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Ten Years After – Live At the Fillmore East 1970

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El Filmore East fue un local de conciertos regentado por el promotor Bill Graham. Estaba situado en Manhattan en el barrio de  East Village. Abrió sus puestas el 8 de marzo del 68 y estuvo hasta el 27 de junio del 71. Por su escenario pasó lo mejorcito de la época: The Allman Brothers Band, Joe Cocker , Crosby, Stills, Nash y Young, Miles Davis , Derek and the Dominos , Grateful Dead , Jimi Hendrix, Humble Pie, Iron Butterfly , King Crimson, Johnny Winter, Frank Zappa y por supuesto nuestros protagonistas de hoy Ten Years After .


En 1.970 Ten Years After estaban en la cima. El año anterior habían arrasado en el Festival de Woodstock con el tema "I'm Going Home". En abril llegaría su cuarto disco en estudio, "Cricklewood Green" y a finales de año el quinto, "Watt". Durante 1.970 tendrían un gran número de actuaciones destacando su participación en la Isla de Wight y en el  Festival de Strawberry Fields, cerca de Toronto.


La grabación nos presenta la actuación de los Ten Years After los días 27 y 28 de Febrero de 1.970 en el Filmore East.  El disco comienza con uno de sus clásicos, " Love Like A Man", para continuar con el conocido tema de  Sonny Boy Willianson, “Good Morning Little Schoolgirl”. El tercer corte, "Working On The Road", perteneciente al "Cricklewood Green"". En "The Hobbit",  Ric Lee realiza un extenso solo de batería.  Llegamos a la relajada "50,000 Miles Beneath My Brain" en la que Alvin Lee la finaliza con toda su pirotecnia. El primer disco concluye con una extensa medley de más de 19 minutos, " “Skoobly-Oobly-Doobob/ I Can’t Keep from Crying Sometimes /Extension On One Chord", donde incluso podemos escuchar el "Sunshine of Your Love” de los Cream.

El segundo disco abre con una versión increíble (16 minutos) de uno de sus clásicos, "Help Me". La fiesta continua con el conocido "I´m Going Home"- El show realiza un guiño al maestro Chuck Berry de la mano de dos de sus temas, ""Sweet Little Sixteen" y "Roll Over Beethoven". El espectáculo llega a su fin con " I Woke Up This Morning" y  " Spoonful" (Willie Dixon). En definitiva un concierto memorable donde el magistral Alvin Lee estaba en plena forma.




Temas
CD1

1. Love Like A Man 0:00 
2. Good Morning Little Schoolgirl 9:37
3. Working On The Road 17:05
4. The Hobbit 20:42
5. 50,000 Miles Beneath My Brain 31:30 
6a.Skoobly-Oobly-Doobob |
6b.I Can't Keep From Crying Sometimes | 41:37 
6c.Extension On One Chord |

CD2

1. Help Me 1:01:10 
2. I'm Going Home 1:24:25 
3. Sweet Little 16 1:36:48 
4. Roll Over Beethoven 1:41:28 
5. I Woke Up This Morning 1:46:14 
6. Spoonful 1:54:10


Formación

Leo Lyons - Bajo
Alvin Lee - Guitarra, voz
Chick Churchill - Teclados
Ric Lee - batería




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HARDY KUKUK "Atemnot " (1981) (colaboración J.J. Iglesias) (rock electrónico)

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Nuevamente traemos por aquí un "yo me lo guiso, yo me lo como", de un sintetista alemán inmerso en la Berlín School. "Atemnot" fue un prensaje privado, y una de las más grandes rarezas de la Kosmische musik kraut underground scene. A Hardy Kukuk se le ve cómodo emulando atmósferas de los grandes del género. 


Al inicio de "Takt Der Zeit " (9'31) advertimos el parecido con Klaus Schulze y su pulsante reinado secuencial. Le acompaña a la guitarra eléctrica Klaus Bloch, también tape effects,  del excelente grupo A La Ping Pong. Banda con dos remarcables albums a comentar en un futuro. También colabora en el disco Andreas Schneider (guitarra y congas)

"Erdtraumer" (11'22) tiene como patrón musical al Edgar Froese en solitario de "Stuntman " o "Ages". Vuelve a percibirse su fuerte afición al secuenciador, del que extrae enérgicos ambientes y desarrollos imaginativos, en un corte excelente.


La segunda cara del vinilo comienza con "Fruhling '81" (11'19), en una intro estilo Kraftwerk "RadioActivity" era.Aunque su forma de "solear" delata una gran influencia de Schulze. Las dos cortas piezas finales, "So Mal" (2'00) y "...So" (3'41) tienden hacia la psicodelia étnica de Deuter, o las ligeras planeadas instrumentales de AshRa.

El material extra presentado, parece más contemporáneo. .
Así que posiblemente proceda de un segundo album del 2001, "Timeless" (Syngate). Antes se uniría con Matthias Culmey en los primeros 2000 en el dúo electrónico Beadboys 2000.

Pero nuestro interés se posa en este esencial "Atemnot" que resume todos los logros y planteamientos berlineses de los 70. Felizmente, los barceloneses Wah Wah lo reeditaron en vinilo en una tirada limitada de 500 copias.

Recomendación absoluta si eres seguidor de esta sección. 

P. D.- " El Kraut es Kraut (hace pedorretas). El rock es rock.
Tiene algo de guitarra, bajo y aporreamiento para que suene afinado". (CONRAD 
                                                    



Temas
1. Takt Der Zeit 9:32
2. Erdträumer 11:20
3. Frühling '81 11:19
4. So Mal 2:02
5. .. .... So 3:44
6. Waldgeister 8:39
7. Erinnerung 5:22
8. Freundschaft 5:15
9. Fire 3:11
10. Ahuga 4:15



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Tennessee River Crooks ‎– Tennessee River Crooks 1976

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Tennessee River Crooks, con este nombre ¿que tipo de música pueden hacer? Efectivamente, no podía ser de otro modo, rock sureño (southern rock) y de una gran calidad, por ello tienen su hueco en Rockliquias.


En 1.973 Jimmy Stewart (bajo, voz), Rickey Stewart (batería), Ronny Waters (guitarra) y Mike Hendrix (guitarra), forman la Tennesse River Crooks. Al poco tiempo Hendrix abandona la banda y es sustituído por un viejo amigo del grupo Larry Farrar. En el 76 entran en un pequeño estudio de grabación perdido en el bosque para grabar su único disco que vería la luz en 1.977 bajo el sello Sound Farm. El asesinato de Ronny Water en  New Johnsonville precipitaría el final de la banda.


Tennesse River Crooks nos ofrecen un rock sureño con pinceladas country de altísima calidad.  La grabación comienza con un potente riff  en  "Waiting For A Better Day". Rebajamos la tensión con la preciosa balada campestre "Song Of David", las armonías vocales son una delicia. Su tercer tema, "Farmin' Man" camina por la senda sureña al estilo Lynyrd Skynyrd. En "We Are All Brothers" los riffs se alternan con una gran interpretación vocal, lo bordan. . Su quinto tema es el frenético" White Lightning" recordando a los Bachman-Turner Overdrive. La relajación vuelve de la mano de " Old Music". Puro southern rock por los cuatro costados en "Tennessee Land ". El disco se cierra con " Life On The Road" y la instrumental " Life On The Road". En definitiva un trabajo bien hecho.




Temas
1. Waiting For A Better Day - 00:00 
2. Song Of David -  03:57 
3. Farmin' Man 07:52
4. We Are All Brothers - 13:24 
5. White Lightning 18:58  
6. Old Music - 22:42 
7. Tennessee Land 26:36  
8. Life On The Road 32:20  
9. Hot Busch 36:36 
 Life On The Road

Formación
Ronnie Waters - guitarra, voz
Larry Farrar - guitarra
Jimmy Stewart - voz, bajo
Ricky Stewart - batería, voz
con
Dianne Davidson, Honey Combs, Mike Hendrix - voz




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YANCY DERRINGER - Openers (1975) (colaboración J.J. Iglesias)

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Los sesenta habían terminado. Pero su hard rock y cierto legado psicodélico todavía seguía en manos de Yancy Derringer. Banda de Monroe, Wisconsin, agrupada alrededor de las cenizas de las locales Atlantic Ocean, Speed Freedom y Birth. Sus tres tablas de la ley rock eran en un principio, Led Zeppelin, Rolling Stones y Mott the Hoople.


