ROCK LIQUIAS

Todos aquellos que siguen habitualmente el blog saben perfectamente mi devoción por el Hammond. Siempre que puedo traigo virtuosos del instrumento, algunos de ellos son estrellas muy conocidas (Jimmy Smith, Jon Lord, Vicent Crane, etc) otros, como en esta ocasión con Fred Van Zegveld, son músicos casi anónimos.

Realmente conocemos pocos datos sobre Fred Van Zegveld, se sabe que era holandés y que nació en 1943. Fue miembro de diversos grupos holandeses, Roek's Family y The The Flood. En 1969 grabó, "Dinamite", casi de casualidad. Se dice que una banda no se presentó al estudio y el bueno de Fred y su banda aprovecharon para grabar el disco en una hora.

Está única joya grabada por Fred Van Zegveld contiene nueve temas instumentales de jazz con algo de pop donde el protagonista es el sonido "Hammond". Las composiciones las podríamos agrupar en dos grupos. El primero de ellos el compuesto por temas propios de Fred, sin duda el mas interesante. En este grupo tenemos verdaderas obras maestras del instrumento tales como "Family Blues", "Whiskey" o "Daffodil", imposible estarse quieto con este tema. Tenemos su rinconcito de blues en "Blue Organ" y su mayor éxito "Dinamite". El segundo grupo estaría compuesto por las versiones , "Whiskey" ( Errol Garner) y, "Here, There And Everywhere" ( Lennon-McCartney) mucho más "poperas". El disco finaliza con "I Wanna Be Your Man" ( Lennon-McCartney) esta vez con aires mas "jazzeros". A destacar el grupo que acompaña a Fred. La sección rítmica es brutal, Ruud Jacobs (bajo) y Louis de Bey (batería), los pies se os moverán sin poder evitarlo con sus endiablados ritmos. El guitarrista, Rick Beekman, va rellenando huecos y tiene su minuto de gloria en "Round About 12".

J.C. Miñana.

Temas

1 Family Blues 00:00

2 Here, There And Everywhere 03:21

3 Daffodil 06:29

4 Blue Organ 08:30

5 Dynamite 11:53

6 Misty 16:32

7 Whiskey 20:13

8 Round About 12 24:18

9 I Wanna Be Your Man 27:00

Formación

Rick Beekman »» Guitarra

Louis de Bey »» Batería

Ruud Jacobs »» Bajo

Fred van Zegveld »» Hammond

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No, no es un grupo dedicado a la ilustre memoria de nuestro presidente "mireuste". Tampoco es que estemos ante algo muy convencional. Matao era una banda jazz rock prog de Dinamarca, formada por Torben Gronning (bajo), Svend Staal (guitarra) y Alan Stade (teclados). Resulta que necesitaban batería como el respirar, y Atilla Engin acababa de instalarse en el paraíso hippie desde su no tan libertaria Estanbul. Virtuoso percusionista y batería, además de compositor extraordinario.

"Turkish Delight", (famosa película erótica con el replicante Rutger Hauer como prota, cuando estaba de buen ver en los 70), fue compuesto enteramente por el turco. En un principio despista el estilo de la banda. La cosa comienza con fuerte sabor étnico al estilo de experimentos ECM del tipo Zakir Hussain o Shankar.

"Anadolu" (2'46), "Cool" (5'34) o "Dancing Darbuka"(1'50), van por esos derroteros. Aunque con un brochazo prog que los emparenta con nuestros queridos combos del Rock Andaluz. Esto es curioso, porque yo no había caído en ello hasta que he leído varias reseñas extranjeras apuntando precisamente esto. La verdad es que un aire a Guadalquivir, Imán Califato Independiente o el propio Manglis sí que tienen. Es como una trilogía de cortos temas de presentación donde los músicos demuestran su extraordinaria valía.

A partir de "Drama Koprusu" (6'01) nos orientamos un poco más a Occidente, o a formaciones de aquellas norteñas tierras. Secret Oyster, Pekka Pohjola, Coste Apetrea, Atlas o Janne Schaffer son nombres de similar factura a Matao. Con una diferencia. La composición recae en un turco, y el sabor mediterraneo impera en su sonido.

"Turkish Delight" (7'00) es otra preciosa exposición melódica instrumental, que me recuerda a las tonadas sinfo-medievales de Minimum Vital. Destacables los fraseos de sintetizador conversando con la guitarra. Las percusiones sobrevuelan la contienda en increíble y espectacular forma. Una auténtica maravilla. Que continúa de igual modo en la segunda cara.

"Rain in Spain" -atención al título - podría ser una jam de los primeros Imán, o ir incluida en su inmortal debut tranquilamente. Pero tal cual. Rock Andaluz hecho por daneses y compuesto por un turco. Se puede resumir así a Matao. Evidentemente, el "My Spanish Heart" de Chick Corea también influye lo suyo.

La calma sosegada de "Take Care of your baby" (6'00) esconde unos bonitos solos de moog al estilo de Bo Hansson, correspondidos por la guutarra en casi onda flamenca. Puro Al DiMeola, de factura exquisita.

Un título tan zappero como "Seventeen Small Chinese Guys" (6'15) nos trae una pieza hecha y diseñada para Iceberg. Quedaría perfecta en "Coses Nostres" o "Sentiments". Kitflus, Suñe, Colomer y Sancho se lo hubieran pasado pipa con esto.

"Daldalan" (6'45) finaliza con otra andanada de "Spanish Prog ", (ya no me corto en decirlo), que es una delicia (turca). Como un kebab de longaniza.

Atilla Engin Group fue el siguiente paso de este hombre en 1981, tras la aventura Matao. Le duró casi diez años, y por sus filas paso entre otros el grandísimo contrabajista Niels-Henning Orsted Pedersen. En los 90 emigró a USA. No es un disco de fácil encuentro, aviso. En Discogs empezamos a hablar a partir de 130 pavos. Pero si eres de los que saltan del sofá entre sudores y movimientos espasmódicos cada vez que te pones "Arc En Ciel" , "Camino del Águila " (......o "del Concierto"), Matao te dejará "to idem".

Altamente recomendable.

J.J. IGLESIAS

Temas

A1 Anadolu 00:00

A2 Cool 02:51

A3 Dancing Darbuka 08:31

A4 Drama Koprusu 10:23

A5 Turkish Delight 16:29

B1 Rain In Spain 23:34

B2 Take Care Of Your Baby 30:09

B3 Seventeen Small Chinese Guys 36:09

B4 Daldalan 42:24

Formación

Torben Gronning: bajo

Atilla Engin: batería

Svend Staal Larsen: guitarra

Alan Stade: piano

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Pocos saben que el señor Andy Tillison en sus años adolescentes y algo más, fue un punkarra hijo de la Inglaterra bastarda pelo pincho, que no vendió la música inteligente por una libra precisamente, sino que se la cargó directamente. El querido y adorado pelito liso de Steven Wilson con su pintilla intelectual de tímido chico bueno, viene de la misma cosecha y alguno de mis amigos que lo conoció en persona, cuando era chaval en Londres, puede certificarlo. Algunos y aquellos que echaron pestes de la grandilocuencia y pretenciosidad de los extintos monstruos progresivos, son ahora en su madurez, los que han tomado su relevo. Cosas del destino o el regreso del hijo pródigo. Nunca lo sabremos.

Para los que hemos sobrepasado (en varios ya) los 60 años y vivimos esos tiempos con orgullo y sin cambiar nunca de chaqueta, nos resulta pintoresco, porque también ocurrió el caso contrario y más dramático de cambiar el violín por un imperdible en la punta del nabo. Muchos de nuestros músicos favoritos tienen alguna mancha fea o gilipollez en el currículum con algún comportamiento y ocurrencia que los aleja de esa imagen idílica de héroe que tenemos de ellos cuando éramos más jóvenes. Pero no es nada extraño que los humanos tengamos gustos o actitudes antagónicas a lo largo de nuestra vida. La estupidez es nuestro ADN. Supongo que forma parte de la evolución y de la psiquiatría a partes iguales. Se podría escribir un libro de las chanzas, comportamientos y cambios sorprendentes de algunas de nuestras estrellas rutilantes y adoradas, pero ahora no es el caso.

Tillison pasó de la ruidera y la bronca guitarrera, a enamorarse de la música clásica modernista de principios del XX. Claro que no todos los sinfónicos empezamos siéndolo. Hay un principio y posterior evolución y conforme pasan los años una hermosa decadencia. El final es lo más interesante. Ironías aparte este disco de la tangente podría haber estado integrado en la discografía de estudio oficial, pero misteriosamente lo relegaron a “acompañante de segunda” destinado a los fans. Para mí es un disco (en piezas puntuales, ojo) incluso superior a otros de ellos. Pero este segundo plano no impide que lo coloquemos en el lugar que se merece. ELP hicieron una estrambótica “versión” del Cuadros de una Exposición del atormentado borrachín y depresivo Modesto Mussorgsky, al que sus compañeros del “Grupo de los cinco” en especial su amigo Rimsky Korsakov tuvo que orquestar muchas de sus obras de partituras anárquicas y caóticas, muchas veces liantes esbozos. Mussorgsky murió alcoholizado y enfermo relativamente joven. La versión “rock” de Emerson y compañía poco tiene que ver con la deliciosa orquestación que hizo Maurice Ravel.

