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DREAMTIME - Strange Pleasures (2016 / TYM) (Ensayos News)

March 5, 2018, 12:00 am
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El hecho de que hasta el panadero de la esquina pueda grabar discos por su cuenta hoy día,  hace que nos encontremos ante una ingente producción discográfica de todo pelaje, y sí,  también de psicodelia, kosmische, kraut y músicas afines. Hay que añadirle el plus de que aunque el grupo esté en un pueblo en el culo del mundo, va a ser conocido a poco que te esfuerzes en buscar mandanga underground. Basta con que esté en la red, y alguien lo va a escuchar, seguro. Así que puedo asegurar que nunca habíamos sido invadidos por tal cantidad de material. Y a la vez su acceso está a un golpe de click de ratón. Ante éste panorama, se puede llegar a la errónea conclusión de que la basura lo invade todo. Pues no es así. Lo anormal es encontrar alguien malo. La media está muy alta, por lo menos en éstas músicas,  aunque siempre te puedes poner tikismikis para hacer una criba necesaria. Y luego están los que destacan claramente de la media. Tanto que te apena no hayan salido en la época dorada, porque con el aluvión diario, pueden perderse en la jungla vinílica.


Es el caso de los australianos Dreamtime.  Los de Brisbane (hablan de toda una escena psicodélica por allí ), presentan aquí su tercer álbum,  tras un homónimo debut de comienzos de década, y "Sun" del 2012. Tras un largo silencio, en Diciembre de 2016 lanzaban "Strange Pleasures", ( en realidad, data del año pasado ).

El álbum, que es doble, ha salido en una tirada de 500 vinilos y una más limitada de 90 cdr,  que dice mucho de como está el patio a nivel formatos. La formación consta de Zal Anderson (guitarras, voz solista), Cat Maddin (bajo, voz solista, theremin), Tara Wardrop (batería y voces) y Fergus Smith (sintetizadores, guiar, shahi baaja,  voces).

Se trata de un complejo concept album descriptivo sobre un fabuloso mundo surrealista que queda bien plasmado en el maravilloso arte de portada, recordando otros tiempos. También la música,  grabada en una vieja mesa analógica,  hace de túnel del tiempo sonoro para nuestro placer.


"Luminous Knight" (7'16) abre la primera cara con fat sounds sintes, poderío percusivo y pulsante bajo, más unas guitarras ácidas dignas del "Ocean" de Eloy. La voz femenina de Cat y la inmensidad analógica lo cubren todo. Muy convincente. 

"Golden Altar" (8'29) comienza con dominio teclistico y coros mellotronicos no alejados de Tangerine Dream en los mediados 70. Puro kraut "psychosinfonico" que pone la máquina del tiempo de nuestra parte. Ash Ra Tempel (hasta con voces a lo Rossi), Mythos, Agitation Free (con musas orientales inclusive) o Amón Düül II, en plena orgía sonora swinger. Ahora canta Zac entre ecos y ritmos tribal-espaciales, y esto parece otro aviso en vano para que Eugenia tenga cuidado con el hacha, que va a ser que no.


En la 2, "River Sprites" (5'33) es un tratado místico -cósmico a dos etereas  voces al estilo de Amon Düül II.

Los efectos anti-gravedad marca Manuel Gottsching nos traen "Fire" (8'52). En otro desarrollo percusivo étnico de ofrenda nativa a cualquier dios de mierda en una aldea perdida de un planeta, vaya usted a saber de qué pliegue espacio-tiempo. El trance psych de Dreamtime es sinceramente místico,  sano, sublime. Esto es música de vibración eterna, que no entiende de pasajeras tendencias chorras. Esto va en serio. Y un nombre actual afín a su estilo , modos y planteamientos, serían Eye. 

Termina la cara con "Ascensión" (6'22), con más misterios de fondo analógico y stoned vocals para subir muy alto y perder de vista a ésta gran bola cada vez menos azul, y más llena de estiércol. La maquinaria ensoñadora de Dreamtime funciona a pleno rendimiento, pudiendo peligrar tu olla, en un viaje sin retorno a la "lucidez" de Syd Barrett, (lo cual sería una suerte).


Para el segundo disco sigue está montaña rusa cósmica densa de cojones, con temas como "The Sentient" (7'52), "Strange Pleasures" (7'59), "Spectral Entropy" (11'22) o "Serpent's Tongue" (6'07), entre otras. Que dan para una tesis doctoral de psiquiatría,  porque aquí hay buen caldo de cultivo (marihuanero). Dreamtime se han marcado una doble obra maestra de kosmische atemporal,  que lo es, habiendo comprobado su peligroso potencial, muy a respetar. Recuerdas el tiempo que tuviste que invertir para asimilar "Yeti" o "Tanz Der Lemminge"? Pues ahora igual.
De verdad, una auténtica maravilla.
J.J. IGLESIAS



1. Luminous Knight 00:00
2. Golden Altar 07:16
3. River Sprites 15:45
4. Fire 21:18
5. Ascension 30:10
6. The Sentient 36:32
7. Strange Pleasures 44:24
8. Celestial Spores 52:23
9. Spectral Entropy 55:19
10. Gamma Globulin 01:06:41
11. Serpent's Tongue 01:10:47





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Lil'ed & The Blues Imperials - Rattleshake 2006

March 6, 2018, 12:01 am
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Teniendo como tío a J.B. Hutto, del que ya comentamos el disco "Live at Shaboo Inn", es imposible no tener alma de blues. Nos ha visitado en diferentes ocasiones, la última fue en el festival de Hondarribia Blues.


Lil 'Ed Williams nació en Chicago en 1955. Se inició en el blues de la mano de su tío J.B. Hutto y junto a su hermanastro James "Pookie" Young formó sus primeros grupos a mediados de los 70.  Tardaron diez años en poder firmar por una discográfica, Alligator Records, y en 1986 editaron su primer disco, "Roughhousin". En 1989 llega el segundo, "Chicken, Gravy and Biscuits",  y tres años más tarde el tercero, "What You See Is What You Get".  Ese mismo año se disuelven la banda y Williams edita dos discos en solitario, "Keep On Walkin '" y "Who's Been Talking".  En 1999 vuelven a la carretera con la edición de "Get Wild". Posteriormente llegarían cuatro discos más. 


Lil'ed & The Blues Imperials nos presenta su sexto disco editado en 2006. Su música es auténtico blues de Chicago con un guitarrista, Lil 'Ed Williams , que algunos han calificado como el Stevie Ray Vaughan negro. Afirmación nada descabellada  si escuchamos temas como "Leaving Here", "Tired Of Crying ","Spend Some Time With Me" o "That's The Truth. Su "puntillo" a lo B.B. King lo tenemos en "You Just Weren't There" o incluso en "Nobody's Fault But My Own". También tenemos cierto ambiente campero en "Tramp On Your Street" y sonoridades a lo Bo Diddley en "Icicles In My Meatloaf". Y sin apenas darte cuenta llegas a su último tema "It's A Beautiful World", nuevamente con sonido SRV. La banda se completa con James "Pookie" Young (bajo), Kelly Littleton (batería), Mike Garrett (guitarra) y Johnny Iguana (piano).
J.C. Miñana


Temas
1Leaving Here3:28
2Tired Of Crying2:45
3Golden Rule3:21
4You Just Weren't There4:25
5Icicles In My Meatloaf4:59
6Broken Promises3:51
7Tramp On Your Street4:10
8Maybe Another Time3:56
9Spend Some Time With Me2:57
10Nobody's Fault But My Own6:50
11You Know You're Wrong3:49
12That's The Truth2:50
13It's A Beautiful World3:05






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SPACE OPERA - Space Opera (1973 / EPIC)

March 7, 2018, 12:03 am
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En los primeros 70 lo progresivo, como ahora, lo invadió todo. Digo "como ahora" más bien con ironía,  porque es la palabreja que, de ser tabú por décadas,  se ha convertido en algo guai,  cool y chachipiruli. Coges el último número de Prog Magazine y te salen comentarios de Wire,  Tears for Fears, XTC, Penguin Café Orchestra, Björk u Operation Mindcrime, Enslaved o cualquier otro metalhead con ínfulas modernas. No amigos, esa palabra merece más respeto que el simple postureo a la que está siendo objeto. Un respeto que en su década de auge, era sagrado. Una banda podría venir de otro ámbito musical, pero si decidía integrar elementos progresivos lo hacía con inmenso cuidado y atención a la respuesta del oyente.


Es el caso de los tejanos Space Opera, formados en 1969 por aquellas secas tierras, pero emigrados a Canadá en los primeros 70. Un cuarteto que ya llevaba su rodaje en los años previos, con formaciones cercanas, incluyendo en una de ellas a T. Bone Burnett. Los definitivos Space Opera fueron Brett Wilson (batería,  percusión), Philip White (bajo, guitarras, teclados, voces), Scott Fraser (guitarras, teclados, voces) y David Bullock (guitarras, flauta, armónica,  voces). Tocan en saraos destacados, como el Texas International Pop Festival, y abren conciertos para Jethro Tull, Jefferson Airplane o The Byrds. Bien elegidos, porque casi podríamos decir que con elementos de esas tres bandas se monta el estilo de Space Opera : Prog, Psych y Folk/Country Rock, (lo de Texas tira, man). Hay que reconocer que había que tenerlos bien puestos para enfrentarse a una tribu de rednecks salvajes tocando música autóctona en mestizaje "con esa cosa rara que no hay quien entienda", en pleno Tejas 70s.....Igual por eso se fueron a Canadá,  quien sabe.

Lo cierto es que su "progresivo de 12 cuerdas", como se denominó,  cayó en gracia en EPIC nada menos. Y no me extraña, porque era simplemente cojonudo. Te pones la primera canción,  "Country Max" , y te deshaces como un helado en agosto en el desierto de los Monegros. Esas armonías vocales que ya no nos dejan en todo el álbum, esa voz solista....si Byrds, y Flying Burrito Brothers, y Gram Parsons, y un feeling por un tubo con calidad burbujeante que no se ve a menudo.

 "Holy River" introduce psych moves sibilinos, como si Bread o Moby Grape estuvieran de jam con Paul Kantner y Jorma Kaukonen. Las voces elevan tu alma con guitarras medium adecuadas para la sesión espiritista. 