Rock británico de sangre azul, que corría por las venas de este poderoso cuarteto: C. F. "Charlie" Kuchler como voz solista, Hammond A 100 Organ, mini moog, mellotron y piano. Boyd "Zoid" Williamson a las guitarras Gibson y Rickenbacker, más voces. Gabriel "Gabe " Berrafato al Fender Jazz Basa y voces. Y Lynn "Lance" Gnatzig en sus baterías Rogers y Ludwig, también  voz.

Desde abril del 74 se curran a lo bestia el midwest y tocan en todo club, universidad o festival al aire libre que les ofrecen. Es al año siguiente cuando graban "Openers" en el minúsculo sello Hemispheres, en una tirada de 1000 copias.

Produce Pat McBride (cantante de New Colony Six), sobre una 16 pistas analógica en Libertyville, un pueblo de Illinois. Como veis, todo muy rural. Pero es que así se gesta "la otra historia del rock'n'roll". La del trabajo duro, poca pasta, cero glamour y muchas decepciones. La de los "beautiful losers", que diría  Bob Seger.


La inicial "Pass the Wine" (4'43) debe toda su chulería a las enseñanzas de Ian Hunter y Mick Ronson. Macarra poder libre de prejuicios, y una guitarra que parece tocada por Mick Taylor en '"el disco del burro". "Rocket Roll" (5'15) entraría sin problemas en el "Desolation Boulevard" de Sweet...si no fuera por su inesperado break progresivo. "Zoid" Williamson es puro carisma a las seis cuerdas, y la sección de ritmo machaca. "Aero Plane" (3'33) es más  british rock que las húmedas aceras de Denmark Street.Charlie Kuchler es un excelente cantante y teclista ( hasta ahora, comedido). Humble Pie o Slade en el recuerdo.

Terminando la cara A con "I Tought Alot Today" (6'30), donde parece que hayamos cambiado de banda. Ahora son las melodías épicas de Procol Harum, Rare Bird o Beggars Opera las que inundan el estilo de Yancy Derringer. El bajista actúa con determinación,  en un sólo de guitarra antológico, bajo un fondo de mellotron amurallado.

Nos saluda "Welcome On" (6'52) en el otro lado del vinilo, con una oleada teclística digna de Gregg Giuffria en Ángel. Mini moog y bajo soldando hard pomp superlativo. Aunque con algún reflejo psicodélico recién dejado. Me parece perfecta para la voz de Frank DiMino y un álbum como " Helluva Band".

"Standing on the Edge" (6'56) arremete al oyente con rock progresivo corrosivo y sorpresivo. Que igual te lleva al jardín psych de Art, como te vapulea con bofetadas eléctricas de The Groundhogs, Deep Purple, Toe Fat o Stray. Curiosa y brillante, en su densa originalidad.

Finalizando con "Weedburner" (7'28), zeppelino tema situado en la era "House of the Holy"/"Phisical Graffity". La Gibson de Williamson serpentea su slide sin rubor a ser comparada con la de Page. Sección rítmica exquisita y efectos electrónicos adornando.
Es éste un muy bonito disco perdido en el medio de todo. 1975, mitad de década. Algo confundidos estilisticamente, pero que cualquier género que acometen, lo bordan. 

Tras una infructuosa tentativa de segunda edición de "Openers",intentaron seguir con un segundo álbum, "Good Time Strangers". Grabación que quedó incompleta cuando el grupo se desarmo. "Openers" fue reeditado por Gear Fab/ Comet Records en vinilo de preciosa portada texturada + inserto.

Yancy Derringer tenían fuertes motivos para rozar el éxito. 
Pero así es la vida en el pueblo, soso urbanita.




Temas
A1 Pass The Wine 4:43
A2 Rocket Roll 5:15
A3 Aero Plane 3:33
A4 I Thought A Lot Today 6:30
B1 Welcome On 6:52
B2 Standing On The Edge 6:56
B3 Weedburner 7:28

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THE BLACK MAGES (colaboración Alberto Torró) (rock progresivo japonés)

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Peculiar y espectacular grupo instrumental del teclista y compositor Nobuo Uematsu, más conocido por sus clásicas bandas sonoras para vídeo juegos como por ejemplo la famosa saga de Final Fantasy.

The Black Mages es un proyecto muy actual de 6 integrantes basado precisamente en la saga pero con una orientación puramente progresivo sinfónica. La banda suena muy hard rock por su poderosa guitarra solista y tremendamente a lo Wakernan /Emerson en cuanto a teclados y composición se refiere.


Sus Tres CD’s hasta la fecha son sumamente entretenidos y encantarán a los que gusten de piruetas y ritmos desbordantes. Algunos han calificado su estilo como metal progresivo a lo que yo estoy totalmente en desacuerdo ya que los metaleros no tienen tanta fluidez ni tanta inclinación melódica y cambiante. A diferencia del gremio de la fundición el sonido no se hace para nada pesado. El nivel técnico de los músicos es evidentemente deslumbrante y rico en argumentos compositivos.

Uematsu es un maestro de las teclas y luce sobradamente sus conocimientos tanto con los sintes tipo moog como con el órgano.

Grupo recomendado para los que gusten de un rock sinfónico con nervio y sin mariconadas.

Discografía:

The Black Mages (2.004)





The Black Mages II: The Skies Above (2.005)






        The Black Mages III: Darkness and Starlight (2.008)










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FRANK ZAPPA AND THE MOTHERS OF INVENTION: We´re only in it for the money (1968) & Cruising with Ruben and The jets (1968) (colaboración Alberto Torró)

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Estas dos gamberradas van a ser el final de las madres más absurdas, desmadradas y cachondas.  Zappa aquí cierra un ciclo (aunque no del todo) en el lado de la parodia caustica, las chorradas absurdas y la burla cruel hacia los movimientos de moda, como el verano de las flores y los mantras estúpidos del hare hare khrisna  con el paz y amor y el plus pal salón.


La portada del “estamos solo por la pasta” no puede ser más explícita:  Los Beatles eran entonces un caramelo apetitoso para descojonarse de ellos y del sargentillo pimienta que arrasaba ventas y  por ende del resto de la hippilandia tontita. Zappa representaba todo lo que molestaba a izquierda y derecha del panorama social americano. La pesadilla y terror de cualquier familia americana y disgusto asegurado para cualquier padre que tuviera la desdicha y lotería de tener un hijo insolente, freak y pasota con perilla, greñas  y  olor fuerte. Pero había más nenes y nenas hippies. Y mucho pijo. Tal era el panorama. No me extrañan, así pues, las campañas masivas del gobierno americano para distribuir LSD entre los incautos marines reclutados al paraíso vietnamita, había de todo, muchos de ellos tiernos hippies bien pelaos como carnuza para que confundiesen a un vietcom con un elefante rosa. Volvían en ataúdes con santa sonrisa florida y la bendición eterna. Zappa criticó todo esto con humor seco y con muy mala leche. Aquello naturalmente fue un contrasentido y una locura, solo factible en sociedades como los EEUU especialistas en cagarla por el bien de la historia y por sus negocios. Había que trastocar la mente de aquellos chavales para darles valor ante un horror que ni se imaginaban.  Los hippies protestaban con el Stop War… el símbolo de la paz etc.. pero bien colocaditos y con un lanzallamas, podrían ofrecer un servicio impagable a su patria. El marketing también hizo maravillas. Tal fue que muchos de los que volvieron como veteranos jamás recuperaron el juicio.


Si los discos mencionados hasta aquí desbarraban, éste es la joya de la corona. Solo para fans muy fans. Aguantarlo entero es jodido. Ni yo mismo vamos. Pero toca hablar de él porque su portada canta como una enorme catalina de vaca al sol.  El estilismo de armario de los Mothers de Frank, es aquí irreprochable y  de un gusto exquisito.  Apto para un desfile de moda en la Cibeles madrileña y por supuesto  en el desfile del orgullo gay tampoco desentonarían, aunque me temo que los habrían inflado a hostias. Aunque solo tengas éste disco por su portada y contraportada ya es más que suficiente. En poster ya es la leche.