En el caso que nos ocupa adaptar a una banda progresiva una obra de la complejidad de La Consagración de la Primavera de Igor Stravinsky es de valientes o de locos. Una obra revolucionaria llena de medidas y ritmos muy complicados y quienes la conozcáis sabéis a que me refiero. En principio Andy Tillison quería hacer un disco de mayores proporciones basado en esta obra. Imagino posibles problemas de derechos y tal. Pero bueno al final llevó a cabo, no una “adaptación” rigurosa o mera copia de la partitura de la Sacré, sino una inspiración que toma evidentemente partes de la obra, pero llevado completamente al rock progresivo y esto para mí ya es más fascinante y personal. Desde el comienzo con su famoso fraseo melódico de los augurios primaverales, Tillison lleva a su terreno de jazz-fusión-canterburiana con ramalazo emersoniano incluido, su propia versión dividida en dos partes de 11 y 14 mtos respectivamente. Me imagino a mí mismo detrás de la batería tocando esto y se me eriza la piel de emoción. He oído la consagración stravinskiana cientos de veces, e incluso en mis desvaríos juveniles llegué a pensar que de esta obra algún día y algún grupo prog del futuro llegaría a atreverse con ella. Pues ya ves, ni Nostradamus. No obstante hubiese preferido que Tillison se hubiese callado en la segunda parte. La voz sobra y hasta me cabrea, pero afortunadamente es relativamente breve y la fantástica instrumentación ultra-prog me hace perdonarle. Puedes escucharla las veces que quieras, es más, es hasta recomendable que lo hagas, para impregnarla en vena. El tipo se lo ha currado a base de bien.

El resto de este disco tiene otras tres piezas, una de ellas es una larga llamada “Live On Air” a ratos sumamente interesante donde el fantasma de Stravisky continúa en la mente inquieta de Tillison que mima el sinte y el hammond y las “tangenadas” siguen haciendo esa buena música a la que ya nos han acostumbrado. Son tipos brillantes pero insisto que en este caso hubiese preferido un disco totalmente instrumental, porque la línea tomada lo pedía y las partes cantadas es lo que menos me gusta de la tangente en esta ocasión, por muy “vocals zappero” que quiera ponerse a veces (que lo hace). Musicalmente se salen, como siempre, y este disco en este sentido, es de los mejores y no exagero. Para sinfónicos con pedigrí y si no, también que cojones.
Alberto Torró

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Esta viejuna banda danesa se inició a finales de los sesentas en la localidad de Roskilde. Los tiempos de la psicodelia y el inicio progresivo, tuvo su propio movimiento en tierras escandinavas con bandas, que gracias a la era de la comunicación virtual, han podido salir del polvo de los tiempos y han tenido acceso allende fronteras.

La influencia de los Mothers Of Invention en las zonas más “cool” de Europa fue mucho más importante de lo que en su momento creíamos, y todo aquel inicio “prog” fue en buena parte manufacturado por el perillas más famoso de la historia de la música “moderna” y en el lado del jazz fusión europeo tanto John Coltrane como Miles Davis tienen casi toda la culpa. Cuando dicen que el sonido Canterbury es la quintaesencia autóctona de Inglaterra tienen razón en una parte, pero en la otra a veces se olvidan que fue la influencia jazz y vanguardista de músicos norteamericanos los que crearon la alquimia. Esto es así.

La Dr. Dopo Jam fueron una macro banda que se disolvieron en 1974 dejando dos discos: “Entree” (1973” y “Fat Dogs & Danishmen” (1974) en 1981 algunos de sus miembros intentaron reactivar la banda hacia distintos derroteros musicales. En los créditos de sus dos trabajos aparecen hasta una docena de músicos con un jugoso despliegue instrumental que aparte de lo habitual entre guitarras, bajo, percusión y teclados, incluye vibes, violín, trompeta, saxo, trombón flauta etc.

Su música contiene pues una nutrida paleta de colores muy representada en la larga primera pieza de su primer trabajo “Entree”. La genéricamente titulada “Opening” es una suite de 25 mtos en 12 cortes a modo de macedonia sonora agitada y mezclada entre los Mothers, los Traffic, los Chicago de Terry Kath (similar suena la guitarra) los Colosseum, o más alejados, los primeros Caravan (In The Morning). Los solos constantes en la macro pieza se van alternando inclusive el de batería y percusiones, todo por derroteros que van del jazz, al rock, al hard, a la psicodelia, al blues rock o a la fusión, con atractiva brass sección y hasta toques afro caribeños santaneros. El sonido es muy “vintage” hijo de su época y musculoso proto-prog, mucho más centrado entre 1968-69 que en 1973, año en que por otra parte las bases del estilo gozaban su luna de miel. Conforme escuchas tienen sus peculiaridades en un sentido en que “todo cabe”, curiosamente sin que nos indigeste por la cantidad de vericuetos musicales por los que se meten. Hay partes de cachondeo y cierta frivolidad que no molestan y no aburren en ningún momento. La estupenda aunque breve tercera pieza “Entree” resume a la perfección el fantástico jazz-rock que hacía esta gente. Los diálogos entre teclado-guitarra y vientos son constantes entre amables fraseos melódicos. Termina el álbum con un corte de 7 mtos: “Desserts…flower…” donde el catecismo sonoro del mejor Frank Zappa no puede evitarse.

Temas

A1.a Opening "HELLO"

A1.b Essentia I, Sanquine

A1.c Essentia II, Choleric

A1.d Essentia III, Melancholic

A1.e Essentia IV, Phlegmatic

A1.f Qvinta Essentia: VITA

Overture: Absorbia

A1.g.a Heart-Theme, Solaria

A1.g.b Brain-Theme, Lunaria

A1.g.c Liver-Theme, Jupiter

A1.g.d Kidney-Theme, Venus

A2 VI: The Complete Pentagram

B1 Samelam-Samelam 4:10

B2 Entree's 3:54

B3 Spring-Theme-Summer-Theme 3:55

B4 In The Morning 2:01

Desserts:

B5 Forest-Flower-Picking-Preludium 7:29

Su siguiente álbum de 1974 “Fat Dogs…” continúa por similares caminos de variedades musicales y no le va a la zaga al primero. Quizá más elaborado. Una verdadera Big Band a la Grand Wazoo Zappera, estilo incluido. Aclarar que las referencias canterburianas, son pequeñas pinceladas instrumentales que aparecen y desaparecen. El fino hilo de esta sección con el jazz rock de la época, nos aproxima intermitentemente a la temática británica de cabecera, aunque a veces inevitablemente nos alejemos, como pasa en este caso y en otros.

Temas

1. Cowboy Song (4:36)

2. The Rubber Waltz (3:22)

3. Ode To Daddy Meatloaf (1:42)

4. Surfin' In Sahara (2:51)

5. Mambo Bernaice (3:44)

6. Scerzo For Violin & Pianoforte (1:55)

7. Rendezvous (Suite) (6:33)

8. Tango Macabre (3:12)

9. Fat Dogs & Danishmen (9:07)

10. Nova Bossa Nova (5:21)

11. Concerto For Solo Violin, Strings & Expanded Beatorchestra (7:35)

Hay muchas bandas que ofrecen “dudas razonables” y hay que ser prudentes. No obstante son discos totalmente recomendables para quienes os gusta este estilo de música aunque a veces reconozco que “estiro demasiado la cuerda”. Pero hay que recordar que también los autóctonos de Kent absorbieron muchos estilos de música diferentes e hicieron lo que les dio la gana.

Alberto Torró

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Desde Zaragoza se pone en contacto con nuestra redacción un trío de nombre Lana Lee. Me suenan remotamente, y me extraña no haber coincidido con ellos. Sobretodo porque tenemos amigos comunes, como los stoners The Dust Bowl, que también deberán aparecer por aquí. O sitios donde podría haberlos visto, como ese oasis cultural que es la sala Arrebato, de la capital maña.

Lana Lee son Manuel (batería), Rupert (bajo, ambientes) y Nacho (guitarra, delay, feedback). Se autodefinen como una banda casi instrumental con ciertos rasgos progresivos, psicodélicos y (algo) post rock. Aunque no comenzaron de ese modo allá por el 2003. En el 2010 dieron un cambio musical hacia lo que hoy les define.

Ya llevan publicados casi una decena de trabajos, siendo éste "La Furia" el más reciente, publicado en agosto de éste año. Lo de "M.D.A.H. VOL. 4" se debe a una serie de grabaciones experimentales que crean a partir de samplers extraídos de sus conciertos y ensayos. En éste último volumen colaboró su original guitarrista, David P. "La Furia". De ahí el título, supongo.

"Pan Duro 1& 2" (6'17) se inicia con fuerte sabor psicodélico vintage, lo cual me parece de maravilla. Los toques bluesistico-ácidos de las guitarras entran dentro de la zona de los primeros Gurú Gurú. Con perfecta autenticidad en sonido y estilo.

En "Cosmos" (8'51) la electricidad moldeada con expresivas cuerdas, y ahí incluyó también las del bajista, siguen remitiendo a ilustres leyendas Kraut. Gila, Popol Vuh, Can, Orange Peel o Achim Reichel son referencias cercanas en ac(p)titud, para definir su rico sonido.Pasa que cuando Nacho, (o quizá en ésta grabación también David), se llevan los solos hacia el blues, la cosa se pone inevitablemente pinkfloydiana. Y además suena a gloria. A éste respecto recomiendo escuchar en YouTube su versión de "Cymbaline". Clarificadora.

"Aproximación Orbital - Gravedad" (8'10) se acerca al Stoner / Space Rock instrumental que está calando bastante ahora en el mundo underground. Los necesarios teclados para éste tipo de música se suplen con soltura y agilidad, a base de efectos de pedal y otros astutos trucos muy bien aprendidos. La verdad es que no aburren en absoluto. Se nota que llevan lo suyo juntos, porque su sincronía improvisativa no engaña.

