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Black Oak Arkansas - Live 1974 1975

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Black Oak es un pueblo de tan solo 286 habitantes situado en el condado de Craigheah en el estado estadounidense de Arkansas. También es el nombre de uno de las bandas más representativas del rock sureño. Algunos de de los miembros originales del grupo vivían cerca de la zona.


En 1974 Black Oak Arkansas  edita dos discos: "Early Times" y "Street Party". Harvey Jeff (guitarra) deja la banda y es sustituido por Jimmy Henderson. El el 75 editan su última producción, "Is not Life Grand", para la discográfica Atco Records. Ese mismo año publican con la MCA, "X-Rated". 


La grabación contiene parte de dos conciertos. El primero de ellos corresponde al celebrado en el Selland Arena, Fresno, en 1974. Seis temas de los que destacan "Dixie" y "Jim Dandy". La triada guitarrera está formada por Rick Reynolds, Stanley Knight y Harvey Jeff. El resto de la banda la componen Jim Dandy Mangrum (Voz), Pat Daugherty (bajo) y Tommy Aldridge (batería).
La segunda grabación corresponde a la actuación en  Los Angeles en Diciembre de 1975. Cuatro temas destacando "Rebel". En cuanto a la formación la única diferencia es la incorporación de Jimmy Henderson en lugar de Harvey Jeff. Aires sureños con un aceptable sonido.
J.C. Miñana



Temas
1974 Selland Arena, Fresno, California

1. Hey Y'all
2. Hot And Nasty
3. Lord Have Mercy On My Soul
4. When Electricity Came To Arkansas
5. Dixie
6. Jim Dandy

1975-12-05 Los Angeles, California

7. Fancy Nancy
8. Cryin' Shame
9. Rebel
10. Up




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HOENIG / GÖTTSCHING - Early Water (1976 - 1995 / SPALAX)

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Es 1970, una lluviosa tarde cualquiera. Un melenudo sube a la línea del bus urbano # 4 en Berlín,  y se encuentra en  la parte de atrás del vehículo con otro de su mismo aspecto hippie. Éste lleva sobre sus rodillas un destartalado estuche negro. Dentro lleva un EMS Synth A, (el mismo sinte "de maletín" con el que juegan los Floyd en la peli de Pompeya, en las escenas de estudio). 


El primero es Manuel Göttsching, que daba sus primeros pasos con Ash Ra Tempel. El de la caja mágica  es Michael Hoenig,  que iba a una sesión al estudio de Thomas Kessler, con su nuevo grupo, Agitation Free. Dos leyendas que se conocen en un autobús guarro.
Además de con Agitation Free, Hoenig tocará brevemente con Klaus Schulze Timewind. Y sustituirá a Peter Bauman en su primera escapada de Tangerine Dream. Tocando con éstos  en Abril del 75 en el por entonces elitista, Royal Albert Hall. Al año siguiente inicia su carrera en solitario con el extraordinario "Departure from the Northern Wasteland" (1976). Ese mismo año, Manuel Göttsching prepara otra joya, "New Age of Earth". En composiciones muy orientadas a teclados y sintetizadores, en las que Hoenig echa una importante mano en las mezclas finales. Una cosa llevó a la otra, y Göttsching le propone que le acompañe en una gira por Francia, (búnker electrónico después de Alemania), que al final será suspendida. Antes de que ocurra, se han estado preparando concienzudamente durante tres semanas en el AURA Studio de Hoenig. El ensayo de la última noche queda plasmado para la eternidad. En un "tema" de casi 50 minutos bautizado como "Early Water". Me pregunto lo que tendrán guardado éstos dos......

Éste disco no verá la luz hasta casi 20 años después,  siendo restaurada la cinta en los actuales estudios de Michael Hoenig, en Los Angeles. Lo editaron los especialistas franceses (era de justicia), SPALAX, y parece que no ha vuelto a tener una nueva edición desde su fecha de lanzamiento. Así pues, si consultamos el oráculo  (ejem!) Discogs, veremos que una copia original del 95 en cd, (no existe vinilo), empieza a contar el taxímetro a partir de los 50 machacantes.....hasta los 100 en un estado impecable. Señal inequívoca de que pronto  los posavasos plateados también verán un nuevo amanecer (de los muertos) coleccionista. Repito, es un cd. Merece la pena? Yo diría que es una de las masterpieces olvidadas de la Berlín School, por los inusuales motivos comentados. Si éste disco hubiera salido en su fecha real de edición, en vinilo, hoy estaría al lado de los "Moondawn", "Cyborg", "Rubicon" o "Ricochet" de la historia. Pero inició su vida en otro formato, y dos décadas después. 

Michael Hoenig toca Yamaha, EMS,  Moog y Oberheim. Manuel Göttsching, órgano Farfisa, ARP, y su inseparable Gibson con Tape Echoes + Revox A77. Lo que viene a ser los "Göttschingtronics", muy al estilo de lo que populizara unos años después el tío Fripp. Aunque no sea exactamente eso, ahí está la semilla. Puntualizando, que si no luego vienen los Frippheads dando por saco.


"Early Water" (48'28) es una salvajada electrónico - berlinesa al más alto nivel. Creada por dos freaks del asunto, una fresca noche otoñal de 1976. Esto es, sin todavía aditamentos modernos ni "nuevas tendencias" soplagaitas que jodieran el cotarro. El temario místico que ésta música requiere,  y la inspiración "otherwordly" que sus intérpretes desprendían. Los secuenciadores arden en hipnóticas ideas, y las pocas pistas se utilizan como si hubiera cientos. Una máxima del estilo. Música abierta y expansiva con recursos minimalistas. Así se fraguó éste sonido. Me hace gracia cuando oigo algún trabajo actual de supuesto "rollo berlinés", con ilimitados medios del siglo XXI. Noooo. Erroooooor. La verdadera pureza de ésta música esta en sonar grande con pocos medios, dicho resumido. Lo del "Lo-fi" vino después,  como pretexto de mediocres meapilas. Ésta raza de músicos de los 70, te hacían la Sábana Santa con un chicle y un esparadrapo. Eran los "Mcgiver" de la electrónica. Y éste disco es un testimonio infaltable de lo dicho. Hoenig levita con sus fraseos siderales de extraña ensoñación melódica. Y Göttsching adorna misticismos al órgano,  además de fusionar su Gibson SG con el todo cibernético en un hábitat natural y orgánico,  de verdes praderas de plástico y riachuelos de mercurio. Mientras las ardillas juegan al strip-poker y los drones se aparean con las águilas.......

Así eran los "ensayos" de unos grandes en los dorados 70.
Todo lo que diga va a estar de más.....Escucha.
J.J. IGLESIAS





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SIGLO CERO - Latinoamérica 1970

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He de reconocer que tenemos una gran deuda pendiente con nuestros amigos latinoamericanos. Por las páginas han pasado multitud de grupos anglosajones y españoles pero muy pocos del otro lado del charco. Poco a poco intentaremos enmendar ese error. Hoy recordaremos a los colombianos Siglo Cero.


Humberto Monroy forma la banda en 1969 junto a Roberto Fiorilli, Fernando Córdoba y Ferby Fernandez. Los cambios de formación se producen de forma continua pasando por sus filas Jaime Rodriguez, Edgar Restrego, Manuel Galindo, Mario Rene, Margalida Castro, etc. Sus conciertos consistían en largas jams donde sus miembros desarrollaban sus improvisaciones. La banda llega a su fin en 1970.


La grabación corresponde a la única producción de Siglo Cero y tiene una historia que contar. El 27 de Junio de 1970 el grupo participa en el Festival de la Vida en el Parque Nacional. La idea era grabar la actuación para editar el disco correspondiente pero debido a problemas técnicos no pueden hacerlo. Los miembros de la banda deciden grabarlo en estudio pero algún lumbreras incluye los gritos grabados del publico del festival. Resultado, una imperdonable merma en la calidad sonora del documento. Aún así podemos apreciar de lo que era capaz Siglo Cero. Una larga jam psicodélica donde sus miembros desarrollan todo su potencial. 
J.C. Miñana



Temas
01. Viaje I y Viaje II - 33:25



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VICTOR PERAINO'S KINGDOM COME WITH ARTHUR BROWN - Journey in Time (2014 / BLACK WIDOW)

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Qué grata sorpresa en la última feria del disco! Desconocía ésta vuelta a la vida discográfica de Víctor Peraino. Teclista procedente de Detroit, que vivió los buenos viejos tiempos psicodélicos con su banda Up. La cual tenia el mismo mánager que MC5, el gran John Sinclair. Activista que se merece un bio-pic ya mismo, en vez de la cantidad de basura  que sale de Hollywood. Up tocaron con Stooges, Cream, Amboy Dukes, Janis Joplin o Soft Machine, entre otros.

En los nacientes 70, Peraino se va a Inglaterra y conoce al tipo indicado, Mr. "Fire" Arthur Brown. Víctor es un teclista notable, lo suficientemente profesional para colaborar con Génesis, Brian Eno, Bob Calvert, Hawkwind o Edgar Broughton Band. Con Arthur Brown graba como Kingdom Come el album "Journey" (1972), el cual fue el primero en contar con batería  (patatera) electrónica. Las ventas fueron flojas, y se deshacen, tomando caminos separados. Peraino regresa a Detroit, conservando el nombre. Ahora como Víctor Peraino's Kingdom Come, edita el soberbio "No Man's Land" (1975), obligado en cualquier colección sería de Prog USA 70s.

Casi 40 años después, la inesperada vuelta en 2014 con "Journey in Time", y la aparición estelar de Arthur Brown en cinco canciones del disco. Se recuperan un par del disco setentero, con nuevos arreglos y óptica,  "Empires of Steel" y "Sunset Sail". Así como "Time Captives" del "Journey". Víctor Peraino canta también,  y toca teclados, Andrómeda,  Moog, VCS3 y Mellotron. El resto son Jeff Faust (guitarra), Joe Bass y Ric Vukmirovich (bajistas), Joey Fava y James Pryor (baterias), y Nick Pynn (violín). Además del PERSONAJE por antonomasia, el incombustible (nunca mejor dicho), Arthur Brown a la voz. Algún día tendría que contaros cómo ésta LEYENDA del rock, me estuvo buscando por los garitos de Zaragoza con una amiga común,  para presentármelo. No pudo ser. Vaya putada. Bien, a lo nuestro. 



El disco comienza con "We Only Come to Help" (5'45), en donde ya podemos apreciar ese balance tan del gusto de Peraino por lo sinfo-psych. Por momentos se acerca a Wakeman, (hasta físicamente y en su forma de actuar en directo, mira YouTube). Y otras a un Tim Blake o cualquier sintetista más krautie. Prog y Psych en perfecta armonía gracias a los omnipresentes teclados vintage. Ésta pieza en particular conlleva, además,  fuertes dosis Pomp que la acercan a Kansas. También en la inclusión de violín o el fuerte parecido del artwork con el "Monolith" de éstos.

