ROCK LIQUIAS

Lisker es un grupo vasco fundado en el 78 por Julián Alberdi (guitarra), Ernesto Gómez (guitarra y voz), Jesús Gil (flauta), Josean Salado (batería) y Javi Zabala (bajo).

Durante algún tiempo tuvieron cierta popularidad llegando a actuar junto a los catalanes Lone Star. En el 79 llegaría la oportunidad de grabar con la discográfica Xoxoa su único disco, "Lisker". La grabación contenía cinco temas de corte folk progresivo fundamentalmente instrumental ( aunque también cantaban en vasco) donde predominaba los diálogos entre la flauta de Jesús Gil y la guitarra de Julian Alberdi.

La mili y los cambios en su formación enfriaron los ánimos del grupo hasta que en 1983 se vuelven a reunir sus miembros originales para dedicarse al meritorio mundo de las verbenas.

Discografía

Lisker 1.979

Temas

A1 Kalean Festa 5:22

A2 Amets Jazarriak 6:48

A3 Bakardade Tristea 6:44

B1 Garajeko Melodia 7:30

B2 Eldarniotik Iheska 9:17

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Bob Seger es un cantante ( también toca la guitarra y los teclados) que alcanzó su máximo esplendor en la década de los 70. Logró reunir un grupo de excelentes músicos, The Silver Bullet Band, con los que consiguió una simbiosis perfecta. Hoy recordaremos una de sus actuaciones.

En abril de 1976 Bob Seger edita "Live Bullet", un doble disco grabado en vivo el año anterior en Cobo Hall, Detroit. Con esta grabación Bob alcanzó el éxito llegando a posicionarse en los puestos de honor en las listas. En octubre de ese mismo año vería la luz un nuevo disco en estudio, "Night Moves", continuando con las ventas de su anterior producción.

La grabación nos traslada a 1.976, Bob Seger y su The Silver Bullet Band en un pequeño local de Illinois ante un puñado de alucinados espectadores, la noche anterior había actuado en el Pontiac Superdome de Detroit ante más de 80.000 personas. El concierto celebrado el 23 de Junio del 76 fue retransmitido por la WXRT-FM, una estación de radio de Chicago.

En los primeros minutos podemos escuchar al DJ de la emisora presentado al grupo. El primer tema que podemos escuchar es un homenaje a Bob Diddley, "Hey Bo Diddley-Who Do You Love", realmente constituye una buena carta de presentación. Drew Abbott (guitarra), Robyn Robins (Teclados), Chris Campbell (bajo), Alto Reed (saxo) y Charlie Allen Martin (batería), no solo acompañan a Bob, son verdaderos protagonistas.

El show continua con "Travelin' Man" y "Beautiful Loser" dos baladas de su disco "Beautiful Loser" (1.975), que sirven para el lucimiento de Seger y de su peculiar voz.

Con su cuarto tema, " Katmandu" llegamos a uno de los platos fuertes de la grabación. Ritmo típico de Seger, rock de alta graduación con un Abbott desatado compitiendo con el saxo de Reed.

Vuelve la calma con un clásico, " Feel Like Wakin' Up in Somebody Elses Bed", donde nuevamente la guitarra de Abbott está sublime.

Los siguientes temas "Lookin' Back" y "Mary Lou" nos preparan para " Ramblin' Gamblin' Man " uno de los primeros éxitos de Bob Seger. La traca final llega con el desenfreno rockero del tema de Chuck Berry, "Let It Rock", casi 11 minutos de buen rock'n'roll. La fiesta continua con "Rosalie", tema que posteriormente versionarían los Thin Lizzy. y con "Boogie", una especie de mezcla entre el "Whole Lotta Love" de los Led y "La grange" de ZZ Top. El disco se cierra con "Lucifer" de su álbum "Mogrel" (1.970).

Temas

01 - Dj Intro-Hey Bo Diddley-Who Do You Love 00:00

02 - Travelin' Man 09:34

03 - Beautiful Loser 14:43

04 - Katmandu 18:30

05 - Feel Like Wakin' Up in Somebody Elses Bed 24:00

06 - Lookin' Back-Dj talks-Mary Lou 29:00

07 - Ramblin' Gamblin' Man 36:47

08 - Let It Rock 39:48

09 - Rosaly 51:10

10 - Boogie(inc. Whole Lotta Love) 54:32

11 - Lucifer 01:00:10

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Como humilde sintetista, siempre he dicho que aparte de la música, lo que más me ha inspirado siempre es la pintura. Su abstracción posee los mismos ingredientes psíquicos que éste género musical.

Todo esto viene a cuento porque Míchel Magne fue tan músico como pintor. Y de los buenos.

Nacido en un pequeño pueblo de Normandía, estudió en el Conservatorio Nacional de Caen, y luego en el de París, con Simone Ple Caussade. Dando sus primeros conciertos con su propia orquesta a la edad de 15 años. Un año más tarde compuso su primer Concierto para Piano y Orquesta, al que siguió un Oratorio en 1946. En los años 50, Michel Magne estaba a la cabeza del avant-garde europeo. Comenzó a experimentar con las ondas sonicas y las corrientes magnéticas del cuerpo humano. Su primera orquesta en París contenía exclusivamente instrumentos electrónicos. Toda una revolución, allá por 1952!! Creó la "música psicológica " e hizo ensayos musicales sobre la inmaterialidad. Algo que también se reflejó en su pintura de esa etapa. En 1955 estrenó la "Sinfonía Humana". Y a partir de aquí se dedicó a componer música para películas. Superando la centena de bandas sonoras, entre ellas "Barbarella".

Por si no era bastante, en 1962 construyó los hiperfamosos Chateau d'Herouville Studios. También conocidos por Jethro Tull como los Chateau D'Isaster. Por lo mal que les fueron las cosas allí! . Aunque a otros les fue mejor: Elton John, Pink Floyd, David Bowie o Cat Stevens, entre muchos.

"La Terre" es el primer trabajo de una cuadrilogia, "Elements ",que abarcaba también el agua, el aire y el fuego. Cuatro excelentes discos de electrónica progresiva. Magne tocaba RMI Computer, ARP Odyssey, ARP Omni Polifonico, ARP 2600, MiniMoog, Clavinet D6 y piano eléctrico.

Y le acompañaban un séquito de músicos al violín , (nada menos que Didier Lockwood de Magma), su hermano Francis al MiniMoog, y otros a las percusiones orientales, tambores africanos, sitar y demás teclados.

"Signaux codes non identifies" (4'57) inicia ésta extrapolación poético -electrónica sobre la Tierra a partir de divagaciones oníricas con regusto subliminal a Jazz rock.

"Trip Psychiatrique" (4'35) continúa en esa línea electronicjazzrockoide, en un estilo bastante poco comparable. La calidad en los solos de sintetizador de Magne es incontestable. "Plane Eros I" (8'23) es una fascinante pieza "planante " con ingredientes orientales, cercana en su propuesta a Popol Vuh.

Ya en la otra cara, "Planetes et Forets" (5'15) saca al Míchel Magne de formación clásica al piano. Como un Chopin secuencial. Qué hubieran hecho los clásicos con semejantes medios sonoros?..."Terre Blessee" (5'21) utiliza las étnicas percusiones para desarrollarse al piano y violín de Lockwood. Entre Shakti y Deuter, pero llevado al universo del maestro francés. Bellísima y completa composición.

Finalmente "Plane Alpha II" (6'40) aprovecha todos los ingredientes etnico-electrónicos para adentrarnos en una pequeña sinfonía selvática, amazónica, misteriosa. Que Werner Herzog hubiera usado gustoso para su "Aguirre".

