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DREAMWORLD - On Flight to the Light (1980) (colaboración J.J. Iglesias) rock electrónico

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Traemos hoy por nuestros "Ensayos" a un dúo teutón  formado por los hermanos Fichter. Klaus (todo tipo de teclados, batería,  percusiones, acústica 12 cuerdas y voz solista). Y Rolf (teclados mil, guitarras, bajo, flauta, vibráfono y voz solista). Alguno los recordará  por ser la mitad de los legendarios Yatha Sidhra. Su "A Meditation Mass" (1972) fue cosa seria.


En 1979 Dreamworld se encerraron en los Bruno Spoerri Studios con el ingeniero Ronny Kurz y crearon éste único e interesante disco que tuvo a bien editar Vértigo.

El inicio con "Ways of Love" (3'27) es de flotante melodía alemana sinfo-space, órgano a capas, piano aterciopelado, y tranquilo motorik bajo-batería. Muy Eloy en general, y rasgos gilmourianos en las seis cuerdas.

"Beneath Silence and Storm" (10'48) consta de dos partes.
El arsenal teclistico utilizado sería suficiente para que "Ansar" y sus amiguicos Bush y Blair hubieran visto indicios de armas de destrucción masiva, "indudablemente" : raros cacharros como el Vako-Orchestron, el ARP Pro-DGX, Wilgamat Bass Computer....
Junto a los sospechosos habituales, dicese  de Rhodes, Hohner String Ensemble y Hohner Clavinet, Mellotron, Prophet, Moog.....iban servidos, los chavales. La primera parte es cantada y ofrece un estilo similar al primer corte. A partir de un break pianistico, se unen secuenciación y batería.  Al unísono  con el Hammond TTR-100 nos hacen un pliegue espacio-tiempo, o "simpa" instrumental, que recuerda a los Tangerine Dream de "Cyclone". Excelente kosmische de hábil balance electronics+orgánica batería. 

"Summerdays" (4'36) cierra la cara como unos Kraftwerk campestres,  con flauta, sonidos de la naturaleza y chistorra a la plancha con buen Rioja,  en agradable krautismo naturista.


La cara 2 se compone de la suite "Dreamworld's Symphony" (19'14) en sus cuatro partes subtituladas. "Introduction" es una bella manera de comenzar, a base de flauta y Fender Rhodes. 

"Between Trees and Oiseaux" contiene vibráfono y percusión,  en ambiental sincronía.  El space-ambient se desarrolla como una especie de krautie Steely Dan, original de veras. Para continuar en casi ritmo tribal latino santanero. Un vuelo sin motor de alto contenido erótico sintetizado (y si te gustan los sintes,  definitivamente ESTO es erótico ). La guitarra eléctrica contribuye a ese "Abraxas" espacial de personal estrategia. La cosa torna volátil y etérea,  de nuevo dando a la flauta protagonismo, respaldada por acústicas  y sintetizador de cuerdas "mu bonico". Los pellizcos jazzisticos subliminales crean un ambiente delicioso. 

Quizá para algunos sea un sinfonismo-space algo light, pero cubrieron un hueco que hacía falta en el género,  lejos de marcianadas guerrilleras gamberroides. Supieron dotar al género de un sutil lirismo que ayudó a completar más aún el puzzle kraut, junto a Blonker, Novalis, Indigo, Stephan Micus, Mind Over Matter, Tyndall o Lady. Que no todo iba a ser abstracción escapista, diantre.

P. D.- "Aunque algunas veces podamos parecer cósmicos,  no queremos ser relacionados con ese tipo de cosas. Porque mucha gente hace cantidad de trabajos absurdos y estúpidos en ese sentido ". (PETER BAUMANN)



Temas
1.-Ways Of Love 3:27
2.-Beneath Silence And Storm (Part I+II) 10:48
3.-Summerdays 4:36
4.-Dreamworld's Symphony (19:14) Introduction Between Trees And Oiseaux Un Rêve Se Réalisé Endless Tenderness




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SHYLOCK ‎– Gialorgues 1976

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Shylock fue un grupo de rock progresivo francés creado en 1974 por los ex integrantes de Fusión ( nada que ver con la mítica formación catalana), Didier Lustig ( teclados) y  André Fisichella (batería) junto al guitarrista Frederic L´Eppe.


Su primera actuación la realizan en un club de Niza en 1975. Ese mismo año graban las maquetas de su primer disco, "Gialorgues", y comienzan a buscar discográfica. Cansados de negativas por parte de las disqueras  realizan una tirada privada de 1500 copias que son vendidas de forma inmediata entre sus fans.  La CBS esta "al loro" y los ficha reeditando la grabación en 1978.  Para su segundo disco tiene el apoyo de la multinacional y a un nuevo integrante, Serge Summa (bajo). La grabación se realiza en los estudios Aquarius, en Ginebra, con  Jean Ristori como ingeniero de sonido. El resultado, "Ile De Fievre", una nueva maestra  que no es del agrado de la discográfica rompiendo el contrato con el grupo y firmando prácticamente su defunción en 1979.


La música de Shylock está plenamente integrada dentro del rock progresivo con una gran influencia de grupos como King Crimson  (época Red), el tratamiento de la guitarra por parte de Frederic L´Eppe es netamente "Fripp" y los oscuros teclados nos pueden recordar al Tony Banks de los primeros discos de Genesis. El disco original contenía solo tres temas, dos de ellos de larga duración, "Le Quatrième" (13:05) y " Le Cinquième" (18:54), y el tercero " Le Sixième", claramente "Crimsoniano". La reedición en Cd contiene cinco temas más grabados en el 81 por Frédérick L'Épée y Didier Lustig.  Uno de los mejores exponentes del progresivo instrumental francés.




Temas
1 –Shylock Le Quatrième 00:00 
2 –Shylock Le Sixième 13:13 
3 –Shylock Le Cinquième  17:06 
Bonus
4 –Frédérick L'Épée And Didier Lustig Pendule 36:04 3:02
5 –Frédérick L'Épée And Didier Lustig Sous Une Arche De Pierre 39:11 
6 –Frédérick L'Épée And Didier Lustig Prélude À L'Éclipse  45:42 2:11
7 –Frédérick L'Épée And Didier Lustig La Robe Et Le Chat 48:01 
8 –Frédérick L'Épée And Didier Lustig Pour Le Bal Des Pauvres 49:55

Formación
André Fisichella - batería, percusión 
Frédéric l'Épée - guitarras, bajo 
Didier Lustig - teclados




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MADRIGAL - School of Time (1977) (colaboración J.J. Iglesias)

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Muchas han sido las bandas con el nombre de Madrigal. La que hoy traemos por aquí era francesa, y editó su único álbum (que yo sepa), de manera privada en un 1977 no muy hospitalario ya con éstas músicas. 

Eran Madrigal un quinteto de superior preparación. Buen inglés de ambos cantantes, y excelente "coreografía ". No es que bailen, es que la coral que se marcaban los cinco era exagerada y extraordinaria. Además de manejarse en variados instrumentos. Michel Chavarria (acústicas y eléctricas,  teclados y voz, que yo diría es el solista principal). Bruno de Gaulejac (teclados, guitarras, voz). Nicolás de Gaulejac (batería,  percusión,  voz). Jean-Noel Nomico  (guitarra solista, flauta, voz). Y Paul Saurat (bajo, cello, voz).

Al entrar de primeras en su música te das de bruces con una marcada influencia de Queen. Y si estamos en 1977, te puedes imaginar qué Queen eran los que seguían: los mejores.Concretamente los de "Queen II" y el par de la saga "Marx Brothers". También gustan de un acercamiento hard rock. Aunque según transcurre el disco , el predominio progresivo va ganando terreno, hasta salir victorioso en la segunda cara.

"The Seeker" (4'20) es un tema digno para el debut de la Reina, con musculosa guitarra y guiños que van a crecer en sucesivos cortes.

 "Mad" (4'32) no disimula para nada su culto a Queen. Pero también tiene parecidos con los inmaculados Angel.  La voz de Chavarria es un cruce perfecto de Mercury y DiMino. Muro gigantesco de vocales, y Nomico haciendo su mejor impersonator de Brian May. Contrariamente a lo que pueda parecer, no suena a parodia. Aquí hay ingenio, talento y profesionalidad demostrada desde el underground de un prensaje privado.

"King's Dynasty" (4'36) es otra que comienza con piano trotón y celestiales armonías.  Inevitablemente ves al de los dientes prominentes y su banda en tu mente, en otra canción  totalmente digna de "A Night at the Opera". La similitud no disgusta. Asombra por lo bien conseguido que está todo, desde evidentes parcos medios. Joder con los franceses. Que esto lo hiciera Robby Valentine en los 90, con la tecnología tremendamente evolucionada, no tiene tanto mérito. "Across the Past" (5'12) tiene un comienzo a lo Rush de "Xanadu". Con pausada y mercuriana voz, apoyada por coral mellotronica,  nos adentra en la faceta puramente progresiva de la banda. Majestuosa alfombra teclistica,  sección de ritmo gaudiana  (extensible a todo el disco). Y un sentimiento sublime por parte de cantante y guitarra.


Comenzamos la b con una intro tipo "Stairway to Heaven" + angelical coral, cello y la calidad vocal habitual. Es "The Old Clock" (2'08), que ademas se adorna con flauta gabrielana bellísima. 

"School of Time" (8'11) nos adentra en un bosque progresivo de primer nivel. Esto es un "in the court of the crimson Queen". Porque el rey Fripp deja su huella en un precioso híbrido de incalculable valor artístico.  Y ahora la flauta suena a Ian McDonald. La guitarra equilibra con puñetazos hard. 

