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38 Special - My Fathers Place, Old Roslyn 1977

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Está claro que los hermanos Van Zant tenían el rock sureño en la sangre. El hermano mayor,  Ronnie Van Zant, fue el primer cantante de Lynyrd Skynyrd que posteriormente fue sustituido por Johnny Van Zant. Y finalmente  Donnie Van Zant formó junto a  Don Barnes 38 Special.


38 Special firmó su primer contrato discográfico en 1977 con la  A&M Records. dándoles la oportunidad de grabar su primer disco. El segundo, " Special Delivery", llegaría un año después. Estas dos primeras grabaciones son las que más se acerccan al rock sureño. Posteriormente grabarían mas de una docena de discos y con diversas formaciones han perdurado hasta nuestros días. 


Esta grabación nos presenta la actuación de los 38 Special en el My Fathers Place, famoso local de conciertos situado en  Roslyn, New York. En principio la fecha del concierto es el 6 de Agosto de 1977 pero tengo serías dudas sobre la misma. El concierto nos ofrece un setlis cargado de temas de su primer disco (seis) , dos del segundo ( Special Delivery)  y una versión del "Around and Around" de  Chuck Berry. Y en cuanto a la música pues netamente rock sureño con dobles guitarras (Jeff Carliise y Don Barnes) y la poderosa voz de Donnie Van Zant. A los coros Dale Krantz la futura esposa de Gary Rossington. Temas destacados " What Can I Do", " Travelin' Man ", "Just Wanna Rock n' Roll" y la balada "Fly Away". Excelente sonido.


Temas
01 - What Can I Do 00:00
02 - Four Wheels 04:27
03 - Long Time Gone 09:30
04 - Fly Away 14:10
05 - Tell Everybody 20:18
06 - Gypsy Belle 25:50
07 - Travelin' Man 31:43
08 - Around & Around 36:20
09 - Just Wanna Rock n' Roll 40:40

Formación
Donnie Van Zant : voz
Jeff Carliise: guitarra
Don Barnes: guitarra
Steve Brookins: batería
Kenny Lyons: bajo
Dale Krantz: coros



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Serie Pioneros: RAYMOND SCOTT - Soothing Sounds for Baby vol1-2-3 (1962) (colaboración J.J. Iglesias)

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Dentro de dos días se cumplirá el aniversario de la muerte de Raymond Scott, en 1994, a los 85 años. Seguro que si naciste en los 60-70 (yo en el año de edición de este disco), creciste oyendo los cacharros de Scott. En los dibujos de la Warner, Looney Tunes y Merrie Melodies, sin ir más lejos. Su verdadero nombre era Harry Warnow y se graduó en la Julliard School, en teoría y composición de piano. Entró en la música profesional con la Raymond Scott Quintette, en las alegres aguas jazzisticas  del swing de los años 30. De ahí pasó a Broadway en los 40. Y en los 50 compuso su primer, y que se sepa único, trabajo serio de clásica,  "Suite for violín and piano". 

En 1946 fundó Manhattan Research. Laboratorio de sonido para "diseño y fabricación de aparatos y sistemas de música electrónica ". Si, en 1946. Este tío era un puto visionario. Si tienes oportunidad de ver fotos viejunas de éste sitio, asistiras al verdadero nacimiento de la estética "steampunk". O a un episodio de la serie "Perdidos" y su proyecto Dharma. Scott con su bata blanca,  en plan viajero del tiempo o científico loco, rodeado de armatostes  de toneladas de peso. Para iniciar una nueva era en música concreta y electrónica,  adaptada al consumo masivo vía anuncios de radio o televisión. Incluía componentes ring modulators,  de ondas, tonos y cacharros de lo más variopinto. Algunos nombres de sus inventos fueron el keyboard theremin, Chromatic Electronic Drum generator o Circle Generators. En los 50 y como no podía ser de otro modo, colaboró con Bob Moog en el desarrollo de lo que estaba por venir. Con sus nuevos inventos, el Clavivox y el Electronium comenzó en los 60 una nueva forma de entender la música de jingles. 

"Soothing Sounds for Baby" fueron una serie de tres albumes que hizo para el Gesell Institute of Child Development. Uno de esos experimentos típicos de los 60. La cosa no tuvo mucho éxito.  Normal. Si mi madre me llega a poner esto para mi "desarrollo infantil", seguramente hubiera terminado cometiendo una carnicería en un McDonald's. O como mínimo más perjudicado del cerebelo de lo que ya de por sí estoy.

De entrada, es sorprendente que este "sintetista de bata blanca" consiguiera la gama de sonidos, frecuencias y secuencias, que consigue. Absolutamente un oopart de la electrónica. No me extraña que se le acredite la invención del secuenciador polifonico, porque en este disco ya parece estar sonando!  De hecho, puedes llamar a esto kraut Music con todas las de la ley. Y una cosa llevó a otra. Posteriormente hizo música experimental para los no menos experimentales primeros films de Jim Henson. 

El pionero francés de la electrónica,  Jean-Jacques Perrey, fue uno de sus muchos visitantes a su laboratorio de sonido. Su continua búsqueda de inventos sonicos lo llevaron a acercarse al sistema midi en los 80. Su música para dibujos animados ha influido desde a Jordan Rudess,  a los mismísimos Rush. Incluyeron un extracto de "Powerhouse", de Scott, en "La Villa Strangiato". Su número de colaboraciones o adaptaciones de otros artistas es gigantesca. El fundador de Devo, Mark Mothersbaugh, compró en 1996 el único modelo de Electronium, en posesión de Scott. Estaba inservible. En 2012 se restauró totalmente por un equipo de expertos.

La importancia de Raymond Scott en el desarrollo de la electrónica es tanto o más importante que el de su amigo Robert Moog.
"Soothing Sounds for Baby" es un anecdótico,  pero sorprendente, resultado de sus muchos logros. Para ahondar todavía más en su mundo, recomiendo los tres volúmenes que editó el sello Basta en 2001 en glorioso vinilo gatefold lleno de fotos, textos y anuncios vintage : "Manhattan Research, previousty unreleased 1950s & 60s". NO MOLESTAR! GENIO TRABAJANDO.

P. D.- "Copiado por innovadores como Brian Eno o Kraftwerk, el trabajo de Scott exhibía  impresionante sofisticación,  tanto conceptualmente como en términos de instrumentación " (PAUL VERNA, BILLBOARD)

-"Similarmente minimalista como los trabajos electrónicos de Fripp, Eno, Glass y Riley" (CMJ NEW MUSIC MONTHLY)

-"Raymond Scott será un descubrimiento para todos los fans de Eno y Neu" (TOWER PULSE, E-PULSE ON LINE)




Temas
Lullaby
Sleepy Time
The Music Box
Nursery Rhyme
Tic Toc


Temas
Tempo Block
The Happy Whistler
Toy Typewriter



Temas
Tin Soldier
Little Miss Echo
The Playful Drummer




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COPPERHEAD ‎– Copperhead 1973

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Copperhead fue formado a principios de los 70 por el ex miembro de la Quicksilver Messenger Service,  John Cipollina, junto a Jim Murray, Casey Sonoban y su hermano Mario, que posteriormente entraría a formar parte de los Huey Lewis and the News.

