ore g" (0'20) conserva los VCS3 bien calentitos, listos para echar la carne a la brasa. Con ése característico fat sound en "Areknames" (5'07). Hipnótica ambientación,  y similitudes con grandes del experimental alemán,  como Witthuser & Westrupp o Wallenstein.


En "Beta" (7'25) no es de extrañar que a Battiato se le haya denominado el "Brian Eno italiano", por sus audaces tratamientos electrónicos. Aunque yo lo veo más centrado en los cerros bávaros,  con amigos cerveceros como Florian Fricke, (éste tema tiene un mucho de Popol Vuh, con su piano y voz femenina), o Ash Ra Tempel, (las guitarras rockeras saludan a Manuel Gottsching efusivamente). Finaliza con otro spoken word melancólico -negativo sobre la imbecilidad humana, con fondo de grabación orquestal. "Plancton" (5'03) gusta de ésa mágica fórmula, utilizada en todo el disco, de mezclar gordacos sintes con cristalinas acústicas. Nunca falla.

Mística reflexiva introspectiva para ambientar con incienso, weed o un sonoro pedo después de colocarte un plato de judías con oreja.....va a sonar igual de magnífico,  te lo aseguro.  Si has optado por la última "ambientación", es natural que ahora venga "Pollution"  (8'49), que alardea de corales mediterráneas y sintes tan calientes como el Vesubio en sus tiempos mozos. Mientras Battiato nos cuenta las miserias y catástrofes de una torpe humanidad ciega y sorda ante sus desmanes ecológicos. Fijaos que esto es de 1972. El mensaje permanece. Una "Huerta Atómica" más krautie y arriesgada que la de Miguel Ríos. Los Floyd de "Meddle" o "Ummagumma" también tienen aquí su reflejo. Uno de los cortes más destacados,  en un álbum de sólida temática y alta clase vanguardista.

Finalizamos con "Ti Sei Mai Chiesto Quale Funzione Hai?" (3'35) de barrocos y preciosistas sintetizadores. Otra delicada maravilla a escuchar en total oscuridad.


Éste disco, junto al referido "Fetus" (71) y "Sulle Acorde Di Aries" (73) componen la trilogía sagrada de Battiato. Que se verá fortalecida por obras como "Clic" (74), " M. Elle Le Gladiator" (75) o "L'Egitto Prima Delle Sabbie" (77), - Premio Stockhausen al mejor album de música contemporánea -.


De eso, al "pop enterao" de los 80, étnica concienciada, óperas clásicas,  música para cine y hasta dirigiendo sus propias películas en los últimos tiempos. Todo ello algo más cuestionable. Lo que sí es cierto es que su obra del 71 al 78, es altamente recomendable para adeptos a nuestra secta de "Ensayos sobre un Sonido". Por eso mismo me grito un "Viva Franco!" y me quedo tan ancho.
Que no es cuestión de contradecir al tío Zappa.
J.J. IGLESIAS


Temas
1. Il Silenzio Del Rumore (2:48)
2. 31 Dicembre 1999 - Ore 9 (0:20)
3. Areknames (5:07)
4. Beta (7:25)
5. Plancton (5:03)
6. Pollution (8:49)
7. Ti Sei Mai Chiesto Quale Funzione Hai? (3:35)





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Moby Grape ‎– Grape Jam (1968)

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El segundo disco de los Moby Grape fue publicado en formato doble conteniendo dos discos  "Wow" y "Grape Jam" que posteriormente fueron editados por separado. Hoy nos adentraremos en el mundo de Grape Jam


La banda surge a mediados de los sesenta en la bahía de San Francisco, Bob Mosley (bajista) y Skip Spence (guitarra) que había tocado la batería con los Jefferson Airplane, reclutan a  antiguos miembros de The Frantics, Jerry Miller (guitarra) y Don Stevenson (batería) junto a Peter Lewis (guitarra). Su primer disco llega en 1967, "Moby Grape", obteniendo un notable éxito comercial y aclamado por la crítica. La discográfica se encargó de una gran promoción con la edición de nada menos que de cinco singles. Su segunda producción llega en el 68, "Wow/Grape Jam" y a pesar de las buenas ventas comenzaron a llegar los problemas debido al consumo de LSD por parte de Spence. que causaron su salida de la banda. Como cuarteto editan  "Moby Grape '69". El siguiente en abandonar es  Bob Mosley que se alista en los marines. Su último disco, "Truly Fine Citizen " llegó a finales de 1969. En 1971 volvieron  con "20 Granite Creek” producido por David Rubinson.



