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Big Yuyu – Soulify Girl (2017) Entrevista (Rockliquias Bandas)

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Big Yuyu es un grupo mallorquín con mas de diez años de carrera y con cuatro discos a sus espaldas, el último, "Soulify Girl", publicado en 2017. En la actualidad la banda está compuesta por Jordi Alvarez (Guitarra, voz), Juan Amaro (bajo) y Esteve Huguet (batería).


Nos pusimos en contacto con Jordi para que nos contara la  vida y milagros de la banda


Rockliquias.- Big Yuyu, curioso nombre ¿Tiene algún significado?

Un “Yuyu” es algo que popularmente asociamos al miedo. Todo el mundo tiene temor a estar triste o tener el Blues…pero el Blues todo lo cura! O por lo menos ayuda a pasarlo…
El nombre vino, a raíz de cuando estábamos grabando nuestro primer disco y un día, ya bien avanzada la grabación, el ordenador del estudio petó! Flavio, el ingeniero dijo: “Qué Yuyu!” y yo dije…”Big Yuyu!” a lo que él respondió: “Buen nombre para un grupo!” con media sonrisa e intentando quitar peso al problema del odenador, que finalmente se pudo solucionar sin más!
También siempre me ha hecho gracia eso de “te va a dar un YUYU!” JEJEJE

Rockliquias.-¿Cuáles son vuestras influencias?

Son muchas y muy variadas. A cada uno le gustan varias cosas y estilos, pero es precisamente en la conjunción de ello en lo que se basa nuestro estilo.
El Blues en todo su esplendor y diversidad, el Rock clásico, el Soul, el Rhythm’n Blues, el Jazz…pero no dejan de ser etiquetas y nos gusta o bien intentamos huir de ellas, si es posible!
El otro día después de un concierto, hablando con la peña, a Juan Amaro le preguntaban si tenía a algún grupo o artista favorito, a lo que él, con la sabiduría que le da la experiencia respondió que eso es imposible y menos hoy día.


Rockliquias.- A lo largo de más de once años de carrera por la banda han pasado diversidad de músicos . Nos podríais comentar las diversas formaciones.

En origen, la banda se creó en formato trio, con Jaume “Trostky” a la batería, además de Juan Amaro al bajo y yo a la guitarra y voz. Luego, en algunas ocasiones incluíamos a Llorenç Barceló al teclado. Posteriormente, decidimos crear una formación paralela a la que llamamos Big Yuyu & the Hot Nite Band, que además del quarteto incluía una sección de tres metales y un segundo batería-percusión. Pero, primero la crisis y luego la imposibilidad de mantener el proyecto con tanta gente involucrada y tan poca salida, hizo inviable el proyecto y decidimos volver al formato original de trío, esta vez con Esteve Huguet a la batería. 
Todas estas etapas han sido enriquecedoras y responsables de lo que somos hoy día. De nuestro sonido y de nuestro estilo. Son parte indispensable de nuestra historia y trayectoria.

Rockliquias.-  En 2007 llega vuestro primer trabajo, "Big Yuyu", once temas cargados de buen blues. ¿Qué recordáis de esa primera experiencia?

Fué maravilloso! De echo, el proyecto empezó verdaderamente ahí. Juntamos esos temas que nos gustaban, les dimos nuestro sello y nos pusimos a grabar. El álbum fué un éxito, y sorprendentemente fué elegido por la prensa cómo uno de los diez mejores álbumes de Baleares de ese año. Nos abrió muchas puertas. Y dio nombre al grupo!

Rockliquias.- Tres años después llega la aventura con Lorenzo Thompson, J.L. Pardo y Quique Gómez. y la grabación de "Do the Siesta".  ¿ Cómo surgió el proyecto y que datos nos podéis aportar de la grabación?

Me llamó José Luís Pardo, con quien hemos trabajado y mantenemos una gran amistad, que iba a estar girando con Lorenzo Thompson por el país y que tenían una fecha en el Festival de Blues de Palma. Me dijo, que estaría muy bien, aprovechar que estaban por aquí unos días y que teniendo yo el estudio en casa, podríamos aprovechar el tiempo y grabar con él, sin más pretensión que tocar unos temas en directo, estar a gusto y si surge, sacamos el disco. Hasta esa fecha, Lorenzo no tenía ningún disco editado, lo cual me parecía sorprendente tratándose de un cantante y artista cómo él! Y así fue! Lo grabamos en un día y medio, todo en directo, primeras y segundas tomas. Al escuchar los resultados, decidimos sacar adelante el álbum! Fue fantástico a muchos niveles! Tocar con un Bluesman americano, en el estudio, todo fluyó! Ahí está el honesto resultado! Y Lorenzo probó las lentejas con chorizo de casa y le encantaron! jejeje


Rockliquias.- Colaborasteis con Bob Margolin

Qué gran experiencia! Estuvo girando por la península con Tota Blues, él me llamó…”tenemos un sábado libre, podemos hacer algo en Mallorca?” 
Así que encontramos la complicidad para traerlo al Blue Jazz Club (Hotel Saratoga) de Palma. Para esa noche juntamos también a Richard Vinton, un gran pianista de Florida, que lleva muchos años viviendo aquí. A Bob, le encanta el piano! No hubo ensayo, no había setlist. Probamos sonido, fuimos a cenar y arrancamos puntuales! El Blues es así! Fue una noche maravillosa, la tenemos marcada en la memoria y en el corazón! Bob es un tipo fantástico, muy afable y campechano! Fue un placer acompañarle. Poder tocar con uno de tus referentes y que te arrope en el escenario no tiene precio!

Rockliquias.- Vuestro tercer trabajo llega en 2011, "Burnin'up", mezcla de estilos (funk, soul, blues, boogie).  Nos puedes comentar algo sobre el mismo?

Era el momento! Con la Hot Nite Band a tope y por primera vez, con nuestras propias canciones. La banda estaba lista para todo, pero vino la “crisis económica” y al final se convirtió en una “crisis existencial” para todo el mundo! Por cierto? Ha acabado ya? Jejeje
Es un trabajo muy completo, a nuestro entender, en el que todos aportamos lo mejor que pudimos. Son buenas canciones, están bien interpretadas y son tal y cómo las pensamos en su concepción. La base es el Blues, pero como bien dices, mezcla estilos…éramos 8 músicos y todos teníamos voz. Una democracia, vamos!
Se grabó en mi estudio y luego lo mezclamos y masterizamos en Swing Estudis de Palma con el maestro Toni Pastor. 
Nos abrió también muchas puertas, a tocar en Festivales, programas de televisión, giras…fue una época maravillosa, pero también es complicado hoy día mover un grupo de 10 personas y más si hay que salir de una isla en avión o barco…


Rockliquias.- Por cierto resulta bastante difícil encontrar vuestros tres primeros discos.

Siempre llevamos en nuestros conciertos! Jeje
El “Do the Siesta” lo podéis encontrar en la web de Gaztelupeko Hostak, que es la discográfica que lo edita. El resto, o bien en nuestros conciertos o bien en las principales webs de venta y descarga digital de audio.

Rockliquias.- Pasan seis años hasta la grabación de vuestra cuarta producción, ""Soulify Girl", supongo que la crisis también os afectaría.

No fue cuestión de la crisis…en 2012, entró a formar parte de la banda, Esteve. Él, ha aportado mucho al sonido y estilo del grupo desde entonces. No sólo con la batería (él es además un gran guitarrista), sino que también ha aportado madurez y contundencia. Nos íbamos yendo cronológicamente atrás en el tiempo en cuanto a estilo y sonoridad. Buscando las raíces del grupo y la crudeza del estilo. Eso llevó tiempo y perseverancia. Además, la tarea de composición no es fácil cuando haces cada año más de 200 conciertos. No es una excusa, pero es así en nuestro caso y muchos lo entenderéis. Cuando tuvimos los temas correctos para esa nueva etapa que queríamos mostrar y estuvieron listos, decidimos grabar. Right place, right time!


Rockliquias.- ¿ Qué detalles nos podéis aportar de la grabación? (lugar de grabación, productor, colaboraciones, etc)

Nunca antes lo habíamos hecho, pero esta vez, decidimos que había que traer un productor, alguien de “fuera” de nuestro entorno pero a la vez, que conociese bien el estilo y sonido que necesitábamos para esos temas y pudiese aportar más luz a esas composiciones. Al hablar de nombres, el primero que salió y en el que coincidimos los tres fue el de Santiago Campillo. Y así fué! Le mandamos la maqueta, le gustó la idea y se vino a hacer la producción! 
Grabamos de nuevo en mi estudio (Sa Grava Estudi). Estuvimos diez días intensos y emocionantes de grabación. Casi encerrados en el estudio diría yo! Santiago realizó un trabajo de producción impecable y sacó lo mejor y lo peor de nosotros y de nuestras posibilidades y guió en todo momento cada una de las canciones del disco y también nuestras emociones. No podemos estar más agradecidos con él, su trabajo y con el resultado final.
En este trabajo, queríamos mostrar el “nuevo trío”. No por ello, íbamos a descartar a nuestra “familia Yuyu” en las colaboraciones que iban a dar el toque dónde hiciese falta. Así, hay un tema  soulero con The Hot Nite Band (metales, hammond y percusión), la armónica de uno de nuestros colaboradores habituales, el francés residente en Mallorca, Antonin Bastian, la excitante percusión de Rogerio Santos Silva, Hammond a cargo de Emili Gené y Llorenç Barceló, coros a cargo de Jordi Planiol y Marga Ros y por supuesto, le pedimos a Santiago Campillo que se tocara algo, y así se grabó ese maravilloso y emocionante solo en “I Believe”. 


Rockliquias.- Algún tema con el que estés más satisfecho

Nos gusta contemplar el álbum completo en su diversidad y amplitud. Te podría decir uno y en una hora te diría otro…estamos muy satisfechos con el global del disco, el sonido, el mensaje, el diseño…y lo más importante de todo, a la gente le encanta! Eso es lo que da más satisfacción.


Rockliquias.- En diversas ocasiones habéis actuado fuera de España ¿ Qué tal el público y la experiencia?

Sí, hemos salido en varias ocasiones de gira fuera de nuestro país. Hemos estado varias veces de gira por Alemania y Holanda, también en Inglaterra y Suiza.
Pues la verdad es que muy bien siempre! Nada sorprendente, teniendo en cuenta que trabajando en Mallorca, estamos muy acostumbrados a tener entre nuestro público a gente de todas partes, a hablar con ellos y hacerles disfrutar con nuestro show. En esos países, la cultura musical está muy evolucionada, llevan muchos años en ello! Y nos llevan ventaja. No estoy diciendo que aquí sea peor ni mucho menos, pero creo que es bueno ser autocríticos y reconocer, que aquí tanto el Blues cómo otros géneros siguen siendo un tanto minoritarios y lejos del alcance de los oídos de las grandes masas…eso ahí, sucede menos, llevan detrás un bagaje que los hace más experimentados.

Rockliquias.-  ¿Cómo va vuestra agenda de conciertos?

