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Le Orme ‎– Verità Nascoste (1976)

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 Con la inclusión de un nuevo guitarrista llamado Germano Serafin como miembro fijo del grupo, Le Orme serían un cuarteto estable hasta 1982. Si con “Smogmagica” veíamos a unos Le Orme algo más facilones y proclives a no usar mucho el coco, con Verita Nascoste se sienten menos vagos a la hora de componer y le dan a la música algo más de chicha e interés.


 Germano se adapta mejor que el anterior guitarrista y no resulta tan agua-aceite en la mezcla. Como es habitual en ellos vuelven a un progresivo amable y nada complicado donde prima la melodía setentera típica italiana y una elaboración más animada en la composición. Han trabajado más las estructuras y hay más cortes y cambios: “Insieme al Concerto” es bastante entretenida y alargan un poquito más las piezas en torno a los 6 mtos. 

“In ottobre” sigue en parecida línea y la rítmica es más variada. El órgano de Pagliuca se erige en líder y la guitarra combina la rítmica con algún que otro solo sin salirse nunca de madre. Todo entra a la primera y en general es previsible con los cambios típicos de un sinfo-rock que todos hemos aprendido a poco que hayamos escuchado música. 


La delicada “Verita Nascoste” es de esas breves preciosidades poéticas made in Tagliapietra. Han tenido incluso el acierto de incluir un cuarteto de cuerda y es un verdadero placer escuchar cantar en italiano. Siempre lo es, al menos para mí. 

“Vedi Amsterdam” se inicia haciendo ruiditos probablemente con la guitarra y pronto entra de forma activa un energético teclado casi factoría hard-prog pero sin tanta cafeína. Un corte radical nos abre las puertas a “Regina al Troubadour” y los rasgeos acústicos son bastante habituales en lo que llevamos de disco, el tufillo popero siempre está al fondo de las cosas, pero se las arreglan con pequeños pasajes muy bonitos que también se alternan con ciertas frivolidades algo simplonas, aunque en general el equilibrio y resultado final es en parte convincente.


 “Radio Felicitá es otra baladita acústica inofensiva algo friki y grotesca en algunos segundos. Así son Le Orme con sus peculiaridades, pero siempre agradables. Una efectiva sencillez podría denominarse. “I Salmoni” es otra chorradilla curiosa que no disgusta. “Il Gradino Piu Stretto Del Cielo” cierra el disco con un rock-pop  inicial y alternado de cortes melódico-acústicos donde el moog junto con la guitarra solista hacen alguna pirueta y se agradece. En definitiva, es un disco muy agradable de principio a fin y muy fácil de escuchar. Le Orme no te alterarán nunca los nervios y son muy afines de ese lado del sinfónico inofensivo un poco a la Barclay James Harvest… pero eso sí, italiano, genuinamente italiano y por tanto encantador.
Alberto Torró





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KRAZARK - Krazark (2018 / KRAZARK) (Rockliquias Bandas)

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Ellos lo llaman EP, pero muchos grandes discos de los 70 duraban lo mismo que éste,  cerca de media hora. Los madrileños KrazarK debutan de largo con éste disco tras el single "Ride The Hell" del año pasado. Su estilo anda cerca del stoner sureño y desértico,  pero puedes incluir classic hard y psych en la mezcla. Formados en 2015, lo componen Esteban Muñoz (voz solista y también cantante en Grapeshot), Kiara (guitarras), Joan (batería) y Álvaro Diez  (bajo, ex Dover). 


Su actividad por la capital es constante, y no me extrañaría poder verlos por Zaragoza cualquier día de estos,  porque por aquí gustan de traer bandas de su estilo. Crucemos los dedos.

"Dark City" (6'43) arrasa en su salida, con voz huracanada cavernícola,  bajo destripante, batería demoledora y guitarra a la Zakk Wylde. Sin dejar prisioneros, vaya. El solo de Kiara, -y la canción en sí -, tiende al blues rock a mitad de la misma. Con muy buenas maneras de Esteban y un corrosivo wah wah. De vuelta al vendaval sonico del comienzo, con una sección de ritmo desatada. KO en el primer asalto.  La señora guitarrista de éste grupo combina con habilidad y sabiduría, modos vintage y psicodélicos , con otros más metálicos,  stoner y actuales, según requiera el momento. 


Así se presenta el nuevo single, "Keep Your Fire Alive" (4'32). En tremenda explosión de influencias Fu Manchu,  Kyuss, Clutch o hasta el patrono del gremio, San Hendrix de todos los Marshalls. 

"No Pride" (4'23) es como una jodida tempestad en el desierto. Magia negra aprendida en buena parte de Black Label Society y puesta en práctica con toda la mala leche del mundo. Los cuatro se salen en cada uno de sus roles, seguros, rotundos y retadores, justo lo que exige ésta música. 


Ese wah wah serpenteante como una cascabel, inocula adictivo veneno en "Southern Metal Fest" (5'12). Un pedazo de cañonazo southern stoner de pesado hard rock blues como base. Con la guitarra apisonadora de Kiara como un homenaje a Elyse Steinman, la desaparecida (por estas fechas del año pasado), guitarrista de los eternos Raging Slab. Apocalípticos,  los madrileños.


"Ride the Hell (Remastered)" (5'55) es una rehecha versión  de su primer single. Un temarraco del infierno que Mefisto usa para atormentar almas inmundas desde que KrazarK lo compuso.


 Ésta banda posee unas potentes cartas para apostar fuerte en el difícil poker del rock internacional. Actitud, TODA. Saben cómo se toca hard stoner rock y, más importante, saben transmitirlo.
Exquisita munición de alto calibre.
J.J. IGLESIAS



Temas
1.Dark City 00:00 
2.Keep Your Fire Alive  06:43
3.No Pride   11:15
4.Southern Metal Fest   15:38
5.Ride the Hell (Remastered)   20:50







P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70


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IRON BUTTERFLY - Live In Copenhagen 1971

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 "In-A-Gadda-Da-Vida", tema incluido en su segundo disco, marcó por completo la carrera musical de los Iron Butterfly. Pero nos preguntamos si ¿Hay Iron Butterfly después de "In-A-Gadda-Da-Vida"?. Hoy intentaremos descifrar el enigma escuchando uno de sus conciertos de 1971.


En 1971 Iron Butterfly había sufrido notables cambios en su formación. De los miembros originales del 66: Doug Ingle (voz, órgano), Jack Pinney (batería), Greg Willis (bajo) y Danny Weis (guitarra) sólo quedaba Doug Ingle . En 1970 junto a  Lee Dorman (bajo), Ron Bushy (batería), Mike Pinera (guitarra) y Larry  Reinhardt (guitarra) editan "Metamorfosis", cuarto álbum de la banda. Discrepancias entre sus miembros en cuanto a su orientación musical derivaron en su separación después de tocar en el Central Oregon Community College el 23 de mayo de 1971. Posteriormente se volvieron a reunir pero esa es otra historia. 


La grabación pertenece al concierto de los Iron Butterfly celebrado el 25 de Enero de 1971 en  Copenhagen dentro de la gira de presentación de su cuarto disco de estudio, "Metamorphosis". Los teloneros fueron YES. En cuanto al "setlist" tenemos cinco temas del álbum que estaban presentando, su gran éxito "In-A-Gadda-Da-Vida" y una jam final con dos miembros de YES (Tony Kaye y Bill Bruford). En cuanto a las sonoridades tenemos "heavy Psych" con profusión de solos de toda índole. Tema destacado "Butterfly Bleu" y la jam con los Yes, por el documento histórico que representa. Sonido Aceptable.
J.C. Miñana






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PULSAR - Pollen (1975 / KINGDOM)

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Éste debe ser el único polen al que no soy hiper-alérgico. Primer álbum de los franceses (de Lyon), Pulsar.


Ya currados y experimentados músicos en el boom sesentero del rock psicodélico,  como Soul Experience. Después de cansarse de hacer versiones de Hendrix, Cream y similares, descubren que lo suyo es la mina improvisativa desarrollada por la más avanzada línea psych. Dicese de Pink Floyd, (están considerados los "Floyd franceses"), Soft Machine, y demás visionarios del momento. En el 70 forman Pulsar con éstas directrices. El sello británico Kingdom Records los ficha en 1974, todo un mérito para una banda no-inglesa.

Ellos eran Gilbert Gandil  (guitarras eléctricas / acústicas,  voz), Jacques Román (piano, órgano y ARP synth), Rolland Richard (flauta, String Ensemble), Philippe Román (bajo, voz) y Víctor Bosch (batería y percusión).

Su tema de presentación es su bautizo, "Pulsar" (3'00), con fuerte sabor space rock por el uso del ARP, en una planante exposición grupal orientada al período "Meddle - Atom" de Pink Floyd. Victor Bosch se ha empapado del estilo Nick Mason, y eso los acerca todavía más a los de Waters. 

"Apaisement" (7'30), con su dulce canto en lengua nativa, guitarras acústicas narcotizantes y el String Ensemble en activo, crea un efecto levitatorio que la flotante eléctrica se encarga de rematar. Añadamos la irresistible magia en la flauta de Rolland Richard, entre Ray Thomas (RIP) e Ian McDonald, y entrada gratis para el nirvana Pulsar. Una excelente conclusión de  la pieza.

Sin silencios, "Puzzle / Omen" (8'00) nos adentra en otro bellísimo universo sympho-kraut no alejado de Mythos o Yatha Sidhra. La enigmática voz invitada de Carmel Williams recita al modo Nico, sobre música extremadamente "prozakiana", "valiuminosa", "trankimaziana" y "tranxiliuminosa". Ansioliticamente bella, y recurriendo al sinfonismo como clave embellecedora de su estilo. Algo que crecerá en calidad y cantidad en sus siguientes obras maestras de los 70 : "The Strands of the Future" (1976) y "Halloween" (1977), ésta última considerada por Goldmine entre los 25 mejores álbumes prog de todos los tiempos.


