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Ensayos sobre un sonido (EM): Clearlight ‎– Symphony 1.975 (colaboración J.J. Iglesias)

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La rica escena sintetista francesa vio florecer en los 70 a uno de sus grandes exponentes,  Cyrille Verdeaux. Pero lo hizo desde Londres, y bajo los auspicios del sello de vanguardia de moda, Virgin. El viejo zorro de Richard Branson, jefe de la compañía,  quiso repetir la jugada que le había  salido redonda dos años antes con "Tubular Bells". Una jugada improbable y arriesgada, cuando se trata de música progresiva de vanguardia. Pero así  es Branson.


Clearlight sería  el alter-ego de Verdeaux.  Y una sinfonía cósmica  instrumental compuesta de dos partes de 20 minutos sería el cuerpo de trabajo. Para la primera cara, contó  con Tim Blake al VCS3 y percusiones. Steve Hillage en las guitarras. Y Didier Malherbe al saxo tenor. Es decir, prácticamente  a Gong sin Daevid Allen. Por su parte Cyrille Verdeaux destacaba brillantemente al grand piano. Orientando la obra hacia territorios de clásica  contemporánea.  Ademas de agregar órgano,  mellotron y sintetizador de bajos. 

La parte primera, o cara A, es un sueño pesadillesco en aquelarre frenético.  Música  goyesca donde las guitarras de Hillage planean en escobas a la luz de una hoguera. De llameantes órganos, sintes de LSD, mellotron en espiral y alaridos esquizofrénicos de un saxo en trance. El piano se muestra más  cuerdo, y guía  a tal maremagnum sonico con la certeza de la llegada a buen puerto. Un viaje lleno de vicisitudes, pero con final feliz. Muy Julio Verne. 
El resultado está  en algún  lugar indefinido entre Pink Floyd, Soft Machine, Gong, Philliph Glass y Steve Reich.
Tim Blake y David Vorhaus (el alquimista de White Noise) están  tras los controles en la consola de sonido.

La "Symphony Part 2" cambia de equipo. Aquí  acompañan a Verdeaux Christian Boule (luego músico  de Hillage) en las guitarras. Gilbert Artman en batería,  vibráfono y percusiones varias. Y Martín Isaacs al bajo. Si bien no lo pone en los créditos,  imagino que también  repite Didier Malherbe, pues el saxo continúa  en esta cara.


Aquí el progresivo electrónico, space psychedelia y teutonismos influyentes ganan la partida al minimalismo y contemporánea. Es una suite más reposada, de agradable escucha. Con pasajes líricos sintetizados de parecido a Schulze o, más acertadamente, a Peter-Michael Hamel por el predominio pianístico, en conjunción  con poético  mellotron y bellos solos de guitarra eléctrica. 
Paradójicamente,  la "suite francesa", es mi favorita frente al "dream-team" de la cara A.

Indagando más  en la historia de este disco, ,me enteró de que inicialmente la cara B iba a ser la A, y viceversa. Pero visto el incremento de éxito  que  por entonces disfrutaba Gong, decidieron hacerlo a la inversa. Sin embargo, y así  sí  que cuadra, se puede entender el frenetismo de esta "primera parte" como el clímax y conclusión  final de la sinfonía.  Embrollos y ñapas de Virgin aparte, éste  es un discazo que se puede disfrutar por cualquier lado. Eso sí, a Richard Branson no le salió  esta vez la jugada. Aunque sí  que  editó  un disco de triunfal creatividad electrónica. 

P.D.-"Suena increíble, pero incluso un grupo de música electrónica como nosotros era perseguido a menudo por admiradoras". WOLFGANG FLUR (KRAFTWERK)





Temas
01 First Movement

02 Second Movement





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Jo Ja Band ‎– Cold Winds 1.977

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Jo Ja Band, fue un grupo de rock sureño con dos discos a sus espaldas y con algo más de ocho años de carrera, realizando multitud de conciertos y que no tuvo suerte fundamentalmente por el declive de la principal discográfica del genero Capricorn.

Los orígenes del grupo se remontan a la unión de dos bandas:  The Easywalkers y JoJo. Las "jams sessions" realizadas en la YWCA  de Savannah dieron como resultado la formación de Jo Ja Band en 1.973. La formación inicial de la banda estaba compuesta por Steffens Clark (guitarra), Branson (bajo y voz), Danny Williby (batería), y Chuck Womble (teclado). El cantante Howard Jobe se les une en el 74  y recorren el este de Estados Unidos durante varios años. Chuck decide abandonar el grupo  y en 1.975 es sustituido por Jimmy Maddox.  En 1.977 graban su primer disco, "Cold Winds", en el  Rocky Evans 'Ragdoll Estudios. Se iniciaron conversaciones con La Capricorn pero la compañía estaba apunto de cerrar.  En el 79 llegó su segundo disco, "City Lights". Su ultimo concierto lo dieron en 1.981.

Jo Ja Band nos presentan un puñado de temas de rock sureño y rural mezclando temas cargadas de ritmo, "Savannah Mama" (instrumental con la que inician el disco), "Keep On Movin'"Sooner Or Later " o " Georgia Rag" ( ritmo ragtime), mezcladas con otras mas sosegadas "I Don't Know", "Better Days" o "My Whiskey & My Blues". En todo momento diálogos entre la guitarra y el piano combinándose con una gran voz y la armónica de  Bobby Hanson. La guinda del pastel la tenemos en el tema que cierra el disco, "Cold Winds".





Temas
A1 Savannah Mama 00:00
A2 I Don't Know 04:58 
A3 Better Days 10:48 
A4 Keep On Movin' 14:44
B1 Sooner Or Later 18:32 
B2 My Whiskey & My Blues 22:08 
B3 Georgia Rag 27:40
B4 Cold Winds 30:21

Formación
Danny Williby: batería 
 Steffens Clark: guitarra
 Bobby Hanson : armónica
Howard Jobe : voz
Danny Branson: bajo
 Jimi Maddox: teclados

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ALEXIS - Alexis (1977) (colaboración J.J. Iglesias)

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Algunos blogs guiris del gremio coinciden en afirmar que el fracaso, y por consiguiente, único  disco de Alexis, fue debido a que "cocinaban demasiados platos". O sea, que eran algo "dispersos", por acatar diversos géneros. Francamente, hoy por hoy me aburren sobremanera las bandas monotemáticas. En las que desde el primer tema al último,  suenan exactamente iguales. Y eso, dentro de los mágicos 70, en que experimentar era una norma, no se daba demasiado. Para mi alegría. ALEXIS se formaron en Denver en el 74, y giraron todo el southwest sin descanso. En el 76 los ficha MCA. Curioso que este álbum saliera al año siguiente, justo cuando lo hizo el primero de Foreigner.


Lo digo porque también coinciden en planteamiento instrumental: Un sexteto con viento incluido. El luego famoso productor Ron Nevison se encargó  de plasmar sus esperanzas en vinilo. Y por lo visto no le salió  muy bien, a juzgar por la desilusión  de la banda. Se rumorea que la demo estaba bastante mejor. A mí  no me desagrada.

Era el sonido del momento. Un cocktail de excelente hard rock, Soft rock, southern e incluso arreglos jazzy. Y todo lo hacían  bien. Muy bien. La calidad instrumental está  muy alta, y la extraordinaria voz de Eddie Ulibarri, anda paralela. También  aportaba piano, celeste y sintetizador. El sinte  también era cosa de su saxo, Dave Peters. Y además  tenían  al teclista Dick Walker. Demasiadas teclas para algunos. Que no se traspasa al sonido global. Donde Robbie Fallberg mandaba en muchas ocasiones poniendo el hierro al rojo con su guitarra. Larry Braden y Randy Reeder eran el bajo y batería  respectivos. 


El comienzo de "Fly by Night" (sin conexión con Rush), es para callar bocazas. Estos tíos ROCKEABAN, brother. Su nivel está  a la altura de Starz, Moxy o Legs Diamond.

"It's about you" sofistica el ambiente. Elegantes armonías  vocales, (cantan tres de ellos), y arreglos de flauta y saxo.Softy,  sí.  Pero con clase, man. No muy alejada de Ambrosia o Firefall. 

"We need help you" es un perfecto tratado southern de la época,  con capa vocal en concordancia con Head East. Y una vigorosa guitarra que podría  ser la de Toy Caldwell, Dru Lombar o el mismo Gary Rossington. 

"Goodnight my son" es una balada con break de saxo y acompañamiento de piano. Como decía,  pudo cohabitar en el debut de Foreigner.

 "It's in your hands",de tratamiento pomp e influencias de Queen (fíjate  en la guitarra), LeRoux, Trillion o Starcastle. 

Para rebajar azúcar,  otra andanada hard rock con "Late Night Rocker". En la división de Ángel, Balance o Zebra. Otra para callar bocas.

El comienzo de "Lord keeps account" me encanta. Si parece Weather Report!!! Quién  se atrevería a hacer algo así  hoy?
Divinos 70. El tema torna en AOR-jazz rock, probando con éxito  el mismo terreno que estaba pisando por entonces Chicago. Eso sí,  el solo de Robbie Fallberg vale oro. 

Vuelven al hard rock "carne con patatas" en "Moon Worlds". El wah wah enseña los dientes hasta morder. Desde Kiss hasta Boston firmarían gustosos esto. 

La final "Elam" vuelve al sonido aterciopelado de Chicago. Con arreglos teclísticos propios de Styx. Puro West Coast AOR de elegante factura.

La gira promocional les llevó a abrir para Foreigner, Styx, UFO y Atlanta Rhythm Section. Curioso, porque si combinas el sonido de esas cuatro bandas, te saldrá el de Alexis. A mí  me ha encantado.




Temas
A1Fly By Night00:00 
A2It's About You03:29 
A3We Need Help Now07:19 
A4Goodnight My Son10:33
A5It's In Your Hands13:41 
B1Late Night Rocker16:40 
B2Lord Keeps Account20:26 4:50
B3Moon Worlds 25:12 
B4Elam29:02

Formación
Bajo, Voz– Larry Braden
Batería – Randy Reeder
Fluta – Ernie Watts (tracks: A2)
Guitarra – Robbie Fallberg
Voz, Piano, Synthesizer – Eddie Ulibarri
Percusión – Bobbye Hall
Piano, Synthesizer, Voz – Dick Walker
Saxophone, Synthesizer – Dave Peters (4)

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Rock Progresivo en Japón: DÉYÀ VU (colaboración Alberto Torró)

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Banda clave de la escena de los 80 aunque con un solo álbum editado: Baroque In The Future (1988). Estamos en realidad ante el primer trabajo de uno de los músicos más importantes y respetados en su país, es decir el maestro Motoi Sakuraba, prolífico teclista y compositor con una interminable lista hasta la fecha de trabajos solistas y del que hablaremos más adelante


La música de Deja Vu se asemeja a la de ELP en la forma y sonido y puede recordar mucho a la de Rick Wakeman del periodo Criminal Record. Trio teclados-bajo-batería en una onda clásico-barroca de composiciones muy activas y enérgicas y con el característico nivel técnico que se  espera de  ello.


