ROCK LIQUIAS

Aurora fue un grupo tejano formado a mediados de los 70 (1976) y fundado por el violinista Mark Menikos y el guitarrista Skip SoRelle. El nimbre lo tomaron de un disco de una de sus grandes influencias, Jean-Luc Ponty. El resto de la banda estaba compuesta por Roy Vogt (bajo), John Sharp (teclado) y Martin McCall (batería).

El recorrido de Aurora fue de apenas cuatro años, en 1980 dejaban de existir. Durante su carrera no editaron ningún disco. Años después (1999) fueron rescatadas algunas de sus grabaciones.

Este Cd de Aurora es una recopilación de temas grabados en 1977. Los tres primeros se realizaron en los estudios Sound de Dallas y el resto fueron grabados en una retransmisión para la emisora local KZEW-FM de esa misma ciudad. La música que desarrollan está muy influenciada por gente como Jean-Luc Ponty, jazz rock instrumental donde el violín tiene un papel muy importante. Me recuerdan mucho al grupo español Teverano y la parte rítmica esta muy cercana a lo que hacían grupos como Iceberg o más tarde Pegasus. Tema destacado sin duda el que abre la grabación. "Opus 8", son once minutos que nos muestran claramente lo que vamos a encontrar en el resto del disco.

J.C. Miñana

Temas

1 Opus 8 00:00

2 Within 11:54

3 Dancing On A Plain In Spain 17:50

4 Is There Any More? 26:03

5 Off-Blue 30:30

6 Eurhythmia 35:24

7 Savage Lust 40:27

8 Polyfolk Dance 47:21

9 Khartouhm 52:28

10 Jubilee 01:02:05

Formación

Roy Vogt : bajo

Martin McCall: betería

Skip Sorelle : guitarra

John Sharp : teclados

Mark Menikos: violín

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Cuando se trata de escribir la historia del rock, (o cualquier historia que haya sucedido), se tiende a contar tan sólo la punta del iceberg. Así, si hablamos de la California de finales 60, y concretamente del "verano del amor" del 67, aparecen los clásicos sospechosos habituales. Por el camino se ignoran grandes bandas que no traspasaron esa barrera del tiempo y popularidad. Vaya usted a saber porqué. La vida es una puta lotería. O las dos cosas.

Big Foot fueron uno de esos grupos olvidados en la memoria de los historiadores. Formados en ese mágico año de 1967 como Brass band en un compendio estilístico que refleja perfectamente su época : Psicodelia, jazz, Soul, funk, proto hard y primeros pasos progresivos.

Cinco excelentes músicos. Art Munson (guitarra voz). Virgil Beckham (bajo, voz). Gerard Belisle (trompeta, trombón, voz). Spencer Earnshaw (batería, voz). Y David Garland (órgano, trompeta, saxo, voz). Habituales del Sunset Strip jipioso, verlos sobre las tablas del Whisky A Go Go o el Pussycat A Go Go era tan normal como ver a Vanilla Fudge, Chicago, Blues Project o el mismo Hendrix. Justo algunas de las influencias clave en el sonido de Big Foot.

Banda que por otra parte aunaba ya importante experiencia tras haber sido backing band para The Righteous Brothers o The Soul Brothers.

Su único álbum comienza como un outtake de los mencionados Vanilla Fudge, en "I keep Holding on". Mismo estilo y feeling, órgano dominante y coral en equipo. Buenísima voz del solista, que ignoro quien era, al señalar como "voz" a todos sus miembros en créditos. Excelente pieza proto-progresiva fiel reflejo de esos días.

"Colors" es hard rock soul con el gancho que hacía furor por entonces. Rare Earth, Blood, Sweat and Tears, Lee Michaels o Lighthouse son apropiadas referencias. Con el añadido de la hendrixiana guitarra de Munson y un perfecto break jazzistico cuasi be-bop.

"Sara Lee" exhibe brillante melodía vocal, órgano dominante, brass sección en esteroides y la destacable guitarra solista sobresaliendo con el apoyo rítmico indispensable. Simplemente perfecta.

El hard funk ácido se desparrama por los surcos de "When will it hit me", con un riff tomado prestado del "Purple Haze ", en un cruce entre God Hendrix y Chicago Transit Authority. Fuerza para vivir, hermano.

Termina la cara A con "Living Again", en un alegato hippie de voz muy Gillan (cuando era "Jesucristo" y no le tosia nadie). Por ello pueden parecer a ratos a los primeros Purple.

Volvemos a la carga hard soul con "Take me" . Casi Grand Funk Railroad si éstos hubieran echado mano de vientos a la JB's.

El tratamiento Hammond de "California Lights" los emparenta con bandas británicas, y Colosseum me viene enseguida a la mente, al igual que la Keef Hartley Band.

Éste sabor british continúa en "Bring Another Day" en un pausado tema muy psych, y cercanías con Heaven, If o Greatest Show on Earth.

"Teen Tight" es extraordinario baroque psych/Prog con incendiaria guitarra y a - BRASS- adora, ejem, brass.

Como de costumbre , el cantante se sale. Es escuchar los primeros compases de "Music Maker" y recordar los inicios de Uriah Heep, particularmente la voz gemela de David Byron, en ésta ocasión.

Finalmente "Let it Flow" ofrece más caliente hard rock prog con fuerte logística órgano / guitar, y el cantante desgañitandose al estilo Arthur Brown. Mientras, las secciones de viento / ritmo, arrasando. El sólo de wah wah en pugna con Hammond es impagable. Otro gran momento en un álbum plagado de ellos.

Big Foot representa a ése pelotón anónimo de grandes combos que por lo que fuera, no llegaron a oídos del gran público.

Pero no cabe duda de que lo merecieron.

P. D. - "......no llegaron a oídos del gran público".....pero sí a los de Emerson Lake and Palmer. Escucha "Sara Lee".

J.J. IGLESIAS

Temas

I Keep Holding On 3:30

Colors 3:50

Sarah Lee 3:30

When Will It Hit Me 3:30

Living Again 3:16

Take Me 2:23

California Lights 4:53

Bring Another Day 3:12

Teen High 2:43

Music Maker 3:28

Let It Flow 3:24

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Al final me he decidido por integrar una nueva sección dedicada a hablar de una de las bandas alemanas más interesantes y más desconocidas del rock progresivo.

Grobschnitt es uno de los grupos más veteranos de los 70´s y también uno de los más peculiares, imaginativos, personales y originales de lo que se gestó en el panorama Krautrock. A diferencia de sus coetáneos germanos, Grobschnitt no traspasó las fronteras de su país, y solo los más interesados y avispados melómanos del estilo progresivo, se preocuparon de que su fama traspasase las fronteras europeas.

Son un grupo de culto a través de las últimas décadas con su ascenso, su caída y su rehabilitación ya maduritos. Curiosamente fue la mejor banda de rock sinfónico alemana entre 1975 y 1979 y ni dios se percató de ellos salvo claro está en su país de origen.

Yo oí hablar la primera vez de ellos mediados los 80, a través de un conocido del trabajo que había vivido tres años en Alemania. No era un tipo precisamente metido en música pero tenía un vinilo llamado “Solar Music Live” no sé el motivo de esa adquisición pero él sabía de mis gustos por conversaciones que por otra parte no suelo mantener salvo con gente muy metida y muy escasa, pero se enteró y a día de hoy le agradezco el descubrimiento. Me quedé con el nombre, algo jodido de recordar y de pronunciar y aún tardé algunos años más en empezar a oírlos porque era prácticamente imposible conseguir sus discos.

La revista madrileña El Mellotron, que fue compañera de fatigas de nuestra revista Lunar Suite, hizo de ellos en la primavera de 1997 una magnífica biografía de manos de Federico J. Santamaría. La única en España que yo sepa. En uno de mis viajes a Andorra conseguí en vinilo su primer disco de 1972. No fue fácil su escucha y no porque su música fuese complicada, en absoluto, sino porque eran distintos a todo lo que había escuchado. Cuando un grupo es difícil de etiquetar ya ha conseguido mi absoluta atención y picor de gusanillo.

El origen de esta banda alemana data nada menos que de 1966 y por entonces se hacían llamar Crew. El rock progresivo aún estaba en pañales, es más no existía casi como tal. Y tal como dice el tópico que si antes el huevo o la gallina, estos tipos ya tenían ideas raras en la cabeza. Naturalmente son hijos de la psicodelia pero sus extraños conceptos y sentido del humor están más cerca del absurdo zappero que de las floridas gilipolleces de paz y amor.