Pues no te voy a engañar, muy satisfechos! Aunque sí nos gustaría tener más posibilidades y facilidades a la hora de poder salir de Mallorca, pero no es fácil. Pero aquí en la Isla trabajamos bien aunque echamos de menos una “escena” musical más efervescente…no hace mucho que la había, pero por muchas razones se ha diluido. Todavía se basa demasiado en completar la oferta turística y cuando termina la temporada, quedan pocos espacios dónde poder ofrecer buenos productos…es cómo si todo hibernara!

Rockliquias.- ¿Cómo está el ambiente musical por Mallorca?

Aquí, desde los años 60’s y gracias a la permisividad en pro del boom turístico de la que las Baleares gozaban, siempre ha habido muy buenos espectáculos y grandes artistas y músicos. No era extraño que aquí actuaran Frank Sinatra, James Brown, Ray Charles e incluso Jimi Hendrix cuando en el resto del país, todo esto estaba prohibido e incluso era desconocido! Por no mencionar producto local cómo los Bravos, Zeta 66, Joan Bibiloni, Bonet de Sanpedro…
Además aquí han venido grandes músicos de fuera que han acabado viviendo aquí y se les puede disfrutar cualquier noche! Gente de mucho nivel artístico! Eso nos enriquece y nos aporta mucho. Además hay una prometedora cantera de jóvenes músicos, que están estudiando y formándose, que auguran un futuro muy prometedor y esperanzador. Yo creo que la música en directo, nunca morirá…sólo se transformará! 

Rockliquias.- ¿Qué le diríais a nuestros lectores para que se compraran el Cd y fueran a vuestros conciertos ?

Si os gustan el Blues y el Rock clásicos, queréis escuchar algo fresco y original hecho con el alma os invito a venir a vernos cualquier noche de estas y a vibrar y disfrutar de una de nuestras actuaciones. Prometemos darlo todo para vuestro disfrute! Y si os gusta, llevaros uno de nuestros discos o bien todos a vuestra casa! jejeje

Big Yuyu nos ofrecen diez temas cargados de buen rock blues y mucho más. Con una voz que me recuerda en ocasiones a la de "Stevie", buenos riffs de guitarra, y una precisa y contundente sección rítmica. Como productor Santiago Campillo (guitarrista M-clan, Los rebeldes) que incluso pone su granito guitarrero en "I Believe".
Me encantan los riffs de "No Matter What", muy al estilo de "Vaughan", Muy buenos los músicos invitados destacando en "Sad Way".  Difícil destacar un tema en concreto debido a la gran calidad de todos ellos. 
J.C. Miñana









P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70


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DEEP PURPLE - Live at Open Air Festival, Sittertobel, Sankt Gallen 1994 (Joe Satriani)

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En mi adolescencia-juventud tenía por costumbre ir los sábados por la tarde a la tienda de discos para escuchar y en algún caso comprar las novedades discográficas. Recuerdo perfectamente que en una de esas tardes un amiguete me comentó: "Tienes que escuchar a este guitarrista   es de otro planeta". Me coloque los auriculares y efectivamente  ALUCINÉ. Un "alien guitarrero" había aterrizado en mi existencia.  El disco "Surfing with the Alien" de Joe Satriani.


En Julio de 1993 Deep Purple edita " The Battle Rages On", una gran disco en su apartado musical pero que refleja las tensiones pasadas, presentes y futuras entre Gillan y Blackmore. Comienzan la gira de promoción por Estados Unidos y Europa, y las cosas no mejoran. Blackmore hace de las suyas realizando desplantes a sus compañeros en diversos conciertos. El último concierto de este renacido Mk II se realiza el 17 de noviembre de 1993 en Helsinki, Finlandia. El grupo quiere finalizar la gira y para ello llaman a Joe Satriani que acababa de publicar su cuarto álbum, "The Extremist". Joe estudia a contrareloj el "Machine Head"  y debuta en el 2 de Diciembre en Nagoya, Japón.  Los aficionados japoneses esperaban encontrar a Blackmore aún así de las 80.000 entradas vendidas sólo se devolvieron 2.000.  Los resultados son excelentes y la banda recupera su vitalidad y alegría. Todo esto lleva a  proponer a Satriani como miembro fijo de la banda. Lamentablemente los compromisos discográficos de Joe le hacen declinar la invitación. Finalizada la gira japonesa y una  veraniega por Europa, Satriani se despide el 5 de Julio en  Kapfenberg, Austria.


La grabación nos traslada a la actuación de Deep Purple en el Festival Open Air en St. Gallen de 1994 donde eran cabezas de cartel. El "setlist" está compuesto fundamentalmente por temas del "Machine Head" (Maybe I'm a Leo, Pictures of Home, Lazy, Space Truckin, Smoke on the Water). También tenemos clásicos como Woman From Tokyo, Fireball,  Knocking At Your Back Door, Perfect Strangers o When A Blind Man Cries. Joe aporta su "Satch Boogie" y en la parte final tenemos el "Paint It Black" de los Rolling. Naturalmente los "solos" correspondientes de teclados, batería y guitarra. Un Satriani perfectamente integrado con un estilo propio que nada tiene que ver con Blackmore. Sonido soportablemente bueno.
J.C. Miñana





Temas
1. Ramshackle Man
2. Maybe I´m A Leo
3. Fireball
4. Perfect Strangers
5. Pictures Of Home
6. Keyboards Solo
7. Knocking At Your Back Door
8. Anyone´s Daughter
9. Guitar Solo
10. Anya
11. The Battle Rages On
12. When A Blind Man Cries
13. Lazy
14. Drums Solo
15. Satch Boogie
16. Space truckin´
17. Woman From Tokyo
18. Paint It Black
19. Speed King
20. Smoke On The Water


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TONTO'S EXPANDING HEAD BAND - Tonto Rides Again (1971-72/ 1996 (VICEROY) (Serie Pioneros)

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Al igual que otro recordado dúo,  los siempre sorprendentes Silver Apples, Tonto's Expanding Head Band aparecieron en los primeros 70 con su histórico "Zero Time" (1971/ EMBRYO). Dos locos de los modulares tuneados por ellos mismos, formados por el británico Malcolm Cecil y el norteamericano Robert Margouleff.


Estos tipos estaban muy por delante en cuanto a conocimientos y medios de muchos otros nuevos "sintenautas" del boom Moog exploitation. Más serios en su propuesta que los gamberretes Silver Apples, y sin duda precursores de lo que pronto va a ser el ambient, kosmische y demás acepciones derivativas. Para 1972 editan "It's About Time" (POLYDOR), pero hasta ahí llega su legado. Parece que de "Tontos" tenían bien poco los amigos. Viendo un futuro esplendoroso como mercenarios de estudio de grabación.  

Las nuevas técnicas electrónicas estaban siendo reclamadas por todos, y ellos eran expertos en la materia, además de contar con muy poca competencia en el sector. Gracias en primer lugar a Stevie Wonder, que como buen friki electrónico que es, los contrata para sus más legendarios discos de mediados 70. De ahí es un no parar, incidiendo primero en la música negra, y trabajando para Richie Havens, Wilson Pickett, Billy Preston, The Isley Brothers o Quincy Jones. Sus armatostes comienzan a interesar también a los blanquitos del rock, entre ellos a Doobie Brothers, Gene Parsons, Dave Mason , Little Feat, Stephen Stills, o hasta más progresivos como Weather Report y Steve Hillage (ver las fotos del inserto de "Motivation Radio"). Hay que decir que las siglas de T. O. N. T. O. significan "The Original New Timbral Orchestra". O sea, eso. Un modular synth tuneado como la moto de un hippie por perros viejos que se las saben todas.

En 1996 y con el nuevo formato digital-posavasos,  salen editados sus dos discos en un sólo cd como "Tonto Rides Again". Al parecer los temas del segundo álbum son retitulados por problemas legales, (aunque en el libreto del cd dice que son inéditos. ....)


A pesar de que éste material se compuso en el nacimiento del instrumento como tal, suena maduro, completo, nada primitivo, trabajado, muy profesional y extraordinariamente melódico cuando procede. Hasta el punto de comparación con unos Tangerine Dream de primeros 80! "Cybernaut" (4'31) sorprende en su madurez compositiva. "Jetsex" (4'12) podrían ser los modernos Zombi. "Timewhys" (4'56) se adelanta a Klaus Schulze unos años , (observese el título. ...). "Aurora" (6'47) sería un perfecto score sci-fi actual. "Riversong" (7'58) nos anticipa a Kitaro y Popol Vuh. "Tama" (5'16) estaría perfecta en un "Albedo 0.31" o "Spiral", de Vangelis.

"Ferryboat" (4'59) nos descubre la Berlín School antes que los berlineses......También hay apuntes electronic-avant a la Conrad Schnitzler o Moebius/Roedelius, como en "Pyramodal" (2'09), "Cameltrain" (3'54) o "Freeflight" (2'23).

"Judgementor" (4'40) tiene maneras be-bop a la "Blade Runner". Mientras que "Tontomotion" (5'48) y "Tranquillium" (5'56) parecen un homenaje a Isao Tomita.

Todo esto en 1971, cuando la mayoría de los nombrados estaban en pañales creativos. No amigos, este par de "Tontos" ni un pelo.
Tonto's Expanding Head Band fue una anomalía de la historia que, bien mirado, la hace polvo. Obligando a reescribirla con ellos como jefes absolutos de la "cosa nostra" sintetizada. Los verdaderos padrinos.
J.J. IGLESIAS








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THE MATT SCHOFIELD TRIO - Live At The Jazz Cafe 2005

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Matt Schofield  es uno de los mejores guitarristas del blues británico actual. Admitido en el salón de la fama del Blues Británico ha llegado a actuar con gente como  Buddy Guy y Robben Ford. Mención especial a sus colaboraciones con  Dana Gillespie, Earl Green, Lee Sankey,  Ian Siegal, entre otros.


Matt Schofield nació en Manchester en 1977, comenzó a tocar la guitarra a los 12 años. Cuenta Matt que su padre antes de emigrar a Estados Unidos le dejó un vídeo de BB King que lo marcó de por vida. Su primer concierto llegó a los 18 años y en Londres estuvo como acompañante de artistas experimentados del blues británico. Su primer disco es un "en directo", The Trio Live", grabado en el club Bisdhop's Blues. Como le gustó el resultado un año más tarde graba otro "live", " Live at the Jazz Cafe". Posteriormente ha grabado cinco discos en estudio el último, Far As I Can See" (2014).