 La banda  no continuo como tal,  pero Sakuraba siguió grabando discos en la misma línea. Típico rock sinfónico sin cortapisas y disco básico para la estantería del melómano


Temas
Prelude

Next World

Baroque in the Future

Daydream

Flash!

Byzantium

Déjà-vu


Formación
 Motoi Sakuraba: Teclados
Tetsuya Nagatsuma: bajo, voz
Genta Kudoh: batería


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KROKUS - Headhunter (1.983) (colaboración Christian Jiménez)

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Hablar de KROKUS es hablar de una de las más representativas formaciones del “hard 'n' heavy” de los '80. Una banda que a partir de la entrada de la década aprovechó al máximo cómo pegaba de fuerte la N.W.o.B.H.M. para despuntar en el género con una serie de discos increíbles (no contemos el “Change of Address”).


Y eso que empezaron en las suizas tierras de Solothurn enfocados hacia el “rock” progresivo, alrededor de 1.975, donde militaban el guitarrista/vocalista Tommy Kiefer, el otro guitarrista Hansi Droz, el bajista Remo Spadino y el por entonces batería Chris Von Rohr.


Su estilo aún no había encontrado una definición y se demuestra bien en su primer LP, lanzado en 1.976, a través de las discográficas Schnoutz Records y Phonogram. Hasta la portada del disco recuerda a aquellas cubiertas con diseños imposibles que Roger Dean dibujaba para YES o Uriah Heep.



Pero aquello sólo fue momentáneo; el grupo efectuó unas cuantas giras y en el trayecto había un concierto de AC/DC que presenciaron, lo que les hizo cambiar de dirección musical.



Así, y con una alineación diferente (ya entraron Fernando Von Arb, Freddy Steady, colaboró Jürg Naegeli al bajo y Von Rohr se encargó de la voz), sacaron en 1.977, y con una portada que era toda una declaración de principios, “To you All”, el cual tuvo un éxito limitado en Suiza y aunque no conseguían despegar como grupo, sí que tuvieron algo de repercusión, ya que Mercury empezó a distribuirles en EE.UU., y “Painkiller”, que fue el último de los '70, fue la prueba de ello.



Así llegó 1.979, con el grupo queriendo sobresalir como una buenísima banda de “hard rock”, pero para eso deberían hacer algunos cambios. La voz de Von Rohr no era la más adecuada para aquella empresa.

Querían un cantante que les hiciera sonar duros, como sus ídolos AC/DC. Una voz ruda y potente que llegara a la 3.ª octava, y contrataron a Marc Storace, que venía de grupos como Eazy Money y TEA, y que realmente encajaba a la perfección. Era el hombre que los chicos buscaban, alguien con un deje muy Bon Scott y con la capacidad de rasgar y elevar sus tonos a lo Udo Dirkschneider.



Con ese fichaje Chris Von Rohr pasó a dominar el bajo, marchándose Naegeli, aunque prestó su ayuda para los teclados en algunas canciones del nuevo LP que se estaba gestando. Aquel trabajo llevaría por nombre “Metal Rendez-vous”, y es hoy por hoy un clásico del “rock”, con el que KROKUS se destapaban como una nueva fuerza musical a tener en cuenta. La ola de grupos de “heavy metal” y “hard rock” que tanto éxito estaban empezando a cosechar en Gran Bretaña, como Iron Maiden, SAXON o Def Leppard, inició un panorama perfecto para los suizos, quienes también se unieron al vagón de la N.W.o.B.H.M..

Ese disco hizo que en Norteamérica comenzaran a fijarse en ellos, gracias a los “hits” “Bedside Radio”, “Heatstrokes” o “Come On!”, siendo distribuidos esta vez por filiales de Sony, como Arista y Ariola Records.



A partir de ahí todo fue cuesta arriba, salvo para Tom Kiefer, que fue expulsado de la nave por su adicción a la heroína. En “Hardware” ('81) fue Mandy Meyer quien le reemplazó. Ya con “One Vice at a Time” ('82), ingresando otro componente para la guitarra rítmica, Mark Kohler, contaron con un management americano y cada vez mejor producción de sonido. No obstante cuando se les nombraba siempre surgían comparaciones con AC/DC (quienes, por aquella época, ya se habían reecho tras la muerte de su mítico “frontman” y habían metido a Brian Johnson). Los críticos llegaron a decir de su última obra, incluso el propio Von Rohr, que aquel era el álbum que AC/DC no habían hecho y por eso muchos, inconscientemente, les tacharon de meros imitadores...todo un error, por cierto.


De todas formas siguieron ganándose adeptos con sus temas tan animados de puro “rock” sin más. “Mr. “69” ”, “Rock City”, “Bad Boys, Rag Dolls”, “Long Stick goes Bloom” o la versión del “American Woman” de los Guess Who eran piezas clásicas del grupo y, asimismo, del género y “One Vice...” alcanzó la 28.ª posición en las listas inglesas y la 53.ª en el Billboard. Entonces tomaron la decisión de hacer el disco que convenciera a todo el mundo, hasta a sus detractores.

De grabar en Londres se mudaron a EE.UU. y en los Bee Jay Studios de Orlando, en la soleada Florida, se agenciaron al experimentado productor de los mismísimos Judas Priest, Tom Allon, contrataron al batería Steve Pace y al compositor Butch Stone y emprendieron la peripecia de su próxima creación.

Si a la hora de hacer “Hardware” y “One Vice at a Time” tenían en la cabeza un “rock” duro vibrante muy influenciado por AC/DC ahora el “heavy metal” más potente era la tónica, con algunas heredadas dosis del “speed” de Motörhead y ACCEPT. Pace convertía la base rítmica, junto a Von Rohr, en una máquina arrolladora mientras que las guitarras de Kohler y Von Arb lanzaban electrizantes “riffs” endureciendo como nunca el estilo del grupo y Storace se esforzaba sobremanera, maltratando sus cuerdas vocales como nunca. Allom conseguía definir mucho mejor el sonido, dotando de una ampulosidad y dinamismo extra al conjunto. Además, las canciones de “rock” básicas, seña de identidad de los suizos, evolucionaron hacia nuevos caminos de experimentación.



Con toda la carne en el asador, el 25 de Abril de 1.983, “Headhunter” salía a la calle, convirtiéndose en el mayor éxito de la formación en su historia. Alcanzó el 25.º puesto en los Billboard, ganando el estatus de Disco de Platino, y el 31.º en Canadá, donde fue Oro, aunque sólo llegó al 74.º en Gran Bretaña, gran indicio de hacia donde movían KROKUS sus miras (y que no les acabaría haciendo ningún bien en años venideros).

Cada uno de los ocho temas del LP son ocho gemas brutales e indestructibles con un gancho comercial tremendo que probaron que eran mejores músicos de lo que mucha gente y críticos acostumbraban a creer:



-La avalancha de decibelios daba su pistoletazo de salida con los rápidos golpes de Pace a la batería. Abría “Headhunter” con ferocidad, sin piedad para los tímpanos de los jóvenes fans de “heavy metal” de la época, que hacían “headbanging” en los conciertos siguiendo el desquiciado ritmo del tema. Storace, de paso, alcanza unos agudos que ponen la carne de gallina, siendo el tema donde más se asemeja con Dirkschneider, y Von Arb crea solos llenos de rabia “rockera”.


-Tras este puñetazo llega otro no exento de furia. “Eat the Rich” es uno de los más conocidos de la banda, uno muy repetido en sus conciertos y que llegó al 33 en el Mainstream Rock Tracks. Es más AC/DC que el anterior, pero con el plus “metálico” que le añade Allom, con un estribillo hecho para corear en vivo a pleno pulmón y unos “riffs” aplastantes. “He estado vencido, derrotado; tirado en las calles. Pidiendo monedas de cinco y diez centavos, sólo para conseguir mi botella de vino […] No puedo luchar contra la tentación, que ha llegado a ser mi inspiración; voy a agarrar un hacha para partir algunas cabezas y espaldas. Absorben mi vida, amigo, no hay duda. Voy a hacer pagar al Diablo sus deudas porque estoy harto de este maltrato. Cómete al rico, cómete al rico, ¿no sabes que la vida es una p**ada? Cómete al rico, cómete al rico, fuera de palacio y a la zanja”, exponían las agresivas letras de Storace, que nunca se ha cortado un pelo para decir lo que piensa.



-La más aplaudida de las composiciones de KROKUS siempre será “Screaming in the Night”, una de las “power ballads” de “heavy metal” más demoledoras de la historia. Con ella los muchachos demostraron su maestría más allá del estrépito “hard rockero” que les caracterizaba y pudieron cerrar las bocas de todos aquellos que lo dudaban.

El sonido de un gélido viento iba aumentando mientras sonaban unos acordes de acero, cortantes y fríos; la batería de Pace también se dejaba oír poco a poco en un cuadrante sonoro muy armonioso; las primeras palabras de un melancólico Storace aparecían: “Hijos de la venganza, ¿podéis rescatarme?, me tienen atado a un viejo roble. Me tuvieron gritando, solo en la noche; estoy empezando a distinguir el bien del mal. Lo que es el bien y el mal. Las puertas se estaban oxidando mientras nos adentrábamos en la oscuridad; las estrellas, fuera, brillaban junto a la salida de la Luna. Los lobos aullaban afuera casi todo el tiempo y yo estaba congelado, temblando y sangrando en la noche. Sangrando en la noche”.

La intensidad aumentaba y venía el pomposo estribillo, que se repetía dos veces: “Gritando en la noche, luchando por mi vida, moriría por ti. Lo supe desde el principio, dirigiéndome a la luz del Sol, nuestro amor fue real”. Storace arrojaba unos cuantos gritos más y el solo épico de Von Arb hacía su entrada, pero duraba pocos segundos; el vocalista tenía que seguir con su crudo relato: “En la esquina del valle le pillamos por sorpresa; el sonido del acero resonó penetrante, por encima de los bramidos de la batalla. La encontré echada sin vida, con un puñal atravesando su corazón; la recogí, la sostuve y juré que sería vengada”.

Con estas líricas y el tremendo solo de Von Arb nunca habían sonado así de épicos y emotivos, lo que les valió para que este tema se colocara en la 21ª posición en el Mainstream y no dejara de rotar en la MTV. Incluso aun hoy día es retransmitido en muchas emisoras de radio.


-Para compensar volvían los KROKUS de siempre por sus fueros con “Ready to Burn”, un acelerado corte a lo “Bad Boys, Rag Dolls” pero en la más pura vena “heavy” de Motörhead o los Judas Priest del “British Steel”, y esto no sólo fue porque Rob Halford participara a la voz del mismo en los estribillos.



-Seguía por el mismo camino “Night Wolf”, aún más veloz que la anterior, pero más “rockera”. Una canción que podría haber sido cantada por Bill Byfford perfectamente, de incansable ritmo, una tremenda base rítmica y un solo punzante; una canción que fue escrita, además, para aparecer en la película de animación “Metal Hollywood”.



-De nuevo venía la experimentación con la versión “metálica” de la de Randy Bachman “Stayed Awake All Night”. Con una aproximación al estilo del “One Vice at a Time”, Storace sonando a lo Bon Scott como nunca, una base de ritmos casi “funkies” y el objetivo de sonar en la radio, se desarrollaba esta disfrutable canción con un solo de envolvente atmósfera y la letra simple y entretenida de Bachman, que hablaba de noches llenas de juerga sin fin, y que al final quedó 31.ª en el Mainstream.