 "Future" (6'16) lleva más al lado teatral de Brown, y hasta al Bowie de los 70. El cual también hizo uso del violín de Simón House, miembro de Hawkwind.



La versión de "I Put a Spell on You" (4'34), literalmente, "He puesto un Hechizo en ti", es una elección perfecta para las dramatizaciones demoniacas de Arthur Brown. Y los sinfonismos grandilocuentes de Victor Peraino. Super!

La vieja "Empires of Steel" (9'16) rezuma nueva vida. Suena a clásica de Uriah Heep, casi imagino la voz de David Byron de un momento a otro. Mellotron y vetustos sonidos de teclado marcan ésta tremenda canción - interpretación. Imagina "Jesuchrist Superstar" encuentra a Alice Cooper (hey, qué buen Jesucristo!), encuentra a "Salisbury".......Una pausa para tomar aliento y dar la vuelta al disco, por favor.

"Journey in Time" (5'19) es un épico instrumental en la línea de Erik Norlander o Mastermind. "Walk with Angels" (4'40) es un space-crooner entre Elvis y Scott Walker sobre celestiales fondos corales y de violín,  algo weirdo que no falte en la ecuación,  sí señor. Raphael también hubiera valido, pero ese está "muy ocupado" preparando todos los años el mismo rollo navideño desde hace 60 años, redios!

Los Hawkwind más recientes (y muy cambiados) se ven reflejados en "Time Captives" (7'39), space prog con interesantes recovecos bowieranos. Otro tema del pasado. Como "Sunset Sail" (6'20), que cierra el círculo que se abrió,  con ése mismo tema en 1975, hace 40 años.



Un prodigioso álbum éste "Journey in Time", que no tiene fecha de creación ni de caducidad, realmente. Podría haber salido al año siguiente del primero, y no habría diferencia temporal ni estilística alguna. Lo que me parece un mérito grande. O que el Peraino ha estado hibernando en una de ésas cápsulas de la contraportada (y portada de "No Man's Land), esperando el momento adecuado para darnos otra alegría. El momento ha llegado.
J.J. IGLESIAS









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MAGMA - Emëhntëhtt – Ré (2009)

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Me cuesta lo suyo escribir este vocablo que suena como a una deidad del antiguo Egypto y que debió de tener algún primo o cuñao rarito en Kobaïa. En realidad la mitología kobaiana es un poco una historia un tanto infantil, hippiosa e irreal, aunque bastante particular. Reconozcámoslo y espero que los fans acérrimos y abducidos del grupo más ilustrados no se la tomen muy en serio. Ya somos mayores y el ridículo nos sienta mal.  Me consta que algunos “eruditos” han intentado descifrar y traducir el “idioma” kobaiano (un cruce extraño entre vasco, catalán, klingon y aragonés de la franja y de la ribera del Ebro) que está bien como frikismo y adoración idealista, pero yo imagino hoy al señor Vander… que me recuerda a veces a personajes de aquellas sagas de ciencia ficción malotes de factoría Marvel, que tanto me gustaban de adolescente, descojonándose un poco del asunto


. Christian ya está mayor y debe esbozar una maliciosa sonrisa de aquellos años locos de juventud, bizarrismo y ocurrencias. Sin embargo sí comparamos, al margen del cachondeo sano en la antropología nacional real o inventada como habitualmente vemos en mi país, lugar imposible de tomarse en serio casi nada, Kobaia casi merece más respeto. 

Pero en lo musical, Magma se ha convertido realmente en una institución muy seria y respetada y lo que en un principio pareció una provocación de romper normas y conceptos que tenían más que ver con lo clásico que con el rock, hoy sin duda es ya música clásica que ha conseguido su lugar en la historia. Yo imagino A Igor Stravinsky y a Serguei Diaghilev emocionados y también descojonados de risa el día que estrenaron la “Consagración de la Primavera” en el Teatro los Campos Elíseos de Paris en 1913 (…la que hemos montao colega!!). La gresca y el follón que se organizó en la época, entre el incauto público con caras de desaprobación y hasta asco, que escuchó aquello por primera vez, fue memorable y hasta hubo violencia. Es histórico y radical, pero cambió la música para siempre. Hay muchas anécdotas al respecto. Vander pasará a la historia como un creador de música nueva, no tengo ninguna duda y de aquella imagen de batería loco, nihilista y excéntrico a la de hoy, serio compositor de música hermosa y diferente hay un trecho.

La saga de “Kohntarkosz” y las alucinaciones cosmológicas se cierran con “Emëhntëhtt – Ré”, un álbum tan fascinante como las otras épicas y sinfonías magmáticas, pero más crudo y dramático que el estado de gracia melódico conseguido en “K.A”. Las constantes del Zeuhl están aquí con toda su mala leche en cinco movimientos. Muchos de sus pasajes son viejas composiciones, como sucede generalmente en la historia de estos franceses. “hhaï”, “Zombies”, “Zess” etc.. se diluyen en la composición renovadas y reestructuradas para la ocasión. Va a ser su penúltimo álbum en estudio hasta la fecha, si exceptuamos algún EP posterior como “Slag Tanz” de 2015. 


El solemne inicio del primer tramo ya se anunciaba mediados los 70´s en sus conciertos en vivo. Los 22 mtos del segundo es un torbellino paranoico y deslumbrante con Vander y coros cantando completamente desatados y una instrumentación pulsante y mágica casi en trance. El tercer corte es dramático y tenso como si las fuerzas del mal acechasen por doquier en un ritmo obsesivo en el que se vuelven a invocar a las sombras innombrables. Me suena al funeral de algún faraón y a sus incondicionales que van a ser enterrados en vida, mientras esclavos y jóvenes muchachas bailan desnudos hasta la extenuación o la maldición de Osiris. El tren rítmico de bajo, teclados, batería es antológico en ritmos de difícil encuadre de jazz futurista o milenario…ya no se sabe. Ya estas enganchado en la espiral magmática del encantamiento ancestral de una ópera psiquiátrica. Las estructuras vocales son complicadísimas en zeuhl de marca registrada inconfundible. De una bajada a los infiernos hacia el final de estos 13 mtos no te salva ni dios, ni Orus, ni Emëhntéhtt ni su madre paranoica bruja loca de los avernos. La preciosa cuarta parte quiere darte un bálsamo de caricias y dulzura, pero ya estás jodido de antemano porque la tumba de Ré te espera jubilosa para pudrirte en la eternidad con él y con su cuñao: el sacerdote Amon, un calvo de ojos pintados con ramalazo y túnica provocativa y con gusto por adolescentes “nubios” bien dotados. El ritual funerario termina con olor a templo mariano y vasijas con tus entrañas arrancadas. Encerrado en piedra entre escarabajos negros sagrados. Ni de momia te dejan. Eternamente polvo. Magma en estado puro.
Alberto Torró





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LE ORME: INTRODUCCIÓN (1969 – 1971) - Collage

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Los orígenes de esta banda, una de las más antiguas de Italia, se remontan a 1966 en el área de Venecia, concretamente en una localidad próxima llamada Marghera.


 Como la mayoría de grupos italianos de los sesentas Le Orme, traducido como “Las Huellas” o “Los Pasos” (curiosamente había un grupo español con ese nombre en esa época) era un cándido combo de pop con pequeñas ínfulas psicodélicas y todavía muy lejos de adentrarse en la “moda” prog importada de Inglaterra. La formación inicial de la banda fue un quinteto con Aldo Tagliapietra (guitarra y voz). Nino Smeraldi (guitarra solista). Claudio Galietti (bajo) Toni Pagliuca (órgano y piano) y Michi Dei Rossi (batería). Sus primeros trabajos discográficos entre 1967 y 1969 fueron varios singles y canciones sueltas que en 1970 aparecerían en un LP llamado “L´aurora Delle Orme” pero su primer larga duración fue en realidad en 1969 con el nombre de “Ad Gloriam”. Estos discos nada tienen que ver con el progresivo como digo y son simples canciones agradables de su época, ya muy demodé como sucede con una música hecha para las tendencias de su época. Suenan muy hippiosos con vocecitas “lalala” y guitarras muy psych que no dudo encantará a muchos nostálgicos de los sesentas. El éxito fue discreto y no pasó de sus fronteras geográficas y esto lógicamente se repite en todas las bandas italianas de la época. 


A partir de 1970 se convierten en trío Con Tagliapietra/Pagliuca/Dei Rossi y esta sería su formación clásica durante toda la década. En 1971 comienzan a girar hacia formas más elaboradas con la fórmula teclado-bajo-batería muy a lo ELP que en Italia ya empezaban a causar furor. Aldo Tagliapietra que se doblaría como bajo y guitarra, poseía una voz muy lírica y hermosa que sería la marca registrada en la finura típica de las canciones de todos sus discos por venir. A diferencia de sus colegas Banco y la Premiata, su música no tendría la misma espectacularidad que aquellos, porque lógicamente un trío tiene sus limitaciones instrumentales, siendo en un principio el piano-órgano y el empleo de guitarras acústicas casi exclusivamente con alguna colaboración puntual y arreglos diversos. 


En 1971 graban “Collage” donde la influencia de los Nice de Emerson o los primeros Deep Purple son bastante evidentes. Pagliuca es un buen teclista y se las apaña bien con piezas que en principio no están demasiado pulidas en mi opinión, pero es un tipo de dedos hábiles y buena formación académica.  Estaban ya a mucha distancia de lo que hacían tan solo un año antes. Pura evolución que absorbía rápidamente los cambios trascendentales que a nivel internacional estaban cambiando la música. Hay contrastes entre las piezas más relajadas y las de corte más “experimental” como “Cemento Armato” o “Evasione Totale”. 


Ciertas asperezas de este disco las cambiarían por completo en adelante. “Collage” tiende ligeramente al hard rock un poco quizás a lo Atomic Rooster y a los grupos de proto-prog que ya invadían el mercado. Con todo hay que tener en cuenta que se adelantaron a grabar antes que otros pesos pesados progresivos italianos y también que su historia va a ir paralela a ellos como iremos viendo en las siguientes entregas.
Alberto Torró

Temas
1.Collage(0:00)
2.Era Inverno(4:42)
3.Cemento armato(9:43)
4.Sguardo verso il cielo(16:53)
5.Evasione totale(21:05)
6.Immagini(28:03)
7.Morte di un fiore(31:02)



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THE BLUES FREAKS - I'll Take the Blame... (2017) (Entrevista) (Rockliquias Bandas)

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The Blues Freaks nos llegan desde Toledo.  La banda se formó a finales de 2016 y está integrada por Buddy García (Guitarra, slide), Sépul Sepúlveda (batería) y John Duer (bajo, voz). Su primer concierto lo dieron dos meses después en la sala Pícaro (Toledo).