El disco llegó a salir en España en aquella famosa serie francesa Egg, ("The most progressive European experience", rezaba su lema), que distribuyó aquí Movieplay. Hoy son albums buscados, mientras que en su día eran pasto de liquidación.

Míchel Magne se suicidó en la habitación de un hotel en 1984. No me extraña, ese mismo año había hecho la música para "Emmanuelle 4". Sin comentarios.

P. D.-"Toda la nueva música debería confiar, obligatoria e indefinidamente, en la magia cósmica de los sintetizadores" (MICHEL MAGNE)

Temas

A1 Signaux Codes Non Identifiés 4:57

A2 Trip Psychiatrique 4:35

A3 Plane Eros I 8:23

B1 Planètes Et Forêts 5:15

B2 Terre Blessée 5:21

B3 Plane Alpha II 6:40

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Nuevamente vuelve el progresivo italiano a Rockliquias de la mano de De De Lind, nombre sacado de una Miss Playboy (1.967). Posiblemente el titulo de este disco sea uno de los más largos ,merecedor de un record Guinness.

El grupo procedente de Varese se formó en 1.969, firmaron con la discográfica Mercury editando un primer single con una formación de seis miembros. Posteriormente en el 71 y el 72 editarían dos singles más con la formación definitiva: Matteo VITOLLO (guitarra, flauta), Gilberto TRAMA (flauta, sax, teclados), Vito PARADISO (voz, guitarra), Eddy LORIGIOLA (bajo) y Ricky REBAJOLI (batería). En el 71 participan en diversos festivales llegando a ser teloneros de los URIAH HEEP en su gira por Italia. En el 73 llegaría su único larga duración y poco a poco se diluyeron en el tiempo.

De De Lind nos ofrecen progresivo italiano de alta graduación, combinando pasajes bellísimos de flauta y guitarra acústica, con verdaderos zarpazos de guitarra distorsionada. Todo perfectamente hilado con la extraordinaria voz de Vito Paradiso. Destacar algún tema me parece innecesario ya que todos forman un todo conceptual. Posiblemente su único defecto sea su corta duración.

Temas

01-Fuga e morte--00:00

02-Indietro nel tempo--07:20

03-Paura del niente--11:40

04-Smarrimento--19:19

05-Cimitero di guerra--27:19

06:Voglia di rivivere--32:39

07:E poi---36:14

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No es de justicia decir que PM fuera "la banda de Carl Palmer", como se dijo (y todavía se dice) en diversos medios "especializados". De hecho, la banda era norteamericana, siendo el único británico él. Quizá era el miembro más famoso del quinteto. Pero ahí había claramente un supergrupo con músicos de total prestigio.

Eso sí, posiblemente el supergrupo más efímero y con menos repercusión de la historia del rock. Volviendo a Palmer, que acababa de dejar exhausto una gira llena de extravagancias sinfonicas con una enorme orquesta, con Emerson, Lake and Palmer. Donde las pérdidas habían sido cuantiosas. Al batería le pedía el cuerpo algo más simple y directo. Los tiempos también estaban pidiendo esto. Así que en PM no se involucró más que en lo justo, que era tocar su kit. Con contundencia, pero sin excesivas florituras. Nada más, ni nada menos.

Tres cantantes solistas incluía éste grupo. Que cantaban sus composiciones respectivas. Los dos guitarras eran pura élite : Barry Finnerty, que venía de Blood, Sweat and Tears (sustituyendo a Mike Stern!), Brecker Brothers, Crusaders, Billy Cobham, Tower of Power, Joe Farrell e incluso Miles Davis (seguramente recomendado por Stern). Todo un jazzmen que sin embargo no se nota en esta grabación. Por otro lado estaba John Nitzinger. Un tejano procedente del hard rock blues. Que había ayudado en la composición de material en los primeros y decisivos discos de Bloodrock. Y que gracias a ello había conseguido contrato para una excelente carrera en solitario. También entró en la banda de Alice Cooper en los finales 70. A los teclados, otro jazzero con raíces funk, experimentales y hard rock, Todd Cochran ( o Bayete). Del que hablamos no hace mucho mientras estuvo al frente de los excelentes Automatic Man. Y Erik Scott al bajo, otro sesionero que había alquilado desde Flo and Eddie (Frank Zappa), hasta Alice Cooper. Responsable de la música de series tan deliciosamente setenteras como Starsky & Hutch o Charlie's Angels. Erik también hacía coros en PM. Cuatro voces. Como digo, Palmer a su batería y punto.

" 1:PM" (Ariola- 1980) comienza con "Dynamite", single del álbum compuesto por Nitzinger y cantado entre él y Barry Finnerty. Un tema con gancho, que anda entre el pomp/pop rock y unos teclados emersonianos. "You've Got me Rockin'" es propiedad compositiva y cantada por Todd "Bayete" Cochran. En Automatic Man hubiera encajado muy bien. También en The Tubes. Al igual que "Green Velvet Splendour", de nuevo de Cochran. Aquí los teclados sacan el lado progresivo de su estilo, aunque el corte se acerca a The Cars o Eddiie Money.

Parece increíble que de la mano de John Nitzinger tengamos algo tan pop rock como "Dreamers". Pero hasta Ted Nugent cayó en eso alguna vez. Su guitarra es tremenda e incomparable. Y el tema está estructurado milimétricamente para la radio. Otra de Nitzinger, "Go on Carry on". Se acerca a la fórmula que se intuye andaba buscando Palmer para los inmediatamente posteriores, Asia. Esto es, pop+hard+prog+pomp extremadamente radiable. En efecto, puro AOR que agradara por igual a los fans de los 70 como a las nuevas generaciones más acostumbradas a la new wave.

Con "Do you go all the way" abrimos el lado b, en un trabajo achacable a Finnerty. Curioso y encomiable, que independientemente que proceda la canción de uno u otro, el disco suena compacto y totalmente a PM. Sin deslabazar el estilo. También del anterior es "Go cor it", cara b del single y yo creo que incluso más comercial que su cara a. De nuevo The Cars o Utopía en mente. Buenas guitarras e instrumentación, a pesar de todo, hard rock.

Las tres canciones últimas pertenecen a Todd Cochran, y se nota en el predominio de teclados. Aunque las guitarras no se pierden, y dibujan bonitos esbozos melódicos.

La comparación con lo que estaba haciendo por las mismas fechas Todd Rundgren con o sin Utopía, es adecuada. Alejándose de misticismos y "aligerando" mucho más las composiciones. Sin que esto haya de verse como peyorativo. Aún así, en "Children of the Air Age", Cochran nos hace un guiño a sus Automatic Man más que evidente.

Es éste un disco comercial de muy buena calidad. " 1: PM" refleja un confuso momento para los músicos de los 70 (1980). Donde su brillante background no era tenido para nada en cuenta y eran ninguneados por las putas discográficas para que sonarán "a la moda". Esto hizo que los sufridos músicos tuvieran que exprimirse la sesera y reinventarse con algo comercial, pero presentable, dado su reciente ilustre pasado. Ahí tenemos "The Single Factor"de Camel, "Duke" o "Abacab" de Génesis, "Drama" o "90125" de Yes, "Civilian" de Gentle Giant, "Invisible Man" de Anthony Phillips, "A" de Jethro Tull....Y así hasta el infinito y más allá. Incluso en nuestro país tenemos casos. Escucha el "Más Madera" de Leño....

No sé a ciencia cierta si PM actuaron en directo, pero de hacerlo no sería mucho. Porque en el 82 se editaba el debut de Asia, y ésta vez sí, la fórmula dio en el clavo.