Para la cara B entramos en otro sueño vivido llamado "Le Cheval De Syllogie" (7'00). Con pesadillescos pasajes de sabor germano - floydiano en onda Jane / Eloy. Pero con el oscurantismo inherente al prog francés, del que los galos son maestros. Incluye spoken-word con voz procesada, (no existe todavía el vocoder), y la tensión se puede cortar. Muy logrado el ambiente desasosegante de todo el tema. En "The Lamb..." hubiera quedado niquelado, aunque el estilo que aquí se practica tienda más al space-kosmische.

 Finalmente "Pollen" (13'05) es otro golem musical de magnífica elegancia. Puedo resultar atrevido si afirmo que Pulsar demuestra más ideas por segundo que Pink Floyd en ésa época? Su profunda nostalgia francesa alcanza bellísimas cotas en la parte vocal, mientras que instrumentalmente están tocados por las nueve musas de la mitología griega. Especialmente por Euterpe, en el delicado uso de la flauta. Y Urania por lo celestial, cósmico y astronómico de un extraordinario trabajo.

Philippe Román dejará su puesto al bajo después de éste disco para Michael Masson, hasta 1980. Y éste a su vez lo cederá a Louis Paralis, del 81 a hoy. Ya he dicho que sus obras de los 70 son oro vinilico indispensable. Pero no debemos olvidar "Bienvenue au Conseil d'Administration" (1981), "Gorlitz" (1989), - disco de vuelta tras una separación a comienzos de los 80 -, y el más reciente, "Memory Ashes" (2007).

Pulsar no tiene nada malo, pero como en casi todo, mejor empezar por el principio. Y "Pollen" es un extraordinario escapismo mental / astral todavía no prohibido......ummmmh........
J.J. IGLESIAS



Temas
1. Pulsar (3:00) 
2. Apaisement (7:30) 
3. Puzzle / Omen (8:00) 
4. Le Cheval De Syllogie (7:00) 
5. Pollen (13:05)




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CROSSRODE ‎– Crossrode 1980

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Cada cierto tiempo necesitamos una píldora de buen rock sureño. Esta vez los encargados de administrarnos la dosis son Crossrode, banda de un solo álbum pero de una enorme calidad.


El grupo procedía de Carolina del Sur, lógicamente,  y se estuvo moviendo a finales de los 70. Editaron un disco de forma privada en 1980 teniendo en su formación a Barry Kell (guitarra, voz), Ricky Turner (guitarra), Ken Bolen (bajo) y Jay Devine (batería). Poco más se sabe de la banda.


Crossrode nos presentan ocho temas cargado de buen "souther rock". No falta de nada. Buena voz, vigorosa y con personalidad. Dobles guitarras que se van alternando y retando entre ellas. Ritmos desenfadados y alegres que invitar a moverte. En definitiva todos los "clichés" que definen este género.  Muy en la onda de los Lynyrd Skynyrd, buena prueba de ello es el tema "Win Or Lose (You Lose) " o "Rock And Roll Good News". La traca final llega con "Good Lovin' (Is Hard To Find)" casi 10 minutos de disfrute sureño.
J.C.Miñana



Temas
A1 Don't Want You No More 00:00
A2 Live And Let Live 04:19 
A3 Done Me Wrong 08:10 
A4 Maddog 12:19 
A5 Win Or Lose (You Lose) 16:16 
B1 Rock And Roll Good News 21:59 
B2 Travelin' Man 25:12 
B3 Good Lovin' (Is Hard To Find) 30:09




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ASTRAL BAZAAR - Pictures Unrelated (2018 / 790666 RECORDS DK)

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Después del fenómeno Malady de la semana pasada, seguimos en Helsinkiania. Planeta con un tipo de moradores muy peculiares y altamente recomendables.


Este es el primer álbum de Astral Bazaar,  recién editado en marzo de éste año. Un sexteto que comenzó en 2012, lanzaron varias demos y se recorrieron "su planeta" con actuaciones preparadas para llevar alegría  a todo aquel enamorado de la Psych / Prog music que se digne a escucharles. Ellos son Koos Zevenhoven (voz), Lauri Loikkanen (guitarra), Pekka Lehtela (guitarra), Mikael Laaksonen (guitarra, saxo), Jukka Sainio (bajo) y Eetu Peltoluhta (batería). No cabe duda que lo surrealista atrae a éstos tios. Porque ya me dirás a quién se le ocurre una portada con un oso hormiguero dentro de un cubito de hielo gigante. Será para gin-tonics especiales premium. 

Afirman que es un concept album dedicado a un famoso pintor, pero no nos dicen cual.....Su comienzo con "Pictures Unrelated Part 1" (8'15) nos avisa de que gustan de cuidar las voces, y que su balance entre la "swirl psych" y el "rococó prog" es mimado al detalle. Excelente tensión instrumental,  donde sintes, guitarras, ritmos  (atención al bajo), forman un caos organizado para nada improvisado. Aquí hay un estudio previo, y el catálogo de ideas fluye como manantial en invierno, (por Finlandia imagino que en verano también). Una propuesta muy Delerium años 90, que se acerca a inolvidables olvidados como Moom, Mandragora, The Spacious Mind o ST37.


"The Animation Hand" (5'27) casi cae del lado Neo prog facción "cottage industry". Dicese de aquellas bandas que se lo guisan y se lo comen todo desde sus pequeños talleres artesanales, a las afueras de la gran ciudad. Y sin contar con intermediarios chupasangre. Maravillas de ése tipo salieron en los 90 unas cuantas. Desde Abel Ganz a Citizen Caín, de Earthstone a Vulgar Unicorn. Aquí Astral Bazaar suena de ésa guisa, con un temazo que diría es hasta radiable. Para pincharlo sin parar.

Lo de "Ants (The Decay of....)" (4'23) es elegancia destilada y hasta influencia genesiana. Despista el saxo y la hillagesca guitarra. Si pones a Peter Gabriel al frente de Gong, et voila!

"Nuclear Mystique" (3'50) es otra gema de pequeña dimensión,  pero de carácter a tener en cuenta. Esta banda tiene una rara virtud que no se da en éste tipo de músicas. Saben hacer pequeñas increíbles cancionacas. Tienen un deje Echolyn en más de una ocasión,  y hasta de It Bites, o de Kevin Ayers, o.....a cada segundo una atmósfera y un recuerdo. Saben aprovechar el tiempo. 


"Prelude to Lucid Circus" (1'17) es un mágico prólogo,  casi de caja de música,  para entrar en "Lucid Circus" (6'16). Esto podría ser de los primeros IQ, por las penumbras y suspense ambiental. Una caravana de carretas gitanas en círculo a la luz de una hoguera en la noche centroeuropea de 1800. No sé,  su música me sugiere escenas de ése tipo, y cuando me excita el cerebro, es señal inequívoca  de composición inteligente. Apabullante algarabía progresiva. 

"Age of Gold" (5'49) exhibe condimentos perfectamente elegidos entre psicodelia y prog de los 90. Como una mezcla alquimica al fin conseguida, entre la Magic Mushroom Band, Cardiacs,  Jadis y Francis Dunnery. 

La final "Pictures Unrelated Part 2" (2'19) es como un canto triunfal, una celebración de un álbum redondo que ha atrapado un "manojo de mojos", sin plantearse dificilísimas cábalas instrumentales ni retorcidas composiciones de complicación imposible.


A los Astral Bazaar les ha salido esto de corazón,  casi casi,  sin proponérselo. Con la naturalidad de lo espontáneo.  Y eso amigos, ES LA MAGIA.
J.J.IGLESIAS 



Temas
01. Pictures Unrelated, Pt. 1 0:00
02. The Animation Hand 8:15
03. Ants (The Decay Of...) 13:43
04. Nuclear Mystique 18:06
05. Prelude to Lucid Circus 21:57
06. Lucid Circus 23:15
07. Age of Gold 29:32
08. Pictures Unrelated, Pt. 2 35:21





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IQ - EVER (1993)

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Cuando en Octubre de 1993 escuché este CD por primera vez, no me lo podía creer. Me dije a mi mismo es imposible y no puede ser. Pero fue. Yo acababa de iniciar el primer número de mi fanzine “Lunar Suite”. Una cosa tosca escrita a máquina. Recortada en un montaje con barrita de pegamento con mis propios dibujos pegados y posteriormente fotocopiada. Yo estaba solo. Lo inicié sin ninguna esperanza de que alguien lo leyera. Poseído entre la ingenuidad y el entusiasmo. Estaba literalmente hasta los zigotos (traducido: cojones) por una parte de que nadie se acordase del rock sinfónico y por la otra: como reacción a las músicas espantosas que ocupaban todos los medios de comunicación de la época. No recuerdo exactamente, pero creo que hice unos 20 ejemplares iniciales y los envié a la tienda prog de Barcelona por excelencia “Pan y Música”. Me dije: me van a llover hostias y risas. Afortunadamente me equivoqué y tuve que hacer más números. Ese mismo año conocí a Jota Iglesias y la cosa fue tomando forma. Esta historia es muy larga y quizá para otra ocasión. Esto viene al caso porque el “Ever” de IQ fue el culpable de que yo me decidiese por escribir sobre rock progresivo en uno de los países más insensibles y mezquinos que existen para la música progresiva como es España. No es el único supongo.


Los 90´s fueron una especie de nuevo resurgir en la materia progresiva referente a música, pero lógicamente en circuito cerrado y círculos exclusivos. Me entra la risa porque a los que nos gustaba esta música y nunca cambiamos de chaqueta, éramos considerados una especie de “logia masónica” de zumbaos y frikis, aunque este último adjetivo todavía no se utilizaba coloquialmente hablando.