En Octubre de 2017 editan su primer trabajo, "Ill Take the Blame...".  Hablamos con ellos para conocer algo más sobre el grupo. 

Rockliquias.- Nos podéis contar vuestras trayectorias musicales antes de formar la banda.

John empezó a tocar en directo profesionalmente en el año 1979, siendo el guitarrista rítmico de un grupo de blues en Austin, Texas. Desde aquel entonces, ha tocado en más grupos que puede recordar, grupos de blues, rock, y country.

Jose Luis Sepúlveda “Sepul”, batería empezado a tocar en 1994, desde entonces ha estado en más de 20 grupos diferentes, siempre perteneciendo a más de uno, algunos ejemplos Gomatres, De Pinnic, The Lujamen Brothers, Los Flacos …

Jesús García “Buddy” guitarra y voz, lleva más de 20 años en el mundo de la música intercalando diferentes formaciones como Shulte, New Old Stocks, The Lujamen Brothers, De Pinnic…

Tanto Buddy como Sepul han compartido muchísimas formaciones juntos.

Rockliquias.-  Dos toledanos y un norteamericano se juntan para formar un grupo de blues ¿Cómo surge la idea?

Nos conocimos cuando Buddy y Sepul estaban grabando un disco para un cantautor toledano. Estaban buscando un sonido más Americano, más country, el sonido que el cantautor buscaba. Después de conocernos en un local, en un bolo de otro grupo de blues en Toledo, me invitaron a grabar en el disco, a ver cómo sonaría. Al final, grabé casi todos los temas. Pero entre tomas en el estudio, nos pusimos a hablar del blues, y pensar en juntarnos. Después de terminar y publicar el disco empezamos a tocar, a ver si saliera algo que nos gustara. Dos meses de ensayo, y estrenamos The Blues freaks en enero de 2017.

Rockliquias.- ¿Cuáles son vuestras influencias?

Las influencias que llevamos en este proyecto son del blues muy antiguo, de los años 1930-1940. Es un blues muy sencillo, muy country, del delta del río Misisipi, de Memphis, Tennessee. El blues antes de que llegara a Chicago, antes de “urbanizarse”. Artistas como Kokomo Arnold, Casey Bill Weldon, Walter Coleman, Tampa Red. 


Rockliquias.-  En 2017. el mismo año de la creación del grupo, editáis vuestro primer disco, "I'll Take the Blame​.​.​." . ¿Qué podéis comentar sobre este proceso?

En 2017, empezamos a grabar nuestro primer disco, pensando en producir algo para conseguir bolos, algo para enviar a clubes, festivales, y tal. Nos dimos cuenta que estábamos grabando música muy distinta a la que se escuchaba en España, y empezamos a pensar en un proyecto un poco más atrevido. Un día, Sepul dijo, “¿Qué tal, si grabamos algunos temas nuestros?”, los cuales, en aquel entonces, no teníamos. Pero John ya había compuesto algunas letras, que no había tenido tiempo para convertir en canciones. Trabajando juntos en el estudio, montamos los temas que saldrían en el disco, además de algunos otros que no elegimos para la publicación. 

Rockliquias.- Habéis elegido realizar blues de los años 30 - 40, algo realmente novedoso en España más dedicados a décadas posteriores. Nos podéis razonar esta elección

John nos ha mostrado temas y personajes del Blues del Mississippi, Memphis, Tennessee… y nos sorprendió gratamente, gente que nunca habíamos escuchado y nos alucinaba. Para él como norteamericano es su música, su cultura, nosotros habíamos escuchado mucho Blues, pero es cierto que mucho más moderno. Decidimos que eso era lo que queríamos hacer, tenemos una gran suerte de tener a John como guía en estos asuntos y nosotros absorber directamente de él. 

Tenemos como filosofía de la banda centrarnos en ese tipo de Blues más añejo, que como bien dices en España no hay mucha gente haciéndolo.

Me resulta muy curiosa las letras de estos Blues antiguos, donde había muchas cosas que no se podía decir y como lo camuflaban para contarlo, no? Y también unas letras muy agresivas, sobre todo a la figura de la mujer, afortunadamente eso ha cambiado, pero está bien que haya bandas que recuerden que hace 60 años estábamos realmente mal en este tema y que todavía hay muchas cosas que cambiar y por las que luchar.


Rockliquias.-  La portada del disco y la localización del videoclip promocional corresponde a la estación de Algodor. El tren siempre ha estado muy unido a la imagen del blues ¿ese es el motivo de su elección?

Si,si, tanto la portada del disco, realizada por un fotógrafo amigo nuestro llamado Vicente Hernández, como el vídeo promocional realizado por otro amigo nuestro llamado Salva Díaz, están hechas en una estación de tren cerca de Toledo, la de Algodor, la estación está abandonada y tiene un aspecto muy antiguo, nos transportaba a otra época, creíamos que iba bien con la imagen que queríamos transmitir, creo que ha quedado todo muy bien. Gracias a estos dos fenómenos.

El Tren, el viaje, el camino, en no estar en “ningún lado” son recursos que se han utilizado mucho en el Blues, esta música está llena de sentimientos, creo que muy relacionada con estar en perpetuo cambio, siempre claro con malas compañías, jeje, 

Rockliquias.-  Vuestro videoclip promocional corresponde al tema, ""Don't Be Looking For Me", ¿ Cómo ha resultado la experiencia?

La verdad que ha sido muy divertida, cargamos la furgoneta con todo lo necesario y estuvimos tres días de grabación. El entorno de la estación es muy bonito y estas en el campo, al final conocíamos a todos los vecinos que vivían por la zona, que se acercaban a ver la grabación, así nos enteramos que Almodóvar había estado grabando también allí.

Nuestro amigo Salva Díaz se encargó de la producción, grabación y montaje y el resultado creemos que ha sido muy bueno.



Rockliquias.- El disco contiene nueve temas entre ellas tres versiones

Si, el disco tiene 6 temas propios y 3 versiones Back Door Blues de W. Welson, He´s in the Jailhouse Now de A. Pink Anderson y Sold My Soul To The Devil W. Welson. Lo demás son temas nuestros. Cuando nos pusimos a grabar lo primero que hicimos fue hacer un disco entero de versiones, pero más tarde nos dimos cuenta que queríamos hacer temas nuestros y empezamos a  grabar nuestros temas, luego alguno de nuestros temas se quedaron fuera en la publicación y la mayoría de las versiones.

Antes del verano queremos meternos a grabar nuestro segundo disco, donde también seguro aparecerá alguna versión, pero la inmensa mayoría de las canciones serán nuestros. Ya tenemos unos 8 temas propios y algunos de esos temas los estamos tocando en directo.

Rockliquias.- ¿Algún tema con el que estéis más satisfechos?

La verdad es que estamos muy satisfechos con todos los temas, pero si hay alguno que nos guste especialmente es “Hurtin’ Blues”. Creemos que todos los temas han quedado muy redondos, ha sido una grabación que ha resultado muy fresca porque todo ha surgido de forma muy natural.

Rockliquias.- Nos podrías comentar algo sobre las notables colaboraciones que contiene la grabación

Hemos tenido el gran placer de contar con grandes amigos que viven en nuestra ciudad, como Julián Maeso al Hammond, Amable Rodríguez a la guitarra, Sergi Fecé al piano, Toño Llorente a la Pedal Steel, y Paco Cerezo al bajo. Todos han aportado algo a los temas para que sonaran más redondos, además del buen rollo y muchas risas en la grabación. Son amigos, hemos tocado y seguimos tocando en otras bandas, por lo que nos ha resultado muy fácil y gustoso contar con ellos.


Rockliquias.- ¿Cómo van los conciertos de presentación?

Bien, muy bien. Empezamos en febrero y tenemos hasta finales de junio, por lo que estamos en la mitad de la gira, en verano algunos, festivales. La respuesta del público está siendo muy buena, de gente de las salas también, lo que agradecemos muchísimo. Nos quedan ciudades como Valladolid, León, Zamora, Santander, Torrelavega, Lugo, Vigo, A Coruña, entre otras, donde tenemos muchas ganas de ir y ver la reacción del público. Para nosotros está siendo una gran experiencia y para John está conociendo España y su gastronomía.

Rockliquias.- ¿Cómo está el ambiente musical por Toledo?

Estos últimos años la ciudad alberga muy buenos músicos, por lo que hay proyectos muy interesantes, como hace años que no había. Como siempre, falta mucho por hacer por parte de todos, para que pueda haber más locales que puedan hacer música en directo ya que hay muchos grupos que no tienen las oportunidades para poder tocar. Por suerte en Toledo, a pesar de ser una ciudad pequeña, tenemos varios locales como “El Internacional”, “Pícaro”, “Los Clásicos” … donde se pueden ver conciertos habitualmente. Vivimos en una ciudad Patrimonio de la Humanidad, con mucho turismo y debería haber más música debería en la calle, y por desgracia eso no pasa.

La ciudad no alberga ningún festival de ningún tipo de música, ahora nosotros conociendo otras ciudades, vemos que hasta en pueblecitos pequeños hay unos festivales de música muy interesantes que te quedas muy sorprendido no?. Eso en esta ciudad o pasa.

Rockliquias.- ¿Qué le diríais a nuestros lectores para que se compraran el Cd y fueran a vuestros conciertos?

Si les gusta el Blues, creemos que te gustará nuestro disco. Hemos intentado respetar lo máximo posible un Blues con raíz. Eso lo tienen que juzgar ustedes, si lo hemos conseguido.

 Respecto al directo, los tres amamos lo que hacemos, y creo que eso se nota a la hora de tocar. Además de los temas del disco, hacemos un recorrido por los temas clásicos de Blues de los años 30 y 40, hasta los años 60. En el concierto puedes disfrutar y escuchar Blues muy añejo y al mismo tiempo puedes bailar o no parar de mover el pie. Lo recomendamos 100 %. Espero que pronto nos podamos ver en alguna ciudad.



The Blues Freaks nos trasladan al delta del Misisipi con nueve temas cargados de buen blues. Para nada nos tenemos que desplazar al sur de los States,  los tenemos aquí y seguramente los podréis ver en cualquier festival de blues de nuestro país. Influencias claras de gente como Taj Mahal o Jimmy Reed.  En definitiva The Blues Freaks es blues y punto.  ¿Necesitamos algo más?. 
J. C. Miñana






Contacto:




P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70


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Keith Emerson, Marc Bonilla & Glenn Hughes - Boys Club Live 1998

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Con un poco de retraso (11 de Marzo) conmemoramos el segundo aniversario de la muerte de Keith Emerson. Junto a Rick Wakeman fueron mis ídolos de adolescencia. Keith representaba la imagen rockera y Rick la más clásica. Siempre estará presente en mi memoria.