A pesar del éxito en sus conciertos y de ganar cierta popularidad no consiguieron un contrato discográfico  hasta 1972. Firmaron por la Columbia Records por 1,5 millones de dólares. Para la grabación del disco Cipollina reformó la banda con Gary Philippet (guitarra), Jim McPherson (Teclados), David Weber (batería) y Hutch Hutchinson (bajo). La grabación no vio la luz hasta 1973 , cuando el grupo ya se había disuelto por diversos problemas con la compañía que ocasionaron que los temas de un segundo LP nunca se editaran.


Copperhead nos ofrecen, como no podía ser de otra forma, rock psicodélico por sus cuatro costados. La presencia de Jon Cipollina en sus filas es determinante en el sonido de la banda sin olvidar las replicas del segundo guitarrista Gary Philippet. El disco se inicia con la vigorosa "Roller Derby Star",   sonidos guitarreros típicos de la psicodelia.  Continúan con una versión del tema de los Stained Glass (anterior formación del teclista  Jim McPherson), "Kibitzer",  Nos relajamos con "A Little Hand". La fiesta colorista continua con "Kamikaze " y "Spin-Spin" donde la labor de las teclas ponen el contrapunto a las guitarras. Buenos riffs y ambiente boogie en "Pawnshop Man". Y llegamos a uno de los mejores temas "Wing-Dang-Doo" junto a "They' Re Making A Monster" el tema que cierra el disco. En la versión en CD se incluyó un "bonus", "Chameleon".



Temas
Roller Derby Star 4:16
Kibitzer 3:40
A Little Hand 4:59
Kamikaze 5:24
Spin-Spin 3:17
Pawnshop Man 5:28
Wing-Dang-Doo 4:02
They' Re Making A Monster 7:34
Bonus
Chameleon 3:37

Formación

David Weber: batería
John Cipollina: guitarra
Hutch Hutchinson: voz, bajo
 Gary Philippet: voz, guitarra
 Jim McPherson: voz, piano, bajo, percusión




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EDWARDS HAND - Stranded (1970) (colaboración J.J. Iglesias)

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Recuerdo preguntarle a Steve Hackett por éste dúo /grupo, por saber su opinión. No los conocía. Ok, el hecho de haber vivido en el sitio y época adecuados no te da derecho a conocerlo todo. Pero justifica su "rareza". Entrecomillo porque una rareza producida por George Martín, ya no es tan rareza, no? El galés Rod Edwards  (voz, teclados) y el inglés Roger Hand (voz, virtuosas acústicas ), venian de la efímera  banda Picadilly Line, con un disco en 1968, "The Huge World of Emily Small" (Danny Thompson y Herbie  Flowers en sus filas). 


Al año siguiente forman Edwards Hand y editan su homónimo debut. Grabado en Abbey Road por George Martín,  en un respiro del "White Album" beatleliano. El productor califica la música de Edwards Hand de excepcional.  En 1970 sale "Stranded" (RCA), de nuevo con producción de Martín,  Que se encarga también de arreglos de cuerda y vientos. El ingeniero es otro que "promete", Robin Black. Pregunta a Jethro Tull.

El futuro fundador de Colosseum, James Litherland, está a la eléctrica de manera muy productiva (como la tos esa).Clem Cattini, de Ugly Custard, en la batería.  Y un joven desconocido llamado John Wetton le da al bajo más que bien.

 La portada fue un dibujo de Klaus Voormann (de Beatles/"Revolver" fame ), con un gordo cabrón policia racista en la portada. Que por supuesto fue cambiada para la edición USA. Éste polémico dibujo venia a cuento de la canción  "Sheriff Myras Lincoln" (6'01), referente a un guardián de la ley mu' majo él,  en su pueblo de....Springfield!!! Homer, deberías haber hecho algo al respecto!

 "US Flag" (4'51) tema de fuerte sabor West Coast, y que se caga  explícitamente en la política pro-Vietnam norteamericana. Es un adelanto de lo que The Jayhawks harían en los 90. Las armonías vocales son superiores, y las acústicas,  y el aparato rockero de la banda. Que funciona como un cohete. Una maravilla hippie que nadie diría es british. Luego viene la referida del sheriff cabronazo, personaje tantas veces visto en películas. La política está muy presente en éste disco. También el exquisito gusto progressive/psych de sabor USA. Decantando barroquismos en onda The Zombies y resaltando la guitarra de Litherland.

 "Revolution's Death Man" (4'54) es abrazada por Hammond y hendrixiana guitarra. Las voces superlativas recuerdan a Moby Grape.

"Encounter" (2'39) es otra tocada de huevos anti-sistema maravillosa. A esto lo llamarían entonces "pop", pero tenía mala hostia para regalar, y encima no ha perdido ni un pelo de vigencia.

 "Hello América " (2'37), es otra píldora psico de majestuosa instrumentación georgemartiniana. Ergo, algo beatle,  si ustedes me permiten.

Damos la vuelta y "Stranded" (7'07) nos propone un tema de soledad, bajo un finísimo progresivo entre pastoral, bucólico y british folk rock. Que enlaza a modo conceptual con "Winter" (1'40) y "Death of a Man" (12'11). El buen gusto se desparrama  por los surcos de éste extraordinario disco. Las letras tienen un papel primordial, dentro de una dominante progresiva.

En 1971 editarían, de nuevo con George Martin, "Rainshine", con un line-up  totalmente norteamericano (se veía venir). Y ya en 1975 musicarian un album de poemas. Tanto Rod  Edwards como Roger Hand serían vistos en los mejores discos de Gordon Giltrap.

"Stranded" fue la semilla que germino,  ese mismo año, como Mogul Thrash. Con Litherland y Wetton como miembros de aquella recordada formación. 

Los comienzos del joven Wetton ya fueron tan extraordinarios como su extensa e insuperable carrera. Se te echará de menos, John.


IN MEMORIAM JOHN WETTON.



Temas
1 US Flag 4:48
2 Sheriff Myras Lincoln 5:56
3 Revolution's Death Man! 4:01
4 Encounter 2:40
5 Hello America 2:32
6 Stranded 7:05
7 Winter 1:42
8 Death Of A Man: Die When You Must Die / The Strife Is O'er The Battle Done / He Is Gone / This May Sound Strange / The Sentence Is Life 12:12


Formación
John Wetton: bajo
Clem Cattini: batería
James Litherland: guitarra
Roger Hand: voz, guitarra
Rod Edwards: voz, teclados



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KENNEDY (colaboración Alberto Torró) rock progresivo japonés

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Enloquecido grupo de fusión a lo Mahavishnu Orchestra (incluso versionean Birds of Fire) con algún toque de sinfónico ampuloso.


Guitarra desmedida con mucha prisa y alguna rareza electrónica por parte del teclista. Curiosos en su manera de tocar y componer y algo caóticos en los solos, saxo incluido. De todas formas no son fáciles de clasificar y pasan del caos al sinfonismo de manera extraña y demencial.


Recomendables para amantes de lo rarito y como en muchos de los casos discos muy difíciles de adquirir.