Grape Jam es uno de los dos volúmenes de que consta el segundo disco de Moby Grape. Fue grabado en Nueva York sin la presencia de uno de sus guitarristas, Peter Lewis.  La grabación contiene diversas jams y desfases musicales que pueden resultar de cierto interés para "frikis" como yo.  También cuenta con ilustres invitados Al Kooper ("Black Currant Jam") y Mike Bloomfield ("Marmalade"). El disco se inicia con "Never" con Bob Mosley cantando a lo Robert Plant en un estilo parecido al "Since I've Been Loving You", aunque el tema de los Led apareció dos años más tarde. Guitarras desenfrenadas y piano desbocado en "Boysenberry Jam", ambiente Costa Oeste. Con Al Kooper al piano en "Black Currant Jam" tenemos una buena "blues jam". "Marmalade" se sigue moviendo por los caminos del blues esta vez con Bloomfield en las teclas. El disco se cierra con "The Lake", desfase psicodélico total. En la edición en CD se incluyen tres temas mas. El primero "Grape Jam #2" es el más rockero. En los dos siguientes, "Grape Jam #9" y "Bags' O Groove", nos llevan por terrenos más jazzísticos incluida sección de viento en el último corte. 
J.C.Miñana



Temas
1 Never 00:00 
2 Boysenberry Jam 06:13 
3 Black Currant Jam 12:16 
4 Marmalade 19:26 
5 The Lake 33:30 

Spontaneous Studio Recordings, 1968
6 Grape Jam #2 37:34 
7 Grape Jam #9 46:55 
8 Bags' O Groove 56:05




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SERENE - Serene (1979 / LAVA)

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El final de los 70. Pffffff, vaya coas artístico por obra y gracia de los mercachifles cocainomanos, esos seres impresentables y encorbatados, llamados "ejecutivos"de compañía discográfica. Como los hombres de negro, pero en tonto. Mientras había mandado en su trabajo el artista, a lo largo de la moribunda década,  todo fue bien. Pero en cuanto comenzaron a "sugerir" (se llama amenazar, pero bueno), a los indefensos músicos,  se jodio el invento. Prometiendoles Eldorado si  "entraban en la nueva onda", y se cortaban esos andrajosos pelos. Y ya si se ponían  unos pantaloncicos blancos muy molones, marcando pitera, "vas a petarlo, chaval". Lo peor es que éstos les hicieron caso como cordericos. 


En medio de una vorágine de confusión, (Camel haciendo "The Single Factor", o la "progresiva" conversión de Genesis hacia la pachanga ochentera), aún hubo algo de cordura. Músicos lo suficientemente inteligentes como para capear el temporal llevándose la burra hacia su terreno. En Alemania las veteranas bandas prog estaban aprendiendo también la técnica de driblar al contrario, aunque fuera tirándose a la piscina. Birthcontrol, Novalis, Hoelderlin, Jane, Eloy, Triumvirat, Grobschnitt o toda la factoría  Sky Records (facción rock), como Ramases, Straight Shooter, Shaa Khan, Octopus o Bullfrog....Intentaban "colarsela" al mainstream con un remedo prog aderezado con lo que fuera, funk, jazz, hard, AOR, Space light o incluso disco, con mejores y peores resultados. Algunos de éstos parieron anónimas obras Pomp Rock exquisitas. Es el caso del único disco de Serene. Grabado en el otoño del 79 en los Horus Sound Studios de Hannover. Pieza esquiva y ya de valor (80 - 100 €), llena de astucia y tremenda calidad, con un "single factor" orientado a entrar bien en las cerradas orejas de un señor de Cuenca que pasaba por allí. 

Berny Toberg  (guitarras), Achim Kirschning (teclados), Peter Wolk  (voz solista), Lothar Heimberg (bajo) y el ex - Epitaph , Jim McGillivray (batería), que pronto entrará en Eloy. Claro líder de la banda junto al teclados, pues lo componen todo ellos.


La teclistica reinante en "Does It Matter at All " (6'28) es equiparable a un Tony Banks cerca de "....And Then There Were Three", con unas pretensiones incluso más AOR que las de los británicos. Aquí hay toda la fuerza enérgica del género,  con asumibles melodías radiables,  hard rock y una muy digna comercialidad. 

"Serenity" (4'30), con su elegante arpegio phaser y un Hammond preponderante, nos plantea otro genético corte primo de los de "Duke", en su particular manera. Es un bellísimo instrumental que prueba lo mucho que le gustaba la técnica de Phil Collins a Jim McGillivray. 

Secuenciación vintage como intro para "Dream Stagnation" (4'39), un temazo que podría andar por los surcos del "Danger Money" de UK. Mola la voz de Peter Wolk, entre Latimer, Plant y Lawton así,  en plan combinado Premium. Claramente los sintes deben aquí a Eddie Jobson, y está compuesto con clarividencia e inspiración. American Tears la compraba a ciegas.

"Adrift" (5'20) cierra una cara niquelada. Efluvios jazz rock,  como si David Paich se hubiera colado en las sesiones de grabación.  Y hasta un cierto regusto a Jürgen Fritz sale a relucir. También un bonito sólo de guitarra entre Latimer y Lukather, enriquece una estupenda andanada Pomp. En la que el todopoderoso Hammond tiene la última palabra.


Cara B, y "Your Magic Door" (5'43) huele a otro "outtake" del "Duke", último disco que considero digno de Genesis. Aunque ya en otro estilo, digamos que un sinfo-AOR muy parecido al de Serene. Que aquí demuestra guitarras más consistentes y un extraordinario poderío melódico. Casi al nivel del debut de Angel, sin exageraciones. Mención aparte merece la sección rítmica.  Si el batería emula a Collins, el bajo es Geddy Lee o Chris Squire. Se recomienda seguir sus imaginativos devaneos.