"1:PM" no es un mal disco. Ni siquiera caro, ni de esos imposibles que acostumbramos a comentar. Aunque mi copia en vinilo venga firmada por el propio Carl Palmer. Que lo sepas.

Temas

1 Dynamite

2 You've Got Me Rockin

3 Green Velvet Splendour

4 Dreamers

5 Go On Carry On

6 Do You Go All The Way

7 Go For It

8 Madeline

9 You're Too Much

10 Children Of The Air Age

Formación

Bajo, Voz – Erik Scott

Batería – Carl Palmer

Guitarra – John Nitzinger

Guitar,ra Voz – Barry Finnerty

Teclados – Todd Cochran

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Joven grupo de la actual generación y con tal sólo un CD por el momento llamado Day and Night ( y una Demo en directo de 2.004). El disco ha sido editado por Musea Records y es relativamente fácil su adquisición.

Fantasmagoria es un quinteto que forman parte de ese progresivo instrumental un tanto ecléptico típico del siglo XXI, a medio camino entre el math-rock, la fusión-jazz-rock y las últimas influencias crimsonianas del Fripp más tecnificado. El trabajo en general gira en torno al virtuosismo de la violinista Miki Fujimoto, que podría ser al tiempo la intérprete de cualquier concierto clásico

para violín y orquesta. El trabajo es tan perfecto como a veces. frío, según claro esta con que sensibilidad se aprecie.

Las piezas más obsesivas y enérgicas permiten el lucimiento omnipresente del violín y de un guitarrista que se acerca mucho al hard- metal. El tiempo lo tienen por delante.

Temas

1 Crusader 00:00

2 Blue Rice 04:06

3 Into The Sea 07:46

4 M.N.K. 12:57

5 The Sparrow 18:33

6 Anticlimax 24:40

7 Omoplatta 31:38

8 Travelling Space 36:07

9 Joanni 41:25

10 Lights That Fall Down The Hill 48:50

11 Epic 54:20

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THE MOTHERS OF INVENTIONS: WEASELS RIPPED MY FLESH ( 1970)

A éste disco se le considera el compañero de la anterior tostada sanwich, aunque a decir verdad éste es más una empanada que un sándwich. Por esa época a Frank Zappa le encantaba grabarlo todo, para después modificarlo y triturarlo todo. Época del corta-pega. Un extracto en directo de aquí, otro de allí, luego le añado un solo grabado en otra versión… y así suma y sigue. No es que me disguste la técnica un tanto caprichosa de nuestro amigo, pero sinceramente no acabo de entenderla. Manías de los genios supongo.

En cierta ocasión y como anécdota, un conocido y respetable personaje de la cultura aragonesa del cual no mencionaré su nombre, me pidió que a mitad del Let It Be de los Beatles, yo realizase un largo solo de batería, porque al hombre se le había iluminado la ocurrencia y podía quedar vistoso. Ni que decir tiene que me quedé perplejo del concepto musical que se me proponía, naturalmente me negué, aunque con delicadas argumentaciones, aunque lo peor es que pensé: este señor o es muy original o no tiene ni puta idea. Bueno esto viene al caso porque la mitad de este trabajo no hay por donde cogerlo. Es un álbum caprichoso y a veces carente del mínimo sentido. Pero también tengo que reconocer que con la música de Zappa, ese sentimiento me aparece muchas veces, supongo que me atrae, porque me encanta lo absurdo. Un retal instrumental sucede a un par de gritos, dos eructos y una risa, el saxo mete notas disonantes y el resto improvisa ruidos. A veces parece que la música toma algún sentido y de repente se corta como se corta la mayonesa. Sé que Zappa no tomaba drogas (o eso decía él) pero aquí tengo dudas. Naturalmente que tiene partes muy buenas como la fantástica My guitar wants to kill your mamma o The orange county lumber truck. Lo demás todo son piezas rebuscadas de actuaciones de los Mothers entre 1967 a 1969.

Los conciertos completos de Frank Zappa comenzaron a aparecer ya fallecido nuestro personaje y gracias al legado familiar de su mujer Gail que guardó cuidadosamente las miles de horas de música que nuestro especial amigo había dejado grabadas. Las madres genuinas terminarían aquí su andadura, aunque alguno de sus miembros desperdigados, aparecerán en algunos discos más. Este en un álbum para fans recalcitrantes y no es fácil ni agradable, aunque según he visto por la red, para algunos es su disco favorito (¿?).

Temas

1. Didja Get Any Onya? (00:00)

2. Directly From My Heart to You (06:51)

3. Prelude to the Afternoon of a Sexually Aroused Gas Mask (12:08)

4. Toads of the Short Forest (15:56)

5. Get a Little (20:45)

6. The Eric Dolphy Memorial Barbecue (23:15)

7. Dwarf Nebula Processional March & Dwarf Nebula (30:08)

8. My Guitar Wants to Kill Your Mama (32:20)

9. Oh No (35:53)

10. The Orange County Lumber Truck (37:39)

11. Weasels Ripped My Flesh (41:00)

FRANK ZAPPA: CHUNGA´S REVENGE (1970)

Como podéis comprobar el año de gracia de 1970, fue muy prolífico para este elemento de sonrisa cínica. La venganza de Chunga vuelve a aparecer como nuevo disco en solitario, pero, todo sea dicho, las nuevas madres, ya estaban en el seno del grupo. De las viejas madres solo queda Ian Underwood, pero entra a formar parte un músico que será fundamental en la mejor época zappera, la que está en breve por llegar, me refiero a George Duke, un teclista fuera de serie venido del mundo del jazz y de la fusión jazz-rock.

Duke podía tocar cualquier tipo de teclado y cualquier tipo de música. Un todo terreno con una técnica sobrehumana. Zappa encontraría en este hombre una mina, para poder desarrollar sus complejas composiciones. Aunque no todo es oro lo que reluce, y que me perdonen los fans serios, pero la entrada de los ex Turtles (grupo pop sesentero) Howard Kaylan y Mark Volman ( Flo & Eddie), una especie de los morancos en yanqui, iban a abrir de nuevo la puerta a las payasadas y chorradas en directo a fin de rellenar el show y volver con las sátiras político-sexuales y patafísicas que tanto adora nuestro apuesto bigote-perilla. Naturalmente Flo y Eddie no tocarían ningún instrumento salvo pandereta y castañuelas y alguna guitarrilla ocasional y lo suyo serían gritos y alaridos como locas en celo y alguna flatulencia perdida.

Chunga es un disco majete, muy audible, hacen el gamberrete pero sin pasarse como en el siguiente y delirante 200 Motels, del que hablaremos la próxima semana. Aquí encontramos excelentes instrumentales y piezas clave como el Transylvania Boogie, la pieza homónima que da título al disco o la pegadiza y encantadora Sharleena más alguna pequeña joya instrumental como “20 cigarrillos pequeños”. Algún blues como Road Ladies o la gilipollez de Rudy quiere invitarte a una copa, no aportan gran cosa al disco. Nancy and Mary Music es un ejercicio en estilo free interesante pero George Duke se pasa la mitad del tema con sus imitaciones vocales grotescas de batería lo que resulta cansino y aburrido. No es un álbum para tomarse muy en serio, aunque las intervenciones solistas de Frank son soberbias.