Hablar de música aquí no se si procede. Claro que la hay y mucha, pero no acabo de ver que función ocupa, todo son collages, coitus interruptus y la música queda relegada a una especie de pegamento entre locuras vocales. Cuando instrumentalmente parece haber algún sentido tienes un zass en toda la boca. Burla y más burla e intencionado éxtasis de la estupidez.


Ruben and the Jets es otra parodia y el disco es un homenaje entre simpático y repelente a la música adolescente de los años 50. Sin duda un recuerdo a los años mozos de Frank y sus irresistibles deseos de ligar y  de meter mano a jovencitas. El disco es divertido si lo tomas como puro divertimento que no es otra su intención. Tanto las voces, los falsetes, las melodías y el sonido están muy logradas y parecen transportarnos en el tiempo, entonces no muy lejano, de aquellos tontorrones y amorosos pajaritos del duduá, que algunos años después, tendrían su peli retro, en ese horror cinematográfico de sarpullido hortera llamado Grease.                                                                                                                                  Zappa dejaría a partir de aquí, de hacer gilipolleces y espasmos (momentáneamente claro, no bajéis la guardia)  para reírse de todo y todos, y empezar a componer sus verdaderas obras maestras que iban a ocupar gran parte, si no toda, década de los 70’s


Frank Zappa & The Mothers of Invention - Were Only in it for the Money 1968



Frank Zappa & The Mothers of Invention - Cruising With Ruben & the Jets (1968)






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FUSIOON (rock progresivo español)

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Fusioon, grupo  catalán, todo un referente del progresivo español. Sus miembros constituyen verdaderas leyendas dentro del panorama musical de la época.


Los orígenes los encontramos en Manresa a comienzos de los 70 cuando dos amigos de la infancia, Manel Camp (piano) y Santi Arisa (batería), se reúnen con Alfred Pla (guitarra) y  Paco Chacón (bajo). Su primera actuación la realizan en el club San Jorge cerca de la plaza Cataluña.  Multitud de actuaciones sobre todo en Ibiza y Formentera. En 1.971 con una formación renovada, entrarían Jordí Camp (bajo) y Marti Brunet (guitarra), les llega la oportunidad de actuar en el  Festival Música Progresiva de Granollers, donde causan una gran sensación.


En el 72 entran en el estudio para grabar su primer disco, "Fusioon", donde mezclan folclore popular catalán con rock, jazz y sinfonismo. La fama del grupo traspasa las fronteras y son contratados para actuar en la televisión Brasileña.


En 1.974 llega su segundo disco, "Fusioon 2", mucho más asentados y con experiencia realizan una grabación antológica, todo un referente del rock progresivo español. Incluso el mismísimo Mike Oldfield la ha alabado en alguna ocasión.  



En 1.975 participan en el Canet de Rock y a finales de año editan lo que sería su último trabajo, "Minorisa", tres largas suites donde demuestran su complejidad musical. 


Su última actuación la realizaron el 24 de febrero de 1.976 en el club Helena de Barcelona. Tras su disolución sus miembros estuvieron ligados a la música en multitud de proyectos musicales.

Discografía
Fusioon (1.972)

Temas
1º- Danza del molinero 00:00
2º- Ya se van los pastores 04:40
3º- Ses porqueres 10:03
4º- Pavana española 13:22
5º- Negra sombra 16:31
6º- En el puerto de Pajares 20:23
7º- Rima infantil 24:43
8º- El cant dels ocells 28:27

Fusioon 2 (1.974)


Temas
1º- Farsa del buen vivir 00:00
2º- Contrastes 03:15
3º- Tritons 09:52
4º- Diálogos 18:13
5º- Concerto grosso 24:53

Minorisa (1.975)



Temas

Ebusus (Suite) 00:00 
Minorisa (Suite) 18:55 
Llaves Del Subconsciente 29:55 
I Parte: Mente 
II Parte: Cerebro



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The Outlaws ‎– Bring It Back Alive 1978

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Mi interés por el rock surgió a mediados de la década de los 70. Al principio escuchaba la música en un destartalado reproductor de cassettes que era de mi hermano. Varios años más tarde  mi padre por fin me compró el preciado tocadiscos, pues bien, uno de los primeros discos que ingresaron en mi colección fue este de The Outlaws , por ello guardo un recuerdo muy especial y quiero compartirlo con vosotros.


La banda se había formado en 1.972 y en el 77 ya contaban con tres discos editados: Outlaws (1.975), Lady in Waiting (1.976) y Hurry Sundown (1.977). Ese mismo año el guitarrista Henry Paul abandona la banda siendo sustituido por Freddie Salem (Chambers Brothers, The Godz). Por otra parte la banda se refuerza con un segundo batería, David Dix. El resto del grupo lo formaban: Harvey Dalton Arnold (bajo, voz), Monte Yoho (batería), Billy Jones ( guitara, voz) y Hughie Thomasson (guitarra, voz). Con esta formación graban a finales de año su primer disco en directo, "Bring it back alive".


The Outlaws nos presentan un doble en directo que refleja algunas de sus actuaciones de la gira del 77 por Estados Unidos durante el mes de Noviembre. Su música nos traslada plenamente al sur, rock sureño con pinceladas country. Típica banda de este género con una formación con dos baterías, un bajo y tres guitarristas. En total once temas ( si descontamos la breve introducción) donde los rondos y competiciones entre los tres guitarristas son continuas llegando a su máxima expresión en el tema estrella de la grabación, "Green Grass And High Tides", más de 20 minutos de desenfreno sureño. Otros temas destacados: " Stick Around For Rock N' Rol" y "There Goes Another Love Song ".



Temas
A1 Introduction (Relay Breakdown) 00:00 
A2 Stick Around For Rock N' Roll  01:05  
A3 Lover Boy 10:30 
A4 There Goes Another Love Song 14:40 
B1 Freeborn Man 19:00 
B2 Prisoner 25:00 
B3 I Hope You Don't Mind 32:10 
C1 Song For You 38:00 
C2 Cold And Lonesome 42:20 
C3 Holiday 45:57 
C4 Hurry Sundown 50:48 
D Green Grass And High Tides 55:20 


Formación
 Harvey Dalton Arnold: bajo, voz
 David Dix,: batería
Monte Yoho: batería
 Billy Jones : guitara, voz
 Freddie Salem,: guitarra, voz
Hughie Thomasson: guitarra, voz

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ELECTRONIC PROG REINHARD LAKOMY - Der Traum Von Asgard (1983) (colaboración J.J. Iglesias) rock electrónico

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Del otro lado del muro, en la gris Alemania del Este, procedía  éste músico todoterreno. Que igual se dedicaba al jazz en los 60, que fue teclista para grupos en los 70, o incluso hizo una serie de música para niños. En los primeros 80, influido por los parientes ricos, Tangerine Dream y Klaus Schulze (de los que era amigo y cliente de trastos de segunda mano de Edgar Froese), editó en el sello Amiga tres álbumes del género. "Das Geheime Leben" (82), "Der Traum Von Asgard" (83) y "Zelten" (con Rainer Oleak) (85).
Cualquiera de los tres son recomendables, pero yo me inclino por "Der Traum Von Asgard".


El tema-título inaugura el álbum con sus 11 mts de ingenioso tratamiento a los secuenciadores. Más  cercano al posterior Jean Michel Jarre. Sus melodías también guardan una extraña originalidad, casi comercial por momentos. Cualquier "diyai espabilao " lo adaptaría a sus "exigencias" ( no muchas, créeme ), sin mucho esfuerzo en estos días. Sin embargo, en sus últimos 5 mts cambia hacia tesituras más experimentales y dramáticas. Bella composición. 

En los inicios de "Die Gotischen Narren " (9'30) intuimos su gusto por Cluster y Harmonia, aunque Lakomy se preocupa especialmente de sonar,  ante todo, a él. Mucha personalidad, la de éste músico. Probablemente el vivir "en el otro lado" influyera en su electrónica compositiva. El tirón de la clásica también se hace notar, Mahler o Sibelius, por ejemplo. La seriedad de esos momentos imprime carácter a la obra de este sintetista. Y no pierdes interés en su escucha en ningún momento.