-Llena de rabia, a lo “Eat the Rich”, aparecía “Stand And be Counted”, otra de mucho ritmo y buen “feeling” “rockero”. Una de la marca de la casa KROKUS donde Storace se libera para juntar a las masas, conseguir que estos canten al unísono, hagan “headbanging” y sigan el estribillo en los conciertos: “Algunos lo llaman revolución, otros, bueno, fruncen el ceño. Muy lejos de su ilusión es nuestro trabajo, así que dejad que lo hagamos. Vivo para probar una sensación de oscuridad en el tipo de lugares que nos conocemos; no esperemos a mañana, el momento es idóneo, tenemos que ir. ¡Levanta y únete!, millones juntos como uno solo; ¡levanta y únete!, de vuelta a la vida, existiendo a través de una zona peligrosa”.



-La espeluznante intro “White Din”, donde Von Arb y Kohler hacen un duelo de guitarras que crea expectación, sirve para traer una vez más a los KROKUS más duros. “Russian Winter” es una épica muestra de “hard 'n' heavy” y “speed” al rojo vivo; acelerado, enérgico y perfecto para acabar con un LP como este, dejando a los fans con ganas de experimentar más orgasmos (musicalmente hablando).

Pace y Von Rohr se coordinan a la perfección para crear una aplastante base rítmica de infarto, los dos guitarristas se marcan unos “riffs” abrasivos y solos rapidísimos, en la línea de los “priestianos” duelos Tipton/Downing, y Storace suelta con enfado unas atípica letras repletas de violencia con referencias a la guerra: “A través de la frontera y por las llanuras el tigre se cruza con el oso; nadie está en lo cierto ni equivocado, a nadie parece importarle. Luchan por el poder y la lujuria, derramando sangre sobre los desechos; a cientos de millas, sin nombres, el miedo permanece igual. Verano ruso, puertos rotos con vientos fríos en la oscuridad; el ganso está demente y asesina esta noche, la Luna llena brilla con ímpetu. ¡Corre por tu vida! (*4)”. Con ese estribillo tan vehemente el sonido va disminuyendo poco a poco y con eso concluyen los casi 37 minutos de “Headhunter”.

Como se ha dicho son ocho gemas que están entre lo mejor de la discografía del grupo, que obtuvo un éxito sin precedentes ganándose por fin la amplia legión de fans norteamericanos que siempre desearon.

Por desgracia, un incidente en el que se implicó Chris Von Rohr, desvelando a la prensa suiza ciertos malos hábitos de la banda en sus noches de diversión, hizo que aquel fuera despedido y reemplazado por Mark Kohler tomando el bajo, quien le dejó el puesto a otro nuevo guitarrista, Patrick Mason.

Pero además, al tener un management americano, fueron presionados para moverse en una dirección más comercial, al igual que les ocurrió a tantos otros grupos europeos de “heavy metal”, como ACCEPT o Scorpions. El resultado, tras un disco tan enorme como “Headhunter”, no podía ser otro que un descenso en el listón, llamado “The Blitz”, realizado en 1.984 y que mostraba a unos KROKUS más comerciales aunque sin abandonar sus raíces “rockeras”.

Visto con perspectiva, aquel trabajo aún gozaba de una decente fuerza y energía, sólo que sonaba muy americanizado.
Sin embargo en vez de recapacitar se fueron metiendo cada vez más en el pozo de la comercialidad, llegando a pasarse por “glammies” e incluir teclados en “Change of Address”, el peor esfuerzo que jamás hicieron.

Es la historia de siempre cuando un grupo llegaba a EE.UU., que si no sonaba en la radio desaparecía engullido por bandas noveles. No obstante los KROKUS que todos reconocemos son los de sus cuatro primeros discos de los '80, una banda de “hard rock” del más rudo dispuesta a hacer sudar a sus fans con temas colmados de gancho y energía, y uno de los bastiones del “heavy” europeo en los primeros años de la década de los '80 que todavía hoy tiene su buena sección de seguidores, tanto clásicos como jóvenes.

(Mejor canción: “Screaming in the Night”).



Temas
Side 1
Headhunter
Eat The Rich
Screaming In The Night
Ready To Burn

SIde 2
Night Wolf
Stayed Awake All Night
Stand and Be Counted
White Din
Russian Winter




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Rock Progresivo Español.Rompiendo la oscuridad: OMNI (colaboración de Félix Jota)

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Grupo de jazz rock progresivo del Puerto de Santa María, Cádiz. Se formaron en 1984 con el nombre de Alquimia grabando dos maquetas autoproducidas, llegando a ser finalistas del Primer Concurso Provincial de Maquetas organizado por la Diputación de Cádiz. Mezclaban el blues y el jazz con toques folk. No tuvieron mucha fortuna, ya que no eran buenos tiempos para el rock andaluz, pero lograron mantenerse durante seis años. 

En 1990 cambian al nombre de Omni  y con la ayuda de Chano Domínguez, ex teclista de Cai, consiguen grabar su primer trabajo, “Tras el puente”. Registrado en los Estudios Audiosur el LP no llegó a publicarse hasta pasados diez años, cuando la discográfica mexicana Luna Negra muestra su interés por recuperarlo. Un disco lleno de pasajes instrumentales con excelentes guitarras y teclados en sus nueve cortes. A destacar “Amazonas”, dividido en cuatro partes y con una duración de más de diez minutos. “Vuelo nocturno”, con excelentes toques de jazz al igual que “Viento de Levante” y el tema que da título al disco, donde se combinan a la perfección las guitarras y los teclados en sus doce minutos y medio. Alcanzan el éxito deseado, eso si, fuera de España, haciendo una gira triunfal por México.

  En 2002 editan nuevo trabajo con la misma discográfica, “El vals de los duendes”, y ya interesan a los avispados franceses de Musea y al sello brasileño Rock Symphony, que lo reedita un año después. Un disco, quizás menos monótono que el anterior, en el que ya no está Chano a los teclados, sustituido por Alberto Márquez. Temas sublimes, como el que da título al cd, “Ronda de las dunas”, con matices árabes y sonido floydiano y “Rompeolas”, con toques más flamencos, conforman un trabajo excelente. Esto les hace participar en el Festival Baja Prog en tres ocasiones consecutivas. Este mismo año, junto a la banda mexicana Cast, editan el disco Al-Andalus, grabado en Jerez de la Frontera.


  Cinco años después, 2007, editan nuevo disco. Esta vez autoproducido por ellos mismos y en edición limitada de mil copias. “Solo fue un sueño” contiene ocho temas excelentes, con paisajes a lo Camel, buenas guitarras y sonidos muy melódicos. A destacar  “El tren de Rota” y “Un columpio sobre el mar”. En 2009, es reeditado en vinilo por Pat Records, en una tirada cortísima y limitada de 300 copias. Con un tema menos y con diferente portada, hoy día auténtico tesoro y pesadilla de coleccionistas. Salvador Vélez y J. Luis Algaba abandonan el grupo y graban una maqueta en 2007 con el nombre de Sincopao, acompañados a la batería y voz de Mario Bocanegra, antiguo componente de Alquimia.

  Actualmente trabajan en la grabación de su cuarto disco, que según reza en su web, llevará por título “Crónicas del viento”. Con la incorporación de contrastados músicos como Iñaki Egaña y Kiko Guerrero. Ojalá alcancen el reconocimiento merecido en nuestro país.

1ª FORMACIÓN:
MICHAEL STARRY: Guitarra y Teclados
JOSÉ LUIS ALGABA: Bajo
SALVADOR VÉLEZ: Voz y Guitarra Rítmica
PEPE TORRES: Saxo y Flauta
CHANO DOMINGUEZ: Teclados
JOSÉ MARÍA COLÓN: Batería y Percusión

2ª FORMACIÓN:
MICHAEL STARRY: Guitarra y Teclados
JOSÉ LUIS ALGABA: Bajo
SALVADOR VÉLEZ: Voz y Guitarra Rítmica
PEPE TORRES: Saxo y Flauta
ALBERTO MÁRQUEZ: Teclados
ISMAEL COLÓN: Batería y Percusión
ROCÍO PINA: Voz

3ª FORMACIÓN:
MICHAEL STARRY: Guitarra 
PEPE TORRES: Saxo y Flauta
JUAN RÍOS: Guitarra Rítmica
ALBERTO MÁRQUEZ: Teclados
ISMAEL COLÓN: Batería y Percusión
JESÚS CABRAL: Bajo

DISCOGRAFÍA:
Tras el puente 
(Luna Negra 2000) Referencia CDLN-15  Cd





El vals de los duendes 
(Luna Negra 2002) Referencia CDLN-18 Cd
   (Musea 2002) Referencia FGBG 4440 AR Cd
            (Rock Symphony 2003) Referencia RSLN 071) Cd


Solo fue un sueño 
(Autoproducido 2007) Cd Edición Limitada
                  (Pat Records 2009) Referencia 003 LP Edición Limitada





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Ensayos sobre un sonido (EM): ISAO TOMITA - THE BERMUDA TRIANGLE (1978) (colaboración J.J. Iglesias)

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La pasada semana se nos fue otro grande. Murió  Isao Tomita  a los 84 años de una insuficiencia cardíaca. Vaya año. El japones comenzó  a crear fantasías electrónicas en los finales 60. Y fue con el auge de los "Switched on Bach" de Walter (por entonces) Carlos, que decidió  seguir una senda similar. Pionero de los primeros modulares, sintetizadores-prototipo y sonidos más  avanzados del momento. Sus adaptaciones de música  clásica son tan especiales, que entran dentro de su propia creatividad. Stravinsky, Sibelius, Mussorgsky, Holsr, Debussy.....todos suenan inequívocamente a Tomita cuando los moldea y procesa por sus instrumentos tótem de síntesis. 

Este es uno de mis discos favoritos del maestro. Por música  y por tema a tratar. Las películas  de temática cósmica y los libros de Von Daniken, estaban pegando fuerte por entonces.

El catálogo de sonidos expresado en esta obra, en plenos 70, es apabullante. El texto que acompaña al álbum, escrito por él  mismo, es suficientemente explicativo de lo complicado que resultaba en aquellos días crear una obra como ésta. En la que adapta sobre todo piezas de Prokofiev (también  de Sibelius y el "Encuentros en la Tercera Fase" de John Williams), para dar vía libre a su inabarcable imaginación musical. El equipo instrumental aquí  desplegado es, simplemente, lo mejor y más  avanzado para 1978. Moogs y  Roland en todas sus gamas. Secuenciadores, ecualizadores, Korg Vocoder (el primero?...), Eventide,  Hohner Clavinet, Mellotron con Leslie Speaker....Todo un arsenal analógico  para "Una Fantasía Musical de Ciencia Ficción " como subtitula el álbum.


Con títulos  como "Children Playing in Agharta, the deep und", basada en el Allegro Marcato  del Segundo Movimiento de la Sinfonía 5 de Prokofiev. Insisto en que si no nos dijeran que esto está extraído de piezas de clásica  (en su mayor parte), no nos enteraríamos. El aporte propio de Tomita es inmenso. En un personal estilo donde el romanticismo y las cadencias grandiosas van ensamblados naturalmente con electrónica futurista. En más  de un momento puede recordar a otros grandes de la electrónica  romántica,  The Enid.