No existen grabaciones de ésta época lamentablemente y no puedo aventurar por donde iban los tiros. Grobschnitt en definitiva se forman en 1970 de la mano de tres peculiares tipos: Stephan Danielak (alias Wildschwein) en guitarras y voz solista (y que voz!!). Joachin Ehrig ( alias Eroc) un personalísimo y particular batería y Otto Kühn (alias Lupo) un guitarra solista con estilo y clase. Completaron la primera formación un bajista llamado Berhard Uhlemann ( alias Bär) y un teclista de nombre Hermann Quetting (alias Quicksilber). Fueron una formación que se desarrollaban perfectamente en directo con una fantástica base musical.

Hasta 1972 no grabaron su primer trabajo en el mítico sello Brain. Existen grabaciones anteriores que con el tiempo verían la luz en la enorme cantidad de archivos que posee Eroc, el alma matter histórico y restaurador de las viejas grabaciones de su banda. Grobschnitt de 1972 me costó muy barato de oferta en Andorra a finales de los 80´s. Ahora supongo valdrá un güevo.

La portada del primer registro de Grobschnitt es muy atractiva como lo es su programa. La primera pieza de 13 minutos se llama directamente “Symphony” y se inicia con voces histriónicas y cerveceras en una pieza enérgica de sympho-prog-santanero, mezcla imposible pero cierta, en una especie de primitivos Camel muy animados. La voz es la hostia.

Travelling es el segundo corte con toques ácidos de psych-rock en línea parecida al anterior. La monumental e histriónica voz de Wildschwein, me recuerda a los viejos tiempos de Colosseum.

La siguiente Wonderfull Music es un ejercicio a la Focus de corte folk –medievo-trovadoresco que escapa del planteamiento general del álbum.

Con Sun Trip volvemos a largas suites en onda algo space y hard en el estilo prog de la época, recordemos que estamos en 1972 y la voz vuelve a demostrar su versatilidad tanto en momentos locos como líricos. Buenos momentos de guitarra-organ, y atractivos toques de rock-blues.

La versión remaster en CD lleva dos generosos bonus track live: la entretenida About My Town y sus eclécticas y rítmicas variaciones en derroteros próximos a la fusión y una monumental, diferente y musculosa versión de Symphony de 26 mtos. Un disco interesante y un buen debut pero lo mejor estaría por llegar. Una pena que no llegasen a abrir fronteras.

Alberto Torró

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Finlandia no fue ajena a las influencias que el jazz rock europeo imponía en las década de los 70´s. Este trabajo es ya tardío de 1979, pero se encuadra perfectamente en la fusión progresiva de los primeros años de la década. Tanto los países escandinavos, nórdicos y del este, tienen una veta infinita de grupos de este estilo.

El sonido es completamente retro con teclados analógicos y bonitos dibujos de sintetizador, wah wahs, phaser etc…. La guitarra no iría muy desencaminada a un primerizo Latimer de Camel por su forma y sentido melódico y el saxo y clarinete se emparenta con las formas a lo Jimmy Hastings- Elton Dean manteniendo distancias naturalmente.

Aunque no tienen la “patafísica” sonora ni el extraño desbarre de las bandas del este de Inglaterra. Son más “serios” en el sentido convencional del jazz y lo puedes comprobar en el swing de bajo-batería- piano. Por aproximarnos más, los emparentaría con los Nucleus de Ian carr sin mucho problema. Hay también retazos a lo Corea- Dimeola algo funky donde bajo y sintes hacen alguna bizarrada.

Muy buenos músicos, como cabría esperar y de vez en cuando el órgano hammond B-3 ruge vigoroso. El álbum vendió la irrisoria cantidad de 300 ejemplares y naturalmente es un rara avis para fanáticos coleccionistas.

Finlandia sufrió como los demás países el cambio de década hacia la música fácil y anodina que empantanó la década del brillo y las hombreras y este trabajo puede que sea de los últimos de su estilo. En las escasas referencias que existen de esta banda parece ser que otros trabajos suyos anteriores fueron mucho más experimentales en la onda del Uncle Meat de Zappa, la forma más marciana de los primeros Floyd e incluso acercamientos a la Mahavishnu Orchestra. El que quiera que busque porque el que busca encuentra. El disco es muy recomendable, bastante melódico y entretenido.

Alberto Torró

Temas

A1 Hiilijuna 9:03

A2 Metsän Takaa Nousee... 5:26

A3 Ilmojen Halki 4:34

B1 Music Maze 5:58

B2 Moon Funk 6:47

B3 Tosikertomuksia 6:03

Bonus

C Savitaipaleen Polkka 2:28

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Dicen los madrileños sobre su autoeditado debut : "Melange combina el folclore popular con Can, el prog con Vainica Doble, a Soft Machine con el rock más intenso y las raíces españolas con CSN & Y. Es folk nómada para el siglo XXI".

Músicos experimentados en otras batallas, (Luger, RIP KC, Bucles), fueron juntados por Miguel Roson (guitarras, dulcimer), para tocar un puñado de sus canciones. Él fue el catalizador, lo que ocurre es que le cogieron gusto a la cosa. Y de un proyecto, se convirtió en un grupo con álbum doble. El resto de Melange son Mario Zamora (teclados, voz), Daniel Fernández (bajo, sitar, voz) y Adrián Ceballos (bajo, voz). Si bien cuentan con invitados a la viola, saxo, clarinete y guitarra.

Todo un enorme cuerpo de trabajo psicodélico que hace de su debut, un perfecto puente entre el presente y los 60 - 70. Musicalmente hablamos de navegantes que saben bien su hoja de ruta.

La tremenda apertura de "La Cosecha" (3'52) nos pone sobre aviso, con instrumental recuerdo al early british prog.

"Solera" (6'44) (homenaje al grupo español de los 70?...), tiene reminiscencias vocales de Módulos, que pronto son retorcidas con ánimo experimental hacia un reinado kraut.

La mutante "Conan" (2'51) se encuentra bien en su hábitat 60s.

"Saquesufah" (2'33) encubre Tarantino music con orientalismos.

En "Verdiales del Encuentro" (3'37) las voces y su abrigo instrumental tienen algo del baroque-psych a lo Zombies.

"Viaje a Cenera" (3'11) arropa con sitar otra melodía de añejo sabor español, otra vez Módulos en mente.

"Los ojos negros (bulerías de Dusseldorf)" (4'26) explica el tema por si misma : existe el "kraut andaluz"? Melange prueba que sí.

"Beti Jai (capricho sefardí ) (4'50) vuelve a usar la étnica para iniciarnos en su particular mundo psicotropico.

"Nuevos Ritos" (6'20) es otro trozo de pergamino hipnotic-kraut cogido al vuelo desde la "nube de la inspiración subconsciente", y plasmado con devoción aquí.

El cruce de mundos paralelos crean cosas como "Despertar" (4'37), en un inicio Wishbone Ash que pronto muta hacia el spanish prog de unos Azahar.

La única en inglés es "In the Hands of Time" (3'49), la cual podría pasar por inédita de The Moody Blues en los finales 60.

Melange es una droga que aparece en la novela "Dune", y "Las Dunas de Diabat" (4'49) conecta con ésta historia en formato muy descriptivo.

La espiral sonora de "Las olas del mar" (6'22) es otro buen ejercicio levitacional, muy indicado para desconectar con todo éste sinsentido que llaman realidad.

Si se llega hasta aquí, "La Montaña" (6'50) no resulta demasiado difícil de escalar en su "paleidolia mental". Los ecos de Popol Vuh, Yatha Sidhra, Embryo o Amón Duul se dejan notar en tan espesa niebla de la cúspide.

Por último "Tríptico de Tobala" (8'02) utiliza para su lisérgica liturgia instrumentos de viento, además de la exuberante instrumentación habitual en Melange.

La sensación de haber vivido una gran aventura queda, tras escuchar éste exquisito debut. No es muy común por éstas tierras enfrentarse a una empresa musical de ésta índole con la valentía, entrega, fantasía e ilusión que desprenden las notas de éste generoso disco. Otro destacable trabajo en materias psico-prog que intuyo irá tomando relevancia in crescendo, con la ayuda del tiempo.

Para nuestra salud emocional, Melange debe continuar ofreciéndonos nuevas dosis de su soma musical. Necesario.