La victoriana "The Ghost" (6'38), iniciada con un cello que transmite olvidados momentos impregnados. Su romanticismo da miedo. Teatralidad dramática digna de sus paisanos Ange. ...Y de repente, el vaudevil rockero hace acto de presencia. Freddy Mercury sobreactuando en "Cumbres Borrascosas". 

Finalmente " Dear Mr.  Fantasy" (4'17) atrapa en esencia el Queen sound y lo cruza, en mutación genética aberrantemente bella, con Génesis, Barclay James Harvest, Fantasy y primer King Crimson. Fascinante experimento.

Tenemos un disco muy distinto en sus dos caras. El homenaje a Queen "del bueno" en la primera cara es creíble y conserva altas cotas Pomp que lo hacen de lo más notable del género. En la segunda, si bien esas esencias nunca se van, se diluyen con sabiduría alquimista en un sinfo-prog centroeuropeo de sobresaliente. Disco escurridizo y que sabe esconderse. Se requiere de olfato de sabueso para encontrarlo, a no muy low precio. Pero vale la pena, vaya que sí. 




Temas
1 - The Seeker (4:20)
02 - Mad (4:32)
03 - King's Dynasty (4:36)
04 - Across The Past (5:12)
05 - The Old Clock (2:08)
06 - School Of Time (8:11)
07 - The Ghost (6:38)
08 - Dear Mister Fantasy (4:17)

Formación
Michel Chavarria - guitarra, teclados, voz
Bruno de Gaulejac - : teclados, guitarra, voz
Nicolas de Gaulejac - batería, voz
Jean-Noel Nomico -guitarra, voz, flauta
Paul Saurat - bajo, voz



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MUGEN (colaboración Alberto Torró) rock progresivo japonés

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Fueron uno de los grupos de culto del frikismo melómano del prog japonés. Su Sinfonía de la Luna de 1984 fue venerado por muchos sinfónicos europeos gracias a la reedición de Musea Records en la década de los 90. Recuerdo que me recomendaron este disco sin paliativos como una joya de la corona, y también recuerdo que mi crítica del álbum en alguna publicación no fue nada buena.


En la década de los 90 hubo mucha saturación del entonces internacionalmente emergente neo prog. La verdad es que por esos tiempos tanto yo, como alguno de mis colegas teníamos que escuchar al día bastantes discos que nos enviaban las discográficas independientes. Por entonces no estaba muy interesado en los grupos de rock progresivo provenientes de Japón. En parte por el elevado coste de sus productos, y por la otra por un más que claro y evidente desconocimiento del tema. Naturalmente la cosa cambió con los años.

Con la perspectiva del tiempo las cosas deben de ponerse en su punto justo y reconozco que ahora no me desagrada tanto escuchar sus tres trabajos de estudio.
Mugen son algo muy lánguido y blandito, el cantante parece rezar más que cantar y francamente no ayuda a cambiar ciertas opiniones y prejuicios. Eso sí, musicalmente son muy agradables, aunque no puedo evitar acordarme excesivamente de Tony Banks y de Genesis por los que sin duda sentían verdadera veneración.


La línea de Mugen es muy “romanticona”. Parecen exentos de toda malicia por lo que su música destila inevitablemente una absoluta ingenuidad, casi infantilismo. Lindo sería la definición con la que conlleva de terriblemente cursi. Sobreponiéndose uno a calificativos rosas y azucarados y llegando a comprender que para los japoneses el concepto de cursilón difiere mucho del nuestro, léase lolitas, doujin, j-music, post rock, animé, vídeo juegos y toda la parafernalia que rodea al peculiar mundo nipón, uno puede incluso disfrutar de la audición, cuando consigue deshacerse de conceptos occidentales que chocan inevitablemente con la sensibilidad oriental.

La fantasía como rúbrica y para evitar sobrecarga de adjetivos, es una constante en la mayoría de las bandas japonesas que realizan rock sinfónico. Su concepto es de evasión de la realidad, no de compromiso. A nuestros ojos son como niños grandes inmersos en cuentos y leyendas ancestrales de sus antepasados y de su mitología. Ellos provienen del zen, de la naturaleza, de los sueños. Nosotros de las pesadillas froidianas y de la pavorosa cultura judeo-cristiana. Ahí es nada.


Aclarados estos puntos ya todo es cuestión de sensibilidad. Baste observar la mayoría de los trabajos gráficos de sus portadas para comprender lo que digo. Quiero agradecerles el hecho de que en su segundo trabajo homenajeasen a Maurice Ravel con su Pavana para una infanta difunta. Ravel es uno de mis compositores favoritos de todos los tiempos.

Discografía:
Sinfonia Della Luna (1984)



Temas
A1 Sinfonia Della Luna 8:20
A2 Magical Wand 4:05
B1 Venezia 4:55
B2 Dance…Romantic 5:25
B3 A Parade Of The Wonderland 2:00
B4 Ballo Della Luna 10:30

Leda et le Cygne (1986)



Temas
1 Léda Et Le Cygne 
2 La Rosa 
3 Salomé 
4 Edmond's Old Mirror 
5 Brugge 
6 Carmilla 
7 Pavane Pour Une Infante Défunte

The Princess of Kingdom Gone (1988)


Temas
A1 The Princess Of Kingdom Gone 
A2 The Lady Of Shalolt 
A3 Legend Of The Forest 
B1 Dazzling Ligeia 
B2 Black Panther 
B3 Trident Rock 
B4 Una Donna



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FRANK ZAPPA -KREEGA BONDOLA (1984) Live Saratoga Arts Centre NY. (colaboración Alberto Torró)

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De la gira de 1984 y salvo el “Does Humor Belong in Music?” no existen o yo al menos no las conozco, grabaciones oficiales. He recurrido a este “pirata” que recoge de manera más completa las andanzas y material en directo de la época. 


Ya comenté que fue la única vez que vi a Frank Zappa en directo  el día de la barretina de payés en su cabeza ese mismo año en el palacio municipal de los deportes de la ciudad condal. Un concierto a reventar y movida final con las fuerzas del orden. Aunque como ya os comenté, el concierto fue impecable y muy corto, pero Frank no estaba en su mejor época y se saldó con la salida de sus discos más mediocres (no por ello malos, ojo). Lo cierto es que llevaba una banda muy interesante y con un trio vocal que le daba mucho juego: Ike Willis, Ray White y Bobby Martin más el propio Frank claro está. Pero coincidió con la edición del Them Or Us, The Man from Utopia y el coñazo triple de la ópera-musical Thing Fish. Naturalmente el material de esta gira se centró en estos discos pero también tocaron bastante material antiguo aunque en versiones un tanto caprichosas y remodeladas para la ocasión y el momento. Sin embargo esta grabación es bastante decente e incluso buena tanto en sonido como en interpretación. 

Hay que apuntar que la forma de tocar la guitarra de Frank, se había vuelto algo extraña y le daba por investigar nuevas tonalidades  y ya no es aquel Zappa de encantadores punteos y pasajes electrizantes. Su forma de tocar se había vuelto más agresiva y retorcida. Se permite el lujo de muchas disonancias atonalidades y caprichosos acordes. Típico del genio de vuelta de todo. Su banda como era de esperar funciona de forma milimétrica en seguridad y control. La sección rítmica bajo-batería es un mecanismo de exactitud en sentido literal, y se escuchan ya pads electrónicos en los tambores de Chad Wackermann. Alan Zavod es el teclista con arsenal moderno y tiene sus momentos al igual que el guaperas de Bob Martin, un teclista-vocalista todo terreno. Las actuaciones de entonces tenían su lado de humor absurdo y chorradas habituales, pero ya no eran las bacanales y pasadas groseras de antaño: alguna broma gay, chistes feministas y graciosetas tontas, pero con mucho más control que tiempos pasados. En general más música pero también más simple y directa. Unas mejores otras peores y en medio batiburrillo general. Claro que van apareciendo viejas glorias como Sharleena, Carolina Hardcore, Lets Move To Cleveland, Advance Romance, Muffin Man o el bandido enema. Un doble CD soundboard con momentos brillantes y otros realmente anodinos. Teniendo en cuenta que es uno de los escasos documentos sonoros de 1984, sirve para recordar la época del Zappa más mundano y trivial, y se mire como se mire debe ocupar su puesto en la estantería del coleccionista acérrimo.