Temas

1) "Transylvania Boogie"– 0:00

2) "Road Ladies"– 5:01

3) "Twenty Small Cigars"– 9:11

4) "The Nancy and Mary Music"– 11:30

5) "Tell Me You Love Me"– 20:57

6) "Would You Go All the Way?"– 23:31

7) "Chunga's Revenge"– 26:01

8) "The Clap"– 32:18

9) "Rudy Wants to Buy Yez a Drink"– 33:41

10) "Sharleena"– 36:25

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J. Luis Rodríguez comenzó a componer y tocar el bajo en los primeros 70. En su madrileña y roquera localidad de Pinto. Ya entonces lideró una primerísima versión de Isthar. Luego pasaría a sus fraternales rivales, Spider, que serían finalistas del Primer Villa de Madrid. De allí a Eboli, excelente banda de versiones que combinaba a Allman Brothers, Golden Earring y Deep Purple, con las horteradas obligadas del momento. Aún estaría en P.U.A. (Periferia Urbano Acústica ) y en DC-10, antes de ser llamado por José Carlos Molina, para ingresar en Ñu. Para el que escribe, banda fundamental para entender el ROCK con mayúsculas de éste país. Con ellos grabaría el doble en vivo "No hay Ningún Loco", " El Mensaje del Mago" y "Vamos al Lío " (aparecía en créditos, aunque bajo y batería fueron hechos "artificialmente", en una de esas extrañas maniobras de estudio de los 80).

Pero la vieja idea de Isthar seguía ahí. Así que tomó la decisión de pagarse su sueño. Y en 1987 entró en los Equal estudios de Getafe con "todo aquel que quisiera apuntarse".

Y con los contactos de Rodríguez, su amistad, y el amor al arte de sus amigos, reunió un elenco difícil de juntar ni aún a golpe de talonario. Allí estaba el "quién es quién " del rock madrileño 70s - 80s. Miguel Ángel Collado ( Ñu, Santa, Sangre Azul, Casablanca...) y José Barta (Goliath, Júpiter, Barón Rojo, Phantasy...) en los teclados. En las guitarras, Jerónimo Ramiro (Ñu, Santa, Saratoga, Santelmo). Enrique Bertrán de Lis ( Ñu, Goliath, Orquídea ). Antonio Ramírez (Orquídea, DC- 10). Y Javier Mira (Triton, Coz). En las baterías, Bernardo Ballester (Azuzena, Ñu, Sangre Azul). Santiago de Dios (Spider, Bellabestia). Y Juan José García (Júpiter ). En las flautas, el único, José Carlos Molina. Y al bajo, componiendo todo, y algunas voces solistas, José Luis Rodríguez. Además de las voces en un tema u otro de Valentín del Moral "Chino" (Banzai), Joaquín Gallego y Yolanda González.

Isthar logra insertar una remezcla del tema "M'Allegro Molto Vivace" en el recopilatorio progresivo inglés "Double Exposure". Donde también estaban, entre otros, Anthony Phillips, No Man Is an Island (sí, la primera banda de Steven Wilson y una de sus primeras grabaciones!!!), Rousseau, Haze, Abel Ganz o nuestros queridos Galadriel.

"En el Mundo de los Sueños" (Scobula/88), es un refinado trabajo que amalgama hard rock 70s, sinfo-prog y pequeños ataques de heavy 80s. Todo muy equilibrado y con una instrumentación que llega al sobresaliente, dejando huella cada uno de los musicazos aquí envueltos. En el caso de temas como "Estrella Estrellada" y "Tras las Rejas", se adelanta un buen montón de años al metal sinfónico con chica cantante que tanto se ha popularizado en estos últimos tiempos.

El disco sólo fue presentado en vivo en dos ocasiones. En Talavera, y en la sala Argentina de Madrid. Poner sobre un escenario entre 12 y 14 músicos, bailarinas, fantasmas (!!?) y todo tipo de efectos, no resultaba nada barato.

El álbum se vendió en Japón, Brasil y UK (gracias al "Double Exposure"), obteniendo buenas críticas en Kerrang.

Tras esto a nuestro hombre le dio por retirarse de la música, y así estuvo como 10 años. Pero le pudo el venenoso gusanillo de la música, y tras 20 años, revive su amado proyecto Isthar. Ahora con una formación estable de seis músicos.

Habiendo editado "Sangre, Sudor y Lágrimas " (2011) y " El Destino del Mundo" (2013). Así como lanzando una reedición remasterizada y con material extra de "En el Mundo de los Sueños".

Y yo me pregunto si este humilde y gran músico no se adelantó con esta obra a las óperas corales, llenas de artistas de renombre, que tanto bombo se les da en el presente.

Antes que Ayreon o Avantasia, no hubo unos Isthar?....

Temas

A1 M'Allegro Molto Vivace

A2 Vagabundo

A3 En El Mundo De Los Sueños (Parte I)

A4 Tú Que Harías

A5 En El Mundo De Los Sueños (Parte II)

B1 Estrella Estrellada

B2 Canción Para Después De La Muerte

B3 Tras Las Rejas

B4 En Memoria

B5 Epílogo Final

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Haces unos días nuestro amigo/colaborador J.J. Iglesias habló de uno disco de James Gang ("Miami") y de la magnífica participación de Tommy Bolin en dicha grabación. Hoy nos remontaremos un poco más lejos en el tiempo para recordar su paso por Zephyr.

En 1.973 Tommy Bolin había dado por terminada su etapa en Zephyr con los que había grabado dos discos "Zephyr" ( 1.969) y "Going Back To Colorado". El bueno de Tommy con 22 años alternaba su participación con los "Energy" y su trabajo como músico de sesión en diversar grabaciones. En mayo se traslada a New York para colaborar con Billy Cobham en la grabación de "Spectrum" y en agosto le llega la oportunidad de entrar a formar parte de los James Gang con los que grabaría "Bang" (1.973) y "Miami" (1.974). Su historia posterior forma parte de otro capítulo del que algún día hablaremos.

La grabación nos presenta una actuación de Zephyr posterior a su disolución en el 72. Se trata de una reunión de sus miembros en el Art's Bar And Grill en mayo de 1.973. Po supuesto el interés de la grabación es la presencia de Tommy Bolin. La música que desarrollan es una mezcla de blues, rock, jazz y psicodelia, todo ello bajo un ambiente de notable improvisación. Diez temas donde podemos escuchar la destreza de Bolin con la guitarra. Totalmente recomendables los temas "Cross The River", "The Creator Has A Master Plan" y por supuesto "Hard Chargin' Woman" con el solo de Bolin. El resto del grupo también están a gran altura: Candy Givens, intentando emular a Janis Joplin, John Faris con sus teclados y saxo rivalizando con Bolin y la sección rítmica formada por el bajista David Givens y el batería Bobby Berge. En definitiva un documento rescatado para los fanáticos del genial guitarrista.

Temas

1 Just Warming Up 00:00

2 Cross The River 04:00

3 Boom-Ba-Boom 11:25

4 Somebody Listen 14:48

5 Huna Buna 23:13

6 The Creator Has A Master Plan 25:53

7 Sail On 37:00

8 Crazy 'Bout You Baby 45:56

9 Goin' Home 50:05

10 Hard Chargin' Woman 56:18 1

Formación:

Bajo – David Givens

Batería – Bobby Berge

Guitarra – Tommy Bolin

Teclados, saxo – John Faris

Voz– Candy Givens

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Puedes creer que uno de los tesoros perdidos de la electrónica berlinesa de los 70 no esté todavía, (que yo sepa), reeditado en cd? Por mí que no lo hagan ya. Que lo editen en vinilo, que es como originalmente salió en su Suecia natal, en el sello Silence, durante 1977.

El dúo formado por Mikael Bojen (guitarra, electronics ) e Ingemar Ljungstrom (sintetizadores), comenzó su andadura en 1971. Si bien en sus actuaciones en directo se acompañaban por otros músicos de apoyo.