"Outlines" podría pasar por Prog británico de la escudería Vértigo. Jade Warrior, Nektar o T2 también se le acercan. Los arreglos son maravillosamente progresivos, es algo que no te esperas, (vale, esto es un brutal spoiler!), pero que queda alucinante. Los sonidos de las guitarras son de lo más peculiar, (Rickenbaker de 12 cuerdas con distorsión? ), para éste menester, y se entrecruzan en una maraña barroca preciosa. 


Termina la cara con "Guitar Suite" (7'36), con campestres acústicas,  voces de otro mundo (mejor), y la certeza de que estamos ante algo colosal. Batdorf & Rodney, Almendra, McDonald & Giles, Yes y Firefall en la coctelera. .....respira, que queda el otro lado.

"My Telephone Artist (Has Come and Gone)" cruza genes de la ELO antes de ser radiables,  con Klaatu (ilustres canadienses de similar factura). 

Intro estupenda a la Steve Howe nos trae "Riddle", instrumental con armónica y bajo dominante, es como si Steve Hackett (gran armonicista!) se marcará una jam con los Yes del "The Yes Album". El virus prog, que todo lo invade, los ha consumido totalmente. Porque su enlace con "Prelude # 4" , con los mismos derroteros instrumentales, convierten éste artefacto en algo serio y un "pequeño secreto" dentro del género. Sus finales efectos al revés los aleja de propuestas rurales facilonas. Había una clara ambición experimental en ésta banda. Que convive con sus raices iniciales folk. 

Como en "Lookout", "Blue Ridge Mountains" y "Over and Over" (6'00), que consiguen crear un clima Byrds como base a logros progresivos absolutamente personales y pocas veces oídos. Ésta última canción es otra filigrana guitarrera llena de ácida progdelia y voces ilimitadas, hacia un crescendo de orgasmico clímax sin fín. Fuera de serie.


......Y aún así,  el disco tuvo pocas ventas y el consiguiente desinterés del sello. La separación llegaría a finales de década,  pero no su amistad, pues siguieron tocando juntos en años posteriores. Con material sobrante se editó en el 2001, "Space Opera II". Y en el 2010 "Safe at Home", abarcando demos pre y post debut, (70 - 71) y (75 - 78), de inmenso interés también. Su batería,  Brett Wilson, es el único miembro vivo de Space Opera, con lo que resulta imposible reconstruir su original sonido. Algo que no hace más que acrecentar la leyenda de ésta fabulosa banda.
J.J. IGLESIAS



Temas
1Country Max3:20
2Holy River5:26
3Outlines4:10
4Guitar Suite7:36
5My Telephone Artist (Has Come And Gone)3:46
6Riddle3:05
7Prelude No. 43:52
8Lookout2:46
9Blue Ridge Mountains2:11
10Over And Over5:56



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MAGMA - Merci (1984)

March 8, 2018, 12:00 am
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Bueno los 80´s para Magma no daban mucho más de sí, sin embargo, en 1984 aún tuvieron valor de meterse en el estudio para grabar ese canto del cisne que es “Merci”. Un disco éste que quizás no debió de ser y para colmo es el peor valorado de toda su discografía. 



Pero permitidme ser benévolo con ellos. Supongamos que esta grabación no es Magma, tan solo un grupo francés de fusión de la época y os garantizo que es más que probable que el trabajo tendría una valoración más positiva. El listón de Vander y su música kobaiana estaba al alcance de ellos solos. El problema de hacer una música de máximos, es que cualquier cosa que esté por debajo de nuestras expectativas, va a ser duramente condenada y criticada. Es cierto que la mayoría de bandas progresivas en activo, pero en la UCI (Unidad de Cuidados Intensivos para los que sois de otros lares geográficos), por no decir todas de esa época, hicieron caca de la vaca: Génesis, Yes, Jethro Tull, Camel, Pink Floyd, Oldfield y un largo etc… Nadie se salvó de hacer música mediocre incluso mala. Los Crimson intentaron hacer un remedo a lo Talking Heads, reconozco que con cierta clase y para los que tuvimos que sufrir en aquella década de mierda, aprobaron justito. Los Marillion, IQ, Pallas, Pendragon, The Enid y hasta Rush, nos ayudaron bastante a los progresivos. Nos dieron algo de esperanza de que no todo estaba perdido. Claro que el nivel no era el mismo que el de los 70´s, pero al menos, aunque estrecha y limitada, nos daban una salida.

 En lo que respecta a Magma, su orientación estaba perdida en unos tiempos que no les correspondían. Christian Vander paró a tiempo de no seguir cagándola porque su música ya no era factible en ese momento. El optó por continuar en otras formaciones más afines al jazz y a su querido John Coltrane como en el caso de Offering o en cuartetos y tríos que el mismo formaba para tocar en directo la música que en esencia amaba. Hacía falta cojones a mediados de los 80´s para hacer música de calidad y no comerte un rosco en términos económicos. Todos pasamos por ello. Y en ese sentido ya no habría vuelta atrás en las siguientes décadas: si quieres vivir de la música haz mierda y entra en el negocio del mainstrean y la superficialidad de luxe, o por el contrario olvídate y dedícate al onanismo ilustrado.



 “Merci” tiene su cosa, entre lo encantador y lo vulgar. Yo personalmente disfruto con este disco, pero como decimos en España…”no le pidas peras al olmo”. No trasciendas lo intrascendente. Pinchas “Call from the dark” y te preguntas si estás oyendo a Earth Wind & Fire… coño!! Pero está muy bien hecho con excelentes voces y buen feeling. Quita de tu mente a los monstruitos kobaianos y tómate un cubata con luz de neón.  Igual hasta ligas con una buenorra ricitos morenaza y maciza como diría el inigualable Forges que recientemente en paz descanse. Nos vamos muriendo, ¡¡esto es estupendo!!. “Otis”… ahhh!!!... el bueno de Otis Redding en una emotiva canción en su recuerdo. Vander se entrega emocionalmente en esta pieza y no tengo nada que objetarle. Yo también lo haría. Acordes bonitos de séptimas y voces tiernas. Disfrútala que lo merece y tú también. 

“Do The Music”…marcianada soul inclasificable y divertida y no te comas el tarro. “I Must return”…Magma han cruzado el charco hacia Harlem y el soul..cielos!!! Blood Sweat and Tears…?... es posible…?...sí, pero prejuicios fuera. 



“Eliphas Levi” la mejor pieza del disco es Magma, pero otro Magma que roza la ternura. Es una pieza preciosa de 11 mtos que solo por ella debes tener este disco. Intemporal. Algo que apela a tu espíritu infantil y puro. Yo así lo siento. El piano soñador… las voces que se balancean…hay paz en tu mente. Casi un cuento maravilloso. Pero el título…?... una paradoja que parece el nombre de un judío de la lista de Schindler…y si habéis visto la película, me recuerda a la niña del abrigo rojo, ausente del horror y de triste final. Uffff!!!...polémica vanderiana ideológica servida. ¿Tengo la mente retorcida o son imaginaciones…? Probablemente. Confío en la buena voluntad de esta bonita composición y en su mensaje de amor.  Pero… el concepto del bien y el mal de algunos me producen escalofríos y la mente extraña de Vander, todavía más. “La noche en que murieron”… extraña y breve balada que acompaña a la anterior. Espero que la elegía de la bondad triunfe y que no tengamos que llorar el mañana (Epitaph).

La historia de Magma tardaría 15 años en reaparecer. Hasta su resurrección próxima al siglo XXI.
Alberto Torró




Temas
 1:  "Call from the Dark (Ooh Ooh Baby)" - (Christian Vander / Julie & Ricky Dassin) 0:00
  2:  "Otis" - 7:14
    "Do the Music" -  12:36
    "Otis (Ending)" -  16:58
    "I Must Return" - (Christian Vander / Julie & Ricky Dassin) 18:55
    "Eliphas Levi" -  (René Garber) 25:43
    "The Night We Died" - 36:36







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BANCO DEL MUTUO SOCCORSO - Come In Un´Ultima cena 1976

March 8, 2018, 11:59 pm
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A diferencia del resto de Europa, países mediterráneos como España e Italia son la cuna del catolicismo, donde los términos laico y aconfesional, suenan a chiste. Hoy aquí es peor todavía. Porque la libertad de expresión se reduce a decir y escribir lo que quieren los gobiernos y los poderes públicos, sin salirte del guion. ¡Ojo! ofendas a las sacrosantas instituciones y sentimientos y creencias varias, o menciones a la madre de alguno, porque aquí en España, vas al trullo sin despeinarte y estamos en 2018. Aunque parezca increíble ya en el siglo XXI todo lo conseguido antaño se ha jodido: las libertades están mermadas, la esclavitud tecnológica y el control que nos ejercen, nos vuelve idiotas, la burla económica a los pensionistas, jóvenes y trabajadores se hace con alegría y desparpajo, y para colmo una censura en alza cada vez más retrógrada, prefiguran a la negra y “nueva” España del futuro. Y que dios nos asista. Casi mejor morirse (la única liberación, en serio) o no nacer, un lujo ante lo que se nos viene encima, porque en la vida real siempre ganan los malos y los que vienen son peor incluso. Cada vez hay más. Y así ha sido eternamente y no hay mesías, ni humorista que nos salve.                                                                       
                                                                                    
 No voy a decir nada de por qué Banco grabó un disco sobre la Crucifixión de Cristo, pero si es cierto que otras bandas italianas de la época tomaban temas bíblicos y religiosos en sus discos progresivos. Está impreso en la cultura mediterránea y en las costumbres. Como buen aséptico y librepensador que soy, la temática religiosa me es completamente indiferente y a la música me referiré que es lo que interesa.

Tras la experiencia de un álbum instrumental de ese mismo año, la Manticore Records vuelve a lanzar un álbum clásico de Banco. Lo hace en dos formatos: el original y la versión internacional en inglés. Bien. No vamos a esperar una continuación de su excelsa trilogía inicial, pero el trabajo mantiene una dignidad y un buen hacer propio de la banda. Francesco vuelve a cantar emotivamente, en unas piezas que se van acercando más al formato canción que a los largos desarrollos instrumentales de tan solo un par de años atrás. Ciertamente la banda ya no te levanta del asiento con las “metamorfosi” o las “conquistas erectas”. 