Keith Emerson y Marc Bonilla comenzaron a colaborar desde la grabación del primer disco del guitarrista, "EE Ticket", y posteriormente realizando giras conjuntas que se vieron reflejadas en varios discos: "Keith Emerson Band featuring Marc Bonilla" , "Boys Club – Live from California" , "Moscow" y "The Three Fates Project".

Por otra parte los problemas en la mano derecha comenzaron en 1993, una forma de artritis. Tuvo que descansar durante algún tiempo. A comienzos del 2000  parecía recuperado pero la enfermedad de forma latente seguía afectándole  la movilidad de sus dedos. 


La grabación corresponde a la actuación conjunta de Keith Emerson, Marc Bonilla y Glenn Hughes en el Boys Club en California en 1998, el disco se editó en 2009. A pesar de los problemas en su mano derecha Keith sigue dando la talla perfectamente respaldado por un excepcional Marc Bonilla (guitarra). En cuanto a Glenn Hughes podríamos decir que en su línea, gran voz pero como que no lo veo en este tipo de música. En el "setlist" tenemos de todo: "Afterburner" y "Afterburner" del primer disco de Bonilla ("EE ticket") y la versión de "A Whiter Shade Of Pale" que publicó en "America Matador". el clásico de Copland , "Hoedown", y que aparecía en el "Trilogy" de E,L&P. "Cover Me" del  "Addiction" de Hughes. Una notable interpretación de "Nutrocker y "Tarkus". En la parte final tenemos una curiosa versión de "Dreams" (Allman), para mi gusto prefiero la voz de Gregg Allman para esta composición. El último tema está grabado en estudio, "Middle Of A Dream",  su inicio  promete, oír a Keith al piano siempre es una delicia, pero con la entrada de Hughes  y un ritmo un tanto comercial "popero" supone la ruina total. En 2013 se editó una versión ampliada con  cinco temas más: "Long Journey Home", "Close To Home",  "Creole Dance", "Honky Tonk Train Blues" y "Fanfare For The Common Man / Rondo".

P.D.: Ya se que este disco no es un bootleg pero me apetecía mucho reseñarlo.
J.C. Miñana



Temas

1Afterburner4:12
2Long Journey Home 3:03
3Hoedown 4:27
4A Whiter Shade Of Pale 5:39
5White Noise5:27
6Cover Me5:20
7Nutrocker 5:05
8Tarkus 18:54
9Dreams 9:38
10Middle Of A Dream6:36






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SENSATIONS' FIX - Fragments of Light (1974 / POLYDOR)

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Aunque pertenecientes al rico panorama progresivo italiano, Sensations' Fix debía mucho más al kosmische alemán que estaba cociéndose por esos días. 


Fue la idea de un espíritu inquieto llamado Franco Falsini (guitarras, devices, electronics). Un músico cuya actividad ya venía de los 60. En 1966 tenía el power trío Noi Tre. De allí pasó a Inglaterra, montando Flying con Dave Anderson (luego en Amón Duul II y Hawkwind). Y se traslada a Virginia , país de la coca y la cola, donde se monta un primigenio home-studio en el sótano con un modular Moog y un 4 pistas. Vuelve a casa para la nueva década y funda Sensations' Fix junto a Richard Ursillo (bajo, ex Campo Di Marte) y el norteamericano  Keith Edwards (batería). En 1974 Polydor les ofrece un contrato, y será en ese año cuando salgan sus dos obras más aclamadas. "Fragments of Light" y "Portable Madness". Si bien ya habían grabado un homónimo debut promocional.

Los minutajes no se pierden en excesos ni exagerados desarrollos. Ya lo dice el título.  Son fragmentos, esbozos que convenientemente improvisados en directo, pueden dar de sí todo lo que la imaginación de los músicos quiera.

El tema-título lleva una agradable intro acústica con un superpuesto mini moog de bonitos dibujos melódicos. Demostrando buen gusto en su continuación a la guitarra adornada de wah wah. AshRa haría cosas similares unos años después. "Nuclear War in Your Brain" es un gótico tema berlinés de mística profunda ordenada por teclados y órgano. Los Tangerine Dream de "Alpha Centaury"  o "Atem" serían una apropiada comparación. 

"Music in Painting in the Air" es dominada por guitarras, siendo el sólo muy del estilo de Edgar Froese. Mientras que en "Windopax and the Stone Sender", Falsini toma prestadas técnicas de Manuel Gottsching. Otra gran influencia en Sensations' Fix son los franceses Heldon. En "Spacer Energy Age" pueden intuirse, además de que introducen partes cantadas que me recuerdan a Tim Blake. La corta "Mafalac" es un ensayo planante de sintetizadores. El corte más extenso es "Space Closure" (6'29), un juego melódico  de moog/batería que tendría cabida en las obras de Harald Grosskopf, perfectamente.

"Music Without Gravity" se acerca a las experiencias de Fripp / Eno,  en complicidad de cuerdas y teclas. "Do You Love Me?" entra en el Art Rock con voz y casi medidas pop. "Life Beyond the Darkness" vuelve al redil krautie por senderos similares a Harmonia o La Dusseldorf. "Telephatic Children" es un ejercicio de símiles con Achim Reichel, con bonitas pinceladas de guitarra sobre fondo de sintetizador. Y aquí finaliza éste entretenido álbum.  


Seis más lo secundan en los 70, sin contar otra aventura americana en ésa misma década marcada por el.....hard rock (!!!???). Se podría decir que eran Sensations' Fix pero pasados a ese género como Sheriff, con un único álbum a su nombre. En el 79 ponen fin a la banda experimental. Desde el 2000 asistimos a la clásica reunión de Sensations'Fix, con algunos cd live editados. Del 74 al 77 tenemos lo que es la época recomendada para entrar en materia con éstos italianos de alma alemana. Y "Fragments of Light" es un colorista catálogo de todo lo que se estaba haciendo a niveles cosmic kraut por esas fechas. Amenizado en pequeñas píldoras alucinógenas de muy agradable sabor.
J.J. IGLESIAS


Temas
00:00 Fragments of light
03:28 Nuclear war in your brain
07:09 Music in painting in the air
11:28 Windopax and the stone sender
14:00 Spacer energy age 
17:52 Metafel + Mefalac
19:27 Space closure
25:56 Music without gravity
28:06 Do you love me?
31:01 Life beyond the darkness
34:45 Telepathic children






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NICK MOSS BAND - Live & Luscius 2016

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La primera vez que nos visitó Nick Moss fue en el verano del 96 acompañando a Jimmy Rogers. En 2008 regresó para tocar en el Rock & River Festival y en 2017 ofreció su buen blues en doce localidades españolas.   Hoy lo recordaremos en uno de sus últimos discos en directo, "Live & Lucius".


Nick nació en Chicago y comenzó tocando el bajo en la banda de Buddy Scott y posteriormente pasaría por la de Jimmy Dawkins y  la Legendary Blues Band.  Fue en esta última formación donde empezó a tocar la guitarra y giro durante tres años con Jimmy Rogers. Por fin en la década de los noventa decide formar su propia banda Flip Tops. Como nadie quiere publicar su trabajo crea su propia compañía discográfica. En 1998 ve la luz su primer disco, "First Offense" y posteriormente llegarían  "Got A New Plan" (2001), "Count Your Blessings" (2003), "Sadie Mae" (2004), "​Live at Chan’s - Vol 1" (2006), "Play It 'Til Tomorrow" (2007), "​Live at Chan’s - Vol 2" (2009). En 2010 edita como Nick Moss uno de sus mejores discos "Priveleged" con brillantes versiones como "Politician", "For What It's Worth" o "Louise".  Un año mas tarde llega "Here I Am".  Los siguientes discos los editaría bajo la Nick Moss Band: "Time Ain’t Free" 2014), "Live and Luscious" (2015), "From The Root To The Fruit" (2016). Su último trabajo, "The High Cost of Low Living" (2018), está acompañado por el armonicista Dennis Gruenling.


La grabación nos ofrece la actuación de Nick Moss Band en el Festival Internacional de Bluesfest Eutin - Baltic Blues el 14 de Mayo de 2015. Nick está espléndidamente acompañado por Michael Ledbetter cantando y dando la replica guitarrera a Moss. En las teclas Taylor Streiff, sútil sonido hammond y piano eléctrico rockero. La sección rítmica está compuesta por Patrick Seals (batería) y Nick Fane. El "Setlist" lo componen ocho temas de entre los que destacan "The End"( Jimmy Reed), algo más de doce minutos de blues a tempo lento que poco a poco va aumentado su intensidad. El segundo tema recomendado es "Shade Tree" rememorando sonidos a lo Allman Brothers y recordando los duelos entre Duane Allman y Dickey Betts. No quiero dejar de reseñar la gran fuerza vocal que imprimen tanto Moss como Ledbetter. Por cierto atención al guiño que ofrecen a AC/DC en la parte final de "I Dig".
J.C. Miñana











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AISLES - Hawaii (2016 / PRESAGIO)

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Desde Santiago de Chile se pone en contacto con Rockliquias la banda Aisles. Un honor, y no es peloteo. Llevo siguiendo a ésta banda desde su primer álbum "The Yearning", allá por el 2005. He ido viendo su constante crecimiento, acertando a cada paso. Mejorando a cada propuesta. "In Sudden Walks" (2009) y "4:45 AM" (2013) ya se encargaron de ponerlos en el panorama prog internacional. Recibiendo diversos premios honoríficos a su música,  asistiendo a festivales por todo el mundo, montando su primera gira europea en 2016, abriendo para Marillion en su país o girando por México o Estados Unidos en 2017. Todos éstos últimos logros ya presentando su valiente último doble concept-album, "Hawaii".


Aisles se formó en 2001 con base en tres hermanos, Sebastián,  Germán y Luis Vergara. El último ya no está en la formación desde el 2010. Sebastián Vergara es su cantante solista y Germán,  guitarrista, voces y teclados. Rodrigo Sepúlveda es el otro guitarra y voces. Felipe Candia, batería y percusión. Juan Pablo Gaete en los teclados. Y Daniel Baird-Kerr al bajo. Ésta es la actual formación del sexteto que grabó el ambicioso "Hawaii". 