A partir de aquí todos los temas son más cortos, no sobrepasando ninguno los cuatro minutos. Eso no quiere decir que se simplifiquen. Su densidad instrumental te deja con ganas de ver esto mismo desarrollado en directo.

"Ozono", "Alerta A. E.", "Para Casa" o "Ya están aquí " son acertados extractos de un trip musical que se intuye mucho más extenso y "viajero". En "Diálogos con el Unicornio" introducen ritmos funk o pseudo-reggae, como en su día hiciera Can en discos como "Flow Motion" o "Saw Delight". Que aportan ligereza al cuelgue eléctrico. Excelente labor percusiva (en toda la grabación), su cometido como pilar rítmico es intachable y solvente.

En "Fail" tenemos a dos Michael Rothers retroalimentandose de watios. Y "Domingo de Paraguas / Lunes de Paraguas", ya en su recta final, nos descubren la paranoica melancolía de la belleza que puede surgir en una sesión libre inspirada.

Lana Lee han confundido su tiempo y lugar. Deberían estar en la Alemania de primeros 70, tocando en algún sótano de Hamburgo, mientras les graba Conrad Plank para editar en Ohr, Brain o Bacillus. Pero hasta que no se invente la máquina del tiempo, ellos seguirán inmersos en su lisérgico sueño. Y bien que hacen.

J.J. IGLESIAS

Contacto:

Facebook: https://www.facebook.com/3LanaLee
Reverbnation: http://www.reverbnation.com/lanalee
Twitter: https://twitter.com/3lanalee
YouTube: https://www.youtube.com/channel/UC0FxZ-Q4mKKPZUq6mTPImMQ
Bandcamp:http://lanalee.bandcamp.com/
SoundCloud: https://soundcloud.com/3lanalee
Auditiva Collective: http://auditivacollective.org/grupos/lana-lee/
Bestiar NetLabel: http://www.bestiar.org/lana-lee/

P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en esta sección puede ponerse en contacto con nosotros : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70

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El 20 de Octubre de 1977 el avión convair 240 salía de Greenville, Carolina del Sur, y se dirigía al estado de Louisiana. En el aparato viajaban los componentes de Lynyrd Skynyrd y su "stage" técnico. Cuando sobrevuelan el condado de Amite, en Mississippi, uno de sus motores comienza a fallar y posteriormente tienen una perdida de combustible estrellándose cerca de Gillsburg. Como consecuencia del accidente mueren Ronnie Van Zant (voz), Steve Gaines (guitarra), Cassie Gaines (coros), Dean Kilpatrick (mánager asistente), Walter McCreary (piloto) y William Gray (copiloto). Resultaron gravemente heridos Allen Collins (guitarra), Leon Wilkeson (bajo), Gary Rossington (guitarra), Billy Powel (teclados), Leslie Hawkings (coros), Steve Lawler (técnico), Gene Odom (seguridad). La fatalidad se cebo con Artimus Pyle (batería), Kenneth Peden Jr. y Marc Frank (técnicos) que consiguieron salir del avión para pedir ayuda y fueron tiroteados por un granjero que los confundió con unos prófugos.

El avión había sido rechazado por los Aerosmith ya que no se fiaban ni de su estado ni de la profesionalidad de sus pilotos. Resulta trágico pensar que tres días antes del siniestro se había publicado "Street Survivors" quinto álbum de la banda en cuya portada aparecía el grupo entre llamas. La compañía discográfica , MC, cambio la portada colocando una foto de la banda sobre un fondo negro. Lógicamente Lynryd Skynyrd se disolvió por el momento.

A finales de 1978 y por mediación de Charlie Daniels parte de los sobrevivientes de Skynyrd comienzan a ensayar en el Studio One en Doraville. Enseguida la noticia corre como la pólvora y muy pronto amigos músicos de la banda se pasan por el estudio. La consecuencia son numerosa y largas jams. Algunas de esas jams fueron incluso retransmitidas por la radio local. El Cd que hoy presentamos en Rockliquias contiene algunas de esas jams. Como músicos participantes podemos encontrar entre otros a Gary Rossington, Allen Collins, Billy Powell, Artimus Pyle (Lynyrd Skynyrd), Dickey Betts (Allman Brothers Band), Charlie Daniels, Taz DiGregorio (Charlie Daniels Band), Mike Duke, Jimmy Hall (Wet Willie), Bonnie Bramlett, Lenny LeBlanc, Robert Nix (Atlanta Rhythm Section). En el "setlist" tenemos interesantes versiones como "Cocaine" o "Call me the Breeze (J.J. Cale), temas tradicionales como "Anyway You Want It, That's the Way I Want It to Be" y "Another Pretty Country Song". También temas de la Charlie Daniels Band, Reflections" y " Jitter Bug", y otro de Dickey Betts, "Southbound". El Cd se completa con tres temas del Volunteer Jam 1979, festival organizado por Charlie Daniels", destacando la versión instrumental del "Free Bird". Como curiosidad, Gary Rossington, presenta los miembros de la banda entre temas.

J.C.Miñana

Temas

00:00 Jitter Bug 4.10

04:10 Cocaine 9.01

13:09 Reflections 6.49

19:58 Southbound 6.20

26:07 I Don't Want To Go Down There 4.06

30:04 Gospel Song 6.29

36:33 Rhine Stone 6.30

42:55 Call Me The Breeze 8.31

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Adelantándose por poco a otros primigenios combos como Tonto's Expanding Head Band o Tangerine Dream, los bostonianos Mother Mallard 's Portable Masterpiece Company son considerados el primer grupo totalmente electrónico de la historia, datando sus comienzos en el 69. Discrepo. Posiblemente Silver Apples les lleven unos meses de adelanto, ya que se fundaron en el 68.

Todo fue idea del visionario David Borden, otro amiguete de Robert Moog y uno de los primeros clientes en comprar un Mini Moog. Después de reclutar a Linda Fisher y Steve Drews como sintetistas cooperantes en trastos varios, forman el equipo marciano de poco minimalista nombre.

Comienzan a grabar tarde, en 1970, y además el álbum no saldrá hasta 1973 en un pequeño sello, Earthquack Records. Con lo que el factor sorpresa había desaparecido a esas alturas. Para colmo su seguimiento, "Like a Duck to Water" no sería editado hasta 1976. La disolución de MMPMC no sería completa. Ya que su inicial fundador, David Borden, ha continuado con el nombre a lo largo de los años con distintas ayudas de nuevos miembros. Un poco como TD pero a lo pobre.

El disco que traemos hoy es la reedición de Cuneiform del primer álbum, con la inclusión de material inédito que se grabó entre éste y el segundo.

"Ceres Motion" (14'45) (1973) entra totalmente dentro del término planeador de los grandes sintetistas alemanes. Con un estilo deudor de Terry Riley, la envolvente espiral sónica enriquece a cada vuelta con más sonidos y texturas. Hasta crear una tela de araña barroca de auténtica electrónica multiuniversal. Ash Ra Tempel irían posteriormente por éstos derroteros. Estupefacto quedo me, que diría el Yoda Pujol.

"Cloudscape for Peggy" (12'34) es de 1970 y todavía estaban tan (ton) teando sus cacharros. Muy bien analizados, por cierto. Capas "phaedricas" superpuestas con tino y sabiduría, en una suerte de electrónica entre el primer Schulze y los más dopados Cluster / Neu / Harmonia.

"Music" (12'49) (1972) pertenece a esa franja temporal tierra de nadie que hicieron entre discos. Incluyen un "sampling" (!?) femenino al comienzo, y la muy pegadiza tonada "sintetera" (top less analógico? ) nos lleva a los Kraftwerk de mitad 70 con facilidad. A destacar los escapes solistas de los tres frente al núcleo secuenciado como tronco espinal. Para nada desbarran. Y el resultado es mucho más contemporáneo de lo previsto, para la fecha de creación. Lástima que esto se quedara en el limbo en su día.

Otra de las viejunas, "Train" (6'51) (1970), es equiparable a las secuencias ambientales amazónicas al estilo de Florian Fricke con su modular, musicando las voladas filmicas de Werner Herzog. Y esto antes de "Affenstunde", debut de Popol Vuh del 71.

Finalmente "Easter" (19'23) (1970) enseña los incisivos experimentales con gracia y desparpajo.

Conrad Schnitzler es también adelantado en la recta final por éste bólido que se adelantó a todos. Y como un Pierre Nodoyuna, se averió en el último momento quedándose a un centímetro de meta. Mientras todos los demás "autos locos" van pasando haciéndole una peineta ante su atónita cara de loser. Esto es justamente lo que le pasó a MMPMC y su líder, David Broden. No se rindió el hombre. Y como un coyote tras el correcaminos, siguió editando estupendos discos de electrónica ingeniosa, entretenida e inimitable.

J.J. IGLESIAS

Temas

1 Ceres Motion 14:45

2 Cloudscape For Peggy 12:35

3 Music 12:56

4 Train 6:50

5 Easter 19:23

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Mi pasión por el blues vino de la mano de los grupos de rock que escuchaba en mi juventud. Cream, Led Zeppelin, Rory Gallagher y demás fueron los maestros perfectos para adentrarme en el género. El triple salto mortal lo di cuando recibí un catalogo de DISCOPLAY , una tienda madrileña que se dedicaba a la venta por correo, donde se ofertaba la colección de blues, "House of the Blues", de Blue Star y publicada en España por Movie Play. Era un estudiante sin recursos pero me las ingenie para comprar un buen puñado de discos de esa serie. En mis manos, y para el disfrute de mis oídos, cayeron Big Bill Broonzy, Willie Mabon, Luther Johnson, Profesor Longhair, Clarence "Gatemouth" Brown, Memphis Slim entre otros. Unas joyas.

