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PATCH - The Star Suite (1973 / HARVEST)

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Cuánta melonada puede leer uno en Internet,  mon dieu!
Una reseña de éste disco comparaba a los australianos Patch con Alan Parsons Project. Y hasta decía a qué discos de éste se parecía......En 1973, Alan Parsons ni se había planteado montar el "Project". Andaba demasiado liado con el corta y pega de cintas en Abbey Road.


Y todo venía porque "The Star Suite" era el proyecto de un productor / compositor, Peter Dawkins. El cual creó  ésta fantasía musicada bajo un techo sinfónico  de exquisita clase. Para ello contó con Mike Rudd en la guitarra eléctrica.  Miembro de los recomendados Spectrum, y también de Ariel. Tanto él  como Mike McClellan (guitarra acústica ), ayudaron en la composición de estas cuatro largas suites, a dos por cara. Tony Esterman fue el teclista, finísimo él.  Rod Coe el bajo. Y Doug Gallacher el batería.  Los más observadores recordarán a éste último  por ser el baterista  del inmenso "Fools Paradise", de Madden & Harris. Además colaboran una decena de músicos  más,  algunos pertenecientes a Tamam Shud o Ariel, en diversos instrumentos.


"Air" (9'15) da comienzo a éste bonito disco instrumental, con un piano lleno de feel emersoniano. Poco a poco van surgiendo incorporaciones de los demás instrumentos, incluida la acústica  de McClellan. Que puede escucharse a la perfección entre todo el sonido grupal. Señal de que Dawkins era un buen productor, además del cerebro de "The Star Suite". En su posterior desarrollo, el estilo de Patch circula cercano a unos Camel de finales 70, o a unos Grobschnitt del "Rockpommel's Land".

"Fire" (10'41) tiene un símil en sus primeros minutos a lo que hiciera Steve Howe en su debut, junto al harpsichord de Patrick Moraz. Para proseguir sin brusquedades, con un Fender Rhodes canterburyano de sabrosas texturas y un solo de Hammond en onda David Sinclair. Contestado por la eléctrica de Mike Rudd en un lento crescendo extraordinario, y de sublime final.


Damos la vuelta a la placa, y "Water" (10'57) trae otro reflexivo momento de piano eléctrico / bajo, que deja paso a un fino wah wah  enredado en coloristas micro-detalles.  Es un placer escuchar la batería,  y  su Inteligente uso de los platos, sin estridencias. Otro pasaje digno de los más sobrios Caravan da paso a otro desarrollo psych, de envoltorio krautie. Mientras todo es acogido por un cálido órgano  de sonoridad Procol Harum o Rare Bird.

Por último "Earth" (11'14) tiene un opus bellísimo, entre flauta y acústica. Al estilo de lo que los hermanos Hackett pueden llegar a lograr. Se le suma un violín  (puede que sea una viola eléctrica ), pues recuerda a Geoff Richardson. Añádase un saxo al modo John Anthony Helliwell o Mel Collins en efusiva cabalgada. Y ya tenemos el tema con más condimentos de ésta sartén compositiva. Sin mucho picante, pero de sabor arrebatadoramente agradable. 

"The Star Suite" es un buen ejercicio sinfo-prog, nada estridente e ideal para una apacible sobremesa. Si te gustan Gordon Giltrap, Paul Brett o los referenciados, estos australianos con pedigrí estarán dentro de tus gustos.

Poco conocidos pero justamente reivindicables.

J.J. IGLESIAS



Temas
A1 Air 9:11
A2 Fire 10:42
B1 Water 10:58
B2 Earth 11:14


Formación
Mike McClellan: guitarra
Doug Coe: bajo
Doug Gallacher: batería
Mike Rudd: guitarra
Tony Easterman: teclados



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GAZZARA PLAYS GENESIS - PLAY ME MY SONG (2014)

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Francesco Gazzara es un pianista y compositor italiano del que yo no tenía ni idea y que lo encuadran en un estilo próximo al “acid jazz” y a estilos un tanto diversos como puedan ser el soul, el lounge (¿?) o a una moderna y ecléctica música de cámara, terrenos que me son ajenos y por lo tanto no insistiré para que el enterado de turno no me recrimine.


El caso es que este disco lo vi en la red por casualidad y yo ya había tenido alguna experiencia en adaptaciones un tanto curiosas de la música de Genesis como aquellos dos volúmenes para dos pianos, las adaptaciones de David Palmer con la London Symphony o incluso una rareza que encontré y no tengo ni idea de quien la toca, para piano y cello con una medley del The Lamb de 34 minutos.  El caso es que Gazzara ha realizado un delicado trabajo para piano principalmente y orquesta de cámara:  en concreto para un instrumentista de viento, un cellista, una viola y un violín. El resultado es un cruce entre un ligero perfume de jazz y clasicismo.


 Una manera diferente de escuchar las composiciones genesianas en un doble  Cd/LP muy atractivo en su programa porque se centra en piezas antológicas como Watcher Of The Skies. Firth Of Fith, The Cinema Show, The Lamia, Mad Man Moon etc. Así hasta llegar al Duke y afortunadamente no pasar de ahí a los 80 y la época vergonzosa del señor Collins y compañía. Es un disco de fondo, hermoso y cálido y hasta relajante. Perfecto si tienes un día tranquilo y sin agobios.


 Los agobios y las prisas hay que ir aparcándolas conforme envejeces porque de lo contrario quiere decir que no hemos aprendido nada de la broma de la vida. Ponte este disco mientras degustas tu bebida favorita y mira al azul del cielo en un atardecer de primavera que ya estamos en la época pero sin mariconadas y ya vale que me pongo moñas y blandurrio y me entra la risa.

Alberto Torró








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PANTHEON - 0RION (1972)

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Holanda como buen representante de las libertades sociales e individuales más aperturistas de Europa (igualico que aquí), estuvo metida en todos los fregaos y tendencias musicales de la progresía setentera y de allí salieron un buen número de interesantes bandas y propuestas .

 El jazz rock al igual que el rock progresivo, el kraut y las marcianadas electrónicas berlinesas arrasaron  entre 1970 y 1975 con una fuerza y creatividad que ya nunca volvería a repetirse al menos en originalidad y creatividad. Lo sabemos bien los mayores, porque lo vivimos de primera mano y en cuanto pillábamos  o ahorrábamos algo de pasta, el viajecito a Andorra con reticencia de los padres por supuesto, era un clásico de la época. Los salidos hispanos mayores que nosotros pasaban la frontera para pajearse con el último tango en París y los que no teníamos tan prosaicas costumbres, a gastarnos las cuatro sudorosas pesetas en vinilos de melenudos como decía mi madre. Me suena haber visto esta portada del disco que hoy os cito o bien en Transbord o Comando, las tiendas de esa avenida central que cruzaba Andorra y que tanta ansiedad nos creaba al bajar del autobús cutre de la época. Me pasa con muchos discos resucitados en la red, y de los que entonces naturalmente no teníamos ni puta idea.


Los holandeses Pantheon solo grabaron este disco en una época en que Focus, Kayak o Supersister, ya daban que hablar, y si bien, la influencia de Focus se deja notar bastante, estos tipos optaron por un sonido jazz-rock próximo a la escuela británica. Supongo que tanto la flauta como los arreglos de brass afianzan esta percepción y claro las comparaciones surgen automáticamente. No es una banda que toque precisamente en una línea Canterbury pero los sonidos nos llevan inevitablemente a pensar en Caravan y Soft Machine, aunque muy de refilón. Un cuarteto con teclista y el set típico, órgano, piano/clavinet y ARP synthesizer. Un guitarra que hace las veces de bajista, un saxo/flauta y un batería. 