J.J. IGLESIAS

Contacto:

Correo:melangemadrid@gmail.com

Facebook https://www.facebook.com/melangemadrid/

Bandcamp: https://melangemadrid.bandcamp.com/releases

P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en esta sección puede ponerse en contacto con nosotros : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70

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Nos tenemos que remontar a 1970 para encontrar el embrión de Kansas. Kerry Livgren después de haberlo intentado con diferentes formaciones reúne a miembros de White Clover ( Dave Hope y Phil Ehart ) junto a Meredith y Greg Allen, los teclistas Don Montre y Dan Wright, y el saxofonista and Larry Baker para crear lo que sería la primera formación de la banda.

Pasaron cuatro años y muchos cambios en su filas hasta editar su primer disco en marzo de 1974, "Kansas" con Steve Walsh (teclados, voz), Kerry Livgren (guitarra, teclados, voz), Robby Steinhardt (violín, voz), Rich Williams ( guitarra), Dave Hope (bajo, voz) y Phil Ehart (batería). Al año siguiente editaría nada menos que dos discos "Song for America" (febrero) y "Masque" (octubre). En el 76 llega " Leftoverture" con el tema estrella "Carry On Wayward Son" y en el 77 su consagración definitiva con "Point of Know Return" y su ""Dust in the Wind". A partir de aquí el estrellato y más de una decena de discos con múltiples formaciones.

Bajo el título de "Broadcast of Innocence" nos encontramos con la actuación de Kansas en el Villanova Fiel House de Pennsylvania el 22 de febrero de 1976. El grupo estaba inmerso en la gira de su tercer disco, "Masque". El setlist está compuesto por cuatro temas de su primer disco ("Lonely Wind", "Belexes" y "Bringing It Back / Can I Tell You"), tres del "Song for America ("Song for America", " Down the Road" y "Lonely Street"), tres del "Masque" ("Icarus - Borne on Wings of Steel", "Child of Innocence" y "All the World") y el instrumental "Guitar instrumental". En cuanto a la música podemos escuchar a unos Kansas en plena forma con su sonido característico muy determinado por el violín de Robby Steinhardt y con unos magníficos pasajes instrumentales donde brillan los buenos riffs de guitarra y el gran apoyo de los teclados. Temas destacados " Song for America" y la medley "Bringing It Back / Can I Tell You", lamentablemente se corta el final. El sonido excelente.

Temas

01. Song For America 00:00

02. Icarus (Borne On Wings Of Steel) 11:08

03. Down The Road 17:10

04. Lonely Street 20:40

05. Lonely Wind 27:18

06. Belexes 33:00

07. Guitar Insturmental 37:26

08. Child Of Innocence 40:58

09. All The World 45:37

10. Bringing It Back / Can I Tell You 50:52

Formación

Kerry Livgren - guitarra, teclados, voz

Robby Steinhardt - violin, voz

Steve Walsh - teclados, voz

Phil Ehart - batería

Dave Hope - bajo

Rich Williams - guitarra

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El alemán (afincado en Usa), Gershon Kingsley, ya había sido un explorador sonoro muy activo en los 60, junto al compositor francés de vanguardia Jean Jacques Perrey. Ambos contribuyeron al desarrollo de la naciente electrónica con álbumes como "The in sound from way out" o " Kaleidoscopic Vibrations: Spotlight on the Moog".

Bajo el amparo del empresario Sol Hurock, actúa un 30 de enero de 1970 el First Moog Quartet en el Carnegie Hall. Compuesto por Eric W. Knight, Howard Salat, Kenneth Bichel y Stan Free, coordinados por Gershon Kingsley y el añadido de cuatro voces. Ante la perplejidad de los asistentes y sorpresa de los más abiertos de mente. Entre éstos estaba un tal Robert Moog, viendo a "sus criaturas" tomar posiciones en lo más influyente de la cultura .

Tras un tour por universidades, grabaron y editaron su único Álbum, "First Moog Quartet". Lástima que su siguiente proyecto no fuera plasmado en vinilo : "Concert for Moog", encargado por Arthur Fiedler a Kingsley para su synth quartet más orquesta sinfónica, la Boston Pops Orchestra, en 1971.

El comienzo del álbum es pura electrónica modular con "In the Beginning" (3'01), en la que sin duda su poso avant queda reflejado.

"Miracles " (6'33) conjuga voz femenina con efectos primigenios y acompañamiento de prototipos Moog, los cuales estaban todavía gateando. La verdad es que recuerda poderosamente a los desvaríos cósmicos y susurros "planantes" de Gilli Smith en Gong. Dos voces de ambos sexos recitan en "spoken word", poesía social pseudo beatnick-hippie.

Esto continúa en "Have it -or Grab it- or Go" (5'38). Aquí con bajo y batería, lo cual me recuerda que los temas de éste álbum fueron grabados en directo, extraídos de la gira por universidades que precedió al disco. A pesar de que no se oye ningún signo de audiencia. El sólo de Moog aquí incluido tiene mucho de Keith Emerson. Quién fue antes, el huevo o la gallina?..

"Images" (2'55) demuestra la anterior experiencia de Gershon Kingsley como proveedor de música para Broadway. Solo que aquí parece estar cantando Judy Garland en el centro de un campo de batalla entre Tarkus y el Manticore!!!

La versión del "Sounds of Silence" (4'33) de Simón y Garfunkel también es de lo más psicótica. Como si Kate Bush cantara en un monasterio junto a los monjes, cantos gregorianos galácticos en un planeta olvidado.

Le sigue otra versión bizarre total del "Eleanor Rigby" (3'08) beatleliano. Muy influida por Walter Carlos y sus trabajos de entonces. Baroque-Funk-Blaxploitaition en marciano cóctel que ríase usted de los gin-tonics que preparan hoy en círculos pijos.

"Did you ever take a Journey" (4'04) es más Broadway meets Moog, con más solos Emerson style.

Finalmente "Rebirth" (2'46) lleva un crooner tipo Engelbert

Humperdinck con proto-sintes de fondo....quizá era su idea de retro-futurismo en 1970, quién sabe....

Gershon Kingsley editó en ese mismo año, - viendo el tirón del "Switched on Bach" -, "Switched on Gershwin". Reeditado en 1973 como "Switched on Moog". Pero "First Moog Quartet" fue su intento de aparecer como "músico serio", tras el arrasador éxito mundial del single extraído de su álbum "Music to Moog by" de 1969. Nada menos que el "Popcorn" (o "Palomitas de maíz ", aquí ), por el que pasará a la historia de la música popular.

No debería sentirse avergonzado, porque probablemente, éste hombre inventó con ese tema el Synthpop!

J.J. IGLESIAS

Temas

A1 In The Beginning 3:00

A2 Miracles 6:30

A3 Have It - Or Grab It - Or Go 5:36

B1 Images 2:53

B2 Sounds Of Silence 4:29

B3 Eleanor Rigby 3:07

B4 Did You Ever Take A Journey 4:02

B5 Rebirth 2:44

Formación

Richard Nanista: bajo

David Brewer: batería

Mike Alterman: teclados

David Friedman: percusión

Eric W. Knight, Howard Salat, Kenneth Bichel, Stan Free: teclados

Douglas Hill, Leah Horen, Ronee Blakley, Tony Wells: voz

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Minotaurus fue una banda alemana procedente de Oberhausen, Norte-Westfalia. Se formó en 1972 y estaba integrada por Bernd Maciej (bajo), Ulli Poetschulat (batería), Lucky Hofstetter (guitarra), Micky Helsberg (guitarra), Dietmar Barzen (teclados) y Peter Scheu (voz).

Algunos comentan que participaron en la banda sonora de un corto de Stanley Kubrick pero este hecho no lo que podido comprobar por ello yo diría que es un bulo de internet. Tuvieron un recorrido de 6 años realizando su única grabación en 1978, "Fly away", en una tirada corta de 1000 copias.