Su nombre está sacado de una pintura de Leonardo Da Vinci, "The Virgin and Child with Saint Anne". Y puedo asegurar que estamos ante un "santo grial " del cosmic kraut, aunque hecho en Suecia. Nada que envidiar a las grandes obras de los dioses del Olimpo germano.

"Mossen" (7'12) inicia este descubrimiento con fuerte efecto leslie desde un órgano pletórico en misterio. Adornado por efectos electrónicos y melodías tan subyugantes como la mejor etapa medio 70s de Tangerine Dream. Misticismo profundo de tenebrosa y pagana oscuridad. Secuencias de enigmática belleza en un ambiente onírico de impactante respeto. "Ankomster Utanfer Tiden" (11'38) es asaltado por susurros fantasmales continuos, en un bosque de sintetizadores que recuerdan a Bo Hansson, mientras el leslie-phaser cumple su misión enigmática. Ahora es la guitarra ácida de Bojen la que emula claramente al Edgar Froese más inspirado.

Se inicia la segunda parte de este vinilo con "Den Barbariska Sondagen" (14'26). Puro trip al insondable misterio de la vida y el más allá. Las capas de sonidos se elevan en un pausado climax, al modo de hacer de Terry Riley. El cual creo es una gran influencia en éste synth-dúo. Esto conlleva oleadas de mares analógicos que nos hacen navegar por aguas muy schulzianas.

El comienzo de "Tusen Ar och sju Timmar " (8'14), con percusiones y guitarra psicodélica, nos pone en mente a Manuel Gottsching y sus improvisados fraseos extraordinarios. Es un final de disco muy Ash Ra Tempel.

Resumiendo la Berlín School y sus tres máximas figuras (T.D./K.S./A.R.T.), de manera magnífica. Con un desmedido lirismo y delicada poesia instrumental.

La pesadillesca portada, muy en la línea de lo que contiene, fue obra del fotógrafo Tom Benson, habitual en las galerías de Suecia, hasta su fallecimiento en 2008.

Poco después de la edición de "Tussilago Fanfara", el dúo tomó caminos distintos. Ljungstrom se encontró con Dan Soderquist (de Algarnas Tradgard) y Kjell Karlgren (de Ragnarok), para formar el trío electrónico Cosmic Overdose en 1978. Ljungstrom se cambió el nombre por Karl Gasleben (más "alemán "?).

En 1981 Cosmic Overdose se convirtió en Twice a Man, después de que Karlgren dejará el grupo. En los primeros 90, la otra parte de Anna Sjalv Tredje, Mikael Bojen, fue visto tocando unos shows matinales en Slottskogen. El Central Park de Gothenburg. Sonando clavado a Klaus Schulze.

Aparte de este único álbum, se puede encontrar el tema "Snofall och daggyra" en una de las recopilaciones del programa radiofónico Tonkraft, de la radio sueca.

Se rumorea que la no-edición de este disco se debe a sus propios autores. Renegando claramente de sus inicios. Un poco como Kraftwerk. No sé de que se avergüenzan, porque a mis oídos, este álbum es una obra maestra de la abstracción kraut.

P.D.- En los 70 sólo estábamos unos cuantos locos iluminados que fabricaban sus instrumentos, en plan artesanal. De hecho mi primer sintetizador lo tuve que comprar a medias con varios amigos.

Temas

A1 Mossen 00:00

A2 Ankomster Utanför Tiden 07:20

B1 Den Barbariska Söndagen 18:49

B2 Tusen År & Sju Timmar 33:02

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Ya lo se amigos, Focus no es un grupo perdido en el tiempo ni sus discos pasaron desapercibidos ni el éxito les fue negado. Simplemente hoy están en Rockliquias debido a razones personales. A mediados de los 70 escuchaba de forma habitual un programa de radio cuya sintonía era " House of the King", pues bien, ese fue el detonante para introducirme en el rock y amar esta música. Desde aquel momento la música me ha acompañado para superar los malos momentos y disfrutar de los buenos. Gracias Focus.

En 1.974 Focus ya era un grupo de renombre internacional, habían editado tres discos en estudio,y algunos de sus temas ( " Sylvia", "Hocus Pocus" y " House of the king", habían alcanzado puestos de privilegio en las listas. A finales del 73 editan un disco en directo, "At the Rainbow", siendo la despedida del batería Pierre van der Linden, en su lugar entraría Colin Allen. En el 74 vuelven al estudio para la grabación de una de sus grandes obras, "Hamburger Concert", que vería la luz en Abril de ese año.

Estamos ante uno de los mejores discos de Focus, para mí el mejor, en estrecha rivalidad con el "Focus III". La grabación se abre con la delicia con aire medieval ""Delitae Musicae"", el título lo dice todo. El ritmo rockero llega con "Harem Scarem", lucimiento pleno de Thijs Van Leer y Jan Akkerman, que gran riff. En "La Cathedrale de Strasbourg", Thijs Van Leer nos demuestra su amor por lo clásico. El tema que cierra la cara A , " Birth", es uno de mis favoritos, nuevamente una entrada medieval da paso a la batería y bajo marcando un ritmo que presagia un desenlace apoteósico con la flauta y nuevamente la maestría de Akkerman.

La segunda cara la ocupa por completo el plato estrella de la grabación, "Hamburger Concerto". El tema comienza con timbales, órgano de iglesia y toda la pomposidad que merece la obra. Desde el primer momento podemos escuchar el "leit motiv - riff". El tema se divide en seis partes ( Starter -Rare -Medium I -Medium II -Well Done -One for the Road). por supuesto los famosos gorgoritos de Van Leer están presentes pero también su sensibilidad a la hora de tocar el Hammond y la flauta. La guitarra de Akkerman también brilla con luz poderosa y con su típico carácter jazzero.

En definitiva una obra que todo buen aficionado debe poseer.

Temas

00:00 - Delitiae Musicae

01:14 - Harem Scarem

07:06 - La Cathedrale de Strasbourg

12:06 - Birth

19:53 - Hamburger Concerto: - Starter -Rare -Medium I -Medium II -Well Done -One for the Road

bonus

40:13 - Early Birth

Formación

Thijs van Leer – teclados, faluta, voz

Jan Akkerman – guitarra

Bert Ruiter – bajo

Colin Allen – batería

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Agosto, tiempo estival. Tiempo para reflexiones y recuerdos. Para perderse por un camino de cabras hacia ninguna parte. Y no volver. Tiempo para olvidarse de obligaciones, presiones, facturas, política, stress....Joder qué mierda es la vida moderna!!! Concluyo.

Sí que hubo un tiempo donde estuvieron a punto de cambiar todo eso. Y, mira tú, que algo consiguieron. Finales 60, primeros 70. Tiempo de cambios y revolución.

Imagina la escena. Un grupo de greñudos a la Freak Brothers, hasta las cejas de LSD en una habitación de San Francisco. De pronto, un terremoto de respetable escala. Cunde el pánico. A uno de éstos le da por poner sus manos en la pared gritando como un poseso "stop!". Pero nadie le hace caso....Así que cuando todo (s) se calma, consideran positivo un cambio de aires. Donde? Pues a la comuna hippie de Taos, en New México. Nuestros amigos melenudos tocaban , y muy bien. Además de ser muy bien recibidos. No hubo que pensar mucho en el nombre: Taos. Jeff Baker (guitarras, voz), Steve Oppenheim (teclados, voz), Albie Ciappa (batería ), Burt Levine (guitarras, banjo) y Kit Bedford (bajo).

Allí se encontraron con una "extraña gente". Que les proporcionaba supermercado gratis, clínica gratis (penicilina para las frecuentes enfermedades venéreas , amor libre, ya sabes), recintos con agua caliente....Y una cohorte de preciosas chicas que llenaban su local de ensayo, mientras tocaban. Siempre filmados con lo último en cámaras súper 8. Se llamaban "The Family".