Este segundo disco en directo de Matt Schofield está grabado en el London Jazz Cafe  en Abril de 2005. La música que nos ofrece está llena de sonoridades donde el blues y el jazz se mezclan de forma perfecta. Referencia obligada podría ser Robben Ford. El "setlist" está compuesto por grandes versiones: Uncle Junior (Alan Evans),  It's Your Thing (The Isley Brothers), Cissy Strut ( The Meters), Travellin' South y Lights Are On But Nobody's Home (Albert Collins), esta última una autentica maravilla. También podemos escuchar dos temas propios:  All You Need y On My Way. La réplica perfecta a los riffs de Matt la ofrece su organista Jonny Henderson con sonido a lo Jimmy Smith. La banda la completa el batería Evan Jenkins. Disfrute total.
J.C. Miñana







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STARFIRE - Starfire (1974 / CRIMSON)

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Cuando veo artefactos como el que nos toca hoy recuerdo un tiempo feliz no muy lejano, en que podías toparte con algo similar en cualquier rastro o mercadillo basuril, y pillarlo a cuatro perras. Ya digo, eran tiempos felices para los pocos "crate diggers" que husmeábamos cajones escondidos con las manos negras. En Zaragoza la sorpresa no era imposible,  ya que la base americana y su actividad vinílica nos dejó rarezas impensables, en cualquier rincón.  A veces comprabas algo así,  sin tener ni pajolera idea de lo que pillabas,  tan sólo haciéndole caso a ese sexto sentido desarrollado a base de muchas horas buscando algo raro, diferente, curioso. Lo que le daba un plus de emoción a  la cosa. Tampoco sabías si era un "santo grial" coleccionista, ni su precio real en esos mercados. Generalmente nos guiábamos por catálogos de ese tipo, que nos daban valiosa info en un mundo sin Internet. Hoy todo ha cambiado. Cualquier tendero es "un entendido en la materia" visitando el oráculo Discogs. Y más de uno se sube a la parra por la primera referencia encontrada, sin importarle estado, edición ni perrito que le ladre. Sigo buscando con ilusión  (no diré que como el primer día porque mentiría), pero todavía se puede uno llevar sorpresas.

Los californianos Starfire editaron ésta joyica en prensaje privado en 1974, de no más que 200 copias. Hasta 350 pavos se han pagado por un original. Aunque fue reeditado por Radioactive Records.

Ellos eran Chris Muis (cantante), Robert Mitchell (guitarra, coros), Robert Sephton (bajo, coros), Dennis Hovenden (batería) y Randy Kelley (teclados). Su estilo estaba centrado en un hard rock con todavía un fuerte poso psicodélico. 

"Comfort Me" era como mezclar a Vanilla Fudge con Deep Purple o Uriah Heep. Su cantante demuestra carisma vocal, y el grupo tiene un fuerte carácter de equipo. "My Love is Gone" sigue teniendo marcada influencia de los primeros Heep, época "Very 'Eavy,  Very 'Umble" o "Salisbury". Mientras Chris Muis está entre Byron y Gillan, con sus propias maneras. Fuerte presencia organistica refuerza todo lo dicho."Many Moods Ago" cuenta con potente melodía vocal y músculo  guitar/organ interlude, no alejados de Warhorse. 

Seguimos por senderos púrpura con mayor influjo progresivo, en "Birth of the Sun" (7'01). El tema más desarrollado del álbum,  muestra pinceladas acústicas, armonías vocales, soberbio soporte rítmico,  Hammond como guía  (junto al bajo), y una casi Blackmore demostración guitarristica. Starfire se han ganado mis simpatías desde hace rato. Iron Butterfly mid-70s, los de "Scorching Beauty" y "Sun and Steel", también son aproximaciones fiables. Hay quien dice que ésos son "malos discos", pero nunca he estado de acuerdo con eso.


En la cara B, "Islands" da comienzo con un tratamiento que, en dos o tres años, va a ser asumido como Pomp rock. Es un hard rock psych muy melódico y asequible, que ya intuye lo que pronto se llamará AOR. "Slippery" es demasiado psico para 1974, pero parece no importar mucho a la banda. Los entiendo. Suena fresca aún hoy día,  con ése blues flavour de enigmáticos aromas.

"Merry Crises '74" demuestra que también les importaba la problemática socio-política del momento. Y el hard rock gana aquí la partida. Es como si Michael Sadler de Saga, cantara  al frente de Atomic Rooster o Captain Beyond. Uno de los (muchos) buenos momentos del álbum.  Finalmente "To Wonder Life Alone" (5'40) es otro ejemplo de personalidad destacada en ésta desconocida banda. De fuerte calado general british, vuelven a destapar esencias Uriah Heep, Argent, Indian Summer, Fuzzy Duck o Julian's Treatment. Pienso que sus melodías Cali-rock hacen el resto para que el condimento suene así de espontáneo y natural.

Una maravilla de esas que no me encontraré en un rastro a diez pavos, no!!!
J.J. IGLESIAS



Temas
1 Comfort Me 
2 My Love Is Gone 
3 Many Moods Ago 
4 Birt Of The Sun 
5 Islands 
6 Slippery 
7 Merry Crises 
8 To Wander Life Alone

Formación
Robert Sephton: Bajo, voz
Dennis Hovenden: batería
Robert Mitchell: guitarra, voz
Randy Kelley: teclados
 Chris Muis: voz




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IQ - The Wake (1985)

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Hay que aclarar que IQ nunca han vivido de la música y que cada uno de sus componentes tienen su propio trabajo al margen de ella, aunque Mike Holmes en una reciente entrevista bromeaba con estar pre-jubilado y tener más tiempo (él es algo más joven, pero yo en unos días estaré en la misma situación…¡¡aleluya!!) 


La verdad es que cada uno de sus miembros pertenecían a diferentes localidades de Inglaterra y su vida íntima nada tenía que ver con el trabajo diario de un grupo de rock al uso. Esto es más habitual de lo que la gente cree. Dedicarse a hacer la música que a uno le gusta, no da para vivir en el 99´99 % y lo más probable, si te pones cabezón, es que suponga un gasto económico importante más que unos ingresos. Pero te garantizo que no tener que vivir de la música es quitarte una pesadilla. Vivir del arte no tiene nada de lírico ni idealista porque te van a joder igual o peor Se hace por amor al arte, como vulgarmente se dice. No a todo el mundo le toca la lotería de componer en horas de trabajo sin que te vea el jefe o a la hora del almuerzo mientras tus compañeros se te descojonan por friki y de repente un día recibir un importante contrato de grabación, trampolín que te hará millonario en el futuro y mandarlos a todos a la mierda como le pasó a Keith Emerson en su juventud. Eso es prácticamente imposible y escasos son los afortunados. Cada vez que IQ se metía en un estudio de grabación pasaban unos cuantos años y no sé cómo se lo montaban para salir de gira con los compromisos de familia y curro. Esto llevó a diversos cambios de formación cada x tiempo. Pero estamos en 2018 y ahí siguen. Gente voluntariosa sin duda.


La grabación de “The Wake” llevó más tiempo y mejor producción que el anterior y el resultado es muy diferente. La espontaneidad y frescura que destilaba el “Tales From The Lush Attic” ha desaparecido por completo y ahora cada compás, melodía y arreglo instrumental está muy pensado detenidamente, a veces demasiado, por la cantidad de saturación de sonido que hacen de este disco algo oscuro y pesado. Sin embargo, la peña neo prog se desharía en elogios hacia este disco como una reseña progresiva definitoria de los 80´s. Es un buen álbum y muy bien trabajado de eso no hay duda, pero los sonidos imperantes hacia una mayor agresividad y simpleza, pasó factura hasta los 90´s y les pasó a todos después de un primer prometedor álbum en la mayoría de las bandas británicas de neo prog que no es necesario repetir nuevamente. Martin Orford se rodeó de una nutrida paleta de modernos teclados, casi una docena, si veis lo créditos del disco. Tin Esau sacude un pesado bajo casi en primer plano, la batería de Cook, es contundente, seca y dura. La tendencia de la época sobre una percusión exenta de platos, moda muy Peter Gabriel en sus discos en solitario y la machacona forma de tocar de Stewart Copeland de Police hicieron sus estragos. Pero para eso ya están los Watusi y los Masai que lo hacen infinitamente mejor con sus tambores y sus impresionantes ritmos rituales.


 La portada de “The Wake” es maja y atractiva y las fotos del grupo en la contraportada no tienen desperdicio. Cadena con gargantilla a lo punk, cardados de fantasía, chaquetillas chillonas con cuello levantado, corbatitas de cuero muy estrechas (yo también tuve alguna) etc etc… Una preciosidad. Eran esos tiempos. No obstante, algunas de las mejores piezas “sinfónicas” de IQ las encontramos en este disco como es el caso de “Headlong” que cierra el disco con un Holmes sublime. Otras como “Outer Limits” que lo inaugura con un tipo de acordes de teclado que se harán muy familiares o la densa, creciente e interesante “Widow´s Peak” con su indiscutible sello Genesis del 77- 78 cuando ya solo quedaban tres. Sin embargo, yo me quedo con la alegre “The Thousand Days” y su bonita melodía y me aburren soberanamente cosas como “Corners” o “The Wake” y a medias “The Magic Roundabout” que, aunque buena pieza, es algo lineal y me recuerdan, salvando distancias claro, un poco al primer Marillion de Fish y cia. Después de las correspondientes actuaciones en el Marquee con live incluido, Peter Nicholls abandona por unos años el grupo, hasta 1991 concretamente, para formar su propia banda Niadem´s Ghosts que apenas tuvo repercusión. Pero la historia del grupo en realidad, no ha hecho más que empezar.
Alberto Torró



Temas
1. Outer Limits (8:15)
2. The Wake (4:11)
3. The Magic Roundabout (8:18)
4. Corners (6:20)
5. Widow's Peak (9:12)
6. The Thousand Days (5:12)
7. Headlong (7:25)
8. Dans Le Parc Du Chateau Noir (7:37)
9. The Thousand Days (Demo) (3:55)
10. The Magic Roundabout (Demo) (6:27)
11. Corners (2010 Remix) (5:33)




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LE ORME - Contrappunti (1974)

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Este álbum me pareció verlo editado en España en algún momento, aunque no estoy muy seguro. Para muchos es el punto álgido de la banda, aunque el anterior se llevó la gloria progresiva. 


En esta ocasión se convierten en cuarteto con la inclusión del pianista Gian Piero Reverberi que junto con Pagliuca realizan en la pieza de apertura el disco de Le Orme más “emersoniano”  de su carrera. Aquí incluso y concretamente en este primer corte, se pueden parecer ligeramente a los alemanes Triumvirat con su “Illusions on a Double Dimple” del mismo año. Contrappunti es un LP bastante más sinfónico que sus anteriores trabajos y difiere mucho del Felona. 

Los contrastes acústicos y melódicos de Aldo Tagliapietra con ese perfume campestre casi folky y ensoñación mellotroniana la encuentras en la bonita “Frutto Acerbo” y cantando casi “a pelo” en “India” y con mucho efectito de teclados en la parte instrumental.

 “El fabricante de ángeles” es otra bonita canción con arreglos muy cantábiles de teclados y Emerson-Jurgen Fritz siguen colándose por los recovecos. La reflexiva “Notturno” a lo Chopin y con sus arreglos de “baja intensidad” sinte aquí…órgano allá, nos meten de nuevo en terrenos de órgano rugiente en la pieza final de casi 9 minutos “Maggio” donde un hermoso pasaje sinfónico de sintetizador juega con algún que otro capricho experimental, pero sin salirse de madre. Esta pieza es una de las mejores del grupo y sumamente agradable de escuchar. Lástima que como siempre cuando le estas cogiendo el gusto el disco se termina. Otros escasos 33 minutos. 

Las caras de los vinilos daban para bastante más, pero en Italia era una constante en la mayoría de las bandas hacer discos cortos y piezas que raramente iban más allá de los 6-7 mtos y en un porcentaje muy alto no superaban el formato canción de cuatro mtos. Quizás sea mi manía por las largas épicas y momentos imbricados y jodidos de tocar y supongo que es una patología musical en muchos sinfónicos.