Minotaurus nos presentan un rock progresivo con tintes psicodélicos sustentado en unos buenos teclados a cargo de Dietmar Barzen y unas mas que destacables guitarras ( Lucky Hofstetter y Micky Helsberg). El punto débil sin duda es el cantante Peter Scheu cuya intervención deja mucho que desear. No obstante podemos disfrutar de buenos momentos instrumentales como en la inicial "7117" o en el tema más destacado "Fly away" donde podemos encontrar referencias a bastantes grupos progresivos, Pink Floyd, Eloy, e incluso en algunos acordes me suenan lejanamente a Camel. En la reedición posterior se incluye el bonus "Sunflowers"

J.C. Miñana

Temas

1 7117 6:47

2 Your Dream 5:40

3 Lonely Seas 4:42

4 Highway 3:20

5 Fly Away 12:15

6 The Day The Earth Will Die 4:40

Bonus-Track

7 Sunflowers 3:59

Formación

Bernd Maciej: bajo

Ulli Poetschulat: batería

Lucky Hofstetter:guitarra

Micky Helsberg: guitarra

Dietmar Barzen : teclados

Peter Scheu -Vocals

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Hoy vengo con ganas de hacer amigos. Creedme si os digo que cuánto más profundizo en la psicodelia USA de finales 60, (y mi batiscafo ya está oxidado), menos me gustan The Doors. Y os lo dice uno que tuvo un bar llamado "Morrison Hotel". Pienso que el factor que les dio toda la fama, dicese Jim Morrison, es el que a mí se me atraganta. El único no-músico.....y el tío que inventó el postureo. Así que no es casualidad que sea de las pocas personas en el planeta al que los discos de The Doors que más le gustan sean los post-Morrison! Porque sus integrantes eran unos pedazo de músicos.

Con The Blues Magoos me pasa algo similar. Todo el mundo te contará las excelencias de "Psychedelic Lollipop" y "Electric Comic Book ". Nada que objetar. De acuerdo en que son claves en el género. Pero nadie te hablará (ni bien ni mal), de los dos que editaron tras la separación en 1968. En 1969 su único miembro original, Emil "Peppy" Thielhelm, Peppy Castro para los amigos, ficha con ABC Records, junta a un grupo de sesioneros y quita lo de "The", en Blues Magoos. Algo más. El estilo cambia absolutamente. Primero será "Never Goin' Back to Georgia" (1969), y después "Gulf Coast Bound" (1970).

Nada que ver con las chulerias garageras psych que paseaban por Greenwich Village en sus inicios. Ahora se decantan por un rock progresivo (no exento de elaborada psicodelia), de alta originalidad. Que por culpa de su reciente pasado, prácticamente nadie hace caso.

Abre el disco los casi cuatro minutos del tema-título, con un saxo, el de Alfred Ellis, dominante. Y las percusiones de John Leillo nos acercan al buen rollo de Rare Earth.

"Slow Down Sundown" (6'09) tiene un fuerte acercamiento a Traffic, de nuevo las omnipresentes percusiones ayudan a ello. Que con el bajo de Cooker LoPresti y la batería de Jim Payne hacen del ritmo un reinado en su nuevo sonido. Rubricando los vibrafonos de John Leillo, que le dan un toque distinto a la banda. Eric Kaz sustenta al órgano y Peppy Castro deja todo el protagonismo típico de la guitarra en manos del saxo.

Esto huele a primeros jam band groups. Puedo asegurarlo escuchando los primeros minutos de "Can't Get Enough of you" (12'21). Algo así como un monstruo mutante entre los primeros Santana, Blind Faith y (de nuevo), Traffic. Y es que cuando se desmelenan sin mirar el reloj es cuando mejor suenan estos Blues Magoos con poco de blues y mucho de magia. Geniales "soleados" saxo/guitarra en complicidad con la "Panzer Divisionen" rítmica, y apoyo organístico más vibráfono en tromba. Extenuante.

Revisamos la cara b con el instrumental "Magoos Blues" (7'54) como entrante. Jazz rock, latín y prog de parecidos con sus compañeros de escudería, Steely Dan. Pero con su propio estilo, de una fluidez muy particular. Esto es inmenso, brother.

De la voz no hemos hablado, pero tanto si es Peppy como Kaz, ambos se expresan profundamente, como en "Tonight the Skies about to cry "(5'14).

Terminamos con otro instrumental, "Sea Breeze Express" (4'13), de un modo que se adelanta a Sea Level unos años, y que por culpa de la limitación vinílica no se extiende como debiera.

Dependiendo de tus gustos, ésta etapa de Blues Magoos quizá te descubra a una (otra) banda completamente diferente. Que a mí particularmente me encanta.

"Gulf Coast Bound" fue su último album, hasta su "resurrección " con "Psychedelic Resurrection", 43 años después. Peppy Castro, aquí su único miembro original, formaría Barnaby Bye, Wiggy Bits y Balance. Dándonos muy buenos momentos a los seguidores del hard rock AOR.

J.J. IGLESIAS

Temas

Gulf Coast Bound 3:51

Slow Down Sundown 6:09

Can't Get Enough Of You 12:21

Magoo's Blues 7:54

Tonight The Sky's About To Cry 4:14

Sea Breeze Express 4:13

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El primer álbum de 1972 de estos alemanes no fue precisamente un éxito de ventas y la crítica germana fue muy indiferente con el estilo ecléctico que presentaban y por ello no tardarían en abandonar un batería adicional llamado Axel Harlos “Félix” y el teclista original Hermann Quetting. Los dos años siguientes Eroc y la plantilla original seguirían incansables tocando en directo sin traspasar nunca las fronteras de su país y eso les fue dando una buena reputación ante un público cada vez más comprometido con su música. Grobschnitt se caracterizaban por un estilo cambiante de corte psicodélico, con tendencias variadas como buscando un estilo a veces a través de múltiples caminos. Por fin dan con el teclista de estudios académicos Volker Kahrs a quien llamarían cariñosamente “Mist” (niebla en alemán) y eso iba a influir en sus incursiones hacia el rock sinfónico.

Por fin en 1974 aparece un doble LP llamado Ballerman que supone un cambio “estilístico” en la música por doble motivo: por una parte las composiciones están más elaboradas y por otra incluyen en sus shows en directo una escenificación llena de gags y humor absurdo que resulta chocante si lo comparas con el resto de bandas alemanas que se caracterizan más bien por la seriedad y una rígida puesta en escena. Sinceramente conozco el humor inglés pero no el alemán que realmente no sabría definirlo. Quizás por su fama de rigidez, no lo sé. Desconozco la influencia del cachondeo bestia que Zappa haya podido dar a estos alemanes, pero reconozco que en directo desbarraban en formas no muy lejanas al músico norteamericano.

Ballerman se estructura en dos vinilos completamente diferentes. El primero contiene piezas claramente orientadas al progresivo sinfónico en el caso de los temas más largos como “Nickel-Odeon” y “Magic Train” donde ya puedes hacer paralelismos con otras bandas de la época de todos conocidas. La personal e histriónica voz de “Wildschwein” no tiene equivalentes en el mundo anglosajón y es la marca registrada de esta banda, así como la guitarra solista de “Lupo”. Hay en la pieza Nickel-Odeon una ligera influencia de los tiempos del Yes Album que no pasan desapercibidos.

Hay cosas ciertamente encantadoras como la canción “Drummer´s Dream” que anticipan futuros discos. El nuevo teclista se hace notar con su piano en la interesante y sinfónica Magic Train.

Pero si nos vamos al segundo vinilo nos encontramos con la primera versión en estudio de “Solar Music” que ocupa las dos caras y aquí sí que nos vamos al kraut y a la space music que para algo son alemanes los chicos. Solar Music parte de una idea de “Jam” espacial que ya tenían en mente a finales de los sesenta cuando se llamaban Crew. En la primera parte del vinilo su inicio progresivo nos hace recordar por momentos al estilo de sus compatriotas Eloy y sus primeros discos, pero pronto hacen su aparición los ambientes espaciales típicos del Kraut a la AshRa Temple y los largos desarrollos de la típica frialdad, tensión y monotonía paroxística electrónica germana. Solar Music sería el eterno tema de los Grobschnitt y tendría infinidad de versiones en directo y múltiples grabaciones. La fama de este grupo se debe probablemente a esta pieza de música interminable que podría durar eternamente.

Música porrera dirán los graciosetes. Tuve la inmensa suerte hace escasas semanas de encontrar este doble vinilo, muy bien de precio por cierto, en un stand alemán en la última feria del disco aquí en Zaragoza y os puedo asegurar, y que mi amigo Jota Iglesias me lo certifique, de que son jodidísimos de encontrar tanto en vinilo como en CD.

Alberto Torró

Sahara

Nickel-Odeon*

Drummer's Dream

Morning Song

Magic Train

Solar-Music, Part 1*

Solar-Music, Part 2*

P.D.: por problemas con los derechos de autor algunos de los temas (*) no corresponden a la versión del disco comentado.