Temas
00:00 Heavy Duty Judy (03:05)
03:05 "Introduction Band" (00:49)
03:54 Carolina Hard-Core Ecstasy (06:29)
10:23 Advance Romance (07:23)
17:46 I'm the Slime (04:32)
22:18 Be in My Video (03:22)
25:40 What's New in Baltimore? (02:51)
28:31 Lucille Has Messed My Mind Up (03:09)
31:40 Ride my face to Chicago (03:18)
34:58 Teenage Wind (02:42)
37:40 Truck-Driver Divorce (05:37)
43:17 Cocaine Decisions (02:51)
46:08 Nig Biz (05:49)
51:57 Sharleena (08:02)
1:00:00 Keep It Greasey (03:27)
1:03:27 Honey, Don't You Want ["a Man Like Me?"] (03:59)
1:07:26 Carol, You Fool (04:03)
1:11:29 Chana in de Bushwop (04:01) [Frank/Diva Zappa]
1:15:30 Kreegah Bondola [1984 version of "Let's Move to Cleveland"] (14:40)
1:30:10 Intro (01:04)
1:31:14 He's So Gay (02:30)
1:33:44 Bobby Brown (02:34)
1:36:18 Crew Slut (06:33)
1:42:51 On Women (01:20)
1:44:11 Camarillo Brillo (03:28)
1:47:39 Muffin Man (02:31)
1:50:10 The Illinois Enema Bandit (09:26)




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ROCKLIQUIAS BANDAS : HARD DAYS - Hard Days (2016) (colaboración J.J. Iglesias) rock español

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"Menos es más". "Salir de la zona de confort". Los cojones. Menos es menos. Y si sales de tu zona de confort, lo más probable es que te pegues una buena hostia. No sé a quien se le ocurren esas frasecitas que subliminalmente,  inyectan a la sociedad para manipularla cual José Luis Moreno del gran poder. Bueno, sí lo sé.  Pero no es momento ni lugar para aburriros con mis teorías conspiranoicas. Todo eso iba pensando yo, auriculares a todo trapo influyendo en mi persona, mientras acudía a una cita con mi amigo y compi de redacción,  Alberto Torro. De pronto, un impedimento insalvable. La Cabalgata de Reyes. Los reyes siempre jodiendo. Hasta el punto que, o le echaba pelotas al asunto, enfrentándome a los municipales, o no pasaba. No Guts, No Glory. En los cascos sonando un grupo recién descubierto en Youtube, Hard Days. No sabía nada más de ellos. Nunca lo hago, para escuchar sin prejuicios. La mala uva y el coraje de mi particular banda sonora, hizo que me deshiciera de los uniformados con absoluto éxito. Gracias a las bestias pardas que estaban taladrando mis oídos. Ya con Alberto, le recomendé a "unos tales"Hard Days antes de disponernos, como siempre, a arreglar el mundo. A la semana siguiente me dice Juan Carlos que alguien se ha interesado por nuestra convocatoria de promocionar a bandas actuales de aquí.  "Se llaman Hard Days", dice. Esto no puede ser casualidad. Y aquí me tenéis,  comentando su primer álbum, (tras la maqueta " Live Demo" - 2013),  editado en Noviembre del 2016.


Ellos son Luis Gómez (guitarra), Carlos Ruiz (bajo), Aurelio Domínguez  (voz solista), Fernando Arteaga (batería ) y Francisco Rosado ( Hammond, mellotron, sintes).


"Acid Explosión " (5'45) abre como un huracán sónico la avalancha hard psych de esta banda. Hammond en pugna con chulería guitarrera,  sección de ritmo aplastante y una voz a lo John Lawton, pero con su propio deje. Sí,  esto suena a Lucifer's Friend, Asterix o Hell Preacher's Inc. Lo que viene a ser lo mismo.


"Hey Jimi" (5'34) deja clara a quien va dirigida. En nuestra rock'n'roll religión,  a Dios. Corrosivo wah wah como la sangre de un Alien. Y organada en testosterona pura. 

"Hard Blues" (5'31) también lo dice bien clarito. La clase de esta banda es ya, incuestionable. 

"Souless People" (4'02) es una andanada Purple sin miramiento alguno. Pero Purple del "Fireball" o "Who do we think we are". Del de verdad. Y me los creo, porque aquí hay melodía y construcciones rítmicas con muchas horas de local.

"Hot Wheels" (4'08) es otra genialidad heredada del tío Blackmore. Da gusto oírlos. Vaya regresión cojonuda.

"Maybellene" (5'37), sin relación con la de Chuck Berry, pero con fuerte sabor a Uriah Heep. Es otro retro-ataque a tus neuronas, ávidas de éste tipo de excitantes. Con desarrollo instrumental de inteligente resolución. 

La muy psico "No Future" (4'21) nos eleva por espirales galácticos tales que Iron Butterfly, Virus, Twenty Sixty Six  o Murphy Blend. Casi na. 

"Desert Spirit" (4'42) es un ejercicio púrpura más coverdaliano.

 "I don't need you" (4'39) le mete al mellotron, resultando soñado psych-prog. Un bocado para paladares exquisitos. Aurelio Domínguez, en estado de gracia. Como en todo el disco, vaya. 

Por último "I am Fire" (4'37) cierra este viaje hipnótico a los 70 con otra manifestación lisérgica-litúrgica de proporciones devastadoras. The Who con Ken Hensley al órgano, por ejemplo.


Si este no es el mejor disco hard prog nacional de los últimos diez años, entonces no se cual es.

Conectando directamente con sus paisanos The Storm (Luis Gómez tuvo como profe a Ángel Ruiz, nada menos).

Y equiparándose en la actualidad a Spiritual Beggars sin ningún complejo. Ahora SI que creo en los reyes, los del "Speed King"!!!

P. D. - Nos dicen que son grandes seguidores de Rockliquias. Ahora Rockliquias es seguidora total de Hard Days!

P. D II - Editad esto en vinilo, POR FAVORRRRR.



Contacto:

Correo: Harddaysrock@gmail.com



P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros en nuestro correo : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70

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THE NICE - Fillmore West, December 1969

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Ya lo he dicho en más de una ocasión, Keith Emerson junto a Rick Wakeman y Jon Lord marcaron mi adolescencia musical. Algunos lo llamaron el "Hendirx" de las teclas, yo iría más allá y llamaría a Jimi el "Emerson".  de la guitarra, ja ,ja .

En 1969 The Nice ya se había reducido a un trío, junto a Keith Emerson estaban Lee Jackson (bajo, voz) y Brian Davison (batería). Ese mismo año colaborarían en diversos proyectos con  Rod Stewart (Faces) y Harper (tema "Hell's Angels"). El 10 de octubre en  Newcastle estrenarían su famoso "Five Bridges suite" y pocos días después lo interpretarían en Fairfield con la ayuda de una orquesta, concierto que fue grabado para su posterior publicación. A finales de año tocaron junto a King Crimson, Keith estaba preparado su nuevo proyecto y quería dar por terminado su etapa en The Nice.


The Nice actuó a finales de 1969 en el Filmore West, en concreto nos encontramos ante la grabación del día 12 de Diciembre.  junto a los King Crimson. Se comenta que las conversaciones que tuvieron Emerson y Lake forjaron lo que posteriormente serían los E,L & P. El setlist nos muestra todo el poderío de The Nice. El show comienza mezclando un tema de Bod Dylan, "Country Pie", con el Concerto nº 6 de Brandenburg  de JS Bach. La pirotecnia continua con el tema de Tim Hardin, "Hang On To A Dream", con un increíble interpretación de Keith al piano. Seguimos con ambiente clásico con su versión del tercer movimiento de la sinfonía "Patética" de  Tchaikovsky. Y por fin llegamos al mejor tema, "For Example", donde Keith explota al máximo su virtuosismo. La grabación finaliza con una nueva versión, un tema de Dylan, "She Belongs To Me". Sonido excelente para esta gran joya.



Temas
0:00 Country Pie / Brandenburg Concerto No. 6 
6:36 Hang On To A Dream 
21:30 Pathetique Symphony No. 6, 3rd Movement 
29:45 For Example 
45:00 She Belongs To Me



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AGAPE - Le Troisieme Seuil (1972) (colaboración J.J. Iglesias)

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Estoy seguro de que más de un mal pensado  dirá que me devano los sesos por buscar la cosa más bizarre para ésta sección. Pues no, me vienen solas.


Hoy es un grupo-asociación de Quebec, Canadá.  En un único prensaje privado, de rock (o así ) cristiano, (xian rock, lo llaman), a la mayor gloria (ossanna! 1), del cantante André Dumont. Habitual desde finales 60 en los estudios de la emisora local canadiense de Radio María.  Ignoro si se refiere a la virgen o a la weed. Aquí se reunieron hasta diez músicos,  con nombres muy franceses. Que incluían tres guitarras, dos teclistas,  un encargado de efectos de sonido, un trompetista, bajo y batería.

 El disco está considerado uno de los más raros (y caros) del folk Quebecois. Claro que decir que esto es folk, a secas, es demasiado temerario. Para un purista, un sacrilegio. Desde la miríada de efectos floydianos, al arropo rockero del invento, dramatismo a la Ange, y los omnipotentes  (ossanna! 2) teclados, aquí huele a psych cuasi (y sin cuasi) kraut que atufa. Para redondear más "el producto", tenemos flauta travesera,  acústicas necesarias y guitarra eléctrica más ácida que mis tripas de resaca. Lo que le hace parecerse a venenosos bichos alemanes tipo Gila o Mythos. Las máquinas de escribir se convierten en un instrumento. Y las campanas de la parroquia. Y las sirenas de ambulancia. Estarás pensando que esto es una marcianada infumable (fumable, sí ). Mais non. Parce que este disco posee una rara belleza y un "je ne sais quoi", con momentos de oscuridad, y pasajes psico de extrañas melodías, que no llegan nunca al "alabare,alabare" jipi-parroquial de la época. En verdad os digo que tampoco has de temer a la trompeta, pues no es de Jericó. No está dando la brasa constante. Más bien es usada como un sintetizador más,  soleando por encima del entorno, sin molestar. La segunda cara comienza con el tic tac de un carillón de esos de casa de abuelas, que dan miedo, las casas, no las abuelas. Aunque también. Mientras harpsichord,  flauta, acústicas y percusión  apoyan la afrancesada letanía de Dumont. Witthuser & Westrupp serían una buena referencia alemana ( los padres del cosmic-folk), para este tipo de pasajes en Ágape.


La temática en las letras tiene más que ver con la canción protesta anti-sistema y anti-belicista (los curas rojos, recuerdas?), que con el sermón apalizante de turno.

De nuevo en ésta cara vienen brisas de fluido rosa,  primera generación. Lo más seguro es que las ostias que se comían esta gente fueran acompañadas de algo weno weno. Porque las fugas mentales que se marcan son de mi agrado total, además de bien tocadas y grabadas. Que para ser una criatura parida en la fría nieve del underground, este material se defiende como mil demonios! (ossanna! 3).