Discografia :
Twikling Nasa (1986)


Temas
1 Twinkling Nasa 
2 Burning Days 
3 Flying Ship Part 1 
4 Elliptic Orbit 
5 Explorer 1958 Alfa 
6 Boctok 
7 Prelude 
8 Flying Ship Part 2 
9 Florida

                                    Kennedy (live 87)

                                  Triangle Motion (2015)


Temas
1. Reddo Sutōn (4:33)
2. Burūsu (7:09)
3. Afugan Fīrudo (4:19) 
4. Kuremurin Dorīmu (6:09) 
5. Amerika (5:12)
6. To~Uinkuringu Nasa (3:02) 
7. Aruru no Taiyō (9:14) 
8. Toraianguru Mōshon (4:02) 
9. Supīdo Kingu (3:34) 
10. Randoseru Ginga(5:48) 
11. Towairaito Nasa (2:27)




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Canterbury Ways: MASTER CYLINDER - Elsewhere (1981) (colaboración Alberto Torró)

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Elsewhere de los norteamericanos Master Cylinder es una de esas raras joyas perdidas en el espacio y el tiempo. Rebuscando en la red aparecen de vez en cuando gemas como ésta. La mayoría de las veces son discos únicos y raros y cuando hablamos del sonido influenciado por la escuela de la escena de Canterbury, suelen ser piezas sueltas y grupos de escasa vida- a veces pocos meses- y por consiguiente con una mínima difusión y pequeñas cantidades de copias editadas. Estos grupos pertenecen a esa exclusiva galería del olvido y la ignorancia y a veces te preguntas como es posible que un disco de la calidad que nos ocupa, no captase a mentes avispadas que permitiesen que ésta gente hubiese estado al lado de los grandes nombres del género. La música es una de las actividades más desagradecidas. Que la mediocridad y la estupidez brillen jubilosas en este mundo anormal, es algo a lo que la gente de mi edad no nos sorprende en absoluto pero hay que reconocer que jode y cabrea a partes iguales. Dice el dicho no obstante que lo bueno y breve es dos veces bueno.



 Este es el caso que nos ocupa y una constante en las bandas del estilo. Salvo Soft Machine, Caravan y por supuesto Gong  que gozan de una nutrida discografía, el resto como mucho llegaría a un tercer álbum en su discografía, pero es que bandas de un solo y extraordinario disco, hay muchas, y tanto mi colega y amigo Jota como yo, estamos sorprendidos de esa obscuridad que dejó perdidos en estanterías olvidadas y polvorientas, a músicos que lo hicieron muy bien, que eran muy buenos y que la suerte de los perdedores dejó arrinconados. Reconozco que me encanta ser un outsider, un inadaptado (¿a que cojones hay que adaptarse?) y que me atraen más los perdedores en la música, en el arte, en la literatura. Quizás también porque eso es lo real y auténtico y todo lo demás mentira. Filosofía barata al margen, los Master Cylinder son en esencia un cuarteto originario de Texas (Canterbury en Texas…? Como lo oyes) que además son enriquecidos por una nutrida sección de instrumentos de viento. Si agitamos al Soft Machine del Third, pinceladas a lo Hatfields y los National Health (bastantes pinceladas por cierto) añadimos al amigo Zappa y ya de refilón a Egg y Gilgamesh…tenemos a Master Cylinder y lo mejor: al mismo nivel o superior si me apuras. 


El disco impresiona por la calidad de sus intérpretes y la complejidad de su música. Son muy superiores a la media de otras bandas de jazz rock. Pero es que en este disco hay mucho jazz del mejor con un gusto exquisito en la interpretación y con unos arreglos instrumentales tremendos.  No hay casi información de este disco, salvo la que veas en la contraportada. No son gente conocida evidentemente y siete son los temas de este Lp (desconozco si está digitalizado posteriormente). Si por fortuna te haces con él, cosa muy jodida, no olvides ponerlo al lado de los vinilos o cd´s de los  clásicos del género porque se lo merecen y no desentonan en absoluto.



Temas
A1 Overture 5:06
A2 Isabelle 3:35
A3 Elsewhere 10:21
A4 Silhouette 3:33
B1 Sleep 1937 6:28
B2 Plus 3 9:50
B3 Hobb & Geeb 5:02

Formación
Jon Rogers: teclados
Robert Atwood: guitarra
Jack Carter : bajo
Eddie Dunlap: batería








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Zebra - Zebra 1976 rock español

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Zebra se formó a finales de 1971 como consecuencia de la unión de miembros de Los Bravos,  Andy Anderson (voz) y Miguel Vicens (bajo), y componentes de Z-66,  Manolo Marí (batería) y   Vicenç Caldentey (guitarra). Este último abandona el proyecto antes de empezar a andar siendo sustituido por un joven  Joan Bibiloni. La formación se completaría con un guitarrista inglés amigo de Anderson , David Wamsle.


En 1972 editan su primer single  “This is a Happy Song / It´s all Been Dream”. Inmediatamente se embarcan en la composición de un Lp conceptual progresivo con la producción del hermano de Anderson, Jon Anderson (Yes). El fatal accidente de la mujer de Tony a finales de año desbarata el proyecto. Anderson cae en una depresión y decide volver a Inglaterra. La banda fue editando singles, siete en total, hasta la publicación de su único LP en 1976, "Zebra". El disco no es bien acogido ni por la prensa especializada ni por el publico ocasionando la disolución de la banda en 1977.


De ningún modo se puede decir que la grabación sea netamente progresiva la mayoría de los temas tienen un marcado carácter "popero" aunque con un nivel instrumental bastante loable. Los dos únicos temas que podrían entrar en lo progresivo serían " It's All Been A Dream" con un inicio pop que posteriormente cada miembro del grupo  demuestra su saber hacer. El otro tema sería la versión del tema de Lennon, "Imagine". Curiosa versión de más de 10 minutos y fusionada con otro tema de Beatles , "Love".



Temas
1 I've Made My Mind Up 00:00
2 Association 03:30
3 She's All Right 06:56
4 It's All Been A Dream 11:32
5 Bye Bye Baby 21:11
6 Tristeza 23:50
7 Life's Strange Direction 27:08
8 Imagine 30:05

Formación
Joan Bibiloni :voz y guitarra
 Agustí Fernández :teclados
 Albert Candela :bajo
 David Walmsley :guitarra
 Manolo Marí :batería




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Muddy Waters - Live in Paris 1964

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Muddy Waters, el padre del Blues De Chicago y una gran influencia para músicos de la talla de Eric Clapton, Jimmy Page, Jeff Beck o Keith Richards Hoy recordaremos uno de sus conciertos de hace más de 50 años, en concreto el realizado en  1964.


En 1964 Muddy Waters contaba con una gran reputación consolidada por las diversas giras realizadas por el Reino Unido .Los músicos de la isla tomaron buena nota de ese nuevo sonido y muy pronto hicieron suyo. En esos momentos la discografía de Waters era más bien escasa, apenas un par de discos, teniendo en cuenta que su carrera había comenzado en los años cuarenta. Curiosamente Muddy tiene más "bootlegs" editados que discos oficiales.


La grabación nos ofrece la actuación de Muddy Waters en su gira europea. El concierto se realizó en Mayo del 64 posiblemente en el famoso Olympia de Paris. En cuanto a los músicos que le acompañaban existen numerosas dudas pero parece ser que Otis Spann estaba al piano, Willie Smith a la batería, Big Walter Horton a la armónica y en el bajo existen diversas informaciones entre Ransom Knowling y Willie Dixon. En lo referente a la música simple y llanamente blues sin artificios cumpliendo a rajatabla las palabras pronunciadas por otro grande, B.B. King, "menos es más". Muddy va desgranando un ramillete de once temas de clásicos del género (Baby Please Don't Go, Hoochie Coochie Man, Rock Me Baby). Waters rezuma sentimiento por sus poros y lo transmite sabiamente. Sonido excelente.