Tan solo 5 temas y suite homónima incluida de 19 mts. Desde cortes neoclásicos tipo Focus hasta melodiosos pasajes de jazz amable tipo pub de copas, toquecillos camelianos y de repente sorpresivos pasajes cuasi zappa bastante elaborados con sinfonismos variados… Canterbury…? pues  echándole mucha imaginación puede, ya que hay partes que te pellizcan un poco en esa onda, en las partes más fluidas y animadas donde saxo y flauta se explayan a gusto con órgano constante marcando las pautas rítmicas. Se nota que ha pasado el tiempo y el sonido es añejo y típico y ahí reside su encanto. Tocan con gusto y clase y poco más se puede pedir. La reedición en CD  lleva tres temas bonus y uno se llama Masturbation…se acordaron de los pajeros españoles que cruzaban empalmados la frontera.


Alberto Torró



Temas
1Daybreak2:32
2Anaïs4:58
3Apocalyps10:53
4The Madman1:21
5Orion19:28
Bonus Tracks
6I Want To Know2:42
7Masturbation2:36
8Anais3:27








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Esqueixada Sniff - En concert 1979

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En los inicios de la década de los 70 Josep María Paris solía tocar en el bar Enagua de Barcelona junto a compañeros ex-miembros de Máquina. Fue allí donde conoció a un jovencísimo Miguel Farrero y concretaron la realización de un proyecto juntos. Una de sus primeras formaciones estaba constituida por J.M. Paris, M. Farrero y Ricky Sabatés (guitarras), Javier Martinez (batería y ex miembro del grupo argentino Manal), J.M. Merchan (bajo) y Carlos Avalone (trompeta).


La sección de viento duraría poco ya que Carlos abandonaría el grupo y no sería sustituido. Todavía sin un nombre definido consiguen actuar de teloneros de Brian Auger en el Prince. En 1976 estando en un restaurante piden una esqueixada ( típica ensalada catalana con bacalao) y en ese momento deciden llamarse Esqueixada Sniff. En 1977 se tienen que tomar un respiro debido a la llamada a filas de Farrero. En el 76 actúan en el Canet Roc teniendo como invitado  a Jordi Sabatés. La banda solía actuar largas temporadas en el Magic. Llego a grabarse una actuación en la sala Villarroel pero nunca vió la luz.

En 1979 graban su primer disco realizado en directo en la sala Zeleste de Barcelona. En ese momento el grupo estaba formado por J.M. Paris (guitarra), Miguel Farrero (guitarra), J. M. Merchan (bajo), Toni Saigi (piano) y Jordi Viella (batería). Ese mismo año editarían un disco en estudio, "Ocells", con una nueva formación donde solo se mantenían Paris y Farrero, incorporándose Salvador Font, Marcos Lacaros y Santa Salos procedentes de grupos como Música Urbana y Mirasol Colores. La formación continuaría con diversos músicos hasta 1982. Posteriormente se reunirían para diversos eventos.

Hace muchos años tuve la oportunidad de verlos en uno de los múltiples conciertos que los colegios mayores de Zaragoza organizaban para el disfrute de todos los buenos aficionados al rock.


Esqueixada Sniff nos ofrecen cinco temas grabados en directo en la sala Zeleste de Barcelona. Su música esta en la onda de jazz rock con matices latino mediterráneos. El primer tema "Negreta "Sabrosona" es una buena prueba de ello. A la banda siempre se le acusó de realizar interminables improvisaciones sin una dirección muy concreta, esto lo podemos apreciar en el segundo tema "Planeador Abajo". El ambiente de jam  entre Paris y Farrero continua en "Deyá" y " Ecos Còsmics".

J.C. Miñana



Temas

A1 Negreta "Sabrosona" 00:00 
A2 Planeador Abajo 06:34 
B1 Deyà 18:47 1:30
B2 Deyà (Reprise) 20:20 
B3 Ecos Còsmics (Dedicat A Lonnie Liston Smith) 26:11

Formación
Josep M. Merchán: bajo
Jordi Vilella: batería
Josep M. Paris: guitarra
Miquel Farrero: guitarra
Toni "Chupi" Saigi: piano


y de propina









P.D.: Nuestro agradecimiento a Felix Jota por su colaboración en la realización de este artículo



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Henry Paul Band - Nassau Colisseum 1979

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Henry Paul es un cantante y guitarrista que ha militado en diversas formaciones de rock sureño y country destacando su participación en varias etapas (1972–1977, 1983–1989, 2005–2006, 2008–actualidad) de la banda de Tampa, Florida, The Outlaws.


En 1977 Henry Paul decide abandonar a The Outlwas e iniciar su carrera en solitario. Para ello cuenta con un viejo amigo de su etapa de Sienna, el guitarrista Jim Fish. Dos años mas tarde edita su primer disco, "Grey Ghost". Consiguen cierto éxito y realizan gira abriendo conciertos para la CHARLIE DANIELS BAND. Al finalizar la gira Jim Fish es sustituido por  David Fiester.  En 1980 llega su segundo disco, "'Feel The Heat", con un sonido mas orientado al hard rock que el anterior. Su tercer LP , "Anytime", llega en 1981 llegando a entrar en las listas con el tema "Living Without Your Love".  Henry editaría otro disco en el 82, "Henry Paul", y daría por terminada esta etapa para regresar a The Outlwas.


La grabación presenta la actuación de la Henry Paul Band en el Nassau Colisseum de Long Island el 4 de Mayo de 1979. Ese día abrieron concierto para la CHARLIE DANIELS BAND. La banda en ese momento estaba integrada por Henry Paul (voz, guitarra), Billy Crain (guitarra), Jim Fish (guitarra), Wally Dentz (bajo, voz), Barry Rapp (Teclados, voz)  y Bill Hoffman (batería). El setlist está integrado por tres temas de su etapa de The Outlwas: " Gunsmoke", " Gunsmoke" y "Freeborn Man". El resto de las composiciones pertenecen a su primer disco "Grey Ghost". La música que podemos disfrutar es una mezcla de country y rock sureño muy influenciado por su paso por The Outlwas. Tema destacado "Grey Ghost", con alternancia de solos de los guitarristas. El sonido es bueno, perteneciente a una grabación de FM.



Temas
01 - Gunsmoke 00:00
02 - You Really Know What I Mean 04:02
03 - Lonely Dreamer 08:20
04 - So Long 12:12
05 - Crossfire 18:00
06 - Knoxville Girl 21:56
07 - Grey Ghost 26:55
08 - Freeborn Man 36:43



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STEVE HILLMAN - Matrix (1994 / CYCLOPS)

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Un enamorado de Tangerine Dream y Hawkwind en los 70, el británico Steve Hillman editó su primera cassette-album, "From Distant Shores", en 1983. A ésta le siguieron nueve más,  hasta que en Noviembre de 1993 ficha por Cyclops.  Editando al año siguiente su primer cd oficial, "Matrix". Toda la música fue compuesta, producida y grabada por Hillman, el cual se encarga de sintetizadores, teclados, guitarra eléctrica,  bajo y batería programada. Le ayuda su mujer Linda Hillman a la flauta en un par de cortes.


"Overdrive" (4'54) es un ácido tema con lisergica guitarra de sonoridad Gottsching, Froese o Hillage. Lástima de percusión programada, porque es una acertada composición  y éste elemento desluce bastante.

"Matrix (Part One)" (9'59) entra de lleno en universos Tangerine Dream de finales 70. Pura inspiración "Stratosfear", "Sorcerer" o "Encore", revisitada para alegría de los que echamos de menos aquellos gloriosos años tangerinos. Hillman no se conforma con improvisar y sorprender. Aquí hay además un sólido trabajo compositivo melódico,  que añade valor a su obra . La batería "de mentiras" queda ahora mas disfrazada, y la guitarra escupe precisos solos incandescentes  que recuerdan a Ashra. Secuenciación y proceso de síntesis  resultan excelentes. 