 “Ever” llegó y yo esperaba encontrarme una continuación de la línea iniciada en el anterior trabajo. Mi sorpresa fue mayúscula. Peter Nicholls había vuelto en sustitución de Paul Menel y el único cambio de la formación original fue la entrada del bajista John Howitt en sustitución de Tim Esau. Al oír la primera pieza “The Darkest Hour” con sus 10 mtos se me erizó la piel. Progresivo sinfónico de primera con una brillantez absoluta. Desde el “Selling England By The Pound” no había sentido esa sensación del sinfónico británico en toda su gloria y no exagero. ¡¡La madre que los parió!!, se me iluminó una sonrisa.


 Siguieron “Fading Senses”… y esto no es que sea bueno, es extraordinario. La pieza “gancho” “Out Of Nowhere” da paso a la suite: “Further Away”. ¡¡Santo cielo!! me dije, no puede ser…!! otra vez y lo diré mil veces, que maravilla. Pero ahí no queda la cosa: para rematar la faena llegan “Leath Of Faith” y “Came Down” y acaban de matarme. La música es tan emocionante que casi “duele”. Una persona emotiva no podrá contener las lágrimas y aquí soy claro y rotundo. Todas las composiciones de este disco son brillantes y magníficas al 100%. 

Si a alguien que le guste el progresivo sinfónico no se emociona con este disco, tendrá que replantearse si de verdad le gusta la música. Pocas veces son tan explícito y los que me seguís en este apartado sabéis que cuando algo es bueno no me reprimo en absoluto. Este disco es algo “especial” y fuente imprescindible del estilo. Si hay unos cuantos álbumes históricos y fundamentales, éste es uno de ellos. 


A partir de éste disco IQ ya no bajarán el listón de calidad en ninguno de los siguientes trabajos. Algo inédito en la mayoría de los grupos de rock progresivo. Por eso cada nuevo disco de ellos se espera con interés. No voy a añadir nada más tan solo que si “Ever” no lo conoces, por favor escúchalo detenidamente. Me lo agradecerás.
Alberto Torró


Temas
1) The Darkest Hour
2) Fading Senses (I'm sorry, this song there's twice. It's fault of a stupid Windows Movie Maker's bug and I don't want to remake the video)
3)Out of Nowhere
4) Further Away
5) Leap of Faith
6) Came Down






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LE ORME - Storia o Legenda (1977)

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Este fue el primer LP que escuché de Le Orme y lo encontré de importación al principio de los 80’s en una pequeña tienda cutre de Barcelona, carísima y con una atención al público seca, desagradable y digna de judíos peseteros (ya no existe). Le pedí un pequeño descuento si me llevaba alguno más. Su respuesta fue que no era su problema que si no me lo llevaba yo ya se lo llevaría otro. Buena forma de hacer clientes.  Es cierto y los más viejos compradores de vinilo - que teníamos mucho aguante y por lo general mucha educación - recordarán que la amabilidad de los vendedores de discos no era algo muy habitual, salvo contadas excepciones y concretamente si les caías en gracia y te las dejabas. Aun así, me lo llevé. La portada era bonita y prometía y la edición era la original.


 Yo le cogí un cariño especial a este disco, quizá porque fue la primera vez que escuché la fina voz de Tagliapietra o quizás porque en aquella época nos agarrábamos a un clavo ardiendo en cuanto en los créditos de los discos veías un teclista con moog o mellotrón y el uso de guitarras acústicas. Lo demás casi daba igual. A esos niveles habíamos llegado. Encontrar una flor en una escombrera era algo raro. Y discos que en los 70´s nos habrían parecido mediocres, cobraban un interés casi enfermizo. Un símil sería: en un mundo en el que ya no hay rioja de reserva, nos conformamos con vino de la casa y gaseosa. Esto le pasa un poco a “Storia o Legenda” que es una gaseosa agradable, fresquita e incluso a veces un inocente sidral o refresco adolescente. Un viejo amigo rockero barbudo y compañero de liquidaciones vinílicas en el rastro cuando nos comieron el tarro con el CD, poco mayor que yo y que regentaba un bar setentero llamado la Ley Seca, me llamaba “el sinfónico” ya no sé, si cariñosamente, o para descojonarse de mi sombra. “… A ti Alberto te gustarán Le Orme porque son muy “babosetes”. Un encanto. Un saludo Miguel. La verdad es que a veces lo babosete me encanta, son aspectos de la multiplicidad paranoica en la personalidad de quienes oímos música sin parar o somos coleccionistas de discos y también porque a veces tenemos nuestro lado “moñas” por qué negarlo. No todo es Magma, Zappa, King Crimson o Art Zoyd en la vida. También están América o Crosby Stills Nash o Sandy Denny o la Barclay o los Moody…y tantos y tantos otros que alegran las pocas partes dulces de la vida y nos relajan los oídos y el esfínter. Mariconadas sonoras que siempre se agradecen.


“Storia o Legenda” es un cielete. Tiene bastante azúcar es cierto, pero a mí me encanta. La música es limpia, noble sin dobleces, como un “petit suisse”. Cuatro canciones por cada lado del disco entre cuatro y cinco minutos de media. Repito son canciones bonitas, sin malicia, que entran como cuando te comes unas fresas con nata o una tarta de chocolate crujiente con trazos de naranja….”Il Musicista”… “Un Angelo”…. “Il Cuadro”..etc… eso sí, siempre en la línea de flotación con aguas tranquilas para que al barquito velero le dé siempre el sol y las aves canten jubilosas. Un disco precioso y poético de cualquier forma.
Alberto Torró








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LA CADENA PSYCH JAMBAND - SPIDERAL (2017) (Entrevista) (Rockliquias Bandas)

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La Cadena Psych Jamband es una banda andaluza procedente de Dos Hermanas, Sevilla, que lleva evolucionando su música desde hace algo más de seis años. Dos discos editados hasta la fecha, "Tokatu Sessions" y "Spideral",  y una tercera producción a punto de salir, "Hope?".


En la actualidad la formación la componen  Ahlè (voz), Chicho (guitarra), Gato (guitarra), Octavio (batería) y Siul (teclado).  Rockliquias se puso en contacto con ellos para que nos contasen sus experiencias musicales.



Rockliquias.- El nombre de la banda nos indica por dónde os movéis musicalmente, pero ¿nos podéis comentar como  surgió?

Como la banda en sí, el nombre también ha ido evolucionando. Empezamos como La Cadena de Hofmann por Albert Hofmann, el científico que por serendipia descubrió el LSD, como guiño a la época dorada de la lisergia en la contracultura, de la que surgieron muchas de las bandas y artistas que admiramos y que siempre, en mayor o menor medida, son fuente de inspiración. Hubo un cambio en la formación y pensamos que era justo no seguir con el mismo nombre y como empezamos a hacer improvisación...

Rockliquias.-  Me consta que miembros del grupo proceden de La Cadena de Hofmann, pero seguro que desde 2012 se han producido cambios en la formación. 

Efectivamente. Empezamos como cuarteto: dos guitarras, batería y sintes y programaciones. Para las voces nos turnábamos, pero había poco cantado, era mucho más instrumental. Álvaro, que estaba a cargo de teclados y programación de samples e intervenía en gran medida a nivel compositivo, lo dejó por motivos personales. Seguimos un tiempo como trío, Chicho y Gato a las guitarras y Octavio a la batería, y pronto se sumaron Ahlè (que ya había hecho colaboraciones como cantante en la anterior formación) y su hermano Luis, que cerró el círculo con los teclados.


Rockliquias.-  ¿Cuáles son vuestras influencias?

Son muy diversas, porque al final nos hemos juntado unos cuantos y, aunque coincidimos en muchas cosas, en otras tenemos gustos bastante diferentes. En lo que más coincidimos es en lo de progresivo, aunque centrándonos más en el rock progresivo clásico (Yes, The Soft Machine, King Crimson, etc., etc., etc.). Luego ya cada uno tira para su terreno musical favorito, que puede abarcar desde el noise hasta la música clásica, pasando por mil estilos que no vamos a enumerar para no aburrir.

Rockliquias.- En 2015 editáis "Tokatu Sessions" con cuatro jams. ¿Nos podéis comentar los detalles de la grabación?

En la época en que Álvaro se marchó, los tres que quedamos nos dedicamos a explorar un poco el concepto de rock jam de bandas como Earthless o The Atomic Bitchwax, sin pretensiones y por echar el rato mientras decidíamos cómo íbamos a poner en pie las composiciones que ya teníamos, pero con un miembro menos, o si íbamos a buscar sustituto o qué demonios íbamos a hacer con nuestras vidas. Cuando se planteó la que después pasó a ser la formación actual de la banda, estuvimos de acuerdo en mantener un poco ese rollo de improvisar (y nos vino muy bien hasta que tuvimos suficiente repertorio; y además nos divierte). Lo que hay en “Tokatu Sessions” es una recopilación de las sesiones de improvisación que más nos han llamado la atención por un motivo u otro. Pertenecen a la época en la que nos estábamos empezando a tantear como quinteto, pero luego incorporamos esto a nuestros conciertos, en principio como bloques separados de los temas “cerrados”, por llamarlos de alguna manera, y más tarde como pasajes de unión entre los mismos. Las grabaciones se realizaron en nuestro local de ensayo en Tokatu Music Club (Dos Hermanas), y de ahí el nombre.


Rockliquias.- En 2016 llega vuestra segunda producción, "Spideral". Comentáis que está grabado en directo. ¿Nos podéis dar detalles de la grabación?

La consideramos nuestra primera producción, entendiendo como tal meterte en un estudio a grabar con un ingeniero de sonido que haga labores de productor, etc., todo ese proceso. Está grabado en estudio, pero con toda la banda tocando a la vez. Aunque luego se añadió alguna pista (coros y segundas voces, algún solo de guitarra...), el grueso de ese material está grabado en directo en el estudio. Lo hacemos así en parte por presupuesto (no nos podemos permitir muchas horas de estudio y con lo “fatigas” que somos algunos en esta banda, para grabar por pistas, mezclar, etc., íbamos a necesitar semanas) y, sobre todo, porque, aunque hay sonidos “modernos” en nuestra música, queríamos que sonara crudo y directo, como el rock más clásico. De otra manera, el tema de la improvisación quedaría un poco alejado del material grabado con más producción. Aparte, nos enamora el sonido de los 70. 