Otra característica de este álbum es su portentoso sonido analógico : " Este álbum se diferencia de mis otros álbumes en que el Master fue grabado en cinco pistas. Idealmente, debería  ser oído a través  de cinco altavoces, cuatro en el rectángulo convencional, y el quinto suspendido en el centro, como una pirámide sónica ".
Sus pasajes eran-son-serán  de una profunda belleza descriptiva. Recuerdo vivamente a mi hermana en su adolescencia, pillandome la cinta de "Firebird" y usando su "Una Noche en el Monte Pelado" de Mussorgsky para sus invocaciones satánicas  (!!!???). Esto es real.

Otro grande que nos deja con más de 40 discos llenos de onirismo electrónico  ensoñador. Descanse en paz en sus reinos de fantasía. 

P.D.-" Me considero un animador de sonido, en buena medida como un realizador de películas de dibujos animados". (ISAO TOMITA)




Temas

A1A Space Ship Lands Emitting Silvery Light (Tomita: The Arrival Of A UFO)2:22
A2Electromagnetic Waves Descend (Prokofiev: "Romeo And Juliet" Suite No. 2)1:29
A3A World Of Different Dimensions (Sibelius: Valse Triste)2:04
A4The Giant Pyramid And Its Ancient People (Prokofiev: Scythian Suite)6:36
A5Venus In A Space Uniform Shining In Fluorescent Light (Williams: Close Encounters Of The Third Kind)5:15
A6Space Children In The Underground Kingdom Called Agharta (Prokofiev: Symphony No. 5: Second Movement)5:46
A7The Earth - A Hollow Vessel (Tomita: Dororo)4:38

B1The Song Of Venus (Prokofiev: Violin Concerto No. 1: First Movement)3:52
B2Dawn Over The Triangle And Mysterious Electric Waves (Prokofiev: Symphony No. 6: First Movement/Tomita: Computer Data Signals)2:22
B3The Dazzling Cylinder That Crashed In Tunguska, Siberia (Prokofiev: Symphony No. 6: First Movement)7:28
B4The Harp Of The Ancient People With Songs Of Venus And Space Children (Prokofiev: Violin Concerto No. 1: Third Movement)7:51
B5The Visionary Flight To The 1448 Nebular Group Of The Bootes (Tomita: Departure Of The UFO/Prokofiev: Scythian Suite/Yamamoto: Vocoder)




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Javier Bátiz - Coming Home 1.971

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Cuenta la leyenda que Javier Bátiz fue quien le enseñó a tocar la guitarra a Carlos Santana. Algo de verdad hay en esa aseveración y el propio Santana se ha encargado de confirmarlo en varias entrevistas. Lo cierto es que Javier le enseñó su amor por los grandes bluesman, John Lee Hooker, Muddy Waters, B.B. King y Jimmy Reed.


Javier Isac Medina Núñez, conocido por Javier Bátiz, nació en Tijuana en 1.944. A mediados de los 50 forma su primer grupo, Los TJ's. donde posiblemente también tocaba Carlos Santana. En el 63 se traslada a Ciudad de México y actúa en numerosos locales bajo el nombre de Javier Bátiz and the Famous Finks, ese mismo año sale a la luz su primer disco y muy pronto es considerado uno de los baluartes del rock mejicano. Durante los 60 tuvo la oportunidad de tocar en los grandes conciertos de su país, forjándose una gran reputación. Javier es considerado el padre del rock mejicano, con una amplia discografía que llega hasta nuestros días. En el 2.000 participó en el tema ¨The world of make believe¨ del disco  Boogie 2000 de Canned Heat.


En esta grabación de Javier Bátiz podemos escuchar sobre todo buen blues con algo de soul. Bátiz se hace cargo de la guitarra, el piano y la voz, acompañándose en algunos temas por una sección de viento. Tenemos la fuerza de su guitarra en "Christine", que me recuerda al "Lucille" de Little Richard,  y en ""Try One Time" que abre el disco. El alma soul lo refleja en “Down Broken Hearted” y “Let Me Give My Love to You”. También tenemos baladas del tipo de "It´s Done and Gone" y "I Won´t Ever". En definitiva un buen acercamiento a este grande  del rock mejicano.





Temas
1. Try it one time
2. Let my give my love to you
3. Christine
4. It´s done and gone
5. Why do you do me
6. Getting throug
7. I wont ever
8. Down broken hearted
9. I´m not the one
10. Coming home

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WIRELESS - No Static (1980) (colaboración J.J. Iglesias)

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Si te da por investigar el rock 70s de Canadá,  y no te quedas en los cuatro tópicos  de siempre, te auguro sorpresas valiosas e inacabables.Como la de esta banda de Toronto. Formada en los mediados de la década  y editando  su debut en 1976 para el sello Atlantic. Sus componentes eran Michael Lalonde (voz solista), Glenn Beatson (batería), Alan Marshall (bajo, voces), Michael Crawford y Steve McMurray (ambos guitarras y voces).



Giraron por toda Canadá  numerosas veces con Rush. Abriendo en Tours como el de la grabación  de"All the World's a Stage" (2112?), o "Hemispheres". Y es que su estilo encajaba como un guante al lado del genial trío.

Una sabía mezcla de hard rock pasado por un fresco filtro progresivo, siempre con la solidez guitarrera en mente.

En el 79 editan "Positively Human, Relatively Sane" en el mismo sello de sus compañeros de carretera, Mercury/Anthem. Hay algún  cambio. Entra en la batería  Martín Morin y se encarga de la voz solista el guitarra Michael Crawford. Como si no hubiera suficientes paralelismos con el trío  más  famoso de Canadá,  en "No Static" (1980) el ingeniero es Paul Northfield, habitual de éstos,  y el productor es...Geddy Lee!!! Y se nota, vaya que si se nota. Otra más,  es grabado en Le Studio, Morán Heights, Montreal. Donde Alex, Neil y Geddy han grabado unos cuantos clásicos. Todo huele a Rush-circle.



"Pay to Ride" abre como un ciclón de power pop/hard rock no lejos de Cheap Trick. Y su fuerza e inteligente construcción quedarían  muy bien en "Permanent Waves", álbum editado ese mismo año.' 
Existen rumores (no confirmados) de que en "Timekeeper" toca el bajo el mismísimo Geddy. No lo sé,  pero su línea vocal adelanta el estilo que él  adoptaría a partir de "Signals" o "Grace under Pressure". Los dos guitarras arrasan, y recuerdan más a Moxy o Wrabit, slide incluida.

"Go Naked Through the World" sigue sin dejar prisioneros. Un temazo para el primero de Rush o "Fly by Night"

En "One of a Kind" serían buenas referencias Rainbow (con Joe Lynn Turner) o los inolvidables Triumph.

WIRELESS aúnan como nadie inteligencia y potencia.
Su forma de componer tiene algo que los destaca. Y en "East of the Sun, West of the Moon" es un claro ejemplo de esto. Más  músculo  (trabajado) en "Deep Heat".....Escucho estas canciones e inevitablemente me las imagino con la voz del Geddy de entonces. Y eso que Crawford no lo hace nada mal. Pero se nota demasiado la guía del narizotas bajista. 

"Warm Night with a 3.4 Moon" tiene toda la mano progresiva, nunca mejor dicho, de Rush. También tiene sus paralelismos con las hard-voladas de Máx Webster. Todo queda en casa. Probablemente es mi pieza favorita, aunque hay donde elegir. 

Otros paisanos, Prism, me vienen a la memoria cuando escucho "Friends". Finalizando con otra andanada hard-prog que parece una parte de "The Temples of Syrinx" en su introducción. 

Su poder evoca ése  mismo nivel de calidad: "Journey of a Possible Hero". Otro sublime ejemplo de que Wireless debió  contar con más  suerte. Al menos en este último (y breve, 33 mts, ahora lo llamarían  mini-album). Por fortuna nos dejaron tres sabrosas rodajas de plástico negro. "No Static" no debería  de pasar inadvertido nunca más. Al menos para los fans de Rush.




Temas
A
1) Pay to ride 0:00
2) Timekeeper 2:47
3) Go naked through the world 6:03
4) One of a kind 9:22
5) East of the Sun, west of the moon 12:27

B

1) Deep heat 16:44
2) Warm night with a 1/4 moon 19:54
3) Friends 23:44
4) Journey of a possible hero 27:46


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Rock Progresivo en Japón: COSMOS FACTORY (colaboración Alberto Torró)

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Se trata de un antiguo grupo de los 70, con las influencias y estilos imperantes en la época. Cosmos Factory suenan  entre un particular cruce de psicodelia, space rock, hard y progresivo. Utilizan muchos efectos de moog y melotron, bastante Hammond, la típica guitarra ácida y distorsionada en boga más algún atrevimiento avandgarde.


No es fácil definirles porque a veces parecen rock alemán, otras los Floyd o Deep Purple y retazos antiguos a lo Iron  Butterfly, amen de peculiaridades propias.


Grabaron cuatro Lp's entre 1973 y 1977 y suelen estar muy bien considerados entre los buscadores de rarezas en los inicios del progresivo japonés.

Discografia: 
And Old Castle Of Transilvania (1973)


Temas
1.- Soundtrack 1984 00:00 
2.- Maybe 03.23 5:54
3.- Soft Focus 09:19 3:39
4.- Fantastic Mirror 12:57 
5.- Poltergeist 17:29 
6.- An Old Castle Of Transylvania 21:57  
(i) Forest Of The Death 
(ii) The Cursed 
(iii) Darkness Of The World 
(iv) An Old Castle Of Transylvania

Formación
 Toshikazu Taki: bajo, voz
 Kazuo Okamoto: batería
Hisashi Mizutani: guitarra, voz
 Tsutomu Izumi: teclados, voz



A Journey With The Cosmos Factory (1975)

 Black Hole (1976)



Metal Reflection (1977)





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TRIUMVIRAT - Old loves die hard (1976) (Colaboración Juan Carlos Rustarazo Vicente)

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Debido a su sonido y forma de estructurar las canciones, TRIUMVIRAT serían denominados por la crítica como un clon o una copia alemana de EMERSON, LAKE AND PALMER. Estaba formado igualmente por 3 músicos (aunque el álbum que trato en este caso está compuesto de 4), y eso sirvió para que fueran bastante castigados en el mundo del rock sinfónico tildándolos de banda de 2ª división, falsa y aprovechada.


Es cierto que absorbieron por completo las formas, los tiempos, las secuencias y la manera de tratar los teclados de los británicos pero sus composiciones son originales y eso no se puede desprestigiar. Y son composiciones de mucha calidad realizadas por su estrella, Jürgen Fritz (escribe todo él), un hombre hipercreativo y al igual que Emerson , un monstruo de los teclados. Tras escuchar numerosos lp's no me parece justo que fueran vilipendiados. Sus obras tal vez no alcanzan el nivel de complejidad compositiva de ELP, son más directas, pero contienen pasajes realmente magistrales.