"Interchange" (7'06) es otro ejercicio Berlín School de inequívoco gancho y de alto voltaje sintetizado. La secuenciada columna vertebral de la pieza es aderezada con una musculada guitarra cercana a Dave Brock. Muy buen tema, que yo utilizaría como sintonía de radio.

 La oscuridad cósmica se apodera de "Ascendant" (2'52), siempre sin perder melodía. 

Es enlazada con "Sphinx Dancer" (5'20), en una recreación Hillage / Gong que desemboca por derivación,  en terrenos Ozric Tentacles. La flauta de Linda Hillman ayuda en su ambientación egipcia. 

Nuevamente encadena con "Into Space" (4'20) , en froesianas nebulosas electrónicas que harían su papel en la nueva entrega de "Alien".

"Taken to the Limit" (5'05) posee una melodía de sinte digna de una serie Sci -fi  60s, tipo "Thunderbirds" (recuerdos de la infancia!). De nuevo Steve Hillage en mente. 

Un potente secuenciador nos adentra en "Sequent Seven" (2'45), acompañado de frippiosa guitarra, y con enigmático desenlace.


 Volvemos a "Matrix (Part Two)" (9'15) y sus mundos paralelos homenajeando a los añorados Tangerine Dream. De nuevo la travesera de Linda acompaña a éste perfecto manual berlinés en conjunción con los más ambientales Hawkwind  de " It is the Business of the Future to be Dangerous", precisamente editado por esas fechas.

"Dawning Light" (2'12) es otro pequeño misterio sonoro floydiano. Perfecto "outtake" de "More" o "Meddle". Un prólogo ideal para "Into the Blue" (9'32), el cual conjuga lo mejor de la lírica imaginería de Kitaro, con el estilo más dinámico de Ashra, ( por parte de la guitarra ), con positivos resultados. Hillman es un más que competente músico para ambos cometidos.

 Por último "Tritone" (2'14) despide el álbum como un J. M. Jarre anti-comercial, (algo no muy posible).

La continuación a "Matrix" llegaría en el 96 con "Riding the Storm" , compendio de temas pertenecientes a su discografía  previa en formato cassette. Le seguiría "Convergence" en el 99. A partir del nuevo siglo se van distanciando más sus obras. Y en 2017 edita junto al músico griego Thaneco el album "Empyreal". Asimismo ha colaborado en la prestigiosa library music  De Wolfe, (recuerda la entrada anterior). 

"Matrix" fue un brillante "debut" (con diez álbumes previos!),  en perfecto equilibrio entre Escuela de Berlín y Psych music. Al que sólo le achacaria algunas bases rítmicas obsoletas. Perdonable , viendo el nivel de Hillman y sus elegantes resultados.
J.J. IGLESIAS

Aquí tenemos algunas muestras de su trabajo







y de propina
Riding the Storm





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Wlud ‎– Carrycroch' 1978

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Wlud fue un grupo de origen francés procedente de la ciudad de Colmar cercana a la frontera alemana. La banda estaba compuesta por Phillipe Wendling (teclados), Bernard Labroche (guitarra), Gigi Untersinger (bajo) and Gianni Drago (batería). El nombre del grupo estaba formado por la iniciales de sus componentes.


El mismo año de su formación (1978) editan su primer disco "Carrycroch'" y un año más tarde llegaría el segundo " Second". Poco más que contar.



Los Wlud nos ofrecen cinco temas (en la reedición posterior se incluiría "Spitfire") completamente instrumentales en la onda progresiva con ciertos tintes jazz. Algunos quieren ver en su música destellos de lo que hacían los Camel pero creo que están a años luz. Su guitarrista es un poco flojo para mi gusto y el que salva los muebles es su teclista Phillipe Wendling. La producción es muy mala le falta fuerza y se carga toda la sección rítmica. A pesar de todo se puede escuchar e incluso hay temas destacables como "Remember Son" o "Sweet Bridge".



Temas
1 Amazone  00:00 
2 Carrycroch'  05:35 
3 Holiday Maker 13:50 
4 Remember Song  19:09 
5 Sweet Bridge  25:30 
6 Spitfire  35:28

Formación
 Gigi Untersinger: bajo
Gianni Drago: batería
Philippe Wendling: teclados
 Bernard Labroche: guitarra


y de propina su segundo disco

Second (1979)


Temas
A1 Fire 6:15
A2 Rocky 6:42
A3 Nemausus 4:08
B1 Ay 4:05
B2 Sismique 5:30
B3 Le Tigre 6:58




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CHURCH OF THE COSMIC SKULL - Is Satán Real? (2016 / BILOCATION)

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Con gran satisfacción,  veo cómo el auge del retro Occult Rock (aunque sea de un modo underground), va en aumento. En buena medida a raiz del (inesperado) éxito de Ghost, de aquí a unos años. En Rockliquias nos gustan los discos viejunos. Pero si no lo son, pero lo parecen, todavía mejor. Porque el mérito es mayor. Recrear con convicción las vibraciones de aquellos años en la actualidad, es muy, muy difícil. Aún así están saliendo verdaderas joyas atemporales del género. Vidunder, Witch Ritual, Lucifer, Vinum Sabbatum, Blood Ceremony, Witch Hazel o Devil's Witches sin pensarlo mucho.


Os traigo mi disco favorito de 2016. Un septeto  (si, 7, número mágico ), de Nottingham con su debut álbum y puesta de largo de su "nueva religión ". Toma ya. La verdad es que viendo la portada, uno no titubea al aseverar que pertenecen a una secta rara, con el barbudo como líder de la misma. "Is  Satán Real? " es su predicado inicial y éste enfermo escriba ya pertenece a su credo. La banda en realidad es un cuarteto "normal", con Bill Fisher (guitarras, voz). Michael Wetherbum (órgano,  voz). Loz Stone (batería ). Y Sam Lloyd (bajo, voz). Al que se suman a las voces tres chicas rubias, como mandan los cánones ritualístico-satánicos. Jo Joyce, Caroline Cawley y Amy Nicholson (también cello eléctrico ).


La entrada a su reino se produce con la magnífica "Mountain Heart" (6'06), intro apocalíptica,  con masa vocal melodiosa extraída del inframundo Atomic Rooster, y lujurioso desarrollo progresivo entre la guitarra vintage de Fisher y el no menos vetusto Hammond de Wetherbum.

Huele a clásico.  "Black Slug" (5'04), con el canto de las tres féminas y dos machos alfa al unísono,  es como si "los niños de las flores" de Charles Manson versionearan un tema del "Fireball" de los Purple. O como si en Magma tocara Ritchie Blackmore cuando era realmente, "The Man in Black ". Así de sorprendentes. Así de inquietantes. Así de buenos. Para que luego digan que está todo inventado.


"Movements in the Sky" (3'34) contiene letanías rockeras de omnipresencia melódica. Fleetwood "West Coast" Mac en la coctelera con Saturnalia. Porque de psicodelia también vive el lado oscuro. Y del folk. 

"Answer in your Soul " (3'57) atrapa a Nick Drake o Roy Harper con la Pagey acoustic guitar de Fisher, y se van de barbacoa a los verdes pastos de snowdonia. Mágico. La pregunta se las trae, "Is Satán Real?" (4'14)....ellos sabrán,  que le han vendido sus almas. Porque para sonar tan "true 70s", tan Beggars Opera,  Quatermass, Black Widow, T2, Paladín o Czar, hay que necesitar ayuda del señor de las artes maleficas. 

"Watch it Grow" (4'01) suena como el decreto al sacrificio por creyente, de un jurado integrado por damas de Salem,  (o Trasmoz, si nos ponemos de aquí ). El psico-paganismo-progresivo de ésta Iglesia de la Calavera Cósmica es de recursos ilimitados. 