Rockliquias.- ¿De qué forma ha evolucionado la banda desde su anterior trabajo?

El trabajo que acabamos de grabar y estamos a punto de sacar es muy diferente, al tiempo que muestra continuidad con nuestro sonido. Hope? es un disco diferente en cuanto a concepto y carácter musical: mucho más oscuro. Respecto a Spideral, podríamos decir que hemos evolucionado porque no hemos buscado repetir la fórmula, sino que, partiendo de premisas diferentes, nos hemos fijado un objetivo que nos ha obligado a trabajar de forma distinta y que nos ha llevado a emplear en la grabación recursos que antes a lo mejor solo usábamos cuando improvisábamos: alternar el papel del bajo entre los sintes y la guitarra dentro de un mismo tema, por ejemplo, la utilización de la voz más como un instrumento que como un cantante al uso, en algunas partes… También a nivel rítmico hemos intentado complicar un poco la cosa, empleando a menudo compases mixtos o de amalgama que en algunos pasajes, además, establecen relaciones de polirritmia entre los diferentes instrumentos. A nivel de estructura y de conexiones temáticas y conceptuales entre movimientos o canciones también ha habido una clara evolución; a lo largo de todo el álbum hay claras referencias a la música antigua vocal del siglo XIV y a la música clásica en general, haciendo uso de técnicas compositivas como el canon o la reexposición de material. Todo ello ha contribuido al resultado de este disco como un compendio mucho más sofisticado y coherente en su escucha global. 

Rockliquias.- La mezcla de estilos es bastante considerable, pero está claro que sonidos del pasado están muy presentes.

Como decíamos antes, nos hemos juntado cinco melómanos, cada cual en mayor o menor medida, pero todos frikis de algo en lo musical; y ahí hay influencias modernas (del metal o la electrónica, por ejemplo), pero todos profesamos gusto por bandas míticas como Pink Floyd, Genesis, Rush, Jethro Tull, Steamhammer… Las hemos absorbido por nuestros padres, hermanos y colegas. 


Rockliquias.- Habéis editado un videoclip del tema "Deaf to Death”. ¿Nos podéis contar cómo surgió la idea?

Ina Ramírez y Adri aka Guardián del Fuego son viejos amigos y, además, se dedican al audiovisual y al diseño de forma profesional. Fue prácticamente iniciativa suya y nos volcamos en el proyecto, como es natural, pero es que además se volcó un montón de gente sin la cual el vídeo no habría visto la luz: parejas, amigos, familia… El concepto del videoclip es todo idea de Ina, que es también la directora. Rodaron, dirigieron y editaron. Lograron juntar un equipo superprofesional y movieron cielo y tierra para conseguir un plató, localizaciones, atrezzo… Fue una experiencia tremenda y agotadora, pero una delicia, al fin y al cabo. Nos lo pasamos pipa y cayeron dos botellas de aguardiente (hacía frío de cojones).



Rockliquias.- El disco se cierra con "Saturday Pancake” (una jam). Como se suele decir, ¿la cabra tira al monte?

La historia del “Saturday Pancake” es guapa. Fue lo último que se grabó el segundo y último día de las sesiones del “Spideral”. La intención era hacer una improvisación de unos diez minutos que empezara en una tonalidad y terminara en otra, porque iba a servir de nexo entre “Down” (que va en Re) y “Deaf to Death” (que va en Mi), pero empezamos a crear capa y capa y a meter densidad y cuando nos dimos cuenta llevábamos 13 minutos y no habíamos cumplido con la modulación a la siguiente tonalidad. Para cuando resolvimos, la cosa iba por 17 minutos o así. Cuando salimos a escuchar lo grabado para ver dónde “cortichear”, el resultado nos gustó tanto que decidimos incluirlo íntegro como un tema improvisado. Nos encanta y nos encanta que nos hayan criticado en alguna ocasión, por ejemplo, que para ser una improvisación no tiene espontaneidad ni frescura.

Rockliquias.- ¿Cómo han ido las ventas del disco?

“Spideral” ha rodado bastante, ya que lleva en circulación desde noviembre del 16, así que se ha escuchado y se ha vendido bien (dentro de nuestras posibilidades de distribución, pero nos han hecho compras directas en Bandcamp y ha sonado en una emisora de Islas Mauricio, así que mejor de lo que hubiéramos esperado). “Hope?” está en fase final de mezclas y esperamos tenerlo fuera en unas semanas, así que empezaremos a moverlo más a saco después de verano. Nuestros ritmos son bastante tranquilos… No obstante, hemos empezado a tocarlo íntegro en directo y la verdad es que está teniendo muy buena acogida entre el público. 

Rockliquias.- ¿Qué opináis del panorama musical en vuestra zona (Sevilla, Dos Hermanas)? ¿Surgen bandas nuevas?

Por aquí hay muchísima gente haciendo cosas desde hace muchos años. Aun así, el panorama no ha empezado a ser accesible hasta hace relativamente pocos años. Sevilla ha estallado y hay muchas posibilidades (salas, festivales, circuitos…), aunque, como en todo, tenemos mucho que aprender y mejorar. En Dos Hermanas hay algo de movimiento, pero cuesta muchísimo y para casi cualquier cosa parece que haya que ser amigo de un ministro. Pero la cosa se mueve más cada día que pasa y el ambiente de conciertos y bandas que surgen aumenta exponencialmente. Nos alegra poner nuestro granito de arena.

Rockliquias.-¿ Cuáles son vuestros proyectos futuros?

Después de año y medio gestando “Hope?”, nos apetece disfrutarlo en directo (aunque algunas de sus partes forman parte del repertorio desde hace meses). Tocar lo máximo posible hasta por lo menos la primavera del año que viene y, a la vez, empezar a trabajar poco a poco en el local en un par de barrabasadas que tenemos en mente y que desvelaremos en su debido momento… (GUIÑO-GUIÑO).

Rockliquias.- ¿Qué le diríais a nuestros lectores para que se descargasen el CD y fueran a vuestros conciertos?

Cualquier amante del rock progresivo o la psicodelia debería venir a vernos, aunque sea para decir que jamás volvería a ir a un concierto nuestro... (RISAS) No nos presentamos a la ligera ante un público que paga una entrada ; lo que llevamos está hecho con pasión y amor y con la mentalidad de crear algo con cierta chispa (por lo menos intentarlo), algo que te remueva las tripas o te acelere el pulso aunque solo sea durante unos segundos del concierto. Sobre todo que vengan a vernos. Si les convencemos desde el escenario, les gusta lo que ven y oyen, y la economía lo permite, que se lleven el disquito.


La Cadena Psych Jamband nos ofrece seis temas o mejor dicho 42: 25 minutos de fluído musical  psicodélico con ciertas pinceladas stoner. Estoy totalmente de acuerdo en la recomendación que hacen para su reproducción:

"Para una reproducción fiel con la concepción de 'Spideral', se recomienda su descarga y utilización con un reproductor que permita reproducción sin pausa entre las pistas o bien su grabación en audio-CD sin pausa entre pistas. "

En ningún caso debéis interrumpir esta espiral lisérgica que nos traslada a sonidos del pasado totalmente actualizados. Los sonidos de su teclista, una mezcla Lord-Ratledge-Wright, nos llevan a la época del "Obscured by Clouds" de los Floyd en "The Theatre of Illusion" e incluso al "The Dark Side of the Moon" en "Kno's Dream". Su cantante, Ahlè, utiliza su voz como un instrumento más integrándola perfectamente en la maquinaria de La Cadena Psych Jamband en "Saturday Pancake" o "Down", uno de mis temas favoritos donde las guitarras se abren paso frenéticamente. No me quiero olvidar de Octavio su batería, gran trabajo en todos los temas.

Esperamos con verdadera ansia la publicación de su nuevo trabajo "Hope?". Estamos seguros que nos deparará buenos momentos psicodélicos, no lo dudéis.
J.C. Miñana











P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70


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GREG LAKE - London'81 (with Gary Moore)

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Greg Lake fue uno de los pilares de dos grandes del progresivo , Emerson Lake & Palmer y King Crimson. Algunos lo definieron como "la voz" de este género. Nos dejó en 2016 y hoy lo recordaremos en uno de sus conciertos de 1981.


En 1979 se confirmó la ruptura de Emerson, Lake & Palmer debido al fracaso comercial de séptimo disco en estudio, "Love Beach". Gregg decide formar su propia banda, Greg Lake Band. En Septiembre del 81 edita "Greg Lake" y se lo presenta en el Festival de Reading 81 junto a  Gary Moore (guitarra), Ted McKenna (batería), Tommy Eyre (teclados), y Triss Margetts (bajo).


Concierto celebrado el 5 de Noviembre de 1981 en el Hammersmith Odeon en Londres, era el final de la gira de presentación del primer disco de Greg Lake. En el "setlist" tenemos piezas clásicas de EL&P y King Crimson : "Karn Evil 9", "21st Century Schizoid Man", "In The Court of The Crimson King", "Lucky Man", "C'est la vie" y la versión del "Fanfare For The Common Man". Junto a cuatro temas del disco de Gregg: "Nuclear Attack", "Love You Too Much", "Retribution Drive" y  "The Lie". En cuanto a la música tenemos una mezcla de rock progresivo con hard/heavy, recordemos que Gary Moore estaba en la fase hard/heavy de su carrera. La versiones de King Crimson son un tanto curiosas.
J.C. Miñana



Temas
01. Fanfare For The Common Man [6:09]
02. Karn Evil 9 / Nuclear Attack [5:44]
03. The Lie [4:34]
04. Retribution Drive [5:41]
05. Lucky Man [4:43]
06. Parisienenne Walkways [6:11]
07. You Really Got A Hold On Me [5:27]
08. Love You Too Much [5:03]
09. 21st Century Schizoid Man [9:01]
10. In The Court Of The Crimson King [5:47]






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PIERO UMILIANI - Musicaelettronica Volume Uno (1969 - 81 / EASY TEMPO) (Serie Pioneros)

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El músico,  compositor y arreglista italiano (Florencia, 1926) Piero Umiliani, respiró los mismos tiempos que Ennio Morricone, aunque sin tanto éxito internacional.