Dicho esto último,  se hace más relevante en el inicio de la cara b. "Moglichkeit Einer Ouverture" (3'27) musicaria una obra de Shakespeare. Puro dramatismo sintetizado. Para que luego digan que esta música es fría. "Orakel" (6'05) te puede llevar al "Dig It" de Schulze, o al "Magnetic Fields" del "oxigenado" maestro francés. Esto dicho siempre como guía. Reinhard tiene su propio "savoir faire " y sabe cómo explotarlo. Como en la final "Sodom" (11'36), que emula a John Carpenter en cualquiera de sus bandas sonoras terrorificas y acaba alegremente en plan jolgorioso "Equinoxe". Con secuenciación reinante y épica coral.

Reinhard Lakomy murió en 2013 en Berlín. Como otros ilustres colegas de su tierra, Jurgen Ecke, Wolgang  Paulke  o Hans-Hasso Stamer, no son muy conocidos a no ser que te conviertas en un historiador-arqueólogo de estas músicas.  Pero garantizo momentos muy placidos si entras en sus obras.

P.D.:"Psicodelia es una palabra que me gusta mucho. Porque me sugiere músicos que no son limitados por la tradición  Y usan sus mentes para explorar nuevos horizontes musicales. Creo que es una música muy futurista.
(STEVEN WILSON)




Temas
00:00 Der Traum von Asgard 10:36
10:36 Die gotischen Narren 09:06
19:42 Möglichkeiten einer Ouvertüre 03:24
23:06 Orakel 05:57
29:03 Sodom 11:26



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CIRCUS - Circus 1.969

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Circus fue uno de los primeros grupos donde el trotamundos Mel Collins comenzó a desarrollar su carrera, posteriormente colaboraría con gente como  10cc , Alexis Korner , Clannad , Eric Clapton , Bad Company , Dire Straits , Bryan Ferry , Roger Chapman , Marianne Faithfull , The Rolling Stones , Roger Waters, Gerry Rafferty , Tears For Fears , Go West y Joan Armatrading. incluso formaría parte de King Crimson , Camel , y The Alan Parsons Project entre otros. No confundir este Circus con el grupo americano que apareció más tarde.


Nos tenemos que remontar a 1.961 para encontrar a  Phillip GOODHAND-TAIT (voz, teclados) y Kirk RIDDLE (bajo) formando el grupo " THE STORMSVILLE SHAKERS". La banda iría evolucionando hasta  convertirse en "Circus" con la entrada de Mel Collins (vientos), Ian Jelfs (guitarra) y  Alan Bunn (batería). Con esta formación editarían un par de singles. En el 69 Goodhand abandona el grupo y en las grabaciones de su único disco, Alan Bunn es sustituido por Chris Burrows. No obtienen buenos resultados y deciden dejarlo, la historia se repite una y otra vez.


Circus nos presentan una especie de jazz rock fusión psicodélico donde uno de los atractivos es la presencia de Mel Collins. El disco se inicia con una extensa versión del tema de The Beatles , "Norwegian wood", donde el protagonista principal es el guitarrista Ian Jelfs. El segundo tema es una composición de Collins, " Pleasures of a lifetime", tema tranquilo con voces que me recuerdan los primeros discos de Pink Floyd o incluso King Crimson. El tercer corte, ". St. Thomas ", el dueño y señor es la flauta de Mel Collins. trás la corta "Goodnight John Morgan", poco más de un minuto, llegamos a "Father of my daughter ", volvemos a las armonías vocales antes mencionadas. los tres últimos temas son versiones: " II B. S. " (Charles Mingus), netamente jazz, "Monday monday" ( The Mamas & the Papas) y "Don't make promises" (Tim Hardin).




Temas
01. Norwegian wood 00:00
02. Pleasures of a lifetime 07:20 
03. St. Thomas 15:38 
04. Goodnight John Morgan 19:15 
05. Father of my daughter 21:05 
06. II B. S. 24:29 
07. Monday monday 31:00
08. Don't make promises 35:24 

Formación
Mel Collins - vientos
Ian Jelfs - guitarrra, voz
Kirk Riddle - bajo, guitarra
Chris Burrow – batería



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JAMES GANG - Miami (1.974) (colaboración J.J. Iglesias)

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Este es otro de esos discos que suelo recordar en verano, que es cuando lo descubrí,  pero en los finales 70, con Juan Carlos.


Por James Gang pasaron excelentes guitarristas. Comenzando con Joe Walsh, luego Domenic Troiano (Guess Who), pero probablemente sus dos álbumes con Tommy Bolin sean mis favoritos del grupo....SON del grupo realmente? Si nos atenemos a los créditos de ambos, bien podrían ser discos en solitario del ex-Zephyr. Donde formaba equipo con John Tesar y Jeff Cook en las labores de composición.  Dúo que también participó activamente en "Teaser" (76) y "Private Eyes" (77). Los dos únicos álbumes de Bolin en solitario. Y el estilo es el mismo. Así que aunque los jefes eran la sección rítmica,  Dale Peters (bajo) y Jimmy Fox (batería ), dudo que tanto "Bang" (73) como " Miami" (74) no sean más atribuibles al genial guitarrista indio. Que por cierto había sido recomendado por Joe Walsh. El cuarteto lo cerraba el canadiense Roy Kenner a la voz solista. Esta formación duraría ambos álbums con Bolin.
Parece mentira que para ser un octavo disco, suene con la frescura que lo hace. Bolin is God, uncle Eric!!!


"Cruisin' down the Highway" es justo eso. Southern rock'n'roll USA para pisar a fondo el Ford Mustang en las inabarcables autopistas yankis. Melenas al viento. Las de la rubia también. La producción es de esas que adoras. Gentileza del grandísimo Tom Dowd. Que si lo dejabas en los 70 a los controles de una mesa en los Criteria Studios de Miami, sólo te podía grabar una genialidad. "Do it" contiene ligeros sintes cortesía de Jimmy Fox. Pero Bolin es el puto amo. Un guitarra al que siempre he comparado a Jeff Beck.
Tenían técnica y gustos parecidos. Por el hard rock, por el blues, por el funk o por el jazz rock.

"Wildfire" es un prólogo a lo que será Deep Purple un año más tarde. De hecho, Coverdale la hubiera bordado. Cuidado, Kenner canta dpm. Para variar, Bolin arrasa.


Siempre he considerado a James Gang una banda de rock sureño. Con mucha clase. Y en temas como "Sleepwalker" lo ratifico. Para colmo, con la slide de Tommy, no hay quien les tosa. Y eso que la de Walsh no era floja.

Un pequeño ragtime titulado "Miami Two-Step" pone fin a la primera cara. En la otra se inicia el corte más largo, seis minutos con "Praylude/Red Skies". Atmosférico Rhodes y campanillas de fondo, jazzy blues guitar  a la Roy Buchanan....Y entrada macarruza de blues pesado que deja a Cactus sin espinas, y a Mountain sin cima. Al estilo de Point Blank. Ahí lo dejo. 

Aaaaah...."Spanish Lover" es la típica pieza acústica cantada por Bolin. Y yo es que me derrito con la voz de este hombre. Esto podría estar en "Teaser" perfectamente.


Su slide nos advierte de "Summer Breezes", otro corte de carretera, para road movie a pleno sol. Curioso, porque también tiene regusto a Eagles. Finalizamos con "Head Above the Water", donde el sintetizador de Albhy Galuten es invitado subliminal. Esto es PURO BOLIN, hermano. Su slide llora, rabia y es sentimiento profundo. Discazo insuperable. James Gang aún editarian un par de discretos lps más,  pero sin la magia del genio. Que sustituyó a Blackmore. Flirteo con la crema del jazz rock con los mejores baterías del género,  Billy Cobham y Alphonse Mouzon. Y editó los referidos, y sensacionales, discos en solitario, antes de morir de sobredosis el 4 de diciembre de 1976. 
40 años echándole de menos.