El disco comienza pausadamente con ecos de música dramática y estructuras rock de ramalazo escénico de opereta y trazos clasicistas del inconfundible piano de los Nocenzi. No tiene la fuerza de antaño cosa que “Il Ragno” apaña con cierto vigor en un número muy sonido Banco del R.I.P. Esta pieza sería muy recurrente en el directo a partir de ahora. Hay lagunas blanditas como “E cosi buono Giovanni” bonita melodía en la voz de Francesco completamente inofensiva y proclive a la siesta estival. “Slogam” es más oscura, los del tabernáculo judío conspirando contra su salvador y rompiéndose las vestiduras (¿digo yo?). La pieza está bien y tiene sus cambios adecuados. Se huele la traición de Judas “progresivamente” mientras hay buenos pasajes de hammond organ. Las piezas se suceden en un ambiente agradecido: “Si dice che il Delfine parlino” suena violín incluso. Breves partes instrumentales de prog emersoniano se suceden, pero uno que es de “amplio espectro musical” pide más desarrollo. Algo a trompicones pero sugerente, anima este disco un tanto “raro” e indefinido. “La notte e´piena” y “Fino a la mia porta” determinan un álbum “molto particolare” como dirían ellos, a veces en un recogimiento folky renacentista de tenues pinceladas. 

El swing final sinfónico de “Fino a la mia porta” es el final típico de Banco de balada épica. Nunca he visto este vinilo y si te digo la verdad, el resto de LP´s de Banco no se ven mucho. Pero si tienes que elegir entre las dos versiones quédate con la italiana a no ser que seas alérgico a la lengua de Dante Alighieri.
Alberto Torró



Temas
.....A Cena, Per Esempio 
Il Ragno 
È Così Buono Giovanni, Ma... 
Slogan 
Si Dice Che I Delfini Parlino 
Voilà Mida (Il Guaritore) 
Quando La Buona Gente Dice 
La Notte È Piena 
Fino Alla Mia Porta





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WITCHTOWER - Hammer of Witches ( 2016 / EVERTHINK METAL) (Rockliquias Bandas)

March 9, 2018, 11:57 pm
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Qué pocos son los románticos que hayan querido preservar la llama del heavy metal puro, ese que surgiera en los primeros 80. Aquél movimiento "plurinacional", que tomaba esencias de todo aparecido en la recién fallecida década setentera. Desarrollando una nueva forma de entender el rock duro. Salió de Inglaterra y se le conoce como New Wave of British Heavy Metal (NWOBHM). Y lo demás es historia. Hoy es un género en sí mismo. Pero lo que pudiera parecer a priori fácil y no muy complicado de recrear, se convierte en un peliagudo asunto si a fidelidad de sonido y procederes  instrumentales nos referimos. No cualquier banda actual consigue sonar a aquello. Y menos aún que sea creíble,  fidedigno, ágil,  de calidad superlativa. Witchtower son ese grupo.


 Y no vienen de Manchester ni Birmingham,  que lo hacen desde Jaén. Desde comienzos de ésta década,  Víctor M. De La Chica (voz solista y guitarra) tuvo una visión : crear una auténtica formación NWOBHM. Sin colorantes ni conservantes. Junto a Miguel Ortega (guitarra), Juan Carlos Sánchez (bajo) y Edu (batería ) forman hoy la banda. Que cuentan con el debut-EP "Return to the Witche's Castle" (2013) y "Witchtower" (2014) como inmejorable presentación hacia unos esquemas sinceros, reales y vividos / sufridos desde lo más profundo. Dos piezas que merecerían también, por derecho, su artículo propio.

Así llega en 2016 "Hammer of Witches", intentando mantener el alto nivel de lo ya grabado. Y la verdad, el grupo sigue subiendo como la gaseosa agitada. Esto hay que oírlo para creerlo. 


La inicial "Salem Witch Trials" nos lleva directamente a los cutres e ilusionantes  clubs metal de la Inglaterra de la "Dama de Hierro", y me estoy refiriendo a la arpía política, no a los otros. Esos luego. Garitos donde la música de fondo eran singles, demos o los más afortunados, EPs o álbumes independientes. Pinchados por Tommy Vance en el "Friday Rock Show" de la BBC los viernes por la noche, ( un servidor conseguía el contacto con mucho esfuerzo, a través de la onda larga, llena de interferencias marcianas, qué tiempos). O por el gurú de la movida, Neal Kay. Witchtower suenan tan bien (o mejor) que aquellos grupos. Ángel Witch, Persian Risk, Diamond Head.....mucho antes de que vinieran Metallica a "descubrir la rueda".....para pincharla.

"Fast Broomsticks" lleva el boogie hard de Spider, Dedringer o Starfighters en sus venas. El ejercicio retro no suena para nada forzado. Es tan natural como su frontman,  un tio con aspecto de salir del Marquee en 1980 después de ver y sudar a unos desconocidos chavales llamados Iron Maiden. Una marcada influencia de la banda es la primera época, los dos primeros discos con Di'Anno. Y en "Better Run" tenemos un buen exponente. La voz de Víctor es segura, agresiva si procede y llena de matices. Las guitarras se complementan con inquebrantable solidez, y la sección de ritmo es sencillamente increíble. Cambios inesperados y la sorpresa a la vuelta de la esquina, son marca registrada aquí. Como cuando Maiden auguraban en su día la explosión del metal-prog, (no, no fue cosa de Dream Theater, por más que me gusten). 


"Spiritual Love" es en ese sentido, un claro homenaje a los Rush de mediados 70. Material épico lleno de imaginación,  acústicas zeppelinas y sabor a clásico instantáneo. Éste tema me encanta.

Ya a mitad de disco, "November of 1786" trata de contarnos cosas distintas, bajo un fresco arrope instrumental que a Steve Harris le encantaría.  También a los Priest del "British Steel". "Darkest Hour" tiene la incontinente urgencia casi punk de las bandas primigenias ochenteras. "Black Cauldron" rezuma elegancia Sabbath, acogiendo lo más atípico de su sonido. 

Y finalmente "Acid Witch (Forever Buen in Hell)", que viene encadenada a la anterior, desarrolla pasajes progresivos de intensa carga emocional. En un instrumental maidenesco inteligente y cinemático. 


"Hammer of Witches" es la máquina del tiempo NWOBHM mejor construida en los últimos 30 años. Y Witchtower son lo mejor que le ha pasado al maltrecho "heavy nacional" en décadas. Y esto lo digo sin tener que meditarlo demasiado. Enormes, éstas brujas.
J.J. IGLESIAS



Temas
1. Salem Witch Trials 2. Fast Broomsticks 3. Better Run 4. Spiritual Love 5. November of 1786 6. Darkest Hour 7. Black Cauldron 8. Acid Witch (Forever Burn in Hell)

Contacto:





P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70


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ELF - Live at The Bank, Cortland 1972 - 1973 (Ronnie James Dio)

March 11, 2018, 12:40 am
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Cuenta la leyenda que el joven Ronald James Padavona, alias Ronnie James Dio, veía a su abuela realizar ciertos gestos con la mano para ahuyentar al diablo. Años más tarde esos cuernos se convertirían en todo un símbolo en el rock. No fue el primero, en una portada del grupo Coven (1969) ya aparecían dos de sus miembros con las manos en esa posición, pero como él mismo decía lo perfeccionó y popularizó.


  Ronnie James Dio comenzó a dar sus primeros pasos musicales en 1957 con el grupo The Vegas King, en aquel momento Ronnie tocaba el bajo. Cambiaron en varias ocasiones de denominación y editaron varios singles. En 67 adoptan el nombre de The Electric Elves y al año siguiente tienen un grave accidente automovilístico ocasionando la muerte de su guitarrista Nick Pantas. Acortan el nombre a The Elves con el que seguirían hasta 1972 y graban su primer disco como ELF con la producción de Roger Glober e Ian Paice realizando varias actuaciones como teloneros de los Deep Purple. En el 74 llegaría "Carolina County Ball " y un año más tarde "Trying to Burn the Sun". A principios del 75 Ritchie Blackmore ficha a tres de los miembros de ELF (Dio, Gary Driscoll, Craig Gruber) para formar Rainbow.


La primera grabación corresponde a la actuación de The Elves/ELF ( no tengo muy claro si ya se había producido el cambio de nombre) en Enero de 1972 en el The Bank de Cortland, Nueva York. En el "setlist" tenemos gran cantidad de covers: Crosseyed Mary (Jethro Tull), Stay With Me (Faces), Black Dog (Led Zeppelin), Four Day Creep (Humble Pie), Aqualung (Jethro Tull), Won't Get Fooled Again/Baba O'Riley Medley (The Who),  You Shook Me (Led Zeppelin) y War Pigs (Black Sabbath). La banda estaba formada por Ronnie James Dio (voz, bajo), Dave Feinstein (guitarra),  Mickey Lee Soule (teclados) y Gary Driscoll (batería). Sonido aceptable para un documento histórico

El segundo aporte pertenece al concierto de ELF en 1973 nuevamente en The Bank. en concreto el 10 de Junio. En Agosto de 1972 habían editado su primer disco por ello el "setlist" está compuesto por temas de esa primera producción. También tenemos versiones:  Stay With Me (The Faces), Stone Cold Fever (Humble Pie), Going Down (D. Nix)  y Little Queenie (Chuck Berry). Buen rock con algo de blues y sobre todo una banda más madura con un gran Dio y un Dave Feinstein que se sale con sus buenos riffs. Gran sonido.
J.C. Miñana




Temas
Disc one, 61:55

1972 Studio demos, 23:53

Wake Up Sunshine
Smile For Me Lady
Rosemarie
You Felt The Same Way
Driftin'
Saturday Night
Live at The Bank 1972, 38:02

Cross-Eyed Mary Jethro Tull cover
Stay With Me Faces cover
Medley: Little Queenie / Johnny B Goode / Whole Lotta Shakin' Goin' On
An Old Raincoat Won't Ever Let You Down Rod Stewart cover
Cold Ramona
Black Dog Led Zeppelin cover
Lura Lura
Four Day Creep
Disc two, 62:52
Give Me A Chance
Rumble
Aqualung Jethro Tull cover
Drown Me In The River
Simple Man
Medley: Won't Get Fooled Again / Baba O'Riley The Who covers
Pisces Apple Lady
Dirty Dollar Bill
Buckingham Blues
So Long
Medley: You Shook Me Willie Dixon/Led Zeppelin cover / Rock's Boogie
War Pigs Black Sabbath cover



Temas
101. First Avenue
102. Sit Down Honey (Everything Will Be Alright)
103. Dixie Lee Junction
104. Stay With Me
105. I Want You To Love Me
106. I’m Coming Back For You
107. Love Me Like A Woman
108. Nevermore
109. Don’t Waste A Minute Of Time
110. Old Stone Cold Fever
111. Streetwalker

201. Hoochie Koochie Lady
202. Rockin’ Chair Rock N’ Roll Blues
203. Goin’ Down
204. Drum Solo
205. Gambler Gambler
206. Guitar Solo
207. Do The Same Thing
208. Little Queenie




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WOODSPLITTER - Journey Into Krautrock" (2017 / W) (Ensayos News)

March 12, 2018, 12:57 am
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Pues con éste explícito título traemos por aquí a los norteamericanos Woodsplitter. Proyecto del multiinstrumentista Ben McLeod, afincado en Nashville (kountry-krautie?....). Y guitarrista de los excelentes stoner psychers, All Them Witches.