Prolífico creador de bandas sonoras a caballo entre el jazz y el lounge, comenzó su andadura musical en los mediados 50. En su haber tiene decenas de soundtracks para filmes exploitaition, spaghetti western, giallo, eurospy  y soft sex,  en el reinado de éstas,  durante los años 60 - 70. Un músico inquieto e informado, que se amoldaba a los cambiantes tiempos con facilidad. Así  que tampoco pudo resistirse al influjo de los nuevos moogs, y módulos de primera síntesis. 

El sello italiano Easy Tempo tuvo la buena idea de recopilar los trabajos electrónicos de Umiliani del 69 al 81. En éste valioso documento titulado "Musicaelettronica Volume Uno", editado en cd en el 2000. 15 cortes de escaso minutaje pensados para ser visualizados. 

El inicial "Rapsodia Stellare" guarda una fuerte influencia de la "Rhapsody in Blue" de George Gershwin, algo inevitable por la trayectoria del intérprete. El lounge marciano para un vermú con clase lo pone "Momento Rítmico". Ya en "Motori A Lani" se percibe un gran interés por la experimentación,  utilizando el Hammond de forma rompedora y arriesgada. Lo mismo podemos decir de "Elzeviro", con un uso del Fender Rhodes casi como un secuenciador, al abrigo de una sección de ritmo muy jazzy,  todo muy conseguido. Casi que podríamos hablar de ELP cuando escuchamos "Fatto Di Cronaza". Un tema realmente progresivo, con bajo y batería excelentes, que no desentonaria en un disco de los de Emerson. O de Triumvirat, o Sixty Nine. ......

"Centrali Termische" tiene un aire swingin' London innegable, no alejado de Brian Auger & the Trinity. Pero conservando un espíritu valiente en su ritmo, casi rozando el de "Trans Europe Express". Otra cucada retro-futurista es "Gadget". Una pincelada de steampunk sonoro hecho en los 60, que podría ser perfectamente autoría de un explorador krautie. Umiliani domina los efectos electrónicos  de los primeros prototipos con elevada descripción,  como en " Officina Stellare". Exquisita mezcla experimental de perfecto sabor jazz - rhythm section.

Con seis minutos, "A New Experience" es el tema más extenso. Casi un adelanto a Soft Machine, Matching Mole, Egg y demás vanguardia de Canterbury. Está en su mismo nivel. "Delenda Cartago" es una gozada proto-head music adelantada a su tiempo. Esto era el psych habitual de los 90. Más suspense onírico nos trae "Cibernética". Aquí,  vibráfonos,  electrónica fina y una guitarra muy Syd Barrett, aportan entre todos pequeñas pinceladas en un collage cromático sonoro espléndido.  También el "Caravan" ellingtoniano se recrea futurísticamente a lo largo de seis esquizofrénicos minutos. Como una big band del Duke tocando en la taberna galactica de "Stars Wars".

Buen gusto para todo, el de Piero. "Arabian Shynthesizer" es un adelanto a la Yellow Magic Orchestra, con mucho menos arsenal,  y genialidad al por mayor.

"Vierno-Funiculi Funicula" es otra emersonada de las de cuando éste se ponía vacilón. Finalmente "O'pazaviello" dibuja un Isao Tomita gamberro y anarquistoide.

Un sensacional disco éste, que no puso a Umiliani,(fallecido en 2001), dominando el mundo, precisamente.  Aunque consuela saber que al menos, lo hizo con algo impensable. Una inofensiva tonada para un documental sobre el "pernicioso libertinaje sueco" titulado "Sweden, Heaven and Hell". Que acabó en "Barrio Sésamo" en 1969 cantada por The Muppets como......"Mah Na" Mah Na'"!!!
Con siete añitos, ya tarareaba yo cosas de Piero Umiliani. Y sin enterarme. 
J.J. IGLESIAS







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KOCH MARSHALL TRIO - Toby Arrives (2018)

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Greg Koch es un guitarrista con un gran talento musical que  a pesar de llevar más de 25 años en la carretera todavía no ha obtenido el reconocimiento que verdaderamente merece. En su primer disco "Greg Koch And The Tone Controls" definió su música como "“Chet Hendrix meeting the Kings (BB, Albert and Freddie) at the first annual Zeppelin-Holdsworth Coffee Guzzlers Hoedown.”. Toma ya.


Greg Koch nace en 1966 en Wauwatosa, Wisconsin y se inicia en la guitarra a los doce años. En 1989 recibe el premio Bluesbreaker Guitar Showdown teniendo en el jurado a Buddy Guy. Su primer disco llega en 1993 y posteriormente le siguen más de una docena de producciones con diversas formaciones, Greg Koch and the tone Controls, Greg Koch and Other Bad Men y su último proyecto The Koch Marshall Trio junto a su hijo Dylan Koch en la batería y el organista Toby Lee Marshall.



Koch Marshall Trio nos ofrecen ocho temas instrumentales plenos de buen blues, jazz, funk y rock. La maestría de Greg con la guitarra la demuestra en cada tema y si a eso le unimos las replicas de Toby Lee Marshall al teclado y el buen hacer de su hijo Dylan, el resultado es un buen cóctel fino y elegante que entra al primer trago. Greg tiene una especial forma de tocar la guitarra, púa y dedos, llamada "chicken pickin" que da un carácter especial a su sonido. Como he dicho podemos encontrar buen blues en "Toby Arrives", "Boogie Yourself Drade" o "Enter The rats". Algo de funk en "FunkMeat". Sonidos "jazzeros" en "Let's get sinister" o más rockeros en "Heed the Boogaloo" y "Sin Repent repeat". Y algo más en el tema más largo de la grabación, "Mysterioso.
J.C.Miñana











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WHITE SUMMER - White Summer (1976 / WS)

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No me extraña que ésta tierra mía aragonesa sea cuna de maestros surrealistas. Habiendo dado al mundo entre otros, a Goya, Buñuel o Fernando Esteso, estas cosas son aquí de lo más normal. 


Resulta que desde hace ya un tiempo, tenemos en la ciudad una tienda de discos de lo más curiosa y psicodélica. La viejuna fachada de madera es de una antigua panadería  (sigue el rótulo ), que allí debió venderle alguna barra a Napoleón. En el interior, te encuentras con una zapatería de señoras. Y ya, sorteando esto, en la antigua trastienda, está ese pequeño santuario de sueños vinílicos. Me estrené allí no hace mucho, con la reedición por parte de Out Sider del primer álbum de White Summer. Power trío band que comienza en 1973 en Benton Harbour, sus disloques mentales. Tres chavales de 18 años locos por Hendrix, Cream y como no, sus famosos vecinos, Grand Funk Railroad. Ellos eran Jim Watkins (batería y voz solista), Rick Lowe  (guitarras y voz) y David Wheeler (bajo, voz). Pronto se dan a conocer por los clubes de la zona, haciéndose un nombre. Hasta que en el 76 editan su "White Album", que hasta la emisora WIRX puso íntegramente en más de una ocasión. Algo impensable en éstos días. La tirada del álbum fue de 1000 copias, editando una segunda de 500 posteriormente. 

El disco fue grabado en Uncle Dirty's Sound Machine Studio, que estaba en Kalamazoo, Michigan. Seguro que mi buen amigo (y genial músico) Jeremy Morris los conoce, porque es de allí. Recomiendo sus prog álbumes, por cierto. Ésta ciudad cuenta con una famosa fábrica de guitarras Gibson y Epiphone, (creo que Jeremy me dijo que también Martins, porque él compraba las que llevaban alguna "tara" medio regaladas!!!). Se dio la circunstancia de que el propio Les Paul estuvo presenciando la grabación de White Summer. La categoría de la banda fue subiendo. Como teloneros de Blood, Sweat & Tears se lo pusieron difícil a las estrellas ante 5000 personas, en 1977. Trasladan su base de operaciones a Florida, que es un hervidero de buen rock'n'roll por esos dias, siendo muy conocidos por el área de Orlando, Tampa y Miami. Abren para todo dios, desde The Buckinhams a Black Oak Arkansas. Eric Clapton los ve actuar en un club y asegura que es "la mejor banda que ha escuchado en un bar en su vida". Pidiéndoles permiso para tocar con ellos al día siguiente. Aún están esperando. Más shows y festivales con Don Henley,  Michael McDonald o Arlo Guthrie.


White Summer graban cuatro álbumes más  (que desconozco), con una buena cantidad de cambios en la formación.  Se separan al acabar los 80. Su último disco, grabado  en 1990, se hizo entre sesiones de Al Di Meola y Judas Priest. Buena fuente de influencias...
.
Éste debut mezcla con brillante alquimia posos de la recién acabada psicodelia, hard rock y progresivo perfectamente ensamblados. Añadase aromas West Coast folkies como en la inicial "Without a Sound", donde las armonías vocales son encantadoras. "BMF"  tiene fuerte carga funk / hard , - los dos elementos que definen el rock de Detroit - , con un destacable Rick Lowe al mástil de seis cuerdas. Los efluvios psico vuelven en "Misty Morning" , con amplio dominio guitarrero sobre una sección rítmica impoluta. A no olvidar las buenas formas vocales del líder,  el batería Jimmy Watkins.