Temas
Crusin' Down the Highway


Do It

Wildfire


Sleepwalker

Miami Two-Step

Praylude/Red Skies


Spanish Lover



Summer Breezes


Head Above the Water


Formación
Tommy Bolin: Guitarra, voz (en “Spanish Lover”)
Roy Keener: Voz (excepto en “Spanish Lover”)
Albhy Galuten: Teclado, piano
Dale Peters: Bajo, percusión
Jim Fox: Batería, percusión, teclado



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INTERPOSE+ (colaboración Alberto Torró) (rock progresivo japonés)

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Fantástico jazz-rock sinfónico con algún elemento del sonido Canterbury. Son uno de los mejores grupos actuales de la nueva hornada progresiva y fieles herederos de la mejor fusión japonesa.


Lo tienen todo, gracia, pulso, ritmo, feeling, sinfonismo, sentido melódico y buenas composiciones.

A nivel de espectacularidad y como referencias, pueden recordarnos ligeramente a la banda de Bill Bruford de finales de los 70, incluso algo a UK y también mucha personalidad propia. Sus caminos están totalmente abiertos y su música gira constantemente en innumerables cambios inmiscuyéndose en diferentes y variados estilos progresivos entre clasicismos y vanguardia, porque también a veces te parecen oír ecos instrumentales a lo King Crimson o incluso Yes.

El teclista pasa del piano eléctrico al mellotron o del órgano a los sintes con una facilidad y naturalidad pasmosa, lo mismo que los difíciles dibujos del guitarrista muy a lo Allan Holdsworth.
Eso da la sensación, insisto, de que abren diferentes vías musicales a la vez. Combinan perfectamente la suavidad con la energía y eso los músicos sabemos que no resulta fácil. Cuentan como “frontgirl” con Sayuri Aruga una de las mejores cantantes japonesas que he escuchado nunca.

Interpose no te aburrirán en absoluto.


Discografia:
 Interpose (2005)



lndifferent (2007)






Memories In The Wind (2015)








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FRANK ZAPPA AND THE MOTHERS OF INVENTION: UNCLE MEAT (1969) (colaboración Alberto Torró)

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En un principio se trata de una película inacabada, porque Zappa también se adentró en la producción de películas como lema de su  “continuidad conceptual”. En sus propias palabras no hubo suficiente dinero para completarla y la cosa quedó en un doble LP conceptual que a día de hoy es un clásico fundamental para entender su música.


Uncle Meat es un disco hiper trabajado segundo a segundo de música y podría considerarse como uno de los discos de jazz-rock vanguardistas más extraños y fascinantes grabados en esa época de estado de gracia musical que fueron los finales sesentas y principios de la rica y original cosecha de los setentas. Esto es música con mayúsculas y aunque seguimos encontrando falsetes vocales y mucha ironía, la composición musical lo ocupa todo. Es un disco difícil en primera escucha porque contiene muchos pasajes de música puramente contemporánea y experimental pero también mucha estructura melódica típicamente zappiana. 


Frank se juntó aquí con toda la peña de sus habituales  y excelentes músicos: el superdotado multiinstrumentista Ian Underwood. El teclista Don Preston, pionero en sacar sonidos exclusivos en los teclados y primitivos sintetizadores. La impresionante percusionista Ruth Komanoff  futura esposa de Ian Underwood. Los corrosivos e impresionantes vientos de Bunk Gardner y Motorhead Sherwood. El triplete de baterías: El indio Jimmy Carl Black, Billy Mundi y Artie Tripp sacudiendo de todo. Amén del bajista Roy Estrada y el inigualable vocalista de los tonos imposibles Ray Collins. La grabación de este disco duró medio año y el resultado es realmente como una extraña orquesta haciendo música irrepetible. La alegre melodía de Dog Breath Variations, por ejemplo, se va a quedar en tu mente como antidepresivo natural forever. Pero no solamente eso, ya que una vez que entras en una escucha meticulosa…te va a encantar de principio a fin. La pieza fuerte de este trabajo es King Kong. Una suite que ocupa la cuarta cara del vinilo y ríete tú del concepto que tienen algunos de la música progresiva…porque esto sí que es auténtica música progresiva. King Kong puede parecer un largo desarrollo de jam improvisada, por sus constantes relevos solistas entre instrumentos en un ambiente que parece free jazz. 


Pero no nos engañemos Zappa lo escribía todo, lo estructuraba todo y lo controlaba todo…y eso a veces le costó el cabreo de alguna luminaria virtuosista como Jean Luc Ponty y otros super músicos que colaboraron con él que se despacharon a gusto calificándolo de tirano. Los grandes nombres de la historia de la música han pasado por los mismos calificativos de intolerantes, egocéntricos. De Mahler a Miles Davis pocos se salvan. En definitiva este disco es fundamental en la discografía de nuestro héroe.





Temas
00:00:00 Main Title Theme
00:01:56 The Voice of Cheese
00:02:24 Nine Types of Industrial Pollution
00:08:23 Zolar Czakl
00:09:18 Dog Breath, in the Year of the Plague
00:13:18 The Legend of the Golden Arches
00:16:46 Louie Louie (At the Royal Albert Hall)
00:19:04 The Dog Breath Variations
00:20:53 Sleeping in a Jar
00:21:44 Our Bizarre Relationship
00:22:49 The Uncle Meat Variations
00:27:35 Electric Aunt Jemima
00:29:21 Prelude to King Kong
00:33:00 God Bless America
00:34:11 A Pound for a Brown on the Bus
00:35:40 Ian Underwood Whips It Out
00:40:45 Mr. Green Genes
00:43:59 We Can Shoot You
00:46:02 If We'd All Been Living in California...
00:47:16 The Air
00:50:14 Project X
00:55:03 Cruisin' for Burgers
00:57:21 Uncle Meat Film Excerpt, Pt. 1
01:34:55 Tengo Na Minchia Tanta
01:38:41 Uncle Meat Film Excerpt, Pt. 2
01:42:33 King Kong Itself [Played by the Mothers]
01:43:23 King Kong II [Interpreted by Tom Dewild]
01:44:42 King Kong III [Motorhead Explains It]
01:46:27 King Kong IV [Gardner Varieties]
01:52:45 King Kong V
01:53:19 King Kong VI [Live at Miami Pop Festival]



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OM - Om (1971) (colaboración J.J. Iglesias) rock progresivo español

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1968. De las cenizas de los ñoñipop Pic-Nic, ( donde estaba la cantante que "a todos ponía cachondos", Jeanette), apareció OM. Esto es, una idea de Toti Soler y Jordi Sabates. El primero salvaje guitarrista, por entonces, enamorado de Jimi Hendrix y la psicodelia más fuzz. El segundo, teclista exquisito amante del jazz y pronto del jazz rock.


En principio, la cosa iba a ser una especie de "cooperativa musical" para acompañar y dar nuevos arreglos, además de una visión más actual, a los trabajos que se les presentaran. La verdad es que estaban hasta los cojones de arreglos trompeteros y violines chorreantes metidos a traición por todas las discográficas. Ellos y todos. Así que la idea pintaba bien. Dos trabajos destacan sobremanera de ese primer período "Omiano" : El single de María del Mar Bonet, "Jo em donaria  a qui em volgues" (1969). Y el primer lp de "Dioptria", de Pau Riba. Éste último es, dicho sea de paso, una obra maestra del progresivo hispano. Pero una cosa llevó a la otra. Y Toti Soler convirtió a OM en una banda anarco-jazz. "Hacíamos el bestia, nos inventábamos el repertorio de principio a fín. Una vez actuando en el Palau de la Música Catalana, a Manuel Elías le dio por decir todo el rato "moscas". Nos pasamos como 10 mts haciendo sonidos que pareciesen moscas, y la gente tan contenta".

A la par que el álbum y en el mismo año 71, aunque un poco antes, apareció un single con dos temas no incluidos en éste. "Vindra la Llum " (único tema cantado por OM) y "Waiting of Godot". Corte más hard rock que psych. 

Pero cuando el grupo entra en los estudios Gema, entre el otoño e invierno del 70-71, su sonido está ya lejos de lo que iniciaron hacía un par de años. Las influencias psicodélicas se han diluido. Y en su lugar hay una fuerte impregnación de jazz rock norteamericano. Concretamente, andan pillados por Miles Davis y sus discos de entonces, entre ellos "In a Silent Way" y "Bitches Brew" (ambos del 69). Y el definitivo "Live Evil" (70), manual de instrucciones perfecto para OM.