Y en "A New Man" (5'41) tenemos un ejemplo extensible a todo el álbum. Otra joyita de leve sabor jazzy,  que juega con el Soft más duro, (valga la incongruencia), y los referidos UK / Genesis de esos días.  La guitarra de Toberg echa chispas en un tema de 10.....Pero ni la mitad que en la gloriosa "We've Only Just Began" (7'20), pieza que concluye el disco en lo más alto. Con el "Pomp más Prog" de todo el álbum. 


Instrumentalmente son ahora un monstruo de Frankenstein formado por pedazos de lo mejor de Focus, (atención a ésa guitarra que maravilla como un joven Jan Akkerman), Uriah Heep, Camel, Toto y Kansas. Serene tenía cualidades para estar entre ellos. Y no sólo como excelentes músicos,  también sobresaliendo en la composición. Al menos nos dejaron ésta pequeña joya, reflejo perfecto de unos ingratos días para la buena música.  A pesar de todo, ellos consiguieron su propósito. 
J.J. IGLESIAS



Temas
1. Does It Matter At All 00:00
2. Serenety 6:30
3. Dream Stagnation 11:05 
4. Adrift 15:47
5. Your Magic Door 21:15
6. A New Man 26:58
7. We've Only Just Began 32:39




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IQ - Frequency (2009)

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Leo muchas veces con cierto estupor, la tendencia en afirmar que cada nuevo disco de IQ a partir de este siglo, se aproxima en cierta manera al metal progresivo. Aseveración gratuita y poco contrastada y completamente falsa. Es doloroso pensar que los que solo conocen a Dream Theater y su legión de discípulos, en el momento que oyen cierta “potencia” ya están catalogando. Hay mucha gente que considera el rock progresivo como algo salido del metal rock y no es broma. Las pifias históricas y la falta de rigor enciclopédico causan estos desajustes y estos estragos, que solo hacen que confundir al chaval que quiere saber qué es exactamente eso de rock progresivo y el origen real de esa música. En los 70´s todo estaba perfectamente identificado ahora no. Ahora todo lo que suena “raro” o “ruidoso” o dura más de tres minutos es progresivo. No voy a insistir en esto, por favor que la gente escuche, lea y compare.

Los grupos de hard rock clásicos de mi época se consideran hoy progresivos. Buenos grupos sin duda, pero jamás se les llamó con esa terminología y no es compatible.  No voy a citar nombres. Los conocéis la mayoría y no hace falta. No estaban etiquetados así os lo aseguro, y no hacían el tipo de música del que hoy hablamos. Hacían rock y punto. Muchos de mi generación sinfónica hemos tenido que transigir con eso y ahora tenemos un confuso batiburrillo para despistar aún más al recién llegado a estas músicas. El anterior trabajo de Holmes y cia “Dark Matter” llevaba en cierto modo una sobrecarga musical “más oscura y áspera” pero de ahí a hablar de metal es como ponerte unas gafas de graduación equivocada. Hay que observar las formas y las maneras en las que se hace la música, antes de emitir un veredicto que seguramente estará equivocado.

Volviendo al tema que nos ocupa “Frequency” se va a desmarcar de un “inestable” anterior trabajo. Hay que reconocer que comienzan a tardar mucho ya entre un disco y el siguiente. Cinco años, es mucho tiempo, pero no pasa nada. Aquí están de nuevo pues bienvenido sea. Hay importantes novedades porque Martin Orford, cansado del pirateo y de la industria fonográfica decide largarse lo mismo que Paul Cook por razones que desconozco. Los sustitutos en teclados y batería respectivamente son Mark Wesworth y Andy Edwars, que en realidad no van a afectar  en lo importante pero sí influir en ciertos detalles de sonido en el estilo del grupo.


Vuelven de alguna forma el encanto lírico del grupo y los bonitos pasajes. La portada es algo absurda pero visualmente queda bien. La primera pieza que da título tiene en su origen una pesada estructura (no confundir con metal por favor!) que pronto se convierte en la clásica secuencia melódico-instrumental con rigurosas capas de mellotrón, órgano y sinte muy activo. La inconfundible melodía made in Nicholls, permite que una vez más Mike Holmes se luzca en sus habituales intervenciones. El remanso de “Life Support” con su suave paseo de piano apoyando la bella melodía que parece desintegrarse hasta que la guitarra define donde estamos. “Stronger Than Fiction” es puro IQ sinfónico y vuelve el sonido brillante de antaño. Wesworth es un tipo interesante en los teclados y proclaman cierta ternura Genesiana en el desgrane acústico un tanto Ant Phillips que siempre se agradece. Pieza muy hermosa que termina un poco incluso a lo Camel pero sin perder jamás sus señas de personalidad. Empalma con la emotiva “One Fatal Mistake” donde la guitarra acústica sigue perfilando al igual que el piano. Preciosa balada con apoyo vocal que le viene de perlas a Nicholls. A estas alturas el disco ya te ha seducido por completo. “Ryker Squies” rubrica todo lo que estamos hablando y ya nos metemos en mayores fregaos . El texto cantado por Nicholls quizás se haga algo largo pero tiene buenos momentos y prima lo emotivo. Lo instrumental se lanza por fin y el sinte tiene su particular lucimiento. La energética e interesante “The Province” da paso a la maravillosa “Closer” para que te vayas a la cama tranquilo porque te hace olvidar lo malo del mundo y a las “manadas” pedazo carne que lo ocupan.
Alberto Torró












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LE ORME - L´infinito (2004)

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La última trilogía ocupada por “Il Fiume”, “Elementi” y este L´infinito supone el adiós del veterano Aldo Tagliapietra en la formación clásica de Le Orme, pero también el mejor disco de los tres.