Con respecto a mi anterior artículo de la semana pasada y como en otras ocasiones, yo intento entretener con comentarios socio-políticos los momentos históricos en que aparecen los discos y a veces los acontecimientos que van asociados a la música para enriquecer un poco la forma rutinaria de hablar de manera mecánica sobre música. Para evitar que alguien más se ofenda, como me ha sucedido, tomo nota de a donde hemos llegado, y a la falta de apertura mental y sentido del humor, y visto el panorama, no mezclaré en lo sucesivo asuntos al margen de la música. Percibo que no se puede hablar de nada que no sea políticamente correcto o no pertenezca a los mundos de Yuppi, debido al retroceso social, mental, intolerante e intelectual en que vivimos. Esto ya no tiene arreglo y no se permite el sentido crítico de las cosas. A veces me pregunto, qué sentido tiene escribir algo con honestidad. Oigamos música pues… mientras podamos. Lo único sensato que queda (de momento).
Alberto Torró





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GALADRIEL - Muttered Promises From An Ageless Pond (1988 / DAGA - MINDCHILD) (Rockliquias Bandas Classic)

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Compruebo que ya tenemos muy al día la actualidad nacional  (aunque nunca lo suficiente). Así que retomo la sección viejuna, que será intermitente. Y qué mejor que con un verdadero "classic" de nuestra historia reciente. Además ahora que se cumplen 30 años de su edición.


"Muttered Promises From An Ageless Pond", primer álbum de los madrileños Galadriel, fue un hito heroico para unas fechas tan antipaticas. En 1988 decir que "eras progresivo " era motivo de burla y lapidación. Otra cosa. Si su líder,  letrista, cantante, teclados y único miembro original en la actualidad, el canadiense Jesús Filardi , se entera de que en Rockliquias aún no ha aparecido su banda, nos encorre a gorrazos tanto a Alberto Torro como a éste escriba sentado. Más de 25 años de amistad desde los peores tiempos nos unen, como sólo la música (prog) puede hacerlo. Habiendo vivido grandes experiencias juntos. Como cuando hice de "roadie" en la presentación de "Mindscapers"  en Madrid, y luego no me dejó entrar al concierto el "profesional" portero de la entrada. País! También fue Jesús Filardi quien se brindó a escribir un prólogo en mi "Guía del Progresivo Español - Hijos del Agobio", que tan buena acogida tuvo en 1997. 

Galadriel se forma en Diciembre de 1985 con Jesús Filardi (voz, ex Algor), David Aladro (teclados, ex Dantalion), Óscar Pérez (batería,  ex Dantalion), Pablo Molina (bajo, ex Dantalion), Manolo Macia  (guitarras, ex Galdalus) y Manolo Pancorbo (guitarras, ex The Magic of Fire). Precisamente debutan en vivo con éste último nombre, al no tener todavía ninguno. Sorprenden por sus máscaras,  disfraces y la pura teatralidad de la que siempre ha hecho gala en directo Jesús Filardi. En 1986 graban la casete "La Escalinata". En 1987 se va Óscar y entra el brasileño Cidon Trindade, percusionista de la Sao Paulo Symphonic Orchestra. También ese mismo año graban el tema "Summit" para la recopilación inglesa de grupos progresivos, "Exposure". Allí conocerá a un tímido muchacho que también participa con un tema de su banda No Man Is An Island......Así que no te extrañe ver en la lista de agradecimientos de "Muttered..." a un tal, Steven Wilson!

"Muttered Promises From An Ageless Pond" se grabó en cuatro estudios diferentes cuando se pudo, y fue producido  por el propio grupo. Tres son las fuertes influencias que en él se perciben. Yes, por la andersoniana voz de Filardi. Genesis,  por los bucolicos,  románticos y delicados pasajes. Y el rock Progresivo Italiano, (PFM, Locanda delle Fate,  Murple,  Il Castello Di Atlante.....), por su fina lírica mediterránea y musicalidad extraordinaria.

La cara A es llamada "The Day Before the Harvest" y consta de tres temas. "Lagada" (8'50) lleva una gruesa línea de bajo a la Chris Squire, los sintes parecen el propio Wakeman y la cálida voz de Filardi entra en universos afirmativos,  con pinceladas medievales de guitarra a la Howe que lo hacen encantador. También Steve Hackett en su primer disco en solitario es una influencia. Y hasta el prog USA 70s tiene símil aquí,  con parecidos a Pre, Starcastle,  Infinity,  Surprise o Pentwater en determinados pasajes. Por otra parte, el violín invitado de Alfredo García Demestres (ex Heimdal), aporta un decisivo sabor italiano al festín. Una maravilla. "Virginal" (2'26) es un delicioso apunte acústico digno de Anthony Phillips, procedente de los tiempos de "La Escalinata".

"To Die in Avalon" (10'00) está llena de impresiones y sentimientos, a menudo con delicada textura nostálgica. Piano clásico a la Keith Emerson, guitarras desgarradas a la Robert Fripp.....o la riqueza de la Premiata en preciosistas momentos de majestuosidad innegable. Magia entre los surcos de un vinilo, ya muy valorado.

La segunda cara se denomina "The Year of the Dream" y consta de dos temas, uno muy corto y una macro suite. "Limiar (Winter's Request)" (1'20) es otro pequeño dibujo acústico naif. 

"Landhal's Cross" (20'04) es la gran apuesta del álbum. Seis partes subtituladas que recogen herencia de todos los grandes de los 70, y que además,  sigue sonando a ésa década. Considero erróneo juzgar éste disco como "neo-progresivo", como he visto por ahí. Resulta una apreciación realmente superficial. "Landhal's Cross" es una construcción en perspectiva 70s, de una música "que había muerto sola", (como dice Andy Tillison), en los ingratos 80. Vista por el personal ojo de Galadriel. De hecho ésta epic-track contiene elementos clave que se irán desarrollando de otras maneras, en los siguientes trabajos del grupo. Teniendo en cuenta que todos sus discos son distintos. "Chasing The Dragonfly" (1992), "Mindscapers" (1997) y "Calibrated Collision Course" (2008). Todos deben a ésta larga pieza de una u otra manera. A modo de gran collage, o propio "Supper's Ready", que va a marcar la carrera y el estilo del grupo.

La versión cd se editó en 1990 por Musea y contenía otras dos gemas. La citada "Summit" (11'27) y la encantadora "Nunca de Noche" (3'13).

"Muttered...." es una pequeña gran obra maestra del progresivo de aquí más internacional. Un disco que ha ganado con el tiempo, (curiosamente mucho más  que otros más contemporáneos de la banda). No entiendo cómo pudieron expresar y plasmar ese puro sentimiento 70s tan estupendamente, en tiempos tan pésimos para la lírica prog. Una delicada joya atemporal (parezco un anuncio de "galería del coleccionista"), que recomiendo desde la más sincera de las sugerencias.

......Lo que no quita para que Filardi me pague unas birras!!!
J.J. IGLESIAS


Temas
1. The Day Before The Harvest: Lágada (8:30) 
2. Virginal (2:26) 
3. To Die In Avalon (10:00) 
4. The Year of The Dream: Limiar (Winter's Request) (1:26) 
5. Landahl's Cross (20:04) 
6. Summit (11:27) 
7. Nunca De Noche (2:20)



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Chicago Transit Authority - Fillmore West 1969

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Chicago Transit Authority, es posible que esta denominación no os llame la atención pero si os digo que corresponde a la banda Chicago la cosa cambia. Esta agrupación no sólo cambio su nombre, su música poco a poco fue evolucionando hacia un sector cada vez más comercial. Hoy los recordaremos en una de sus mejores épocas.


La banda comenzó llamándose "The Big Thing", cambiaron de nombre, "Chicago Transit Authority", cuando se trasladaron a Los Ángeles en junio del 68 y firmaron por la Columbia Records. Eran habituales sus actuaciones en el  Whiskey a Go Go y abrieron sendos conciertos para Janis Joplin y Jimi Hendrix. En 1969 editan su primer disco, "Chicago Transit Authority", un doble disco que llegó al puesto 17 en el Billboard 200. Por problemas legales con la operadora de transporte público de Chicago (CTA), tuvieron que acortar su nombre. A partir de ese momento serían Chicago. Una dilatada carrera llena de éxitos.


La grabación nos presenta la actuación de Chicago (Chicago Transit Authority), en el Fillmore West el 17 de Agosto de 1969. Esa noche también actuaron The Youngbloods y Colosseum. El "setlist está compuesto por temas de su primer disco editado a principios de ese año (Does Anybody Really Know What Time It Is?, Poem 58, Someday, Questions 67 & 68, Beginnings, Questions 67 & 68, Introduction, Listen, I’m A Man, South California Purples, Liberation) y un adelanto de su segundo disco, "Chicago", con su éxito "25 Or 6 To 4". En cuanto a su música nos encontramos con psicodelia cargada de experimentación y buenos desarrollos instrumentales con una poderosa sección de viento y un guitarrista , Terry Kath, que se sale. Recordemos que incluso Hendrix quedó impresionado con la capacidad guitarrera de Terry. Sonido aceptable aunque algunos temas aparezcan cortados.
J.C. Miñana



Temas
CD1
01. Poem 58 (10:37)
02. Freeform Intro (00:48) 
03. Does Anybody Really Know What Time It Is? (3:25)
04. It Better End Soon (9:01)
05. Someday (cuts) (2:38)
06. Questions 67 & 68 (5:17)
07. 25 Or 6 To 4 (7:16)
08. Beginnings (original version with dropout) (6:19)
09. Questions 67 & 68 (original version with dropout) (5:13)
10. The Road (original version with dropout) (3:19)

CD2
01. Introduction (7:49)
02. Listen (4:43)
03. The Road (3:15)
04. I’m A Man (6:25)
05. South California Purples (6:10)
06. Beginnings (6:15)
07. Liberation (16:57)




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EDGAR FROESE - Ages (1978 / VIRGIN)

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Compruebo sorprendido cómo todavía no habíamos traído a ésta sección, al probable responsable de toda la kosmische, en su carrera en solitario. Se le echa de menos al bueno de Froese, desde enero del 2015.


Es poco conocido el dato de que cayera por España con su grupo psych /r'n'b, The Ones, a finales de los 60. En Cadaques conoce a Salvador Dalí y se hacen amigos. El cual le da unas pautas a seguir en su carrera musical. Y Froese las pone en práctica obedientemente al volver a Alemania. Disuelve The Ones en 1967 y monta un grupo donde el surrealismo y la improvisación sean factores dominantes. "El Sueño de la Mandarina"..... No es un nombre terriblemente daliniano? Resultará que el gurú del cosmic-kraut fue el genial pintor? No es descabellado.