Ciñéndonos a la obra que tenemos entre manos, un vinilo ya avanzado en su discografía, hay que decir que rompe las formas respecto a los anteriores. Para empezar se une a ellos Barry Palmer como voz principal, pero además sus melodías y atmósferas se hacen menos barrocas, más abiertas y frescas, introduciendo más instrumentación y armonías y por parte de Fritz los teclados se hacen más etéreos y lineales buscando profundidad. La preferencia por el Hammond se diluye en este álbum dejando paso a otros timbres más espaciales, aunque no va a olvidar por completo su estilo ofreciéndonos un clásico (Panic on 5th avenue).


La música presenta más sentimiento, más calidez, más matices, más arreglos y todo ello contribuye a que su accesibilidad sea mayor. Melodías más maduras contienen juegos vocales y coros. El resultado es que se gana en variedad y se pierde agresividad.
Incluyen baladas muy bien construidas a base de melodías sencillas pero sensacionales, con pasajes al piano de varios minutos deliciosos en la que Palmer nos ofrece su mejor voz plagada de sentimiento.

El punto anecdótico, casual o no sé cómo llamarlo es el tratamiento del corte "The history of mistery" un tema que termina en la primera cara y continua en la segunda como una especie de reprise y que se asemeja terriblemente al "Karn evil 9" de los ELP, ya no solo en la factura sino que igualmente se colocó en el vinilo de la misma forma, con una segunda parte la comienzo del otro lado a modo de reprise.

Un grupo magnífico a pesar de su irremediable comparación con el trío inglés. A descubrir y disfrutar.



Temas
01. I Believe (Jürgen Fritz/Hans Bathelt) - 7:50 
02. A Day In A Life (Fritz) - 8:13 including: 
a). Uranus' Dawn 
b). Pisces At Noon 
c). Panorama Dusk 
03. The History Of Mystery - Part One (Fritz/Bathelt/Barry Palmer) - 7:50 
04. The History Of Mystery - Part Two (Fritz/Bathelt/Palmer) - 3:59 
05. A Cold Old Worried Lady (Fritz/Palmer) - 5:50 
06. Panic On 5th Avenue (Fritz) - 10:30 
07. Old Loves Die Hard (Fritz) - 4:26 

Formación:
Jürgen Fritz.................Grand piano, Hammond VC3, sintetizadores Moog, Fender, etc
Hans Bathelt...............Batería
Barry Palmer...............Voz líder
Dick Frangenberg........Bajo

PD: Nuestro amigo Juan Carlos Rustarazo tiene un magnífico blog, Las tierras altas del progresivo, que os invito a visitar. Gracias Juan Carlos por tu colaboración

Por cierto os recuerdo que ese pequeño gesto que es pinchar en 
es muy importante para que el blog continue. El blog es posible gracias a vosotros.

Rock Progresivo Español.Rompiendo la oscuridad:AZAHAR (colaboración de Félix Jota)

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Grupo de Madrid formado en 1977 por el egipcio Dick Zappala,  que venía de colaborar en el disco “Ciclos” de Canarios y en la obra “Jesucristo Superstar”, interpretando el papel de Herodes. Lo acompañaba el músico uruguayo Jorge “Flaco” Barral, que en su país militó en los grupos “Días de Blues” y “Opus Alpha”. Aquí en España participó en el disco de Hilario Camacho “La estrella del alba”, tocó con Bueyes Madereros y junto a Joan Albert Amargós con Música Urbana. Con Gustavo Ros, que graba con Granada en el LP de Diego de Morón, y Antonio Valls, que venía de Paracelso, empiezan a dar forma a Azahar y graban su primer disco para la Serie Gong que dirigía García Pelayo, “Elixir”, en los Estudios Sonoland de Madrid. Música ácida y sinfónica, sin uso de batería.


 Para abrir boca “Campos de azahar”, con buenos riffs de guitarras y tremendas dosis de mellotrón y sintetizadores, de lo mejorcito del disco. A recordar su interpretación en el programa de TVE “Popgrama”. “¿Qué malo hay Señor Juez?” es un tema de denuncia en el que destaca la voz de Zappala y los toques de guitarra española. Le siguen las dos piezas mas experimentales, “¡Es que esto no tiene nombre!” y “Mercaderes”. “Un hombre cansado”, con algún toque flamenco, y “Cántaros de fuego”, con entrada folk y buenos solos de guitarra. Para cerrar la suite “Viaje a Marruecos”, más de once minutos divididos en tres partes, con toques sinfónicos y arabescos y alguna estrofa cantada en marroquí. Algún fragmento de estos temas fue elegido por Pelayo para la banda sonora de su segunda película, “Vivir en Sevilla”.

  Vuelven a meterse en el estudio para grabar “Azahar”, su segundo trabajo, en el que ya no están Flaco Barral ni Gustavo Ros, que ponen en marcha el proyecto Azabache, grabando otros dos discos. Son sustituidos por Manolo Manrique a los teclados y Willy Trujillo en la batería y percusión, antiguo integrante de grupos como Fly o Manantial. Cuentan con la colaboración del guitarrista Enrique Carmona, que anteriormente estuvo con Triana. El LP se abre con el tema más progresivo, “Expreso a Ketama”, con buenas guitarras y teclados. Los cortes siguientes, “La naranja y el limón” y “Noche de primavera” son más al estilo rock andaluz, aunque la voz de Dick Zappala les da un cierto aire moruno. “Zahira”, brillante instrumental con algún toque flamenco y “Bulerías de lujo”, con buen solo de batería de Willy y final jazzístico, dan paso a “El mago acidote”, casi diez minutos de buenos teclados y aires andaluces, el tema más largo y brillante. El disco acaba con “Aire y fuego”, al estilo Alameda y “Expreso de Ketama”, otro instrumental donde destacan los teclados.

  Hicieron varias actuaciones por toda España, siendo las más destacadas la de la Discoteca M&M de Madrid, en 1977 y la de la Plaza de Toros de Marbella en Málaga. Antonio Valls falleció en 2004 y Dick Zappala también nos dejó en Diciembre de 2009. Barral continuó ligado a la música con el grupo Raza, con los que graba un single en 1984, Labanda y el suyo propio Flaco Barral Trío. 

1ª FORMACIÓN:
DICK ZAPPALA: Voz, Solina y “Vasos de Agua”
JORGE “FLACO” BARRAL: Bajo, Guitarra Acústica, Española y Percusión
ANTONIO VALLS: Guitarra Eléctrica, Acústica, Española y Mandolina
GUSTAVO ROS: Piano, Sintetizadores y Mellotrón

2ª FORMACIÓN:
DICK ZAPPALA: Voz
MANOLO MANRIQUE: Teclados
ANTONIO VALLS: Guitarras y Mandolina
WILLY TRUJILLO: Batería y Percusión

DISCOGRAFÍA:
ELIXIR 
Movieplay-Gong 1977 Ref. 17.1235 LP
           Fonomusic 1997 Ref. CD 1402 CD
           Fonomusic/Dro Ref. 5046703222 CD Digipack



AZAHAR 
Movieplay-Gong 1979 Ref. 17.1536 LP
               Fonomusic 1997 Ref. CD 1423 CD
               Fonomusic/Dro 2006 Ref. 5046657795 CD Digipack






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JIMMY SMITH - Root Down 1.972

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Hammond B3 , instrumento maravilloso que durante las décadas de los 60 y 70 fue imprescindible en los grupos de rock. Uno de los pioneros que marcó el camino de su manejo fue Jimmy Smith representando una notable influencia para músicos de la talla de  Jon Lord, Brian Auger, Keith Emerson, etc.


Jimmy Smith nació Norristown, Pennsylvania, en 1.928. Un auténtico niño prodigio que a los nueve años ya ganaba concursos musicales. Se matriculó en la Hamilton School of Music para estudiar contrabajo. A principios de los 50 comenzó a desarrollar su amor por el Hammond B3 trasladándose a New York. En el 55 forma su propia banda, un trío. llegando a actuar en el Festival de Newport. Ficha para Blue Note y en el 56 edita su primer disco, "A New Sound, A New Star: Jimmy Smith at the Organ". Durante esta década realizó importantes grabaciones con estrellas del jazz,  Kenny Burrell, George Benson, Grant Green, Stanley Turrentine, Lee Morgan, Lou Donaldson, Tina Brooks, Jackie McLean, Grady, etc. También realizó grabaciones para bandas sonoras , "The Sermon" para la película. " Get Yourself a College Girl". Durante los 70 realizó multitud de giras influyendo notablemente en los teclistas del rock. Murió en 2.005. En definitiva un gran músico con una amplia y variada discografía.

La grabación nos muestra un pletórico Jimmy Smith actuando el 8 de Febrero de 1.972 en el Bombay Bicycle Club de los Ángeles. Su música navega fundamentalmente por el jazz con notable pinceladas blues y funk. El ambiente está claramente dominado por el sonido Hammond y el virtuosismo de Smith. Temas largos tipo "jam" donde tímidamente quiere abrirse paso Arthur Adams, guitarra, el cual pone su toque blues. La percusión de Buck Clarke también quiere participar de la fiesta. Temas destacados "Sagg Shootin' His Arrow" y por supuesto su gran éxito "Root Down (And Get It), tema que los  Beastie Boys samplearon para su  "Root Down.".





Temas
1.- Sagg Shootin' His Arrow 11:47
2.- For Everyone Under The Sun 5:54
3.- After Hours 7:46
4.- Root Down (And Get It)  12:29
5.- Let's Stay Together 6:26
6.- Slow Down Sagg 10:30

Formación
Jimmy Smith: Hammond B3 
Paul Humphrey: batería
Wilton Felder: bajo
Buck Clarke: congas y percusión
Arthur Adams: guitarra
Steve Williams:armónica

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Ensayos sobre un sonido (EM):AGITATION FREE - Fragments (1974) (colaboración J.J. Iglesias)

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Importantes bandas alemanas psicodélicos fueron la semilla de la que fructificaron los más notables sintetistas kosmische. Así,  de Ash Ra  Tempel saldría Klaus Schulze. De Popol Vuh , Florian Fricke. Organisation daría  pasó a Kraftwerk. Between a Peter-Michael Hamel o Agitation  Free a Christopher Franke o Michael Hoenig.

El verano del amor en 1967, vio nacer en Berlín a uno de los grupos más emblemáticos del luego llamado krautrock, Agitation  Free. Y ciertamente, su fulgor en activo, y estela posterior, han sido de recuerdo histórico. Un mérito,  dado el poco tiempo que se dio la banda. Tan sólo  dos álbumes fueron registrados estando en vida. El exótico y extraordinario "Malesch" (1972) y "2nd" (1973), ambos editados en Vértigo.

Un tercero grabado en vivo en el 74, "Last", se editó  póstumamente en el 76. De esos últimos  días  apareció  en 1995 en Spalax, "Fragments", también  en directo. Esta última  alineación  constaba de los fundadores Michael Gunther (bajo) y Lutz Ulbrich (guitarra). Además  de Burghard Rausch (batería ), -puesto que había  pertenecido antes a Christopher Franke- (hay que ver cuánto batería-sintetista salió  de éste género ), Gustav Luctjens (guitarra) y Michael Hoenig (teclados y un viejo amigo de ésta  sección ).