 Leo que al Le Orme de hoy se le considera más un grupo de pop clásico italiano con brillantes y elegantes arreglos sinfónicos que a una banda progresiva al uso. Si me permitís un apunte personal, nunca consideré a Le Orme como una banda progresiva. Aunque sí sinfónica.  En realidad, se parecían más a un grupo de pop rock folk melódico, que a otra cosa. Incluso sus primeros discos, incluso en mi opinión el “excesivamente valorado” “Felona e Sorona” está en realidad muy apartado de lo que hacía la PFM o Banco Ya lo dije en su momento. No hay fuegos artificiales ni invasiones bárbaras en su forma de componer. Todo son canciones. Muy bien arregladas, muy bellas, con aditamentos precisos y elegantes, pero canciones al fin y al cabo, sin excesivos desarrollos instrumentales que sí, en ese caso contrario, habrían conseguido la estrella michelin prog. Es lo que hay. En Italia el concepto de rock progresivo tiene tantas o más variantes que en el resto del mundo. Probablemente más, porque ellos tienen la tradición del “bel canto”, la música renacentista, el barroco, el cancionero mediterráneo con sus danzas y melodías populares y para colmo fueron los pioneros en muchas de las llamadas músicas futuristas y aleatorias de mediados del siglo XX incluido el jazz y la vanguardia. Hay mucho tomate musical en el país de la Pizza. Un tema reservado a eruditos en la materia que no viene al caso. Le Orme en realidad podrían no estar muy lejos en el efecto emocional de los Moody Blues o La Barclay James Harvest. En concepto global evidentemente porque musicalmente no se parecen en nada. Es pop-rock sinfónico a groso modo y por simplificar.

“L´infinito” me atrevería a decir que encuadra perfectamente con un álbum de rock sinfónico por la pureza de su propuesta. Suenan menos pop-song que antaño Quizá de los más sinfónicos de su discografía. Escuchar a Tagliapietra como siempre es una delicia, su italiano límpido como una gota de agua, su sentido lírico-emocional que solo ellos saben imprimir muy diferente del anglosajón. La música italiana se deja querer ella sola, sin forzar nada. Es pura poesía sonora, lejos de las angustias y el “drama” depresivo más afín a los británicos. El teclista Michele Bon es básicamente el alma mater de la estructura instrumental, muy clásica, hay que decirlo. La guitarra sintetizada nos da la ilusión de una solista real. Andrea Bassato es un excelente compañero al piano, teclados y violín. Repito suenan mucho más sinfónicos incluso que en los mediados setentas. Los teclados en su aspecto de orquestación son fundamentales ahora en Le Orme. 


Podemos oír pianos, órganos, strings, clavicémbalos, sintetizadores y preciosas capas que enriquecen la siempre melódica música de este grupo. Intervenciones de violín novedosas en su estilo y siempre un todo elegante. Todo es como más compacto y enriquecido, más vibrante con más pulso que antaño. Escuchad “Si Piu Immaginaire” para entender lo que digo. El piano solo tiene intervenciones y pasajes preciosos con colchones sinfónicos de teclado que le dan a Le Orme una seriedad superior a otros tiempos: “Il tempio sul lago”, “Canto” y su delicioso sinte. “La Ruota del cielo” sitar en mano y psicodelia de manual con hermosa melodía casi naif. Puro Orme en su faceta más tierna. Preciosos acordes de colchón teclístico y violín casi con olor asiático para hacer que el dibujo nos entre por los ojos como una delicatesen. Ya no sé si tomarme una IPA, un sake o un licor de rosas. “La otra Luna i el Sole” que decir si el título ya lo dice todo. El hammond se proclama con vanidad y el sinte le contesta entre sinfonismos de los de siempre, de los que alegran el corazón. Un cuarteto de cuerdas dejan que Tagliapietra cante los últimos versos y tu alma se relaja en paz. El breve instrumental de dos minutos “Come onde sull océano” podría haber dado unos minutos más de entretenimiento para acabar con la coda sinfónica del álbum. Pero ya nos vale. 