Ya con Tangerine Dream a pleno rendimiento, inaugura su carrera en solitario con "Aqua" en 1974. Le siguieron "Epsilon in Malaysian Pale" (1975) y "Macula Transfer" (1976). Para 1978 TD había cambiado radicalmente su formato musical, en cuarteto. Y editaban el posiblemente más rompedor disco de su historia : "Cyclone". Seguían Froese y Franke, pero entraban Steve Joliffe (ex Steamhammer) a la flauta, vientos diversos, teclados y....voz!!! Además de Klaus Krieger en la batería de toda la vida, aunque la suya era una customizada en polyester con gatillos electrónicos percusivos......a saber qué invento! Éste último miembro participará en el doble album de Froese, "Ages", de ése mismo año. Grabado de agosto a noviembre de 1977 en los Amber Studio de Berlín y producido por el propio Froese. 40 años se cumplen ahora de un doble vinilo que es recomendable tenerlo en su formato original. Todas las ediciones posteriores en cd salieron con la falta de algún tema, extrañamente.

"Metrópolis" (11'00) lo abre, inspirado en la misma película de Fritz Lang. Su aspecto maquinal y sombrío lo acerca al Kraftwerk de "Trans Europe Express" o Harmonia. La batería y ritmos orgánicos de Krieger alejan el clásico concepto tangerino, y le da un soplo de aire fresco al contexto. Estaba claro que 1978 era un año clave, de renovación,  para nuestro hombre. Bonito comienzo.
Inevitable es que se note la procedencia de Froese. 

Y en "Era of the Slaves" (8'05) (2018?....) estamos ante la típica pieza a lo TD, evocando espesas y peligrosas junglas aztecas, de asfixiante calor y enigmas insondables. Perfecta para "Sorcerer", la banda sonora para el film de William Friedkin del año anterior, (que llegué  a ver en su estreno en cines). Quizá un descarte?....


Para la cara 2 tenemos la pieza más extensa del álbum y que ocupa todo el lado, "Tropic of Capricorn" (21'06). En ella se aprecia melodía majestuosa y equiparación sonora similar al Vangelis de esos días. Si bien pronto reaparece el misterioso Edgar Froese al que estamos acostumbrados. La pieza cuenta con piano acústico como hilo conductor, donde una maraña de poéticos sintetizadores ejercen de vasos comunicantes sonoros. Como digo, poesía electrónica de corte romántico extraordinario y casi música contemporánea. Con cercanías a Debussy o Schumann. Realmente una faceta poco explotada por Froese hasta entonces, y uno de los puntos altos del disco.

La cara 3 comienza con "Nights of Automatic Women" (9'00), tema éste que adalides del retro-synthwave como Carpenter Brut matarían por haber compuesto. Puro TD-score con la atenta batería de Krieger y secuenciación típica berlinesa actuando al unísono. Su característico estilo a la guitarra aparece en "Icarus" (9'07). Siempre he pensado que Froese ha sido un infravalorado guitarrista. Puede que no un virtuoso, pero tenía algo y sabía expresar con sus psicodélicos solos. Podía haber ejercido como tal perfectamente en una banda.

"Childrens Deeper Study" (4'21) es otra curiosidad en un Froese que cada vez estaba más interesado en las melodías previamente compuestas. Alejándose de la improvisación salvaje que había dominado toda su obra hasta entonces. También en ésta nueva faceta demostró ser un maestro, por lo menos hasta bien entrados los 80.


La cara 4 también depara sorpresas agradables. "Ode to Granny A." (4'39) recuerda a la Tonto's Expanding Head Band, dúo del que hablamos la semana pasada como pioneros. "Pizarro and Atahualpa" (7'30) toca un tema muy del gusto kraut (recuérdese a Popol Vuh y su "Aguirre", por ejemplo). Las percusiones de Klaus Krieger son definitivas, bien soldadas a las líneas tangerinas de síntesis que tan bien describían en los exóticos pasajes de ésa época. 

Finalmente "Golgatha and the Circle Closes" (8'30) es otra exhibición de guitarra, secundada por secuenciador, batería y sinte de cuerdas. Una especie de "bolero electrónico" de fascinante desarrollo puramente froesiano. Su epílogo final parecía un outtake del "Soon" de Yes. "Ages" es uno de mis discos favoritos de Edgar Froese. Realmente todos de los 70 lo son.

En sus últimos meses, Froese dejó colgado un proyecto con Steve Hogarth,  (al modo que estaba haciendo éste  con Richard Barbieri). "Dicen" que pretendía volver al sonido Berlín y así lo dejó testamentado a los actuales TD. Yo creo que es cosa de ellos para darle veracidad a la actual formación. Aunque no estoy en contra, conste. Froese hacía muchos años (décadas), que se había alejado de las fantasías cósmicas sintetizadas berlinesas expuestas en éste magnífico "Ages". Aún así,  se le echa de menos.

P. D - "No existe la muerte. Sólo es un cambio en nuestra dirección cósmica" EDGAR FROESE
J.J. IGLESIAS








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Band Of Light ‎– Total Union 1973

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Band Of Light,  banda australiana con una carrera que abarcó desde el 72 al 74. Phil Key (voz, guitarra) fue su fundador junto a su amigo Peter Roberts (bajo). El resto de integrantes eran  Norm Roue (guitarra slide) y Tony Buettel (batería). Roberts aguanto tres shows y fue sustituido por Ian Rilen.


A Comienzos de 1973 firman contrato por la discográfica WEA editando en Julio su primer single, "Destiny Song", llegando al puesto 18 del Top nacional. En agosto llegó su primer larga duración, "Total Unión", alcanzando el puesto 13.  Ese mismo año participan de forma destacada en el  Festival de Música de Sunbury. En el 74 editan su segundo LP, "The Archer", y a finales de año Phil disuelve la banda.

Norm Roue se unió a Buffalo. Ian Rilen paso por Blackfeather y fue miembro fundador de Rose Tattoo. Phil Key dejó la música.


Band Of Light nos ofrecen seis temas de rock blues con alguna pequeña pincelada funk. Podríamos decir que su estilo gira entre una mezcla de Free - ZZ Top salvando las distancias. La voz de Phil Key me recuerda, no sé muy bien porqué, a la de  Phil Mogg. Numerosos riffs machacones de guitarra a cargo de Norm Roue, con "guitar slide" por un tubo. En la reedición en CD se incluye su primer single "The Destiny Song"/"Over "B", dos temas de un EP,"Moonstruck"/"The Cat", y un tema en directo. "Messin' With The Kid", grabado en el Festival de Sunsbury del 73.
J.C. Miñana



Temas

1 My First Home 8:05
2 Free Them From Hunger 5:47
3 Spaces Of Time 5:40
4 If 5:40
5 Earthbound Blues 5:44
6 The Four Horsemen Of The Apocalypse 5:36
Bonus Tracks: Singles & Live, 1973
7 The Destiny Song 3:14
8 Over "B" 4:42
9 Moonstruck 3:50
10 Messin' With The Kid (Live at Sunbury)



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LAST STRAW - Alone on a Stone (73 - 76 / KISSING SPELL - 1994)

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Lo hemos hecho muchas veces, pero no me canso. Homenajear a combos setenteros que no llegaron a grabar nada cuando se merecieron al menos, un álbum como testimonio de su paso por la mejor década  del rock.


Last Straw venían de un sitio tan inolvidable para cualquier fan como Isle of Wight, y se formaron en 1972. Desapareciendo poco después de editar en 1978 su único single "Oh Lady" / "Flyin y Nite", y me puedo imaginar porqué. Ese año ya estaba dominado por la "corrosión M. I. M." (mierder in music), que habían fomentado los "sesudos" (más bien cabezudos) rock critics aliados con las discográficas. Lo hortera mandaba el mundo. Probablemente ése single no represente para nada a Last Straw ni de coña. De hecho, al exhumar las demos que los especialistas en desterrar cadáveres musicales, Kissing Spell, rescataron para éste "Alone on a Stone", ni aparece.

En 1994 salió el artefacto plateado, tiempos todavía underground para el renacimiento prog, pero inmensamente más benignos. Y donde ya se estaba cociendo el guiso que saldría del horno poco después. .....hasta ahora (contra todo pronóstico). La cosecha que aquí nos ofrecen Last Straw pertenece tal vez a su mejor etapa,, de 1973 a 1976. La formación que se detalla es la siguiente: Jack Charles Toole (batería), Peyte Burnan (guitarra, voz), Geoff Taylor (guitarra, teclados, cantante solista), Steve Griffin (guitarra, voz) y Phil Truckel (bajo). Quizá no todos en cada tema, pues al ser un recorrido de años, pueden variar las alineaciones. También el sonido cambia en cada canción,  no olvidemos que es una colección de maquetas, aunque su calidad es bastante aceptable.


Su abanico de estilos era muy completo, saliendo victoriosos en todas sus incursiones, fueran psych, space, prog, hard o sympho. "Terence" (10'47) es mellotronico progresivo de angelicales armonías y tendencias lírico -rurales a la Spring, Fruup o Fantasy. La campiña inspiraba, y más en una isla, alejados de la gran urbe londinense. A éste tipo de grupos se les nota esa descentralización,  que siempre es beneficiosa. A mitad de tema cambian en puros argonautas siguiendo directrices Hawkwind y sus primeras obras classical-space. Aprobando con nota alta en su acceso a la academia halconiana. Con un Master de los de verdad. 

"Life Without Rules" (5'24) contiene bonitos solos de mini moog y progresivo inteligente no alejado de los primeros Camel, (la guitarra es muy Latimer), o Greenslade. Otra de sus grandes influencias es Wishbone Ash, tal vez la mayor, y en "Alone on a Stone" (7'12) la exhiben hasta el punto de competir con los creadores de "Argus". Con el añadido de teclados a su habitual proceder twin  guitar y bellas corales armoniosas. Es un verdadero placer descubrir el tesoro oculto que tenía Last Straw.


Sin embargo en "Fools" (4'40) podríamos estar ante los Camel del primer disco. La melodía vocal es soberbia, aderezada por precisa dual-guitar elegantisima y una rítmica rotundamente capaz. Por senderos similares circula "When August Breaks" (5'01) y añadiría parecidos con Man y bandas de su árbol genealógico como Neutrons o Alkatraz. Otra pequeña joya, "Fly" (3'44), la firmaría Andy Powell gustoso. Vaya clase. "Mirage" (5'45) juega en la misma liga que Dark, Stud, Epitaph o Samuel Prody. Prog de orientación bluesistica donde el cruce de caminos son las cuerdas del mástil,  en una hipnótica telaraña de fluida rítmica,  cortesia de la excelente labor del batería. 

Dos temas live para finalizar. Last Straw giró mucho en sus años de actividad, así que intuyo que debe existir más material en vivo. "Kings Return" (7'47) es hard prog de exquisita factura, cambios imaginativos y nervio tenso en la instrumentación. Y "Theme for Chance" (3'45) parece cosecha del "Mirage" cameliano,  en cruce con el "Pilgrimage" de los Wishbone Ash. Deliciosamente british 70s. Con unas guitarras señoriales y de todo respeto.


Last Straw mereció al menos, un disco que incluyera éste fabuloso material. Siempre podemos escucharlos en éstas demos sobrevivientes al polvo y el olvido.
Que otros,  ni eso.
J.J. IGLESIAS


Temas
1 Terence 10:47
2 Life Without Rules 5:24
3 Alone On A Stone 7:12
4 Fools 4:40
5 When August Breaks 5:01
6 Fly 3:44
7 Mirage 5:45
8 Kings Return (Live) 7:47
9 Theme From Chance (Live) 3:45




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IQ - Nomzamo (1987)

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Con la marcha de Nicholls en el verano de 1985, la polémica de este nuevo disco estaba servida. Su sustituto Paul Menel entraría al poco tiempo para empezar a familiarizarse tanto con el repertorio viejo como con el nuevo.