Luther Allison nace en Widener, Arkansas, en 1939 en el seno de una familia con 14 hermanos. A los 12 años se trasladan a Chicago y empieza a tocar la guitarra de forma autodidacta. En 1957 entra a formar parte de la banda de Howlin Wolf . La oportunidad llega cuando Freddie King le consigue un contrato discográfico. Su primer disco en solitario llega en el 69, "Love Me Mama". En el 72 firma contrato con Motown Records con los que graba tres discos. Durante esa década realiza actuaciones por Europa llegando a vivir en Francia. La discografía de Allison consta de mas de una veintena de discos entre estudio y directo. En agosto de 1997 muere como consecuencia de un tumor en el pulmón.

La grabación contiene la actuación de Luther Allison en la Chapelle des Lombards en París en 1979. El "setlist está compuesto por verdaderos clásicos como "My Babe" o "I Can't Quit You Baby" de W. Dixon. Interesantes versiones del "Rock me Baby" y sobre todo de "Thrill is Gone". Los temas propiso como "Tribute to Hound Dos" y "Luher's Shufle, donde Luther también toca la armónica, también alcanzan gran sentimiento blusero. El grupo lo completan James Solberg (guitarra), Sid Wingfield (piano), Kenny Berdoll (bajo) y Danny Schimidt (batería). A destacar el tema "Early in the Morning", me recuerda bastante al sonido de los Allman Brothers con "slide" en plan Duane. Una noche plena de blues, blues y mas blues.
J.C. Miñana

Temas

01 - Crazy Jealous

02 - My Babe

03 - The Thrill is Gone

04 - Early in the Morning

05 - Tribute to Hound Dog

06 - Luther's Shuffle

07 - I Can't Quit You Baby

08 - I'm Leavin'

09 - Rock Me Baby

10 - Little Red Rooster

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Resulta que el más viejo de los músicos famosos que rodearon a Jimi Hendrix es el único que sigue vivo. El bajista Billy Cox ha sobrevivido a Noel Redding, Mitch Mitchell y Buddy Miles, además de a su propio jefe. Estuvo con el de Seattle hasta su final, con la renovada Jimi Hendrix Experience (Cox + Mitchell). Que en algunos sitios llaman The Cry of Love Trío y en otros JH New Experience. También tocó en Woodstock con la efímera Gypsy Sun and Rainbows, en aquel despropósito de concierto. Hay quien dice que fue un "éxito". Pero tocar a las 8.30 de la mañana del lunes ante unas 30.000 personas que aún quedaban (de las 500.000), a mí no me lo parece. Y por supuesto estuvo en la Band of Gypsys, con el álbum más negroide (y mejor?...) que grabara en vida.

Poco después de la muerte de Hendrix, en el mismo año 70, Cox monta otro trío al que bautizan Billy Cox's Nitro Function. Por supuesto, la sombra del zurdo es muy larga. Como le pasara a Curtis Knight, Arthur Lee o Velvert Turner, Billy Cox no desaprovecha seguir tirando del legado. Tampoco le hubieran dejado hacer otra cosa. Así que recluta al batería Robert Tarrant y a una verdadera guitar -heroine femenina, Char Vinnedge. Una cualificada guitarrista que venía de tocar garage rock 60s con The Tremolons y The Luv'd Ones, agrupaciones íntegramente compuestas por mujeres. Rápidamente fichan por Pye Records y editan el homónimo álbum al año siguiente.

"Message" es una corta intro de puro efectismo hendrixiano, que parece su beneplácito desde el más allá. Enlaza con "42 -70 (Peace)", canta la Vinnedge con chulería rockera reivindicativa. Pero lo que más llama la atención es su parecido estilo a la guitarra con Hendrix. Vale, no es él, pero su soltura y feeling andan cercanos. Todos los licks están ahí. "Sólo " falta la chispa de genialidad del zurdo. Pero no pidamos peras al olmo, que Vinnedge pasa el examen con nota. Quizá estemos ante el primer álbum de esa larga serie de discos inspirados en el desaparecido ídolo. Me refiero a la extensa cosecha de los Trower, Marino, California, Roth, Hansen, Cameron y un millón más.

"Touch me" conserva algo de la composición 60s psych de los anteriores grupos de la frontwoman. Sonando como un híbrido entre Jefferson Airplane y Peter Kaukonen (otro). La versión de The Kinks, "You Really got me" , se la llevan al terreno hendrixiano sin problemas. La sección de ritmo atrona en general, y aquí en particular. Que da gusto oírlos, vaya. Y la "Electric Lady" (tal como la llaman en el disco, seguro que Hendrix lo hubiera aprobado), se desfoga con rabia entre el blues y el proto-heavy que está al caer. Me queda la duda de si también "haría el amor" en directo con su guitarra, como el jefe....

"Portrait" cambia algo el registro, más pausado y melódico. Aún así los arrebatos ácido -corrosivos se suceden con pletórico esplendor. Una maravilla, y de lo mejor del álbum.

Damos la vuelta a la tortilla de vinilo y nos encontramos con "Powerhouse", con ese nombre está todo dicho. Otro corte proto-metal que no hubiera desentonado en manos de Blue Cheer, May Blitz, Sir Lord Baltimore o Maximillian.

"You got a hold on me" es junto al corto preludio del comienzo, lo único con autoría de Billy Cox. Así que quizá él ponga el nombre en el grupo, pero la dama se lleva el liderazgo de lejos. Y además salva el tema con su incendiario estilo, porque si no, esto sería un ramplón rhythm'n'blues del montón. La novedad es que incluye electric piano al final (muy poco, por desgracia).

En cambio "Play your own blues" , es un bluesazo con carisma, fuerza y sensibilidad. Un placer, en cuanto a originalidad. Cerrando el disco, "Not my Time" y "Let me do what i want to do" son otras gemas psicodelicas de inmenso poder de atracción. La voz de Char, su efectista y efectiva guitarra, y el sólido frente rítmico, unido al poderío melódico demostrado, las hacen irresistibles y te dejan con ganas de más.

Un esplendoroso disco de sabor netamente Hendrix, en manos de una instrumentista y cantante excelente. Char Vinnedge también nos dejó en 1997 (acercarse a Billy Cox tiene peligro, a lo que se ve). El álbum viene envuelto en una preciosa portada obra de Roger Dean cuando pintaba de verdad, (lleva décadas viviendo del cuento). Y su precio oscila entre los 100 y 500 machacantes. No estaría de más una conveniente reedición en vinilo, sugiero.

El tío Cox sigue con el legado de su jefe bien con la Band of Gypsys Experience, bien con la Experience Hendrix Tour......Un largo camino recorrido.

J.J. IGLESIAS

Temas

1 Message 1:04

2 42-70 (Peace) 4:55

3 Touch Me 2:49

4 You Really Got Me 4:11

5 Portrait 4:53

6 Powerhouse 3:10

7 You Got A Hold On Me 3:13

8 Play Your Own Blues 4:58

9 Not My Time 3:53

10 Let Me Do What I Want To Do 2:46

Formación

Billy Cox: bajo

Robert Tarrant: batería

Charlotte Vinnedge: guitarra

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Este perfecto compañero de “Le Sacré Du Travail” con sus 77 mtos de duración podría haber formado parte de un impresionante doble cd o un cuádruple vinilo en toda regla. Yo doy ideas de futuro por si un día este fantástico grupo pasa a ser una leyenda entre los grandes del género. Pero como en el caso de otros muchos de hoy que respetan y tocan el rock progresivo-sinfónico clásico, me temo que se quedarán en el círculo privado de los cuatro frikis que emocionalmente en el aspecto musical (solo en ese apunto) nos quedamos en los 70´s.

The Tangent han nacido en época equivocada y lo peor del caso es que quienes lo escuchamos también estamos en un mundo que ya no nos representa (y no solo en el aspecto político) Es como si culturalmente ya no existiésemos, como espectros fuera de tiempo y de lugar. Es una sensación entre extraña y curiosa como la que debe de experimentar una persona que ha pasado de los 80 años y observa que su mundo ya no existe. Que todo lo que conocía ha muerto. Algo parecido nos pasa a los que nos gusta la música de verdad. Ahí sí que los prog lovers somos “una rara forma de especie auto-protegida” aún no extintos y encima para más inri orgullosos de serlo. A ver si alguien crea el “Dia del Orgullo Prog” y nos decojonamos todos.

“L´Ètagère du Travail” lo forman dos bloques diferenciados. Por una parte cinco temas inéditos que quedaron al margen del disco en estudio y otros cinco que son revisitaciones o versiones alternativas de temas conocidos de la banda. El line-up lo conforman diez músicos, casi todos componentes presentes y pasados de la tangente.

En la parte inédita se abre el trabajo con una pieza llamada “Monsanto” de entrecortado ritmo de funk-rock-prog-fusion con los enloquecidos solos de Tillison desdoblándose en diferentes teclados y dejando claro su poderío.

En "Lost In Ledston” vuelve a mimar las cadencias típicas a la Camel/Caravan/Hatfield y nos deja a todos contentos como debe ser en uno de sus buenos números que podría pertenecer a cualquiera de sus discos.

La sorpresa viene con “The Iron Crows” en una irreconocible y algo agresiva, pero efectiva inspiración en la obra de Claude Debussy “El Mar”. Puro prog sinfónico en complejas y retorcidas articulaciones impresionistas. Hacia mitad del tema lo llevan a un elegante jazz plagado de pasajes misteriosos que el moog se encarga de resaltar hasta perderse en un clasicismo futurista cargado de recursos sonoros. Aunque Luke Machin está por las esquinas y aristas dando guerra como siempre, el peso compositivo de aderezo teclístico es exhaustivo y fascinante.