En sus inicios, el ir y venir de músicos en su formación fue constante. Algunos de ellos fueron el norteamericano Joe Skladzien (cantante y armónica ), que grabaría a su nombre el single "hOMe" (1970), junto a la banda. Doro Montaberry, o los hermanos Peter y Tim Hodgkinson. Éste último se iría a su Londres para formar la leyenda Henry Cow. Al final, la formación más estable fue Soler, Sabates, Manuel Elías  (bajista veterano de las jams del Jamboree barcelonés  en los 60) y Peter Hodgkinson en la batería. Si bien en el disco también colaboran Juli Llorens (fiscornio y saxo), Martí Soler (percusión ), Roma Escales (flauta), Alfonso de Lucas (contrabajo) y Pedro Van Eeckout (batería ).

"Excusa 6/8" (12'21) luce radiante por su sección rítmica entusiasmante. Y la guitarra en ebullición de Toti Soler. Los vientos de Llorens nos llevan a territorios progresivos similares a otras agrupaciones europeas con el mismo santo patrón,  el Miles. Como Kraan, Munju, Dzyan, If o Perigeo.

En realidad, es "No no sap Ningu" (6'21)el único corte donde aparece Jordi Sabates. Pero su interpretación es excelente. Tanto como la flauta de Escales. En alegre interacción entre todos los instrumentos. En la cara b, "Zitro's Ache" (5'33) es un corte muy experimental. Soler se encarga del violoncello, recordando a Miroslav Vitous. Y Llorens carga el ambiente con todo su arsenal de sóplidos. Martí Soler ayuda en batería y fondos de órgano,  creando un sonido muy kraut.

Finalmente, "Excusa n1" (12'51), agarra la base del "Jumping Jack Flash" stoniano y la moldea hacia tierras apenas pisadas por el hombre, todavía. Dicese de las salvajes Jams improvisadas de "Bitches Brew". Aquí el paroxismo instrumental es prevaleciente y espectacular. Dejando claro que aunque OM es el vehículo loco de Toti Soler (compone todo, incluidos los temas del single), esto es un aquelarre improvisatorio donde todos tienen fuerte protagonismo.

Una última encarnación de OM incluía a Paul Stocker al saxo. Dejando claras sus inclinaciones internacionales. Y para que no haya duda de esto, se marcaron una gira nacional como banda de apoyo de Taj Mahal.

Se habla de un segundo disco nunca editado, (y más compuesto!), titulado " La Mariposa de la Muerte".

Jordi Sabates montaría los indispensables Jarka y Toti Soler tendría una brillante carrera en solitario. Ambos hicieron discos juntos. Pero el único álbum de OM, dio paso a lo que sería el jazz rock laietano. Fueron los  primeros.

Los de WahWha se marcaron una edición en vinilo a todo lujo. Con la preciosa portada abierta, póster no menos bonito, el single tal cual salió,  y un libreto que parece una revista, por su riqueza de datos y memorabilia. 500 copias salieron....suerte!!!




Temas
1.- Excusa 6/8 - 12:21 
2 .- No Ho Sap Ningú - 6:21 
3.- Zitro's Ache - 5:33 
4.- Excusa Núm. 1 - 12:51 
5 .- Vindrà La Llum - 4:27 
6.- Waiting For Godot - 4:34




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TRIUMPH - Live at Canada Jam 1.978

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Triumph es uno de esos grupos que no me hubiera importado ver en directo. Lamentablemente  nunca han visitado nuestro país y lo cierto es que tampoco han sido muy conocidos por estas tierras, posiblemente por la mala distribución de sus discos.


En 1.978 Triumph ya había editado dos discos, " Triumph" y " Rock & Roll Machine", este último contenía una versión de un tema de Joe Wash, "Rocky Mountain Way", que fue muy popular en las emisoras americanas. Todo esto contribuyó a que realizaran una mini gira por los Estados Unidos y participaran en el Canadá Jam Festival en Mosport Park junto a Fun Zone, Ozark Mountain Daredevils, The Doobie Brothers, Atlanta Rhythm Section, Village People, Dave Mason, Wha-Koo, Prism, Kansas, Commodores y Johnny Winter,



La grabación nos presenta la actuación de Triumph en el Canada Jam el 26 de Agosto de 1.978. El Setlist está compuesto por temas de sus dos primeros discos. La fuerza guitarrera de Rik Emmett es más que evidente  en temas como "Street Fighter" y por supuesto "Rock'n'Roll Machine". La delicadeza la encontramos en " Blinding Light Show". No hay que olvidar su versión de ""Rocky Mountain Way" y el pequeño solo de batería a cargo de Gil Moore. Poco más de una hora de buen hard rock.





Temas
1. What's Another Day of Rock'n'Roll 00:00 
2. Street Fighter 06:25
3. Little Texas Shaker 12:33
4. Blinding Light Show 16:35
5. Let Me Get Next to You 27:09 
6. Rock'n'Roll Machine 32:15 
7.  Rocky Mountain Way 39:35
8.  24 Hours a Day 49:11 
9.  It Takes Time 58:07

Formación

Rik Emmett – guitarra, voz
Gil Moore – batería, voz
Michael Levine – bajo, teclados


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HARALD GROSSKOPF - Synthesist (1980) (colaboración J.J. Iglesias) rock electrónico

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Otro berlinés batería que también se apuntó a los sintetizadores. Casi un género,  esto de los drummer-shyntesists. Cualquier día de éstos traemos por aquí a Eroc.


Harald Grosskopf  comenzó en los 60 machacando baquetas para The Stuntmen, y hasta estuvo en unos "desconocidos" Scorpions!
Comenzando la nueva década,  se afianzó con Wallenstein. Colaboró con Klaus Schulze, Cosmic Jokers,Walter Wegmuller o Lutz Ulbrich. Finalizando los 70, formó parte de Ashra. Estamos ante todo un referente de la más emblemática Berlín School.
Cuando las obligaciones de éstos últimos le dejaron, entró en los Roma Studios de su colega Manuel Gottsching, y en los Panne Paulsen de Frankfurt. Y de allí salió con un clásico de culto bajo el brazo, "Synthesist".


La inicial "So weit, so gut" (5'24) imprime aura de modernidad al género,  con pinceladas funk. Seguramente heredadas de Ashra. También recuerda poderosamente a la época "Platinum", de Mike Oldfield.

"B. Aldrian" (4'51) es una mini-sinfonía  paralela a los primeros trabajos de Gandalf o Kitaro. Recuérdese que se estaba urdiendo una nueva trama musical llamada new age. En un principio, bienintencionada. Para ser corrompida por la industria no mucho después. 

"Emphasis" (4'55) es otro corto y atractivo tema altamente secuencial. "Correlations" o "Belle Alliance" de Ashra son su modelo estilístico. 

En "Synthesist" (7'34) es ayudado en los sintetizadores por Udo Hanten. Con el que formaría posteriormente un trío,   junto a Albín Meskes, llamado Central Europe Performance. Las melodías son excelentes, adornadas por una bella secuenciación  y batería perfecta. Algo trasladable a toda la grabación. Suenan igual que You, porque casi son este grupo. Tanto Hanten como Grosskopf formaron parte de ésta electrónica formación berlinesa. Que debutó precisamente en 1980 con el álbum "Electric Day".


Electrónica tribal abre la cara b, con siniestros coros, en "1847-Earth" (6'43). Nuevamente tiene parecidos con el Oldfield post-"Incantations", aunque con mayor incidencia de sintetizadores. Los ritmos lo invaden todo como un ejército de pokemons . Demostrando que en el fondo, es el disco de un batería. Para "Trauma" (6'37) el océano  dronico navega onduladamente,  como gigantescas olas de poética electrónica  que inspirarian  a los mismísimos John Foxx o Brian Eno. 

Vuelve el reino percusivo en "Transcendental Overdrive" (5' 03), casi en sintonía con las premisas de Ralf and Florian y sus cantos tecnológicos urbanos. Finalmente "Tai ki" (4'09) exhibe una melodía solemne y sinfónica,  digna de Chris Franke.