 Antes de grabar “Nomzamo”, existen algunas curiosidades como aquel LP doble pirata de 1985 con Menel cantando las piezas de Peter, el “Nine In A Pond Is Here” que llegué a tener importado. El sonido es regulín tirando a decente y tengo que reconocer que el nuevo chaval sale airoso de la prueba.

 Dos años más tarde editan “Nomzamo”. El cambio de música es casi radical, las oscuridades de “The Wake” se convierten en un radiante sonido “moderno” y aquí viene el problema. El nuevo disco es un trabajo “engañoso” pero en absoluto malo o mediocre. No han abandonado el rock progresivo, en absoluto, aunque la primera escucha te diga lo contrario. Estamos en 1987, y si tenemos en cuenta que la música (sin música) solo eran envoltorios de papel cuché con portadas insípidas y alguna foto cursi nuevaolera, podemos entender lo jodido que fue sobrevivir a aquellos tiempos en términos de calidad. Curiosamente la influencia de Genesis, casi había desaparecido por completo, pero mediada la década de los 80´s otro virus infectaba a las bandas neo y ese fue el “90125” de unos plastificados Yes. Recuerdo que a mí me convencieron para verlos en la Plaza de Toros de Barcelona en aquella gira, incluso vino mi mujer. Allí estábamos nosotros, Julio Murillo y gente del Rock de Luxe, Popular 1 y modernillos y advenedizos del momento. Cuando los vi salir al escenario me entró la risa: Anderson disfrazado de príncipe de Zamunda con chaquetilla torera y pedrerías varias. Squire, muy chulito con una vestimenta chillona y plásticos retorcidos a modo de tubería de PVC. White a la batería tan ruidoso y zaborrero como siempre, Rabin, un metalero con mallas ceñidas y posturitas, y un envejecido Tony Kaye embutido en uralita y estética tecno. “Santo Cielo”!!! me dije. El concierto atronador y “salvo alguna cosa” como diría don Mariano, aburrido hasta la solemnidad. 



A qué viene esto con IQ, os preguntareis?...pues sencillamente buscaban con “Promises” un éxito parecido al “Owner of a Lonely Heart” de Anderson y cia. He de decir sin embargo que me gusta más “Promises”. Pero el sonido del moderno Yes huele a barniz metálico que tira para atrás. IQ afortunadamente no tenía el marketing millonario de ventas de luxe de una banda vendida al mainstream como Yes. Si por un casual llegan a triunfar con esto, adiós IQ. Hoy serían otra banda. 



Tanto “Nomzamo” como el siguiente disco de la era Menel, se escuchan con agrado y hay piezas tremendamente sinfónicas y bien compuestas al margen del guiño pop y casi AOR que destila el disco. Yo respeto el AOR,  aunque no me guste, porque algunos de mis mejores amigos y buena gente disfrutan con el estilo y al menos está bien hecho (si no me la cortarán…jejeje). 



Las portadas claro, van con los tiempos y no dicen nada. Todo aséptico y funcional, pero este disco tiene cosas como “Still Life” “Human Nature” o “Common Ground” que son deliciosas piezas sinfónicas. En 1987 ya apenas quedaban resquicios progresivos en el planeta. El resto de compañeros británicos de neo prog ya estaban desinflados como un globo o se habían apuntado al macarrismo sonoro. Los viejos dinosaurios eran una vergüenza y la música estaba en peligro de extinción. Yo defenderé a capa y espada esta época de IQ,  e incluso te diría que si este disco lo escuchas hoy, es muy agradable y ha aguantado con dignidad el paso inexorable del tiempo.
Alberto Torró






Temas

01. No Love Lost (6:02)
02. Promises (As The Years Go By) (4:34)
03. Nomzamo (7:00)
04. Still Life (5:57)
05. Passing Strangers (3:47)
06. Human Nature (9:41)
07. Screaming (4:07)
08. Common Ground (6:59)

Bonus tracks :

09. Colourflow (5:26)
10. No Love Lost (Piano/Vocal Version) (4:12)
11. Common Ground (Live) (6:34)



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LE ORME - Smogmagica (1975)

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A partir de este año y durante los siguientes discos, Le Orme se formarían como cuarteto más o menos estable que incluye un instrumento más con guitarra solista. En este caso sería Tolo Marton, un reputado guitarrista que venía del rock y la fusión pero que a mi parecer no pega mucho con el estilo del grupo y endurece las lindezas compositivas del delicado Tagliapietra. 


Por otra parte, sin embargo, este es un disco demasiado escorado hacia el pop facilón y alguna monería, algo extraño porque estamos en 1975 y aún faltaban unos años para la superficialidad y la tontería. Tampoco me atrevería a decir que es un mal disco, no creáis y viniendo de una banda italiana más bien “tranquila” y sin histerias instrumentales, debes olvidarte de tus “elevados” prejuicios y dejarte llevar. Un error habitual que cometíamos los “sinfónicos jóvenes” de aquella época, hablo en parte por mí, desde luego, y también debido a los limitados cauces de experiencia sonora que por edad teníamos. Dicho de otra manera, estábamos un poco verdes y todo lo que estuviese por debajo de nuestras tres o cuatro idolatradas bandas, nos parecía una mierda hablando claro. Atrevida ignorancia que los años van corrigiendo y un mayor conocimiento musical y sabiduría te van haciendo más sensato y prudente. Muchas de las cosas de aquella época que me parecían mediocres o malas, ahora incluso las escucho con agrado. Dilatación de esfínter o síndrome de abuelo bondadoso y pasota me da igual. Claro que la comparación con ahora y con la bazofia que sale hoy, hace buena cualquier cosa de antaño. Estás viejo Alberto. A todos nos toca. Cuestión generacional pero también fino olfato…jejeje.    
           
                                                                                             Este disco se grabó en Los Angeles. Como otros compatriotas suyos volaron allende mediterráneo llevando los perfumes de Italia y colocando a su país en un referente en este estilo de música. El propio Paul Whitehead autor de las portadas de Genesis y de Van Der Graaf Generator les hace el cover art. No será la única vez como veremos más adelante. Pero el dilema que se nos queda después de un par de escuchas, es que no es un disco prog. Es un disco de canciones bien cuidadas con buen aditamento de teclados y un mensaje amable musicalmente hablando. En realidad, casi todos los discos de Le Orme lo son. Algo “molto particolare” ya sabes, tómalo o déjalo, pero es así.


El inicio de los 7 minutos de “Los Angeles” nos confunde completamente con una guitarra blues rock fuera de tiesto, aunque la cosa se centra a mitad y pronto las baladas made Tagliapietra se van intercalando y Pagliuca mima el sintetizador y el mellotrón. El sinfónico y el hard en esta ocasión chocan un poco y la pieza suena un poco-bastante “americanizada”. No pasa nada. “Amico di ieri” vuelve a los Orme de siempre con tranquilos y bonitos pasajes melancólicos. La festiva y algo horterilla “Ora o mai piu” nos descoloca pero el sinte tiene su gancho. “Laserium Floyd” ya dice lo que es. Pero aburre, parece un trozo suelto sin continuidad y aunque breve resulta monótono e insípido.  “Primi passi” parece sacada de los sesentas, simplona e inofensiva. Peligrosamente cercana a festivales y con cierto sabor a costa oeste. “Immensa distesa” es puro Orme intimista de canción tristona con rasgado acústico que roza la ternura como siempre que se ponen moñas. Pero es bonita y no tiene contraindicaciones ni efectos secundarios. Todo es corto, muy breve, muy sencillo. “Amante de citta” es algo inconcebible fuera de lugar. El riff y sinte lo arreglan un poco al final. Tutto es brevíssimo. La naiff  “el hombre del pianito” podría cantarla Torrebruno o Nicola Di bari sin problemas. Me lo tomo a bien y un poco a risa, pero se lo perdono por encantador y chorras. “Laurel Canyon” es un rock blues porque ese día los chicos estaban divertidos y de buen humor.  Nada que ver con Le Orme. Es algo como la Barros Blues Band (mi actual banda) que con cuatro cervezas y yo haciendo un “calvo” desde la batería nos partimos la caja de risa. 
Alberto Torró





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On The Raw - Big City Awakes 2017 (Rockliquias Bandas)

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On The Raw es una banda procedente de  Barcelona integrada por Alex Ojea (batería), Jordi Amela (teclados), Jordi Prats (guitarra), Pep Espasa (saxo, flauta) yToni Sánchez (bajo). En 2017 editaron su primer disco "Big City Awakes".  


Rockliquias se puso en contacto con  Jordi Prats para conocer algunos aspectos de su trabajo


Rockliquias.- ¿Qué significado tiene para vosotros el nombre de la banda, On The Raw?

Es una expresión inglesa no demasiado común, que podría traducirse más o menos como “en lo más íntimo”

Rockliquias.- El grupo lo componen miembros de Harvest, Apple Smell Colour y La Banda Puig. ¿Cómo surgió el proyecto?

Hacía algún tiempo que tres de los miembros de Harvest (Jordi Amela, Álex Ojea y Jordi Prats) teníamos la idea de llevar adelante un proyecto instrumental más orientado al jazz/fusión, sin dejar de lado nuestra influencia prog/rock. Teníamos claro que necesitábamos una “sección de vientos” y tuvimos la suerte de que a Pep Espasa (Apple Smell Colour) le encantó el proyecto. En este punto, ya tuvimos la sensación de que On the Raw iba a funcionar, pero cuando Tony Sánchez (La Banda Puig) se incorporó finalmente, la idea de “ya estamos todos” fue total! 


Rockliquias.- ¿Cuáles son vuestras influencias?

Hay mucho de todo, desde rock clásico, pop ’80, prog, fusión ’80 y ’90, electrónica, groove-jazz, folk … nos interesan sobre todo estilos que son mezcla de otros, los territorios fronterizos.

Rockliquias.- En Marzo de 2017 ve la luz vuestro primer disco, "Big City Awakes", autoproducido. ¿Como fue la experiencia?

La mayoría de los temas de Big City Awakes estaban más o menos adelantados cuando Pep y Tony se unieron al proyecto, por lo que … ¡sólo podían mejorar! Desde el minuto uno tuvimos muy buena armonía, y creo que eso se refleja en la atmósfera del álbum.

Rockliquias.-¿Cómo definiríais vuestra música?

Eso siempre es difícil para uno mismo, pero supongo que como jazz-rock con esencias de prog, de folk y de electrónica, por ejemplo…

Rockliquias.- Una de las características más notables de vuestros temas son los continuos cambios rítmicos.

Sí, es un recurso que utilizamos como parte del discurso musical, como también nos apoyamos en melodías que sean bien identificables … en general, y pese a los cambios, los solos, la ausencia de voz, etc, buscamos una cierta coherencia interna en los temas.

Rockliquias.- ¿Podríais destacar algún tema con el que estéis especialmente satisfechos?

Pues la verdad es que todos los temas nos identifican de un modo u otro con ese o esos momentos en que los trabajamos entre todos. Luego, es más bien el público quien se decanta más por unos o por otros, pero para nosotros no hay favoritos.