"Sail" (6'22) es la extensa de la cara A. Intercalando momentos delicados con otros más  petreos, nadando en el hard prog con naturalidad desbordante. La sombra de unos Wishbone Ash, con su filtro USA, está presente. Curioso, porque los de Andy Powell americanizaron su propuesta por éstas mismas fechas. "The Tank" (5'12) nos verifica ese "sonido Wishbone" con un buen apoyo coral, guitarras increíblemente elegantes y cambios inteligentes y con sustancia. 


Las maravillas siguen, volteando el vinilo. "Ridin High"acerca posturas a nobles oscuridades británicas,  como Dark o Jerusalem. Finura psico prog a mansalva. No por pequeñas en duración, debemos olvidar joyas como "All Good Things", "For Your Smile" ( con un entrañable regusto southern), o la oscura "Laugh When I Die" ( Black Sabbath / Pentagram en valium). "Omega" (8'53) pone el final, como bien indica su título,  como una continuación de la anterior. Los pasajes son proto- Doom, dentro de un exquisito hard rock lleno de matices, detalles, ecos, bajo de caverna, hell cymbals y monumental épica melódica entre guitarra y voz. Imagina los momentos más prog, que los hay, en "Sad Wings of Destiny" de Judas Priest. Pues algo similar, pero alejado a años luz del metal.

El debut de White Summer contiene suficiente atracción como para salir corriendo a encargarlo en tu tienda favorita. No tiene porqué ser tan marciana como la mía. 
Una auténtica maravilla a ingerir en cualquier momento.
J.J. IGLESIAS



Temas
01 - Without A Sound [00:02:11]
02 - Bmf [00:02:30]
03 - Misty Morning [00:02:48]
04 - Sail [00:06:18]
05 - The Tank [00:05:14]
06 - Ridin' High [00:03:14]
07 - All Good Things [00:02:32]
08 - For Your Smile [00:02:21]
09 - Laugh When I Die [00:03:38]
10 - Omega [00:09:16]






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IQ - Subterranea (1997)

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Como tengo por costumbre hacer un poco de antropología musical os diré que este disco para mí como para otros de mi generación progresiva, tiene una serie de factores que se definen como agradecida paradoja temporal.


 Los que vivisteis la edición del “The Lamb Lies Down On Bradway “ de Genesis a finales de 1974 sabéis a que me refiero. Es curioso: Selling England By The Pound” podría ser “Ever” y el siguiente al igual que Genesis con “The Lamb” sería “Subterranea”.  Ambos grupos grabaron esos discos uno al siguiente del otro. Pero voy a ser bastante claro con los que pretenden odiosas comparaciones. Los cuatro discos grabados en diferente generación y época son excepcionales, pero en lo musical no tienen absolutamente nada que ver. He leído infinidad de críticas comparando este asunto y menospreciando evidentemente a los considerados discípulos de Genesis. No es cierto. La música de Génesis no se parece a la de IQ. Génesis acabaron sin remordimientos de conciencia en el desprecio y el ridículo. IQ por el contrario en el camino del respeto y la admiración. Si quieres como influencia estética del estilo sinfónico probablemente lo sea, no lo dudo. Pero cada grupo pertenece a su tiempo. El recuerdo me dice que en 1975 probablemente “The Lamb Lies” fue el disco más depresivo que escuché en su momento, aun incluso hoy me entristece. A su vez coincidió con mi época del servicio militar, Paco se fue ese año pastoral y de continuas fiestas patronales en España, época donde dicen que todo cambió para no cambiar nada por lo que los españoles estamos sumamente agradecidos y además la vaselina nos la dan sin receta aunque si te pones tierra en el culo (votar por ejemplo) no resbala y da más gusto. En lo personal que en realidad lo político-social me la sudaba como siempre, añádase falta de interés académico por mi parte y por el asco que sentía a todo lo establecido. Por supuesto todo ello sin un duro en el bolsillo ni ganas de currar…apología de la vagancia como bien superior y honor destinado a los más inteligentes. Pero me salió mal y con dolor de corazón, tuve que currar 40 años más haciendo el paripé como buen chico, por lo que al menos seré pensionista en breve y me olvidaré de la vaselina.  Una historia nada original en los de mi generación ya lo sé, pero cierta. Para colmo lo recuerdo todo en blanco y negro con gris mortecino. Tiempos de amargura y tristeza que disfrutamos con entereza. Así que deciros que a los que ahora estáis jodidos de la cabeza que los tiempos pasados no fueron mejores en absoluto. Ni en lo más mínimo. El mundo es tan mierda hoy como lo era antes. 

Superar “Ever” no era tarea fácil, de hecho, no han logrado superarlo. Pero lo que sí han logrado es mantener un nivel de calidad a la par. La música en cada uno de sus discos hasta la actualidad, es la misma en términos de disfrute. Podrá gustarte uno más que otro, pero todos son igual de buenos. Esto es decir mucho de ellos y de su profesionalidad. Los Genesis de Gabriel siempre sonaron algo oscuros, en concreto el “The Lamb Lies”, el trabajo me emocionaba como buen masoca hasta el abatimiento anímico, pero nunca me gustó la calidad de grabación por muchas remasterizaciones realizadas a lo largo de los años. 

Por el contrario, IQ disfruta de las mejores tecnologías de grabación y un cuidado extremo en su sonido. Escuchar “Subterránea” es un placer por su claridad, incluso en su versión en directo. 100 mtos de música conceptual en un doble CD, que lleva su tiempo escuchar a conciencia. Es más misterioso que “Ever”, más duro en ocasiones y más fascinante en otras. Mike Holmes es un buen compositor y pienso que IQ, no sería lo mismo sin él. Las composiciones están pensadas al milímetro y el cuidado en la melodía emocional, es marca registrada. Reconozco que la temática literaria no me interesa demasiado y no me he preocupado en la “historia cinematográfica” que lo acompaña. También la historia de Rael en “The Lamb lies Down On Broadway” era un coñazo surrealista sin sentido de la mente bipolar de Peter Gabriel, que si Lamias-serpientes con tetas, que si monstruos protuberantes, criaturas que se arrastran por el suelo, que si macarras portorriqueños colgaos…etc. El “Tales From Topographic Oceans” de Yes también se hizo en coñazo metafísico insufrible, aunque la música fue encantadora. Estamos en lo mismo.  La música pura es lo que me interesa en ambos casos. Me sobra el resto. Ni que decir tiene que Subterranea con su mensaje social y alienación del individuo rarito como tal, se debe escuchar en “un todo”, como cualquier obra de corte clásico sin más enlazando cada pasaje, melodía, estado de ánimo. Todo está pensado, equilibrado, de manera que no surja la peligrosa abulia o aburrimiento al que este tipo de trabajos se ven muchas veces abocados abusando a veces de “rellenos” para engordar el producto. Si llegas al final, cosa no muy complicada porque no pierdes el interés, te encontrarás con “The narrow Margin” y 20 minutos de épica antológica en la música de este grupo. Martin Orford despliega un importante derroche de teclados “modernos” y un elaborado trabajo de “atmósferas”. Holmes se desdobla en múltiples guitarras. Bajo y batería son una máquina que fija fuerte toda la estructura y Nicholls está sencillamente fantástico a las voces. El hacerse mayor le ha sentado bien y la vocalización cada vez es más clara y precisa. Y no en absoluto. No se parece en nada a Gabriel. Así que ya está bien de compararlo.


En este tipo de trabajos no es preciso destacar una canción o pasaje. Hay partes sublimes. Todas son importantes, aunque “The Narrow…” me pierde. “Subterranea” tuvo su esplendorosa puesta en directo y su versión grabada en vivo. A estas alturas IQ ya se había convertido en un grupo de culto y lo de “neo-prog” ya quedaba en el pasado. Ahora son una banda sinfónico progresiva al lado de las grandezas históricas y realmente se lo han ganado con creces y que no os cuenten otras historias.
Alberto Torró




Temas

CD1


1. Overture -  00:00 (instrumental)
2. Provider - 4:38 
3. Subterranea - 6:15
4. Sleepless Incidental - 12:08
5. Failsafe - 18:31
6. Speak My Name -  27:29
7. Tunnel Vision - 31:04
8. Infernal Chorus - 38:28
9. King Of Fools - 43:37
10. The Sense In Sanity - 45:41
11. State Of Mine -  50:30 (instrumental)

CD2

12. Laid Low -  52:29 (instrumental)
13. Breathtaker - 53:58
14. Capricorn - 1:00:03
15. The Other Side - 1:05:19 (instrumental)
16. Unsolid Ground - 1:07:40
17. Somewhere In Time - 1:12:45
18. High Waters - 1:19:57
19. The Narrow Margin - 1:22:40




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LE ORME - Florian (1979)

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El final de década de los 70´s supuso ciertas peculiaridades en algunos grupos de corte prog-sinfónico. La norma habitual fue el abandono “progresivo” en la mayoría de los casos.


 Unos hicieron intentos por cambiar de forma en formato canción hacia la simpleza comercial para no ir en contra de las nuevas tendencias y la cagaron en el más amplio sentido del término. Otros optaron por cambiar el estilo, pero manteniendo cierta dignidad y calidad en sus productos (fueron los menos sinceramente). En general todos “acortaron la música”. Adiós a los pasajes instrumentales y a los cambios y bienvenidos los ritmos lineales y las composiciones planas de un par de acordes. En 1979 ya estaba todo perdido en occidente, no así en Japón (como ejemplo paradigmático) donde el rock sinfónico encontró su “reserva espiritual” y se grabaron verdaderas joyas. En el caso de Le Orme, no hicieron como la PFM o Banco con un descarado giro hacia el pop o el tecno ochentero, sino que siguieron haciendo su música, que en realidad siempre había sido una mezcla entre un “pop sinfónico” y un “progresivo amable”.