Desde el 2016 lleva con éste proyecto paralelo McLeod, y la verdad es que no ha parado. Porque este es su quinto trabajo ya. Ben se encarga aquí de guitarras, bajos y batería.  Ayudado por Witties Villa en la batería y guitarra.  Entre los dos se marcan un hábitat kraut de retro-inspirados momentos y sensaciones.

Se advierte en cuanto pinchamos "Song for Driving" (5'56), que quizá sea un homenaje a "Autobahn". Aunque su motorik ritmo galore y maneras minimalistas bajo-guitarra los acercan más a los primeros Neu!. Ácida electricidad serpenteante en simbiosis con el pulpo-metronomo percusivo.  Muy saludable píldora. 

"Green" (5'00) comienza como un desquiciado loop bajo-batería en repetición constante, hasta que deciden arrancar con finísima guitar old style  a la Michael Karoli o John Cipollina.

"Dose" (7'28) no abandona el característico "machakon - motorik", que hipnotiza y te deja con cara de zombie ido. Música perfecta para una cadena de montaje, o para estar ocho horas en una prensa haciendo los mismos maquinales movimientos......En tiempos me tocó la experiencia, y juro que salía de la fábrica colocado como si me hubiera fumado veinte porracos XXL. El trabajo, esa cosa "tan saludable". Éste tema, de orientación Can, sería la banda sonora perfecta para ese tipo de jornada laboral. 

La repetición como expresión. Y aún así,  esto suena fluido, y te entra estupendamente. Es el caso de "Fat Head" (5"26), con efectos de guitarra de necesaria pedalera para suplir a los inexistentes teclados. Bien elegidos y condimentados en sincero viaje astral al pasado kraut alemán de sótano húmedo y humareda cannabica. 

"Edmond's Dream" (4'40) elige nuevamente las minimales filigranas a lo Michael Rother para desarrollar su "swirl" discurso kaleidoscopico. Volados sí,  pero con todo muy bien estudiado. Repito que nunca acabaré de asombrarme, si me dicen en 1978 que escucharía puro kraut rock de Nashville en el 2018. Las carcajadas hubieran sido estruendosas. Pero mira tú,  puede ser un signo positivo del futuro actual.

"Sho Gry" (5'11) continúa la psico-hiperactividad mental al pasado,  con maquinales riffs y ritmos cuasi industriales, sonidos al revés y más bizarre vibes. 

Finalizando con "Song for Flying" (10'23), aquí el ácido eléctrico recupera algo de All Them Witches, reconvertido en hipnotismo repetitivo en lenta metamorfosis, para estar con todos los sentidos bien atentos.......o dejándose llevar a los universos paralelos que Woodsplitter tenga a bien abandonarnos. Aquí los Kraftwerk de mediados 70 son una excelente musa para las experimentaciones del dúo.  Siendo uno de los cortes más sobresalientes, no cuesta mucho apreciar que en las distancias largas es donde mejor se expresan éstos pilotos cósmicos. Y que la acotación temporal no ayuda a su música expansiva. Dicho de otro modo, si se olvidan de minutajes de 5 mts y se sueltan la melena, su mantra sonoro lo agradecerá enormemente. En cualquier caso, es un disco muy disfrutable.
J. J. IGLESIAS



Temas
1. Song For Driving 00:00
2. Green 5:56
3. Dose 10:57
4. Fat Head 18:25
5. Edmond's Dream 23:52
6. Sho Gry 28:32
7. Song For Flying 33:44






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Virgil & The Accelerators ‎– Live At Marshall 2013

March 13, 2018, 1:05 am
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Virgil McMahon está considerado como uno de los guitarristas más prometedores de la escena británica. En 2013 obtuvo el premio al mejor guitarrista europeo en los European Blues Awards. Toda una realidad guitarrera.


Virgil McMahon nació en Johannesburgo en 1991. Recibió clases de su padre, guitarrista profesional, a la tierna edad de cuatro años.  A los once años tienen que emigrar a Gales y posteriormente a Birmingham. En 2006 se une a la banda de su padre, The Accelerators. El paso siguiente es formar su propia banda junto a su hermano Gabriel (batería) y el bajista  Jack Timmis. En 2011 llega su primer disco, "The Radium", calificado por la revista Classic Rock Magazine como mejor álbum de blues de 2011. Su segunda producción es un directo grabado en 2013, Live at Marshall" y en 2014 editan "Army of Three" producido por Chris Tsangarides (Thin Lizzy, Black Sabbath, Gary Moore, Judas Priest, etc).


Segundo disco de Virgil & the Accelerators grabado en la factoría de amplificadores Marshall de Londres con un aforo reducido de 300 personal. El "setlist" está compuesto por gran parte de los temas de su primer disco, "The Radium", completado con notables versiones del "Chameleon" de Herbie Hancok, "Scuttle Buttin" de Stevie Ray Vaughan y "Dont Shake My Hand" de The Hoax,  más de trece minutos donde Virgil muestra toda su artillería blusera. La banda combina a la perfección su parte hard rockera, "Working Man", "Badgirl" o "Lowdown & Dirty..2, con la parte mas blusera, "What? Am I To Do" o "Dont Shake My Hand". El show finaliza con una gran instrumental, "Silver Giver". grandes riffs en un ambiente relajado. Hay una versión en DVD que incluye  versiones del "Are You Experience" (Hendrix) y del "Bullet In The Head" (Rage Against The Machine).
J.C. Miñana







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VVLVA - Path of Virtue ( 2018 / WORLD IN SOUND)

March 14, 2018, 1:01 am
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Me invade una alegría mariana cada vez que descubro un debut de una joven banda que suena de ésta índole. Significa que no todo está perdido. Que todavía nacen personitas con buen gusto que no están dispuestos a que ésta rica herencia se pierda en el olvido.


En realidad, los alemanes Vviva no son nuevos. Provienen de las cenizas de Orcus Chyide, (con un recomendable psych album del 2012). Ahora son Vviva, y lo forman Tobias Ritter (voz), Philipp Muschal (guitarras), Dr. Michael Hock (bajo), Johannes Seidel (batería) y Christian Karl (teclados).

Recién editado éste Febrero, "Path of Virtue" es una pequeña alegría para los que indagamos constantemente en el patrimonio underground progresivo. Porque  Vviva  son psych rock,  pero sus tendencias proggy enriquecen las pretensiones de la banda al doble. Ya lo avisa claramente su magnífica portada al estilo de multi-pastas del género. Y sin ir más lejos, la intro clásica de órgano en la inicial "Black Sands" (7'30) nos lleva directamente a Ekseption o Trace. Cuando entran como un ciclón toda la banda, esto es glorioso progressive heavy psych alemán de dorada edición facsímil. Y como sus antepasados, Uriah Heep de primeros 70 también es un patrón estilístico a seguir. O Deep Purple, si nos atenemos al visceral comienzo de "Motel Floor" (5'18). Y su destripante desarrollo, con persistente Hammond y wah wah guitar totalmente made in Mick Box. Más un acorazado ritmo y un cantante destacando en tesituras blues hard fever. Esto es muy bueno, feligreses rockliquianos,  una recreación sincera al minucioso detalle. Que te lo crees, vaya. 


"Cause & Effect" (4'30) psico-analiza un corte hard classic a la Lucifer's Friend, (o sus múltiples derivados : Electric Food, Astérix, Hell Preaches Inc o Bokaj Retsiem).

La avalancha de "Dieb der Seelen" tiene un símil con el "Detroit Rock City" besucon, que pronto muta en algo más melodicamente sinuoso. Con el Hammond + Leslie mandando órdenes de batalla al resto de instrumentos, en una contienda encarnizada de buen prog que agradaría a Fuzzy Duck o Bodkin. Dando la vuelta a la vinilica tortilla, en "Cryptic Faith" (7'22) la maquinaria retro  funciona bien engrasada. Ya no sé si deberíamos hablar de sonido 70s, o del 10s revival,  por la buena acogida a ésta música que en la actualidad profesan jóvenes aficionados. Lo cual es esperanzador, qué diablos. Porque esto podría estar en un disco de Virus, Twogether, Murphy Blend o 2066 & Then. Pero son Vviva en el 2018, y me entusiasmo. 


En "Adam's Owe" (3'04) la exposición lisergica suena a la par viejuna o a la última,  viendo el resurgir exitoso de combos como Wolfmother (en éste corte hay influencia).

La elegancia ante todo, y "Path of Virtue" (6'05) da su nombre al disco con razones de peso. Trotones ritmos pesados sobre voladoras alfombras de Hammond, con guitarras respondonas y chulescas. Como es de rigor y necesidad. Finalizamos ésta andanada de adrenalina ininterrumpida con "Second Voice" (6'38) y un delicioso sabor stoniano cerca del "Exile on Main Street". Feeling y dedicación absoluta para preservar la mejor "música clásica" (y culta, porqué no), de los últimos años. Los identifico a la par que nuestros Hard Days.


Estos alemanes han sacudido los cimientos del aburrimiento con uno de los discos del año. Estaremos atentos a sus movimientos, y mientras tanto,  que VVIVAn sus cojones!!!
J.J. IGLESIAS 




Temas
1.  Black Sands - 0:00
2.  Motel Floor - 7:31
3.  Cause and Effect - 12:40
4.  Dieb der Seelen - 16:33
5.  Cryptic Faith - 20:55
6.  Adam's Owe - 27:34
7.  Path of Virtue - 30:38
8.  Second Voice - 36:02




P.D.: Hoy Rockliquias cumple cinco años. Queremos dar las gracias a todos los que nos siguen, con vuestro apoyo seguiremos cinco años más. 