Temas
1. Country Boy 00:00
2. Baby Please Don't Go 04:12
3. Hoochie Coochie Man 06:50
4. Tiger In Your Tank 10:05
5. She's 19 Years Old 14:40
6. County Jail 19:40
7. Long Distance Call 25:43
8. Rock Me Baby 32:40
9. Trouble No More 37:38
10. Rosalie 40:20
11. Rollin' And Tumblin' 45:18



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FRANCO LEPRINO - Integrati. .........Disintegrati (1977) (colaboración J.J. Iglesias)

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Todos sabemos de la riquísima herencia progresiva que nos dejó  (y nos sigue dejando) Italia durante los 70.Pero a niveles más vanguardistas-electrónicos,  la cosa se minimiza bastante. Arturo Stalteri (Pierrot Lunaire), Luciano Cillo, o el otro Franco (ejem!), el Battiato. Sintetista serio antes de convertirse en el padre de Berto Romero musicando monólogos pseudo-intelectuales para funcionarias aburridas en los 80. Fueron ilustres buscadores de la belleza por otros caminos menos predecibles. Franco Leprino se sumó a ellos en su único y maravilloso disco, "Integrati....Disintegrati", editado por el anónimo  sello Eleven, en el año oficial de la punkarrada emergente.


Leprino toca guitarra acústica y de 12 cuerdas (de exquisito gusto), VCS Synth, vibrafono y percusión. Ayudan Franco Lazzaro (Hammond, Moog, Eminent). Arnaldo Ciato  (piano) y Algio Squaiella (flautas y oboe).

 El resultado de esta unión de músicos no deja de ser sorprendente, a lo largo de las dos largas suites que constituyen el disco de mismo título. Podemos hablar de Electronic prog, pero llevado al terreno lírico del progresivo de su país. De tal modo que gustará  igual a un aficionado a ésta sección,  como a un sinfo-prog de toda la vida.

La cara A está llena de sutiles detalles microscópicos,  en sus 19'15 mts de melódica electrónica "de cámara ".  Nada de marcianadas experimentales.  Aquí dudó que se haya dejado algo al azar. Aún así,  hay momentos  krauties que lo emparentan con sintetistas alemanes. Aunque tiene mucha conexión  con Anthony Phillips,  Steve Hackett, Asturias o Jean-Pascal Boffo. Ambientación increíblemente agradable, pero sin llegar a las sobredosis edulcorantes de la cercana new age ochentera.

 Los 21.30 mts de la segunda cara nos ofrecen más de lo mismo (bienvenido sea), quizá con más preponderancia electrónica. El buen gusto y la alta clase instrumental es incuestionable. Las flautas y oboes le dan un cierto matiz "de cámara ", sin llegar a serlo. Y la perfección acústica no nos abandona, por fortuna, en ningún momento. Mientras los teclados nos trasladan en un parapente imaginario ( o puto dron si eres más moderno en tus fantasías ), por llanuras que recorremos a vista de pájaro.  Kilómetros de verdes valles sin moverte del sofá ni visitar Google earth.  Y eso mola bastante. No es fácil trasladar tanta paz espiritual, a no ser que seas un genio del calibre de Florian Fricke, Deuter o Gandalf. Mezcla a estos tres ases con el sabor del prog italiano instrumental. Franco Leprino sabía lo que se hacía,  el muy perro.

Vinyl Magic reedito este disco en cd en 1990. Más recientemente, nuestros Wah Wah Records lo hicieron en sabrosona rodaja vinílica en 2015. Y si quieres un original porque eres más chulo que un ocho, ráscate cerca de los 200 pavos. Al margen del vil metal, estamos ante uno de los más bellos trabajos que por aquí han pasado.

Recomendado con toda confianza.

P. D. - "Toqué guitarra en algunas radios, y recuerdo que coincidí con Robert Fripp en Cleveland. Creo que quiso impresionarme cuando me dijo que, para él,  la guitarra "ya era un instrumento muerto". (Tontolaba......! Ed) (ANTHONY PHILLIPS )




Temas
A Integrati… Disintegrati 19:15
B Integrati… Disintegrati 21:30




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Flying Squad - Flying Squad 1978

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Flying Squad fue una banda procedente de  Glasgow formada a mediados de los setenta por los guitarristas Monty Monagle y Alex Calder. Completaban la primera alineación: Joe Keogh (voz), Jim Anderson (batería) y Davey Gilmore (bajo).


En una de sus actuaciones causaron sensación a un ejecutivo de la CBS y rápidamente fueron fichados para grabar su primer y único disco. En ese momento el grupo estaba formado por Jimmy Kelly (batería), George Crossan (Bajo), Monty McMonagle (guitarra) , Ian Muir (voz)  and Alex Calder (guitarra). La grabación se realizó en  IBC Studio  y Threshold Studio de Londres y en el  Visilord Phonogram Studio en Holanda. Contaron como productor con Francis Rossi (Status Quo) y John Eden como ingeniero de sonido. El disco se editó en el 78 y se publicaron dos singles para su promoción pero la acogida del publico no fue la esperada y las tensiones y los problemas financieros precipitaron el final. Ian Muir formaría Waysted junto a  Pete Way (UFO).


Fying Squad nos muestran en esta grabación su rock sin complicaciones al más puro estilo de los Status Quo. Desde el primer momento temas como "My Friend" , "Ride Ride Ride", "Drive On" o "ell Me What To Do" nos trasladan a sonoridades Quo. Los primeros acordes de "Rock & roll" nos podrían sonar a AC/DC pero las voces nos devuelven a los Status.  En definitiva doce temas de rock para pasar un buen rato sin romperse la cabeza.




Temas
1. G Force
2. My Friend
3. Rock & Roll
4. Street Fighter
5. Backroom Boys
6. Ride Ride Ride
7. Alright On The Night
8. Drive On
9. Tell Me What To Do
10. Glasshouse
11. Baltimore Baby
12. The Machine

Formación:
George Crossan: bajo, teclados, voz
Jim Kelly: batería
Monty McMonagle: guitarra
Alex Calder : guitarra, voz
Ian Muir: voz



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MAN - Welsh-Connection (1976) (colaboración J.J. Iglesias)

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El 31 de Enero moría John Wetton, y yo fui el primero en sentirlo. Pero también ese mismo día dejaba este plano existencial Deke Leonard, guitarrista fundador de Man.Una de mis top 10 favourite bands. Por el mayor eco mediático de Wetton, apenas trascendió el deceso de Leonard. Trataré en lo posible de enmendarlo, si se me permite.


Ya tratamos por aquí a Man con su "Rhino, Winos and Lunatics". Lo hizo Juan Carlos Miñana hace casi cuatro años. Casi siempre estoy de acuerdo con todo lo que escribe, mi compi de toda la vida. Disiento esta vez cuando dijo en su reseña que '"....sin llegar al rock progresivo, como algunos críticos musicales se empeñan en clasificarlos". Si los galeses fueron conocidos, efectivamente fue por su mimetismo musical hacia las West Coast jam  bands de San Francisco. Su psicodelia ácida guitarrera,  era deudora total de Quicksilver Messenger Service (John Cipollina incluso colaboró en "Maximum Darkness" en 1975). Eran la respuesta en las islas a ese jipioso sonido. Pero hubo más.  En 1976 y ya en MCA (dejando atrás las presiones estéticas de United Artists), se marcan "Welsh-Connection". Deke Leonard y Micky Jones (guitarras), John McKenzie (bajo), Phil Ryan (teclados) y Terry Williams (batería ), son los artífices del disco progresivo de Man. Todos hacen voces, y la labor del teclista va a ser fundamental aquí. 