En “Build a New House With The Lego” la sombra emersoniana desenvaina de nuevo y el hammond manda contestado por un moog desafiante que lo acapara todo.

Tremenda pieza. “Supper´s Off” cierra el primer bloque a la Genesis-Marillion (Fish) al principio y fin sin despeinarse, y para coquetear a la Canterbury a ratos.

La segunda parte se inicia con “Dansant Das Paris” es decir no se han perdido del todo en la capital gala y han encontrado a Barry White y la disco travoltera. Divertida versión del original que evita ser excesivamente hortera y tiende a lo encantador. Caprichos Tillison a su servicio.

“Steve Wright In The Afternoon” es otra sofisticada versión de copa nocturna y señorita elegante y cara. El moog y las formas me recuerdan mucho a Manfred Mann.

Tras una breve pieza pianística al más puro recuerdo modernista entramos en “The Ethernet” en una versión bastante diferente a la original y cantada por el propio Jakko Jakszyk que tiene bastante mejor voz que Andy aunque menos personal. Es una versión menos recargada y suena algo popera…pero bueno.

Cierra el asunto la siempre recurrente “Canterbury Sequence” y me ha salido un pareado. Esta vez la tocan en directo en algún garito en los USA y con alguna ligera variante. Un disco a tener, tan bueno como los demás.

Aquí terminamos con los Tangent y su discografía. La semana próxima… hummm me tengo que pensar con quien iniciamos la siguiente andadura pero seguro que será algo bueno.
Alberto Torró

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A mi juicio Solution fueron junto con Supersister, Focus y Finch una de las mejores bandas holandesas de los setentas y probablemente para nosotros la menos conocida.

Fundados en 1970 por el saxofonista Tom Barlage, el pianista Willem Ennes y el batería Hans Waterman principalmente, comienzan su andadura por los círculos más progres de Amsterdam. Estos jóvenes músicos venían todos ellos del mundo del jazz empapados de la música de John Coltrane y muy interesados tanto en Frank Zappa como en Soft Machine. Paradójicamente sus inicios y las idas y venidas de otros músicos los puso en la tesitura de realizar canciones destinadas al rock o meterse de lleno en el jazz. Ganó lo último al menos en sus primeros discos hasta que la cosa empezó a degenerar en los 80´s (para variar). En 1971 se les unió el bajista Peter Van Der Sande y con un pequeño sello local grabaron su primer auto-titulado trabajo “Solution”

Este primer LP es un trabajo agradable de principio a fin aunque con algunas lagunas poco definidas y desde los vericuetos del primer track “Koan” nos sumergimos en un original Canterbury-style a la holandesa con un órgano a todos familiar y una flauta que llevan todo el tema en un agradable tempo muy propicio a las formas de la improvisación por su libre estructura.

Tras un brevísimo corte pianístico “preview” la siguiente “Phases” comienza muy a lo Floyd primario con un lejano y misterioso órgano que parece no tener fin y muy próximo a las puertas de la psicodelia con una flauta que se va abriendo camino. Si exceptuamos la voz demasiado estandarizada hacia el rock casposo setentero, recuerda también a esos “limbos” caravaneros de sus dos primeros discos o al primer trabajo de Egg. La voz algo broncas, no pega mucho con el estilo, pero el teclista se las arregla para hermanarse con los keyboards made in Kent y la pieza mantiene el encanto.

“Trane Steps” comienza de manera similar a la anterior y Floyd sigue en nuestra memoria por ese sonido perezoso y lento, hasta que el bajo y el órgano se instalan en esa “académica monotonía” que parece esperar algo que no llega. Por fin el saxo hace su entrada a la Coltrane y empezamos a desperezarnos en unas líneas puramente jazz. Ya me había asustado por la abulia inicial pero mereció la pena la espera.

El Canterbury primario está por todos sitios aunque no saltemos del asiento en ningún momento. Se cierra el asunto con “Circus Circunstance” que está basado en una pieza del compositor francés de principio de siglo XX Jacques Ibert pero llevado al hard prog primario y a la fusión jazz machinera en una curiosa mezcla. Quizá la mejor pieza del disco. La próxima semana continuamos.

Alberto Torró

Temas

1. Koan (0:00)

2. Preview (7:50)

3. Phases (8:50)

4. Trane Steps (21:10)

5. Circus Circumstances (31:30)

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Tricantropus es una banda madrileña formada en 2005 por tres curtidos músicos. Por una parte tenemos al teclista Manuel Manrique ex- miembro del mítico grupo de los 70 Azahar, Pedro Párraga se ocupa del bajo y Javier L. Pardo de la guitarra.

Durante dos años van perfilando su primer disco, "Recuerdos del Futuro", que se edita en 2007 y es distribuido por el sello chileno Mylodon Records. La grabación cuenta con la colaboración de Willie Sagnon (batería), Óscar Gavilán (teclados), Marina Martín (viola), Curro Cueto (fauta) y Carlos Ramírez (guitarra rítmica ). El disco contiene 11 temas ce corte progresivo sinfónico onda Camel fundamentalmente.

En 2010 se incorporan de pleno derecho al grupo Luis Hidalgo (batería) y Daniel Denis (guitarra). Con esta formación editan su segundo trabajo, "El sueño de Arsinoe", en 2011.

La grabación comienza con el llanto de un bebe, recuerdo que los Bloque ya lo hicieron hace años en "El hijo del Alba". El temas es el que da título al disco y nos recibe con una nube de teclados y guitarras etéreas y suaves. Sonidos que nos pueden recordar a los riffs de Andy Latimer.

"Al filo de lo imposible" nos muestra una mayor interacción entre teclas y guitarras con cambios de ritmo aunque todo muy light.

"You"re Me Pet Peeve" es uno de los temas mas largos del disco y podrían trasladarte lejanamente al "Mother Focus" en sus primeros compases para poco a poco transformarse en lineas mas mediterráneas.

"Dionisio De Magnesia" continua en la línea marcada en su primera composición, riff relajados y muro de teclados.

"Manderley" está dividida en tres partes (a. Manderley - b. Interludio - c. La Balada Del Invierno). En la primera siguen con las sonoridades a lo Camel. Posteriormente introducen la cristalina voz de Esperanza Martin con sonoridades mas jazz.

"Señoras" también consta de tres partes (a. La Mujer Misteriosa - b. La Mujer De Tu Vida - c. Para Todas Aquellas Chicas). Acertado riff inicial de Daniel Denis con base de piano eléctrico. Muy melódico y sensual. Uno de los temas mas destacados a mi entender.

" En La Barca De Caronte", riffs algo mas dinámicos y poderosos nos introducen a este tema donde las guitarras son las principales protagonistas.

"Plan 9 From Outer Space" es la composición mas larga de la grabación, casi doce minutos. Comienzo fantasmagórico electrónico y poderoso bajo para posteriormente retomar las riendas Daniel Denis. Diversos cambios en el tempo van dando cierto dinamismo al tema.

El disco se cierra con "Hortalezas" una desenfadada composición con teclados a lo Peter Bardens.

En definitiva un disco bien elaborado con progresivo de calidad aunque con una línea sonora demasiado plana, sin sorpresas ni estridencias.

J.C. Miñana

Contacto:

Facebook: https://www.facebook.com/Tricantropus/

P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en esta sección puede ponerse en contacto con nosotros : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70

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Blackberry Smoke es una joven pero curtida banda que lleva mas de dieciséis años dando caña y aportando aire fresco al "rock sureño". Procedentes de Atlanta ya tienen a sus espaldas cinco discos en estudio (Bad Luck Ain't No Crime, Little Piece of Dixie, The Whippoorwill, Holding All the Roses. Like An Arrow) y uno en directo (Leave a Scar, Live: North Carolina). Sus influencias claramente nos trasladan a los tiempos de The Allman Brothers Band y Lynyrd Skynyrd. En la actualidad el grupo está formado por: Charlie Starr (Voces principales, Guitarra),| Richard Turner - (Bajo, Voz), Brit Turner (Batería), Paul Jackson (Guitarra, Voz) y Brandon Still (Teclados).

Moondance Jam es un festival de rock que se celebra en el bosque Nacional Leech Lake, Minesota desde el año 1992. Por sus escenarios han pasado grupos de la talla de Kansas , The Guess Who , Survivor, 38 Special , Edgar Winter Group, Grand Funk Railroad, Steve Miller, Foreigner, Yes , April Wine , Lynyrd Skynyrd, Blue Öyster Cult, Joan Jett entre otros.

El cartel con el que se presentaba el festival en 2010 era impresionante:

- Jueves (15 de Julio): SAMMY HAGAR AND THE WABOS, BUCKCHERRY, COLLECTIVE SOUL, HOOBASTANK, TONIC,

- Viernes (16 de Julio): REO SPEEDWAGON, PAT BENATAR, DON FELDER, THE SMITHEREENS, PAT TRAVERS.

- Sábado (17 de Julio): LYNYRD SKYNYRD, JONNY LANG, CINDERELLA, BLACKSTONE CHERRY, BLACKBERRY SMOKE.

La grabación nos presenta la actuación de Blackberry Smoke en el festival de Moondance Jam el 17 de Julio de 2010. La banda presenta un rock sureño actualizado rememorando a los grandes del genero y con notables pinceladas country. Realmente es difícil destacar a alguno de sus miembros, toda la banda es sumamente compacta y con un nivel sobresaliente. El "setlist está compuesto fundamentalmente por temas de sus dos primeros discos, combinando composiciones de gran ritmo sureño guitarrero con otras mas relajadas y country pero siempre manteniendo una gran fuerza musical. Toda una delicia para los oídos. Por cierto su guiño a los Allman lo tenemos en "Sleeping Dogs Lie" (Midnight Rider).