Esta grabación pertenece al 14 de noviembre de 1974, efectuada en el Studentenclub Eichkampf de Berlín. Un concierto gratuito para celebrar el último  evento musical de la banda. Que contó con casi todos los miembros del pasado e invitados y amigos. Fue una sesión  continua,  tocando en constante cambio de configuración  de miembros, con la improvisación como herramienta fundamental de trabajo. Afortunadamente, Klaus D. Muller (después mánager de Klaus Schulze), grabaría todo el concierto. Del que se eligieron estos temas para "Fragments" : "Someone's Secret" (17'14), "Mickey's Laugh" (10'00) - dedicada a otro visitante de esta sección,  Michael Duwe -, "We Are Men" (10'21) y el tema de estudio grabado para la radio en julio de ese año, "Mediterranean Flight" (4'00). Ésta  última muy en onda Máx Suñe en solitario.
Las jamás son pura lisergia auditiva, aunque no de difícil escucha. Ya que estos músicos coqueteaban, y después  se entregarían a ello de lleno, con el jazz y formas similares.

Las guitarras de Ulbrich y Luetjens juegan a entre cosas telas de araña eléctricas,  recordando poderosamente los vuelos sin motor de Jerry García y Bob Weir en Grateful Dead. De hecho fueron estandarte de la primera psicodelia alemana residiendo asiduamente en el Zodiac. La respuesta germana al UFO londinense.

Los teclados de Hoenig apoyan y colorean el espacio con notas tie-die,  mayormente al órgano y piano eléctrico. Ofreciendo junto a una jazzistica  sección  de ritmo, un muy fluido discurrir en sus magníficas improvisaciones.

Otros álbumes de similar factura a éste  son " At the Cliffs of River Rhine" (realmente la continuación  a éste ), o "The Other Sides of Agitation Free".

Lutz Ulbrich vivió durante un tiempo con Nico en Francia. Editó varios lps y se unió a Ashra. Michael Gurther y Gustav Lutjens fundaron la banda Lagoona e hicieron un tour por Dinamarca. Y Burghard Rausch formó  Bel Ami. De Michael Hoenig ya se ha hablado en anteriores "ENSAYOS..."

En el 2004 se volvió  a reunir esta misma formación  (30 años después! ), editando varios discos.


Agitation Free es esencial para entender toda la escena 70s alemana. Mejor comenzar por discos como éste  (o similares). Para luego comprender optimamente su obra maestra "Malesch".
...Porque la Agitación debe ser SIEMPRE Libre!!!

P.D.- " Se puede y se debe usar la máquina. Está  creada por el hombre y tiene alma de hombre". (MICHAEL  KAROLI - CAN).





Temas

1 Someone's Secret 18:13
2 Mickey's Laugh 10:00
3 We Are Men 10:20
4 Mediterranean Flight 4:03




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TREE FOX – Rough Road (1.978)

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Después de unos días  en estado catatónico debido a un virus intestinal, me apetecía escuchar música del tipo de la que realizaba Tree Fox, rock sureño alegre y divertido. 


Tree Fox se movió fundamentalmente por la zona de Albany, New York, durante la segunda mitad de la década de los 70. En el 76 editaron su primer single y en el 78 ve la luz de forma privada "Rough Road" del que se extrajeron dos temas para su edición nacional, “15/20” y “Wanderin’ Man”. La banda estaba compuesta por: Larry Quinn (voz, guitarra acústica),  Rich Ertelt (guitarra),  Leo Muzzy (guitarra, teclados), Eliot Collins (bajo) y  Bruce O´Keefe (batería).


Tree Fox nos ofrecen rock sureño con todos sus ingredientes. Buenas guitarras, gran teclista, magnífica sección rítmica y la gran voz de Larry Quinn. Podemos encontrar influencias de sus hermanos mayores Allman Brothers, The Marshall Tucker Band, etc. Temas destacados: "3 Day Weekend", donde hacen honor a sus influencias. " Some Woman's Man", gran blues con un finísimo guitarrista, Rich Ertelt. "Where Does that Leave Me ?, campestre total. Y por supuesto " Doin' What I Wanna Do", la esencia del rock sureño.






Temas
1. 15/20 00:00
2. 3 Day Weekend 04:04
3. Oh Linda ! 06:40
4. Some Woman's Man 09:27
5. Nothin' Ever Stays the Same 16:40
-
6. Where Does that Leave Me ? 20:26
7. Doin' What I Wanna Do 23:59
8. Wanderin' Man 26:57
9. Leavin' in the Mornin' 30:47
10. Rough Road 35:31

Formación
Larry Quinn :voz, guitarra acústica
Rich Ertelt :guitarra
Leo Muzzy: guitarra, teclados
Eliot Collins :bajo
Bruce O´Keefe :batería

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KULTIVATOR - Barndomens Stigar (1980) (colaboración J.J. Iglesias)

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Cuando hablamos de la fe y moral de adamantium de los grupos progresivos españoles de los 70, no debemos olvidar que ese mismo mérito  lo tuvieron también en otros muchos sitios. En 1978, en Linkoping, Suecia, unos locos que venían   de tocar en Tunnelbanan, grupo influenciado por Yes y Génesis, decidieron rizar el rizo. O mostrar todavía  más rebeldía en su propuesta.

Así que formaron KULTIVATOR, con influencias aún más  marcianas, extremas, bizarras, pero no por ello menos maravillosas. El sonido Canterbury, el francés  Zeuhl, elementos del folk sueco o el Rock In Opposition. Magma, King Crimson, Hatfield and the North, National Health, Henry Cow, Art Bears, Gentle Giant, Art Zoyd, Univers Zero...en sus propias palabras, fueron algunas de sus influencias. Una nueva "secta sónica " en la que solo cabían  los más atrevidos de orejas y mente. Kultivator se apuntó a ésta corriente, dejando los sinfonismos prog de anteriores aventuras. En un mundo perfecto, el verdadero punk, donde la radicalidad y extremismo instrumental hubieran sido la respuesta a tanta pompa anterior, hubieran sido estilos como los reseñados. No se me ocurre nada más "punk" que el R.I.O.Pero todos sabemos que no fue así. 

Stefan Carlsson (bajo, pedales de bajo), Johan Hedren (Rhodes, órgano, sintetizadores), Jonás Linge (guitarras, voz), Ingemo Rylander (voz solista, recorders, Rhodes) y Johan Svard (batería y percusión ), eran Kultivator. 

La delicada voz de Ingemo, que automáticamente asociamos a las de Bárbara Gaskin o Amanda Parsons, nos adentra en un país de las maravillas canterburyanas. Donde el piano eléctrico ante todo, la fina guitarra eléctrica con sus espasmos de violencia, y las matemáticamente intrincadas andanadas rítmicas hacen que nos sumerjamos en un mundo subterráneo de ensoñación progresiva surrealista sin límites. Son evidentes las influencias que ellos mismos proponen. Pero ponerse a ese nivel es elevar el listón muy alto. Y Kultivator rezuma ganas, técnica, pasión por el estilo y orfebrería churrigueresca artesanal. Todo muy humilde, pero espectacular.


Como un "The Rotter's Club" o un "Of Queues and Cures".
Los desarrollos instrumentales de "Kara Jord" (7"07), "Grottekvarmen " (7'05) o "Novarest" (6'14) no tapan a piezas más breves como "Vemod", "Hoga Hastar", "Varfol","Smafolket" o el tema titulo, donde la esencia folk sueca se deja notar con maravillosas melodías paganas, rústicas y del bosque encantado.
Este disco pronto se convirtió en una sabrosa pieza de coleccionista, llegando a altas cifras en ese mercado.


Ad Perpetuam  Memoriam lo editó en cd en los 90. Incluyendo una antigua composición , "Haxdans" (6'35), que se excluyó del álbum original por falta de espacio, y fue rehecha en el 92. Es otra joya a aumentar en el disco.

Existe un segundo bonus, una pequeña medley de los tiempos de Tunnelbanan, que procede del 79, en su primer concierto con Kultivator. Tan sólo  dieron unos 6 o 7 de éstos. Visto que la demanda popular se acercaba más  al punk y la new Wave. Tiempos erróneos. En un concierto en Motala tocaron ante tres personas, que pronto también se fueron. En esto también me recuerdan a los españoles.

En vista del panorama desolador que ofrecían las nuevas modas, decidieron separarse. Dejándonos esta joya atemporal para mimar, acariciar y visitar muchas veces.

Pura sanación reiki-mental para la estupidez urbana diaria.





Temas
1- Höga Häster 3:38
2- Vemod 2:38
3- Småfolket 5:13
4- Kära Jord 7:06
5- Barndomens Stigar 5:13
6- Grottekvarnen 7:02
7- Vårföl 2:53
8- Novarest 6:17

Bonus:
9 Häxdans 6:37
10 Tunnelbanan Medley 2:19
11 Novarest Live 12:23

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Rock Progresivo en Japón: CINDERELLA SEARCH (colaboración Alberto Torró)

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Entramos en una de las bandas típicas del sinfónico japonés de los
90 y por consiguiente muy occidentalizadas en su sonido. De entrada cantan en inglés y los pasajes no andan muy lejos de los
grupos que todos llevamos en la cabeza, tipo Marillion, Pendragón, IQ etc . No obstante los japoneses en general, ponen su característica y no vulgarizan todo en mera copia. 


En realidad si los escuchas atentamente, no se parecen demasiado a los grupos mencionados y son bastante más ricos en arreglos y composición de lo que a primera vista pudiera parecer. Yo diría que tienen bastante más gusto que unos Marillion o Pendragón por ejemplo y los arreglos, repito, como en el caso que nos ocupa, son bastante más elegantes y sofisticados. Ponen en lo que hacen una delicadeza que ni de lejos los neoprog británicos poseen.

El primer álbum de Cinderella Search es una pequeña joya sinfónica. Sin pretensiones ni exabruptos la música camina calma, con un violín solista cadencioso y amable en unas melodías muy cuidadas y deliciosas. El cantante sin ser nada del otro mundo, incluso algo lánguido, se ajusta perfectamente al entramado sonoro general y no hacen falta los gritos del Fish (Marillion) en ningún momento. El estilo romanticón por que no decirlo, te permite disfrutar de 50 mtos de música realmente bella y agradable. La pieza Remember You es antológica. Lástima que grabaron tan sólo dos discos. 
Discografía: 
Cinderella Search (1993)


Temas
1.- Siberia of Snow 00:00
2.- Don't You Feel Any Better? 08:48 
3.- I Got My Mystery 13:27 
4.- Fabliaux 19:16 
5.- Voice From the Universe .- Dulce Warning 23:47 
6.- The Grasshoppers Fly High 34:30
7.- Remember You... 40:29


                          Stories of Luminous garden (2001)
                                                      



Temas
1. Led Noa Departure 00:00 
a) Scene of the shelter 
b) March for the departure 

2. Two drifters 02:05
3. Knights of desert 08:59
4. Life's like a Roulette game 13:23
5. Snowfall 19:43
6. When the wind blows on Lavender Hill 26:30 
a) The reminiscence
b) My little blossom 
7. Mon ami Pierrot 35:10
8. Snowfall (Reprise) 39:24
9. Silent fairy dance 41:45
10. 88 46:55



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DOKKEN - Tooth and Nail (1.984) (colaboración Christian Jiménez)

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El grupo liderado por aquel carismático vocalista llamado Donald M. Dokken será uno de los más recordados de la época ochentera.
Siempre se tienen en cuenta antes otros nombres que representaron el “heavy metal” americano de mediados de década, tan dispares como Mötley Crüe, WASP, Quiet Riot, RATT o los glamurosos Bon Jovi, pero DOKKEN no sólo lo personificaron también, sino que además lo definieron, con cuatro LP's de una calidad apabullante, despuntando con este, su segundo, como una formación de puro “heavy” con un gancho comercial muy particular.