Finalmente, y cómo demostración de que estamos ante algo inmenso, "Evil in your Eyes" (11'14) nos transporta al primer disco de Camel, pero con coral sectarista. La Flying V de Fisher suena con la sinceridad de Latimer, secundado por el crepitoso órgano a la Bardens de Wetherbum. La resolución coral-instrumental es magna, y un total espectáculo auditivo. Aún se incluye un pequeño lamento piano / voz de un minuto, como "hidden track".

 Los 40 mts del álbum no me cabe duda que están pensados para el formato vinilo. Todo en Church of the Cosmic Skull suena y luce 70s. Pero desde sus inicios, presumiendo de un estilo propio que los resalta del pelotón Occult. Si logran aguantar estos duros tiempos, pueden llegar a ser muy grandes. A mi ya me lo parecen.
J.J. IGLESIAS




Temas
1. Mountain Heart - 0:00
2. Black Slug - 6:02
3. Movements In The Sky - 11:06
4. Answers In Your Soul - 14:36
5. Is Satan Real? - 18:33
6. Watch It Grow - 22:51
7. Evil In Your Eye - 26:50











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CIOLKOWSKA - PISTOLET BUDUSHCHEGO ( 2015) Rusia

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De Rusia tengo que decir que he sido y soy un entusiasta tanto de su historia, de su literatura, de su arte y por encima de todo ello de su música clásica. Lo heredé de mi padre fascinado por Gogol, Tolstoi, Turgeniev y Dostoyesky y por la música de Rimsky Korsacov y Tchaikovsky. Desde crío oía música rusa en mi casa. Un pueblo y una raza complicada  a la vez que fascinante y extraña.


 De Glinka y el romanticismo, al grupo de los cinco. De ahí a Shostakovich y a otros modernos compositores soviéticos, he dedicado años de escucha y horas de lectura. Mi pasión por la música rusa va más allá de un simple melómano y ya sabéis que han sido fuente de inspiración para algunos grupos de rock sinfónico ultra famosos. Probablemente mi excesiva inclinación por el prog sinfónico se deba a ellos sin ningún género de dudas. 

Yo me preguntaba muchas veces para cuando rock progresivo ruso…? Con la base que tienen podrían eclipsar a cualquiera. En 1989 caía la Unión Soviética y con ello se iniciaba el aperturismo perestroico  de Mihail Gorbachov. Antes Rusia en lo que a música “moderna” se refiere, se limitó a bandas de jazz de influencia occidental, su música popular rica por su enormidad geográfica y curiosamente por la experimentación electrónica más avandgarde. Pero aun siendo una dictadura, respetaron las raíces de la cultura ancestral, tal como hicimos nosotros con los toros, las manolas, el flamenco, Peret y el fary y borrando cualquier atisbo de buen gusto.  Exactamente igual vamos. Dejémoslo. 

Centrándonos… de los 90 a esta parte, Rusia ha ido gestando y experimentando poco a poco un mayor acercamiento al rock en todas sus vertientes, progresivo incluido. Para mí es un placer y algunas de esas bandas aparecerán por estas reliquias rockeras más pronto que tarde.


Ciolkowska es una joven agrupación de chavales de San Petersburgo que hacen una especie de space rock- psicodelia a su estilo. A lo ruso. Este disco que os comento tiene la particularidad de utilizar un Ukelele como instrumento solista por parte de Alesya Izlesa. Podéis pensar que narices hace un instrumento tan sumamente limitado  y sinceramente me deja perplejo. Lo que sí os puedo asegurar es que le saca un buen partido. La complementan un trío bajo-guitarra-batería sumamente competentes para ensamblar el ukelele en una música que atrae la atención en un viaje ácido, muy interesante. 


Pueden recordarnos al kraut viejuno de unos Ashra o Agitation Free. Es un disco de escucha cristalina, con guitarradas oníricas de lo más hippioso. Cantan en ruso, como debe ser, aunque en breves fragmentos. A pesar de la escasa instrumentación llenan lo suyo y sacan partido a su música con un sonido envolvente y muy agradable. Las piezas rondan entre 7 y 11 minutos y cuentan con una buena producción de sonido. Estaremos atentos al país del Vodka, arenques, caviar y hermosas damas. Curiosa portada.

Alberto Torró


Temas
1. Aspera/Astra 00:00
2. Bang-Utot (Koshmar Pirata) 11:01
3. Eject (Jam) 14:29
4. Zauryadnaya Radost' 20:05
5. Nizhe Travy (Jam) 28:47
6. Belka i Strelka 36:11
7. Tuda b (2dub) 46:29
8. Tao Te Ching 56:17

Formación
Yegor Svysokikhgor - guitarra, voz
Alesya Izlesa - ukulele 
Ivan Moiseev - bajo, voz
Kirill Tsarkov - batería








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SOFFGRUPPEN - Soffgruppen (1975) Suecia

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Por sugerencia siempre acertada de mi amigo JJ. Iglesias os presento a esta desconocida banda sueca de los 70´s con tan solo un trabajo en su haber. Un quinteto para ser exactos de un potencial apabullante y que como viene siendo habitual en la mayoría de este estilo tan solo pasaron por el estudio en la localidad de Ghotenburg en 1975.


 Nos acercamos a los postulados más radicales del Canterbury en su onda más free avand- jazz. El disco tiene los ingredientes clásicos de esa época de jazz-rock-fusión pero en absoluto orientado a oídos fáciles. Contrabajo como dios manda. Fender Rhodes y Hammond Organ martilleando sin descanso. Trompetista a la cool-Davis style. Guitarra a lo Miller-MacLaughin y batería sacudiendo platos y caja a placer. Unos bestias pardas de jazz rock frío, preciso y del bueno. Free a raudales, toques sofmachineros y cía y mucha libertad expresiva en un disco para oyentes avanzados nivel experto. Amantes de lo estandarizado abstenerse. Superabundancia de notas, acordes y figuras varias que harán las delicias de los buscadores de lo intrincado.


 La locura de hammond-guitarra en la pieza Dassmedia te deja buen cuerpo…y para no andarme por las ramas es definitivamente un disco jodido de cojones para valientes en especia sonora. Nosotros mismamente completamente chalados y sin madre que nos acune.


 Los snobs que no se entusiasmen que tampoco es para ellos y solo si de verdad te gusta la música con carácter y calidad vas a disfrutar de esta grabación y por supuesto si te gusta el jazz y tienes horas de vuelo discográficas a tus espaldas.

Alberto Torró


Temas

A1 Greatest Sits 3:30
A2 Jag Tänker 6:55
A3 Dassmedia 6:38
A4 Balladen 2:20
B1 Grunkfunk 3:57
B2 Fria Händer 9:30
B3 Påmm Fritt 3:30
B4 Vindkraft 3:35

Formación
Anders Kjellberg: batería
Pierre Swärd: teclados
Clas Yngström: guitarra
Stephen Franckewich: trompeta








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MR. WILFRED - Good Times EP (2016 - MW)

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Mientras descubría / disfrutaba de la actuación de los madrileños Mr. Wilfred en Zaragoza, muchas cosas pasaban por mi testa en un examen de conciencia de esos que yo me hago myself a menudo. Abrían para Blues Pills, y no se me ocurre nadie más apropiado. No sólo por su rock retro-current-hard. Sino por su actitud / aptitud. Es esto último un factor que valoro en los últimos tiempos tanto como la misma música. Veréis,  no hace mucho presencié la actuación de unos supuestos revisionistas del sonido NWOBHM, no diré el nombre por vergüenza ajena. Que más parecían empleados de banco, chupatintas del funcionariado o, lo que es peor, maderos.
Y no. No se puede servir a dos amos. No se puede ir deshauciando al personal o repartiendo mamporros "legales" entre semana  y el finde hacerse los guais heavys cool de la mort. Esto no funciona así. 