J.C. Miñana

Temas

00:00 Like I Am 4.27

04:27 Testify 3.22

07:50 I'd Be Lyin' 3.33

11:23 Sleeping Dogs Lie * 9.02

20:25 Good One Comin' On 3.28

23:54 Guitar Solo 1.04

24:58 Restless 3.41

28:40 Prayer For The Little Man 4.26

33:06 She's Mine 4.15

37:22 Band Introduction 0.25

37:47 Up In Smoke 3.43

41:30 Son Of The Bourbon 4.23

45:53 Freedom Song 5.18

Nota: nuestro eterno agradecimiento a Master Eddie y su gran canal de youtube

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Volvemos a la Alemania psych, la genuina, después de unas cuántas semanas en pausa. Ésta vez con el único disco de Walpurgis, "Queen of Saba". Editado en el histórico sello Ohr , y grabado en los no menos legendarios Dierk Studios, con Dieter Dierks como ingeniero, durante la primavera del 72.

La formación despista un poco si nos fijamos en los nombres de sus guitarristas, Ryszard Kalemba y Jerzy Sokolowski (también voz), tal vez polacos o de algún país del Este. Completan Manfred Stadelmann (batería, voz), George Fruchtenicht (bajo), Jan Sundermeyer (Congas, flauta) y la aparición estelar de Jurgen Dollase a los teclados. Uno de los íconos de la kosmische music, que por éstas fechas no paraba. Apareciendo en el último album de su banda oficial, Wallenstein y su "Mother Universe". En el "Tarot" de Walter Wegmuller. El "Lord Krishna Von Goloka" de Sergius Golowin, o en los alucinógenos proyectos de Cosmic Jokers.

Aquí comienza el disco él al Hammond con "Disappoiment" (3'42) en un cruce entre el "Freebird" de los Skynyrd y "A Whiter Shade of Pale" de Procol Harum. Es a éstos últimos o a Rare Bird a los que se acercan con similar estilo y nivel.

En "Queen of Saba" (5'09) una guitarra funk-wah wah Hendrix flavour nos acerca a un hard psych al modo de Tiger B. Smith, Jeronimo o los primeros Emtidi, por la bella intervención de la flauta. Pura psicodelia "under", como rezaba aquella serie de dobles albums editada en España, "The Classic German Rock Scene", y de portadas que hoy serían tildadas de "políticamente incorrectas". Como si "lo político", fuera muy correcto.

"Daily" (6'50) me recuerda al Uli Jon Roth de los tiempos Electric Sun. Muy psych rock fuzz jammin' de parecidas cotas.

"Hey you, over there" (4'10) es un más pausado tema de floydiana construcción. Acústicas, órgano y blues guitar forman sus cimientos. Como hiciera Jane por esas fechas, o los de "Ummagumma" o "More", sin ir más lejos. Las guitarras, como de costumbre, impresionantes. No me explico porqué otros "reseñeadores" se empeñan en decir que ésta primera cara es "vulgar". Está hecha acorde al sonido del momento en Alemania. Y al nivel de los mejores. Porqué hay gente que escribe de lo que no le gusta? ( ergo....no lo entienden).

Cambiando de tema y lado vinílico, vamos ahora con "la cara buena". En "What can i do (to find myself?)" (7'07) se usa la estrategia de los galeses Man. Llevándose el modus operandi de Quicksilver Messenger Service, Grateful Dead, Shiva's Head Band o Kaleidoscope (USA) a sus terrenos Kraut, como haría Can. O Traffic en UK.

Una perfecta muestra de cuelgue - reflejo de un tiempo, pero con música irrepetible. Y que en "My Last Illusion" (11'20) quema todos los barcos desplegando sus finisimas guitarras, nada envidiosas de Wishbone Ash, y aderezadas por una imaginativa acústica. La milimétrica rítmica es fuertemente enriquecida por obra y gracia de las muy presentes congas, y el sibilino (casi inapreciable) Hammond de Dollase. Maravillosos momentos. Si te gustan "Inside" o "Floating" de Eloy, esto es material de tu interés, de verdad. Sus últimos tres minutos llevan un sabor orientalizado ideal para sacar el incienso u otras hierbas........El disco es tan bueno, que entran ganas de fumarse la borraja.

J.J. IGLESIAS

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A Philip Catherine lo descubrí por primera vez en su etapa en Focus ("Focus con Proby" y "Live at the BBC 1976"), el ya tenía una dilatada carrera que continuo con mas o menos reconocimiento después de su estancia en la banda holandesa. Recuerdo que tuve la oportunidad de verlo actuar en unas fiestas del Pilar de Zaragoza. Hoy recordaremos su participación en Sunbirds.

Los orígenes de Sunbirds se remontan a 1971 en Múnich . Su primera formación estaba integrada por un grupo experimentado de músicos de cinco nacionalidades diferentes, Por una parte tenemos a Klaus Weiss (batería) , alemán, ( Bud Powell, Kenny Drew, Johnny Griffin, Klaus Dinger Quartet, Erwin Lehn Orchestra, Hampton Hawkes, Leo Wright, Don Cherry), Seguimos con Ferdinand Povel , holandés, (Summit Quartet). Como bajista el veterano Jimmy Woode, estadounidense, (Miles Davis, Charlie Parker, Sarah Vaughan, Dizzy Gillespie, Ella Fiztgerald, Louis Armstrong, Duke Ellington). En las teclas, Fritz Pauer, austriaco, ( ORF Radio Band). Y por último el guitarrista britanico, Philip Catherine ( Lou Bennett, Dexter Gordon, Stéphane Grappelli).

Su primer disco, "Sunbirds", lo graban el 24 de agosto de 1971 en tan solo un día. Es editado por BASF que en aquella época estaba saturada con multitud de lanzamientos del boom del krautrock. Como consecuencia una mala promoción y desastre en las ventas. Ni siquiera realizaron gira de promoción. Un año mas tarde y ya sin Catherine editan Zagara. Su final llega en el 73.

En este primer disco de Sunbirds podemos encontrar muy buen jazz rock con algunos matices psicodélicos y progresivos. La gran experiencia de sus músicos es un grado y se nota. La flauta de Ferdinand Povel nos puede trasladar a sonoridades Crimson en "Spanish Sun" o a la hiperactividad a lo Thijs van Leer en "Sunshine" pasando por el jazz- blues en "Blues for D.S.". En cuanto a la guitarra, Philip Catherine, con 29 años ya era todo un maestro manejando todo tipo de registros jazz, funk, e incluso se adentraba por caminos psicodélicos. El teclista Fritz Pauer es punto y aparte, el sonido que saca a su Hohner Electra es una autentica pasada. En cuanto a la sección rítmica es de bandera, Klaus Weiss (batería) y Jimmy Woode (bajo) son una maquinaria perfectamente engrasada que cubre todos los huecos posibles. En un principio el disco contenía seis temas pero en posteriores ediciones se incluyeron dos descartes ( "Dreams" y " Fire Dance"). Temas destacados "Spanish Sun " y "Sunshine".

J.C. Miñana

Temas

1 Kwaeli 3:43

2 Sunrise 5:26

3 Spanish Sun 12:10

4 Sunshine 6:46

5 Sunbirds 9:31

6 Blues For D.S. 7:53

Bonus-Tracks:

7 Dreams 9:42

8 Fire Dance 6:54

Formación

Jimmy Woode: bajo

Ferdinand Povel: flauta

Klauss Weiss: batería

Philip Catherine: guitarra

Fritz Pauer: teclados

Juan Romero: percusión

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Ahora que lo Occult ha vuelto, cual vinilo que nunca se fue, no estaría de más recordar que esto (también) es algo del pasado. Y que tras los tópicos como Black Sabbath, Coven, Pentagram o Black Widow, hubo muchas más agrupaciones dedicadas al lado oscuro. De hecho, formaba parte de la moda. Y hasta los Stones se apuntaron con su "Their Satanic Majesties Request", (en su línea). Algo importante. La palabra "metal" no existía en música. Así que el que crea que Black Sabbath eran eso en sus primeros y gloriosos discos, necesita urgentemente saber de qué va esto. El Occult Rock se formó en base a muchos desconocidos nombres que no suelen salir cuando hoy se invoca. Y predominantemente, surgió de la psicodelia : Graham Bond, Alex Sanders, Monument, Saturnalia, Comus, Zior, Jácula y cientos más.

Uno de esos pioneros fue fichado por esa institución del coleccionista en que se ha convertido el antiguo sello Vertigo. Junto a Island, Harvest, Dawn, Deram y unas cuantas más. El individuo se llamaba Keith Keyes, el cual tocaba piano, harpsichord, organo y cantaba. Componía todo el álbum y lo producía, en Island Studios, precisamente. Detrás de su proyecto estaba nada menos que Patrick Campbell-Lyons, frontman de Nirvana (los psych 60s, of course), como productor ejecutivo. A Keyes le apoyaba al ritmo Bob Watkins (batería, percusión) y Rob Watson (bajo). El disco era una volada místico - conceptual sobre el alma, que se dividia en tres partes de ésta : Spiritus, Manes y Umbra. Analizar la temática patafisica de éste enrrolle daría para una tesis doctoral. O como reaccionaba un hippie a la mezcla de ciertas sustancias y filosofía profunda. "Thick as a Brick", ironizo. Ahora sí, la presentación es una belleza. Portada que se abre a mitad, (como "Brain Salad Surgery"), con una decoración preciosa a cargo de ese geniecillo que fue Barney Bubbles. Responsable de light show de toda la jiparrada del barrio de Ladbroke Grove / Nothin Hill, así como dibujante de carteleria y portadas para Hawkwind, Quintessence, Brinsley Schwarz, Red Dirt, Cressida o Gracious!.