Han grabado un disco más que recomendable y muy bonito aunque el adjetivo siempre se emparente con lo moñas. No es por hacer la puñeta pero estos Le Orme me gustan mucho más que los que forjaron su leyenda. Pero qué habría pasado si en lugar de 2004, esto hubiese aparecido en 1972…nunca se sabe.
Alberto Torró


Temas

1Il Tuono E La Luce3:01
2La Voce Del Silenzio4:22
3Shanti2:43
4L'Infinito5:33
5Si Puo' Immaginare5:49
6Il Tempio Sul Lago3:16
7Questo È Il Mattino0:40
8Canto4:53
9La Ruota Del Cielo5:41
10Tra La Luna E Il Sole4:08
11Come Onde Sull'oceano2:23
12L'Infinito (Ripresa)2:34








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ACID MESS - II (entrevista) (Rockliquias Bandas)

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Acid Mess procedente de Asturias en concreto de Oviedo. La banda está integrada por Tony (batería), Borja (bajo) y Miguel (guitarra). Estos dos últimos ya pasaron por Rockliquias con su banda paralela SOMBRA. En Septiembre de 2015 editaron su última producción, "II". Han pasado ya más de dos años y nos pusimos en contacto para saber como les va la vida.


Rockliquias.- ¿Cómo elegisteis el nombre de la banda?

Fue una tarea, que con mucho gusto realizaron Mérida (primer batería de la banda) y Bor (bajista y fundador de la misma) un buen día de comedia. Durante aquellos años había mucha rabia contenida y se tenía que transmitir con palabras concisas y directas.
Creo que fue todo un acierto!

Rockliquias.- Nos podéis comentar que variaciones en la formación se han producido desde que empezasteis

Es quizás la pregunta que más da sentido a la evolución de Acid Mess.
La banda la creó Bor junto a Mérida y Nel (primer guitarrista). Se hicieron unos cuantos conciertos antes de grabar su primer trabajo y posteriormente entraron al estudio. Tras esa grabación, Nel decidió por razones personales no seguir con el proyecto. 
En ese momento se decidió llamar a mishi, guitarrista y amigo de la banda que no se perdía un solo ensayo desde sus inicios.
Pasaron unos años llenos de buenos momentos y hasta se llegó a grabar un segundo trabajo, pero  Mérida tuvo que dejar la banda para poder centrarse en sus estudios. 
Recuerdo que el último concierto que dimos fue en la Panera de Grao y que nuestro colega Luis Casero (fotógrafo en funciones aquel día) nos había hablado muy bien de un amigo suyo que tocaba la batería. Allí se encontraba Tony con 19 años y unas ganas tremendas de meterse en la formación.
El primer día que ensayamos con él, nos dimos cuenta de por donde iban a seguir los pasos de Acid Mess. Estoy convencido de que fue amor a primera vista!
Por último y en consecuencia del parón que sufrimos, aparece en escena Juan (sombra), un batería de la zona con dotes suficientes para coger la sección de las teclas en Acid Mess.


Rockliquias.- ¿Cuáles son vuestras influencias?

Son infinitas y muy variadas. Cada año se renuevan y puede que sea la pregunta que nunca queremos responder. 
De una manera muy general nos servimos de las experiencias que cada día nos abordan. 
No es justo ni posible nombrar una serie  de grupos que definan nuestras influencias.

Rockliquias.-  Después de editar "Acid Mess" en 2010 llega "I" en 2012. Continuáis con temas cortos y directos

En ese momento teníamos muchas ganas de darle una vuelta al sonido de la banda y crear pasajes mas etéreos, alejándonos de los sonidos hardcore-punk, pero hablando en claro no teníamos ni puta idea de tocar psicodelia y nos salió otro disco cargado de caña y mala hostia.

Rockliquias.- "LAST ICE CREAM FEST" (2013) es una grabación en directo conteniendo dos largos temas. Una especie de orgía punk-stoner - psicodélica.

Vaya liada anda!! Por aquella época ya andábamos tocando con Tony.
Ese día en especial recuerdo que nos tocó salir a altas horas de la madrugada con un ciego de espanto. Fue de los pocos conciertos donde hicimos un mix entre los discos de punk y los de psicodelia.
Fue una buena noche y para culminar el fin de semana, al día siguiente nos hicieron una entrevista en la radio. No podemos estar mas agradecidos al colectivo colapso!


Rockliquias.- "Creedless" lo editáis en febrero de 2013. La evolución es más que notable.

Es aquí donde podemos retomar la frase: “amor a primera vista”.
Considero que los buenos trabajos tienen que tener una influencia detrás pero creo también que es fruto de la puesta en práctica. Y da la casualidad de que íbamos a ensayar todos los momentos que teníamos libres. 
Estirábamos una hoja de papel enorme en el suelo y apuntábamos todo lo que iba surgiendo en las improvisaciones. Parábamos, comunicábamos las ideas y volvíamos a repetir el proceso hasta que nos dimos cuenta que teníamos un trabajo que necesitábamos inmortalizar.
Es sin duda el mejor recuerdo que tenemos de es disco.

Rockliquias.- Estamos en 2014 con "Madre Muerte" un trabajo más relajado y conteniendo "I Want You (She's So Heavy)" de The Beatles.

2014 fue el año mas activo de Acid Mess. Tocábamos por una miseria pero no parábamos ni un fin de semana. Estábamos tan cansados de tocar el mismo repertorio que se empezó a componer algo nuevo, nada que ver con el creedless. 
Teníamos dos canciones y no nos daba ni para llenar un 7 pulgadas. Se habló de preparar una versión pero todos coincidíamos en que debía de ser una canción distinta a la original. Ilusos de nosotros, lo intentamos con “abre la puerta” del grupo español Triana pero pronto vimos que nos iba a salir un churro.
Fue entonces cuando Tony propuso I want you y ensayando nos dimos cuenta de que aquello si que funcionaba.