Nada menos que a mediados de los '70 estaba dando guerra ya Don Dokken, con su banda Airborn, donde se encontraba la base rítmica de la futura alineación de RATT, Juan Croucier y Bobby Blotzer, aunque siempre hubo cambios en el seno del grupo.

Al final de década grabaron su primer “single”, “Hard Rock Woman”, respaldados por el productor Drake Levin. Uniéndose al cantante angelino el guitarrista Greg Leon, el bajista Gary Link y el batería Gary Holland, el nuevo conjunto se fue a hacer las germanías y allí conocieron al productor e ingeniero de sonido de ACCEPT, Michael Wagener.

Éste decidió marchar a Los Ángeles para tomarse unas vacaciones, junto a la banda, que aprovecharon el momento para grabar algunas canciones más con Wagener tras los controles, cosa que luego lamentarían, ya que éste pondría ilegalmente en circulación bajo el sello Repertoire Records ese EP un poco más tarde, con el nombre de “Back in the Streets”.



Pero la línea se volvió a romper, yéndose Leon a probar suerte con unos tipos llamados Quiet Riot y Holland aterrizando en la primeriza formación de Great White. El experimentado guitarrista George Lynch (influenciado por gente como Michael Schenker, Muddy Waters y Randy Rhoads y pionero del “tapping” a dos manos incluso antes de que Eddie Van Halen lo popularizase) y el batería Mick Brown, llegados de una banda llamada Xciter, unidos al regreso de Croucier, pusieron rumbo junto a Don para seguir girando, y pasaron otra vez por Alemania, intentando fichar por alguna compañía. Les llegó la suerte al poco tiempo, gracias a Wagener y al manager de ACCEPT, Gaby Hauke, con los que siguieron grabando, siendo apadrinados por la discográfica francesa Carrere Records.


De esa fructífera conexión nació el primer disco del grupo, “Breaking the Chains”, grabado en los estudios Dierks en 1.981. Varias curiosidades sobre las acciones de los integrantes envuelven a este LP, como que las primeras ediciones no salieron bajo el nombre de DOKKEN, sino de Don Dokken, o que Peter Baltes, bajista de sus amigos ACCEPT, tocaría en casi todos los temas. Mientras, Dokken ponía su voz para los coros del “Blackout” de Scorpions, que estuvo a punto de sustituir a Klaus Meine por la afección de garganta de éste, y Lynch, Croucier y Brown se convertían en músicos de sesión ayudando al vocalista Udo Lindenberg.

“Breaking the Chains” hizo que los chicos empezaran ganándose a los “metalheads” europeos de la nueva década, antes que a los de los EE.UU., curiosamente, con un trabajo que recogía el testigo de la N.W.o.B.H.M., sonando un poco como una mezcla de los primeros Def Leppard y los RAINBOW del “Difficult to Cure”. Trallazos como “Live to Rock, Rock to Live” y “Breaking the Chains” se veían cara a cara con los más comerciales “I Can't See You!” o “Seven Thunders”, adelantándose a lo que las bandas americanas ofrecerían uno o dos años más tarde. Se podría decir que muy pocos sonaban como DOKKEN en aquel momento.

De vuelta a América se encargó del management Cliff Bernstein, quien les hizo entrar en Elektra Records con la idea de que se reeditara aquel primer álbum, cambiando el orden de las canciones y dándoles más publicidad.

El 18 de Septiembre de 1.983 salió la 2.ª publicación de “Breaking the Chains”, pero no fue el triunfo que la compañía se esperaba (sólo llegó al 136 en el Billboard, en un momento en el que “Metal Health” se alzaba con el primer puesto), quienes pretendían despedirlos y pasar a otra cosa.

Esto recayó en el tour que tuvieron que dejar por falta de fondos, siendo teloneros de Blue Öyster Cult, debido al fracaso de aquella maldita reedición. Gracias a los managers, que suplicaron a los ejecutivos de Elektra, DOKKEN fueron colocados entre la espada y la pared con la obligación de hacer un trabajo de éxito o irse a la puñetera calle lo más rápido posible (a veces, bajo circunstancias de presión, llegaban a salir muy buenos discos). Pero antes de seguir con ellos, Juan Croucier se fue otra vez a ver si tenía más éxito con Mickey Ratt, posteriores RATT, siendo reemplazado por Jeff Pilson, que venía de Cinema.

Además hay que nombrar la cantidad de veces que George Lynch era despedido y readmitido por el vocalista, el cual no llevaba bien la continua lucha de egos que ambos se disputaban. En esos lapsus, Don probó con Warren DeMartini (que si ya existía tensión con Lynch habría sido interesante ver a este guitarrista lidiando con Dokken) antes de que éste eligiera también RATT. George, por su parte, hacía demostraciones frente a Osbourne, quien perdió contra Jake E. Lee, para sustituir al recientemente fallecido Randy Rhoads.

La realización del segundo esfuerzo musical de los angelinos no sería precisamente un paseo por un camino de rosas (más bien sería por un campo de minas antipersona). Por los problemas de arrogancia de Lynch y Dokken la composición se dividió en dos grupos, por un lado estaban George Lynch, Mick Brown y Jeff Pilson y por otro este último y Don Dokken.

Por si fuera poco, el cantante quería que su (por aquel entonces) amigo Wagener se encargara de la producción, no obstante todos los demás se negaron, de modo que Elektra contrató al veterano Tom Werman, que había trabajado con Ted Nugent, Molly Hatchet y Mötley Crüe, entre otros.

Sin embargo, para aquel nativo de Boston la situación fue de lo más ardua, ya que tuvo que lidiar con los encontronazos de Dokken y Lynch en cada momento, sin contar sus ataques de ira descontrolados por el alcohol y cocaína que se metían entre pecho y espalda, y con el ingeniero de sonido Geoff Workman, cuyo comportamiento no hacía sino agravar la situación. Werman se acabó marchando de vacaciones, mientras Michael Wagener era inmiscuido secretamente por Don para ayudarle en sus partes vocales y Elektra se encargaba de meter en el ajo al también experto Roy Thomas Baker en sustitución de Werman...sin duda una auténtica jaula (musical) de grillos.


Y con todo eso, el 14 de Septiembre de 1.984 salió por fin el resultado de tantísimos conflictos y horas de insomnio; con una enorme tenacidad empleada y la lucha contra el despido como aliciente principal obtuvieron su recompensa, que se llamaría (muy apropiadamente) “Tooth and Nail”. Sin duda Elektra tuvo lo que buscaba, con el LP subiendo 87 puestos en el Billboard (desde el 136 del “Breaking the Chains” al 49 de este último), llegando a Platino en EE.UU. y con tres “singles” situados en puestos más que decentes en el Mainstream Rock Tracks, facturando (aunque accidentalmente) uno de los más espectaculares discos de “heavy metal”, con una combinación arrolladora de fuerza y comercialidad a partes iguales, resultado de haber contado con tres productores musicales de distintas miras y enfoques, adivinándose el lado más puramente “rockero” de Werman, con algunas vertientes de “speed” que son influencia directa de Wagener y ese toque final de escarceos melódicos entre “pop” y “glam” que sin duda era la marca de la casa de Baker.

Ese revoltijo de estilos hizo que DOKKEN se colocasen como una de las formaciones americanas clave para entender el paso del “heavy metal” más crudo al “glam metal” tan “light” y adictivo que tanta gloria alcanzaría poco después. Definiéndolo, su estilo podría catalogarse como “heavy metal” melódico.

Sus nueve canciones son perfectas muestras de calidad compositiva; asimismo, cuando uno conoce bajo qué circunstancias fueron compuestas llegan a estimarse aún más:


-Un intenso “riff” de guitarra acústica “in crescendo”, “Without Warning”, comienza para meternos en el sonido del disco. Se funde con unos teclados y una épica guitarra eléctrica, que rápidamente se queda en primer plano, haciendo que la tesitura del sonido crezca paulatinamente. Entonces llega, de forma inesperada, el tema que da título al disco, con Mick Brown desenfrenado y una muestra de “speed metal” que parece hecha por ACCEPT.


“Tooth and Nail” es la carta de presentación perfecta; acelerado, épico y con un poder “metálico” sin igual. Todo suena perfectamente cohesionado y los integrantes demuestran lo que valen como músicos, aunque sin duda el que se luce como nadie es George Lynch, con su solo a toda pastilla lleno de vertiginosos “licks”. La letra, muy apropiada para el momento que vivía el grupo, tampoco desmerece: “Una vida desesperada, conduciéndome a la locura, se va poner muy difícil. Todas nuestras esperanzas se ven colisionadas y los sueños que una vez tuvimos sólo vemos que se desploman. Desgarrando por el día, quemando por la noche. ¿Cuánto tiempo llevará romper este maleficio?; hay que ir a lo más alto luchando a brazo partido”. Convertida en estandarte desde que se compuso, este es, sin temor a equivocarse, el mejor y más famoso tema de DOKKEN, una pieza legendaria del “heavy metal” de los '80.


-“Single” muy popular en la época llegando al 27 en el Mainstream, “Just Got Lucky” crea un gran contraste con la anterior, siendo una de las más comerciales del LP.
Un estilo más “pop” y “glam” se desarrolla en el tema con ese “riff” tan conocido. La letra, que habla de una relación amorosa fallida que termina de manera muy melancólica con la chica, va perfecta con el sonido, con un aire a Def Leppard, aunque evidentemente más “heavy”.
-Podría haber sido “single”, pero no lo fue. Se nota que Roy T. Baker metió mano aquí.


“Heartless Heart” es otro corte de aires melódicos, con un estilo que presagiaba lo que Bon Jovi o ICON iban a hacer en años venideros, uniendo “heavy” y una vertiente muy “glammie”(coros incluidos) bastante emparentada con lo que habían hecho Quiet Riot en su “Metal Health”, por compararla con algo. No hay solo, pero la música y los estribillos son tan adictivos que uno se olvida de eso.


-El espíritu de Michael Wagener aparece en “Don't Close your Eyes”, un tema que no iría mal para los Scorpions o incluso para los Judas Priest de la era “Turbo”.
Goza de un estilo más “metálico”, sin embargo no tan duro como el “Tooth and Nail”, y la técnica de Mick Brown y Jeff Pilson, creando esa base rítmica tan armoniosa, es lo que más destaca de esta canción. Don Dokken sigue demostrando lo bueno que es, dentro de sus propias limitaciones, como vocalista.
Atención a la estructura, porque XYZ, grupo producido por el propio Don Dokken y que sacó su debut en 1.989, hace un “pequeño homenaje” a esta composición en su “Take What you Can”.