"Evil Woman's Manly Child" (4'45) demuestra desde el principio un sonido característico, propiciado por el harpsichord. Por ello no alejado del baroque psych pop, (la mano de Nirvana influye), pero decididamente psico-proto-Prog. A veces una mezcla de british Doors y The Nice del primer disco, por acercar la cosa de algún modo. Keyes canta como un gamberro. Mejor palabra no encuentro. Es un punk ejerciendo en otra música y tiempo.

"Spiritus, Manes et Umbra" (11'52) es un buen ejemplo de mejor teclista que cantante. No se me malinterprete. Es su actitud ante las letras, más bien de cabreo o de "malote". Acaso no inventó ese estilo Peter Hammill? Pregúntale a John Lydon quien era su héroe. Y a Bowie. Tras el mantra del título , Bob Watkins nos brinda una brillante ejecución percusiva, con el harp adornando detalles de "castillo encantado". El sólo de batería es una gozada de ingeniería audiofila vintage, aprovechando el sonido Stereo de moda.

"Summer for the Rose" (4'36) estaría perfecta en uno de los primeros trabajos de Atomic Rooster. Incluso la imagino por los iniciales Yes.

En "Burn in Anger" (3'26) el harpsichord hace las veces de mellotron, el piano lleva la melodía , y es una buena aproximación a Van Der Graaf Generator. Es probable que éste tema iniciara el lado B, pero al incluir más material en la reedición de AKARMA del 2003, termina la A.

Damos la vuelta y "Too Well Satisfied" (5'51) vuelve a entrar en esa liga que nos llevaría a The Nice, Arthur Brown o incluso al primer Alice Cooper. Un temazo de intensidad, con un ritmo protagonista. En el vinilo original, "In a Token of Despair" (10'33) despediria la grabación. Me encanta el sonido que extraen de la batería, tiene ese aura orgánica de Mike Giles en el debut de King Crimson. Es otra pieza desarrollada con coherencia, reflejando la frustración del protagonista ante la vida, (me identifico bastante con éste disco, no creáis). Los tres músicos están brillantes en sus intervenciones, sin tener que hacer para ello mucha filigrana efectista. Y funciona de maravilla. Desde luego que Emerson está muy presente, y me parece el mejor tema del disco. Sin rebajar la magia del resto.

Al año siguiente aparecería un single producido por Dick Taylor (Rolling Stones, Pretty Things) : "Lady Ladybird" / "People in the Street" . Garage Psych resultón, pero algo tardano. Y que poco tiene que ver con el progresismo de su único album. Un disco que compraron en su día unas 80 personas, afortunadas si lo conservan. El resto de la edición fue destruida por la compañía. Menuda visión comercial. Ahora un original de Dr. Z está en el Top 5 de los más valorados del sello Vertigo, que ya es decir. Con una cifra que bascula entre los 1000 y 3000 €. Como ya he dicho, mi copia es la reeditada por Akarma en 2003, presentada igual que el original, e incluyendo el posterior single, (cinco minutos más tampoco afectan al sonido). Me vale. Y lo recomiendo en el formato que sea, porque es un buen arte-facto digno de la escudería más Prog de los históricos Vertigo. El cronovisor existe.

J.J. IGLESIAS

Temas

1Evil Woman's Manly Child

2Spiritus, Manes Et Umbra

3Summer For The Rose

4Burn In Anger

5Too Well Satisfied

6In A Token Of Despair

Bonus Tracks

7Lady Ladybird

8People In The Street

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Durante los próximos jueves y tras meditarlo el otro día con unas IPA (Indian Pale Ale) de generosa graduación alcohólica, me he decidido por una de las bandas que llegaron a definirse como “una orquesta de cámara progresiva” y cuyo reconocimiento en los círculos del rock progresivo costó mucho en llegarles.

La historia de este grupo comienza en la localidad sueca de Hamlstad en 1976 con unos chavales que oscilaban entre los 15 y los 18 años de edad y que como era habitual en la muchachada prog europea de entonces, se empaparon de Genesis, King Crimson, ELP, Yes, Camel, Gentle Giant etc. Es decir los sospechosos habituales del género setentero progresivo a quienes les quedaban un par de años para que las hordas punk empezasen a defecarse en su música. Suecia en 1976 no era como España… ¡¡qué cosas tengo!! Allí ni el pelo largo y las pintas raras estaban mal vistas y ni siquiera echarte un polvo en el parque estaba perseguido. Allí el estado subvencionaba las manifestaciones artísticas de vanguardia (el follar no lo sé) y daba ciertas facilidades para que un grupo de música se formase e hiciese música original. Se aunaba a ello la profesionalidad y perfeccionismo que siempre han emanado de esos países nórdicos. La cultura es lo que tiene. Gente disciplinada en el aprendizaje de cualquier instrumento musical y muy aplicados en ello. Cuando Isildurs Bane se forman en 1976 por Kjell Severinsson en batería, Jan Severinsson en flauta y violín Mats Nilsson en guitarras y voces, Ingvarr Johansson en bajo, Bengt Johnsson en las teclas y Dan Andersson en guitarra y oboe, forman ya un combo de seis músicos de cierta experiencia, con dos guitarras solistas que a su vez provenían de la escisión de otros grupos amateur anteriores. Niños con el prog en vena. También como era muy normal en aquella época la popularidad de Tolkien y sus anillos era un recurso a la hora de buscar nombre de grupo.

Isildurs Bane no fueron ni son un grupo prog al uso. Por lo general cuando los grupos progresivos en el sentido histórico, encuentran una formula ya sea más o menos original, se ciñen en una línea concreta en el estilo que les define. Así fue en la mayoría de los primeros trabajos de los clásicos que todos conocemos, hasta que cambian las modas y empiezan a cagarla y ninguno de ellos quedó libre de grabar alguna porquería y varios de ellos, a partir de los 80´s una sinverguenzada detrás de otra (cuando Genesis sacó Abacab en esa misma época, me dieron ganas de vomitar). La diferencia de un grupo veterano como Isildurs Bane, es que en sus diversas transformaciones dentro del estilo, y a través de los años, jamás hicieron concesiones a lo fácil y comercial y aun siendo incluso tan diferentes sus primeros discos en relación con los últimos, nunca perdieron en calidad y además en contrapartida con la competencia, ganaron en complejidad y en música excelente.

En un principio tenemos una vaga idea de lo que hicieron entre el largo período que va de 1976 a 1981 pero a juzgar por su primer estilo se orientaron por la parte más melódica del sinfónico cameliano. Las únicas grabaciones de esa época fueron recogidas en el álbum recopilatorio Lost Eggs del que ya hablaremos. Por entonces se incorporaría el teclista Mats Johansson que terminaría siendo el líder de la banda.

Su primer disco lleva el título de “Sagan Om Ringen” en clara alusión al Señor de los Anillos y las críticas y biografías que pululan por la red no se aclaran si en realidad fue primer o segundo trabajo. Lo cierto es que fue grabado en casete a principios de 1981 y posteriormente editado en LP. Con las ediciones en Cd alteraron el orden. Este trabajo es melódicamente muy sencillo y encantador. Posee la delicadeza de un Latimer o un Anthony Phillips sin ningún problema. Roza la ternura en muchas ocasiones pero es muy corto en 11 piezas que apenas superan los cuatro minutos y algunas ni siquiera llegan a dos. Cosas como “Overtyr”, “Vandring” o “Tom Bombadill” nos regocija a cualquiera. Unos 33 minutos super agradables en un comienzo de década ochentera alérgico a este tipo de música. Hacía tiempo que no lo escuchaba y me ha dejado en un remanso de paz.

Alberto Torró

Recopilatorio que contiene su primer disco

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Para el siguiente trabajo firman por una filial de EMI records en 1972 y graban “Divergence “ un álbum mejor planteado que el anterior, donde las melodías de jazz-bluesy de medio tempo dominan y ofrecen su apertura en “Second Line” una agradable pieza que puede sonarte a la mayoría de grupos de aquella época con su cadencia de piano y vericuetos diversos de fusión próximos a Colosseum, Nucleus o incluso Greenslade que no andarían muy lejos.

El tema título nos aproxima descaradamente a Focus en su estructura melódica y si imaginamos que quitamos el saxo y lo cambiamos por la flauta de Thijs van Leer suena casi exactamente al Moving Waves, pero lo suficientemente jazzificado. El sinte tiene alguna línea que lo desmarca, pero sigue sonándome terriblemente a Focus.

“Fever” juega un rato con la electrónica y se va por los “cerros de Úbeda” hasta que el Fender Rhodes y la flauta se ponen en plan pastoril Caravan/Machinero de marca registrada, lástima que sea tan breve porque podían haberle sacado tajada y no quedarse en cuatro minutillos de nada. Pero lo arreglan en la siguiente pieza de 12 mtos que en su primera parte, no tiene nada de prisa y es un tranquilo paseo, ahora casi a la Traffic del “The Low Spark…” donde el saxo se erige en defensor prominente del número, mientras el piano eléctrico se balancea sobre un ritmo pausado pero firme. Tema de sofá, copa y cigarrillo, y hacia la mitad surge el cambio y para no aburrir, un corte a la Soft Machine toma el relevo donde por momentos parece que estemos escuchando el “Third” o el “Four” con Hooper/Wyatt marcando el tiempo. Esta es una buena pieza sin duda y lo más próximo al Canterbury que puedas pensar.