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MAGMA: - Theusz Hamtaahk (Trilogie au Trianon) 2001

March 15, 2018, 1:07 am
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Cuando el olvido de una banda mítica ya era patente y Francia parecía haber archivado para la historia una de sus mejores creaciones musicales surge el imprevisto. Lo que nadie esperaba después de tantos años de silencio. Bien es cierto que Christian Vander y su gente a partir de 1998 se estaban reagrupando como “Les Voix Du Magma” y podéis encontrar alguna grabación al respecto.


 Conmemorando los 30 años de la banda, Vander decide hacerlo de forma grandiosa y épica. Nada menos que la primera trilogía, la gran sinfonía de “Theusz Hamtaahk” y sus tres movimientos: el homónimo “Theusz…”, como primera parte, Wurdah Itak como segundo movimiento y la gran “Mekanik Destruktïw Kommandöh”. El evento se grabó en vivo en el 2000 en la sala Trianon de parís. Un teatro para una capacidad de 1.100 personas aproximadamente y con una excelente acústica. Tanto esta sala como Le Tritón serían los centros de reunión en los conciertos de Magma para los nuevos tiempos. Un programa de más de 130 mtos de música mágica completamente reestructurada para la ocasión y gozando de las nuevas tecnologías de grabación. Un regalo indiscutible para los amantes del Zeuhl, reinventándose en una música que en palabras del propio Vander “es eterna”. ¡Ahí es nada!.

Cualquier adjetivo que se me ocurra o se os ocurra a los amantes de esta especialidad tan particular y exclusiva en música está de sobra. No es necesario. El formato es un DVD con la filmación histórica, pero se puede conseguir el audio solamente que es lo que a mí me interesa. En mi opinión un tanto particular es cierto, cuando ves la imagen de los músicos, pierdes cierta atención en el sonido. Yo prefiero oír que ver, y sé que me entendéis lo que quiero decir. Puedes ver a una orquesta en directo tocando una sinfonía, pero yo prefiero “imaginarme esa sinfonía” porque el sonido está en otra dimensión que la imagen despista y aleja la atención real. Es un concepto inverso a una banda de Rock & Roll. Donde ahí sí que la imagen potencia lo que en esencia es una música compositivamente más pobre y convencional. No mal interpretéis mis palabras yo he visto cientos de conciertos y he disfrutado con ellos, pero en el caso de las músicas complejas solo la dimensión de lo abstracto y la imaginación del sonido puro, pueden producirnos el verdadero disfrute del arte más grande que existe. Para eso se hizo la música “para oírla” no “verla”.


El despliegue de personal que presentó esta magnificencia llega a los 14 componentes, sección de viento incluida y miembros de Magma de diferentes épocas. El sonido algo más oscuro de antaño de estas composiciones clásicas, se nos presentan ahora con una claridad y perfección de ejecución intachables. Para mí es música clásica moderna sin ninguna duda. Traspasará el tiempo y las décadas porque es música “de verdad”. A veces no es fácil distinguir lo que es música eterna y música de su tiempo. La música de Magma no tiene tiempo y está hecha para perdurar, como la de Stravinsky, Bartok, Mahler, Copland o Prokofiev. Es exactamente lo mismo. Yo no hago distinciones en este respecto. Ya veremos quien escucha a otros “consagrados” prog modernos dentro de cincuenta o cien años. Aunque también es probable que la música esté prohibida para entonces, lo que no me resultaría extraño dada la involución del mundo hacia la estupidez absoluta, las creencias subnormales y el control totalitario que espera a las nuevas generaciones.
Mientras puedas extasíate con esta música magnífica, a veces despiadadamente hermosa y sublime y no pienses en el futuro. Un futuro que para los que tenemos unos años y el privilegio de lo maravilloso, no nos corresponde. La nada será un bálsamo y espero que los budistas no tengan razón y no nos reencarnemos en nada. Vaya putada
Alberto Torró










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BANCO DEL MUTUO SOCCORSO - Di terra (1978)

March 16, 2018, 12:52 am
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La banda ya notaba que los tiempos estaban cambiando hacia otros derroteros, pero aun así tuvieron el valor de lanzar otro disco completamente instrumental y muy sorprendente para ese año “puente” de 1978 hacia el desastre musical que se avecinaba.


 “Di Terra” es un álbum completamente clásico en términos de composición. Han empleado una orquesta sinfónica para la ocasión: la “Orquesta dell´Unione Musicisti di Roma” sobre composiciones del propio Vittorio Nocenzi. Lo que caracterizó a Banco en sus tres y muy progresivos discos, ya ha desaparecido completamente. Como pudo en tan poco tiempo suceder un cambio tan rápido en la música en términos generales es casi una locura incomprensible. La música imaginativa del 70 al 75 y la decadencia en picado del 76 al 80. Las décadas posteriores no fueron tan drásticas y amargas. Y… sí, en este disco nos encontramos con música muy elaborada, agradable y de calidad, con un buen equilibrio entre orquestación y grupo que asume un buen recurso de formas musicales y muy próxima a estilos modernistas de la primera mitad del siglo XX. La aproximación con las obras más clásicas de Keith Emerson de ese período es más que evidente y su correlación con el jazz “sinfónico” a lo Zappa no es nada desdeñable. 

“Di terra” no es un disco muy conocido yo diría que es un buen acompañante de “Garofano Rosso” aunque la música en este caso tiende a una mayor complejidad. Un disco fuera de tiempo y lugar que gana con múltiples escuchas. El rock progresivo que estaba herido de muerte en 1978 lucha a contra-reloj por demostrar sus excelencias y ciertamente, si este trabajo se hubiese publicado a principios de los 70´s su valoración y repercusión habría sido mayor. Stravinsky y Prokofiev son honrados en una partitura que les debe mucho. Banco son músicos muy cualificados y sus formas musicales a partir de 1975 están más próximas a lo que hoy se denomina “prog ecléctico”. Es decir, ampliación de recursos y formas musicales completamente libres de encasillamientos, pero exentas de aquella originalidad inicial. Siete cortes se enlazan en una obra muy equilibrada y rica en matices.


 Es un disco mucho más próximo a los amantes de la música clásica moderna que al rock sinfónico. No hay rock aquí si lo preguntáis. Y si lo miráis fríamente, incluso “rock” y “sinfónico” son en realidad términos antagónicos. ¿Qué curioso verdad…?. Pero inventamos esa etiqueta que hemos hecho propia y registrado oficialmente y con ella nos entendemos mejor en el ámbito de este arte que nos ocupa y concierne. Es más natural mezclar jazz y sinfónico que rock y sinfónico. El metal prog actual es revelador de mezclas antinaturales de pesada digestión. Música más abierta y rica: Jazz. Música más limitada y esquemática: Rock. Terminaba la década de los 70´s y hubo escasos momentos de brillantez. “Di terra” es una excepción de esos tiempos.
Alberto Torró


Temas
01 Nel cielo e nelle altre cose mute 0:00
02 Terramadre 4:41
03 Non senza dolore 7:49
04 Io vivo 12:51
05 Né più di un albero non meno di una stella 21:59
06 Nei suoni e nei silenzi 30:02
07 Di terra 35:50









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WET CACTUS - Dust, Hunger & Gloom 2018 (Entrevista) (Rockliquias Bandas)

March 17, 2018, 1:14 am
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Desde Suances , Cantabria, llegan Wet Cactus formación stoner creada en 2013 e integrada por Daniel Pascual Salvador (Bajo y voz), Ernesto Díez Otí (Guitarra), Óscar Sánchez Marcano (Guitarra y voz) y Jaime Pérez Herrera (Batería).


Su primer disco llega en 2015, "Wet Cactus", y a principios de este año (2018) nos sorprendieron con la grabación del tema de Pink Floyd, "Set The Controls For The Heart Of The Sun".

Con motivo de la publicación de su segundo disco, "Dust, Hunger & Gloom", nos pusimos en contacto con ellos para cambiar impresiones sobre su trayectoria y su nueva producción.


Rockliquias.- Nos podéis contar ¿cómo fueron vuestros inicios? 

(Jaime) Supongo que como la mayoría de grupos jóvenes que empiezan a familiarizarse con la música, con una batería sacada de un garaje, un equipo de bajo prestado, un ampli de guitara de 100W y un local de ensayo de 15 metros cuadrados que es el vestuario de un auditorio. Muy agradecidos y contentos de que fuese así, por que así es como aprecias las cosas de verdad.


Rockliquias.- ¿Cuáles son vuestras influencias musicales? 

(Ernesto) Uff! La verdad que una buena mezcla compone nuestras influencias. Cada uno bebemos de unas fuentes particulares, que luego han derivado en unos puntos en común. Sin lugar a dudas a día de hoy, y en el punto en el que nos encontramos, hay ciertos grupos que son indispensables para formar nuestro sonido… Kyuss, Fu manchu, Sleep, Black Sabbath… pero también hay otras que nos inspiran a buscar otros sonidos, no sé cómo puede ser Pink Floyd por ejemplo, y en general nos gusta y escuchamos una amplia gama de música.


Rockliquias.- Se han producido cambios en la banda en estos cuatro años de existencia

(Dani) La verdad es que no, seguimos los mismos colegas que empezamos con todo esto...


Rockliquias.- Vuestro primer disco llega en 2015, "Wet Cactus", grabado en Santander, cómo fue esta primera experiencia en el estudio.

 (Óscar) Estuvimos encerrados en el estudio durante una semana y poco, ocho horas al día. Saliendo un ratín al mediodía a comer algo. La verdad es que estuvimos muy flipados allí adentro. Seguramente podríamos haberlo grabado en menos tiempo pero es que estábamos en un sueño, no queríamos salir de allí. En cuanto terminamos ya lo echábamos de menos. Nos encantó!!



Rockliquias.- Las críticas de vuestra primera producción fueron realmente buenas ¿ Cómo fue la acogida del publico y cómo la de los promotores de conciertos?

(Óscar). Respecto al público yo creo que caímos en gracia. Creo que principalmente porque les transmitimos buen rollo. No nos podemos quejar para nada. Estamos encantados y agradecemos a todas las personas que han estado con nosotros en los conciertos.
Ahora mismo estamos con Artur de WombatBooking y la verdad es que nos está ayudando muchísimo y estamos muy contentos con él. Gracias Artur.


Rockliquias.- A comienzos de 2018 nos sorprendéis con la edición de una versión del tema de Pink Floyd, "Set The Controls For The Heart Of The Sun". ¿Cómo surgió la idea? ¿Tocáis versiones en vuestros conciertos?