Pero “Florian” es un disco curioso, difícil de clasificar en una época realmente mala. Completamente diferente al “Storia o Leggenda”, “Florian” utiliza una instrumentación atípica hasta el momento. Las piezas son de un clasicismo absoluto con una instrumentación acústica a base de piano, clavecín y harmonium. Guitarra acústica e instrumentos de cuerda como el cello, el violín y la mandola, incluso incluyen instrumentos muy folk como el bouzouki. Percusiones afinadas como el vibráfono y el glockenspiel. Por primera vez el grupo prescinde de instrumentos electrónicos incluso de batería y parecen más una banda del renacimiento italiano que un grupo de rock. 


El disco es una porcelana delicada aislada por completo de las músicas del momento. Voz ensoñadora e intimistas melodías que se reparten en siete cortes impecables, preciosos y como siempre en 31 escasos minutos. Hoy sería un EP. Incluso casi todos los discos italianos de los 70´s podrían considerarse así. Un bálsamo de disco para escucharlo en absoluto silencio y relajación. Por eso al principio os hablaba de “peculiaridades”. Esta es una de ellas y curiosamente de lo menos conocido del grupo. 
Alberto Torró






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STAFF - 3 (2013 / STAFF) (Rockliquias Bandas)

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Vuelvo a tirar de la cantera de mi ciudad, la inmortal y milenaria Zaragoza, porque aquí hay mucho material que dar a conocer. David Colas es un veterano músico de la escena maña. En los 90 estuvo en formaciones como Cryocente Natura, desEquilibrio Animal o Evolution Band. Su guitarra flamigera y llena de recursos, y su buena voz han estado al frente de todas ellas. Pero en el 2000 da comienzo su "pequeño bebé", Staff. Power trío donde canaliza todos sus gustos, inquietudes, fobias, pocas filias, más fobias y un preciso dominio de un crossover funk - metal - rock,  (con diversas esencias aquí y allá).


En el 2005 aparece el debut "Tras mis Pies". Trallazo de seguridad y aplomo total. Creen en lo que hacen y esto no es un capricho pasajero. Muchos bolos, concursos de bandas y cambios de formación. En 2009, "2.0" afianza ésa técnica monstruosa y sobrada, con muchas ganas de comunicar urgentes mensajes sociales. Con un directo rotundo y extraordinario despliegue instrumental. 

En 2013 aparece "3", el hasta ahora último trabajo de la banda. En él Staff son David Colas (voz, guitarra), Juan José Martínez Catalán  (batería,  coros) y Daniel Beltrán (bajo, coros).


Y allá que van todo lanzados con los primeros riffs de "No Puedan Verle". Letras y ritmos cuidados hasta la obsesión,  y la guitarra de Colas escupiendo notas incandescentes.  Que de estar ubicada en sitio más centralizado, sería conocida en todo el país. "Todo lo que me das" agarra el funk contestatario y te lo lanza a la cara como un gato con las uñas recién afiladas. Las pirotecnias en el mástil traen a la mente a los más grandes, Steve Vai a la cabeza.

Sigue la mala hostia verbal, adornada de hard funk acorazado en "Sed". Arreglos progresivos hacen acto de presencia, y el bajo enloquece en éste maremagnum de buen gusto reivindicativo. De Liquid Tensión Experiment a los mismos Dream Theater, pero tiznados en negritud gangsta. Miedito. 


Como miedito es lo que fomenta cualquier religión,  diana a la que apunta "Animal", disparando a bocajarro y sin piedad. El acido desprendido del wah wah nos recuerda que tío Hendrix fue el primer francotirador de la contienda.

Para un segundo. Escucha los detalles que rodean "A Veces". Es una pequeña mini sinfonía de sonidos que bombardea tu estado de atención,  negándose a que bajes la guardia ni por un segundo. Un compacto amasijo de nostalgia.


La sensación kafkiana te invade en "Buh!!!" . Pesadillesca canción de experi - metal abrasivo funk, e instrumentación prog / psych a intensidad Nova. Cosa sería.

Primus abriría la boca con expresión bobalicona al escuchar "Tu Don". Yo también. 

"La Respuesta", (parece), el final del disco, llega con la contundencia acostumbrada y claridad en el mensaje : "Mejor no penséis". 


Ahora sí,  una "hidden track" llamada "H.U.F.Y.M." nos dice adiós con la ayuda del agitador cultural local, Juako Malavirgen. Tremendos hasta el final, derrochando extravagancia técnica con fines directos. 

Staff cuida el detalle en todo hasta extremos enfermizos. Su progresión ascendente se ha visto culminada en éste colosal "3", que los pone muy arriba. Cumplen ahora la mayoría de edad como grupo y justo sería que fueran más reconocidos como la salvaje banda que son, rediox!!!

Aún recuerdo la party - presentación de "2.0" en mi viejo "Hendrix Bar". Deseando celebrar otra pronto, que ya toca.
J.J. IGLESIAS






P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70


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Foghat & Guests ‎– Blues Tribute 1978

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Foghat fue un gran grupo de rock blues que tuvo su mejor época en la década de los 70. Aún recuerdo los buenos momentos de su "Foghat Live" y el "Fool for the City" o "Slow Ride". Temazos!!!.


Foghat editó en el 77 su "Foghat Live" que alcanzó el certificado de doble disco de platino en Estados Unidos. En Mayo del 78 llega "Stone Blue" cargadito de buen blues. La década la finalizarían con "Boogie Motel" y "Tight Shoes". Rob Price abandona la banda en noviembre de 1980 debido a diferencias en la orientación musical del grupo.


Foghat nos ofrecen una gran noche de blues acompañados de buenos amigos. El concierto se celebró en el Palladium  de New York en 1978. Foghat son los maestros de ceremonias comenzando la noche con "Sweet Home Chicago" y "It Hurts Me Too". El siguiente en unirse a la fiessta es Dave "Honeyboy" Edwards, amigo personal de Robert Johnson, con "My Baby's Gone".  El alocado Eddie Kirkland, el "Gypsy of the Blues" famoso por sus giras junto a John Lee Hooker, interpreta "Done Somebody Wrong" y la excelente "Love Light". El show continua con Paul Butterfield, no necesita presentación, y "Shake Your Money Maker". LLegamos a la parte intermedia del concierto con John Lee Hooker, sentado en su silla interpretando "Crawlin'King Snake" con Paul Butterfield a la armónica. Otis Blackwell, genial pianista autor del "Great Balls of Fire", participa con " All Shook UP" y el famoso "Don't Be Cruel". Le toca el turno a Johnny Winter y su "Last Night", uno de los mejores momentos del show. La noche la cierra Muddy Waters con "(I'm Your) Hoochie Coochie Man" y "I Just Want To Make Love To You".
J.C. Miñana


Temas

1–FoghatSweet Home Chicago
2–FoghatIt Hurts Me Too
3–Dave "Honeyboy" Edwards*My Baby's Gone
4–Eddie KirklandDone Somebody Wrong
5–Eddie KirklandLove Light
6–Paul ButterfieldShake Your Money Maker
7–John Lee HookerCrawlin'King Snake
8–Otis BlackwellAll Shook UP
9–Otis BlackwellDon't Be Cruel
10–Johnny WinterLast Night
11–Muddy Waters(I'm Your) Hoochie Coochie Man
12–Muddy WatersI Just Want To Make Love To You




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RED NOISE - Sarcelles - Locheres (1971/ FUTURA)

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Hoy traemos algo fuerte. Algo de eso que estamos necesitando por estos lares. Los franceses Red Noise,  (no confundir con los de Bill Nelson), sólo editaron éste histórico pedazo de anarquía musical titulada "Sarcelles - Locheres". Liderados por el guitarrista y voz, Patrick Vian, hijo del escritor, poeta y músico de jazz, Boris Vian.
Red Noise se forman en la Francia de 1968, dentro de la Sorbona, y en plena ocupación policial de tan honorable universidad. Tela. Sus conciertos no acababan hasta que no venía la policía a dispersarlos. Unos como éstos para Eurovision, YA. Que si quedamos siempre los últimos, al menos que no nos olviden, por fuerte tocada de huevos, digo yo. Ser unos losers también tiene sus ventajas. El resto de Red Noise eran Jean-Claude Cenci (saxos, flauta, voz), Daniel Geoffroy (bajo, voz) y Philip Barry (batería, guitarra, voz). Teniendo como invitados a John Livengood (órgano) y Austin Blue (percusiones).


La primera cara de éste manifiesto anti-todo consta de 10 pequeños cortes de títulos dadaistas.

"Cosmic Toilet Ditty" son 40 segundos de ruidos en el wc.
"Caka Slow / Vertebrate Twist" sería abrazada con el beneplácito escatológico de papá Zappa y sus Mothers, (de hecho yo lo veo en la daliniana y surrealista portada....busca a "Wally"!). La cosa sigue por esos irrespetuosos derroteros, R. I. O. majareta y mucho humor.
A continuación,  30 segundos de "Obsession Sexuelle #1", con saxos como si los tocarán con la nariz (o el culo).

"Galactic Sewer-Song" lleva la "kraut experience" casi por senderos crimsonianos, con lisergia guitarrera de fino gusto. 15 segundos más de "Obsession Sexuelle #2"de despendole ruidista. Y "Red Noise Live Au Café Des Sports" torna en jazz total como estaba mandado en la bohemia parisina de los finales 60. "Existential-Import of The Screw-Driver Eternity Twist" son reflexiones en resaca gorda con notas al aire de la guitarra y que sea lo que dios (o el diablo), quiera. El fulano hasta bosteza de la mala gana. Que las post-bolingas son muy malas.

"20 Mirror Mozart's Composing on Tea Bag and 1/2 Cup Bra" posee más seriedad compositiva, que cuando quieren estos tíos hacen buen avant-prog. "Red Noise en direct su Buffet de la Gare #2 partie" vuelve al jazz que tanto inspiró al Mayo francés de la Revolución. "A la Memoire su Rockeur Inconnu" termina éste lado con otro incontinente desfase. Que continúa en la otra cara con "Petit Precis D'Instruction Civique", más ganicas de molestar al caballero "bienpensante" (ejem!).