Mr. Wilfred vivía cada segundo de su actuación con una entrega y sinceridad que daba escalofríos.  Pude ver un aura de autenticidad alrededor de sus cuatro figuras.



Comenzaron en 2009 con el nombre de Rocket. En el 2012 ya habían ganado dos concursos de bandas y habían abierto para Bonafide y Casablanca. En el mismo año editan el EP, "Rocket". Será 2015 cuando vea su primer album, "SuperOctopus", ya como Mr. Wilfred. En un estilo no muy alejado de parámetros stoner-blues, y dejando buen paladar entre los comensales.

Pero en el 2016 hay un movimiento de ideas, que siempre implican cambios. Su cantante solista deja ese puesto a su entonces guitarra rítmica. Conformándose la actual formación con Mario Díez,  ahora voz, guitarra y teclados. Pablo Isla en la guitarra solista. Manuten Verastegui al bajo. Y Víctor Mateo en batería, coros y teclas.

Para afianzar su nuevo sonido, (que desde luego, lo es), editan el EP de cuatro canciones "Good Times". Producido, grabado y mezclado (de lujo) por Dani Alcover. 



"Satellite Storm" nos presenta pura esencia 70s llena de condimentos de los grandes de entonces. Rhythm'n'Blues, Soul, "flavour" negro y mucho nivel componiendo. Humble Pie o Trapeze por el lado clásico. Cry of Love en tiempos posteriores. Y como referente más actual el incomparable Ritchie Kotzen con o sin The Winery Dogs.




"Shine on" es LA canción del mini cd. Acompañada con su precioso vídeo promocional, te atrapa sin remedio. Esto lo podía haber firmado Al Kooper o Lynyrd Skynyrd sin problemas. La voz de Mario se sale a la hora de expresar sentimiento. Ver en vivo a Pablo  es un espectáculo  y una lección de cómo deben ser los guitar-hero. En estudio transmite lo mismo, e irradia personalidad.



"Tender Sex Offender" es una canción pensada para la sección rítmica. Víctor "mostacho Peart" Mateo y Manuten Verastegui estrangulan, en un team rítmico que no deja prisioneros. Temazo arrebatador que desde Zeppelin a Dr. Feelgood estarían encantados de haber compuesto.





"The Pond" posee un fuerte hard groove,  con break psicodélico coral, y sonido Glenn Hughes / Black Country Communion en su resolución global. Si, estoy hablando de esos niveles. Esto es lo que tocaron en su presentación en Zaragoza, junto a una tremenda "Since i've been loving you" de los Zep que nos puso la "gallina de piel". Antes en Bilbao había sido "Sail Away" de Deep Purple, la elegida como versión no muy usual.

Mr. Wilfred tienen una clara proyección internacional, que se podrá comprobar de nuevo en el próximo Get Mad!  Festival madrileño en Mayo, junto a Kadavar, Horisont o Dungen,  entre otros. Su propuesta estará a la altura.
Mr. Wilfred pisa fuerte.

J.J. IGLESIAS







Contacto:
Correo: mrwilfredband@gmail.com



P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70

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Blackfoot - Live At The Rainbow Music Hall 1979

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Blackfoot son una tribu de los Estados Unidos de América. Su nombre hacía referencia a que solían pintar sus mocasines con dibujos de color negro.  Rickey Medlocke (guitarra y voz) descendía de esa mítica tribu y fue el líder de la banda de  Jacksonville, Blackfoot .

En 1978 los Blackfoot ya llevaban ocho años en la carretera y dos discos a sus espaldas , "No Reservations" (1975) y "Flyin' High" (1976). Afinales de año entran en el estudio para grabar su tercer disco, "Striker", bajo la producción de Henry "H-Bomb" Weck, batería de Brownsville Station. La grabación vería la luz en Abril del 79 y obtuvo un notable éxito con dos de sus temas, "Highway Song" y "Train, Train", este último compuesto por el abuelo de Rickey Medlocke.


Estamos ante la actuación de los Blackfoot el nueve de Mayo de 1979 en el Rainbow Music Hall de Denver dentro de la gira promocional de su tercer disco "Strikes". La música que nos ofrecen es hard rock sureño de alto contenido guitarrero. El setlist está compuesto por siete temas del Strike (""I Got a Line on You" cover de un tema de Spirit, "Left Turn on a Red Light", "Baby Blue", "Wishing Well" cover de los Free, "Road Fever", "Pay My Dues" otro cover de Blues Image y los  exitosos "Train, Train" u "Highway song".  el show se completa con "I walk to talk yo you " y "Troubling ming. Los momentos estelares llegan con "Road fever" y "Troubling Train" y sus frenéticos solos de guitarra, y por supuesto con "Train, Train" y " Highway Song". Buen sonido. Como anécdota el guiño sonoro a la película "Encuentros en la tercera fase".



Temas
1. Intro
2. I Want to Talk to You
3. Pay My Dues
4. I Got a Line on You
5. Wishing Well
6. Left Turn on a Red Light
7. Baby Blue
8. Road Fever
9. Trouble in Mind
10. Train, Train
11. Highway Song

Formación
Rickey Medlocke -voz, guitarra
Charlie Hargrett - guitarra
Greg T. Walker - bajo, teclados, voz
Jakson Spires - batería, voz




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SURVIVE - mnq026 (2012 / Mannequin)

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Qué gran invento puede ser Netflix para un domingo! Intrigado por el éxito de la serie "Stranger Things", uno de sus pelotazos, me dispuse el otro día a tragarme la primera temporada de una sentada. Todo un homenaje al terror de los 80, al que no le falta ninguno de sus componentes : protagonistas infantiles en bicicleta al estilo The Goonies. Desaparecido en pequeño pueblo en plan Laura Palmer.Otras dimensiones a lo "Poltergeist". Madre obsesionada , (Winona Rider), con enigmas como "Encuentros en la Tercera Fase".... Y un gran tufo a clásico Stephen King.



Alto, nada más comenzar mis oídos se agudizan ante su banda sonora. Y no me refiero a la excelente elección de canciones (Peter Gabriel, Foreigner, Jefferson Airplane, Toto.....), sino a su score. Joder que buen gusto, (pienso), y además meten electrónica de la época. Pronto me informo de sus creadores, Kyle Dixon y Michael Stein, dos de los miembros del cuarteto SURVIVE. Que se completa con Adam Jones y Mark Donica. Cuatro freaks del "old analog sound" que en su Texas natal crecieron coleccionando durante los 90 sintes viejunos  o construyendo modulares de estética steampunk. Qué suerte. 



Y puede que no acompañe mucho ser tejano y un loco del cosmic kraut, pero ellos saben bien en qué andan metidos. Para la serie se inspiraron tanto en Giorgio Moroder, Claudio Simonetti (el giallo está muy presente en el score de "Stranger Things "), Tangerine Dream (adoran "Sorcerer") o John Carpenter (tanto el músico como el director, perfecta inspiración para la serie). Además de citar a Herzog o Tarkovski como directores de cabecera, o lo que es lo mismo, Popol Vuh y Edward Artemiev. 



Después de formarse en 2010, "mnq026" fue su debut de 2012. Antes de que Matt y Ross Duffer, los directores de la famosa serie, se fijarán en ellos. Todos sus discos se titulan como el número de catálogo,  así que es un poco difícil su memorización. Escuchándolo uno percibe que ya estaban más que preparados para éste cometido fílmico.




"Scalar Wave" (4'46) por ejemplo, se adentra en el daliniano universo de Edgar Froese en solitario durante los 70. 





"Dirge" (7'14) posee un halo a sociedad distópica futurista, si, "Blade Runner " en mente. Prestan atención a la melodía,  y se nota que se conocen todos los tics y trucos del género. 