Felizmente, éste disco no fue un "syanesthesist". Y sí un muy original álbum donde Grosskopf aportaba nuevas y frescas ideas a una Berlín School un tanto quemada por la saturación de los 70, que ya estaba pidiendo un relevo.

Hasta el 86 no dio continuación a su debut, con "Oceanheart". Un disco al que la grabación digital no le sentó muy bien ( como a todos).
Harald siguió colaborando con otros artistas, notoriamente con Bernd Kistenmacher.

"Synthesist" ha tenido posteriores remezclas chungas hechas por sabelotodos modernos. Cualquiera puede poner sus sacrilegas manazas en objeto sagrado. Pero pocos saben crearlos.
P.D.- "Puedes imaginar "The Lamb lies down on Broadway" sin sintetizadores? Sin duda, nunca hubiera ocurrido"
(BJORN LYNNE)




Temas
1. So Weit, So Gut 0:00
2. B. Aldrian 5:22
3. Emphasis 10:12
4. Synthesist 15:08
5. 1847 - Earth 22:42
6. Trauma 29:26
7. Transcendental Overdrive 35:59
8. Tai Ki 40:52



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HEAVEN - Brass Rock 1 (1971)

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A lo largo de la historia del rock multitud de grupos han incluido en sus formaciones una sección de metales (vientos), no todos consiguieron una simbiosis perfecta. Este no es el caso de Heaven donde se compenetran a la perfección.


Los orígenes de la banda los encontramos en  Hampton, Virginia. En 1968  Brian Kemp (bajo, voz), Andy Scarisbrick (guitarra, voz), Ray "Ollie" Holloway (saxo, flauta), Dave Gautrey (trompeta), Ray King (saxo, clarinete), Mick Cooper (teclados), y Nobby Glover (batería) constituyeron la primera formación del grupo. A comienzos de 1.970  tres de sus miembros (King, Gautrey and Glover) deciden reformar el grupo con nuevos miembros (Terry Scott Jr. (voz, guitarra), Barry Paul (guitarra), and John Gordon (bajo). Actuan en el Festival de la isla de Wight, el mismo día que  Jimi Hendrix , Leonard Cohen , Free , Donovan , Jethro Tull , Pentangle , y The Moody Blues, causando una grata impresión  y brindándoles la ocasión de firmar con la  CBS. En 1.971  llegaría "Brass Rock" . 

Heaven nos ofrecen una mezcla de estilos donde confluyen jazz, blues, rock y progresivo. Nos podría recordar lejanamente a grupos como Chicago y Blood, Sweat & Tears, aunque a diferencia de estos la labor de los guitarristas , Eddie Harnett y Terry Scott Jr., es mucho más notoria. Temas destacados podrían ser la inicial "Things I Should've Been ", " Never Say Die" con ciertos aires sureños, "Number Two" metales a tope pugnando con una gran guitarra, y por supuesto la progresiva- jazz " Song For Chaos".






Temas
1) Things I Should've Been 
2) This Time Tomorrow 06:18
3) Never Say Die 11:30
4) Come Back 15:25
5) Song For Chaos 20:51
6) Morning Coffee (A Theme To A Film) 28:31
7) Number One (Last Request) 33:33
8) Number Two (Down At The Mission) 38:16
9) Dawning 43:53
10) Got To Get Away 49:13

Formación
Malcolm Glover: drums
John Gordon: bass guitar, fiddle, vocals
Eddie Harnett: guitar, vocals
Terry Scott jr.: guitar, vocals, piano
Ray King: saxophones, flute, clarinet
Derek Sommerville: saxophones, flute, trombone
Dave Gautrey: trumpet, flugelhorn
Butch Hudson: trumpet, flugelhorn
Dave Horler: trombone, piano




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MR. BROWN - Mellan tre ogon med (1977) (colaboración J.J. Iglesias)

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Todo comenzó durante unas vacaciones en Mallorca. Hakan Andersson y Bo Carlberg se unieron a una banda de versiones en un pub , tocando temas de Santana. Y la magia surgió  entre aquellos dos adolescentes, en el verano del 72. De vuelta a su querida Suecia, deciden formar un grupo.


Como toda dinámica en éstas historias, pasarán por cambios de formación,  primeras actuaciones en colegios y demás típicas fases de banda, hasta que se consoliden como tal. Que por el año 74 se llamaban Svenska Galenskaper (Swedish Insanities). Sus influencias eran cercanas a Camel. Una constante en los combos progresivos escandinavos de entonces. Aquello fue creciendo, hasta convertirse en un septeto con tres guitarristas, sección rítmica,  flautista y teclados ( predominando el Hammond B3, ARP y Logan String).

Ayudados en el álbum por cinco músicos más a los saxos, voz y percusiones. Poco antes de editar por su cuenta y muchos sudores "Mellan tre ogon med", se cambian el nombre a Mr. Brown,  lanzando una tirada de 1000 copias. Que ellos mismos se encargan de distribuir por toda Suecia. Llegando a vender en un par de incursiones unas 600 copias. Que no está nada mal para unos Don nadie, y en 1977. Con el rock progresivo ya cotizando a la baja por culpa del punk, new wave,  reggae y demás moderneos del momento. Eso sin contar con la "ayuda" de los periodistas serios del medio. Que asco de días,  de verdad!.....

A causa de esto, los conciertos comienzan a escasear. Y para una maxi-formación como Mr. Brown, la situación se hace insostenible. Separándose poco después. 

El album lo inicia "Suicide" (6'53), típico progresivo sueco de elegantes guitarras latimerescas y fondos teclisticos exquisitos. En esta ocasión cantado en inglés,  aunque lo combinan con su lengua materna. Hakan Andersson posee una voz cálida y agradable. Acolchada por el saxo y las acústicas. "Recall the Future" (9'25) guarda más similitudes con los iniciales Camel, gracias a una juguetona flauta y perfecta sincronía rítmica. Un tema instrumental precioso, con toda la esencia 70s y que te puede recordar a cualquier monstruo del progresivo italiano de la época. 

"Resan till Ixtlan" (3'18) es una pieza dominada por un sobrio piano, con la tristeza lírica tan propia del folclore sueco. "Universe" (3'38) continúa en esa tesitura nostálgica,  tiene una pequeña letra en inglés, y deja un regusto a cosas parecidas de Supertramp, Caravan o más concretamente, a los Pendragon de mediados 90.
"Kharma 74" (5'45) es otro instrumental de sabor pagano y forestal. Que torna bruscamente en casi una pieza de acid jazz con el saxo y las congas elevando la temperatura al modo de un Jeremy Steig.
'Liv i stad utan liv" (6'58) es la única cantada en sueco. Muy sinfo,  con el Hammond reinando y las eléctricas dando sabor setentero.  Te puede parecer cualquiera de los grandes del progresivo español. "Tornet" (0'54) es una intro monacal con fondo de Logan (el teclado, no Lobezno!), que desemboca en la final "I'll Arise" (2'34). Tema acústico en onda Cat Stevens.

Décadas después,  Andersson recibió  llamadas de Japón,  Francia, España y Noruega, de coleccionistas y gente interesada en editar el álbum en cd. Finalmente esto ocurrió  a través de Transubstans Records, sello progresivo sueco, en 2006.

Mr.  Brown debieron editar su album un poco antes, porque merecían mejor trato. Su estilo no anda lejos de otros escandinavos de oro, como Kaipa, Kerrs Pink, Atlas o Zaragon. Por lo menos su valía se ha reconocido con el tiempo. Demasiado tiempo. Pero así son éstas cosas.




Temas
1 Suicide 00:00 
2 Recall 06:55 
3 Resan Till Ixtlan 16:30 
4 Universe 19:51 
5 Kharma 74 23:33 
6 Live I En Stad Utan Liv 29:22 
7 Tornet 36:25 
8 I'll Arise 37:23



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KBB (colaboración Alberto Torró) rock progresivo japonés

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Cuarteto instrumental de evidente formación académica, que a diferencia de muchos crean una música muy personal. KBB realizan un rock progresivo de extrema calidad que de igual manera funciona en estructuras clásico-sinfónicas como en una poderosa base de fusión jazz-rock.