Y ahora sí,  para entrar en materia, "Sarcelles c'est L'Avenir" (20'00) se pone sería o dispuesta a reventar cabezas "bienpensantes" como a los marcianos de "Mars Attack". Cercano a un Canterbury radical digno de mis amados Henry Cow por la flauta y saxo de Jean-Claude Cenci. La guitarra desquiciada de Patrick Vian y un salvaje equipo rítmico,  percusiones desaforadas añadidas. Música ácrata,  libertaria y tan asilvestrada como apasionada. Junta a los referidos Henry Cow, la "etapa iluminada" free de Coltrane, los primeros Tangerine Dream, Agitation Free, Embryo, Niágara o Brainticket.

Y Red Noise se van de la mano. Muy alicates tenían que ser para ser arrestados por posesión de hash en Holanda, por esos tiempos.....llevarían un tráiler con 20 toneladas!!! Tras la separación,  los de ideas más trotskystas montan Komintern. Patrick Vian compone parte de la música del film "HU - MAN" en 1975. En 1976 edita en el sello EGG, "Bruits et Temps Analogues", del que hablaremos cualquier día de éstos. Poco más se ha sabido de su faceta musical, excepto que perteneció a otros alucinaos llamados AME SON. Lo dicho, necesitamos guerrilleros sonoros que espabilen cerebros de la talla de Red Noise.
J.J. IGLESIAS



Temas
01. Cosmic, Toilet Ditty (Red Noise) - 0:39
02. Caka Slow (Patrick Vian, Daniel Geoffroy)/Vertebrate Twist (Philip Barry) - 4:20
03. Obsession sexuelle n°1 (Jean-Claude Cenci) - 0:28
04. Galactic Sewer-Song (Philip Barry) - 4:03
05. Obsession sexuelle n°2 (Jean-Claude Cenci) - 0:12
06. Red Noise Live au Café des Sports (Red Noise) - 2:07
07. Existential-Import Of The Screw-Driver Eternity Twist (Philip Barry) - 2:02
08. 20 Mirror Mozarts Composing On Tea Bag And 1/2 Cup-Bra (Philip Barry) - 2:28
09. Red Noise en direct du Buffet de la Gare (2è partie) (Red Noise) - 2:14
10. À la mémoire du rockeur inconnu (Jean-Claude Cenci) - 0:37
11. Petit précis d'instruction civique (Patrick Vian) - 0:35
12. Sarcelles c'est l'avenir (Red Noise) - 18:54



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Erna Schmidt ‎– Live 69 – 71

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Tenemos que remontarnos a la década de los 60 para encontrar a Wolfgang Mathias (batería) tocando con la R&B Corporation junto a Hubert Stütz (guitarra) y Walter Laible (bajo). Empezaron con  rock blues emulando a Hendrix y teloneando a gente como Rory Gallagher, Brian Auger, entre otros a su paso por Alemania. Pero llegó el krautrock y todo cambió.


En 1969 cambian el nombre por el de Erna Schmidt y amplían la formación con nuevos miembros:  Rolf Schiegl (batería), Sam Drake (flauta, piano),  Romi Schickle (teclados) y Peter Mayer (vibráfono). Actuaron por Alemania realizando jams y extensas improvisaciones. A finales de año Schiegl y Drake abandonan la banda y se incorpora Hartmu Mau (flauta y vientos) convirtiéndose en un cuarteto. En el 71 tienen la  oportunidad de actuar en la televisión y realizan algunas grabaciones en la SWF de Baden-Baden. Por fin son contratados por la famosa discográfica Ohr pero no llegaron a publicar nada. Su disolución llegó en 1972.


Erna Schmidt grabaron más de 20 horas. Una pequeña parte de este legado vio la luz en 2000 gracias al sello Garden of Delights. El documento nos muestra diez temas instrumentales que se mueven por los terrenos de lo progresivo con toques psycodélicos, jazz e incluso algo de folk. En las jams destacan sin duda  Hartmu Mau tocando la flauta a lo Jethro Tull en " Pass – Weites Luftmeer" o a lo Thijs van Leer en "La Follie D'Espagne" tema donde Hubert Stütz (guitarra) realiza un espectacular solo. Reminiscencias "hendrixianas" las encontramos en "Woischwiemoin" o en "See Ya" y ambientes psicodélicos en "Rulaman".  En definitiva una buena variedad de sonoridades que sirven para mostrarnos las capacidades improvisatorias de la banda. 
J.C. Miñana



Temas

1 Erna Schmidt 00:00 
2 Weiß Gott 07:23 
3 Pass – Weites Luftmeer 11:22 
4 Woischwiemoin 16:25 
5 La Folie D'Espagne 21:53 
6 Kleines Idyll 28:58 
7 Rulaman 33:52 
8 Ein Tag Aus Dem Leben Des Menschen P. 40:38 
9 Reif Für Die Insel 50:07 
10 See Ya 55:40




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TRES HOMBRES- Gunslinger (1983 / TH)

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Déjenme que les cuente hoy un cuento rockero con final feliz. Que no todo van a ser amarguras en éste mundillo. Una historia que no termina mal, desde el profundo Arkansas. 


El joven Mike "Roosterboy" Shipp había crecido con las canciones de Johnny Cash y Elvis Presley, desarrollando un talento innato como cantante y guitarrista. Junto con su hermano Nick Shipp (bajo, voz), entran en los 70 fuertemente influenciados por The Rolling Stones, The Allman Brothers Band y sobre todo, sus héroes locales, Black Oak Arkansas. Como The Shipp Brothers Band, reclutan a un tercer miembro, el desconocido, pero culto y guasón,  Billy Bob Thornton (batería,  voz). Su debut en vivo en Houston fue tan exitoso, que tras el concierto les visitan en el backstage el management Lone Wolf Productions, o sea, el de ZZ Top. Proponiendoles un cambio de nombre y estrategia. Ahora serán Tres Hombres y adoptarán un rol "Tribute to" hacia el trío tejano por antonomasia. Piénsalo un poco. Esto en los primeros 80, era una total innovación. Del 82 al 85, Tres Hombres tocaron con cada uno de sus héroes por todo Estados Unidos. Editando privadamente su único álbum, "Gunslinger", con todo material propio. Una demostración chulesca y retadora de que podían funcionar sin el repertorio de ZZ Top. Mike  Shipp estuvo a punto de ganar la nominación como "New Texas Artist of The Year", que le fue arrebatada por muy poco, por un chaval que despuntaba imperiosamente,  de nombre Stevie Ray Vaughan.

De ahí en adelante, en uno de esos giros extraños del destino, Billy Bob Thornton se convierte en estrella de Hollywood. El bueno de Billy nunca ha olvidado a Mike Shipp, al que le ha pedido música para sus proyectos en más de una ocasión. Además de participar el propio Shipp en un cameo del film "Sling Blade", escrito, dirigido y protagonizado por Billy Bob Thornton. Le valió un Oscar, a nuestro "desconocido" batería de Tres Hombres. Y mientras Shipp se afincaba en Houston como un exitoso hombre de negocios, Thornton se ligaba a Angeline Jolie.. No está mal para unos rednecks de Arkansas.

"Gunslinger" comienza con ésta misma canción como título, y al instante apreciamos el estilo estrechamente ligado a los mejores ZZ Top. Los de los 70. Antes de que se pusieran a hacer el payaso con coches macarras, minifalderas o lo que es peor, a hacer "tecno-southern" mainstream para la masa hamburguesera. El break guitarrero de "Gunslinger" es inesperado, con unos chispeantes coros y mucha imaginación. Soy sólo yo o en su comienzo me recuerdan a los primeros blueseros Jethro Tull?!!! 

"Case You Haven't Heard" es puro ZZ Top, sin nada que envidiarles. El propio Billy Gibbons tiene en gran estima a Mike Shipp, joder, parece su hermano musical gemelo. Esto debería estar.....sí,  en "Tres Hombres". El ritmillo vacilón de "You That Makes me Crazy" delata su buena predisposición como "tribute band". Pero también que estaban al mismo nivel que los homenajeados. "Somethin' Bout You" tiene todo el fino carácter del blues tejano, arrastrado y desértico. Te atrapa como una buena tajada de mezcal. "Ain't No Doubt" posee cierto sabor lejano a western swing mezclado con efluvios a lo The Marshall Tucker Band. "Red Nite Gown" invoca a ese demonio que es Billy Gibbons, al que el mismo Jimi Hendrix dijo que tocaba "mejor que él ", ( también se lo dijo al guitarra de Chicago, humilde que era el de Seattle).

"Rub Down Town" tiene el desenfreno del texan rock puro, no alejado de los maravillosos Point Blank, también en su mismo management, por cierto. "Down in my Soul" tiene tanto feeling, rica instrumentación y prodigiosa rítmica , (escucha a Bob Thornton aquí, verás que no sólo el cine se le da bien), para habérselo puesto difícil a los de las barbas. Uno de los mejores cortes de un álbum eufórico. 

Por último "Blu Thangs" deja un excelente sabor picante de buen Southern rock visto desde el prisma de Tejas.


SHIPP es la banda actual de Mike,  con la que en un reciente disco, reunió a Pat Travers, Les Dudek,  Ricky Medlocke, Slash y Dusty Hill. Seguro que Billy Bob Thornton le habló de éste "Gunslinger" a su compadre en el "Rainbow Bar" de Los Angeles, su colega Lemmy. Y seguro que a éste  le encantó. "ESTO ES ROCK'N'ROLL" , sentenciaria con su legendaria y cazallera voz.
No, no está nada mal para unos paletos de Arkansas.
J.J. IGLESIAS



Temas
1 Gunslinger 
2 Case You Haven't Heard 
3 You That Makes Me Crazy 
4 Somthin''bout You 
5 Ain't No Doubt 
6 Red Nite Gown 
7 Rub Down Town 
8 Drown In My Soul
9 Blu Thangs




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