Rockliquias.-¿Cómo va la presentación del disco? ¿Contáis con una buena agenda de conciertos?

Hemos podido tocar en bastantes sitios desde que empezamos a presentarlo, por suerte, y de momento los directos han tenido muy buena acogida. Ahora tenemos también el reto de presentarlo fuera de nuestras fronteras, y nos hace mucha ilusión poder decir que tocaremos en un gran festival como es Crescendo en Francia este mes de Agosto.

Rockliquias.- ¿Cómo pensáis que está el ambiente musical en Barcelona?

Supongo que no hay una sola opinión sobre esto….por mi parte, pienso que en general en nuestro país hay poco interés por lo nuevo, a no ser que venga de una promoción claramente mainstream. Lo que más vende en directo son las bandas de covers, las de tributo, y las que ya hace décadas que triunfan. Es un entorno difícil para abrirse camino con música propia, porque sin curiosidad no hay novedad. Pero hay que moverse sabiendo que esto es así, y aprovechar cada oportunidad de presentar tu propuesta en directo. Además, ese público que si tiene interés por escuchar y valorar algo nuevo también existe, y hay que decir que es muy entusiasta.  

Rockliquias.- ¿Qué le diríais a nuestros lectores para que se compraran el Cd y fueran a vuestros conciertos?

Amigo/a que amas la música: si entras en nuestro Bandcamp y te gusta lo que escuchas, comprándolo nos ayudas a seguir creando música. Y si te ha gustado, te aseguro que ¡en directo te va a gustar aún más!! Próxima parada: Totum Revolutum en Barcelona el vieres 11 de Mayo en Barcelona, sala Calabria66. ¡¡Te esperamos!!


El primer trabajo de On The Raw  esta lleno de múltiples sonoridades. En cada tema desarrollan una buena paleta de estilos por los que se mueven con elegancia y maestría instrumental. En su dossier de prensa nos mencionan a Supertramp y Pink Floyd como referencias. En mi modesta opinión me suenan más a lo que hacia Jan Hammer o más recientemente Snarky Puppy. Su primer tema "Big City Awakes" es una buena prueba de ello. Por otra parte en el tratamiento de los teclados y de los vientos veo referencias claras a lo que hacían Peter Bardens y Mel Collins en Camel todo ello actualizado al siglo XXI. Un tema claramente Camel es "Day", ese ritmo de los teclados, bajo y saxo los delata. Su guitarrista Jordi Prats se une a la fiesta con unos riffs cargados de fuerza y sentimiento. Sin duda "Day" es uno de mis temas preferidos con ese magistral cambio de ritmo en mitad de la composición. Músicos con mayúsculas es lo que tenemos en esta formación. Totalmente recomendables.
J.C. Miñana








P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70


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Steve Miller Blues Band - Carousel Ballroom Abril 1968

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Seguramente cuando oímos el nombre de Steve Miller Band inmediatamente nos llegan a la memoria los sonidos de temas como "The Joker", Fly Like an Eagle" o "Abracadabra", pero a finales de los 60 los terrenos por los que se movía la banda eran bastante diferentes. Hoy lo comprobaremos en su concierto en el Carousel Ballroom de 1968.


Steve Miller (voz, guitarra) forma la banda en 1966 en San Francisco. Steve se había ganado cierta reputación como guitarrista y por ello consigue un gran contrato discográfico con la Capitol. El resto del grupo estaba formado  James Cooke (guitarra),  Lonnie Turner (bajo),  Tim Davis (batería) y Jim Peterman (teclados). A los pocos meses se incorpora  Boz Scaggs (guitarra). Se trasladan a Inglaterra para grabar su primer disco, " Children of the Future" (1968) teniendo como productor a Glyn Johns. En 1969 editan dos nuevas producciones, "Brave New World" con la colaboración de Paul McCartney y "Your Saving Grace". Un año más tarde llega "Number 5". El gran cambio se produce con "The Joker" (1973), la banda abandona la psicodelia y el blues. Obtiene un notable éxito con el single "The Joker". En 1973 se afianza en la cima con la publicación de "Fly Like an Eagle" y con temas como "Fly Like an Eagle" y "Rock'n Me". A partir de ese momento Steve Miller Band ya no abandonaría el Olimpo de las estrellas reforzando  su éxito con "Abracadabra".


Estamos ante la grabación del concierto de la Steve Miller Band en el Carousel Ballroom el 28 de Abril de 1968. La banda estaba integrada por Steve Miller (voz, guitarra), Boz Scaggs (voz, guitarra), Jim Peterman (teclados), Lonnie Turner (bajo) y Tim Davis (batería). En cuanto a las sonoridades son netamente bluseras al estilo de lo que hacían en sus primeros discos  Peter Green's Fleetwood Mac. Curiosa la metamorfosis que sufrieron estas dos bandas En cuanto al "setlist" un buen puñado de buenos blues entre los que podemos encontrar "Born in Chicago" ((The Paul Butterfield Blues Band), "Got Love If You Want It" (Slim Harpo), "(I'm Not Your) Steppin' Stone (Paul Revere And The Raiders) entre otros hasta un total de trece. El sonido es bastante aceptable. Bueno os toca decidir a vosotros que época de Steve Miller Band os gusta mas. Yo, lo tengo bastante claro.
J.C. Miñana



Temas
Temas
CD 1: 
1. I Got My Eyes On You 
2. Born In Chicago 
3. Highway Child 
4. Fannie Mae 
5. Got Love If You Want It 
6. Steppin' Stone 
7. Blues With A Feeling 
8. I Worry About My Baby Too Much 
9. Yonders Wall 
10. Mercury Blues 

CD 2:
1. Living In The USA
2. Blues For The Goldberg/Miller Blues Band a/k/a Song For Our Ancestors 
3. Key To The Highway



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ERDENKLANG - Computerakustische Klangsinfonie (1982 / ERDENKLANG)

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Reflexiono sobre la historia y desarrollo de la tecnología teclistica a grandes rasgos, y me sorprendo de los extraños resultados. Da la impresión de que se haya recorrido una enorme distancia....En círculos. Nos quedamos prácticamente en el mismo sitio. Me explico. 


Si desde los años 30 (y más atrás! ), no se paró de estudiar el efecto eléctrico / electrónico como un instrumento más,  si en los 60 se dio el gran paso comercial, y si en los 70 explotó definitivamente, los logros obtenidos desde entonces parecen estancados. Antes de que salten los depredadores electro-nerds. ......ya sé que no. Desde los 70 ha habido tecnología novedosa y que hace más fácil la vida del sufrido teclista, a porrillo. Pero en ese paréntesis de los 80 hasta la actualidad, me atrevería a decir que ha habido más cagadas y palos de ciego que logros. Con el fin de incorporar los ordenadores al sistema de teclados, llegan trastos como el Fairlight y el Sinclavier. Claramente un "quiero y no puedo" porque la ciencia está gateando todavía  a ese respecto. De característico  (y odioso por saturación), sonido. Llega con ello el digital sound. Fino, enclenque, frío como el pie de la parienta en tu tripa, y tan débil como si tuviera el Dengue. Y en un alarde de impresionante clarividencia, la humanidad despierta de su modorra y descubre que.....anda! Resulta que lo analógico mola mucho más. Vale, los sintes de ahora (en realidad digitales pero de sonoridad viejuna ), son más accesibles, baratos, completos, seguros, fiables y ligeros. Pero son unos "repitemonas" de los originales armatostes  de los 70. Un caso similar al vinilo. Porque hace unos años ibas a comprar un sintetizador analógico y se te reían. Como cuando pedias "el último disco de", en vinilo. Ambos casos me han ocurrido. Quién se ríe ahora, pedazo de merluzos?!!! 

En ésa loca carrera por llegar al mismo inicio, traemos a Erdenklang. Dúo formado por los austríacos Hubert Bognermayr y Harald Zuschrader, ex teclistas de Eela Craig. El primero, junto al productor del grupo, Ulli Rutzel, ponen en marcha el sello también llamado Erdenklang. Que editará abundante material electrónico en los 80 de Johannes Schmoelling, Jade Warrior, Kristian Schultze o Klaus Prunster.

"Computerakustische Klangsinfonie" ("Sound of Earth - Computer Acoustic Sound Symphony"), fue el tercero de los discos del dúo tras dejar Eela Craig y crear sus propios estudios de grabación. Se trata de una sinfonía tocada enteramente con el nuevo y carísimo trasto de moda, el Fairlight CMI. Y estrenada la obra en el ARS Electrónica Festival 1982, usando cinco computadoras musicales en directo a tiempo real, junto a un ballet. Hay que decir que Hubert Bognermayr fue uno de los fundadores de los festivales ARS Electrónica en 1979. Y que llegó a trabajar estrechamente con Herbert Von Karajan, en la creación de efectos de sonido para alguna de sus óperas. También Mike Oldfield requirió en 1984 los servicios de Erdenklang , como programadores del Fairlight en su "Discovery" Tour.

El disco que hoy traemos supuso una pequeña revolución en los círculos electrónicos,  al estar hecho íntegramente por la bicha esa.
"Erdenleicht" (6'11) abre con sonoridades no alejadas de Jean-Michel Jarre (que seguro se apuntó al cacharro también). La elección de sonidos, así como su inteligente construcción,  la hacen una pieza muy válida. El sonido del disco es excelente, pues estamos ante uno de los primeros vinilos DMM (Direct Metal Mastering), que sobresalía la acústica electrónica.  "Erdentief" (11'18) se presta a la grandilocuencia sinfónica de unos The Enid en su primera etapa, (y hasta guardan similitudes físicas). Otra fantasía electrónica de acertados resultados. No olvidemos que estos dos sintetistas tienen un gusto exquisito, además de venir de una de las grandes bandas del rock sinfónico europeo. La influencia de Walter Carlos es evidente y convincente.


Para el lado B, "Erdung" (6'25) está justo en el límite fronterizo entre el kosmische reflexivo y el coñazo New Age que se avecina. Por fortuna no llega a lo segundo por la inteligencia y competencia del dúo. Nuevamente Jarre como guía descriptiva. "Eden" (6'41) es como una demostración comercial del aparato. Con sonidos a troche y moche, y no todos afortunados, pero es lo que tiene la innovación. Su naturaleza experimental es meritoria de todos modos, y deja un buen sabor en el enfermo cerebelo del oyente. A pesar de que sus ínfulas futuristas hoy produzcan una mueca de risa socarrona. Pero claro, todo es situarlo en el tiempo. "Irden" (4'36) es el último movimiento, con cercanías  TD y una sana vena a lo "Oxygene". "CK" fue un álbum lleno de buenas intenciones, aunque a veces no se consiguieran. Los tipos tenían buen gusto y eran unos profesionales del gremio. Wendy Carlos lo alabó como un hito en la "carrera armamentística" de síntesis. Tras este disco forman la Blue Chip Orchestra, editando unos cuantos más. Hubert Bognermayr murió de esclerosis múltiple en 1999. Harald  Zuschrader continúa en activo, su último trabajo es "Silent Motion" (2016).