No es de extrañar que dos piezas de éste álbum,  "Hourglass" (4'32) y "Omniverse" (4'38) ya fueran utilizadas por el director Adam Wingard para su horror movie, "The Guest" (2014). 



"Black Mollies" (6'05) combina la eterna vanguardia de Conrad Schnitzler, con otros actuales iluminados krauties -USA, los excelentes Zombi.



O "Desert Skies" (5'36) y "Floating Cube" (4'22) y su claro y reconocido amor por la herencia de Tangerine Dream.


"Shunting Yard " (4'54) y la escuela Roedelius. Y "To the Alone Blow" (2'29) como un guiño al abstraccionismo de Eno. Ryuichi Sakamoto se ha declarado fan de estos jóvenes paladines electrónicos,  Jedis  auténticos,  nada de farsantechnos fraudulentos. Y el hombre sabe de qué habla.


 El último disco de SURVIVE es "RR7349" (2016), en el que muestran orgullosos algunas joyas de su tesoro hardware : ARP 2600, Júpiter 8 o el Memory Moog.
Una alegría comprobar que la prog-electrónica sigue dando nuevos valores. Ahora a esperar la segunda temporada de "Stranger Things" y sus nuevas propuestas musicales.

J.J. IGLESIAS 











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Dancer - Tales of the Riverbank 1972

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Dancer fue una banda procedente de la isla de Wight formada a principios de los 70 y que tenía entre sus filas al oscarizado director de cine  Anthony Minghella (El Paciente Inglés 1996). El resto del grupo lo componían Mike Jolliffe (voz, guitarra), Gerry Cahill (guitarra, flauta), Paul Athey (batería) y Mike Cuffe (bajo).


En 1972 son descubiertos por el ex-gerente de los Black Sabbath  y consiguen entrar a grabar en los estudios Olimpya de Londres bajo la dirección de Tony McPhee, guitarrista de GROUNDHOGS. Registran 7 temas que caen en el más sombrío olvido. La banda desaparece sin más. 


Nos encontramos ante las grabaciones perdidas de Dancer y rescatadas treinta años después por su bajista Mike Cuffe, menos mal que esta joya ha podido ver la luz. Su música podría ser enclavada dentro del progresivo, folk-progresivo, Canterbury,  etc. Podríamos ponerle muchas etiquetas pero lo cierto es que simplemente es música con una belleza extraordinaria. Partiendo de la voz de Mike Jolliffe que me recuerda gratamente las sonoridades de Greg Lake, pasando por las guitarras entre acústicas y relajadas de Gerry Cahill. Sin olvidar la labor de su teclista, el desconocido en ese momento  Anthony Minghella, siempre creando atmósferas a lo Peter Bardens. Y teniendo una sección rítmica plenamente acertada a cargo del bajista Mike Cuffe y el batería Paul Athey. El guitarrista de GROUNDHOGS, Tony McPhee colabora realizando un solo de guitarra en el tema que abre el disco y el más destacado sin duda, " Tales Of The Riverbank". Composición llena de sensibilidad que podría estar perfectamente en cualquiera de las discografías de los grandes del género.  Disco TOTALMENTE RECOMENDADO aviso.



Temas

1 Tales Of The Riverbank  00:00
2 America Wood  11:25
3 Morning 15:18
4 Mac's Cafe  21:22
5 This Change In Me  25:48
6 Fairhill Affair  29:20
7 Mind The Houses 34:30

Formación
Gerry Cahill - guitarrra, flauta
Anthony Minghella - teclados
Paul Athey - batería
Mike Cuffe - Bajo
Mike Jolliffe - Guitarra, Voz
Tony McPhee - Guitarra (Track 1)




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IGGINBOTTOM - Igginbottom's Wrench (1969 / DERAM)

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Se nos fue. El gran Allan Holdsworth ha sido el siguiente en la lista. El hombre al que le copiaba los trucos guitarristicos en su adolescencia John Mclaughlin. El empedernido saboreador de cerveza. El músico de los solos imposibles. Con él sí que se puede aplicar el cliché  de que era único. Imitado por toda la legión de neo-classical shreders de los 80. Su forma de expresión con el solo como vehículo se convirtió en su marca registrada.



Su guitarra fue requerida por Nucleus, Tempest, Soft Machine, UK, Bruford, Sunship, Jean Luc Ponty, Tony Williams Lifetime, Stanley Clarke, Herbie Hancock, Gong, Level 42 , Johansson Brothers o.....Krokus (apareció como invitado en uno de sus discos). La carrera de Holdsworth abarca una colección de álbumes de exquisito gusto.

Su primera aventura discográfica conocida fue en el 69, para la filial progresiva de Decca, Deram, con el único álbum de Igginbottom. Dave Freeman (batería ), Mick Skelly (bajo), Steven Robinson (guitarra,  voz) y Allan Holdsworth (guitarra y voz solista).

Una banda de efímera existencia, habitual en los circuitos blues y jazz londinenses, que sin embargo tuvieron tiempo de plasmar ésta delicia.

El cálido aroma jazzy /prog  de "The Castle" exhibe un aire casi canterburyano. Que resume muy bien el estilo del cuarteto. La voz de Holdsworth es acogedora y agradable, sorprende que no volviera a cantar en toda su extensa carrera. 

"Out of Confusión " llega a la psicodelia por medio del jazz. "Sweet Dry Biscuits" juega a dos guitarras en progresión jazzistica,  generando uno de los primeros artefactos británicos de prog -jazz. La sección rítmica es todo un placer auditivo. 

La magia continúa en "Golden Lakes", los arreglos son valientes e imaginativos, y Allan enamora con un tono de voz entre Sting y un joven Wetton. 

Los detalles rítmicos de "Not so Sweet Dreams" colorean con gracia el entramado guitarrístico lleno de astucia, y un sabio aprovechamiento de los silencios. Llegando a una ensoñación bucólica psych/jazz/proggy de primer nivel. 

Cerrando la cara está "Is she just a Dream?", con una estrategia que mezcla agilisimos sprints de mástil y forcejeos con una sección de ritmo fuera de lo común. 

Damos la vuelta al vinilo y "California Dreamin" es presentada en una irreconocible versión instrumental de preciosa ejecución orientada al jazz. 

Otro ejemplo de originalidad en estado neto es "The Witch". No podemos comparar a Igginbottom con nadie de ésa época. Lo que demuestra que Holdsworth, ya en sus inicios, iba por libre. Quizá el acercarlos al Canterbury sound fuera lo razonable, por cálidas voces y parecido mobiliario estilístico. Aún así,  no tienen competencia. 

"Blind Girl" es otro "caramelo amargo", que es como veo yo las canciones de Igginbottom. Cálidas pero con escozor nostálgico

. Terminamos con la más extensa del disco, "The Donkey" (10'13). Tremenda exhibición de Freeman a los platos y posterior desarrollo instrumental con derroche de reflejos y buen gusto a palas. Holdsworth ya suena a él,  en aquellos finales 60. Su manera de construir un sólo,  al modo de un instrumento de viento, le viene de su confesada admiración por John Coltrane. 

"Igginbottom's Wrench" es un excelente disco de primer progresivo orientado al jazz. Difícil de encontrar y de alta valoración coleccionista.

Una bonita manera de recordar al maestro desde sus acertados inicios. Holdsworth rules!

J.J. IGLESIAS



Temas

The Castle 2:55
Out Of Confusion 2:09
The Witch 3:03
Sweet Dry Biscuits 2:52
California Dreamin' 4:00
Golden Lakes 5:12
Not So Sweet Dreams 5:00
Is She Just A Dream 4:33
Blind Girl 3:46
The Donkey 10:42




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EYE - Discography

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Hay pocas bandas que combinen de manera magistral y por igual el hard rock setentero, la psicodelia, el space rock, la electrónica y rock progresivo, como lo hacen estos cuatro excelentes músicos naturales de Ohio.