Por entonces, el hermano de Dennis Hopper estaba filmando una película en la que el grupo andaba implicado. Ya en los 80, el propio Dennis Hopper le contó a Burt Levine quienes eran esos extraños "The Family". El FBI. Que tenían como misión vigilar de cerca la "vida y costumbres" de aquella nueva fauna melenuda. Lennon o Zappa sabían un poco al respecto. Así que como dice Levine, en algún polvoriento lugar de los archivos del FBI existe material filmado de un grupo perdido en el tiempo llamado Taos.

Durante el año 69 graban su único disco. Las cintas cayeron en manos de Mercury, y en el 70 editaron este hermoso pedazo de tiempo detenido que dudo el FBI, Murder o Scully retrataran mejor.

12 pequeñas joyas que se pasean por el country rock más psicodélico de Flying Burrito Brothers, (" Love's Face", "Space Bird"). Buffallo Springfield/CSNY ("Climbing Up the Mountain", "Morning Sun","Putting my faith in you"). The Beatles más lisergicos y ácidos ("Take Good Care", "Think i'll wait"). Baladas barrocas estilo The Hollies/ Stories, ("All my life"). O adelantos al clásico sonido ELO pero con psych-country rock feel, "20000 Miles in the Air (Again).Además de una reconstrucción a su manera del " In the Midnight Hour", titulada " Everybody's Movin' (so long).

Mucho tomate "made in Hoffman" que refleja fidedignamente un trozo de la historia del rock. Para mejor viaje en el tiempo, no perderse bajo ningún concepto las numerosas fotografías que acompañan a esta doble carpeta vinilica. Para los amigos de los discos "mini-yo", existe versión cd.

Taos fue uno más de entre los cientos de grupos excelentes anónimos que pulularon por este tiempo irrepetible. Y ellos aún tuvieron la suerte de poder grabar y fichar por una major. O quizá fueron enchufados por sus extraños amigos de "The Family"?!!!.....

Temas

A1 Space Bird 2:48

A2 Think I'll Wait 3:25

A3 Morning Sun 2:16

A4 20,000 Miles In The Air (Again) 2:41

A5 All My Life 2:45

A6 Everybody's Movin' (In The Sunshine) 2:22

B1 Loves' Face 2:50

B2 Putting My Faith In You 5:01

B3 On The Way Down 0:44

B4 Climbing Up The Mountain 3:25

B5 Take Good Care 1:56

B6 After So Long (So Long) 2:17

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Sinfónico clásico elegantón dulce y melódico, pero en absoluto empalagoso. Spiral Dream (2004) es el único trabajo grabado por el guitarrista, teclista y compositor Masahiro Uemura. Las composiciones están llenas de ensoñación y lirismo muy a lo Renaissance o The Enid.

Es una pena que este tipo de proyectos se reduzcan la mayoría de las veces a un solo CD y no haya continuación. En el coleccionista sinfónico crea una necesidad contagiosa el poseer estas perlas disgregadas y la mayoría de las veces difíciles de conseguir en su formato oficial y con la no siempre fácil opción alternativa de que algún internauta lo cuelgue en Internet.

El disco pasa fluido en una agradable escucha que roza lo atmosférico y lo nostálgico. Muy descriptivo y pictórico que al final te deja con una sensación de serenidad. Para mentes tranquilas

Temas

1. Dharani 00:00

2. A voice in blue 04:02

3. Forest fairies 10:00

4. Sunset 14:46

5. Eternity 18:28

6. Land of spirits 21:55

7. Rerakamuy 27:54

8. Into existence 33:09

9. To the memory of a person 36:48

10. Sensitive air 41:04

11. Gleam 45:41

12. Spiral dream 52:04

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Obra maestra o tomadura de pelo insoportable. Esta es la cuestión. Para los talibanes zapperos es la sacrosanta piedra filosofal, la quintaesencia del profundo estilo de Frank Zappa. Para sus detractores, la cosa más desagradable, insensata e inaudible, que se hayo podido escuchar nunca. Buscar un término medio es bastante complicado, porque no es un trabajo que se preste a análisis profundos a nivel musical. Quizá si nos apremiamos a considerar que quería divertirse y descojonarse de todo dios… mundo clásico incluido, estaremos más cerca de hacer calificaciones aproximadas. Pero ni aun así. 200 Motels se pensó como un reportaje-película sobre la vida en carretera y las giras de los Mothers of Invention.

Se filmó en vídeo, técnica muy avanzada para 1971, puesto que todavía estaba lejos de que ese formato visual se comercializase. Posteriormente se pasó al celuloide en 35mm, y en esa manipulación se hicieron novedosos efectos visuales. Hasta aquí todo interesante, si no fuese porque nada tiene sentido alguno. Todo es inconexo, absurdo y estúpido hasta llegar a lo deliciosamente obsceno y a la exaltación del mal gusto. Esta “película” fue censurada en muchos países. Hoy día sus surrealistas escenas serían consideradas pasadas de rosca, transnochadas machistas, violentas y degradantes. Provocación ante todo. Entre los Monty Phyton, los Simpson y Torrente todo agitado. Yo sinceramente no lo veo para tanto, era 1971, probablemente una época más permisiva que la actual en algunos asuntos. Pero más bien parece algo absurdo, sin sentido y bastante estúpido por no decir inocentón. Una broma. No había llegado todavía el punk, la música plástico o el insuperable mal gusto actual de las nuevas tendencias. Podéis ver la película en Youtube y saldréis de dudas (o no).

Pero de que se trata 200 Motels, un musical hollywoodiense?...una ópera patafísica… un espectáculo multimedia…? Un ejercicio experimental de mezclar música rock y vanguardia clásica…?. No sabría francamente que decir . El equipo de Zappa se trasladó a Londres por primera vez para grabar el evento. En lo que al film se refiere aparecen Ringo Star e incluso el loco batería de los Who, Keith Moon. En lo Musical contrató nada menos que a la Royal Philharmonic Orchestra. Imaginaros la cara de los miembros de la orquesta ante semejante engendro. Zappa, en algunos intervalos de la “obra” les hacía gritar a coro, palabras soeces, como poya, semen,culo,coño etc etc. Supongo la gracia que les haría a los estirados ingleses tal comportamiento. Zappa no tragaba mucho a los hijos de la gran Bretaña y constantemente se burlaba de ellos en las actuaciones, como se burlaba de todo cristo, naturalmente. No voy a entrar a desmenuzar el tracklist de la versión doble del vinilo. Da casi pereza. La música del álbum se grabó aparte para esta versión y es muy diferente para los que os atreváis a ver la película completa. 34 cortes componen el evento y pasamos de pasajes rock, a conversaciones y desmadres varios, y a música contemporánea sin apenas respiro o alivio.

El álbum es un coñazo, no os voy a engañar. Zappa ha agitado en una coctelera todas las gracietas típicas de los Mothers. Flo and Eddie se explayan a gusto y te ponen un dolor de cabeza también a gusto. Pero una broma sin sentido que dura una hora y media en cuatro caras insufribles es difícil de digerir. Pueden pasar dos cosas: que lo quitéis a los 15 mtos o que os entre el morbo y aguantéis hasta el final. Si llegáis al final os encontrareis con la pieza Strictly Genteel: 11 minutos de música que habrán valido la pena. Por cierto se acaban de editar las suites instrumentales grabadas recientemente. Si os va la música clásica contemporánea merecen la pena. 200 Motels fue algo muy novedoso para su época, hoy es una polilla desgastada. Algo muy vintage, como dirían los snobs.