Es probable que sea una especie de concept album, pues música y efectos se suceden encadenados durante toda la escucha. Que termina con unos "aleluyas" que para alguno serán recibidos como una bendición.

Pero si te gustan éstas músicas,  sección acid folk psych (planta cuarta), las recibirás con la hospitalidad de un curioso peregrino, en su deambular por la eterna búsqueda  de santos griales krautoctonos. Amén,  brother.

P. D .- "Syd desafinaba toda la guitarra durante una canción , golpeando las cuerdas y desafinandola,  algo...muy moderno (risas). Pero muy difícil para que la banda pueda seguirlo". (NICK MASON)


Temas
A1 Ouverture 5:50
A2 Camarade 2:43
A3 Vous Etes Pas Tannés De Crever 3:20
A4 Avez-Vous Vu Passer Une Colombe? 4:15
A5 Le Jugement Dernier 5:30
B1 Le Temps Des Partances 2:55
B2 Le Printemps Des Pauvres 5:22
B3 Eden 5:22
B4 Le Troisième Seuil 3:05
B5 La Fin Des Temps 6:12




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Twogether ‎– A Couple Of Times 1973

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Twogether, grupo procedente de Dusseldorf formado en 1973 de las cenizas de BBC , formación integrada por miembros de tres bandas ( The Beathovens, Blue Squad y The Crew). El dúo tenía en sus filas a  Klaus Bangert (teclados) y Reinhard Fischer (batería).

En 1973 editan un single y posteriormente el LP, " A Couple Of Times", conteniendo once temas. La banda desaparecería al año siguiente.



Twogether nos muestran un gran muestrario de sonidos. Podemos escuchar progresivo a lo "Emerson" en "Persussion", uno de los mejores temas de la grabación, " Out Of Range " o "On The Move". También encontramos jazz-light en " Toss-Up", con una labor del batería Reinhard Fischer realmente exquisita. Temas a lo "Focus" como " I Look Around ".Algo de Krautrock en "Fusion", tema que cierra el disco. Los temas en los que incluyen voz suelen ser los más flojos y "poperos". En definitiva un disco con un gran comienzo que poco a poco se va diluyendo.



Temas
1. Percussion (0:00)
2. Don't Cry (3:25)
3. Out Of Range (6:21)
4. Make Me Feel Alright (10:24)
5. On The Move (12:51)
6. Toss-Up (16:25)
7. I Look Around (19:20)
8. Meet Me Every Day (24:21)
9. Bolero (27:44)
10. Cathedral (30:27)
11. Fusion (34:13)
12. I Was Away Too Long (single) (38:04)
13. I've Found A Love Again (single) (40:36)

Formación
Klaus Bangert - voz , teclados
Reinhard Fisher - batería



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JACK LANCASTER / ROBIN LUMLEY - Peter and the Wolf (1976) (colaboración J.J. Iglesias)

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Cuarenta años buscando este disco en condiciones bien se merece una celebración - reseña. Al fin en mi poder.

Muy al hilo de lo que había hecho Rick Wakeman dos años antes con "Journey to the  Centre of the Earth", con merecido éxito y narrador inclusive, apareció éste curioso espécimen sólo posible en los experimentadores 70.


Robin Lumley  (luego en Brand X) y Jack Lancaster  (Blodwyn Pig) venían de montar equipo arreglista-compositivo desde The Soul Searchers. Editando un single, "Scaramouche" / "Head Stand" (1975 - EMI) con una formación de altos vuelos: John Goodsall y Gary Moore (guitarras). Percy Jones (bajo) y Bill Bruford (batería ). El avispado lector habrá observado que ahí estaba la semilla de los próximos Brand X.

Su inmediato proyecto seria una adaptación del cuento infantil musical, "Peter and the Wolf", de Sergei Prokofiev. Respetando la obra original, pero rockerizandola a los tiempos de entonces, que eran muy progresivos, evidentemente. El sello RSO de Robert Stigwood, responsable del éxito de Eric Clapton en solitario, "Grease" y "Saturday Night Fever", sería el encargado de editar este extraño invento. Se tradujeron los narradores a cinco idiomas, inglés, francés,  alemán,  italiano y sí,  spanish!


El original británico lo narró Vivían Stanshall (Bonzo Dog Dada Band y el que presentaba los instrumentos en el "Tubular Bells"). Mientras que aquí le tocó esa misión a...Luis Del Olmo!!! Supongo que una mancha en su carrera, eso de aparecer en "un disco de peludos y gente de mal vivir". El plantel de (verdaderas) estrellas en este disco marea. Algo así como un Ayreon de los 70: Manfred Mann, Gary Brooker, Chris Spedding, Gary Moore, Stephane Grappelli, Brian Eno, Keith y Julie Tippett, Jack Lancaster, Robin Lumley, Alvin Lee y, supera el cuarteto de baterías : Jon Hiseman, Bill Bruford, Cozy Powell y Phil Collins. Sin palabras. Aquí encontramos a Brand X al completo antes de formarse. Pero también a la mitad de Colosseum II, (éste disco conecta directamente con el "Variations" del 78, de Andrew Lloyd Weber).


Cada músico tiene un rol/sonido identificable con un personaje del cuento. A Gary Moore le pilló la grabación en medio de una estancia en Thin Lizzy. Se sale,para variar. Los teclados de Lumley, Mann, Eno y Gary Brooker, despiden sinfo-progresivo  en estado puro. Andy Pyle  ( Blodwyn Pig, Savoy Brown, luego con Gary Moore en su etapa blues), Dave Marquee y Percy Jones se reparten las labores de bajo. Alvin Lee y Chris Spedding aportan el clasicismo blues rock de sus guitarras , curtidas con Ten Years After y Sharks. Alguien pensará qué pinta aquí una leyenda del jazz clásico  como es el violinista Stephan Grappelli. Si quieres credenciales prog, pregúntale a  Pink Floyd en las sesiones de "Wish you where here". El violín es "el gato", rol que comparte con Henry Lowther (CCS, Caravan). Perdón por la avalancha de nombres (conste que me dejo), pero es inevitable. Aquí estaba la crema del progresivo de mediados 70. Como se puede intuir, la música es claramente descriptiva, prácticamente instrumental, espectacular y estratosférica. 

Me sobra tanta interrupción del narrador (y más siendo el chatico Del Olmo), pero no olvidemos que es un cuento infantil. Aquí reorientado para fumetas jipiosos sin prejuicios. Garantizo una cosa porque he hecho la prueba. Lo pones después de una cena con los amigos, bien regao of course, y las risas están aseguradas. Además del disfrute de una instrumentación masterpiecera. 

El disco se grabo en los Trident Studios con Dennis McKay en los controles. Puro producto de su época.  No digo más.  Bueno, sí.  Que además incluye un libreto con textos, créditos e ilustraciones del cuento. Una preciosa presentación.  Estoy seguro que éste proyecto  influyó decisivamente a Jeff Wayne para su "War of the Worlds", dos años después. Si se escucha como lo que es, se descubre un tremendo álbum progresivo absolutamente infravalorado y perdido en un rincón,  a causa del aluvión de material editado por entonces.




Temas
A1 Introduction 1:05
Acoustic Guitar – Gary Moore
Chimes – Erika Michailenko
Electric Piano – Robin Lumley
Lyricon – Jack Lancaster
Vocals – Julie Tippett*

A2 Peter's Theme 2:10
Bass – Percy Jones
Drums – Cozy Powell
Guitar – Gary Moore
Saxophone [Saxes] – Jack Lancaster
Steel Guitar – Pete Haywood
Synthesizer – Manfred Mann (2)
Synthesizer [String] – Robin Lumley

A3 Bird And Peter 0:38
Bass – Percy Jones
Drums – Phil Collins
Guitar – John Goodsall
Steel Guitar – Pete Haywood
Strings – Robin Lumley
Synthesizer – Gary Brooker

A4 Duck Theme 1:00
Bass – Andy Pyle
Guitar – Gary Moore
Piano – Robin Lumley

A5 Pond 0:46
Chimes – Erika Michailenko
Piano – Keith Tippett
Vibraphone – Phil Collins

A6 Duck And Bird 2:11
Guitar – Gary Moore
Synthesizer – Gary Brooker

A7 Cat Dance 2:37
Bass – Dave Marquee*
Guitar – Alvin Lee
Violin – Stephane Grappelli*

A8 Cat And Duck 1:32
Bass – Percy Jones
Clarinet – Robin Lumley
Drums – Phil Collins
Guitar – Gary Moore, John Goodsall
Violin – Henry Lowther

A9 Grandfather 3:04
Bass – Percy Jones
Drums – Phil Collins
Guitar – John Goodsall
Lyricon, Saxophone [Saxes] – Jack Lancaster
Piano – Robin Lumley
Slide Guitar – Gary Moore

A10 Cat 0:34
Bass – Dave Marquee*
Violin – Stephane Grappelli*

A11 Wolf 0:46
Synthesizer – Eno*
Synthesizer, Piano – Robin Lumley

A12 Wolf And Duck 3:46
Bass – Percy Jones
Drums – Phil Collins
Guitar – Chris Spedding
Piano – Robin Lumley
Synthesizer – Eno*

B1 Threnody For A Duck 1:51
Arranged By – Geoff Leach
Choir – English Chorale*

B2 Wolf Stalks 0:57
Bass – Percy Jones
Drums – Phil Collins
Guitar – John Goodsall
Synthesizer – Eno*
Synthesizer, Piano – Robin Lumley
Violin – Jack Lancaster

B3 Cat In Tree 2:13
Violin – Stephane Grappelli*

B4 Peter's Chase 1:45
Bass – Percy Jones
Drums – Phil Collins
Guitar – Gary Moore, John Goodsall
Synthesizer – Robin Lumley