P.D. II: Hoy estrenamos nueva cabecera con una composición de nuestro redactor Alberto Torró, gran trabajo.

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No habíamos hablado todavía de las bandas italianas influenciadas por el Canterbury Sound y Picchio dal Pozzo fue una de las primeras en adaptar el estilo.

De todos es conocido el alto nivel y la calidad del rock progresivo italiano, uno de los más fértiles de toda Europa. Los italianos han tocado todos los palos de la baraja progresiva a lo largo de las últimas cinco décadas y para colmo han sido creadores de un estilo muy concreto de interpretar y componer en estas disciplinas musicales. Son respetados en todos los lugares del planeta y al igual que Suecia, cualquiera de sus producciones en un alto porcentaje, son sinónimo de calidad asegurada. No quiero decir con esto que no tengan bandas mediocres, como en casa de cada vecino, hay de todo.

Picchio dal Pozzo se inician en Génova en 1976 y su discografía se alarga en grandes intervalos de tiempo hasta nuestros días. Cinco álbumes en 40 años no es nada remarcable francamente y entran en la maldición de escasez de grabaciones en casi todos los que se han inmiscuido en este estilo tan peculiar de música, unido a ello, las eternas dificultades de todos para que una compañía discográfica se interese por su trabajo. Si quieres hacer música interesante y eso vale para todas las épocas, salvo raras excepciones, más vale editarte tú tus propios discos, porque no le vas a interesar ni a dios padre ni a la madre que lo parió. Como siempre ha sido, salvo en los tiempos que pusieron “de moda” lo progresivo las grandes compañías discográficas allá en los 70´s y la gente iba a conciertos multitudinarios para fardar aunque no tuviesen ni puta idea. Los comentarios que yo oía en aquella época para referirse a este tipo de música serían para escribir un libro. Sabéis aquello de mezclar churras con merinas…? Pues eso. A muchos y muchas igual les daba ir a un concierto de Jethro Tull o Camel para luego ir al de Camilo Sesto o Raffaela Carrá. Y no es broma lo que digo. La música no interesa a un 99 % de la gente corriente y la experiencia así lo certifica y no creo que exagere. Si estáis en ese 1% daros por privilegiados.

Comentarios jocosos aparte, ésta interesante y fina banda fue integrada en un principio por músicos muy iniciados en el jazz y el avantgarde muy en la onda de lo que hacían Robert Wyatt o Henry Cow. La banda oscilaba entre cuatro y seis miembros y un buen número de colaboradores en un amplio abanico instrumental. El líder probablemente sea Aldo de Scalzi el teclista.

El primer trabajo data de 1976 bajo el nombre del grupo en una línea fina y sofisticada pero muy original y con composiciones muy elaboradas que necesitan mucha atención y escucha. Usan las voces cantando en italiano que nos recuerdan sin duda a lo que estamos acostumbrados: melodías extrañas, humorísticas y absurdas que son el ADN del estilo. El universo Soft Machine, Hatfield, National..etc como base eterna.

Los siguientes discos se van a mantener en esa línea, cada vez más sofisticados probablemente en línea Muffins, Henry Cow…y Zappa claro está, que habitualmente no falta a la cita de influencias. Le seguirían “Abbiamo Tutti Suoi Problemi” de 1980. “Camere Zimmer Rooms” del 2001. “Pic Nic Valdapozzo” de 2004 “A- Live” de 2010 y un DVD de 2013. Lo bueno es que no hay uno mejor que otro y han sido muy respetuosos en el nivel de calidad. Banda elegante completamente recomendada.

Alberto Torró

Picchio dal pozzo 1976

Temas
01 Merta
02 Cocomelastico
03 Seppia/Sottotitolo/Frescofresco/Rusf
04 Bofonchia
05 Napier
06 La Floricoltura Di Tschincinnata
07 La Bolla
08 Off

Abbiamo Tutti I Suoi Problemi 1980

Temas
01 Sgargianza: Parte I
02 I Problemi di Ferdinando P. (Abbiamo Tutti I Suoi Problemi)
03 Sgargianza: Parte II
04 Moderno Ballibile (Richiesta Con Dedica)
05 Sgargianza: Parte III E IV
06 Strativari
07 Mettiamo il Caso Che... (Seconde Parte)
08 Ucellin del Bosco

Camere Zimmer Rooms 2001

Picnic @ Valdapozzo 2004

A_Live 2011

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Pegasus fue una banda formada en 1981 por cuatro reputados músicos de la escena catalana. Por una parte el guitarrista Max Sunyer que tras la ruptura de Iceberg emprendía una carrera con su Max Sunyer Trío. En los teclados tenemos a José Mas Kitflus, compañero de Sunyer en Iceberg. La parte rítmica estaba compuesta por Santi Arisa a la batería y Rafael Escoté al bajo.

En 1982 editan en su propia compañía, "Nuevos Encuentros" y un año mas tarde "Comunlcació". En 1984 tienen el honor de participar en el Festival de Montreaux obteniendo un notable éxito y publicando el concierto en un Lp.

En el 85 llegaría "Searching" y participan en la Spanish Night junto a Tete Montoliu y Paco de Lucía en el Carnegie Hall de Nueva York. En el 86 realizan actuaciones teniendo como fondo las imágenes de la película "Berlín, sinfonía de una gran ciudad' de Walter Ruttmann, editando "Simfonia urbana' (1986).

Posteriormente llegarían "Còctel" (1988), "El Setè Cercle" (1990), "Selva Pagana" (1997) y "La Prehistòria / Maquetes primigènies" (2001).

En los noventa se disolvieron como grupo aunque se han reunido en numerosas ocasiones y sus componentes han seguido teniendo una intensa carrera musical.

Ha lo largo de su carrera la banda ha recibido numerosos premios de entre los cuales cabe destacar Gran Premi del Disc Català y el premio al mejor grupo español de jazz en vivo.

Este es el primer disco de Pegasus donde nos muestran su buen hacer instrumental dominando sabiamente su jazz rock con raíces mediterráneas. Podríamos definirlo como una continuación de Iceberg con mas connotaciones jazz. La maestría de sus miembros es mas que evidente y en todo momento el nivel instrumental es bastante elevado, Los duelos entre Sunyer (guitarra) y "Kiflus" (teclados) son un clásico y comparables a los realizados por músicos internacionales del género. En esa época tuve la oportunidad de verlos en dos ocasiones y recuerdo que los temas mas aplaudidos eran "Conga con ganas", donde Santi Arisa solía realizar el solo de batería, y "L'enanito trist", intimista y delicado a mas no poder.

J.C. Miñana

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En Agosto de 1975 y tras la finalización de la gira de presentación de " The Lamb Lies Down on Broadway", Peter Gabriel anunciaba su separación del grupo. Con ello cerraba una etapa histórica con seis discos en estudio a sus espaldas, Múltiples diferencias con el resto de la banda abonaron el camino de la ruptura.

Estamos en 1982, han pasado 7 años tras la marcha de Gabriel y el grupo ha editado cinco discos en estudio, dos de ellos muy destacables ,"A Trick of the Tail"(1976) y "Wind & Wuthering" ( 1976). Steve Hackett había abandonado la banda en 1977. Por su parte Peter Gabriel ya estaba consolidando su carrera en solitario con cuatro discos en el mercado y decide implicarse en la organización de los conciertos WOMAD ( World Of Music, Arts & Dance), un festival multicultural que incluía diversos actos y actuaciones de música popular, música étnica y artesanía. Este evento ocasiona una verdadera bancarrota en la economía de Gabriel. Para poder remontar su maltrecha cuenta corriente sus compañeros de Genesis acuden en su ayuda con la celebración de un concierto conjunto. El evento se celebró el 2 de Octubre de 1982 en el National Bowl en Milton Keynes a las afueras de Londres. Steve Hackett se unió en los dos últimos temas.

La grabación nos muestra los ensayos de Genesis con Peter Gabriel en el Hammersmith Odeon de Londres que sirvieron para preparar su concierto del 2 de Octubre. El documento es histórico y recomendado para los más fanáticos de Genesis. Lógicamente no tiene la fuerza de un directo pero resultar curioso oír como preparan los temas. En estos ensayos no estuvo presente Steve Hackett siendo completada la banda con Chester Thompson (batería) y Daryl Stuermer (guitarra). El audio es bastante bueno. Por internet circula la grabación de la actuación pero el sonido deja mucho que desear.