Doble obra conceptual con historia sci-fi llena de visiones muy humanas, y que en cierto modo recuerda al leit-motiv del primer álbum de Magma. No así su completa música,  con una intro que advierte influencia del "Brother to Brother" de Gino Vanelli, en su tema inicial "The Poet - Part I - Dusk" (10'10). Pronto pasamos a un progresivo, que en otros tiempos se le llamó "Neo", con cuidado tratamiento vocal e instrumentación de inclinación Yes ("Keys To Ascension" - era). Las guitarras hard rockean la pieza, y su desarrollo anda entre lo mejor de Ayreon, Kayak (última época) o Spock's Beard. "The Poet - Part II - New World" (4'18) es la conclusión casi canterburyana,  que se inicia con piano eléctrico y se van sumando instrumentos en un climax jazz rock muy al estilo de The Tangent.

"Year Zero" (4'36) nos describe la historia con formas space-rock, con teclados y fx sobrevolando la audición,  y reflexivas notas de piano que nos llevan a...."Upside Down" (6'27). Un tema de ambientación teatral y dramática,  con increíble trabajo de guitarras y voces.

Los momentos descriptivos vuelven en "CH-7" (12'38). Indispensables para entender bien una buena historia del futuro. Aquí es inevitable la comparación con "The Astonishing" de Dream Theater, álbum editado ese mismo año, aunque sólo en algún pasaje progresivo-cinematográfico. Aisles resisten comparaciones, cuidado. El precioso final de éste tema es un comprobante garantizado.


Cambiamos al cd 2 con "Terra" (8'06), una canción de belleza acústica salpicada con pinceladas de moog, y la voz como constante motor sentimental. Enlaza con un puente cibernético,  pero sin perder el espíritu reflexivo, con "Pale Blue Dot" (9'53), un curioso capítulo que mezcla casi kraut, acid folk y sympho rock, completísimo. 

"Still Alive" (4'48) y "Nostalgia" (2'14) parecen evocar sentimientos hippies del viejo West Coast sound.

Mientras que los teclados de apertura en "Club Hawaii" (9'22) recuerdan algún clásico momento de IQ o Wakeman. Y la exquisitez a flor de piel continúa en toda la pieza, con pequeños y meteóricos arreglos jazz, sobre una casi operística voz. Altamente original e inesperado.

"Falling" (2'14) es una resolución de la historia casi en forma de musical de Broadway. Finalizando con "In the Probe" (6'57), extraño e intrigante "blues del futuro" entre Tim Bowness, Isildurs Bane,  Marillion (de ahora) o el sonido del sello K-Scope.


"Hawaii" es un titánico esfuerzo de composición de clase instrumental superlativa. Aisles se han puesto el listón muy alto, pero tengo plena confianza en su futuro. No le tienen miedo a las páginas en blanco.
J.J. IGLESIAS


Temas
0:00 The Poet Part I - Dusk 
10:09 The Poet Part II - New World
14:50 Year Zero
19:04 Upside Down
25:30 CH-7
38:07 Terra
46:00 Pale Blue Dot
56:09 Still Alive
1:00:58 Nostalgia
1:03:10 Club Hawaii
1:12:30 Falling
1:14:48 In the Probe





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MAGMA - Félicité Thösz (2012)…y final

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Si el anterior disco de Magma era un viaje a la oscuridad y la muerte, su último disco en estudio hasta la fecha, va a ser un canto a la vida y a la luz. Mundos contrapuestos que representan ambos extremos del zeuhl como forma musical. Vander deja pasar mucho tiempo en el nuevo siglo entre cada entrega. La siguiente, según parece, está prevista para este año o al siguiente. Nunca se sabe y el camino a tomar siempre es imprevisible y proclive a la expectación. 


Bien es cierto que entre 2014 y 2015 grabaron en estudio dos EP´s: una re-visitación de “Rïah Sahïltaahk” de 24 mtos del segundo álbum y una extraña pieza de 20 llamada “Slag Tanz”. En lo que a mí respecta casi podría decir que “Félicité Thösz” con sus escasos 32 mtos entraría en esa categoría, pero por todos es considerado el último álbum de Magma y en consecuencia así lo trataremos. 

Este disco está próximo a K.A en cuanto a finura y sentido melódico y también puede recordarnos a los entusiastas ritmos de “Wurdah Ïtah”. En realidad, es una suite dividida en diez cortos temas enlazados de 28 mtos y una especie de epílogo separado de 4. La instrumentación es más reducida siendo el piano el protagonista, aunque las voces en su conjunto suenan como una pieza sinfónica con la épica habitual que les caracteriza. El bajo y la batería empujan con un swing irresistible y las melodías son verdaderamente hermosas y adictivas. Incluso escuchamos esta vez cantar en francés algunos fragmentos próximos en estilo y forma a las delicias ravelianas de “Mi Madre la Oca” (una de las piezas de música más maravillosas que se han compuesto nunca). Los fans “duros” del zeuhl pueden encontrar este demasiado dulce, lo admito, pero se acerca mucho más a mis preferencias musicales que otras alabadas pesadillas magmáticas. 

La canción nº  5 “Tëha” es una cosa deliciosa que sencillamente te hace sentir felicidad en un mundo imaginario imposible e incompatible con la miserable raza humana. Todo podría ser tan distinto si no fuésemos tan estúpidos y tan hijos de puta…ahhhh!!. Me cabrea este maldito mundo. “Félicité Thösz” es un verdadero regalo para los oídos y para la gente sana, equilibrada y tranquila. Los malos abstenerse…jejeje!!!. Se hace muy corto, como un orgasmo o una tapita de angulas con una copa de reserva añejo. También se dice que lo bueno si breve es dos veces bueno. 


Este disco es una pequeña obra maestra, una joya delicada y alegre no apta para manazas ni salvajes ni psicópatas variados. Aunque al refinado de Hannibal Lecter le encantaría…jajaja!!!. Bromas aparte no os perdáis este disco. Llegando al final de esta aventura musical tan exclusiva como es la música de Magma, no puedo dejar de recomendar su legado remasterizado como son las cajas “Studio Zünd” y “Köhnzert Zünd” o la impresionante serie de 5 volúmenes de DVD´s “Mythes et Legendes” en vivo, que van de 2006 a 2013, así como los posteriores lanzamientos de conciertos de todas las épocas de su propio sello Seventh que no tienen desperdicio.
Magma no es una banda más. Es música para la historia.

La próxima semana cambiaremos completamente de registro y nos meteremos en la única banda de neo-prog británica que a través de los años y a mi parecer ha conseguido un respeto y culto: IQ
Alberto Torró








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LE ORME - Uomo Di Pezza (1972)

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Se quiso comparar a Le Orme en sus primeros discos como la versión italiana de ELP. Lo cual es completamente erróneo. Solo tienes que comparar. El hecho de que sean un trío de teclados, bajo y batería no quiere decir nada. Bien es cierto que en los setentas los teclados se basaban generalmente en hammond organ, piano, mellotron y moog, en la mayoría de las bandas progresivas, por lo que la similitud en el sonido puede llevar a algo familiar, pero la forma y el estilo difieren en todos ellos. No se puede comparar la potencia y nervio de ELP y la superioridad técnica y compositiva que demostraban, con otras bandas mucho más modestas y delicadas como es el caso de estos italianos. La música de Emerson, a veces brutal, rápida y excesiva, se encuentra muy alejada de la amabilidad y dulzura de estos venecianos. Pasó con muchos grupos italianos de la época, quizás porque el sello Manticore permitió la apertura musical del país mediterráneo y los críticos de entonces se lanzaron a comparaciones poco contrastadas y para cumplir el expediente fácil que un grupo de “moda” de entonces como ELP era un espejo donde mirarse. 


Le Orme son para degustar tranquilamente una mañana soleada o una tarde lluviosa de verano según se precie. Pero no busques complejos laberintos ni torrentes sonoros, ni valles atravesados a toda leche por cuadrigas romanas. Imagina una casa junto al mar, con porche blanco y terraza de “fermosas” macetas floridas en perfume mediterráneo con hamaca o balancín incluido, vino blanco del Piamonte para regar con una ensalada caprichosa de mozzarella y anchoas, más una ragazza de vestido blanco y vaporoso-transparente y añade a todo ello fondo de aves y ambiente amoroso. Una parte importante de la música de Tagliapietra y compañía es eso: bellas baladas acústicas, aunque el hammond de Pagliuca se ponga a veces estupendo con algún rugido y algún moog cantábile.


“Uomo Di Pezza” es muy diferente a “Collage” porque ya se empiezan a sentar las bases de un estilo muy particular “muy italiano”, de sabor muy mediterráneo. La canción es la forma de componer del trío, aunque encontremos los clásicos desarrollos instrumentales de un grupo de rock sinfónico. Los alardes instrumentales son secundarios, aunque los hay evidentemente. Una característica en los álbumes de Le Orme es que son muy cortos de duración, en este caso 31 mtos y en otros muchos algo similar. Pocas veces encontraremos piezas largas o “suites” que superen los 7 mtos, pero a cambio nos regalarán preciosas baladas y bonitos momentos. 


Este disco contiene una breve pieza casi de corte tradicional llamada “Giocco Di Bimba” que llegaría a ser single de éxito. “Una Dolcezza Nuova” es un corte con mucha inspiración Bach hasta que el piano desgrana suaves notas y Tagliapietra canta apasionado una de sus típicas melodías (siempre en italiano, por supuesto) En “La Porta Chiusa” es el teclado quien se luce moog incluido, pero siempre con una tendencia al intimismo y al recogimiento casi recitativo en lo vocal muy marcado en las siguientes piezas que casi rozan un discreto sinfonismo a lo Moody Blues. “Figure di Cartone” y “Espetando a l´Alba” son hermosos ejercicios de simpleza y pulcritud con rasgueados acústicos, dibujos de teclados y bellas melodías que los alejan por completo de las complejidades de Banco o Premiata y son sin duda el lado más amable del progresivo italiano. El instrumental “Alienazione” tiene su particularidad por las sonoridades muy próximas a la vanguardia británica medio canterburiana. Solo es un ligero recuerdo de primitivas bandas como Egg o unos primarios Soft Machine. Este disco sería la antesala de su famoso “Felona e Sorona” pero eso es para la próxima semana.
Alberto Torró



Temas
01. Una Dolcezza Nuova
02. Gioco Di Bimba
03. La Porta Chiusa
04. Breve Immagine
05. Figure Di Cartone
06. Aspettando L'Alba
07. Alienazione




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HUMPHREY AND THE FARMERS - Doin' The Farmer Thing (2016 / HOTSAK) (Rockliquias Bandas)

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Me despierto con una buena resaca, la cerveza es lo que tiene. La noche ha sido movida. Como en una novela de Dashiell Hammett, encuentro en el bolsillo del abrigo un cd precintado. Ni idea. Lo abro y veo las fotos interiores. Ahí el cerebro reacciona. Estuve con el amigo Guillermo Garralaga, guitarra y líder de Humphrey and the Farmers. Un tío que vive y respira blues. No creo que encuentres un apasionado del género más grande por éstas inhóspitas tierras aragonesas. Todo un musicólogo  de la materia.
No sabía de su combo, y me puso al día. 