B5 Capture Of Wolf 1:27
Lyricon – Jack Lancaster
Percussion – Phil Collins
Synthesizer – Eno*
Synthesizer, Piano – Robin Lumley

B6 Hunters 0:58
Bass Drum – Cozy Powell
Cymbal – Phil Collins
Drums [Snare] – Bill Bruford, Jon Hiseman
Lyricon, Flute – Jack Lancaster
Trumpet – Henry Lowther

B7 Rock And Roll Celebration 2:38
Bass – Andy Pyle
Drums – Phil Collins
Guitar – Gary Moore
Lyricon, Saxophone – Jack Lancaster
Piano – Robin Lumley
Vocals – Bernie Frost

B8 Duck Escape 1:11
Guitar – Gary Moore

B9 Final Theme 5:09
Bass – Percy Jones
Choir – Bernie Frost, Bob Sargeant, Erika Michailenko
Drums – Phil Collins
Guitar – Gary Moore
Guitar [Solo] – Alvin Lee
Lyricon, Saxophone [Saxes], Clarinet – Jack Lancaster
Piano – Robin Lumley
Vocals [Solo] – Julie Tippetts




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BI KYO RAN (colaboración Alberto Torró) rock progresivo japonés

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Son considerados uno de los grupos progresivos de culto japoneses, pero no aptos para todo tipo de prog lovers. Su obsesión por King Crimson es excesiva y no precisamente por el lado más amable de Robert Fripp sino por el más retorcido y caótico y para ello basta escuchar A Violent Music.


Tengo que reconocer que no todo es imitación crimsoniana y que su música tiene su lado interesante y su cosecha propia.


Tienen casi más directos que discos en estudio. Sus primeros trabajos de los años 80 son para mi gusto los más atractivos. Sus quebrados ritmos y obsesiva guitarra tienen su punto no cabe duda. Añadir que las partes vocales son sumamente originales y extrañas y no hay que menospreciar hermosas partes de violín.


Lamentablemente las grabaciones en directo no son muy buenas y si a eso añadimos la aspereza de su música la verdad se hace árduo terminar su escucha. Como es obvio sus trabajos en estudio ganan muchos enteros y no improvisan tanto. Prefiero su música compuesta y elaborada porque precisamente ahí es donde ofrecen lo más interesante y lo más personal de su repertorio. Son muy recomendables sus tres primeros trabajos y en concreto su tercer álbum “Go Un” de 1995 que llega a atraparte en una extraña fascinación.
Discografía:
Bi Kyo Ran (1982)


Temas
Double 14:24
Cynthia 4:19
Psycho (Part II) 1:39
Monologue 7:02
Warning 14:19

Parallax (1984)


Temas
Silent Running 7:57
Prediction 9:28
Suite Ran 21:10

Go Un (1995)

Temas
1 Ran Part II 7:59
2 Journey's End 7:29
3 Omoi-Ire 8:02
4 Psycho Part II-2 6:51
5 21st Century Africa 13:13

A Violent Music (1997)

Temas
1 A Violent City 
2 Feet On The Ground 
3 A Violent Party 
4 A Violent Fort 
5 A Man Of Hand To Mouth 
6 Creep Funk 
7 A Violent Nightmare

Live I Fairy Tales (1987)



Live II Who Ma (1988)



Live III Ran (1994)



Live IV Madoromi (1994)

Deep Live (1995)

Temas
1 Psycho Part II 8:15
2 Psycho Part III 8:11
3 Ran Part II 7:46
4 Deep 7:45
5 21st Century Africa 13:35
6 Vision Of The City 8:10



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FRANK ZAPPA - The Best you never heard in your life (1988) /Make a jazz noise here (1988) (colaboración Alberto Torró)

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Cuatro años más tarde Frank se embarca en la que sería su última macro-gira y notablemente envejecido, probablemente el prólogo de la enfermedad que se lo llevaría en 1993. Ya pintaba canas el maestro de Baltimore y seguía mostrando su ironía y sarcasmo: Pregunta de un periodista: “¿…cuando le hicieron la última pregunta inteligente?” Respuesta de Zappa: “…yo considero todas las preguntas inteligentes pero tengo que aclararle que soy una persona educada y con buenos modales” . Elegante forma de llamar gilipollas al periodista.


 La gira de 1988 llevaría el lema genérico de “Broadway The Hard Way Tour” probablemente en referencia al presidente Ronald Reagan y a sus políticas  retrógradas. No imagino lo que pensaría hoy del adolescente mental de Donald Trump. Una mina. Para esta última ocasión se rodeó de una extraordinaria banda de 12 músicos entre ellos el debutante Mike Keneally actualmente conocido en el ámbito del Prog USA. También volvió a reclutar a los hermanos Fowler como integrantes de una sensacional sección de viento con gente nueva venida del jazz. Vuelven también sus colegas Willis, Martin, Man, Thunes y Wackerman para montar un repertorio en torno a lo mejor de su catálogo y composición musical en un set list irrepetible ya que todo lo mejor de Zappa está aquí.


 Remodelado, reestructurado y hasta recompuesto si tú quieres, en lo que va a ser el broche final de su carrera en los escenarios, aunque mentiría si dijese que no volvió a aparecer en escena, pero eso sí, de forma esporádica y siempre como invitado de lujo entre los sectores más avandgarde  e intelectuales de la Europa del este y vecinos de la antigua Unión Soviética principalmente, donde su figura ya tuvo un reconocimiento en vida. Recordemos por ejemplo su amistad con el presidente Václav Havel de la antigua Checoslovaquia . Zappa recibió honores de compositor “serio” en sus últimos años y se empezaron a ver monumentos y estatuas en su nombre, pero estos detalles a su figura no vinieron del mundo del rock precisamente sino de la música culta. Recordemos que él siempre quiso ser un compositor “clásico” a pesar de sus posturas contestatarias y sus desmadres varios agitando músicas dispares en una coctelera durante toda su vida.

 Efectivamente en esa gira de 1988 volvió a España y para sorpresa de todos TVE retransmitió en directo el concierto de Barcelona. Yo no podía creerlo. La tele española retransmitiendo un concierto de Zappa en horas de máxima audiencia. Debió ser en la dos por eso, aunque no lo recuerdo bien. Hoy día esto sería impensable y descabellado con los directivos de Génova programando caca al personal y que al máximo nivel que podrían llegar ahora sería retransmitir un bolo de Bisbal, el Melendi o Bustamante. Así están los tiempos que vivimos y así te lo contamos. Su último legado en vivo y en vida serían estos dos dobles CD´s: “La mejor banda que has oído en tu vida” y “Haz ruido de jazz aquí”. Un resumen del mejor Zappa quién llegó a versionear para esta ocasión cosas como el Bolero de Ravel o la escalera al cielo de los Zeppelin. No hay excusa posible para no tener estos discos plagados de música de alto nivel. De un músico del que no hubo un antes ni habrá un después. Zappa está en la memoria de todos y como él decía “music is the best” y estamos de acuerdo.

NOTA FINAL: He dejado en el tintero muchas más grabaciones y discos entre cajas, directos póstumos, piratas más o menos “oficiales”, rarezas, reediciones… etc etc. Habría sido interminable y no es mi intención cansar y aburrir más al personal y creo que la toma de contacto con la música de Zappa ha sido más que suficiente. Un saludo.


THE BEST BAND YOU NEVER HEARD IN YOUR LIFE (1988)

CD1



Temas
0:00 Heavy Duty Judy (Shut Up 'n Play Yer Guitar)
6:04 Ring of Fire (Johnny Cash)
8:04 Cosmik Debris (Apostrophe ('))
12:35 Find Her Finer (Zoot Allures)
15:19 Who Needs the Peace Corps (We're Only In It For The Money)
17:59 I Left My Heart in San Francisco (George Cory and Douglass Cross)
18:35 Zomby Woof (Overnight Sensation)
24:18 Bolero (Maurice Ravel)
29:37 Zoot Allures (Zoot Allures)
36:45 Mr Green Genes (Uncle Meat)
40:25 Florentine Pogen (One Size Fits All)
47:37 Andy (One Size Fits All)
53:29 Inca Roads (One Size Fits All)
1:01:48 Sofa #1 (One Size Fits All)

CD2
















MAKE A JAZZ NOISE HERE (1988)
CD1


Temas
1. "Stinkfoot" 00:00
2. "When Yuppies Go to Hell" 07:40
3. "Fire and Chains" 22:16
4. "Let's Make the Water Turn Black" 26:13
5. "Harry, You're a Beast" 27:49
6. "The Orange County Lumber Truck" 28:37
7. "Oh No" 29:19
8. "Theme from Lumpy Gravy" 34:03
9. "Eat That Question" 35:15
10. "Black Napkins" 37:10
11. "Big Swifty" 44:07
12. "King Kong" 55:19
13. "Star Wars Won't Work" 01:08:31