“Theme” es un breve y delicado interludio a modo de puente para acabar con “New Dimension” y de nuevo una especie de balada rock-jazz-blues aparece en escena que puede sonarte nuevamente a una centena de grupos de la época en la misma línea. Nada original pero agradable y elegante. Las partes vocales en este disco están más controladas y mejor adaptadas que en el anterior. Flauta y piano van difuminando poco a poco un disco corto como el anterior pero a mi juicio algo mejor.

Alberto Torró

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Alms es el proyecto musical del multiinstrumentista Aitor Lucena. Músico - esponja (como Bob), que ha absorbido influencias y gustos hasta empaparse del buen gusto que exhibe. Su debut apareció en 2013, "Beyond" fue un concept álbum dedicado al "afterlife", que no es vivir en un after como fue mi caso, sino lo que nos depara el más allá con todas sus preguntas. Obtuvo muy buenas críticas, y tres años después editó su precuela, "An Irosmic Tragedy".

Una ópera rock en tres actos dedicada a lo que es la perra vida. Esto es, infancia, adultez y viejunez. La excelente portada lo refleja a la perfección. Ayudan en su interpretación Luis Arnaldo (batería), Héctor Braga (cello y viola), Eduardo G. Salueña (teclados) y los recitados de Noelia Fernández. Todo lo demás, que intuyo es considerable, es cosa de Aitor, incluyendo música y textos.

El primer acto lleva por título "U'ula" (14'23), que es el comienzo y aprendizaje de todo desde el nacimiento e infancia. Esa etapa que es obligatorio conservar de mayor a toda costa, por difícil que te lo pongan los malos, o sea, todos. La influencia clara de Aitor es el esplendor del rock progresivo italiano. A pesar de que incluya pequeños fragmentos cantados en inglés que recuerdan algo a IQ.

Esto es prog barroco y churrigueresco, con dedicados guiños al clasicismo no sólo formal, sino también "informal" : Le Orme, Quella Vecchia Locanda, PFM, Osanna o.....Ricordi D'Infanzia (jeje, el texto me lo pone a huevo). Vale, sus fraseos organisticos también van por ahí. La grandilocuencia italiana se muestra bien patente. Y si agregamos la esencial flauta, viola, cello y dramatismo, esto es descar (n) adamente spaghetti prog 70s.

Para confirmarlo, la intro de "Tapwala" (14'40) viene narrada en italiano, en su hábitat, vaya. Yo es que, (y esto es una sugerencia para el futuro), cogería a Sergio Dalma y le obligaría a cantar en italiano sobre músicas afines. Y bordao, oiga. Conste que para nada me quejo de lo (prácticamente) instrumental del álbum. Es una obra que se nota al momento estar hecha con amor incondicional al género. Toda una valentía y un reto para Aitor y compañía. En éste acto puede notarse un paralelismo con los japoneses Asturias, (decir Mike Oldfield queda como muy sobao, además de que tienen más cantidad de buenos discos los nipones, afirmo categóricamente). Alms también pasaría por una de esas agrupaciones orientales, donde el preciosismo desbordante de sus pasajes se aleja un tanto del manido esquema occidental.

Finalmente el tercer acto, "Doginala" (14'37), el de la vejez, que "bien llevao", puede ser tan feliz como el primero. Porque te quitas de en medio todas esas vendas , prejuicios y responsabilidades con los que trata de joderte la vida el sistema. Al final te das cuenta, que el sistema eres tú. O parte de él. Dependerá de cuánto te compliques tú sólo la existencia. Volvemos al tremendo romanticismo italiano, con recordatorios legendarios. Locanda delle Fate (ese vibrafono), The Trip (esos teclados) o Zauber (esa viola, glockenspiel, flauta....). Y luego que te vengan a defender el último de Mike Oldfield. Después de oír el disco de Alms, es para partirse de risa. Como colofón nos suelta el recitado de "La Vida es Sueño" de Calderón de la Barca, (en el corte anterior era un extracto de "La Commedia" de Dante Alighieri), y esto adquiere una coherencia detallista extrema. Sellos como Black Widow serían el lugar perfecto para "An Irosmic Tragedy".

Al snob que te venga con insulsas moderneces "prog", ponle esto y lo dejarás "Terra in Bocca".

Angustiantemente bueno.

J.J. IGLESIAS

Contacto:

Facebook: https://www.facebook.com/Alms-432513966832770/
YouTube: https://www.youtube.com/channel/UCQQvnwLaDCzTF8_mQmGm0Ng
web: http://www.alms-official.com

P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en esta sección puede ponerse en contacto con nosotros : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70

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Uno mas a la lista de difuntos del rock de 2017 y me temo que no será el último. Nos estamos haciendo mayores. La noche del 1 de octubre Tom sufre un infarto cardíaco en su casa de Malibú. La familia comunicaba su muerte al día siguiente. Hoy lo recordaremos en uno de sus míticos conciertos en el Fillmore.

Condensar en unas pocas líneas la obra y milagros de Tom Petty es realmente una insensatez. Por ello vamos a dar unos pocos datos que sirvan de referencia.

Tom Petty nace el 20 de octubre de 1950 en Santa Mónica, California. Durante su trayectoria grabó mas de una docena de discos con su banda The Heartbreakers, tres en solitario, dos con los Traveling Wilburys, otros dos con Mudcrutch y un sinfín de colaboraciones y presencia en diversos festivales y "saraos".

Una dato curioso es que Tom Petty & The Heartbreakers recibieron una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood en 1.999.

En 1997 Tom Petty & The Heartbreakers realizan veinte conciertos en el Fillmore de San Francisco. Del 10 de enero al 7 de febrero, actuaciones de mas de tres horas donde se condensa gran parte de los temas de la carrera del grupo y de Tom. Todo ello jalonado de multitud de versiones de sus grupos favoritos. Incluso en dos de los temas " It Serves You Right to Suffer" y "Boogie Chillin'" participa John Lee Hooker. Un documento imprescindible para conocer y admirar a este músico californiano.

J.C. Miñana

Temas

(0:00) Around and Around (Chuck Berry Cover)

(2:47) Jammin' Me

(7:24) Runnin' Down a Dream

(13:37) Time Is On My Side (Kai Winding cover)

(17:18) Call Me the Breeze (J.J. Cale cover)

(22:43) Cabin Down Below

(26:24) Diddy Wah Diddy (Bo Diddley cover)

(30:35) Slaughter on 10th Avenue (The Ventures cover)

(34:00) Listen to Her Heart

(37:22) I Won't Back Down

(44:11) The Date I Had With That Ugly Homecoming Queen

(50:15) I Found My Baby

(54:35) It Serves You Right to Suffer (John Lee Hooker cover) (with John Lee Hooker)

(59:04) Boogie Chillin' (John Lee Hooker cover) (with John Lee Hooker)

(1:07:09) It's Good to Be King

(1:19:40) Green Onions (Booker T. and the MG's cover)

(1:24:20) You Are My Sunshine (Jimmie Davis cover)

(1:26:12) Ain't No Sunshine (Bill Withers cover)

(1:30:53) On the Street

(1:33:49) I Want You Back Again (The Zombies cover)

(1:37:23) Little Maggie (traditional cover)

(1:40:32) Walls

Angel Dream

(1:44:55) Guitar Boogie Shuffle (The Ventures cover)

(1:47:56) Even the Losers

(1:51:08) American Girl

(1:53:55) You Really Got Me (The Kinks cover)

(1:56:32) Another Man Done Gone (Vera Hall cover)

(2:05:22) You Wreck Me

Encore:

(2:09:16) Shakin' All Over (Johnny Kidd and The Pirates cover)

(2:11:55) Mary Jane's Last Dance

(2:22:38) You Don't Know How It Feels

(2:29:45) I've Got a Woman (Ray Charles cover)

(2:32:50) Free Fallin'

(2:38:07) Gloria (Them cover)

(2:48:35) Bye Bye Johnny (Chuck Berry cover)

(2:52:38) (I Can't Get No) Satisfaction (The Rolling Stones cover)

(2:55:36) Louie Louie (Richard Berry cover)

(2:59:35) It's All Over Now (The Valentinos cover)

(3:04:58) Alright For Now

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Fred Van Zegveld ‎– Dynamite 1969

MATAO With ATILLA ENGIN - Turkish Delight (1980 / RA)

THE TANGENT: A Place On The Shelf (fan club 2009)

Dr. DOPO JAM (Dinamarca ) (Canterbury Ways)

LANA LEE - M.D.A.H. VOL. 4 -"LA FURIA" (2017 / LANA LEE) (Rockliquias Bandas)

LYNYRD SKYNYRD - SUPER JAM 1978

MOTHER MALLARD'S PORTABLE MASTERPIECE COMPANY -1970 - 1973 (1998 / CUNEIFORM) (Serie Pioneros)

LUTHER ALLISON - Live in ParIs 1979

BILLY COX - Nitro Function" (1971 / PYE)

THE TANGENT- L´Ètagère Du Travail (fan club 2013)

SOLUTION (Holanda) (primera parte) (Canterbury Ways)

TRICANTROPUS - El Sueño de Arsinoe 2011 (Rockliquias Bandas)

Blackberry Smoke - Moondance Jam 2010

WALPURGIS - Queen of Saba (1972 / OHR)

Sunbirds ‎– Sunbirds 1971

DR. Z - Three Parts to my Soul (1971 / VERTIGO)

ISILDURS BANE - Sagan Om Ringen (Suecia)

Solution - Divergence 1972 (Canterbury Ways)

ALMS - An Irosmic Tragedy (2016 / ALMS) (Rockliquias Bandas)

Tom Petty and the Heartbreakers - 2/7/97 The Fillmore, San Francisco