J.C. Miñana

Sep 29, 1982 (Hammersmith Odeon - London, England)

Temas

Back In NYC 5:56

Dancing With The Moonlit Knight 4:02

The Carpet Crawlers 5:45

Firth Of Fifth 9:02

The Musical Box 10:45

The Lamb Lies Down On Broadway 6:37

Fly On A Windshield 4:37

In The Cage 9:21

Supper's Ready 24:09

The Knife 3:48

Solsbury Hill (take 1) 1:51

Solsbury Hill (take 2) 3:24

Solsbury Hill (take 3) 5:04

Y el concierto

Temas

1.) Back in NYC 1:10

2.) Dancing with the Moonlit Knight 8:40

3.) The Carpet Crawlers 10:20

4.) Firth of Fifth 17:25

5.) The Musical Box 28:05

6.) Sulsbury Hill 40:18

7.) Turn it on Again 46:03

8.) The Lamb lies down on Broadway 53:43

9.) Fly on a Windshield 59:24

10.) Broadway Melodie of 1974 1:02:22

11.) In the Cage 1:04:00

12.) Supper's Ready 1:15:14

13.) I know what i like 1:42:25

14.) The Knife 1:55:02

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Un verdadero lío y toda una investigación me ha supuesto el esclarecer algo sobre éste disco. Ha valido la pena el tiempo invertido. En primer lugar suele aparecer, unas veces como nombre del proyecto, otras como título, a la equivoca referencia de "Electrophon". Ese era el nombre de los estudios donde fue grabado por Zygoat. Para enredar más la madeja, existe un dúo electrónico británico llamado Electrophon al que se le atribuye el disco "Zygoat". Otro error. Ninguno de los dos discos de los ingleses se llama así. Y se refieren a éste. Como se puede ver, la red a veces también falla.

Zygoat era el proyecto del desconocido sintetista norteamericano, Burt Alcántara. Director musical desde 1971 de la compañía de danza contemporánea, The Works. También trabajó aportando material a la New York Public Library. Así como componiendo música para diversas series de televisión.

Éste único disco conocido está compuesto de doce cortes ininterrumpidos que conforman una macro-fantasía electrónica de ciencia ficción. Un verdadero concept-album instrumental construido en base a sintetizadores ARP y RSE. El estilo es verdaderamente incomparable. Mientras que es un álbum 100 % electrónico, no se le pueden ignorar influencias sinfónicas. Quizá por este lado cercanas a Dave Greenslade o Patrick Moraz. Es un hábil creador de sonidos impredecibles , que hasta suenan diferentes escuchados ahora.

El comienzo con "Leaves of Sand " puede parecerse al Oldfield "tubular", o incluso a John Carpenter en sus históricos soundtracks. El festín de "fast sounds" analógicos está servido, bajo la sabía pericia de Alcántara, que demuestra ser un virtuoso teclista. "Zygoat", "Ybur Knom", "Pillar of Salt", "Movement to the Earth".....son temas de muy agradable escucha, en los que sorprende a cada segundo con sonidos de desbordante originalidad. Cuando no realmente espectaculares, al modo de un Eddie Jobson. De hecho en más de un pasaje podría equipararse a UK. La segunda cara con "Zy-Clone" casi parece electro house hecho en el siglo XXI para alguna rave enloquecida. Recuerda, 1974.

Así de alquímico mago de la síntesis se nos muestra este hombre. Que sigue fascinado y sorprendiendo en "Ybur Doon", "Zygomania" o "The Ladder of Zengma". En realidad es poco amigo de los pasajes contemplativos ni soundscapes bucólicos. A este sintetista neoyorkino le va el cambio rápido de estructuras, desde luego no es de los que aburren. Con inusual clarividencia para lograr sonidos y secuencias de alta energía. Indescriptiblemente efectivas, con una fuerza y poder instrumental fuera de serie.

Con "The Libran Sea" y "Perseverance Furthers" pone fin a este verdadero manifiesto de cómo utilizar la tecnología sintética de mediados 70 como un arsenal de nuestros días. Aviso , este no es un disco normal. Destaca por su virtuosismo teclístico además de su extraordinaria capacidad como sintetista y escudriñador de texturas.

Una obra maestra poco conocida que puede dejar muchas bocas abiertas (y muchos samplers) a partir de ahora.

Simplemente EXCEPCIONAL.

J.J. IGLESIAS

Temas

A1 Leaves Of Sand

A2 Zygoat

A3 Ybur Knom

A4 Pillar Of Salt

A5 Movement To The Earth

A6 Seeds Cast To The Wind

B1 Zy-Clone

B2 Ybur Doon

B3 Zygomania

B4 The Ladder Of Zeugma

B5 The Libran Sea

B6 Perseverance Furthers

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Boones Farm fue un grupo californiano formado a principios de los 70 y fundado por el guitarrista Gary Stovall.

Gary Stovall y el batería Fred Darling se conocían desde el instituto y juntos participaron en el grupo Churchill Downs. Durante algún tiempo estuvieron actuando por el sur de California hasta que Darling fue llamado a filas. Al finalizar el servicio militar volvió a reunirse en Los Angeles con Stovall en su nuevo proyecto Boones Farm. El resto de la banda estaba compuesta por Brad Palmer (bajo),y Kent Sprague (voz). En 1972 fichan por la Columbia Records y entran en el estudio teniendo como productor a Jim Messina. El disco "Bonnes Farm" cayó en el olvido y el grupo se difumino.

La música que nos ofrecen Boones Farm esta muy cercana al country rock al estilo de Crosby, Stills, Nash & Young, por sus armonías vocales, y claras referencias a grupos como The Buffalo Springfield o The Byrds. La banda combina tiernas baladas ( "She's So Good", 'The Me Nobody Knows', " Love Has A Mind Of It's Own") con temas mas rockeros como "Good Ol' Feelin'", "Livin' Together", "Mother-in-Law" o "So Much Wrong". Sin olvidar la psicodelica, "Play Children Play" y las armonías vocales, "If You Can't Be My Woman.

J.C. Miñana

Temas

Good Ol' Feelin' 00:00

She's So Good 03:02

Play Children Play 06:26

Love Has A Mind Of It's Own 10:38

Livin' Together 14:35

Mother-in-Law 18:31

The Me Nobody Knows 21:33

You Say You Love Me More 24:31

If You Can't Be My Woman 28:18

So Much Wrong 31:18

Start Today 34:49

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El único y cotizado disco de los holandeses Cargo (450 pavos estimados), es una maravilla del hard prog a la que no se le ha dado todavía el mérito que merece. Y esto es extensible al progresivo de Holanda en general. Que tras los dos o tres nombres siempre destacados, se ignoran decenas de genialidades. Siendo un país con una increíble cantera por descubrir.

Tras un anterior periplo como September, los hermanos Jan De Hong y Adrie De Hont, ambos guitarristas, ponen en marcha Cargo. Fichan por la atractiva (y coleccionable) Harvest, los cuales no sólo fichaban underground londinense, y editan su único, homónimo y monstruoso debut. Bien protegidos rítmicamente por Willem De Vries al bajo y voz solista y Dennis Whitbread a la batería. La afinidad mental, psicológica y telepática que da tener dos guitarras solistas hermanos es la baza definitiva en el sonido de Cargo.

"Soul Inside" (10'54) tiene revoloteos psicodélicos, y es un excelente entrante para saborear el suculento menú aquí ofrecido. Un tema que comienza al estilo de la Bachman Turner Overdrive, pero que pronto vuela por sendas progresivas de complicidad dual guitar maravillosa. La voz del bajista es excelente, a la vez que da solidez con el cuatro cuerdas, mientras colorean las percusiones de Whitbread. Un tema al que los Allman Brothers le hubieran sacado también tajada, a su manera.

El hard funk lo invade todo, siempre dentro de un contexto prog, en "Cross Talking" (8'33). La influencia de Band of Gypsys es evidente, pero desarrollada por dos guitarras gemelas haciendo diabluras y zigzagueos extraordinarios en un instrumental abrasador.

Dando la vuelta a tan redondo vinilo tenemos "Finding Out" (5'14), que nos ofrece una pieza muy swing-blues, cosecha Taste, Groundhogs, Killing Floor, Samuel Prody o Steamhammer. Y si sabes de lo que hablo, habrás pillado el mensaje.