"The Ride and the View" (5' 02) sí que conserva su implícita  psicodélica,  en un ambiente extraño y casi amenazador. Pero hasta ahí.  

En "Out of your Head" (4'02) entra "la coral cósmica ", en la que todos colaboran. En un extraño híbrido entre Phil Manzanera's 801 del "Listen Now!" y Argent mid-70s. 

La elegancia guitarrística en la intro de "Love can Find a way" (5'15) recuerda poderosamente a la de "Sultans of Swing". Mosqueante. Sabéis que Terry Williams acabó siendo batería de Dire Straits?....Es un tema de prog light que podria estar en un disco de Camel o Caravan de esos años, perfectamente. Incluso el picaron solo de sinte se acerca a Peter Bardens.

Y "The Welsh Connection" (7'22) sigue por derroteros instrumentales camelianos "Breathless-era". Lleva un desarrollo puramente prog que llega al jazz rock de los referidos, o agrupaciones finlandesas menos conocidas, pero igualmente entusiasmantes. Si te dijera que esto es Finnforest, colaría. Extraordinario de verdad.

Para la siguiente cara tenemos "Something is Happening" (6'16), en otro claro ejemplo de prog/psych (por ese orden), similar a Nektar en su etapa "americana", que es casi, casi, Pomp rock! Phil Ryan sobresale al jazzy piano y sintes. Swirl guitars hacen el resto con una rítmica de vicio. 

"Car Toon" (5'58) es un tema alegre y dicharachero, de los que gustaba hacer Caravan, mientras ofrecía espectacular interplay y backing vocals  excelentes. Otro pedazo prog del más alto nivel, que asombra por sus exquisitos desarrollos. Deberían haber hecho éste tipo de cosas mucho antes, o al menos simultanearlas con psych rock.

 Por último "Born With a Future" (7'02) lleva una euforia casi-Southern,  siendo la más americana del lote. Combina la pegajosa alegría de la Atlanta Rhythm Section y Dave Mason con el british prog. Y Greenslade o Manfred Mann's Earth Band serían unos buenos referentes.

Uno de mis discos favoritos de Man sin duda, por lo personal de la propuesta. Tras él aún editarían "All's well that ends well" (MCA-1977) antes de la separación final. Que se volvería a retomar en 1984 con el live  "Friday 13th". La reciente reedición de "Welsh-Connection" en Esoteric Records, lleva unos jugosos bonus tracks en directo. Efectuados en The Keystone, Berkeley, CA, el 9 de Agosto de 1976. Y cuentan de nuevo con el gran John Cipollina como invitado. Seguro que ahora se marcan buenas jams él y Deke Leonard allá dónde estén. ......



Temas
Ride And The View 4:50
Out Of Your Head 4:00
Love Can Find A Way 5:10
The Welsh Connection 7:20
Something Is Happening 6:15
Cartoon 6:00
Born With A Future 6:53

Formación
John McKenzie: voz, bajo
Terry Williams: voz, batería
Deke Leonard: voz, guitarra
Micky Jones: voz, guitarra
Phil Ryan: voz, teclados




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ASHADA (colaboración Alberto Torró) rock progresivo japonés

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Dúo femenino vocal con un solo disco en el mercado llamado Circulation (2006).


La instrumentación interpretada por ellas mismas, forma parte del lado más delicado de esta vertiente musical: mandolina, piano, acordeón, violín, guitarras acústicas, bajo, una tenue percusión y teclados programados.

El resultado es un disco sumamente deliciosos y muy tranquilo, a medio camino entre el folk, la música clásica, la influencia oriental, el rock progresivo y un ligero toque de la world music.

Pura ensoñación y buen gusto con unas cadencias vocales y unos pasajes que rozan el fino cristal.




Temas
1.  Kagi 5:08
2.  Snow Flake 5:59
3.  Departure 6:27
4.  Sacred Visions 3:29
5.  A Girl's Wish 4:09
6.  Neji 6:50
7.  Birth 4:22

Formación

Midori - piano, acordión, voz
Tae - voz, mandolina, piano
colaboran
Akihisa Tsuboy - violín
Dani - bajo
Yo - batería
Yoneda - guitarra




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Canterbury Ways: THE MUFFINS - MANNA MIRAGE (1978) (colaboración Alberto Torró)

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Manna Mirage de The Muffins fue el primer disco no ingles que escuché completamente encuadrado en el sonido Canterbury. Lo compré vía importación,y  creo recordar que fue una recomendación de algún enteradillo, entre el 80 y el 81. Con la caca musical que llovía en esos años, estos discos suponían un alivio considerable. La portada no me gustó nada. Porque todos sabemos que el envoltorio influye a la hora de comprar, aunque te cuelen una mierda. No fue el caso afortunadamente, aunque tengo que reconocer que me costó asimilar éste LP que en un principio me pareció frío como el hielo aunque con bonitos desarrollos,  y  en parte ya estaba encuadrado en algo que luego nos sería mucho más familiar como es la etiqueta Rock In Oposition (R.I.O). 


Manna Mirage fue el debut de esta banda norteamericana originaria de Maryland y, a mi parecer, el único disco puramente canterburiano de su discografía, donde los pasajes instrumentales tenían su encanto. Lo intenté con el siguiente  titulado “185” y aquello fue demasiado para mí. Muy complejo y avandgarde para mis inclinaciones de aquella época y yo para rarezas, prefería las de Zappa (jejeje). Con los discos de Henry Cow me pasó parecido, ahora me encantan, pero en aquella época me parecían terroríficos e inaudibles. De hecho Fred Frith, el guitarra de los Cow, se alió con estos norteamericanos y les quitó por completo el encanto melódico de su primer disco, el que nos ocupa. 

El más asequible de los nueve editados y para los fans sin duda el mejor. La banda la integran cuatro multi-instrumentistas  de alto nivel en las esferas del free jazz más avanzado y al igual que los Master Cylinder, de los que hablamos la semana pasada, se acompañaban de una nutrida sección de viento. En cuanto puse el disco me vino a la mente el Third de Soft Machine y nuevamente los Hatfield & The North y los National Health. 


La música extraordinaria. Sin paliativos ni peros y cuatro piezas completamente instrumentales. Dos muy extensas: un homenaje a la legendaria aviadora Amelia Earhart con 15 mtos y otra de 22 de título muy explícito: The adventures of Captain Boomerang con una generosa instrumentación entre vientos, percusiones, guitarras y teclas variadas. El trabajo es muy imbricado y viene lo del tópico de que cuantas más escuchas mejor. Claro que sí, como debe ser, para no quedarnos en la superficie. El esfuerzo te dejará a gusto. El sensacional piano eléctrico y la combinación con los complejos entramados de los vientos (muy variados: piccolos, clarinetes, saxos, trompetas, flautas, oboes, trombones , tuba etc) te dejará con ganas de más música. 

Un LP fabuloso y una pena que posteriormente cambiasen a derroteros más experimentales e intelectuales de música ardua de escuchar para las típicas élites de audiencias  snobs y aburridas. Pero este disco es un pecado no tenerlo y a ser posible en el vinilo original.


Temas
Monkey With The Golden Eyes 3:50
Hobart Got Burned 6:10
Amelia Earhart 15:40
The Adventures Of Captain Boomerang (for Mike Forrester) 23:00

Formación
Billy Swan: bajo, piano, guitarra, percusión
-Paul Sears: batería, percusión
-Tom Scott:vientos
-Dave Newhouse: teclados, flauta, percusión








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Rockliquias Bandas : AMOEBA SPLIT - Second Split (2016) (colaboración J.J. Iglesias)

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Desde A Coruña nos llegan  Amoeba Split. Ciudad de grato recuerdo para el que suscribe, por ser también la sede de los recordados Kozmic Muffin. De algún modo, las musas han querido que siga flotando allí la buena música,  en la forma corpórea de Amoeba Split. 