Formados por el 2014, llevan dando caña en una apretada agenda de actuaciones por toda España e incluso Holanda. El resto son Diego Hervalejo (piano, Hammond), Ernesto Larcher (bajo y contrabajo) e Israel Tubilleja (batería). Pero la cosa es flexible según la coyuntura. Pudiendo actuar en diferentes formatos, con sección de viento, órgano - trío,  cuarteto y voz.....que puede variar el repertorio según el line-up del momento: Chicago Blues, West Coast Blues, New Orleans, Contemporáneo Blues, Blues Jazz 50s.....Incluyendo sabrosas especias al condimento con Funk, Groove o Jazz. Han abierto conciertos para John Nemeth y Boo Boo Davis, entre otros. Y en el 2016 aparece "Doin' The Farmer Thing", coqueto debut lleno de todos los sabores reseñados. En él cuentan con variados invitados, destacando una sección de viento (trombón,  saxos alto y tenor), que les da alas necesarias para expresarse con más riqueza de matices.


La cosa comienza caliente con "Phone Drivin'", tema de "Humphrey" Garralaga que aquí canta Jamie Ricketts, además de aportar guitarra solista. Es un fogoso entrante que te lleva directamente a The Fabulous Thunderbirds, por el cachondeo y alegría que transmite. La sensación de banda compacta veterana es instantánea,  a pesar de su edad y poco tiempo formados. "Big Boy", de Bill Jennings, es un instrumental a la New Orleans que rebosa chilli sonoro. Los vientos caldean a fuego lento, con jazzy orientación y tremendo feeling,  brother.

"Blues for Boo Boo", de Kirk Fletcher, es otro espectacular instrumental a la Grant Green o Jack McDuff, con el Hammond destacando en su intervención en complicidad con una atenta guitarra y ritmos desatados. Irresistible.


"Hi Heel Sneakers", de Tommy Tucker,  nos lleva de nuevo al New Orleans Blues, con la voz del trombonista Josemi Casanova. Otra explosión de Blues Jazz viejuno y eufórico,  que en directo tiene que hacer estragos. Excelente en cada una de sus intervenciones Guillermo "Garralarga" (que si hubo un "Manolenta", porqué no?....). Con el toque "académico" de un Albert King  o T. Bone Walker, y la subliminal caña rockera de Jimmie Vaughan o Ronnie Earl. 

A continuación vienen dos "derechazos" procedentes del gran Booker T. Jones : "Hip Hug Her" y el obligado "Green Onions". El primero es un horno de ritmos, con el sello Blue Funk de gente afín a Blue Note : Lou Donaldson, Blue Mitchell, Ronnie Foster o Bobby Hutcherson. El segundo, es un clásico incontestable que marcó una época en la música. Aquí está tocado con ganas, devorando Groove como un enloquecido "comecocos". Gula pecadora que arrasa. 

"Pink Gong Blues" es propiedad del teclista, una especie de calipso con aires "Niu Orlins". Que juega con ritmos chicken, el saxo de Eduardo Pons y como no, el órgano en cuasi psicodelia jazzistica a la Jimmy Smith.

Imagino que "Wait on Time" es una versión de The Fabulous Thunderbirds, porque es autoría de Kim Wilson. Aquí es Alberto Ranz el encargado de guitarras rítmica y solista. Otra andanada de rhythm'n'blues sobrado, con categoría de maestros. Finalmente otro instrumental vip de buen Blues-Funk con "Meanstreak", de Ansón Funderburgh, en el que sobran las palabras.


Completando un disco que Alligator Records hubieran editado gustosos. Y es que Humphrey and the Farmers llevan el blues de todos los palos en vena. En realidad, tienen mucho que ver con la raíz. Porque si Chicago es "la ciudad del viento".......imaginaos Zaragoza!!!
J.J. IGLESIAS





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Deep Purple - Days May Come and Days May Go

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El tres de Diciembre de 1976 Tommy Bolin estaba en la habitación de su hotel con su novia, su manager y unos amigos. Esa noche había realizado un concierto de presentación de su segundo trabajo, "Private Eyes", teniendo como invitado a Jeff Beck. En un momento determinado Bolin se desploma. Sus compañeros intentan reanimarle metiendolo en la ducha. Tommy parece que se recupera levemente. Su manager llama al médico del hotel el cual determina que es necesario trasladarlo a un hospital para que sea tratado adecuadamente. Barry Fey (manager) decide que eso no es buena publicidad para Tommy . El guitarrista tenía varios pinchazos recientes en su antebrazo. Durante horas intentan reanimarlo pero al final lo abandonan en compañía de su novia Valery que es la que  llama a una ambulancia. Los sanitarios sólo pudieron certificar su muerte en la madrugada del cuatro de Diciembre de 1976.



El 7 de Abril de 1975  Ritchie Blackmore realiza su último concierto con los Purple en el Palais des Sports de París. El resto de la banda sorprendentemente decide continuar y para ello reclutan a un joven guitarrista que les había deslumbrado en grabaciones con Alphonse Mouzon, James Gang y Billy Cobham entre otros. Se formalizaba el Mk IV: David Coverdale (voz), Glenn Hughes (bajo,voz),Ian Paice (batería), Jon Lord (Teclados ) y Tommy Bolin (guitarra). En octubre del 75 editan " Come Taste the Band" y se embarcan en una gira que finalizaría el 15 de marzo del 76 en el Liverpool Empire Theatre. Oficialmente Deep Purple se separan el 19 de Julio del 76.


Las grabaciones fueron realizadas en los estudios Pirate Sound de Robert Simon en Junio de 1975. Eran los ensayos de Deep Purple ( Mk IV) para la grabación de su décimo albúm de estudio, "Come Taste the Band". El "setlist" está compuesto por temas que aparecerían posteriormente en ese disco, "Owed To G","Drifter", "You Keep On Moving". Algunas versiones: "Statesboro Blues", "I Got You Babe". Y por supuesto mucha improvisación y muchas jams. El documento hay que tomarlo como lo que es, UN ENSAYO. Todos sabemos que en los ensayos hay momentos de inspiración y momentos de estancamiento. Para un friki como yo de todo lo que tenga que ver con Bolin, la grabación me gusta aunque no tenga mucho valor  musical. De todos modos oír a Bolin y Lord improvisando es una autentica delicia.
J.C. Miñana



Temas
"Owed to G (Instrumental)" (Tommy Bolin) - 00:00
"If You Love Me Woman" (Bolin, David Coverdale) - 03:30
"The Orange Juice Song" (Coverdale, Jon Lord) - 13:38
"I Got Nothing for You" (Bolin, Coverdale, Glenn Hughes, Lord) - 17:10
"Statesboro Blues" (Blind Willie McTell) - 30:03
"Dance to the Rock & Roll" (Ritchie Blackmore, Coverdale, Hughes, Lord, Ian Paice) - 35:57
"Drifter (Rehearsal Sequence)" (Bolin, Coverdale) - 46:59
"Drifter (Version 1)" (Bolin, Coverdale) - 50:27
"The Last of the Long Jams" (Bolin, Coverdale, Hughes, Lord, Paice) - 54:29
"Untitled Song" (impromptu version of "I Got You Babe" by Sonny Bono 1:03:33



Temas
0:00  Drifter (version 2)
4:04  Sail Away Riff
6:58  You Keep On Moving (take one)
15:15  Pirate Blues (jam)
22:19  Say You Love Me




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RAINBOW GENERATOR - Dance of the Spheres (1978 / FISSION CHIPS)

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Desde un sitio tan poco proclive para éstas músicas como Australia venían Rainbow Generator. Cybotron suelen ser los más "conocidos" del enrrolle planeador Austral,  pero parece que no fueron únicos. Éste dúo de hippies con gran actividad musical ya en los 60, eran Rob "Ras" Greaves (montaña de teclados y otros instrumentos) y David "Mojo" Labuschagne (guitarras,  Roland GR500 Synth y otros trastos de rigor). Rob era inglés y David de.....Zambia, pero era blanquito. Por cierto, alguien conoce algún sintetista cósmico de los 70 que fuera negro? A mí se me ocurre ahora mismo Bayete, (Automatic Man), como el más cercano al asunto.


Los dos de Rainbow Generator eran unos frikis de lo último en electrónica que gustaban de amontonar nuevos cacharros analógicos del momento. De esos que ahora valen una pasta (y entonces también), como sintetistas locos, -bendita locura-, poseídos por un síndrome de Diógenes mooger, que no monguer. Imagino que tendrían una saneada cuenta bancaria para tal fín. Como no reparaban en gastos, se autoeditan  en su propio sello 399 copias del "Dance of the Spheres". Hoy un original vale 400 pavos, según San Discogs, patrono de los bolsillos vacíos. El álbum contaba con invitados, pero esencialmente eran los teclados-guitarras de los chaticos. 

La primera cara contaba con seis esbozos o fragmentos de pura kraut-electrónica.  "Polyploid Spex" nos lleva a aquellas orgías sonoras drogueriles en forma de libertarias jams de los Cosmic Jokers. Aquel supergrupo compuesto por Dierks-Dollase-Gottsching-Grosskopf-Schulze-Gille & Rosi, que organizaba el "celestino cósmico " Rolf-Ulrich Kaiser.

En "Quiblings Querie" seguían por esos andurriales, aunque yo metería en la fiesta a Achim Reichel, que también da mucho juego. Libres formas ondulantes / ululantes de burbujas ana (i)lógicas que penetran con lubrico placer en nuestras mentes enfermas.

En "Wandjina" , Damien Burnett toca ese canuto gigante tan folclórico de allí,  que es el Didgeridoo. Aquí utilizado como un sinte más,  en simbiosis con otros escarceos electrónicos no alejados de Organisation o los muy primeros Kraftwerk.

 "Asymptote" incluye una cutre caja de ritmos construída por ellos, qué fijación tenía el personal con "eso", redios!. La guitarra rockeriza un tema algo más "convencional", dentro de la majarada imperante.

Que continúa en "Embryonic Eye" con afinidades a Cluster o los TD de primeros 70. Experimentalismo al modo de escritura automática espiritista del siglo XIX. Todo bien dopado y listo para su desfase. "Essence" , con sus delicados arpegios acústicos frente a la teclistica dominante, recuerda al Neuronium del "Quasar 2C361". Aunque aquí insertan la voz de Naomi Lego y el resultado es apropiado y muy conseguido.