Finalmente "Summerfair" (15'35) posee un hendrixiano inicio, o quizá debería decir más correctamente troweriano, viendo su posterior desarrollo. Con una reposada y sensacional voz del bajista, al modo de James Dewar. La orgía guitarristica está servida, en paralelo a la hiperactividad de la sección de ritmo. Suele compararse a Cargo con Wishbone Ash por sus dobles guitarras asesinas. Pero la verdad es que los holandeses no usan armonías vocales ni componentes folk. Diría que se acercan más a los alemanes Epitaph y sus largas jams de guitarra. También a otros malos bichos como son los británicos Dark, a los que también se igualan en discografía y valor de ésta. Mientras que la voz está proxima a Stephen Stills y sus melódicas líneas vocales. De cualquuer forma una pieza de calidad galactica y que reafirma éste disco como una joya de la cosecha centroeuropea prog 70s.

En 1993 el sello holandés Pseudonym (que tanto bien ha hecho por el progresivo de Holanda), reedito "Cargo" en cd, vendiendo 2500 copias.....Justo 1000 más que el disco original en su día. Además ésta edición digital incluía material anterior de su aventura como September. Ocho temas de no más de cuatro minutos, como una versión comprimida de lo que serían Cargo. Ya apuntaban maneras, y allí sí que había influencias de Wishbone Ash.
Pero nada tan descabelladamente bueno como lo grabado en Harvest. Eso fueron palabras mayores.
J.J. IGLESIAS

Temas

Sail Inside 10:55

Cross Talking 8:35

Finding Out 5:15

Summerfair 15:40

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Para algunos, éste álbum es una contraposición de estilos. Por un lado su acercamiento sinfónico a la inglesa se percibe claramente y seguramente por una mayor incidencia en el estilo de los teclados de Mist que ya dominan las composiciones, pero lejos de parecerse a Génesis o Yes o incluso Camel como apuntan ciertas críticas del disco, Grobschnitt imprimen una personalidad muy marcada en piezas que no se quedan a la primera, incluso el estilo de la guitarra de Lupo puede recordarnos a veces al estilo sureño made in USA por sus dobles punteos y su toque ácido, que no es muy habitual en los guitarristas británicos.

El estilo “raro” germánico permanece intacto en composiciones originales y caprichosas con sus absurdas letras “tontas” como ellos mismos dicen. Con todo Jumbo es un álbum que prefigura su indiscutible obra maestra que sería el siguiente Rockpommer´s Land ya patente en la pieza musculosa que es la “Excursión del Padre Smith”. Aquí la terminología Eclectic-Prog estaría muy acertada. Escuchad por ejemplo el tema The Clown que a veces parece una histriónica pieza mezcla de Allman Brothers en la guitarra de Lupo y unos primeros Yes con un asilvestrado Howe.

En Dream and Reality encontramos el aspecto más encantador y lírico del grupo . Wildschwein muestra su voz más dulzona y teniendo en cuenta que es una voz fuerte y dura, creo que fuerza mucho para que resulte más melodiosa. Las partes instrumentales huyen de algodones y azúcares y eso se agradece. Sunny Sunday´s Sunset con sus 11 mtos es posiblemente la mejor pieza junto con la primera “excursión” es decir sinfonismos a la alemana, fríos y exentos de “drama” y afectaciones a la british style. Buenas partes instrumentales con alternancias algo tranquilas que nos llevan a las músicas solares anteriores.

Este álbum se lanzó en dos versiones. Una cantada en inglés y otra en alemán. Prefiero la alemana tiene más carácter y es lógicamente más autóctona. No distingo variaciones a nivel instrumental aunque el minutaje varía ligeramente en las dos versiones y es posible que añadiesen o quitasen algún detalle. Habría que desmenuzar el álbum segundo por segundo y no creo que sea muy relevante. Es un trabajo muy corto que dura 34 minutos en total y pasan como un suspiro. Afortunadamente las nuevas versiones remasterizadas en CD llevan un buen número de bonus y versiones en directo.

A partir de aquí las piezas de Jumbo se interpretarían muy a menudo en sus conciertos y Grobschnitt tienen la ventaja de no calcar en directo sus piezas emblemáticas y dan mucho margen a la improvisación y a reinterpretar su música en el escenario. La portada del disco es bastante cachonda carente de sentido, con personajes pintorescos salidos de tópicos aventureros: indígenas, exploradores, galanes cursis de cine etc montados en un avión-juguete como no tomándose nada en serio ni ellos mismos. Jumbo es un álbum-bisagra y algo típico en el Grobschnitt de esta época es no repetirse en sus discos de estudio.

Alberto Torró

Jupp - The Excursion Of Father Smith

The Clown

Dream And Reality

Sunny Sunday's Sunset

Auf Wiedersehen

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Este fue uno de los típicos discos extraños y aislados que sucedieron a la desbandada de las bandas clásicas de Canterbury. Los 80´s confundieron a muchos grandes músicos sin saber muy bien que hacer: si continuar haciendo buena música como camino directo a la burla y a la ruina…o embarcarse en experimentos snobs para ver si cuela, retirarse (lo más sensato), o directamente ir a asegurarse la pasta tocando las tendencias de la moda fácil y las macarradas del momento. En la década anterior era relativamente más sencillo ganarse la vida haciendo y tocando la música que a uno le gustaba. Al principio de los 80´s eso era imposible. O seguías la política de las grandes compañías discográficas o date por muerto. Muchos tiraron la toalla para ser honestos y otros continuaron a contracorriente con valentía, pero trabajando a la vez en otra cosa para poder comer. El mundo de la música y el arte en general es ingrato. Si hoy día haces tu música, ten por seguro que la vas a escuchar tú, tu gato, el canario o tu perro y date por privilegiado.

Tras la experiencia fallida del Grupo de Dave Stewart y Pip Pyle como “Rapid Eye Movement” que duró de 1980 a 1981 y sin un triste álbum en estudio, salvo alguna piratada de sonido horrendo, nuestros Canterbury men se embarcan a grabar y tocar con fulano y mengano entre colaboraciones aisladas. Lo hicieron prácticamente toda la peña de músicos del sonido Canterbury y a decir verdad alguna joya perdida quedó en el camino.

Bajo el estúpido nombre de los Ghoulies, supongo que por la peliculilla infantil de moda, esta mitad de los Ex Hatfield and the North y National Health se unen con el guitarrista y voz Charlie Summers. Este señor canta muy parecido a Richard Sinclair y este disco en formato canciones, suena como una especie de remodelado light de los Hatfield And The North. El disco se graba en Cardiff con músicos galeses. Tuvieron el apoyo de John Peel, conocido por estar siempre metido en fregaos de sesiones y vendieron la discreta cifra de 3000 copias (que ya me habría gustado a mí y a mi banda en aquella época!!).

Hubo más pena que gloria claro está y esta grabación pasó desapercibida por equivocarse de época. No voy a negar el encanto de este trabajo porque es todavía agradable oír los teclados del bueno de Stewart, pero da la sensación que la palabra “progresivo” ya empezaba a molestar al teclista, que años más tarde y haciendo chorraditas pop con su esposa Barbara Gaskin, renunciaría por completo de su pasado progre-rock-fusión-jazz a la Canterbury. Muy triste.

En cuanto al disco son piezas cortas, no exentas de las nuevas corrientes, pero tratadas con el toque de humor y retorcidas melodías bastante bien trabajadas. Hay ecos del primer Wyatt por algún sitio y algún toque Caravan festivo que por entonces sacaron un disco bastante mediocre llamado The Album y algo mejor el siguiente Back To Front. En general es un álbum algo extraño…un querer y no poder o al contrario. Unos años antes un grupo de Canterbury no habría grabado algo así. A veces parece que quieren arrancar pero se quedan cortitos, como si tuviesen reparos en lanzarse instrumentalmente, de ahí la corta duración de las canciones, a veces sorprenden, pero como dura poco la alegría en la casa del pobre, no coronan en ningún momento. La mejor pieza Look Mum No Hands nos trae recuerdos de otros tiempos, pero solo eso. Un disco exclusivo para coleccionistas del estilo británico.

Alberto Torró

Temas

A1 Listening To My Neighbour Singing

A2 Sexist Conversation

A3 Social Workers

A4 Hollow Cost

A5 Make Sure Your Garage Is Large Enough

B1 Stabbing Cats

B2 CS's

B3 Look Mum No Hands Parts 1-3

B4 A Large Lounge And Yawn

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Desde que comencé esta sección de grupos españoles actuales siempre he tratado de ofreceros algo especial. Bien, pues hoy os traigo algo MUY especial. Unos tíos de Castellón que me noquearon la psique, me hicieron "blow out" en el cerebro, hará unos tres años.