De hecho ésta reseña podría haber salido perfectamente en la sección  de mi compañero Alberto Torro, y su "Canterbury Ways". Esto es, destacar combos de influjo canterburyano a lo largo y ancho del planeta. Porque esa es la motivación primordial en Amoeba Split. Recrear con fidelidad absoluta el añorado y bohemio sonido Canterbury, misión que llevan cumpliendo desde el 2001. Cuando formaron el grupo de las cenizas de la psych band Rama Lama Fafafa (fans de MC5, intuyo). En el 2003 editaron su homónima demo. Para estrenarse discográficamente con el sabroso "Dance of the Goodbyes" en 2010.


Tras los inevitables cambios de formación,  hoy la banda la componen Ricardo Castro Varela (Hammond, piano, moog, mellotron). Alberto Villaroya López (bajo, moog, electric piano y guitarra de 12 cuerdas). Fernando Lamas (batería,  percusión ). Rubén Salvador (trompeta, fiscornio). Pablo Arion (saxo alto).  Y Eduardo "Dubi" Baamonde (saxo tenor, flauta). Teniendo importantes invitados en éste "Second Split" a los vibrafonos, teclados, un cuarteto de cuerdas y la guitarra de 12 cuerdas de Felix Arias (Lovely Luna).


El disco lo inicia "Clockwise" (9'03), con gran predominio de una experimentada sección de viento que recuerda a los primeros IF. Y un bajista en primer plano homenajeando a Hugh Hopper. Los teclados pugnan por un liderato difícil,  por la magnitud de los arreglos de viento entusiasmantes. Que pueden asociarse con Chicago Transit Authority, Blood, Sweat and Tears, Lighthouse o CCS. Monumental entrante.

"Sundial Tick" (4'48) posee un sabor Broadway 50s, mezclado con el encanto del "Time Out" del Dave Brubeck Quartet. Casi que voy a desempolvar mi copia (original) de ese disco, porque estos gallegos me han animado a ello.

Le sigue la otra "pequeña de la familia", "The Book of Days" (2'25), en donde el cuarteto de cuerda y vibrafonos exhiben un ejemplo de prog cameristico muy del agrado de la factoría Cuneiform.

El interplay entre Fender Rhodes y violín en "Those Fading Hours" (8'34) nos trae a la mente a la inevitable Mahavishnu Orchestra, pero también a Jean-Luc Ponty o a los japoneses Kennedy. Se le suma la flauta travesera en un festival de calmada belleza muy preciosista. Que desemboca en un enérgico diálogo de moogs y saxos herencia directa de Soft Machine. 

Cristalinas acústicas nos devuelven a la paz inicial, en uno de los temas más imaginativos. "Backwards all the time" (8'22) es el momento jazz rock 70s (si es que el resto no lo ha sido!). De nuevo con la pugna vientos/teclas y sensacional sólo de trompeta incluido. Return to Forever, Deodato (CTI era) o Nucleus serían buenas guías referenciales.


Finalmente "About Lite, Memories and Yesteryears" (8'12) es otro de los momentos álgidos  de un disco en el que realmente es difícil elegirlos.  El Hammond, flauta o saxo nos trasladan a tiempos en que Hatfield and the North o National Health eran vanguardia en la modernidad. También Alan Bown o Backdoor....tiempos que no volverán. Pero que Amoeba Split revive con éxito,  felizmente, porque se nota que creen y viven lo que tocan.

Mientras suena "Second Split " no puedo evitar una mueca de sonrisa entre nostálgica y bobalicona. Además de mostrar mi infinito agradecimiento por decantarse hacia éstas inmortales músicas. Desde Planeta Imaginario, lo mejor que he escuchado por aquí en estas materias.



Contacto:
Correo: amoebaplit@hotmail.com


Bandcamp de la Banda: https://amoebasplit.bandcamp.com/

P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70

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Motörhead - Birmingham Town Hall 1977

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Ian Fraser Kilmister, Lemmy, genio y figura hasta la sepultura, nunca un refrán español estuvo tan acertado como en esta ocasión. Estuvo en los escenarios hasta días antes de su fatal desenlace. Hoy recordaremos uno de sus  conciertos con la banda que lo encumbró: Motörhead.



En 1977 Motörhead ya contaba con su formación clásica: Lemmy al bajo y voz, Eddie Clarke guitarra y  Phil "Philthy Animal" Taylor batería. Las cosas no marchaban muy bien incluso pensaron en dejarlo pero en el último momento  Ted Carroll de Chiswick Records les ofreció en grabar un sencillo que se convertiría en su primer LP, la banda grabó once temas. Su disco homónimo saldría publicado en Septiembre de ese año.


Estamos ante una de las actuaciones de Motörhead de su gira Tour 77 realizada en el Town Hall de Birmingham el 3 de Junio del 77. Estaban a las puertas de la publicación de su primer LP. En cuanto a la música os la podéis imaginar, bajo atronador de Lemmy, solos rapidísimos de Clarke y batería frenética de Taylor. Lógicamente el setlist está cargado de temas de su "Motörhead" completado con "The Watcher" y "Motörhead" de la etapa Hawkwind, una versión del "I'm Your Witchdoctor" de John Mayall y una versión del clásico de la Motown, "Leaving Here". En total once temas descargados como una auténtica ametralladora. El sonido es aceptable.



Temas
01 - Motörhead 00:00
02 - Vibrator 03:12
03 - Keep Us On The Road 07:30
04 - The Watcher 13:00
05 - Iron Horse 17:45
06 - Leaving Here 22:43
07 - On Parole 26:42
08 - I'm Your Witchdoctor 32:16
09 - Train Kept A-Rollin' 35:00
10 - City Kids 38:05
11 - White Line Fever 41:30




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EXTREM MUSIK A LA PING PONG - Phase I (1980) (colaboración J.J. Iglesias)

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Detrás de éste curioso nombre se encontraba el cerebro de Klaus Bloch con sus guitarras, bajo flautas, percusión acústica y electrónica. Ayudaban aquí  Matthias Romann (guitarra, bajo y gong ) y Thomas Wasiliszczak (guitarra y gong ). Cuando el cosmic kraut comenzaba a flaquear en los agonizantes 70, Klaus aportó  éste interesante trabajo en 1980, grabado en edición privada.


Cuando bautizó al proyecto "A la Ping Pong" no fue por un empacho de canutos (o igual, también ). Se refería a su arcaico sistema digital-delay, loops eléctricos aplicados a su guitarra, de una forma muy similar a los "frippertronics" de Robert Fripp, o al modo de hacer de Manuel Gottsching.

Algo que instantáneamente podemos comprobar en "Fanfaren / Waldmannshell?" (9'02). Percusión electrónica de primitiva caja de ritmos (toda una novedad por entonces), es usada muy suavemente, con astucia y sin abusar de ella. Su prudencia hace que no se cargue el tema. Se le añaden acústicas  y electric guitars a modo de sintes, en progresión constante y pulsante bajo. Un atrayente tema que nos sitúa entre los Kraftwerk de mediados 70 y lo más agradecido de Conrad Schnitzler. Finalizando en forma puramente kosmische, con guitarras al revés,  pero agradable calidez melódica.