CD2

01The Black Page (New Age Version)6:45
02T'Mershi Duweeen1:42
03Dupree's Paradise8:35
04City Of Tiny Lights8:01
05Royal March From "L'Histoire Du Soldat" 1:00
06Theme From The Bartok Piano Concerto #3 0:43
07Sinister Footwear (2nd Mvt.)6:19
08Stevie's Spanking4:26
09Alien Orifice4:15
10Cruisin' For Burgers8:28
11Advance Romance7:43
12Strictly Genteel 5:37


y de postre el show de Barcelona 1988



Temas
00:00:12 Black Page Spanish Intro
00:01:50 The Black Page ( New Age Version )
00:08:37 Packard Goose I 
00:11:35 Royal March from L`Historie du Soldat ( Igor Stravinsky )
00:12:30 Theme from The Bartok Piano Concierto ( Bela Bartok )
00:14:00 Packard Goose II
00:16:05 Sharleena 
00:22:40 Bamboozled By Love
00:28:00 Black Napkins 
00:34:18 When The Lie's So Big 
00:37:55 Planet Of The Baritone Women 
00:40:37 Any Kind Of Pain
00:45:53 Jesus Thinks You're A Jerk 
00:53:23 Sofa 
00:56:02 Find Her Finer 
00:58:41 Big Swifty 
01:10:29 I Ain't Got No Heart 
01:12:25 Love Of My Life 
01:14:41 The Torture Never Stops Medley ( inc. Theme from "Bonanza" and Lonesome Cowboy Burt )
01:32:40 Bolero ( Maurice Ravel )
01:38:05 Watermelon In Easter Hay 
01:42:47 Whipping Post 
01:48:17 I Am The Walrus 
01:51:48 The Illinois Enema Bandit
02:01:20 Strictly Genteel




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Miguel Ríos - La huerta atómica 1975

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Recuerdo perfectamente la primera vez que vi a Miguel Ríos. Llegaba a Zaragoza para presentar su disco "La huerta atómica" en el teatro Argensola. Era entre semana, apenas unas cincuenta personas que ocupaban las primeras filas. Miguel salió y realizó un espectáculo como si estuviese ante miles de personas, profesionalidad ante todo. El concierto se dividía en dos partes, en la primera presentaba el nuevo disco y en la segunda tocaba sus éxitos hasta la fecha y adelantaba algo de lo que sería su nueva producción, "Al-Andalus". Como anécdota puedo contar que uno de sus técnicos sufrió quemaduras con la pirotécnica que utilizaba.


En 1974 Miguel Ríos contaba con una sólida reputación ganada a pulso durante más de diez años . A finales de los 70 consiguió su mayor éxito con "  A Song of Joy", el famoso Himno a la alegría, adaptación del último movimiento de la novena sinfonía de Beethoven. A mediados de los setenta tenía cierta solvencia económica que le permitió afrontar nuevos retos y adentrarse en lo que se llamaría la trilogía progresiva de Miguel Ríos. Me refiero a "Memorias de un ser humano" (1974), "La huerta atómica" (1976) y "Al-Andalus" (1977), producciones infravaloradas que tuvieron una escasa repercusión. Posteriormente llegaría la locura llenando estadios y plazas de toros en giras interminables. a partir del 78.


Miguel Ríos se embarca en una obra conceptual que narra la historia de un personaje que vive cerca de una base americana con armamento nuclear y claro es inevitable la Hecatombe. Todo un alegato contra las bases americanas presentes en España. Para darle forma y musicalidad se reúne de notables músicos: Miguel Ángel Rojas (bajo), Evarist Ballú ( batería), Tony Ponce (guitarra), Mariano Díaz ( teclados) y Pep María Roger (teclados). La música la podríamos definir como progresivo-protesta-reivindicativo. Apoyado por un viejo conocido Alfredo Carrión en los arreglos orquestales y coros. Temas destacados "Buenos Días, Superman" , la sensual "Bienvenida Katherine " y por supuesto "El dulce despertar", uno de los pocos temas que conseguí aprenderme  su letra íntegramente . Como curiosidad las intervenciones de Jeanette Dimech y Massiel  en "Instrucciones A La Población Civil" y " El Consultorio Atómico De La Sra. Pum " respectivamente.




Temas
1 Entre Arboles Y Aviones 
2 Una Casa En La Guerra 
3 Buenos Días, Superman 
4 Yankee Johnny 
5 Bienvenida Katherine 
6 Una Siesta Atómica 
7 Instrucciones A La Población Civil 
8 El Consultorio Atómico De La Sra. Pum 
9 El Carnaval De Los Espectros (I) 
10 La Burbuja Antirreacción 
11 La Canción Del Megacristo 
12 El Carnaval De Los Espectros (II) 
13 Por El Hombre Futuro 
14 El Dulce Despertar

Formación
Miguel Angel Rojas: bajo
Evarist Ballús: batería
Tony Ponce: guitarra
Mariano Díaz: teclados
Pep María Roger: teclados
Jeanette Dimech (tracks: 7), Massiel (tracks: 8): voz
Miguel Ríos: voz




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PINK FLOYD - Empire Pool London Full, British Winter Tour November 1974

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Con la publicación en 1973 de "The Dark Side of the Moon" Pink Floyd consiguió el reconocimiento mundial que tanto esperaba. Su disco batió todos los récords permaneciendo en la lista "Billboard 200" durante 811 semanas consecutivas. Hoy recordaremos una de sus actuaciones más emblemáticas.


En 1974 Pink Floyd estaban en la cresta de la ola. A finales de 1973 se embarcaron en un proyecto llamado  Household Objects que consistía en  utilizar objetos no musicales de uso cotidiano en una casa para tocar los temas. Esa quimera duró unos meses y la dejaron en el cajón de los descartes para concentrase en lo que sería su noveno álbum de estudio "Wish You Were Here".


Durante 1974 Pink Floyd realizó dos giras. La primera, llamada "French Summer Tour", visitaba cinco ciudades francesas finalizando con tres actuaciones en el Palais des Sports de París. La segunda gira la denominaron "British Winter Tour" visitando nueve ciudades británicas. En Londres se celebraron cuatro conciertos ( del 14 al 17 de Noviembre) en el Wembey Arena. La grabación que tenemos entre manos nos traslada a dichas actuaciones con un "setlist" completo incluyendo el "bis""Echoes".
El concierto se inicia con un adelanto del "Shine on you Crazy Diamond" para continuar con dos temas "Raving and Drooling" y "You Gotta Be Crazy" que servirían de base para el ""Sheep" y el ""Dogs" de su décimo disco "Animals". El plato fuerte llega con la interpretación completa del "The Dark Side of the Moon". Para finalizar con  "Echoes" un bis de 23 minutos. Ni que decir tiene que la banda estaba en su mejor momento sobre todo Gilmour. Sonido excelente

CD1



Temas
1 Shine On Your Crazy Diamond 00:00
2 Raving and Drooling 20:22
3 You Gotta Be Crazy 32:55


CD2


Temas
01 Speak To Me 02:28 
02 Breathe 02:59 
03 On The Run 05:02 
04 Time 06:32 
05 The Great Gig In The Sky 06:41 
06 Money 08:05 
07 Us And Them 07:49 
08 Any Colour You Like 07:30 
09 Brain Damage 03:39 
10 Eclipse 01:48 

11 Echoes 23:13  (no aparece en el vídeo pero si en el CD)



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CHRISTOPHER FRANKE - The London Concert (1992) (colaboración J.J. Iglesias) rock electrónico

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Volvemos a la raíz,  a la razón de ser de nuestros "Ensayos sobre un sonido" : la Berlín School. Y uno de sus máximos representantes, Mr.  Christopher Franke. Que se inició como batería  (otro!) en los esenciales The Agitation, luego Agitation Free. Y formaría la tríada de oro en el classic sound mid 70s de Tangerine Dream junto a Baumann y Froese. Pero hastiado de éstos y su progresiva comercialización,  decidió que 18 años con la banda ya eran suficientes. Por entonces andaban con Edgar Froese y Paul Haslinger. Que serían los que continuarían con "Optical Race" (1988). 


El primer álbum de Franke sería "Pacific Coast Highway" (1991), y de su gira promocional saldría éste único concert álbum, grabado en el Apollo Theatre  de Londres, en Octubre de ese mismo año.
Un disco donde reincide en el sonido mandarino  que parecía querer abandonar, o cambiar, su colega Froese. Ya en la inicial "Empire of Light" (5'04) asistimos a insondables oscuridades sonoras que podrían haber formado parte de "Encore". Los guiños a la banda madre son constantes, aunque con un añadido de melancolía melódica que lo hace delicioso. Extractos de "Sorcerer", y hasta tres temas de sus días en TD : "Vermillion Sands" (5'47), "Clodburst Flight" (5'57) y "Dolphin Dance" (4'34). 


"Purple Waves" (16'36) es mi momento sagrado de la grabación.  Franke en estado de gracia mariana. Con melodías extraterrenales, incorpóreas, y bien pertrechadas  por una secuenciación simplemente sublime. El fuerte de éste innovador sintetista, de lejos. En mi opinión,  el mejor instrumentista de éste icónico aparato. Qué hubiera sido de la Berlín School sin el electrónico pulsar del secuenciador.

Aquí van todos los temas encadenados, pues en realidad, sus seis títulos pertenecen a la "Circular Signs Suite" de más de 40 mts. Siendo el referido "Dolphin Dance" y "Private Diaries" (3'35) bonus track aparte.

Tal como se va desarrollando el disco, asistimos a esos siniestros y místicos momentos que nos llevan a perdidas civilizaciones, oscuros misterios en lo profundo de una jungla, o reflexiones de inacabables preguntas sin respuestas de origen metafísico. 

La selección de sonidos es amplia y elegida con buen gusto. A pesar de que estamos en pleno reinado digital sintetizado. Todavía no había llegado el boom retro-analógico.  Lo que me hace preguntar cómo hubiera sonado éste magnífico album, unos cinco años más tarde.


En cualquier caso, "Block Garden View" (5'34), "Mountain Heights" (4'05) y todas las demás,  te garantizan inteligencia interpretativa y una afinada ejecución. Algo que a Froese y cía les estaba flaqueando bastante por entonces. Digámoslo claramente, este disco se comió  a los TD de aquellos días. Y Franke se labró una excelente reputación  a partir de entonces, musicando películas para Hollywood. Comenzando inmediatamente después de esto con "Universal Soldier" (1992) y siguiendo con una treintena más,  en su mayoría bandas sonoras. Entre las que destacaría las orquestadas para la serie sci-fi,  "Babylon 5".