 Las bandas norteamericanas demuestran una vez más su buen hacer y su calidad técnica y en este caso no se trata de unos más apuntados al psych rock actual y vintage dentro de la moda stoner o retro hard. Estos tíos parecen una vez más salidos de la cosecha más genuina de aquella época dominada por  la instrumentación analógica. 


El arsenal del teclista Adam Smith y actualmente Lisa Bella Donna después del cambio de sexo, es todo un museo de Mellotron, ARP Odissey, Organ, String Ensemble, Fender Rhodes, Moogs y Sequencers además de tocar las guitarras como un maestro. Los amantes de los sonidos poderosos y altos en nicotina están de suerte porque estos tíos/tía dan leña en un apabullante despliegue instrumental de alto calibre. Los actuales miembros completan la formación como John Finley a las guitarras eléctricas y acústicas, Michael Sliclen al bajo, doble bajo y percusión y un batería potente y eficaz como Brandon Smith. Cantan casi todos y se acompañan por dos vocalistas más.

Su música no te dejará indiferente: desde Hawkwind a Black Sabbath, pasando por Nektar, Pink Floyd, Eloy o Gong era Tim Blake a ramalazos de rock prog sinfónico de nombres de todos conocidos. Una riqueza de medios bien empleada en tres trabajos de estudio sin desperdicio más un live del 2014.


Center Of The Sun: el primer trabajo grabado en 2011 es un denso viaje a la Hawkwind con retazos Floyd era A Saucerfull Of Secrets-Meddle vistos de manera particular. Tanto las voces como algunas ruedas de acordes recuerdan a los alemanes Eloy época Ocean y parte del Kraut germano está constantemente presente y se nota que lo han mamado bien a conciencia. 



El acento es a veces bastante pesado y metalizado pero muy bueno y le da el carácter apropiado que necesita este tipo de música. Su atmósfera se adentra en lo gótico y agobiante por momentos pero es que el camino lo pide. 


Abrasa al oyente…pero al oyente experto. Las guitarras, mellotrón, teclados es puro ácido corrosivo y nos retrotrae a imágenes de aquelarre y delirio.



Second Sight: La siguiente página data de 2013 y es un trabajo bastante más extraño a la vez que atrayente. Está elaborado en densas capas de mellotrón que nos acercan a sinfonismos conocidos como unos Crimson despojados de su aurea intelectual y hasta los Moddy más atrevidos tendrían cabida. 



Su música es una narrativa muy descriptiva casi fílmica y naturalmente la sombra del kraut alemán sigue presente, acechando en escenas amenazadoras. También tienen sus momentos apacibles de rasgueo acústico con guitarras a lo Floyd y un trabajo vocal que equilibra y mucho a otros pasajes super potentes…Gilmour…(el joven imaginativo, no el de hoy y ahora) y  otra vez Eloy…finas partes melódicas dan riqueza a un cuadro puramente setentero. 



Mucho hard prog en su mejor momento y sinte a raudales porque los 21 minutos de “Lost are the years” certifican lo dicho. Y nada de cocina de vanguardia ni deconstrucción de patata light a lo Ferrán Adriá. Puro sonido vintage de cuero envejecido, hebilla oxidada , polvo de buhardilla, libro humedecido con mordisco de ratón y humo de galería bohemia. Con dos cojones.



Vision and ageless light: Su tercer trabajo de 2016 concentra aún mayor interés que los anteriores. Los teclados se lanzan sin misericordia y las afiladas guitarras muestras toda su energía. Pero por momentos nos vamos al jazz-rock y a lo intrincado. Prog sin paliativos. 




Música compleja sumamente bien hecha que por momentos casi me hace recordar a los primigenios Utopia y al Ikon de Todd Rundgren. Son tipos de alto calibre instrumental y lo demuestran y a la marcha que llevan pueden sorprendernos en sus siguientes trabajos.





 Actualmente marcan la diferencia entre una buena banda y otra del montón. Los 27 minutos finales de la pieza de cierre es para quitarse el sombrero. Muy buenos, sí señor. 

Alberto Torró



Live at Relay











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BIG HOGG (Escocia)

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Encantadora y joven banda de Glasgow orientada a la psicodelia británica con cierto toque y perfume a grupos como Spirogyra (Barbara Gaskin) y a las bandas más pop rock del primigenio sonido Canterbury.


 Un sexteto con sección de viento y agradables canciones. Incluso a veces pueden recordarte ligeramente a los Curved Air. El grupo en cuestión está integrado por el líder Justin Lumsden en guitarra y voz, un trío de vientos lo ocupan Richard Merchant, Ross McCrae y Sophie Sexon, la cual  aparte de su lírica flauta, posee una bonita voz. Un polifacético Nick Gaugham que además de batería y percusiones toca teclados, bajo y lo que le pongan. El bajista oficial responde al nombre de Tom Davis.


 Por consiguiente tenemos una fértil amalgama de folk, rock, jazz y psicodelia por no desmerecer en ningún estilo y por supuesto el perfume hippyland que no falte ¿o deberíamos decir neo-hippy y apuntarnos a las mil etiquetas actuales? Ciertamente el estilo a veces, no siempre, está muy emparentado de los Caravan más inocentones, poperos, festivos y menos comprometidos y quién conozca a fondo la discografía del grupo puede apreciarlo sin dificultad. 


Esa despreocupación y flema tan británica, nada inclinada a la seriedad y a la trascendencia recorre los vericuetos de su música. Cervecita XXL (la cañita mini con gaseosa y posa-vaso, para las nenas y nenes pijos del PP) canuto, hierba y flores húmedas, té de las 5 con whisky de malta, una buena flatulencia más  algún eructo, y a sobar a la sombra de abedules. Precioso, natural y sano.


Big Hogg tan solo tienen dos trabajos hasta el momento: Big Hogg (2015) y Gargoyles (2017) y bromas aparte, el trabajo de composición de la brass sección, merece atención. La instrumentación al más puro estilo de los 70´s nos acerca a veces a los primeros Chicago Transit  Authority y si os digo la verdad hay muchas más influencias que simplemente perfumes canterburianos.


 Bonitas baladas, temas formato canción, no muy extensos. Añadimos un envoltorio muy cuidado, atractivas portadas etc…y en definitiva una banda muy agradable para acompañar con una buena pinta de cerveza negra.

Alberto Torró
Big Hogg






Gargoyles

















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Hilario Camacho - La estrella del alba (1976)

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Hilario Camacho fue un cantante y compositor del barrio de Chamberi (Madrid) nacido en 1948. Durante la década de los 70 tuvo su máximo esplendor compositivo aunque el éxito no llego hasta los 80 de la mano de una serie de TVE y su tema "Tristeza de Amor".



Sus inquietudes musicales comenzaron al entrar a la universidad (1965) poniendo música a poemas de Miguel Hernández, García Lorca entre otros. Se incorpora a la agrupación musical de cantautores "Canción del Pueblo". En el 68 forma "La Trágala", dando conciertos reivindicativos al límite de la legalidad vigente. Poco a poco se va alejando de ese movimiento y se adentra en la composición musical llegando en 1971 su primer disco "A Pesar De Todo". La grabación fue producida por  Alain Milhaud (Canarios, Bravos). Durante algún tiempo se dedica a componer y a cultivar otras facetas como la de actor apareciendo en   "Autopsia" (1973), de Juan Logar.


Su segundo disco llega en 1975, "De Paso", donde combina psicodelia, folk, y rock progresivo. Dos años mas tarde llegaría "La Estrella del Alba" con influencias latinas. En esa época colabora con artistas como  Pablo Guerrero, Maria del Mar Bonet, Joaquin Sabina como productor y compositor.