(Dani) La idea surgió una noche en casa de Ernesto, estábamos el y yo tocando la guitarra mientras sonaba el álbum Ummagumma, hasta que llegó uno de los temas favoritos de Ernesto “Set the controls for the heart of the sun”. Empezamos a tocar sobre la canción y nos dimos cuenta que las notas de esta sonaban increíbles, al instante supimos que debíamos llevarla a nuestro campo de juego y “stonerizarla” a nuestro modo.



En los conciertos esta versión siempre forma parte del setlist. Por el momento es la única versión que tocamos, pero últimamente estamos enredando con alguna cosilla progresiva que quizás la toquemos el día de la presentación del nuevo álbum.



Rockliquias.- Hace un par de días (15/03/2018) habéis editado vuestro segundo disco, "Dust, Hunger & Gloom"¿Qué novedades/evolución podemos encontrar con respecto a vuestro anterior trabajo?

(Ernesto) En este trabajo seguimos mantenido nuestro sonido particular, contando con riffs consistentes y poderosos, mezclados con líneas que introduzcan más armonías a los temas y aporten algunas notas características o, particulares. En este disco hemos intentado dar un paso mas allá, manteniendo aun así muy activo y presente el recorrido que venimos haciendo desde el primer disco. Hemos introducido secciones más experimentales y hemos tratado de dar rienda suelta a nuestras ideas para que saliera lo mejor de cada uno.



Rockliquias.- Los temas son un poco más largos y veo que seguís combinando temas instrumentales con otros cantados ¿Es algo premeditado o simplemente surge sin más? 

(Jaime) Cuando estamos tocando uno de los temas, cualquiera de nosotros te diría que se aproxima a los cuatro minutos. Luego, te das cuenta que duran ocho o diez minutos, creo que es por esa sensación de estar tan metido en la música y puro disfrute que no nos damos cuenta del tiempo. 
No suele haber nada premeditado en lo que es tema instrumental o vocal, todos los temas son primero instrumentales que es lo que realmente nos hace disfrutar. Los temas con vocal creo que son para darle un toque mas melódico a la música. 

  

Rockliquias.- ¿Qué tema o temas destacaríais de la grabación?

(Ernesto) Si tuviera que destacar alguna de ellas me quedaría con Sleepy Trip, sobre todo por la progresión que tiene, que va desde una tranquila sensación de calma, hasta el mayor de los caos!!



Rockliquias.- Las ediciones físicas del disco corren a cargo de Odio Sonoro y Producciones Tudancas . ¿Cómo surge esta colaboración?

(Dani) Basicamente les gusta lo que hacemos y desde un principio nos han apoyado con las ediciones, estamos muy agradecidos ya que las cosas se complicarían aún más si estos dos sellos no nos apoyasen, así que muchas gracias y un gran saludo para José, Mur y nuestro vecino Fidel!! Que nos ayuda en la edición de cassette con su sello La Conspiración de los Iguales.


Rockliquias.- ¿Tenéis previsto realizar gira de presentación? ¿Algunas fechas ya definidas? 

(Jaime) De momento tenemos cerradas dos fechas de presentación, el 29 de marzo en Vitoria y el día siguiente en Santander, estamos estudiando la posibilidad de salir con algún grupo amigo y hacer unas fechas, tenemos algunas ya cerradas para verano. Hacemos todo lo que podemos dentro de nuestras posibilidades ya que no nos encontramos todos viviendo en Cantabria.



Rockliquias.- ¿Cómo está el ambiente musical por Torrelavega?

(Óscar) Ahora mismo no hay nada. Grupos de música no faltan pero no hay una sala o un lugar especialmente para ello. Esta bastante muerta Torrelavega en ese aspecto y bueno, en muchos otros. Vivimos unos tiempos de mierda.
Aunque ahora la plataforma Cultura Sin Techo está haciendo una gran labor y ha conseguido que habiliten tras muchos años de lucha una zona multiusos donde habrá locales de ensayo y en general una zona para avivar la cultura de la ciudad. Y parece que en un futuro se va a regular el tema de poder dar conciertos en los bares. Pero bueno si de por medio hay un ayuntamiento, hasta que no lo veas no te lo creas.



Rockliquias- Por cierto ya se resolvió vuestro problema con el local de ensayo

(Jaime) Hasta el momento hemos vivido todo tipo de “películas” a lo que locales se refiere, en fin...
Ahora estamos en un proyecto de unos nuevos locales ya construidos en Torrelavega, que han llevado a cabo principalmente la asociación Cultura sin Techo. Y bueno al ayuntamiento de Torrelavega, aunque es su deber proporcionar los medios para que se desarrolle la cultura base de la ciudad (La cosa esta jodida en Torrelavega). Desde aquí agradecemos a Cultura Sin Techo por contar con nosotros para este proyecto, por su empeño y trabajo sin búsqueda de beneficio solo por la mejora de la escena y de la cultura en si. Estamos impacientes de ir a esos locales que tienen muy buena pinta y hacer bien de ruido!😁


Rockliquias.- ¿Qué le diríais a nuestros lectores para que se compraran el Cd y fueran a vuestros conciertos?

(Óscar) Pues que compren el Cd porque principalmente es lo que nos sustenta para poder seguir haciendo cosas y porque nos lo hemos currado bastante. Y que lo compren si les mola por supuesto jaja.
Y que vayan a nuestros conciertos porque intentaremos que se lo pasen lo mejor posible, daremos lo máximo de nosotros y nos harán muy felices.


Dust, Hunger & Gloom , la nueva producción de Wet Cactus, está calentita calentita, un autentico recién nacido que trae bajo el brazo cinco panes  cargados de buen stoner. Se inicia la sesión con "So long". Declaración de intenciones contundente, riff sólidos y cambio de ritmo hacia la locura sónica. Continúan pegando fuerte con "Full Moon Over My Head", sin bajar la guardia directo al hígado. La voz me recuerda lejanamente al genial Lemmy. Necesitamos un respiro, un oasis en "Aquelarre", instrumental stoner psicodélico que poco a poco va subiendo en intensidad hasta dejarnos sin aliento. Enigmático inicio el del tema que da título al disco para desembocar en unos  ritmos "pseudometallicos". Finalizan con "Sleepy Trip", una de mis favoritas, sin darte cuenta los riffs de guitarra te van empujando al abismo.

Salto de calidad importante lo que nos presentan Wet Cactus en su nuevo trabajo. Esperamos veros en sus conciertos. Pasaremos lista
J.C. Miñana



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Mick Taylor - House of Blues 1999

March 18, 2018, 1:19 am
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Mick Taylor, el eterno "exStones". Posiblemente algunos de los que actualmente van a los conciertos de Jagger y  compañía desconocen su existencia aun teniendo en cuenta que estuvo en la mejor época de la banda. Hace falta ser muy grande para subir al escenario a sustituir a Eric Clapton en el grupo de John Mayall y con tan sólo 16 años.



No vamos a contar la biografía de Mick Taylor, sería largo y posiblemente tedioso, simplemente diremos que ha estado presente en grabaciones de Bluesbreakers, Rolling Stones, Jack Bruce, Bod Dylan, Carla Olson entre otros. En cuanto a su discografía en solitario tan sólo dos discos en estudio: "Mick Taylor " (1979) y "A Stone's Throw".

La pregunta del millón es ¿por qué dejó a los Rolling Stones?  Posiblemente ni el mismo lo sabe. Su personalidad introvertida, los problemas con las drogas, los egos de Jagger y Richards, todo pudo influir. Quiso forjar una carrera en solitario que no resultó ser nada exitosa.



La grabación nos presenta el concierto de Mick Taylor en el House of Blues, Chicago, el 20 de Julio de 1999. En cuanto al "setlist" el show comienza con "You Gotta Move" , blues tradicional con uso de slide  y que fue uno de los temas del "Sticky Fingers" de los Stones. Continuamos con una composición de Freddie King, "Boogie Man", solos de guitarra con una elegancia extrema. "Losing My Faith" pertenece a su segundo disco en solitario "A Stone's Throw". Vuelve el blues tradicional con la versión del tema de Muddy Water, "You Shook Me",  relajado pero con sentimiento. "Going South" instrumental de mas de 17 minutos con ambiente latino "santanero" y donde Jeff Allen (batería) y Max Middleton tiene oportunidad de lucirse. 
El segundo Cd se inicia con otro tema de su segundo disco en solitario, "Blues in the Morning".  Personal versión la que realiza de "Red House" para finalizar con otro tema del Sticky Fingers", "Can You Hear Me Knocking". En definitiva una gran noche con Mick con sonoridades cercanas a las que podíamos escuchar con Eric Clapton en esa década. Muy buen sonido.
J.C. Miñana









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FERRANTE & TEICHER - Soundproof (1958 / WESTMINSTER) (Serie Pioneros)

March 19, 2018, 1:06 am
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No son un bufete de abogados, sino unos pioneros"pianistas de bata blanca". Arthur Ferrante y Louis Teicher no necesitaron proto-modulares ni raros armatostes para conseguir el efecto futurista deseado.

Alumnos brillantes de la Juilliard School y auténticos niños prodigio del piano en la New York de 1930. Los dos amigos pronto hicieron equipo profesional para tocar en nightclubs en la siguiente década. Afortunadamente, no les sucedió como a los Fabulosos Baker Boys. Aunque tenemos una conexión surrealista que nos los une con.....Aerosmith! Resulta que el Steven Tyler-- niño tenía por costumbre ver a Ferrante & Teicher estudiando música clásica en casa de su abuela, profesora de piano. La señora Constance Neidhart Tallarico, y si, el Tyler se llama en realidad Tallarico, ya ves, lejos del glamour que acostumbra. Así pues, entre finales de los 50 hasta los 80, el dúo de pianistas eran considerados como el mayor easy listening act de Norteamérica,  contando en su haber con cuatro sonados hits. Curioso que unos expertos en easy listening , (para mí es precisamente "música de difícil escucha", pero bueno), acabaran  entrando en la vanguardia con su otra faceta.....Experimentar con pianos preparados, añadiendo en su interior elementos extraños tales como papel, madera, cristal y todo tipo de mierdas (no literal) que se les ocurrían. Creando bizarre sounds que a veces podían parecer percusiones o absolutos aparatos electrónicos. Supongo que ésta otra ocupación,  la que a nosotros nos interesa, vendría dada por su hastío ejecutando hasta la saciedad y extenuación piezas de Cole Porter, Jerome Kern o George Gershwin. Angelicos.