 "Nordlant 1" (8'45) entra de lleno en los trabajos de Fripp / Eno,  "No Pussyfooting" a la cabeza. Y en las obras maestras de loop-Guitar practicadas por el maestro Gottsching. Injusto e ingrato sería por mi parte no nombrar como referencia a Achim Reichel, tal vez el padre de todos en éste tipo de electronic -guitar tecnicas. Es un temazo a la altura  de los referenciados,  y Bloch demuestra tener dominio ( y gusto) sobre su efectista guitarra.

"Edeleis Fur" (2'57) juega con acústicas  y olas sintéticas de seis cuerdas, en un vaporoso y romántico corte.


"Nordlast 3" (3'51) abre la cara B con más "frippertronics a la Ping Pong". Serena música hacia la evasión y liberación total del caótico stress urbano. O cómo probar el stereo en un equipo HI-FI vintage....una gozada.

"Margenstern-Abendstern" (14'38) nos presenta una bonita cosmic jam  a tres guitarras. Dos acústicas y una eléctrica planeando por el ambiente. Sensibilidad folk aplicada a la más deliciosa de las artes cósmicas. Y sin un teclado a su alrededor. Una maravilla, que en su parte final incorpora tímidas voces. 

Finalizando con "Zantbitter" (2'24), un micro-ejercicio Ambient  como colofón  ( o colocon), a un estupendo y poco conocido, disco-artista.

Al año siguiente repetiría en la privacidad editorial con "Phase II". Algo más comercial, con toques electro-pop a la Kraftwerk y pellizcos Fripp, pero sensiblemente inferior. A pesar de contar con  el sintetista Hardy Kukuk. Favor que le devolvió  Bloch para su "Atemnot", de ese mismo 81. Tras un largo silencio, Klaus Bloch  "resucitaría " artísticamente  en 1999 con "Gnomania".

"Phase I" resulta un estupendo trabajo de kraut-electrónica tardana , para poner al lado de Ashra o Michael Rother.

P. D. -" (sobre Harmonia) : Desde el primer día competimos por ver quién tenía la mejor idea, no éramos jipis cegados por la yerba disfrutando de cada nota que producíamos. No niego que alguno tomara drogas, pero mi idea es que la música debe ser producto de una mentalidad clara, accesible sin la ayuda de drogas"
(MICHAEL ROTHER).




Temas
. Fanfaren - Waidmannsheil? (0:00)
2. Nordlaut 1 (9:10)
3. Edelweiß Für … (17:45)
4. Nordlaut 3 (20:40)
5. Morgenstern - Abendstern (24:23)
6. Zartbitter (38:53)

Formación
Klaus Bloch - guitarra, bajo, teclados, percusión
colaboran::
Matthias Romann on (5) - 12 guitarras, bajo
Thomas Wasiliszczak on (5) - guitarra, percusión



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Stack Waddy ‎– Bugger Off! 1972

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Stack Waddy fue un grupo procedente de Manchester creado a finales de los 60 por el cantante John Knail y el guitarrista Mick Stott ( ya habían trabajado juntos en formaciones anteriores) acompañados por Stuart Banhamom (bajo) y  Steve Revel (batería).


La actitud del vocalista Knail en las actuaciones (increpaba al público si creía que no respondía adecuadamente) no atraía a promotores y discográficas. A pesar de todo John Peel, productor y DJ, los ficho para su recien creada compañía  Dandelion Records's.  En 1970 entran en el estudio pra grabar su primer disco " Stack Waddy" que por diversos problemas no vería la luz hasta el 71. El disco contenía temas propios y versiones de temas de Capitán Beefheart, Chuck Berry, Jethro Tull, etc.  El disco recibe buenas críticas y consiguen actuar junto a Mott the Hoople ya con un nuevo batería Steve Revell. A finales de año vuelve al estudio y en cinco horas graban "Bugger Off" que se editaría en 1972 cuando la banda ya se había disuelto.


Stack Waddy nos presenta un rock blues con marcado carácter hard. El primer tema, " Rosalyn", es según mi criterio, totalmente descartable. Una de especie de Ramones con un sonido pésimo. Los temas que realmente destacan son aquellos que tienen esencia blusera tales como "Meat Pies'ave Come But Band's Not 'Ere Yet", "It Ain't Easy", "Long Tall Shorty (Mainly)" y "Repossession Boogie", con la peculiar voz de  John Knail y un soberbio guitarrista, Mick Stott. Luego hay una serie de temas como "Willie The Pimp" o "Several Yards" hubieran quedado mejor con la voz de Phil Mogg recordando a los primeros UFO. Y por último están las versiones: "I'm Your Hoochie Coochie Man" de W. Dixon, "It's All Over Now" de The Valentinos y popularizada por los Stones, "You Really Got Me" de Ray Davies y la anecdótica "The Girl From Ipanema". El cd contine un bonus excelente " Mama Keep Your Big Mouth Shut".



Temas
1 Rosalyn 2:31
2 Willie The Pimp 4:03
3 I'm Your Hoochie-Coochie Man 4:19
4 It's All Over Now 3:13
5 Several Yards 5:58
6 You Really Got Me 2:43
7 I'm A Lover Not A Fighter 2:05
8 Meat Pies'ave Come But Band's Not 'Ere Yet 5:19
9 It Ain't Easy 3:50
10 Long Tall Shorty (Mainly) 3:26
11 Repossession Boogie 5:32
12 The Girl From Ipanema 1:27
13 Mama Keep Your Big Mouth Shut 3:42

Formación
John Knail - Voz, armónica
Steve Revell - batería
Mick Stott - Guitarra
Stuart Banham - Bajo



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INTRODUCING THE ELEVENTH HOUSE WITH LARRY CORYELL (1974 / Vanguard) (colaboración J.J. Iglesias)

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No hace mucho lo nombramos en la reseña-obituario de Alphonse Mouzon. El 19 de Febrero le tocó a él,  el gran Larry Coryell,  nos ha dejado.

Otro de esos músicos que, tanto a Juan Carlos como a mí,  nos han acompañado con su música toda la vida. Imborrable en nuestros días de juventud con su "Spaces".

Pero es con The Eleventh House cuando realmente estalla toda su energía  y fuerza, aupada por los músicos que lo rodean. El mencionado Mouzon, icono de la batería en los 70. Su amigo de la infancia Mike Mandel al Rhodes y sintetizadores. Danny Trifan al bajo. Y el gigante Randy Brecker a la trompeta. Coryell fue otro de esos visionarios que sintieron la necesidad acuciante de sumar electricidad y rockerio al nuevo jazz que había destapado, en su particular caja de Pandora, Miles Davis.

El primer disco de The Eleventh House se grabó en 1972 en los Vanguard Studios con Danny Weiss en los controles. Pero no salió hasta dos años después. Y en España en el 77, para variar.


"Birdfingers" (3'07) abre con una ráfaga acribilladora  de percusión,  que secundan Coryell en su meteórica guitarra y Mandel al órgano. Brecker se une a la fiesta en una urgencia que resulta puro heavy metal. Los diálogos enloquecidos están inventando el jazz rock.

"The Funky Waltz" (5'10) es un tema de Mouzon, con funk sintetizado como protagonista. En un pulso constante con guitarra, percusión y juguetón órgano. Como música para una tv serie Blaxploitaition 70s sería perfecta.