Su cuarto disco lo edita en 1981, "La Mirada del Espejo", donde destacan dos grandes temas, "Madrid Amanece" y "Final de viaje". En el 85 le llega la popularidad al componer el tema principal de la serie de TVE "Tristeza de Amor".  Curiosamente también realiza la sintonía de la serie infantil "David el gnomo". Durante los 80 compondría temas para Joaquin Sabina, Martirio, Cómplices, Luz Casal, etc.


En 1990 llega "El Mercader del Tiempo" que pasa sin pena ni gloria. Siete años mas tarde ve la luz un disco en directo, " En Concierto" y le sigue "Lunático Veneno" (1998) donde colaboran Los Secretos.

El nuevo milenio lo abre con "No Cambies por Nada" (2003) con la participación de Kiko Veneno.  En 2006 llegaría su último legado "Una Mirada Diferente" publicado después de su muerte el 16 de Agosto.


He de reconocer que nunca me han gustado los cantautores pero la voz de Hilario Camacho vas mas allá. Su musicalidad crea atmósferas de verdadero sosiego. En algunos temas simplemente tararea resultado ser un instrumento mas de la banda. Su música navega por los caminos del folk progresivo con ciertas influencias latinas. Pero quién mejor que Hilario para comentar los temas. Os dejo un extracto de las hojas promocionales del disco donde el propio Camacho comenta sus temas.

J.C. Miñana





Temas
A1La Estrella Del Alba 5:22
A2Claros Sentimientos 2:50
A3Soledad Y Silencio 2:46
A4La Casa Del Pozo 2:30
A5Mis Pies Pisan La Roca, Mi Cabeza Sobre Nubes Va Flotando 4:04

B1Arquitecto De Sueños 6:40
B2Señora De Ojos Tristes 3:50
B3Guapachosa 2:18
B4Maria 3:16
B5El Paseo Del Atardecer 2:04

Formación
Jorge ''Flaco'' Barral (tracks: A3, A4): guitarra acústica
 Toni Lopez (tracks: B4): Guitarra acústica - solo
Hilario Camacho: voz, guitarra acústica, 
 Fernando ''Akoko Moki'' Bermudez: batería
Jorge ''Flaco'' Barral: bajo, voz
Toni Lopez: guitarra eléctrica
Pedro Guerrero (tracks: A3, B1): mandolina
 Jesus Pardo: teclados
 Jorge Pardo (tracks: B3): saxo
Voces– Ana Martinez (tracks: A4, B1), Daniela Estevez (tracks: B2)








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Free - Live at Sunderland 1970

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La voz única de Paul Rodgers, la genialidad guitarrera de Paul Kossoff y una excelente sección  rítmica formada por Simon Kirke y Andy Fraser crearon una de las bandas míticas de finales de los 60. Más que rivales complemento a los Cream, lamentablemente las drogas destruyeron a su guitarrista y nos privaron de una carrera más longeva.



En enero de 1970 la banda entra en los estudios para grabar su tercer disco, "Fire and Water",  Se publica en Junio de ese año resultando el tema "All right now" un éxito total. El 30 de Agosto participan en el Festival de la Isla de Wight ofreciendo un setlist compuesto por :  "Ride on a Pony", "Mr. Big", "Woman", "The Stealer", "Be My Friend", "Fire & Water", "I'm a Mover", "The Hunter", "All Right Now" y "Crossroads".  A finales de año volverían a los estudios para la grabación de "Highway" con un ambiente muy deteriorado por las drogas.


Nos encontramos con la actuación de la banda Free en la localidad de Sunderland en el Nort Fillmore en enero de 1970. Habían comenzado a grabar su tercer disco y les sirvió para ver la respuesta del público de algunos de los nuevos temas. En el setlist aparecen dos temas, "All right now" y "The Hunter", publicados en el oficial "Free Live" (1971) y tres temas más editados en la posterior reedición de ese disco ("Moonshine", "Trouble On Double Time" y "Mr. Big").  El resto son hoy en día clásicos de la banda como "I'm a mover" o "Song of yerterday". Atención a la versión final del "All right now" y al  tema de  Robert Johnson, "Crossroads". Excelente sonido.




Temas
1.- All right now 06:28
2.- I'll be creeping 04:33
3.- Free Me 06:39
4.- Woman 04:19
5.- I'm a mover 03:44
6.- Walk in my shadow 04:18
7.- Songs of yerterday 05:09
8.- Mr. Big 05;27
9.- Trouble on double time 03:58
10.- Moonshine 09:09
11.- All right now 07:30
12 .- Crossroads 06:37

Formación
Paul Kossoff: guitarra
Paul Rodgers: voz
Andy Fraser: bajo
Simon Kirke: batería




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ART FLEURY - I Luoghi del Potere (1980 / Italian Records)

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El origen de Art Fleury proviene de la banda AMG, cuya actividad estuvo centrada en los mediados 70. Eran las iniciales de Augusto Ferrari, Maurizio Tomasoni y Giangi Frugoni. Tras tocar con Área y Henry Cow,  cambian de estilo y nombre, fichando por el pequeño sello (especializado en new wave! ), Italian Records.

El estilo que acogerán a partir de ahora entra de lleno en la vanguardia de paisanos como Franco Leprino o Franco Battiato. Añadase nombres teutones como Limbus, Annexus Quam o Faust.

Concebido como la banda sonora de un film imaginario, la primera edicion del disco incluía unos fotogramas con la inscripción : " banda sonora del film homónimo ".

"Uno Spettro si aggira per le Brigate Hans Eisler" (8'38) abre este mundo pesadillesco entre "La Metamorfosis" de Kafka y la dimensión del dolor de los Cenobitas de Clive Barker ("Hellraiser"). Instrumentos orgánicos como bajo o batería  se mezclan con órgano  y sintetizadores, en una amalgama oscura y siniestra de densa ambientación. La guitarra en libre albedrío atonal,  refleja gustos crimsonianos. Hay que señalar que Hans Eisler era un compositor austríaco alumno de Schonberg y Webern.

"Fabbrica Rosa" (11'27) se acerca más a los Tangerine Dream de los primeros y experimentales trabajos. La atmósfera es más electrónica,  con el órgano en primer plano y más centrados en formalismos kraut. La ambientación es industrial, mecánica, mientras se despegan de ese embrutecimiento monótono,  sonoridades psicodelicas que escapan al yugo material. Dando por victoriosa a la libertad de la mente frente a la mediocridad del sistema. Faust sería aquí un buen referente.


En la cara b "E=mc2 (La Collina del Timo)" (4'58) tiene más que ver con esquizofrenias sonoras Rock In Oposition de curiosa y caprichosa estructura. 

Finalmente "La Morte al Lavoro" (11'43) podría ser en su siniestra intro Art Zoyd, Magma o Univers Zero. La voz lujuriosa de Marilyn Monroe aparece cantando entre la espesura avant de amenazadora instrumentación. Su desarrollo es un "bolero fúnebre " o una marcha militar alienígena  en un remoto planeta donde la inmensa distancia con nosotros, no evita sus mismas perversiones ni pecados. Resulta una pieza llena de un espectacular catálogo de fantasías e imágenes delirantes. Muy fílmica,  a la vez que estresante. No apta para todas las psiques.  Una recomendación extensible a todo el álbum,  donde el cartel advirtiendo "no dejar al alcance de los niños" sería correcto. Así como a enanos mentales o incapaces de moldear su propio cerebro a la necesidad absolutamente obligatoria de ser feliz.


Art Fleury propician ésta reflexión,  así que para algunos serán unos terroristas intelectuales. Mientras que yo los veo como unos libertadores  de mentes dispuestas a volar a su antojo. Elige.


J.J. IGLESIAS





Temas

A
Uno Spettro Si Aggira Per Le Brigate Hans Eisler 8:38
Fabbrica Rosa 11:27

B
E=mc² (La Collina Del Timo) 4:58
La Morte Al Lavoro 11:43




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