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Outeiro fue un grupo procedente de Vigo que se formó en el 79 y que lamentablemente tuvo un corto recorrido (1.980).

En un principio la banda estaba formada por Fernando Llorca (batería, percusiones y trompeta), Pepe Bordallo (bajo, guitarra acústica y coros) y Rubén Pérez (guitarra eléctrica y acústica). La discográfica gallega Ruada se fija en ellos y los ficha para grabar su primer y único disco. Se trasladan a Madrid e incorporan a Lorenzo Cuasante (teclados y coros). La grabación se realizó en los estudios Audiofilm (Madrid) con Luis F. Soria como técnico. Lamentablemente su música no encontró hueco en los albores de los 80 y en una compañia fundamentalmente dedicada al folk,

El disco cuenta con ocho temas de corte instrumental muy en la onda de lo que hacían Iceberg o posteriormente Pegasus, un jazz rock con algunos tintes de música autóctona. La vena gallega la podemos encontrar en "Sol de inverno", el resto de los temas en la onda citada.

Temas

1.- Armónicos do vello estanque 00:00

2.- Fronte Do Cristal 07:21

3.- O xaruto violeiro 10:48

4.- Sol de inverno 14:58

5.- Muiños 19:09

6.- Ollos de marzal 24:24

7.- Danzando no mar 26:08

8.- A última hora 35:08

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Paul Rodgers, la gran voz del rock, consiguió alcanzar la cima del éxito con Free y se mantuvo en ella con su siguiente proyecto Bad Company. Hoy escucharemos la primera actuación de esta banda.

Tras la disolución de Free en 1.973, Paul Rodgers y Simon Kirke se unen a un ex-Mott the Hoople , Mick Ralphs, y a un ex-King Crimson, Boz Burrell., para formar Bad Company. En Noviembre entran en el estudio para grabar su primer disco, " Bad Company", que vería la luz en Junio del 74. Todo un bombazo. Número uno en el US Billboard 200, puesto tercero en las listas UK manteniéndose durante 25 semanas y uno de los discos más vendidos de la historia.

La grabación contiene la presentación al publico de la nueva banda, Bad Company. El evento se celebró en Newcastle el 8 de Marzo de 1.974. Recordemos que su primer disco se editó en Junio de ese mismo año. El Setlist estaba compuesto por todos los temas de su primer disco ( a excepción de "The Way I Choose" y Seagull" ), "Little Miss Fortune", "Easy on my soul", el tema de Free "Stealer" y el blues "Rock me Baby". Excelente sonido para un documento histórico. A disfrutarlo.

Temas

01. Little Miss Fortune

02. Rock Steady

03. Ready For Love

04. Don't Let Me Down

05. Easy On My Soul

06. Bad Company

07. Deal With The Preacher

08. Movin' On

09. Can't Get Enough

10. The Stealer

11. Rock Me Baby

Mick Ralphs - guitarra

Paul Rodgers - voz/ guitarra

Boz Burrell - bajo

Simon Kirke - batería

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Quién le iba a decir al joven Michael Shrieve, mientras tocaba poseído "Soul Sacrifice" con Santana en el Festival de Woodstock (e inmortalizado en la película ), que sería más conocido por sus facetas experimentales y jazzisticas. Conoció a Klaus Schulze en el proyecto GO del japonés Stomu Yamashta. Y desde entonces la química funcionó.

Colaboró en los discos del álter ego de Schulze, Richard Wahnfried. Y éste le devolvió el favor en el fantástico "Transfer Station Blue", acompañado de su hermano, Kevin Shrieve (guitarra, piano Wurtlizer). Todas las composiciones vienen firmadas por los tres.

Fue este un buen año para Klaus "Padre de Todos". Lanzó la fenomenal banda sonora "Angst ". Y como Richard Wahnfried, " Megatone" (con Shrieve entre otros).

"Communique : Approach Spiral" (13'26) lleva toda la impronta schulziana, pudiendo ser cualquiera de sus jams electrónicas en solitario. Salvo por UNA diferencia. Las secuencias son aquí sustituidas por telarañas rítmicas de precisión quirúrgica, a cargo del gran Shrieve. Sus percusiones y desarrollos bateristicos encajan a la perfección con el antaño también batería rubio y sus teclados introspectivos. Puro arte "percutronico".

"Nucleotide" (4'41) tunea percusiones electrónicamente , de sonoridad más 80s. Se resiente de las limitaciones temporales del vinilo.

Dando la vuelta a éste, "Transfer Station Blue" (11'57) entra con toda su carga kosmische demoledora. Combinando línea secuencial con percusión. Para dar un inesperado cambio funk del que son partícipes los reputados sesioneros Will Lee (bajo), Sammy Figueroa (congas) e Hiram Bullock (guitarra rítmica ). Es un tema excelente, donde podemos encontrar esa mezcla de "old cosmic" mezclado con fuerte aderezo funk. Como si Steely Dan contara a sus teclados con Klaus Schulze. Una corriente que se puso muy en boga finalizando los 70. AshRa, Steve Hillage, Mike Oldfield, Wallenstein, Gong o incluso Magma la pusieron en práctica.

Finalizando con "View from the Window" (7'11), una inspirada composición de rasgos cinematográficos que en el sello ECM hubiera pasado con nota alta. Recuerda a los pasajes instrumentales reflexivos de nuestro Santi Picó. Muy bien por Kevin Shrieve.

"Transfer Station Blue" no tuvo continuación. Lo cual es una lástima porque este trío se entendía perfectamente. Abriendo nuevos caminos a la cosmic music sin emponzoñar el resultado final. Algo que pronto sucedería.

Otro bonito disco a destacar en ésta sección.

P.D.- "Le debo mucho a Michael (Shrieve). Él fue el que me dio a conocer a John Coltrane y Miles Davis. Yo sólo quería tocar blues, hasta que Michael vino. Me abrió los ojos, y mis oídos y mi corazón a muchas cosas. Michael es como una caja de lápices de cera. Tiene todos los colores. (CARLOS SANTANA)

Temas

00:00 Communique 'Approach Spiral' 13:20

13:20 Nucleotide 04:54

18:14 Transfer Station Blue 12:09

30:23 View From The Window 07:16

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Posiblemente para muchos Don Shinn sea un perfecto desconocido sin embargo para gente como Keith Emerson ( dicho por él mismo) es una de sus principales influencias. Hoy intentaremos descubrir la vida y milagros de este genial y desconocido teclista.

Don Shinn nació en 1.945 en Southampton comenzando su carrera musical a mediados de los 60 en diversos grupos: The MeddyEVILS, The Echoes y The Soul Agents, en este último podemos encontrar a Rod Stewart. En el 67 decide formar su propia banda junto a Paul Newton ( Uriah Heep), Brian Davison ( The Nice) y el vocalista Eddie Lamb. Dos años más tarde graba dos discos en solitario "Departures" y "Temples With Prophets’ 'Don Shinn Takes A Trip'). posteriormente entraría a formar parte de Dada y colaboraría con Kiki Dee, James Taylor, Engelbert Humperdinck, Stan Tracey, Persian y Renaissance en diversas grabaciones.

Don Shinn nos presenta una amalgama de sonidos verdaderamente compleja. El primer tema de la grabación, "Pits Of Darkness", más de 17 minutos de progresivo mezclado con estructuras clásicas, jazz y toques exóticos orientales, toma ya. El principal y único protagonista es Don Shinn el resto de músicos son meros acompañantes de su genial locura. El disco original contenía cinco temas ( la versión que os muestro tiene un bonus, " A-Minor Explosion") y se editó en Inglaterra con una portada y nombre diferente al resto del mundo, ""Temples With Prophets’. Desde luego en algunos momentos de la grabación podemos escuchar sonidos y estructuras que posteriormente fueron empleadas por Keith Emerson. Atención recomendado para más fanáticos del género.