En éste disco de 1958 subtitulado "The Sound of Tomorrow Today!", encontramos un cruce entre sus melodías populares de fácil digestión y sus curiosos trucos para sonar raritos y absolutamente weirdos para las mentes sencillas de entonces. Suenan deliciosamente "camp", que se decía antes, pero bajo ésa pátina horteril, hay técnicas y sonidos que no sabría situarte muy bien. Percusiones extrañas efectuadas con teclas, pianos que pueden parecer eléctricos,  o marimbas  y xilophonos.....


Acostumbran a usar también extraños efectos delay que no estoy muy seguro se hubieran inventado. A veces me recuerdan a esos martillos de juguete de plástico. Con su sonido particular para cada tecla. Además de un abanico amplio de sonoridades procedentes de a saber qué ocurrencias cuasi gamberroides. Se lo pasaban de miedo, Ferrante y Teicher, de eso estoy seguro. Las tonadas de "Mermaid Waltz", "Man From Mars", "Afican Echoes", "Dark Eyes" o "El Cumbanchero" pueden parecer ingenuas y casi de peli navideña en blanco y negro, pero su tratamiento sonoro lleva su miga. Ahí,  Ferrante & Teicher fueron unos innovadores o revolucionarios de su tiempo. Observo técnicas usadas posteriormente por Keith Emerson, por ejemplo. Y está claro que estos tipos fueron "unos Eno" de su época. Su discografía abarca la centena de obras, aunque no todas son tan divertidas como éste "Soundproof". Verdadera "cartoon music" de la que seguro se inspiró hasta Jordan Rudess. 

Ya fallecidos en 2009 y 2008 respectivamente, Ferrante & Teicher sonaban muy avanzados sin mucha electrónica,  tan sólo y a base de, ingenio, trucos y sano sentido del humor.
J.J. IGLESIAS



Temas
A1 - Peg-Leg Merringue 0:00
A2 - Brazil   3:23
A3 - Poinciana   6:48
A4 - Mama Yo Quero   10:18
A5 - Orchids In The Moonlight   12:58
A6 - Cumana   15:36

B1 - Tico-Tico   17:40
B2 - Frenesi   20:57
B3 - Mexican Hat Dance   24:20
B4 - Siboney   26:54
B5 - Loose Ends Meringue   30:24
B6 - La Cucaracha   32:27





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Ronnie Earl and the Broadcasters - Blues guitar virtuoso - Live in Europe 1995

March 20, 2018, 1:05 am
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Ronnie Earl es un extraordinario guitarrista de blues y jazz con mas de cuarenta años de carrera  y  una treintena de grabaciones a sus espaldas. Conocido y admirado dentro de los círculos del blues es hora de rescatarlo para el público rockero.


Ronnie Earl (Ronald Horvath), comenzó a interesarse por el blues cuando estaba en la Universidad de Boston. A los 20 años se compra una guitarra y aprende a tocarla de forma autodidacta, a la vieja usanza.  En un viaje a Austin  conoce a Jimmie Vaughan  que le convence para dejar su trabajo de educador especial y dedicarse a la música. En el 79 participa en diversas grabaciones junto a Guitar Johnny & the Rhythm Rockers y en el primer disco de Sugar Ray & the Blue Tones. Cuenta la leyenda que en una actuación junto a Muddy Waters este no podía pronunciar correctamente el apellido de Ronnie y por eso decidió cambiarlo a Earl.

Entra a formar parte de Roomfulof Blues con los que grabaría cinco discos y obtendría reconocimiento como guitarrista realizando giras por todo el país. En 1988 formó la Ronnie Eart and the Broadcasters publicando su primer disco, "Soul searchin", en 1990. Se suceden las grabaciones hasta que en 1993 decide realizar un disco totalmente instrumental, "Still river". En el 97 firman con Verve grabando "The Colour of love" obteniendo un notable éxito. Los problemas personales y de salud llevan a Ronnie a romper con Verve y disolver el grupo.  A partir de ese momento ha estado editando discos hasta 2017 que publicó su último trabajo hasta la fecha "The Luckiest man".


La grabación contiene el concierto de Ronnie Earl and the Broadcasters celebrado en Bremen en 1993. Estaba en plena gira del "Still River". El "setlist"contiene versiones de temas de Freddie King ,"San-Ho-Zay" y "The Stumble",  de Bobby Timmons, "Moanin", y el "Blues for the West Side" de William "Shorty" Hill, junto a ocho temas propios todos ellos instrumentales donde el sentimiento y la técnica van de la mano de un increíble guitarrista. Sonidos "jazzeros" en un ambiente blusero, toma ya. Acompañan a Ronnie , Bruce Katz (teclados), Rod Carey (bajo) y Per Hamson (batería). Relajate y disfruta.
J.C. Miñana










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LES PUCKS - Les Pucks (1979 / TUBE)

March 21, 2018, 1:07 am
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La rica escena canadiense de los 70, que no deja de sorprender. Poquísima información al respecto, sobre éste disco y banda. Probablemente fue su único legado, por fortuna rescatado para Rockliquias.

Les Pucks fue la mejor bar-band del área de Winnipeg, según cuentan testigos. Estaba formada por Duncan Wilson (cantante solista, RIP), James Creasy (guitarra solista), Randy Booth (bajo, RIP) y Bob Brett (batería).

Produjo muy bien el disco Larry Wilson, se dice que en directo y sin overdubs. Desde luego suena potente y transmite la energía live de la banda, en su hard rock de tendencias marcianas. Algo que me lleva a emparejarlos con otros canadienses, Máx Webster, (preferencia personal),  por símiles características. De hecho hasta vestían igual de estrafalarios que éstos. 

Está claro que el dominio y alta clase a la guitarra de James Creasy es el factor protagonista en su sonido, pero no el único. "All Need Is You" (4'58) comienza como un pseudo-reggae con trazas hard al estilo de Thin Lizzy. No olvidemos que Rush habían abrazado el sonido jamaicano tímidamente ese mismo año para "Permanent Waves". Incluso Duncan Wilson nos recuerda un poco a Sting en su vocalización. Pero ya se vislumbran aquí arreglos sorpresivos  e inesperados. Que pueden recordar a Walter Rossi o Tommy Bolin en solitario.

"Cadillac" (3'30) suena a los Mahogany Rush de Frank Marino, para llevar el apartado vocal casi a niveles de Frank Zappa, mientras una guitarra doble puntea con gusto refinado. La parte instrumental es hard progresivo de excelente construcción y solidez. Una pequeña joya.

"Buggery on the High Seas" / "Radio" (6'50) son dos cortes encadenados que se inician con slide sureña y prosiguen casi en línea power-pop, con una guitarra que te levanta del asiento. Más guiños Zappa / Max Webster en progresiones imaginativas e increíble nivel de toda la banda. Otra razón para prestar atención a éste desconocido álbum. La conclusión del tema se acerca a la euforia eléctrica de Rick Derringer. 


Para la cara B tenemos como entrante "Kiddles" / "Rock Around the Rot" (6'30), otra mini-medley como la anterior. Con el mismo voltaje guitarrero y sano cachondeo zappero en su contenido. Incluyendo el "Peter Gunn" brevemente entre el maremagnum instrumental que no da tregua. Maravillosa locura hard progger, con mucha vitalidad y humor.

Otra andanada de clase es "Wine Women and Cocaine" (3'11), extraordinaria exhibición guitarristica de Creasy, que rivaliza (si no supera), al mismo Kim Mitchell de los Max Webster. 

Finalmente "My Mouse" (3'25) es otro golpe a la mandíbula  de macizo hard rock 70s con base blues, pero siempre con ese punto irreverente que le da un estilo propio a Les Pucks. 

Una banda superior a la media que nunca traspasó la fama más allá de los límites de su pueblo. Además de que se hace corto, lo es. Media hora bien invertida en hard prog canadiense de la mejor factura, que me ha dado toda una alegría su descubrimiento. Personalmente me han encantado por lo original de la propuesta. No se lo pierdan.
J.J. IGLESIAS


Temas
01 All i need is you
02 Cadillac   05:07
03 Buggery on the high seas / Radio   08:35
04 Kiddies / Rock around the rot   15:20
05 Wine women and cocaine  21:50
06 My house   25:05



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MAGMA - K.A (2004)

March 22, 2018, 1:11 am
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Que una banda de los 70´s grabe un disco como este en el siglo XXI es un desafío a todas las leyes de la gravedad, pero si además incluso supera a sus tiempos de gloria, nos encontramos con un caso poco frecuente o probablemente único. Ya de entrada voy a confesar que este es sin duda alguna mi disco favorito de Magma en dura pugna, eso sí, con el extraordinario “Mekanik”. 


La espera en estudio de tantos años mereció la pena. Cuando algo me gusta no puedo reprimirlo y éste es uno de esos discos que tras muchos años de esperar algo singular, concepto éste exclusivo del tiempo que con mayor o menor acierto denominamos obras maestras, aparecen con cuentagotas, como perlas de una singularidad matemática poco frecuente como diría Stephen Hawking y que el universo que descubrió lo tenga en su seno eterno. “K.A” (Kohntarkosz Anteria” fue una obra de maduración lenta entre 1973 y 1974, algunos de sus movimientos aparecían en la primaria partitura de “Kohntarkosz” el álbum de estudio de 1974. La saga épica terminaría formando parte de la segunda gran trilogía magmática denominada “EMëhntëhtt Ré” “K.A” terminaría siendo el primer movimiento en el futuro. Y permitidme la ironía, pero describir este disco, como diría el gran estadista Mariano Rajoy en una de sus gloriosas frases: “no es cosa menor es cosa mayor” y no apta para imbéciles que es “muy español y mucho español”. Esta música es el mejor ejemplo de superioridad por encima del mundo de idiotas que nos toca sufrir al menos en mi país. Si no fuese por esta música una persona de 64 años como yo dejaría por completo de creer en este maldito mundo del que por experiencia apenas creo. La música con mayúsculas. Ella barre con todo: la mezquindad, la injusticia, las ideologías, la religión, la derecha, la izquierda y el centro, el hedor repugnante de la política y sus negocios, es decir el mal en todas sus expresiones y formas, la ignorancia y el abotargamiento del hombre en una sociedad futura que se me antoja horrible, estúpida y retrógrada. Mis hijos lo saben, pero están suficientemente preparados. Albergo una pequeña esperanza y me siento orgulloso por ello. Los 50 minutos de esta obra maestra se dirige al individuo de espíritu libre, al ser inteligente y maduro que ha oído mucha música y que comprende que la música grande, como en este caso, es eterna, fabulosa y a años luz de lo mediocre que todo lo invade.