Rockliquias.- Vuestro último proyecto hasta la fecha es "Acid Mess II" (2015). Parece que el sonido de "Creedless" se ha consolidado con cuatro composiciones de larga duración.

Un trabajo a contrareloj que nos dejo un buen sabor de boca. 
Este disco coincidía en el tiempo con la migración a tierras inglesas de nuestro querido Tony. Era una de sus idas y venidas a los dominios astures y teníamos una cita ineludible con la banda americana de nombre Harsh Toke.
Habíamos tocado recientemente muchas veces en la Lata de Zinc y decidimos poner en el cartel que tocaban “Los Muerte” en vez de poner el nombre real de la banda. A su vez quisimos solo tocar canciones improvisadas y no tocar ni un solo tema que fuera de Acid Mess.
Con ello recuerdo un pasaje de tony que lo desarrollamos hasta el final, pero el resto eran aún  riffs cargados de improvisación. No teníamos ninguna gana de editar un nuevo disco pero un colega nos comió la cabeza y bien comida.
El trabajo de estudio “II” se compuso en un mes y se grabó en 2 días y medio.

Rockliquias.- Hasta 2015 editabais una grabación por año.¿Para cuando vuestro siguiente proyecto?

La situación es la misma que por entonces. Tony se encuentra inmerso en su educación musical allá en Londres y nosotros cada vez mas metidos en el ajo con la banda Sombra.

Si es cierto que debemos de tener como 8 temas nuevos y que si nos tomáramos tiempo para su desarrollo iba a salir algo de lo que estar orgulloso pero sería un trabajo de estudio que no tendría opciones reales a ser defendido en directo. Por ello consideramos que el parón tiene que seguir por el momento.
Por el contrario seguimos aceptando bolos si las circunstancias lo permiten, ya que la música en directo es una adicción que no queremos erradicar.

Rockliquias.- ¿Cómo va el tema de los conciertos? ¿Es cierto que hemos superado la crisis?

En parte parece que hay mas respuesta pero creo que es un reflejo de los festivales. Cada vez hay mas festivales y es donde menos se cuidan a las bandas emergentes, sueles aceptar condiciones de mierda para formar parte de un cartel y en general son eventos donde el sonido en directo no se cuida. 


Rockliquias.- ¿Qué le diríais a nuestros lectores para que se descargasen el CD y fueran a vuestros conciertos?

Les diría que fueran a los conciertos en general que es donde de verdad se ve si la banda es o no de tu agrado. 
El disco es donde se encierra un trabajo y tienes la opción de reproducirlo las veces que quieras, pero solo esa versión de tu trabajo. En el directo hay infinitas posibilidades de interpretar el mismo trabajo de hace años. Para mi no hay color, siempre música en directo.


Acid Mess nos presentan cuatro temas instrumentales caminando por los sinuosos senderos psicodélicos mezclados con el filtro stoner experimental.  "Brahamanda" nos hipnotiza con su riff de guitarra hasta llevarnos al nirvana hendrixiano. Misterioso, enigmático, llega "El vuelo Del Cóndor", sonidos stoner con viejas y oscuras reminiscencias "sabbathicas", gran acierto la inclusión del órgano. El inicio de "Alquimia" me ha recordado a los cántabros "Bloque". La imagen se dispersa hacía el minuto dos frenéticos riffs nos despiertan y nos ponen las pilas.  Apaga la luz  y disfruta de "Una muerte maravillosa"  poco a poco llenará todas tus venas. Sus iniciales sonidos acústicos te guiarán hacía el abismo sonoro de sus riffs finales.
Esperamos que pronto Acid Mess vuelvan a la carretera. De momento disfrutaremos de su proyecto paralelo, "Sombra".
J.C. Miñana.





P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70


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Dave Mason - California Jam 2 (1978)

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California Jam 2 fue un festival celebrado en el  Ontario Motor Speedway , California, el 18 de Marzo de 1978. Ese día actuaron Aerosmith, Foreigner, Heart, Mahogany Rush, Dave Mason, Jean-Michel Jarre, Rubicon, Santana, Bob Welch y Ted Nugent ante 350.000 personas. Los precios 12,50 $ adelantada y 17$ en taquilla. Se recaudaron tres millones de dolares. El organizador del evento, Leonard Stogel, murió al año siguiente en accidente de avión motivo por el cual no hubo una tercera edición.


Dave Mason fue miembro fundador de Traffic participando en sus dos primeros discos.  También participó en las primeras formaciones de  Derek and the Dominos incluso llegó a actuar en su presentación en el  London Lyceum pero prematuramente abandonó el proyecto. En cuanto a su carrera en solitario editó su primer disco,  Alone Together, en 1970 posteriormente llegarían  más de una docena.  Por cierto Mason era muy amigo de Hendrix llegando a participar en la grabación del "All Along the Watchtower", tocando la guitarra acústica.