Temas

1 Pits Of Darkness 17:59

2 Temples With Prophets 5:45

3 A Minor Explosion 4:07

4 Jolly Dance 3:35

5 Hearts Of Gladness 10:18

6 A-Minor Explosion (Bonus) 3:09

Formación

Bajo – Eric Ford

Batería – Peter Wolf

Guitarra – Paul Hodgson

Teclados – Don Shinn

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Lo de "Shotgun Ltd" no iba de coña, si nos atenemos a la portada de éste único disco de la banda. Prácticamente igual al primero de Point Blank. Aunque aquí uno de los cañones del rifle lleva una fotografía del jovencísimo grupo con sus respectivas parientas.....todas preñadas!!!

Cachondeo jipi, el de estos nativos de Mar Vista, Los Ángeles. Originalmente banda de surf como The Twilighters, y después The Ash. Como Shotgun Ltd comenzaron a actuar en el centro del negocio. Regularmente en The Galaxy, Sunset Strip, casa habitual de The Doors. También en Gazzari's, antes de que descubrieran a unos tales Mammooth (luego Van Halen).

Por aquellos benditos tugurios angelinos serían descubiertos por Delaney Bramlett, y recomendados a una subsidiaria de ATCO, Prophesy Records. El disco sería producido por Jim Gordon, teclista de Delaney and Bonnie. Además de participar al piano, moog y vientos.

Es curioso cómo se recalca en los créditos del álbum la edad de cada uno de sus miembros. Así, Joe Gutiérrez (19) era el cantante solista. Jack Schoolar (18) el guitarra solista, dobro y coros. Rubén Domínguez (21) al bajo, congas y coros. Dave Norup (19) al órgano. Y Buzzie Buchanan (17) batería y percusión. Ayudados por Ben Benay (Goldenrod) en las guitarras y Jerry Jumonville al saxo.

"Bad Road" (3'29) se adelanta en estilo y pelotas a Captain Beyond. Hard rock blues pesado al molde del 71, pero con aires y aspiraciones de renovación. Brutos, pero limpios.

En "Against the Wall" (5'15) los recientes efluvios psicodélicos todavía persisten, concretamente los de Vanilla Fudge. Y estos críos tenían gusto recreandolos. La cera guitarrera de su seis cuerdas avanza el sonido 7 u 8 años. De "Schoolar" nada.

"Number Two" (6'46) se lanza al progresivo sin complejos.

Buena organada y bajo retumbante. Imagina los primeros Yes, Deep Purple y Uriah Heep, en la coctelera con Grand Funk Railroad (etapa "Phoenix"). "Remedy for a Hazy Day" (3'01) es otra andanada hard psych a la Captain Beyond, más saxo calentorro,, aderezado por Hammond + geetarrrr en esteroides. La sección de cuerdas de "I don't mind" (3'36), dirigida y arreglada por Jim Gordon, es absolutamente respetuosa con la profundidad psico del tema. Algo que en las producciones españolas jamás entendieron. Es un pedazo de canción, y está construída con elocuencia.

Los Uriah Heep del "Salisbury" son un buen símil para la cara b. Americanizados, pero " On top of You" (4'53) preserva melodías vocales al estilo Byron. Al igual que las cuidadas armonías vocales y el preponderante Hammond que no deja de recordar a Ken Hensley. Lead Guitar espectacular y sección de ritmo cavernícola. Con mucho gusto, oiga. "River of Hope" (3'00) y "Feeling Bad" (5'55) insertan esos calculados arreglos de cuerda perfectamente comedidos, y en los que la voz de Joe Gutiérrez me sigue recordando, a su manera, al grandísimo David Byron.

"Trials" (3'36) y "Mixed Nuts" (4' 05) son otros dos trallazos hard prog con fuerte olor a patchouli psych.

A pesar del buen padrino y de la innegable calidad del grupo, Shotgun Ltd se perdieron en el maremágnum de monstruosidades que salieron diariamente por esas fechas.Sin suerte ni management, Prophesy Records no vio un segundo disco de la banda. A lo que se disolverían en 1972.Su batería y miembro más joven, Buzzie Buchanan, reapareció en los finales 70 como músico de sesión para Commander Cody y Juice Newton.

Otro de esos tremendos y huérfanos álbums que se perdieron en la noche de los tiempos. Con la de mierdas que han llegado al número 1....la vida es así de injusta, mon ami.

Temas

Bad Road 3:29

Against The Wall 5:15

Number Two 6:46

Remedy For A Hazy Day 3:01

I Don't Mind 3:36

On Top Of You 4:52

River Of Hope 3:00

Trials 3:36

Feelin' Bad 5:55

Mixed Nuts 4:05

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Quinteto con un solo trabajo de 1.986 titulado “Adolescebce of as Ancient Warrior. Disco difícil de conseguir por los coleccionistas y que aparece durante los años del neo prog y de todos los imitadores de Genesis tipo Marillion o IQ.

Con dos teclistas muy a lo Tony Banks y un cantante a lo Peter Nicholls (pero a mucha distancia) Ataraxia ofrece unos temas cuando menos agradables aunque previsibles a cada minuto de pasaje. Personalmente me recuerdan mas a IQ que a Genesis y melódicamente es un disco muy atractivo con bonitos acordes de teclado.

Gustará a los fans de Genesis/IQ y no disgustará al resto aunque no sorprende en absoluto.

La portada es una monada.

Temas

A1 Adolescence Of An Ancient Warrior

A2 Gabble

A3 Low-Value Counting Clock

B1 Plug Cord II

B2 Against The Wind

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LISKER (rock progresivo español)

Bob Seger & the Silver Bullet Band - Radio Chicago 1976

MÍCHEL MAGNE ELEMENTS - La Terre (1978) (colaboración J.J. Iglesias)

De De Lind - Io non so da dove vengo e non so dove mai andrò, uomo è il nome che mi han dato (1.973)

PM - 1: PM (1980) (colaboración J.J. Iglesias)

FANTASMAGORIA (colaboración Alberto Torró) rock progresivo japonés

FRANK ZAPPA: WEASELS RIPPED MY FLESH ( 1970) / CHUNGA´S REVENGE (1970) (colaboración Alberto Torró)

JOSE LUIS RODRIGUEZ ISTHAR - En el Mundo de los Sueños (1988) (colaboración J.J. Iglesias) rock progresivo español

Zephyr ‎– Live At Art's Bar And Grill May 2, 1973

ANNA SJALV TREDJE - Tussilago Fanfara (1977) (colaboración J.J. Iglesias) rock electrónico

FOCUS ‎– Hamburger Concerto (1.974)

TAOS - Taos (1969) (colaboración J.J. Iglesias)

KALO - Spiral Dream (2.004) (colaboración Alberto Torró) rock progresivo japonés

FRANK ZAPPA: 200 MOTELS (1971) (colaboración Alberto Torró)

OUTEIRO ‎– Ollos De Marzal 1.980 (rock progresivo español)

Bad Company - New Castle 1974

MICHAEL SHRIEVE with KEVIN SHRIEVE and KLAUS SCHULZE - Transfer Station Blue (1984) (colaboración J.J. Iglesias) rock electrónico

Don Shinn ‎– Takes A Trip 1.969

SHOTGUN LTD. - Shotgun Ltd. (1971) (colaboración J.J. Iglesias)

ATARAXIA - Adolescebce of as Ancient Warrior (1.986) (colaboración Alberto Torró) rock progresivo japonés