-Pesada y con la influencia de la producción de Tom Werman, “When Heaven Comes Down” es una pieza que no queda eclipsada por las otras. Tiene un ritmo más lento pero sus “riffs” y ambiente están llenos de ampulosidad y vigor.

Resulta un vaticinio curioso, donde DOKKEN parecen presagiarse a sí mismos y ofrecer un adelanto del sonido que practicarían años más tarde en su LP de 1.987 “Back for the Attack” (de hecho hay cierto parecido entre ésta y “Lost Behind the Wall”).

Las letras también son muy interesantes, rompiendo el cliché de la típica canción de “heavy” de la época (“Una confusión total, un pecado final, la religión y la codicia de alguien. Los accidentes suceden y a alguno hay que culpar, ¿quién tiene las respuestas que necesitamos? No sé en quien creer, pero sé quien me va a liberar, porque estaré esperando...¡cuando el Cielo se desplome! Hasta el día siguiente, ¡cuando el Cielo se desplome!”).



-De nuevo, en gran contraposición con la anterior, y en la misma línea que “Just Got Lucky”, se expone “Into the Fire”, pero se nota mucho la maña de Baker aquí.
La guitarra acústica de Lynch con unos envolventes sonidos de teclado unidos a la energía propia del tema, apoyada sobre todo en el solo y el tándem Pilson/Brown, hicieron de este corte un buen “single” que se puso el 21.º en el Mainstream Rock y que además formó parte de la banda sonora de la 3.ª parte de la saga de “Pesadilla en Elm Street”, junto a la otra también de DOKKEN, “Dream Warriors”.


-Quizás con “Bullets to Spare” la fórmula de comercialidad y poder “metálico” tan imperante en el LP empieza a repetirse demasiado.
Parece ser la canción de relleno, una casi clavada a la anterior “Into the Fire” y que si se mantiene decentemente es por su coreable estribillo, el solo tan épico de Lynch y, quizás la letra, que habla de una tórrida noche entre un hombre y una mujer, utilizando la metáfora de que él tiene un arma cargada, con su objetivo fijado, su mano a punto de apretar el gatillo y con la chica sin sentir miedo por lo que va a ocurrir (los músicos de L.A., como siempre, manifestando su sensibilidad).


-La que triunfó en los “charts” fue la épica “power-ballad” “Alone Again”, llegando al 20.º puesto en el Mainstream y al 64.º en el Billboard Hot 100.

El vídeoclip, que no dejaba de ser un cliché por entonces, con la banda tocando el tema en directo y sólo el cantante metido en la historia que narra la canción (la depresión que sufre un hombre tras una ruptura) tuvo mucha rotación en la MTV.

En general, vista con perspectiva, en la época de las “power-ballads”, esta composición tan melódica y poderosa merece permanecer entre las mejores de los '80 y de la discografía de DOKKEN. Don canta como nunca, con una profunda voz pletórica de fuerza y, como siempre, Lynch deslumbra a las seis cuerdas.


-Para terminar con un par de narices, como la buenísima banda de “heavy” que son, se desmelenan y rompen la calma de “Alone Again” con una muy cercana a “Tooth and Nail”, “Turn On the Action”.

De nuevo el “speed” influenciado por la producción de Wagener hace que los angelinos se pongan al rojo vivo para dejar a los fans sin respiración. Un fastuoso corte lleno de velocidad que resultaría el mejor para acabar con un concierto, con toda la audiencia haciendo “headbanging” y las yemas de Lynch volviendo a quemar las cuerdas de su Charvel.

Muchas revistas como Kerrang! alabaron a los chicos, infinidad de críticos colocaron a “Tooth and Nail” como un estandarte en el “heavy metal” y vital para comprender la transición que el género sufrió a mediados de la década de los '80 y los vídeos para los “singles” no dejaban de emitirse en la MTV. Y aunque 1.984 fuese un año en que surgían trabajos de bandas del mismo rollo a mansalva (tales como los debuts de Alcatrazz, Black 'N' Blue o RATT, y otras buenas obras como “Walkin' the Razor's Edge”, “Sign in, Please” o “The Blitz”), intentando competir unas con otras, fue DOKKEN una de las que más destacó.

A esto siguieron multitud de conciertos con otras enormes bandas (Y&T, KISS, Twisted Sister, DIO, LOUDNESS, etc.), la calurosa acogida de los jóvenes fans del momento, convirtiendo a DOKKEN en uno de los bastiones del género, y el hecho de que Don y George Lynch tenían que soportarse como fuera por sus fans, algo que seguiría percibiéndose en el seno del grupo.

Luego vendría el también Platino “Under Lock and Key” ('85), más enfocado hacia el “glam metal” y fueron subiendo cada vez más posiciones en el Billboard, hasta que llegó “Back for the Attack”, que quedó 13.º...
pero para ese entonces DOKKEN ya eran muy grandes.

(Mejor canción: “Without Warning/Tooth and Nail”).





Temas
1.Without Warning 00:00
2.Tooth and Nail 01:33
3.Just Got Lucky 05:14
4.Heartless Heart 09:48
5.Don't Close Your Eyes 13:18
6.When Heaven Comes Down 17:27
7.Into the Fire 21:12
8.Bullets To Spare 25:36
9.Alone Again 29:13
10.Turn On The Action 33:34




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Rock Progresivo Español.Rompiendo la oscuridad: DOFUS (colaboración de Félix Jota)

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Grupo granadino formado en 1979 por los hermanos Gualda, Antonio y José Luis. Anteriormente, en 1973, y junto a Marcelo Huertas crearon el grupo Piñonate, grabando un LP con el sello Diresa. Un disco buscadísimo y caro, que no tuvo distribución por los problemas económicos de la discográfica.  Aún así podemos encontrar algunos temas en recopilatorios recientes como “Andergraun Vibrations” y “I lost my mind”. En 1978 hacen un EP de cinco temas para el sello malagueño Musimar, el mismo que les editaría un año después su LP “Suite Azul Rock”, con el nombre de “Mensajeros”. Hacían una música country-folk con toques de rock andaluz.  El disco no salió a la venta, lo haría de forma promocional para un acto benéfico de la Asociación “Mensajeros de la Paz”, por lo que hoy día es prácticamente imposible hacerse con una copia.


  En el disco que nos ocupa, compuesto por ocho cortes, destaca por encima de todos el tema que ocupa la Cara B y le da título. Una suite de casi diecisiete minutos con constantes cambios de ritmo y prácticamente instrumental. En la Cara A hay dos temas cantados en inglés, “I like you today” y “Because I’m lose your love” y algunos más andaluces como “Nicolasera”, con buenas guitarras, sonidos de “pajarillos” y palmas. Actualmente encontrar un original de este LP es casi misión imposible y caso de aparecer alguno el precio se puede disparar hasta los 500 pavos, casi ná!.


  En 1991, tres de sus componentes, faltaría uno de los hermanos Gualda (Antonio), forman el grupo H.O.M., grabando un LP con el título de “El puente de los mundos”. Sería en el  desconocido sello “Pacetti Música”, con temas pop y algún tinte psicodélico. Otro disco raro, curioso y difícil de localizar. Antonio Gualda graba algún EP de música electrónica en los años ochenta y luego se mete de lleno en el mundo del arte y la pintura. Su hermano José Luis también continúa su carrera musical grabando algún disco de tangos y temas de autores franceses.

FORMACIÓN:
ANTONIO GUALDA: Voz, Guitarra Acústica, Guitarra Española y Armónica
JOSÉ LUIS “JOLIS” GUALDA: Voz y Guitarra Eléctrica
MARCELO HUERTAS: Batería
NICOLÁS MEDINA: Bajo


DISCOGRAFÍA:
-Suite Azul Rock 
MUSIMAR ZUL-1-8590 (1979) LP




Temas
A1 No Me Desmientas
A2 I Like You Today (Me Gustas Hoy)
A3 Nicolasera
A4 Avareando Almendros
A5 Me Duelen Las Pestañas
A6 Rock Marcelero
A7 Because I'm Lose Your Love (Porque Pierdo Tu Amor)
B1 Suite Azul Rock




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Fleetwood Mac ‎– Live At The Boston Tea Party 1.970

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Fleetwood Mac es uno de los grupos que más radicalmente cambió su linea musical a lo largo de su carrera. Particularmente prefiero la etapa blusera en la que estaba Peter Green. Hoy hablaremos de uno de sus últimos conciertos con la formación clásica.


En 1.970 Fleetwood Mac  había editados tres discos ( "Fleetwood Mac", " Mr. Wonderful" y "1969: Then Play On) y ya tenía cierta reputación gracias al éxito de temas como "Black Magic Woman", "Man of the World" y ""Oh Well". Durante una de sus giras entablan amistad con los Grateful Dead introduciéndose algunos de sus miembros en el mundo del "LSD". Su consumo desproporcionado magnifica las tensiones en el grupo y el 20 de Mayo de ese año Peter Green realiza su última actuación con la banda.


La grabación nos presenta las actuaciones que realizó Fleetwood Mac en el Tea Party de Boston los días 5,6 y 7 de Febrero de 1.970. Formación clásica de tres guitarristas (Peter Green, Jeremy Spencer y Danny Kirwan) y una sección rítmica compuesta  por John McVie (bajo) y Mick Fleetwood (batería). Más de tres horas de puro blues, largas improvisaciones y jams donde apreciamos la gran compenetración de sus miembros a pesar de las tensiones internas que ya existían.Temas clásicos de los grandes del blues ( "I Can't Hold Out", "Red Hot Mama", etc), éxitos propios ("Black Magic Woman", "The Green Manalishi", "Oh Well"), rock'n'roll ("Great Balls Of Fire", " Tutti Frutti") y la participación estelar de Joe Walsh en una de las jams, su grupo James Gang fue el encargado de abrir los conciertos.




Temas
Disco1
1 Black Magic Woman 00:00 
2 Jumping At Shadows 06:29
3 Like It This Way 11:40 
4 Only You 16:10
5 Rattlesnake Shake 20:44 
6 I Can't Hold Out 46:05 
7 Got To Move 52:35 
8 The Green Manalishi  56:29 

Disco 2
1 World In Harmony 01:09:27 
2 Oh Well 01:13:13 
 3 Rattlesnake Shake  01:17:05 
4 Stranger Blues 01:42:23 
5 Red Hot Mama 01:46:37 
6 Teenage Darling 01:50:45 
7 Keep A-Knocking 01:54:55 5:14
8 Jenny Jenny 01:59:50 10:50
9 Encore Jam 02:08:50
Guitar – Joe Walsh


Disco 3
1 Jumping At Shadows 02:24:00 
2 Sandy Mary 02:28:10 6:04
3 If You Let Me Love You 02:34:20 
4 Loving Kind 02:44:55 
5 Coming Your Way 02:47:50  
6 Madison Blues 02:55:00 
7 Got To Move 02:59:50 3:56
8 The Sun Is Shining 03:03:40 
9 Oh Baby 03:07:00 
10 Tiger 03:11:20 
11 Great Balls Of Fire 03:15:11 3:34
12 Tutti Frutti 03:18:45 6:45
13 On We Jam  03:25:34

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