"The London Concert" es un absoluto triunfo de álbum, sobre el cansancio que ya mostraban sus ex-compañeros.
Y es que sólo ha habido un Chris Franke.

P. D.- DEDICAMOS ESTE ARTICULO AL MEJOR BATERIA QUE DIO NUNCA LA KRAUT MUSIC : JAKI LIEBEZEIT (RIP).




Temas
Empire Of Light 00:00
Purple Waves 05:05
Cloudburst Flight 21:41
Black Garden View 27:38
Vermillion Sands (Cool Breeze Of Brighton) 33:12
Mountain Heights 39:03
Dolphin Dance 43:03
Private Diaries 47:38






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ROCK ISLAND - Rock Island 1970

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Rock Island fue una banda procedente de Filadelfia formada a finales de los 60 cuya alineación estaba compuesta por  Cobb Bussinger (teclados, voz), Mike Kennedy (guitarra, voz), Frank Schallis (batería, voz), B.J. Taylor (voz), and Tony Curcio (bajo).


En 1970 graban una maqueta con cuatro temas y se trasladan a New York en busca de sello discográfico. El productor Jeff Hes los contrata para la Enoch Light y comienzan la grabación del disco en los estudios A&R de New York. El LP se edita ese mismo año. Obtienen cierto éxito en el medio oeste americano y en parte de Europa. La presentación en la gran manzana la realizan abriendo para Rod Stewart y sus Small Faces. Todo marchaba sobre ruedas pero el incidente en la Universidad de Kent donde murieron varios estudiantes provocó la suspensión de multitud de actuaciones entre ellas las que tenía programadas la banda. El desánimo de algunos miembros del grupo precipitó su final.


Rock Island nos ofrecen  rock psicodélico mezclado con tintes hard blues, con un magnífico guitarrista, Mike Kennedy, y apoyado en todo momento por la fuerza vocal de  B.J. Taylor. Tampoco debemos olvidarnos  la gran labor de su teclista,Cobb Bussinger,  que en todo momento da buena respuesta a los riff de guitarra. Temas como "Blue, Blue Lady", "When I Was A Boy", "When I Was A Boy", "Hard And Never Easy" ( gran riff de guitarra) o "Won't You Stay Another Day" con un Hammond sublime. Su parte más rock blues la tenemos en "Blues", tema de más de ocho minutos con un gran sentimiento blusero. La composición que destaca por encima de las demás es "Runnin' Through My Mind", riff inmenso.



Temas
1 Blue, Blue Lady 00:00 
2 Runnin' Through My Mind 02:59 
3 When I Was A Boy 08:08 
4 I Keep On Tryin' 11:19 
5 Hard And Never Easy 13:32 
6 She Has Left Me 16:38 
7 Won't You Stay Another Day 19:50 
8 I Remember 22:11 2:20
9 Babe, I'm Gonna Leave You 24:32 
10 Blues 26:54 8:13
11 Blues Reprise #1 35:08
12 Blues Reprise #2 35:48

Formación
Tony Curcio: bajo
Frank Schallis: batería, voz
Mike Kennedy : guitarra, voz
Bob (Cobb) Bussinger: teclados, voz
B.J. Taylor: voz



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THE DOG THAT BIT PEOPLE - The Dog that bit People (1971) (colaboración J.J. Iglesias)

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En una Birmingham de finales 60, se deshace una influyente banda llamada Locomotive. De ella saldrían  Mike Kellie (Spooky Tooth) y Chris Wood (Traffic). Los supervivientes, Mick Hincks (bajo, voz) y Bob Lamb (batería ), reclutan a John Caswell (guitarra, voz) y Keith Millar (guitarra, teclados, órgano, mellotron, voz). Editan el single "Roll over Mary". No pasa nada (y qué esperaban?). 


Su antiguo sello Parlophone, paternalmente los conserva en casa, cambiándose el nombre al jocoso The Dog That Bit People. Y los hace entrar en Abbey Road Studios. La fe de las discográficas por entonces  rozaba lo infantil. Hoy todo esto nos suena a universos paralelos. El fruto de la grabación,  prácticamente efectuada en directo, será su único y homónimo álbum de 1971.

Un conglomerado de influencias que abarcan West Coast vibes, pastoral progresivo, psych ambientes, arreglos sorprendentes y hard espasmos sin llegar a despeinarse. "Goodbye Country" entra de lleno en el rock hippie USA, con buenas armonías vocales y fina instrumentación psych. El protagonismo mellotronico los acerca a Moody Blues. Vuelta de tuerca con "The Monkey and the Sailor", con guitarras hendrixianas (pero menos) y proto hard que en su inmediata transformación prog, los emparenta con Procol Harum o primeros The Nice. Extraordinario corte que avisa de lo completo en la propuesta perrera.

La bella "Lovely Lady" fue la elegida como single. Acústica,  rural, sencilla y al estilo de América. Siguiendo por caminos de cabras similares, "Sound of Thunder" es más tendente a los CSNY del "Deja Vu", claramente. Aquí la musculatura eléctrica es tan eficiente como si el mismo Stephen Stills les hubiera echado un cable. Otro highlight.

Rock progresivo sin rodeos nos ofrece "Cover me in Roses", con Hammond prominente y coral que me recuerda a los yanquis Touch. Otra que me encanta. Joder, si es que antes las canciones se hacían desde el corazón. "Someone, Somewhere" es puro Gram Parsons en cualquiera de sus transformaciones. "A Snapshot of Rex" es otra entrañable jiparrada con entrada tipo The Jayhawks,  y Crosby & Nash de influjo. Finisimas guitarras, piano y percusiones. Bedroom music universitario 70s a la máxima expresión. 

Más british prog no alejado de los primeros Yes nos ofrece "Red Queen's Dance". Mira ese tremendo bajo a la Squire y la soltura instrumental del resto. La Banda del Perrito Cabron estaba bien engrasada para morder todo tipo de estilos. "Mr. Sunshine" es otra prog/psych gema  con envoltorio West Coast, y sólo acústico delicioso.

Nada tiene que ver este "Tin  Soldier" con el de Small Faces. De similar factura a la anterior. "Walking" es perfecta si tus gustos están con los primeros Barclay James Harvest, mellotronada de fondo inclusive.

"Reptile Man" y "Merry Go Round" son otra alegría progresiva en constante y fogoso bombardeo de matices y sutilidades. 

The Dog that Bit People practicaba un progresivo todavía diluido en esencias psicodelicas  y fuerte influencia West Coast. Que es como si describieras a los Yes de la freak scene en sus dos primeros (e infravalorados ) álbumes.

Tras esta aventura los inseparables Mick Hincks y Bob Lamb entrarían en Tea & Symphony. Este último seguiría con Steve Gibbons Band y produciría a UB40. El teclista Keith Millar no tendría que currar tanto en los poperos Sniff'n'the Tears......

Esoteric Records lo reedito no hace mucho, para regocijo de gentes con buen gusto. Para sibaritas amantes de un original, en Discogs venden uno por 3800 pavos. Tú mismo con tu mecanismo (espero que sepa hacer billetes)




Temas
1 Goodbye Country
2 The Monkey And The Sailor
3 Lovely Lady
4 Sound Of Thunder
5 Cover Me In Roses
6 Someone, Somewhere
7 A Snapshot Of Rex
8 Red Queen's Dance
9 Mr. Sunshine
10 Tin Soldier
11 Walking
12 Reptile Man
Bonus Tracks
13 Merry Go Round




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TRI-Offensive ‎– TRI-Offensive 2009 rock progresivo japonés

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TRI-Offensive se formó en 2007 de la mano del joven guitarrista de la Prefectura de Hyōgo ( isla de Honshū (Japón), Yuya Komoguchi. Con apenas 18 años une sus fuerzas con dos veteranos:  Jiro Okada (bajo) y  Keisuke Komori (batería).


Komoguchi comenzó a tocar la guitarra a los 11 y rápidamente destacó en los medios musicales ganando diversos premios de la revista "Guitar" e incluso editando algún vídeo instructivo y participando en la banda sonora de la serie "Ultraseven X". Cuando dío por finalizado el proyecto TRI-Offensive formó TRIX con la que ha editado más de una docena de discos.

 Jiro Okada ha participado en diversos proyectos de fusión y jazz.  Estuvo actuando con la veterana cantante japonesa Mariko Takahashi y formó parte de la banda PRISM con la que ha grabado varios discos.

 Keisuke Komori es un reputado batería japonés  que ha colaborado con multitud de músicos  y que formó parte de Beast Kingdom y Kenso


TRI-Offensive nos ofrecen un rock progresivo fusión con pinceladas jazz-rock. Su guitarrista Komoguchi es una mezcla de Scott Henderson,  Mike Stern, Greg Howe y John Petrucci entre otros. El bajo ( Jiro Okada) y el batería ( Keisuke Komori) no es una simple sección rítmica, es una endiablada máquina de ritmos imposibles. El virtuosismo de estos tres músicos es más que evidente. Once temas instrumentales con alto contenido técnico pero demostrando también sensibilidad. como muestra la exquisita "Revelation In A Dream".