Dave Mason actuó en segundo lugar después de Bob Welch encargado de abrir el festival. Mason había editado el año anterior, "Let It Flow", y se presentaba acompañado de una gran banda. Como segunda guitarra tenemos a Jim Krueger. A los teclados,Mike Finnigan, que había participado en la grabación del "Electric Ladyland" de Jimi Hendrix. Y en la sección rítmica Gerald Johnson (bajo) y Rick Jaeger (batería). El "setlist" comienza con " Feelin' Alright" y " Pearly Queen" del segundo disco de Traffic. Continua con "Let It Go, Let It Flow" uno de los temas estrella del "Let It Flow" y con  "Look At You, Look At Me" de su primer disco "Alone Together". La parte más acústica llega con "We Just Disagree" y "So High (Rock Me Baby And Roll Me Away)". Seguimos con otro tema del "Let It Flow", "Takin’ The Time To Find" y llevamos cuatro. Finalizamos con el mítico "All Along The Watchtower" que se corta con un maldito fade out, y el "Gimme Some Lovin´" que entra con un horroroso fade in. Buenos solos de guitarra a cargo de Dave Mason que posiblemente sorprendan a más de uno. En cuanto al sonido perfecto salvo los mencionados fades.
J.C. Miñana


Temas
00:00 Introduction
01:00 Feelin' Alright
07:06 Pearly Queen
11:25 Let It Go, Let It Flow
14:48 Look At You, Look At Me
22:46 We Just Disagree
25:59 Rock Me Baby
31:25 Taking The Time To Find
37:57 All Along The Watchtower (fade out)
40:22 Gimme Some Lovin'  (fade in)


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TOM DISSELVET - Fantasy in Orbit : Round the World With Electronic Music (1963 / PHILIPS) (Serie Pioneros)

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También en Holanda nos encontramos con primeros sintetistas (o similares), "de bata blanca". Tom Disselvet nació en 1921 y murió en 1989. De 1934 a 1944 estudió en la Royal Conservatory of The Hague,  trombón,  clarinete, piano y teoría de la música.  El jazz y las grandes orquestas sería lo próximo,  entrando en la Jos Cleber Orchestra después de la Segunda Guerra Mundial, tocando mucho por Indonesia. Con otra orquesta, la de Piet Van Dijk, se pega tres años por España y Norte de África  (como Indonesia, más o menos). En 1955 es el bajista de The Skymasters. Comienza a interesarse por Karlheinz Stockhausen y el serialismo tonal. Escucha compulsivamente emisoras alemanas y se mete de lleno en aquellas fascinantes nuevas músicas. El dodecafonismo de Arnold Schonberg lo convence del todo. Recomendado por Philips, y junto a Dick Raaljmakers (aka Kid Baltan), montan un dúo de primera música electrónica.. En 1957 editan "The Elektrosoniks : Electronic Music". En 1959 "The Fascinating World of Electronic Music". Del cual David Bowie dijo que estaba entre sus 25 álbumes favoritos. También era un indispensable del director de orquesta Waldo de los Ríos. Así que ya sabes de dónde salió la inspiración para las inquietantes bandas sonoras de "Quien puede matar un niño" o "Historias para no dormir".


Ya en solitario, Tom Disselvet lanza discos como "Música para un Guateque Sideral" (1960) , - no sé a quién se le ocurrió el nombrecito para la spanish edition,  pero ya le vale -, o éste "Fantasy in Orbit : Round the World With Electronic Music" (1963). Fantástico álbum electrónico adelantado a su tiempo, y que hubiera pagado algo bueno por ver cómo se hizo. Mayormente previa manipulación salvaje de cintas de magnetófonos, generadores de sonido como cajas de zapatos metálicas,  llenas de vumetros y botonacos, filtros de banda, modulador anular, piano preparado y barras metálicas a modo de percusiones. Ah, sí,  y sobretodo paciencia infinita para organizar algo coherente con ése equipo casi de "quimicefa". En los 14 cortes no muy extensos que aquí encontramos, aparecen "secuenciaciones" y "soundscapes" dignos de sintetizadores avanzados de los 70. Eso ya se aprecia en "Ignition", que supone una verdadera vanguardia para los primeros 60. "Atlantic" está presidida por sonidos acuoso-cibernéticos,  no sin mezclaje electroacustico. Realmente puedes denominar esto como "Berlín School" sin ningún problema! Me extraña que Disselvet no acabara haciendo algo para cine, porque su música está totalmente impregnada de sonidos enigmáticos al estilo de aquellos encantadores films de ciencia ficción en blanco y negro de los 50. 