Para la segunda cara tenemos "Dance of the Spheres" (21'21) subdividida en partes tituladas. Como en la primera, pero de tirón. Títulos como "Shockwave Rider", "D'Lirium" o "Rainbow Raga" clarifican la total "krautizacion" de Rainbow Generator. Con la guitarra usada como un sitar de extraños sonidos, y enjambres líricos de sintes zumbando la zona. Tor Davis se marca un "spoken word" en "City of the Sun" con mobiliario rococó a la Ash Ra Tempel, mientras la caja rítmica jode el efecto todo lo posible. Afortunadamente no hasta extremos de desgraciar todo el disco. Continúan los efluvios Tempel - Gong, ahora con Naomi Lego y sus "whisper voices".

La alucinación sonora colectiva ya no cesa y crece en eficiencia,  al no poner puertas al campo cósmico. En mi opinión la segunda cara se beneficia de ésta libertad al dios Chronos.

Tanto David como Rob siguieron colaborando juntos en diferentes aventuras musicales, hasta el 2008. Pero no hubo continuación al legado de Rainbow Generator hasta pasados muchos años, que vieron ediciones cd en directo de su actividad cara al público. 
Un magnífico ejercicio de "bastard-kosmische"éste,  raro como el demonio, y demostrativo de la gran influencia que la German Kraut Music tuvo en todo el mundo.
J.J. IGLESIAS



Temas
1. Polyploid Spex 00:00
2. Quiblings Querie 2:43
3. Wandjina 5:46
4. Asymptote 11:19
5. Embryonic Eye 14:43
6. Essence 19:04
7. Shockwave Rider 23:27
8. City of the Sun 28:27
9. D'Lirium 33:44
10. Rainbow Raga 40:35
11. Ssence (not included)




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Kahvas Jute ‎– Wide Open 1971

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Kahvas fue un grupo australiano que tuvo en sus filas al bajista Bob Daisley, famoso por formar parte de grupos de la talla de Chicken Shack , Mungo Jerry , Widowmaker , Rainbow , The Blizzard of Ozz, The Ozzy Osbourne Band , Uriah Heep y The Gary Moore Band, entre otros. Menuda trayectoria.


Kahvas Jute se formó en 1970 teniendo en sus filas a  Bob Daisley (bajo),  Tim Gaze (guitarra), Dannie Davidson (batería) y Dennis Wilson (guitarra, voz). Firman con el sello Festival Records y debutan en enero de 1971 con su primer disco, "Wide Open".  Tim Gaze decide abandonar la formación quedándose reducida a un trío. El siguiente en abandonar el barco sería Bob Dasley quién entraría a formar parte de Chicken Shack. Cambios continuos en la formación  originan el cambio de nombre, "Chariot". Posteriormente se reunieron en diversas ocasiones, la última en 2005 quedando inmortalizada en el CD/DVD, "Then Again: Live at The Basement".


La grabación consta de nueve temas donde podemos encontrar sonidos psicodélicos, "Free", "Up there" que gran riff de guitarra,  "Vikings" o incluso "Steps of Time". Temas tranquilos con buenas voces e instrumentación con solos justos y medidos. La otra cara de la moneda la encontramos en composiciones como "Odyssey", "She's So Hard To Shake" y por supuesto el tema más destacado, "Parade of Fols", donde los sonidos se vuelven más hard rock en la onda de Cream. A buen seguro que Jack Bruce se hubiera sentido como pez en el agua en esta formación. El disco esta muy valorado por los coleccionista llegando a pagar hasta 1.000 dolares. En una edición posterior se adicionaron seis temas  en directo incluyendo el Politician de los Cream.
J.C. Miñana




Temas
A1 Free 5:12
A2 Odyssey 4:01
A3 Up There 2:50
A4 She's So Hard To Shake 4:19
A5 Vikings 4:32
B1 Steps Of Time 3:20
B2 23 4:32
B3 Ascend 3:10
B4 Parade Of Fools 9:06



Temas
1 Politician 6:24
2 She's So Hard To Shake 4:20
3 Ascend 3:30
4 Parade Of Fools 10:49
5 I Can't Stop 4:32
6 Free 5:38




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MOTIFFE - Motiffe" (1972 / DEROY) (Canterbury Ways)

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Mi colega de cervezas, arreglos de mundo y largas conversaciones musicales, Alberto Torro, dejó colgada ésta sección aquejado "de lo suyo" : su habitual "culo inquietismo". No estoy dispuesto a que se pierda un rincón donde dar a conocer rarezas no necesariamente de Canterbury,  pero sí con su espíritu. De vez en cuando alguna caerá. Así que en mi primera entrega os acerco algo tan raruno como legendario en círculos coleccionistas. El único álbum de los jazz rockers Motiffe. 


Procedentes del ámbito rural de Hertfordshire, pueblecico inglés,  y campiña al fin y al cabo. Descubierto hace unos años en Record Collector, la leyenda dice que sólo se fabricó un sólo disco. Las leyendas suelen ser bonitas, pero trolas gordas. En realidad se hicieron 100 copias en el sello independiente Deroy, de las cuales supuestamente,  sólo han sido localizadas, dos.

Motiffe era una banda de compañeros de colegio, concretamente del St. Albans School, formada por los hermanos John y Mark Pasterfield en 1970. Tras diversos cambios, la formación que grabó el disco fue Mark Pasterfield (batería), Ian Wilson (flauta y voz), John Grimaldi (guitarras), Quentin  Bryar  (saxo), Mick Avery (teclados) y Dave Shackley (bajo). Su estilo bascula entre el jazz rock a la Colosseum y otros grandes del underground UK con vientos de por medio. Dicese de If,  Gravy Train, Raw Material, Titus Groan o Skin Alley.

El inconveniente de éste álbum es su sonido. Al ser grabado en vivo (sin aplausos) en la misma Escuela St. Albans, con medios bastante rudimentarios. Algo así como un buen bootleg de audiencia. Que si consigues salvar ese pequeño obstáculo, ( o sea,  si no vas de audiófilo recalcitrante), disfrutarás de pleno con éste único documento de tan excepcional (y joven) banda.

"Grotesque Piece" (5'16) puede sonar desde a King Crimson a Caravan , éstos últimos una constante en el estilo de Motiffe. La combinación de una extraordinaria flauta a lo Jimmy Hastings con un saxo a lo Dick Heckstall-Smith es majestuosa. Pero ah, amigos, entra el grandísimo John Grimaldi con su endiablada digitacion no alejada de John McLaughlin y es el acabose. Sobrenaturales músicos. 

 "Analogy" (6'24) está llena de bucolismo de la campiña, con la flautica "caravanera" de ribetes Tull. Aquí el dialogo entre piano eléctrico y guitarra lleva aromas de Hatfield and The North. Puro british rural prog de ése que te desconecta del mundo. Una delicia que sigue en "Life Reciprocal" (10'32) en delicada reflexión donde los teclados dan pie a un "momento Camel" que parece un outtake  del "Mirage" o "The Snow Goose", y no exagero nada. La flauta de Ian Wilson se muestra radiante en sus numerosas intervenciones, siempre llenas de buen gusto. Alternada con el saxo de Quentin Bryar, que me recuerda a John Anthony Helliwell cuando estaba en la banda de Alan Bown. Grimaldi resuelve como un Hackett jazz rockero, con el empuje rítmico aplastante del resto.


La segunda cara irrumpe con "To George" (8'26), otra ensoñación "bastardo-canterburyana", que podrían haber firmado Caravan sin mucho esfuerzo. También recuerda a nuestros Gotic con su dominante y melódica flauta que lo embellece todo. Precisamente en la final "Mind and Body" (15'27 ), es donde podemos escuchar cantar por primera y única vez a Ian Wilson, en un estilo bardo semejante a Richard Sinclair. Mientras Grimaldi recorre el mástil a velocidad desorbitada, y todo Motiffe dan un master-class acelerado de Canterbury sound al más alto nivel. 

Una gozada para darle al botón de "repeat" inmediatamente,  porque uno no acaba de creerse lo buenos que eran éstos tipos. Su mayor logro profesional fue abrir un concierto de la primera ELO con Roy Wood y Jeff Lynne, pero merecieron mucho más. La separación llegó poco después,  siendo el miembro más reconocido posteriormente John Grimaldi. Que ingresará en las filas de Argent para los discos "Circus" y "Counterpoints", ambos de 1975, y que marcan la última etapa jazz rock del grupo. Una pena lo de éste increíble guitarrista,  que muere en 1983 de esclerosis múltiple a los 28 años. Aún tuvo tiempo de dejar huella con las bandas Cheap Flights, Flux, Casual Athletes, Captain Sussex y Adrián Stamford.

El homónimo álbum de Motiffe fue lanzado en edición pirata CD-R en los 90 por Ammonite (nada recomendable). Pero los mucho más fiables de Shadoks pusieron en circulación en 2006, una tirada en vinilo de 180 gr, de 450 copias numeradas. A pesar de su sonido "en bruto", "Motiffe" es una joya de principio a fin. 
J.J. IGLESIAS



Temas

A1 Grotesque Piece 5:16
A2 Analogy 6:24
A3 Life Reciprocal 10:23
B1 To George 8:35
B2 Mind And Body 15:27




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IQ: (Inteligence Quotient) El despertar neoprogresivo - Tales from The Lush Attic 1983

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Hay que reconocer la originalidad de este nombre de grupo, porque “coeficiente de inteligencia” no es precisamente lo que se veía en el panorama musical de la década prodigiosa de los 80’s. Haciendo un poco de historia me tocó vivir aquello de primera mano y asistir con dolor de corazón a la degradación paulatina del arte y de la música en todas sus expresiones. La vulgaridad fue la moda, no hasta el extremo surrealista de de hoy día donde parece que todos vivimos en Matrix y en una realidad ausente de todo principio ético y humanista. Supongo que es una cuestión generacional a la que no escapamos nadie y salvo valientes excepciones, cada relevo lleva un grado de estupidez mayor que el anterior. Pero no es la cuestión ahora.      
                                                                                                         En 1983 en España la música se había convertido en una verbena de sanfermines y horrores varios, pero en Inglaterra reinaba la esquizofrenia. Me explico. Por una parte, la moda punk ya había calado lo suficiente, pero la nostalgia de los grupos que hicieron música de verdad en la década anterior todavía calentaba en las cenizas. Añadir las diferentes modas de pop de nuevos románticos con bandas tipo Spandau Ballet o Duran Duran porque el rock clásico iba por otros derroteros y tuvo sus más y sus menos. Aquello fue raro porque nadie daba un duro por hacer una música con un poco de sustancia. Agitando la coctelera surgió algo inesperado: combinando la estética hortera e influencia imperante, pelo cardado, colgantes, maquillajes, hombreras en chaquetilla torera de fantasía, botas deportivas de colorines y un poco de inteligencia a la hora de tocar una guitarra o un teclado, algunos chavales muy jóvenes hicieron su aparición en la escena británica en sitios como el Marquee o el festival de Reading. Algunos de ellos ya hicieron tímidas propuestas entre 1979 y 1982. Se pusieron nombres atrayentes: Silmarillion (luego Marillion), Twelfh Night, Pallas, Pendragon, Haze, Quasar, Tamarisk, Solstice e IQ por nombrar los más conocidos. Hasta unos resucitados The Enid se sumaron a la fiesta. 