“K.A” lo grabaron una de las mejores formaciones de músicos de Christian Vander. El sonido del álbum es el mejor de su historia. Las nuevas tecnologías logran captar la complejidad armónica de voces y ritmos características del zeuhl y nos permiten una escucha y experiencia únicas. Pocas veces un disco logra ponerme la carne de gallina (expresión nuestra) y aquí encuentro lo que mi experiencia musical pide y mi corazón desea: “una perturbación en la fuerza” al modo Jedi. Lo que empieza debe acabar…pero lo desearía eterno. K.A es eso. Podría durar eternamente, pero debe acabar para evitar el colapso coronario o la excesiva alegría. 

K.A I. (11 mtos) El ritmo son las voces, el latido de vida plena. La perfección vocal en la repetición que lleva al clímax. La delicadeza y la matemática es ciencia musical. No puedo compararlo con nada conocido. ¡Cuanto sonido Canterbury perfeccionado hay en mi cabeza en este momento!. Pero son franceses, no ingleses, donde esta antes el huevo o la gallina…?. La candencia jazz, las fabulosas melodías.. y entramos casi en el nirvana. La música es perfecta, maravillosa. ¡Estoy eufórico!. 

K.A II (15.53) tiende al encantamiento y a la fantasía propia de un relato de danzas eslavas, muy cercano a lo que oímos en Wurdah Itah con su influencia stravinskyana y sus sombras de Coltrane clásicas. La música es energía y pulso exultante. Pronto la ternura de cuento de niños aparece en un desarrollo natural y nada forzado. La música muestra una delicadeza asombrosa en el concepto de Magma. Me recuerda casi a las obras rusas de música religiosa del siglo XIX cantadas por niños. Las melodías son preciosas muy próximas a Borodin o Rimsky. Una delicia. 


K.A III (21.43) tiene los primeros 10 mtos instrumentales progresivos más excitantes y raros de Magma. Este pasaje musical es una de las cosas más maravillosas que he escuchado en música. En un principio esta pieza se llamaba “Om Zanka” y la han tocado en directo muchas veces previas y de diferentes maneras antes de esta versión definitiva en estudio. Es algo indescriptible entre Coltrane y Soft Machine con un sinte solo que se mete en las venas en un clímax de felicidad absoluta con unos coros celestiales inenarrables. Estas en otro mundo imposible, magnífico. Uno de los pasajes instrumentales más exquisitos que oído en mi vida y del que ya no podrás desprenderte en toda tu vida. Te lo aseguro. La excelencia se resume en los restantes 11 mtos de música compleja en cuadraturas rítmicas bajo cánticos de aleluya lejos de este mundo. Zeuhl puro y duro de jazz inventado y personal de casi zappa radical donde Vander canta feliz en una especie de soul cósmico que nos recuerda a piezas como Hhai. Todo es enrevesado, perfecto, sublime. 


Desarma al oído más exigente y maniático que puedas imaginarte. K.A es una obra maestra fuera de tiempo, modas y crítica. Date por feliz si lo aceptas en tu discografía.
Alberto Torró







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BANCO DEL MUTUO SOCCORSO - Canto Di Primavera (1979)

March 23, 2018, 1:02 am
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Banco cerrarían la década de los 70´s ya muy forzados y alejados de sus tiempos de gloria. Los coletazos mediocres del prog sinfónico no harían sino empeorar la cosa y dar más munición y argumentos a los enemigos del estilo que ya eran una legión desbordante de pelo pinchos y adictos a la ferretería. Por el otro lado, también marcaban buen paquete: rockers de patilla y gafa negra y nuevaoleros de plástico, charol y terciopelo (pijos maqueados) que lucían palmito orgullosos y modernos. El buen hard-rock de toda la vida pasaba a ser heavy metal bronco y ruidoso y, para complicar aún más las cosas, la new age con su sopor de aburrimiento sonoro hasta el hastío y encefalograma plano, empezaba a copar el mercado. 


En España como somos diferentes al resto del planeta absolutamente en todo y sin un atisbo de vergüenza, tuvimos la famosa “movida” es decir, la quintaesencia del arte cañí nacional al que llamaron la “edad de oro del pop español”. No sé describirlo. Aquello fue inenarrable y supongo que en el resto del mundo también lo disfrutaron a gusto. En Italia ya hacía furor algo llamado “italo-disco” que empezó a unirse con el “tecno”. Por toda Europa el sonido zumba – disco y el pop deluxe arrasaban y también los cantantes con voz de estreñimiento crónico. Esta conjunción planetaria dio al traste con todo. Si en aquella época, a alguien o a algún incauto, se le ocurría hacer algún tipo de música inteligente, las discográficas lo mandaban a la puta calle, o directamente a la marginación freak señalados con el dedo. No exagero. Y los que tenéis más de 50 años lo sabéis de sobra. Hubo excepciones como en todo y hoy día son vistos como verdaderos héroes que le echaron “güevos”. 

En lo que respecta a Banco languidecieron en éste disco de “primaveras” entre lo lindo y ñoño. Francesco Di Giacomo pone su hermosa voz en algo imposible ya de levantar, ni con grúa. Por una parte, las baladitas tipo canto primaveral me suenan mucho al bueno de Angelo Branduardi, bellas e inofensivas, y por el otro el calibre instrumental de la banda se desinfla en música apocada, blanda, sin brillo. Como cumpliendo un expediente de empleo que va al paro irremisiblemente. Me produce tristeza este disco, y conste que aún tiene algún pasaje decente, pero solo eso. Con alguna estandarización facilona al easy- jazz de consumo y ya muy cerca del pop, Banco prefiguran un infame futuro. 


Dejaré aquí la historia de este grupo por no ensombrecer su rico, aunque exiguo legado de antaño y por respeto a los que amamos la música. A partir de 1980 y casi hasta finalizar los noventa, Banco se transformaron en un simple grupo de pop-rock con ínfulas tecno ultra comerciales. Repiten pues la misma historia de la Premiata superándose de un disco malo a otro aún peor. Incomprensible y a lo mejor un poco, si con este travestismo musical, ganaron algo de pasta en el mundillo comercial. Pero no podemos evitar el sentimiento de vergüenza. Banco siguen activos a día de hoy, un poco en recuerdo de sus tiempos de gloria y de su tristemente fallecido Francesco en accidente de tráfico en 2014. A día de hoy, han remasterizado y hasta regrabado algunas de sus antiguas joyas y algunos lives más recientes retoman aquel camino perdido de sus viejos temas. Arrepentimiento tardío…?... es muy probable. Y cuando quieren siguen tocando de maravilla.

La próxima semana le toca el turno a Le Orme. La tercera banda emblemática del RPI.
Alberto Torró


Temas
01 Ciclo 0:00
02 Canto di primavera 4:22
03 Sono la bestia 10:01
04 Niente 14:34
05 E mi viene da pensare 18:39
06 Interno città 21:59
07 Lungo il margine 28:44
08 Circobanda 33:56






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PARTICULA - El Pasado No ha Servido Para Nada (2017 / PARTICULA) (Rockliquias Bandas)

March 24, 2018, 1:11 am
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Qué razón tienen los alicantinos con lo de que el pasado no ha servido para nada. Aquí estamos, con niveles represivos dignos de los años 70. Y un mundo a nuestro alrededor tan gris, siniestro, agobiante, corrupto y esclavizador,  como en la peli de Terry Gilliam, "Brazil". Menos mal que están Particula,  porque casi oigo la dichosa tonada insistente del film. Ya lo dice la revista, vivimos en Mongolia.


Formados en el 2014 por Raúl Pardo (batería), sustituido ahora por Lover Lion (ex Kaiser Soze), Iván (guitarras, sintetizadores, coros) y David García  (bajo, voces y fx). En el 2015 lanzan el single "Insólita Inquietud" y en 2016, "Decadencia", también a 45 rpm. 
Su primer "medio-larga duración" es un EP de 23 mts espesos y sin desperdicio. Citan como influencias a MC5, The Stooges o Hawkwind,  y no van desencaminados.  Porque su manera de entender la psicodelia va por el lado turbo-espiral, de correoso fuzz y salvajes vibraciones.


El tema-título abre éste más que bien decorado vinilo, con space rock de notable competencia y oscuras letras que le hubieran ido al pelo a la referida película del ex- Monty Python. Sí que tiene su punto Hawkwind, pero con fuerte dosis de mala hostia. Añadase motorik ritmo de hipnotismo Can y tenemos un pedazo de canción. 

La mala baba no cesa en "Conspiranoia", trallazo cuasi hard-punk con un mucho del sonido Detroit, corrosiva wah wah incluida en el lote, que recuerda felizmente al eterno Eddie "Fast" Clarke. "El Hombre Menguante" es un surrealismo hard psych al estilo de Nebula, Sundial, Spacehead, Strobe o Magic Muscle. Si existiera la independiente Delerium los ficha de cabeza. Echo de menos aquella escudería. ....

"Motocultor"  es "punk influenced space rock" al estilo de Sons of Selina, otra de las recordadas bandas de aquella disquera. En "Despertar" exhiben melodías progresivas, órgano de fondo y hendrixiana guitarra. Con un sorprendente break psico a mitad, de eficacia comprobada. Los Módulos en la marmita del LSD , sonando a siglo XXI. Intuyo que Partícula en directo tienden a reventar cráneos sin misericordia. 


En "El Visionario" tienen un buen arma homicida para no dejar prisioneros. Demoledor catálogo de riffs psico-metálicos que enerva al más pasmao. 

La cosa termina con "Villamexico", un instrumental stoner con la metralla necesaria para satisfacer exigentes gustos de similar índole. Es corto, pero se hace más, porque uno se queda con ganas de más caneo. 

Partícula se llevan la psicodelia por el lado agresivo de la vida, y le dan un sentido tan salvaje y fresco como cuando escuchaste  "Overkill" de Motorhead, por primera vez. Espero impaciente el álbum para saciarme bien de ésta banda. Aunque algo me dice que pueden sorprender por muchos y diversos flancos, oído lo oído. Aquí hay algo más que watios silvestres. Estruendosos y convincentes.
J.J. IGLESIAS


Temas
1. El pasado no ha servido para nada 00:00
2. Conspiranoia 05:04
3. El hombre menguante 07:14
4. Motocultor 10:49
5. Despertar 13:27
6. El visionario  16:13
7. Villamexico  20:22

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