La sensación de gélida soledad nos envuelve en "Spearheads". "Zanzi" parece obra de la calenturienta mente de Conrad Schnitzler diez años antes. Gordos sonidos analógicos secuenciales, que parecen escupidos por un Prophet-5 (estaba sin inventar), llenan "Anchor Chains". Moebius y Roedelius con las orejas bien atentas.
"Tropicolours" quedaría perfecta en cualquiera de los dos primeros discos de Kraftwerk.  Y "Gamelan" tiene toda la influencia y recuerdos de su estancia por Indonesia. De nuevo, si esto lo oye Kubrick o Hitchcock, lo fichan ipso facto. La segunda cara nos saluda con "Woomerangs" y sus serpenteantes sonidos del más allá. He oído discos alemanes kosmische bastante menos "cósmicos" que éste. Una melodía esquizoide presenta "Waltzing Matilda", que nos pone un poco los pies en la tierra.  Como una desequilibrada Wendy Carlos. "Pacific Dawn" entra de lleno en territorios schulzianos, con la salvedad de que el tío Klaus igual no tenía  todavía ni batería , (su primer instrumento ). "Gold & Lead" es una espesa bruma "phaedrica" perfectamente reflejada. Y sin el ingente arsenal del que disponía Edgar Froese y cía. 

A pesar de su nombre, no esperes en "Mexican Mirror" música típica fronteriza. Es un delicioso desquicie al puro estilo berlinés. Lo mismo que "Seconds To Eternity", - Cosmic Jokers en ingesta de tortilla de ayahuasca -.
Y la final "Re-entry", que es otra profecía cósmica,  para "guateque sideral", psicodélica  y pre-industrial.
No me queda otra que aseverar la genialidad de Tom Disselvet, su valentía e increíble anticipación. Y éste álbum colocarlo en los puestos más altos de nuestro particular chart de la "Serie Pioneros". Se dice que el cosmic-kraut surgió en el Berlín de los 70. Que no te engañen. Fue en La Haya de los 60.
J.J. IGLESIAS



Temas
A1. Ignition 0:00
A2. Atlantic 3:22
A3. Spearheads 6:38
A4. Zanzi 9:28
A5. Anchor Chains 12:20
A6. Tropicolours 15:07
A7. Gamelan 19:04
B1. Woomerangs 22:10
B2. Waltzing Matilda 25:17
B3. Pacific Dawn 27:09
B4. Gold And Lead 30:57
B5. Mexican Mirror 33:38
B6. Seconds To Eternity 35:53
B7. Re-entry 39:34




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Tedeschi Trucks Band - Live from the Fox Oakland (2017)

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Como dice el refranero español: "de casta le viene al galgo". Derek Trucks, sobrino de  Butch Trucks, mítico batería de The Allman Brothers Band. A los 11 años realiza su primera actuación y a los 15 forma su propio grupo, The Derek Trucks Band. En 1999 se convierte en miembro oficial de los Allman Brothers permaneciendo con la banda hasta el 2014. Durante todo ese tiempo ha realizado grabaciones con su banda, con Allman Brothers, Eric Clapton  y un sinfín de colaboraciones.


Susan Tedeschi y Derek  Trucks se conocieron cuando la banda de Susan actuó como telonera de The Allman Brothers. En 2001 se casan y en 2007 realizan una gira juntos bajo el nombre de "Derek Trucks & Susan Tedeschi's Soul Stew Revival". Por fin en 2010 deciden unir sus fuerzas en una nueva formación, "Tedeschi Trucks Band". Hasta la fecha han editado tres discos en estudio; "Revelator "(2011), Made Up Mind (2013) y "Let me get by" (2016). Y dos en directo: "Everybody's talkin'" (2012) y "Live fron the Fox Oakland" (2017).


"Live fron the Fox Oakland" es el segundo disco en directo de Tedeschi Trucks Band, grabado el 9 de Septiembre de 2016 en Oakland, California. El grupo se presenta con una extensa banda formada por : Susan Tedeschi (voz, guitarra), Derek Trucks (guitarra),  Mike Mattison (guitarra acústica, voces), Tim Lefebvre (bajo guitarra), Kofi Burbridge (teclados, flauta), JJ Johnson (batería, percusión), Tyler "Falcon" Greenwell (batería, percusión), Kebbi Williams (Saxofón), Elizabeth Lea (Trombone), Ephraim Owens (Trompeta), Alecia Chakour y Mark Rivers (coros). También tenemos a dos invitados: Alam Khan (sarod en "These Walls" y Chris Robinson (guitarra) en "You Ain't Going Nowhere" en la versión Blu-ray. En cuanto al "setlist" tenemos seis temas de su tercer disco en estudio "Let Me Get By". También encontramos jugosas versiones: "Keep On Growing" (  Derek and the Dominos), "Bird On The Wire" (Leonard Cohen), Within You. Without You (George Harrison), "Leavin' Trunk" (Sleepy John Estes), "Soul Sacrifice" (Santana), "I Pity the Fool" (Joe Medwick ) y  "Ali" (Miles Davis). En cuanto al apartado musical encontramos una buena mezcla de estilos, por supuesto buen rock sureño, no olvidemos la gran maestría de Derek Truck con el "slide guitar".  Sin duda la etapa en los Allman Brothers está muy presente, "I Want More (Soul Sacrifice Outro)". En "Keep on growing" toma el papel de Duane Allman como replica a Susan Tedeschi que hace de Eric Clapton. Sonidos asiáticos hindúes nos llegan en "These Walls" y "Within You. Without You". Buen soul-blues en "Bird On The Wire". Incluso cierta experimentación con inclusión de solo de batería en "Alí". Totalmente recomendable este doble en directo que se ve ampliado con tres temas más en su versión Blu-ray.
J.C. Miñana








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