De todos ellos hoy día solo IQ ha mantenido una calidad en ascenso y un respeto entre los veteranos amantes del rock progresivo y en concreto del rock sinfónico. Los demás o han desaparecido o la música que hacen hoy como en el caso de Pendragon o Marillion, nada tiene que ver con aquella música inicial. En 1976 y asistiendo a la gira del “A trick of The Tail” de Genesis un adolescente guitarrista llamado Mike Holmes y sus amigos, quedaron marcados para siempre con el estilo de música ensoñadora de aquel fabuloso disco. En realidad todo el neo-prog británico le debe a Genesis el despertar del ave fénix. No sé con exactitud si la traición de unos acomodados Phil Collins, Banks y Rutherford hacia la música que habían creado tuvo algo que ver o no, pero la primera banda “neo” llamada “The Lens” cogió el relevo donde Génesis en 1978 lo había dejado. 

“The Lens” se fundaron en Southampton en 1977 con Mike Holmes guitarra, Peter Nicholls voz y Niall Hayden batería. Deciden montar una banda de rock progresivo en una época muy mala para la lírica. Pronto se les unen el bajista Rob Thompson y el teclista Peter Blackler. Comienzan a ensayar unos temas a medio camino entre Steve Hackett y Pink Floyd con los aspectos más atmosféricos del Camel de la época. Son unos aprendices evidentemente y no llegaron a grabar nada hasta su reactivación en 2001. Los dos últimos integrantes se van y entra un pianista con estudios clásicos llamado Martin Orford. The lens son ahora un trio hasta que Tim Esau al bajo y Paul Cook a la batería llegan en 1981 para convertirse en IQ.

La historia comienza en una Inglaterra difícil para este tipo de música. Ni que decir tiene que la crítica de la época se burló del asunto, sin embargo, la gente asistía a sus conciertos hasta conseguir un notable número de fans hartos de la mierda musical reinante. Aquello se llamó neo-progresivo y se creó un círculo de culto exclusivo. En directo IQ tocan algún cover de Genesis incluso, y medio en broma versiones punkies, tecno, jazz y hasta reggae. Son una banda británica que además destila un buen sentido del humor que nunca han abandonado. El Marquee londinense es un garito muy pequeño y guarrete donde comienzan a citarse todas las bandas emergentes mencionadas. Las grabaciones demo de aquella época son terribles realizadas por fans con cassetes cutres, pero documentos históricos para frikis recalcitrantes. IQ logran grabar una cassete en estudio con sus primeros temas propios. 




“Seven Stories Into Eight” (1981-82) hoy ilocalizable pero afortunadamente regrabada por el grupo e incluyendo la versión original en un doble Cd en 1998. Este cassete tiene piezas muy bonitas e increíbles para el momento en que se grabaron y en un estilo inicial que prácticamente nunca han abandonado. Piezas como “About Lake Five” la preciosa “Inteligence Quotient” “For Christ Sake” “Fascination” o “It All Stop Here” ya son clásicos que tocarán en directo durante toda su carrera.

 En 1983 consiguen un contrato discográfico con el sello “The Major Record Company” y registran su primer LP bajo el título de “Tales from The Lush Attic”. La bonita portada es un dibujo de Peter Nicholls a tinta con puntillismo y además se permiten el lujo de grabar largas composiciones. Este “Tales” es un hermoso fresco genesiano que incluso con el paso del tiempo suena precioso. Peter Nicholls emula en directo la cara pintada de Gabriel pero su voz es muy diferente menos oscura y más potente y aguda. No pueden evitar su fuerte influencia, pero aun con todo, la música es muy personal. Tiene su toque de originalidad. Una suite de 20 minutos como “The Last Human Gateway” es inconcebible en 1983. Pero sucede y de que manera. La instrumentación es puramente analógica: mellotron, órgano, moog, string chorus, acústicas etc… La “hackiana” guitarra de Holmes es esplendorosa, las melodías muy acertadas y el ambiente muy sinfónico. 



El disco no tiene desperdicio: “Awake and Nervous” 8 mtos , “The Enemy Smacks” casi 14 mtos etc… una alegoría a las drogas y a la desesperación y miseria urbana  que tanto destrozo humano hicieron en los 80´s. Yo conseguí este disco de propio en un viaje a Barcelona nada más salir recién importado. Ni estaba en las tiendas. Yo tenía ciertos contactos afortunadamente.  Me lo vendieron y no recuerdo el precio (caro supongo) en una distribuidora de importación en un almacén perdido de barriada y me alegró el día. ¡¡¡Que cosas hacíamos de jóvenes y con qué entusiasmo!!!
Alberto Torró




Temas
1.The Last Human Gateway – 19:57
2.Through the Corridors – 2:35
3.Awake and Nervous – 7:45 ❗Put Playback to 0.75 to hear propely!
4.My Baby Treats Me Right 'Cos I'm a Hard Lovin' Man All Night Long – 1:45
5.The Enemy Smacks – 13:49
6.Just Changing Hands – 10:18



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LE ORME - Felona e Sorona (1973)

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No sé si 1973 fue un año mariano glorificado por la santa sede, pero lo que sí es cierto es que fue el año de gloria para la música inteligente y para todo tipo de lanzamientos progresivos y punto álgido del rock sinfónico en todas las producciones. Así fue y así os lo comento para los que todavía no estabais en este peculiar planeta. 


Yo estaba en plena juventud ya pasada la adolescencia y tuve el privilegio de vivirlo. Incluso aquellas joyas se editaban en España en plena decadencia franquista (que es un decir). Y permitidme un desbarre sociológico y aunque estemos hablando de música:  aunque sólo murió el caudillo, hoy tenemos “subcaudillos” y curiosamente y a diferencia de Europa el régimen sigue vivo incapaz de autocrítica  y condena y la democracia es un paripé falso y vergonzoso. Hoy para colmo no solo sufrimos un nacionalismo torero español de banderitas, sino también el de provincias, potenciando el primitivismo catalán absurdo y estelado de tribu amarilla que ha falseado la historia. Todo se ha ido a la mierda y la estupidez y la incultura, más que nunca, incluso se potencian. La nueva izquierda es un fraude y los fachas más fachas que nunca. Lo gracioso y surrealista es que casi había más libertad de expresión entonces en 1973 que hoy y sin duda más respeto. ¿A que jode? 

Afortunadamente para la música no fueron tiempos tan orwellianos  como hoy y ahora y al considerarla “cosa menor” la censura, que no hablaba inglés ni tampoco leía, dejó colarse muchos discos maravillosos con textos y letras que hoy seguramente, porque los malos hoy son más inteligentes y perversos que entonces no os quepa la menor duda, tacharían de ofensivos y probablemente serían pasto judicial y silenciados por atentar contra los principios de una sociedad sana y noble como la que vivimos, pletóricos de alegría. Yo me quejaba de libertades como todos los de mi generación. Ahora que no las hay, casi nadie se queja y los que se quejan son medio tontos. Curiosa paradoja. 


Bueno después de esta reflexión docente por mi parte, este disco de Le Orme supuso una de esas piezas gloriosas de los 70´s. “Felona e Sorona” como otras gemas de la época, pasó completamente desapercibida aun saliendo el mismo año que “Photos Of Ghosts” de la Premiata y teniendo de padrino al inefable de Peter Hammil que escribió las letras para la versión anglosajona. Todo un detalle. La historia futurista de este disco, trata de dos planetas: Felona y Sorona. En uno la alegría y la felicidad reinan y en el otro la tristeza y la oscuridad lo acaparan todo. Estamos claro está, en una típica representación idealista happyflower de la época. Sinceramente no creo en un planeta happy ni por asomo, si lo hay, que lo dudo, será tan borde o más que éste. El mal lo acapara todo porque va intrínseco al racionalismo y a la inteligencia y para un pesimista profesional como yo, todo bien resulta al final en un fraude. Es lo que hay y no me lloren. La fantasía es un bálsamo donde escaparse y todo amante de la música lo sabe. Es todo lo que tenemos. Por eso nos gusta la música.

Este álbum concepto de tan solo 33 mtos se abre con “Sospesi Nell´Incredibile. 8 minutos poco habituales en esta banda. La pieza es de una finura entre oscura y exquisita con mellotrón, órgano y moog mandando con un excelente trabajo del batería Michi dei Rossi bien acoplado con un bajo imaginativo y unas melodías excelsas. Ya no hay referencias a otros grupos, es puro Le Orme encontrando su propio camino y poco tiene que envidiar a sus colegas Banco y Premiata en esta ocasión. Es puro rock sinfónico en su mejor época y Pagliuca se desdobla en un trabajo magistral de teclados, todo hay que decirlo. Es un paso de gigante comparado con “Uomo Di Pezza”. Las melodías “italianas” se suceden en acústicos pasajes de guitarra y la producción y arreglos suenan frescas y hermosas con ese toque folky-clásico identitario de Tagliapietra…”la soledad que protege el mundo”… “el equilibrio”. La composición alterna pasajes instrumentales de piano y moog muy interesantes. Jamás hay agresividad en la voz, es una peculiaridad en toda la discografía del trío y un sello identificativo diferente si comparamos con otros cantantes italianos del movimiento RPI. Los cambios son constantes y se nota que la composición ha sido muy trabajada. 

Hay dos versiones de este disco: La italiana y la inglesa, ni que decir tiene cual es mi preferida, pero ambas son recomendables para entender que Italia debía dar a conocer su música al resto del continente. Felona e Sorona es un clásico del movimiento e imperdonable no tenerlo si te gusta el progresivo italiano.
Alberto Torró



Temas
Sospesi nell'incredibile  –00:00
Felona ("Felona") - 08:41
La solitudine di chi protegge il mondo -10:39
L'equilibrio  - 12:38
Sorona  -16:23
Attesa inerte  - 18:51 
Ritratto di un mattino  -22:16
All'infuori del tempo  -25:45
Ritorno al nulla  - 29:54





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