Son músicos de sonoridad amplia, de largos y grandes vuelos. Tanto los constantes diálogos como las múltiples melodías creadas por el violín solista y los teclados, crean  una música sólida y sin fisuras. La arquitectura sonora está perfectamente ordenada y es rica en elementos, lo que da una garantía de audición a los oídos más exigentes que siempre temen la vacuidad o lo facilón y previsible. 

Al melómano veterano hay que saber “entretenerle” y KBB cumplen esas premisas con creces. Huelga hablar en este caso, de la precisión técnica y el buen hacer instrumental, que por otra parte es una característica típica de este tipo de bandas japonesas. Sin miedo en decir que son absolutamente elegantes en la composición. Música de la de verdad.

El líder de la formación es el violinista y compositor Akihísa Tsuboy que también toca la guitarra solista de manera eventual. Decir que realmente emociona por momentos. Añadir que el teclista Toshimitsu Takahashi combina de forma precisa con las ideas del compositor. La sección rítmica de bajo-batería, de las mejores que se puedan encontrar, rubrican a un grupo que roza la perfección.

Discografia: 
Lost and Found (2000)




Four Corner's Sky (2003)



Live 2004 (doble CD)




Proof of Concept (2007)



Age of Pain (2.013)







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FRANK ZAPPA: Hot Rats (1969) - Burnt Weeny Sandwich (1970) (colaboración Alberto Torró)

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FRANK ZAPPA: HOT RATS (1969)

No terminaría el año 69 sin que nuestra madre superiora firmase uno de sus discos emblemáticos, pero esta vez con denominación de origen propia o lo que es lo mismo, su primer álbum en solitario, si exceptuamos naturalmente el extraño y difícil de encasillar Lumpy Gravy.  Aquí, Zappa, con la excepción de Ian Underwood a las teclas y vientos,  aparca a sus madres momentáneamente y contrata a una nutrida banda de colaboradores. Todos músicos de sesión y del mundo del jazz: Entran el jazzmen francés Jean-Luc Ponty y el blues- rockman Don “Sugarcane” Harris a los violines solistas respectivamente. Vuelve a rodearse de un triplete de baterías: Paul Humphrey,  Ron Selico, y John Guerin que tocan en las diferentes piezas del álbum. Los bajistas Max Bennet y Shuggy Otis y el gamberrete de su amigo de correrías Don Van Vliet más conocido como Captain Beefheart, berreando más que cantando en la pieza Willy the Pimp.

Hot Rats se abre con Peaches en Regalía, una composición instrumental de apenas cuatro minutos de duración que es como un torbellino encantador con una densidad y concentración de cambios que es apabullante. Esta es una pieza que gusta incluso a los no simpatizantes del estilo zappero.  Peaches es puro Zappa con su desparrame de melodías y positivismo sonoro, no la tocaría demasiadas veces en directo, aunque las pocas versiones que hay son todas  excelentes y distintas

La siguiente Willy the Pimp, está dedicada a los chulos y macarras que debían pulular por las barriadas de Los Angeles. Es la única pieza del disco cantada por el capitán Vliet, que más parece un rottweiler rabioso pronunciando obscenidades que un cantante. Afortunadamente solo ladra en el comienzo y desarrollo  del tema, el resto es un impresionante  y antológico solo de guitarra de Zappa sobre un ritmo adictivo y vibrante. Nueve minutos inagotables que podrían durar eternamente.

The Son of Mr Green Genes es otra maravilla de composición con ese sentido melódico tan especial y característico de nuestro autor que podría ser la continuación perfecta de Peaches en Regalia. Fantástica sección de viento y solos a tutttiplén. Parecen una big band en un excelente jazz-rock progresivo para la historia.

El pequeño paraguas (Little Umbrellas) es un breve inciso con aires exóticos de club de jazz privado y decadente.  Una joya en todos los aspectos y que muestra a las claras que Zappa fue un gran compositor de nuestro tiempo.

El desparrame heredero directo de King Kong es Gumbo Variations:  Jazz-rock blues en toda regla. Un brutal saxo inaugura solos, solos y más solos que harán las delicias de los amantes del género. Nos aproximamos al free, a la jam-sesion y aquí todos intervienen y participan en una música sin fin y de altísima calidad. 

Con “debe ser un camello” se cierra esta obra maestra de la música sin paliativos, un final algo vanguardista, a medio camino entre el free-jazz y el avandgarde… futuro R.I.O  Henry Cow, Soft machine… y Canterbury variado.  A Zappa le deben muchos, mucho, redundancias aparte. Los intelectuales snobs progres ingleses de los 70´s deberían recordar que fue un bigotudo yanqui quién  les abrió las puertas de la imaginación.




Temas
1 - Peaches En Regalia 0:00
2 - Willie the Pimp 3:37
3 - Son of Mr Green Genes 12:54
4 - Little Umbrellas 21:52
5 - The Gumbo Variation 24:56
6 - It Must be a Camel 41:52


FRANK ZAPPA AND THE MOTHERS OF INVENTION: Burnt Weeny Sandwich (1970)

Después del recalentamiento de las ratas y de abrir la puerta de su música instrumental de par en par, Frank inaugura la década de los setentas de nuevo en el seno de sus madres con un álbum lisérgico de principio a fin. Vuelven en parte algunos sonidos apolillados del doo-wop en la pieza de inicio, con mexicano wey incluído, pero Burnt Weeny vuelve a ser un disco fundamentalmente instrumental y mucho más maduro que los iniciales Mothers Albums.  La paleta de la invención es nutrida porque encontramos a todos los miembros habituales del maestro, más ampliado con nuevos músicos. 

Para mí este trabajo es tan bueno como cabría esperar. Las bromas y las gilipolleces iniciales van quedando atrás y la música zappiana es cada vez mejor y más elaborada. Ciertamente el Shandwich éste, aunque  no tiene el tirón del anterior Hot Rats, es más sibilino y cabroncete, más recóndito, en unas composiciones que si no son tan espectaculares como en el anterior, no adolecen en absoluto en el mismo nivel o calidad. Claro que naturalmente volvemos al sonido típico de Los Mother Of Invention.  A Don Preston, al indio Black, a los parientes Gardner y al camaloneónico Ian Underwood.  En parte es una especie de continuación del  Uncle Meat con el fantasma de stravinsky incluído. 


El Theme que da título es una hippiosa nube de guitarra porrera, cuya apreciación mía cabrearía al franky alérgico a las flores. Pero suena a eso, a cuelgue porrero y criaturas desparramadas en ácido, sigue el Stravinsky frío y analítico que tanto ama el Zappa clásico y unas disonantes y cachondas galerías instrumentales de inclasificable factura y sello inconfundible. Las baterías con eco de lejana estancia y la guitarra parlanchina ya inconfundible del maestro. No hay un equivalente musical a esto, o al menos no lo había en su época. Este disco tiene un especial encanto en comparación con los anteriores, pero hay que prestarle mucha atención, y aunque esto es casi una obligación en la escucha de la música de Zappa, hay discos en los que hay que agudizar el sentido. Este es uno de ellos. Hay partes que rozan la sofistificación y exigen un trabajo extra en el oyente. Si no, no hacemos nada. 


La cara dos del LP lo ocupan 18 mtos de la impecable “Little House I used to live in”. Declaración de principios y apertura del Zappa que viene en siguientes discos. Aquí encontraremos uno de los solos de violín más bárbaros que hayas escuchado por parte de un Sugarcane Harris en estado de gracia y un final con órgano y teclados desatados en un estilo inclasificable. Nuevamente jazz-blues-rock de alto calibre y tremenda música que intercala sonidos en directo. Termina con Valarie y al igual que en el principio, vuelven brevemente las polillas de los 50. Disco imprescindible en tu discoteca.



Temas
1. WPLJ 0:00
2. Igor's Boogie, Phase One 2:51
3. Overture To A Holiday In Berlin 3:29
4. Theme From Burnt Weeny Sandwich 4:56
5. Igor's Boogie, Phase Two 9:28
6. Holiday In Berlin, Full Blown 10:03
7. Aybe Sea 16:29
8. Little House I Used To Live In 19:13
9. Valarie 37:56



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