Un buen disco este, en suma, que igual no, mejor, se podía haber hecho con los "gordos análogos sounds" de los Moogs de los 70. Pero así es la moda, y las tendencias del momento. Claramente era una tecnología caduca y hoy, obsoleta. Pero a veces para avanzar un paso,  hay que retroceder dos. Y en ello estaban Erdenklang.
J.J. IGLESIAS



Temas
01 Erdenleight 02 Erdentief 03 Erdung 04 Eden 05 Irden




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JULIAN SAS ‎– Feelin' Alive (2017)

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Seguimos con nuestra ronda de presentación de "bluesman" del siglo XXI. Esta vez le llega el turno al guitarrista holandés Julian Sas.


Julian Sas nace en una pequeña localidad del centro de los Países Bajos llamada Beneden- Leeuwen. La iluminación rockera le llega a los seis años cuando ve un documental sobre un festival de rock and roll en Toronto en el que participaban Jerry Lee Lewis y Chuck Berry. A los diez años se interesa por los grupos  heavy de la época (Iron Maiden, Judas Priest, Motorhead, etc). Su primera guitarra la consigue a los doce años, una copia de Ibanez Les Paul. A los trece años escucha a Muddy Waters y su visión musical da un giro hacia el blues. En 1987 tiene la oportunidad de ver a Rory Gallagher y por fin monta una banda. Deja el colegio y se dedica profesionalmente a la música. En 1996 firma contrato discográfico y edita su primer disco, "Where will it end?. Posteriormente llegarían una docena de discos casi uno por año. El último hasta la fecha es "Feelin´Alive".


En este último trabajo de Julian Sas podemos escuchar una recopilación de temas grabados en su gira "Coming Home Tour 2006". La banda está compuesta por Julian (Voz, guitarra), Roland Bakker (teclados), Fotis Anagnostou (bajo) y Rob Heijne (batería). El "setlist" comienza con "Jump for Joy", incluido en el "Coming Home", un gran "groove" donde los solos de Julian y Roland se van sucediendo. Su segundo tema "High and Low" nos traslada a sonoridades "Hendrixianas", wah wah y demás. "Did You Ever Wonder", con gran riff central y donde Julian sigue demostrando su maestría. El blues  con mayúsculas llega en "Fear of Falling", pausado, sosegado pero con una carga inusitada de sentimiento blues. Emulando al gran B.B. King.  "Mercy" sigue su línea más "hendrixiana". "Comming Home" me recuerda a himnos pasados de grupos como Argent.  "Helping Hand" sigue los pasos de su gran referencia, Rory Gallagher. Para la traca final tenemos dos versiones. "Highway 61 Revisited" (Bob Dylan, con un gran "slide guitar" y el clásico "Bullfrog Blues". Con Julian Sas está garantizada una noche de buen blues y rock and roll.
J.C. Miñana





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MALADY - Toinen Toista (2018 / SVART)

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Tendemos a incluir a Finlandia dentro del Scandi-Prog, pero más por afinidad musical con esas tierras que por situación geográfica.  Malady entran dentro de ése estilo de cabeza. Y se posicionan en los primeros puestos de la pole position dentro de la Fórmula 1 Prog, como su compatriota Kimi Räikkönen. 


Ya tienen un homónimo álbum que de primerizo nada, del 2015. En el que ya presumían de excelente cata de vinos progresivos. La cosecha de éste año nos trae "Toinen Toista". Estos "helsinkianos"  (si, parecen una raza perdida de "Star Trek" en todos los aspectos), responden a los improbables nombres de Tony Björkman (guitarras), Babak Issabeigloo (voz, guitarra), Jonni Tanskanen (bajo), Juuso Jylhänlehto (batería) y Ville Rohiola  (teclados, Hammond y flamante Mellotron recién comprado). Del que se encuentran cantidad de orgullosos y al que le sacan brillo y jugo abundante. Aunque su mantenimiento,  se quejan, sea costoso. Reparar un botón,  (un puto botón de la cosa), les costó recientemente 150 pavos. El lujo de vivir en el pasado. Como nos demuestran a la primera de cambio en el tema título y sus casi 7 mts de esplendor retro. No es ésta una palabreja que me haga gracia. Me suena a "desfasado". Y en realidad, tal y como yo lo veo, todo el buen prog debería ser "retro". Porque en mi orgullosa opinión  de incorregible Leo, esto señores, es un género.  Lo de "avanzar e innovar", fue inocente y sana filosofía de intenciones para unos finales 60. Si vas a "avanzar e innovar" hoy para hacer cagadas,  abstente,  listillo. Y los "helsinkianos " esto lo saben.


 "Toinen Toista" nada en un océano mellotronico de bucolismo cameliano y letras cantadas en lengua de origen, lo que le da un rollo propio, escritas por su batería. ....a qué me suena éso?  Un fantástico bálsamo melódico que los acerca a Mikromidas, Wobbler, Jordsjø, Black Bonzo o Gargamel, por recordar gente con las mismas "indecentes" pretensiones. La cortita "Laulu Sisaruksille" (1'34), con su jazz flavour,  me trae entrañables recuerdos de Wigwam. Divina flauta y delicado hilo de sintetizador que embelesa. Canterbury en el horizonte, aviso. Jan Lehmus es flautista invitado en "Tiedon Kehtolaulu" (3'47), con moqueta de guitarra phaser,  Gilmour-languideces y perezoso piano eléctrico. Los Floyd "pre-Dark Side" ( si, cuando eran Jedis), están muy presentes en éste fabuloso tema. También Caravan y sus hippie melodías campestres. "Etsija?n Elinehto" (5'35) es otra gominola de sabroso paladar vintage, con olores a humedad kraut a la Jane.


Para la segunda cara, "Nurja Puoli" (22'58) nos trae el plato fuerte del día,  así que conviene haber digerido bien la cara A. Aquí me recuerdan en un principio a la spanish prog 70s escudería,  probablemente por su laietana guitarra. El órgano crea suaves olas que se encrespan con la relevante actividad paranormal de una sección rítmica excelente. Y Camel viene a la mente por lo mismo, mientras transcurre en un remanso de relajante placidez prog desconectándote de todo. Que placer, señores.

 Y la máquina del tiempo no para de bailar con fechas, datos, recuerdos y vivencias. Nos lleva por Tasavallan Presidenti, por Finch y Kaipa. Se da una vuelta por el jardín de Kalevala, y pasamos por el majestuoso puerto 70s de King Crimson ("Islands"?). Para luego traernos juguetonamente a tiempos más recientes, pero igual de esplendorosos. Visitamos los señoríos y mansiones de Anglagard, Fruitcake, Kvazar, Magic Pie o Porcupine Tree.  Y un nuevo amanecer progresivo se abre esperanzador para los aburridos de tanto "fresh modern prog". Que no es más que un Caballo de Troya popero y traidor. 

Malady cometen el "pecado" de ser "helsinkianos". De un planeta que está fuera de los límites de la "Confederación Be Friend, But Not Prog". Y ésa libertad se paga. Un claro ejemplo: el número de marzo de la Prog Magazine. Disco del mes, el nuevo de Kino (!!??). Unas páginas más adelante, ninguneado por novedades de todo tipo, el de Malady, con un "pssst, no está mal" de turno.
Ahora juzguen ustedes.
J.J. IGLESIAS



Temas
1. Toinen Toista 
2. Laulu Sisaruksille 
3. Tiedon Kehtolaulu 
4. Etsijän Elinehto 
5. Nurja Puoli






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IQ - Are You Sitting Comfortably…?” (1989)

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Prácticamente en la línea del anterior, pero con una producción y sonido mucho más claro y potente. Para muchos prog lovers este es un disco desastroso, lo cual me parece exagerado y una injusticia. Ponte en la época y lo entenderás. No así evidentemente para los fans acérrimos de IQ. 


Bien es cierto que en este programa tocan el límite de lo peligrosamente “comercial” pero si lo oyen los compradores de música barata y dicharachera del momento, van a decir lo contrario. A mí me divierten mucho las clasificaciones que hace la gente sobre música, según el nivel que se tiene. Desde los que opinan, sin despeinarse, que la mejor banda de “rock sinfónico” han sido los Alan Parsons, Supertramp. La Electric Light Orchestra o incluso “Toto” (no es broma) o por el contrario el que dice emocionado que “Henry Cow” “son muy melódicos y asequibles” (estos sí que son raritos y yo conozco a uno de estos que debería medicarse). Yo muchas veces no sé de qué forma la gente escucha e interpreta “a su manera” la música. Hay cosas surrealistas. Me han dado tentaciones de escribir un libro sobre “Patologías Musicales” o “La Psiquiatría y el Sonido”. Nadie escuchamos de igual forma y esto da para entretenidas disertaciones.


La década prodigiosa ya estaba en sus estertores. En 1989 restos históricos de Yes como ABWH deban un pequeño “toque” de que se acercaban tímidos cambios. No hay precedente histórico de tanta acumulación de mierda musical en un período de 10 años y por higiene y cuidados paliativos, rehabilitación y cura asintomática, la música se sometió a un tratamiento de choque y estábamos a las puertas nuevamente de una tercera generación de rock progresivo en ciernes con sus más y sus menos, pero sometida a una necesaria profilaxis.

IQ te dicen si estás sentado cómodamente. La portada es verdaderamente horrible y creo recordar que conseguí este vinilo en uno de mis viajes a Andorra. Temiéndome lo peor la escucha no fue todo lo mal que yo esperaba. Recuerdo la batería de Paul Cook grabada muy alta y seca y modernos tecladitos del momento. No tiene mala voz el Menel este, incluso mejor que en el anterior. El toque AOR no falta ya desde el comienzo de “War Heroes”. Música en una línea machacona y típicos arreglos vocales de esa moda.


 “Drive On” pretende ser el single de éxito con un sonido algo similar a la época de Alan Reed de Pallas. La música es muy superficial y bailable incluso, sin embargo, en el tandem compuesto por “Nostalgia- Are Falling Aparts At The Seams” la cosa mejora algo y ya se intuye que IQ más temprano que tarde, habrá de volver a su cauce progresivo. 

“Sold On You” vuelve a la carga buscando alcanzar algún éxito de ventas. Lineal y aséptica como ella sola, para que cantes el estribillo mientras vas de fiesta con tus amigas y amigos de la chispa de la vida y vas al cine para ver Dirty Dancing peli de la época. 


“Through My Fingers” suena también a su tiempo insípido y aterciopelado, sin aspavientos y arreglitos monos y hasta los Aha o Rick Astley podrían cantarla. Llega “Wurensh” la mejor pieza del disco que suena genuinamente a IQ y ya nos vamos a casi los 10 mtos. Tanto esta pieza como “Nostalgia-Are falling…” se salvarían del olvido a la vuelta de Peter Nicholls y formarían parte del futuro repertorio en directo. 

Termina la época Menel con la canción “Nothing All All”. Un buen final sinfónico y hermoso. Vuelvo a repetir lo mismo que con Nomzamo, a día de hoy son discos totalmente válidos que yo de vez en cuando sigo escuchando y no me desagradan en absoluto.
Alberto Torró


Temas
A1War Heroes
A2Drive On
A3Nostalgia
A4Falling Apart At The Seams
B1Sold On You
B2Through My Fingers
B3Wurensh
B4Nothing At All



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