Un pedal phaser crea la intro para "Low-Lee-Tah" (4'17), con fuerte influencia Davis, impuesta por la magnífica trompeta de Randy Brecker. Un tema casi planeador, con el phaser sobrevolando continuamente.

"Adam Smasher" (4'30) pinta el principal matiz con el Rhodes, ayudado por el ARP y la trompeta wah wah. Rubrica la incuestionable, y en este caso rockera clase, de Larry Coryell. "Joy Ride" (6'08) es un acercamiento mediterráneo  (parece Iceberg), de nuevo con mucho rock en sus surcos y excelencia guitarristica al por mayor.

En la cara B "Yin" (6'03), del teclista alemán  Wolfgang Dauner, ( con el que Coryell grabó discos increíbles junto a Jon Hiseman), es otro plato fuerte del disco. Como éste en su banda Etcétera,  las endiabladas batallas de "todos contra todos" implosionan un jazz rock incandescente y de potencia extrema.

"Theme for a Dream" (3'26) es la calma después de la tempestad. Otra píldora  ( para nada somnífera) del doctor Davis como influencia. 

"Gratitude "A so low" (3'21) sigue en una línea intimista de jazz guitar solo  al estilo de Joe Pass o Jim Hall. 

"ISM-Ejercicio" (3'59) vuelve a causarnos arritmias cardiovasculares, con el rockerio casi hendrixiano de Coryell-Brecker, y las carreras speedicas de Mr. Mouzon. Psych Be-Bop tan explicito como la preciosa portada. 

Una vuelta al ghetto, hermano, de la mano del bateras macarron, con "Right on Y'All" (4'21).

Jazz, Rock, sintes traviesos y mucho Funk. Todo alegría para finalizar un álbum de nota altísima. Con Eleventh House ésta nunca bajó. Tuve la fortuna de ver a Coryell en la gira de "Spaces Revisited ". No era ya esto. Se había aburguesado hasta tal punto, que ni siquiera Billy Cobham me sacó de la modorra. Tan sólo en los bises vimos un leve recuerdo de lo que en los 70 eran capaces de hacer. Se le perdona.

Larry Coryell fue otro innovador que hizo acercarnos al jazz a muchos jóvenes de mi generación. Felices jams con Mouzon, MAESTRO.


Temas
Birdfingers 3:07
The Funky Waltz 5:10
Low-Lee-Tah 4:17
Adam Smasher 4:30
Joy Rider 6:08
Yin 6:03
Theme For A Dream 3:26
Gratitude "A So Low" 3:21
Ism - Ejercicio 3:59
Right On Y'all 4:21

Formación
Randy Brecker – vientos
Larry Coryell – guitarra
Mike Mandel – teclados
Alphonse Mouzon – batería
Danny Trifan – bajo


y de propina


Temas
1. Cover Girl (A. Mouzon) 0:00
2. Low-Lee-Tah (L. Coryell) 9:28
3. Funky Waltz (A. Mouzon) 15:57
4. The Other Side (M. Lawrence) 21:11
5. Diedra (M. Mandel) 26:30
6. Some Greasy Stuff (A. Mouzon) 31:03

Michael Lawrence- trompeta
Alphonse Mouzon- batería
Larry Coryell- guitarra
John Lee- bajo
Mike Mandel- teclados




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CARMEN MAKI & OZ (colaboración Alberto Torró) rock progresivo japonés

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Considerada una de las grandes y bellas damas de la música rock en Japón esta ya veterana cantante japonesa viene de los inicios del blues, el hard y la psicodelia en su país allá por finales de los 60.


Esta mujer de voz intensa y de carácter comenzó con tan sólo 12 años grabando discos de folk acústico. No tardó en pertenecer a grupos japoneses legendarios como Blues Creation u Oz con los que grabó cinco Lps entre 1975 y 1978.


Su música forma parte más del hard-rock-blues que del progresivo, sin embargo su banda llamada Oz, gustaba de largos desarrollos en un estilo que cabalgaba a medio camino entre unos Floyd y unos Deep Purple. 

Carmen Maki imprimía fuertes dosis de drama y emoción en sus vocalizaciones. No le haríamos justicia sin nombrarla ya que fue muy influyente en las generaciones rockeras de su país.

Discografía:
Carmen Maki & Oz- Carmen Maki & Oz (1975)



Tozasareta Maki (1976



III (1977)


                                             Live (1977)







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CANTERBURY WAYS: PAZOP - Spychillis of a Lunatic Genius 1972 Bélgica (colaboración Alberto Torró)

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La discográfica francesa Musea tuvo a bien reeditar en 1996 el único trabajo de esta interesante banda belga. En realidad son una banda transversal que en su escucha se aprecian todas las influencias y estilos dentro del prog-jazz que pululaba en Europa en ese año de gracia para la música imaginativa que fue 1972 (cuantas joyas aparecieron en ese período de tiempo!!!). 


Como en el caso de los grupos que venimos hablando, fueron una agrupación efímera que venía de otras bandas belgas de rock avandgarde como Wallace Collection, Waterloo o Arkham, grupos locos influenciados principalmente por Frank Zappa…ya veis que el legado del genio de Baltimore está muy ligado a estos “eclepticismos” experimentales y caprichos sonoros. Curiosamente Pazop fueron un quinteto de músicos donde no había guitarristas y el entramado compositivo y melodía recaía exclusivamente en teclas, flauta y violín y mucha imaginación. 


Hay influencias clásicas también y evidentemente la sombra de Canterbury está más que presente en los cortes, ritmos y cambios entre Caravan y Soft Machine, en la forma ojo, no en el sonido. Las piezas del disco, 16 nada menos, son relativamente cortas, pero sustanciosas y muy elaboradas. Es música inteligente, bastante intelectual pero muy fluida y entretenida. Precisa de escuchas naturalmente, como todo lo que lleva trabajo e inteligencia. Fueron de alguna forma otros pioneros de lo que con el tiempo sería denominado Rock In Oposition. 


Tanto el R.I.O como incluso el Zeuhl…las formas más extremas del estilo progresivo, tienen muchos puntos en contacto, con el Canterbury y sus variantes más complejas caso de Matching Mole, o Henry Cow. Pazop no son tan extremos pero darían paso a otras bandas futuras como en el caso de Univers Zero. 


El disco que nos ocupa es otro incunable. Incluso en aquellos años de máxima creatividad y apertura discográfica hacia rarezas y libertad creativa, era difícil colocar estas obras en el mercado discográfico, y hacerlo era un reto. Hoy ninguna discográfica haría esto por supuesto, a no ser que te lo autofinancies o una independiente rarita y snob, esté por la labor.  Spychillis of a lunatic genious es una auténtica pieza de coleccionistas para amantes de lo exclusivo.


Temas
Le La Loo Loo Le La 2:29
Harlequin Of Love 2:50
Crying For Disaster's Hand 4:08
What Is The Further Purpose 3:10
Swaying Fire 3:32
Mirela 2:10
Freedom Dance 3:28
Lovelight 4:06
Bami, Lychee, Si 5:26
Harlequin Of Love (Second Version) 3:08
Can It Be Sin 6:54
And The Hermit Will Be The Master 5:18
M.M.M. 5:50
In The Army (Devil Likes Smoke) 1:37
Airport Formalities And Taking Off / Stewardess And Breakfast 6:18
It's The End 0:44

Formación
 Dirk Bogaert : voz, flauta
     Frank Wuyts : Teclados, voz
  Kuba Szczepansky : violin
Patrick Cogneaux : bajo
 Jacky Mauer : batería








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