Yo, que soy un enamorado total del rock argentino, siempre he sentido que nos ganaban la partida en el uso del idioma como arma melódica y comunicadora. Para mí, sólo había un grupo comparable a lo más brillante del "rock arg", Asfalto. Tengo que decir que Dry River siguen su legado en paralelo a ellos.

Sus comienzos allá por 2004 fueron versioneando a los mismos Asfalto, Barón Rojo, Queen, Deep Purple o Dream Theater. Resulta que son algunas de sus influencias claras. Tras muchos bolos y ya canciones propias, editan en 2011 "El Circo de la Tierra". Un debut que se editó hasta en Japón, visto el interés mostrado en ellos. Aquí, en Babia.

Ya en el 2014, Ángel Belinchon con su admirable voz solista, Carlos A. Prades (guitarra, teclados, voz), Matías Orero (guitarra, voz), Pedro Corral (batería, voz), David Mascaro (bajo, voz) y Martí Bellmunt (teclados, saxo, voz), graban "Quien tenga algo que decir....Que calle para siempre". Esa frase resume un país.

"Traspasa mi piel" (intro) (1'46) ya comienza con un aire Spinetta (y acólitos ) que me deja pal' arrastre. Vale, y esto no ha comenzado todavía. Aún me queda el disco entero. Me voy a tomar el vermú...

Entramos en materia con la intro purpliana de "Bajo Control" (6'36), y no puedo evitar recordar a Julio Castejón cuando oigo la bella voz de Belinchon. Los arreglos son puro Queen 70s + órgano Jon Lord style. Pero aún hay tiempo para escapes tipo Broadway o toques a lo Modern Jazz Quartet! Excesiva información. Peligro de colapso cerebral.

"Irresistible" (5'05) tiene un aire positivo y de buen rollo que se acerca al mejor AOR de Toto, Journey, Ambrosia o Player. La luz al final del túnel, pura esperanza.

El versionear a Dream Theater (cualquiera no lo hace), da para composiciones como "Frascos Vacios" (6'11). Inmensa currada vocal/instrumental/letristica al servicio únicamente del sentimiento.

El maestro se une al discípulo en "Informe T-24" (6'16) . Julio Castejón invitado en un corte magnífico, que homenajea a Asfalto claramente con el nivel que se merecen.

"Casto " (4'31) vapulea a los curas con toda la rabia que puede dar un ADN Queen 70s, que tanto gusta en Dry River. Y por ende, también pasaría por repertorio de Robby Valentine o A. C. T. (Éstos últimos guardan más de un parecido con los de Castellón ).

"Oda al líder " (1'49) es otro ejercicio mercuryano tan grandioso como breve.

Los arreglos de "cartoon music" en "Cuanto vales tú? " (6'29) parecen obra del mismísimo Jordan Rudess. Otra con fuerte contenido crítico y social. Cómo agradezco letras tan inteligentes y sarcásticas : "Déjate esclavizar y luego llámalo libertad", al son de música circense estilo peli de Fellini (o de Monty Python!). Enorme.

Un respiro acústico con "Caída Libre" (4'58), que sin embargo no deja de hacernos pensar, como debe ser, sin tregua.

"El lado bueno de las cosas malas" (4'36) tiene un fuerte deje de Barón Rojo etapa Sherpa, la mejor. Otros que sabían decir bien las cosas....malas.

Atención porque llega otro punto fuerte del disco (cual no lo es?). "Rosas y Gaviotas" (13'00) es la CANCIÓN contra esa otra dictadura encubierta que acarreamos desde hace más de 40 años llamada bipartidismo, y que se aferra al sillón con uñas, dientes, mentiras y muchas trampas. La inteligencia de Dry River se muestra en todo su esplendor, solemnidad y poesía, para decir las cosas claras.

Finalmente "Traspasa mi Piel" (6'29) es un compendio de todo lo expuesto hasta ahora, con fuerte mobiliario Purple, que curiosamente recuerda más a su última etapa con Steve Morse.

A mis orejas, éste es uno de los mejores discos españoles del nuevo siglo. Y no había dicho la dichosa palabra hasta ahora, lo sé, pero esto es rotundo rock progresivo en sus infinitas variantes. Estos tíos son más extremos (emocionalmente) que Burzum, Mayhem y todos los "carablancas" del mundo mundial. Peligrosos.

J.J. IGLESIAS

Contacto:

Página Web: http://www.dry-river.com/

Facebook https://www.facebook.com/DryRiverCS/

P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en esta sección puede ponerse en contacto con nosotros : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70

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El grupo Argent tenía en sus filas a dos grandes talentos , o mejor dicho tres. Por una parte estaba la pareja Rod Argent y Chris White, este último solo participaba a nivel compositivo, y por otro el gran e infravalorado Russ Ballard. La rivalidad y colaboración entre estos músicos dio lugar a temas memorables e históricos dentro del rock.

La banda se formó a finales de los 60 por la unión entre Rod Argent (teclados, voz), su primo Jim Rodford (bajo) y los ex-The Roulettes, Russ Ballard (guitarra,voz) y Bob Henrit (batería). En 1970 editan su primer disco, "Argent", que contenía el tema "Liar" compuesto por Ballard y que obtuvo cierto éxito comercial. . Su segundo LP llegó en el 71, "Ring of Hands", y el tercero, "“All Together Now”, un año más tarde. Con este último llegaron a puestos relevantes en las listas con el tema "Hold Your Head Up". En el 73 publican "In Deep" con el que se consolidan definitiva con "God Gave Rock’n’Roll to You". "Nexus" (1974), cuarto disco de la banda, sería el último con la participación de Ballard que dejaría al grupo ese mismo año. Argent seguiría adelante editando dos discos más en el 75, "Circus" y "Counterpoints", para posteriormente disolverse. Por cierto en el 74 también editaron un doble en directo, "Encore: Live in Concert".

La grabación nos presenta la actuación de la banda Argent en el Fillmore West el 17 de Abril de 1970. El setlist está compuesto fundamentalmente por temas de su primer disco editado en enero de ese mismo año. También podemos escuchar una larga versión de "Age Of Aquarius" de la opera rock "Hair" y el último tema "Time Of The Season" corresponde a una versión de una composición de The Zombies, antiguo grupo de Rod Argent. La música está presidida en todo momento por los teclados (Hammond) de Rod, rock progresivo con tintes rockeros fundamentalmente guiado por la fuerza guitarrera de Russ Ballard. Bob Henrit (batería) tiene su espacio en "The faker" con su correspondiente solo. El cuarto miembro del grupo es el bajista Jim Rodford El sonido es bastante aceptable por ello creo que es un buen documento para testear al grupo en sus inicios.

J.C. Miñana

Temas

1. Lonely Hard Road 00:00

2. School Girl 07:10

3. Age Of Aquarius 12:43

4. The Faker 23:40

5. Stepping Stone 35:50

6. Liar 47:40 9:51

7. Proud 57:06

8. Time Of The Season0 1:08:25

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AURORA - Aurora 1977

BIG FOOT - Big Foot 1968

DIE GROBSCHNITT STORY: Introducción y Grobschnitt 1972

Sukellusvene - Vesi ja Lintumusiikkia (1979)

MELANGE - Melange (2016 / Melange)

KANSAS - Broadcast of Innocence live in Pennsilvania 1976

GERSHON KINGSLEY FIRST MOOG QUARTET - First Moog Quartet (1970 / AUDIO FIDELITY)

MINOTAURUS ‎– Fly Away 1978

BLUES MAGOOS - Gulf Coast Bound (1970 / ABC)

GROBSCHNITT - Ballerman (1974)

PICCHIO DAL POZZO: Discografía (Italia)

PEGASUS - Nuevos Encuentros 1982

GENESIS - Reunión 1982 Ensayos

ZYGOAT - Zygoat (1974 / Polydor)

BOONES FARM - Boones Farm 1972

CARGO - Cargo (1972 / HARVEST)

GROBSCHNITT - Jumbo (1975)

THE GHOULIES - Dogged By Dogma (1982)

DRY RIVER - Quien tenga algo que decir.....Que calle para siempre (2014 / DR)

Argent - Fillmore West 1970