Temas
1 Fate Of The Azure 00:00 
2 MIRV 05:28 
3 Neo Universe 10:22 
4 Revelation In A Dream 17:30  
5 Parallel World 22:41 
6 Particle In The Planet 27:40 
7 Another One  33:44 
8 Invisible Ray 38:01 
9 War Of Nerves 42:40 
10 Microburst 48:24
11 Holy Calling 53:09 

Formación
 Jiro Okada: bajo
 Keisuke Komori: batería
 Yuya Komoguchi: guitarra



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CANTERBURY WAYS: BEN - Ben 1971 (colaboración Alberto Torró)

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Una breve introducción:

Si lo miramos fríamente, la etiqueta Canterbury Sound o la más reciente Canterbury Scene fue un invento de la prensa para denominar a un círculo o peña de amigos músicos centrados en el condado de Kent en pleno auge de la psicodelia inglesa de finales de los 60´s. Es cierto que bandas tan famosas como Soft Machine o Caravan nacieron en ese vergel del sureste británico pero si confirmamos datos históricos el culpable de la movida fue un hippy australiano más raro que un perro verde llamado Daevid Allen. 

Este se afincó en 1961 en la casa-hostal de la familia Wyatt e hizo amistad con el hijo del dueño llamado Robert Wyatt. Allen llegó con un montón de vinilos y grabaciones del jazz más free y boemio de la época y sin tener ni idea de tocar un instrumento (o eso dicen) montaron el Daevid AllenTrío con otro elemento al bajo llamado Hugh Hopper. El resto de la historia es larga y conocida y tenéis en la red bastante información al respecto. El sonido y los inicios de la peña de amigos que se fue sumando a la fiesta tenían por costumbre una forma peculiar de hacer música, donde la improvisación y los experimentos locos eran lo normal. Sus pinitos y actuaciones se centraban en las localidades próximas y afines de esa pequeña ciudad medieval y arzobispal llamada Canterbury. Pero hay que separar conceptos. Porque una cosa es la ubicación geográfica y evidentemente no todos los paisanos músicos de la villa empezaron a tocar con esa denominación de origen.

 El sonido Canterbury es una forma de hacer música. Un estilo concreto. Y que hace que este estilo de música sea tan peculiar…?...pues fundamentalmente el sonido del órgano, modificado generalmente con efectos de pedal y fuzz y la forma de tocarlo. Cuando escuchas a los teclistas de Canterbury, no están haciendo un solo, están describiendo imágenes y paisajes en muchas ocasiones completamente arquitectónicos. Hay casi a veces un sentido litúrgico, en la forma y sensación, no en el concepto religioso lógicamente. No hay blues ni rock en el sentido que conocemos, pero si hay jazz, folk y hasta coqueteos con la música de cámara y el academicismo de vanguardia. El pop y la psicodelia también están presentes. Huyen de la vulgaridad pero les encanta el absurdo. Es difícil definir y acertar en una forma concreta de hacer música en prácticamente todas las bandas de Canterbury  unas más fáciles tipo Caravan y otras dificilísimas tipo Henry Cow.


 El abanico se mueve entre  extremos y puntos medios y la oferta es más que interesante. Lo que a mí me atrajo de este estilo es evidentemente el tratamiento del órgano eléctrico y en ello coinciden prácticamente todos sus principales teclistas. De hecho si el órgano no estuviese presente, no me habría despertado la curiosidad y habría considerado a todos estos grupos como uno de tantos dentro la cambiante y confusa psicodelia británica. Por tal motivo tres son los teclistas y pilares del sonido Canterbury : Mike Ratledge, Dave Sinclair y Dave Stewart… o lo que es lo mismo: Soft Machine, Caravan, Hatfield & The North y National Health.



 


 Otra ornada serían Egg, Matching Mole, Gilgamesh, Khan , Gong y Henry Cow. Todos estos grupos han intercambiado miembros entre sí, bien sea como fijos o en colaboraciones. Pero no vamos a hablar de ellos o no en profundidad, sino más bien de su legado durante cinco décadas y de su influencia en diferentes países del mundo mundial. Es decir no vamos a hablar de los padres de la criatura, la mayoría ya criando malvas o jubilados, sino de sus diferentes vástagos alrededor del globo. Unos más listos y aplicados otros no tanto, pero en todo caso es de agradecer que nos den vidilla a los enganchados en éste tipo de música.



BEN (1971)
No voy a seguir un orden cronológico ni alfabético. Iremos sobre la marcha y el apetito y si  casualmente aparece alguna sugerencia. Inauguramos esta sección con un quinteto británico con tan solo un álbum en su haber. Esto es una constante en muchas de las bandas o elementos que por aquí irán pasando. El Canterbury es una música encantadora pero nada comercial y la mayoría como era de prever se dieron con un canto en los dientes con haber conseguido grabar un LP. 

Este es el caso de Ben, una banda integrada por Peter Davey a los vientos, Alex Mcleery: keys, Jerry Reid : guitars, Len Surtees: bass y David Sheen: drums. El LP se grabó en 1971 y supongo que inconseguible en formato vinilo e imagino que la edición actual es un CD. Es un trabajo de primera mano en los años de gloria del movimiento. Suenan inevitablemente a Nucleus y a Soft Machine con algún toque folkie y algo de cosecha personal. Es cierto que en esa época muchas bandas británicas se apuntaron al jazz-rock. Nucleus no fue una banda de Canterbury propiamente,  pero muchos de sus miembros se asociaron en las filas de Soft Machine y también eran una banda puramente jazz rock. 

El trabajo que nos ocupa tiene cuatro temas, dos por cara del vinilo y todos medianamente largos entre 7 y10 minutos. Unos 38 minutos que pasan casi sin darte cuenta, en un estilo muy similar pero algo más amable y melódico que Soft Machine. Piezas instrumentales con agradables cambios jazzísticos y con algún toque de folk psicodélico. El trabajo del saxo alto está próximo a Elton Dean. Un álbum muy agradable y un rara avis del estilo.




Temas
The Influence 10:05
1.1 The Wooing Of The Child 
1.2 The Innocence Of The Child 
1.3 The Interest Of The Youth
1.4 The Involvement Of The Man 
1.5 The Realization
1.6 The Wooing Of The Man 
1.7 The Conclusion

-
2 Gibbon 9:32
3 Christmas Execution 7:21
4 Gismo 11:50

Formación
Peter Davey: vientos
Len Surtees: bajo
David Sheen: batería
Gerry Reid: guitarra
Alex Macleery: teclados






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Rockliquias Bandas: ZINGIRA - Bidaia (2016) (colaboración J.J. Iglesias)

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Es éste el proyecto de Íñigo Ibarrondo desde su Oñati, en Guipúzcoa. Músico que ejercía como bajista-cantante en la banda Sharon Stoner. Dos de sus integrantes le han ayudado. A la batería, Egoitz Olalde. Y a la guitarra Mikel Zarketa. Íñigo se encarga de todo lo demás,  que no es poco. Grabación,  voz, guitarras, bajo, piano, Hammond, mellotron y otros teclados....


"Bidaia" se ha hecho con inmejorables críticas a lo largo del año pasado. Y con toda la razón. Demuestra que se puede hacer progresivo 70s de hoy. Sin sonar retro ni forzado. Siempre me pareció que aquel movimiento, que explotó a nivel masivo y a la larga no le hizo ningún bien, tuvo una efímera vida. Para lo que podía ofrecer, apenas unas migajas en menos de diez años. No se le dejó respirar su propia evolución lógica  y natural. Por eso me hace gracia que salgan ahora algunos bocachanclas anunciando su "renovación ". Lo diré claro. La mayoría son indies disfrazados con infulas. Cuatro "iluminaos"pedantes que hablan con ligereza del tema por desconocimiento ni respeto alguno. Para ellos todo (que les gusta) es progresivo. Y no.

El ejemplo palpable a seguir a éste respecto sería King Crimson. También toda la cantera escandinava que acogió esa sabiduría  ancestral del alquimista Fripp.  No sólo él tiene la piedra filosofal de por donde deben ir los tiros.

Aprendices de brujo como Ibarrondo han dado en la diana con varias esencias en su pócima. Sinceridad, honestidad, concienzudo trabajo compositivo. ...todo BIEN hecho.

Su ADN vasco lo conecta con la vieja escuela prog Euskera. Y así tenemos que, KC + Scandiprog + Progresivo vasco, dan justo en la diana apuntando a ciegas. Para qué más. 

"Hostoak" (8'47) es una recreación pictórico -musical de los logros de Maese Latimer. Otro que enseñó la rueda en el norte de Europa. 

"Amildegi" (6'48) se atreve con oscuros y neblinosos caminos recorridos por Anekdoten o Landberk, algunos de los salvadores del Renacimiento progresivo de los 90. Benditos sean. 

"Bidaiari" (5'17) echa condimentos de todos los clásicos anglosajones. Y les pone chapela, beben zuritos encima de un omnipresente mellotron que no nos deja en todo el disco. 

"Ipar Haizea" (6'31) puede que hasta haya recurrido en algún momento a unos Rush viviendo en Suecia. Tampoco es que en Canadá,  ni Guipúzcoa,  el sol pegue con fuerza.

"Sandaili" (8'50) vuelve a barajar nombres sagrados en su sonido, para rehacerlo personal. Camel, Wigwam,  Blakulla, Kerrs Pink, Kaipa.....todo ases para un poker, en un instrumental elegantísimo.

"Bazen Behin Ilargia" (6'53) finaliza con melancólico sinfonismo un álbum aplastante en propuestas y detallista hasta la obsesión. 

Créelo o no, pero este país nos está dando músicas como hacía tiempo no se hacían. Será verdad eso de que a más represión y puteo,  más sale victorioso el arte. Porque de ARTE tenemos que hablar con "Bidaia", tanto en su contenido como en su continente. Una preciosa y artesanal presentación limitada a 350 copias. INMENSO.



Contacto:
Correo: posta.zingira@gmail.com


Bandcamp de la Banda: https://zingira.bandcamp.com/

P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros en nuestro correo : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70

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