ROCK LIQUIAS

Holanda es un país muy fértil en sintetistas de nueva hornada. Y cuando digo "nueva hornada", me remonto al post-boom 70's de la Berlín School o su búnker electrónico en Francia. Uno de ellos es Gert Emmens, un batería (y van....) que comenzó en bandas a finales de los 60, pero no debutaría como pulpo sintético hasta 1995, con "Light the Light". Desde entonces, una veintena de álbumes avalan su intachable, pero por desgracia poco reconocido trabajo. Bien en solitario o con su amigo Ruud Heij (Free System Project), su carrera está llena de fascinantes momentos electrónicos. Evidencia una predisposición por la clásica Escuela de Berlín. Pero como buen holandés, se deja llevar por melodías diafanas y a veces positivas. Una marca de los teclistas holandeses. Ron Boots, Bas Broekhuij o Michel Van Osenbruggen, entre ellos.

Esa riqueza melódica puede deberse a sus autoconfesadas influencias : Ashra, Ennio Morricone, Vangelis, Manfred Mann o incluso Génesis. "Last Alien" (2016) ya tiene continuador en el recién estrenado "Stories from Floating Worlds" (2017).

Pero hoy nos centraremos en el del año pasado.

Compuesto de cinco largas partes a modo de conceptual historia que tú mismo puedes montar. La primera de éstas (12'06) tiene una oscura intro que nos sumerge en nuestra propia película. A partir del minuto tres alza el vuelo la nave impulsada por sus cohetes-secuenciadores. Emmens es un maestro en su manejo, dominio evidente que le viene dado de su antiguo kit percusivo. Elemento que también introduce en la trama, llevándonos a territorios Schulze/Grosskopf con facilidad. Más aún. Su escultura melódica puede rivalizar con los mejores TD de "Tangram", "Exit", "Hyperborea" o "Poland", pero con su propio estilo. Un verdadero monstruo de la retro-kosmische, este hombre.

Muy flotante se presenta la "Part 2" (11'50), siempre con el pulsante hilo conductor secuenciado. El vuelo mental está garantizado. Su melódica sonora, (muy basada en sonidos ARP), guarda un fuerte sabor Jarre, sin llegar a pautas comerciales. Muy agradable en su recta final acuosa.

No digo que Hans Zimmer no esté cualificado, pero oyendo "Part 3" (15'10), a un servidor le parece que un tipo como Emmens hubiera hecho maravillas (y más barato) en la nueva secuela de "Blade Runner". Fuerte pulso secuencial, pinceladas de guitarra delay y platos en etérea gravitacional. Ésta parte es uno de los momentos totales del álbum. Podría venir firmado por uno de los mejores trabajos de Ashra. Con irreprochable sentido místico, cósmico y afortunadamente, atemporal. Una exquisitez para finos paladares.

"Part 4" (11'05) nos devuelve, con experimentaciones nada gratuitas, al Emmens más "tangerino" de primeros 80. Ya sabes, melodía simple pero inteligente en simbiótica secuencial predominante. Y un ligero gusto por sinfonizar pasajes de lo más filmico. Definitivamente éste teclista lo hubiera hecho genial en "Blade Runner 2049".

La magia no se pierde en la final "Part 5" (10'29), donde aparecen hasta capas vintage de organo de cuerdas Logan (o similar). Ofreciendo una total convicción retro que, en el caso de la electrónica tratada por Emmens, no suena para nada rancia y sí a obras maestras rescatadas de un tiempo pasado. Suena anticuada una pieza contemporanea de 1920? Suena pasado "Ricochet" o "Moondawn"? NO. SUENAN A CLASICOS. Que es justo a lo que suena, (o sonará a no tardar), "Last Alien". Una joya de la audio-sci fi a la que debes enfrentarte. Palabra de replicante malo.

J.J. IGLESIAS

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Desde Rockliquias y con vuestro incondicional apoyo seguimos intentando rescatar joyas perdidas. Internet nos aporta una ingente cantidad de información que hay que filtrar y sobre todo contrastar. En muchos casos los datos de estas bandas son cortados y pegados una y otra vez distorsionando el mensaje original. En Rockliquias intentamos ser originales y aspiramos a conseguirlo. En el día de hoy vamos a centrarnos en una banda australiana de corto recorrido y con una sola publicación. Nos referimos a los Sid Rumpo.

La banda fue fundada por dos ex miembros de la Jelly Roll Bakers, John Hood (guitarra y armónica) y Owen Hughes (bajo). junto a Noel Herridge (batería), Robert Searls (guitarra, voz) y y Ken Wallace (piano). En 1972 ganan una de las fases de la batalla de bandas de Hoadley, competición que se celebraba desde 1966 y que en el 72 ganó Sherbet. Durante dos años seguidos, 73 y 74, participan en el Sunbury Pop Festivals y algunos de sus temas son editados en los recopilatorios de dicho festival. En agosto del 73 John Hood decide abandonar el grupo siendo sustituido por Michael John Elliott. Su primer y único disco llega en febrero del 74 . Ese mismo año la banda se disuelve.

Esta única producción de Sid Rumpo se grabó en los estudios T.C.S. de Melbourne. El disco contiene ocho temas cargados de rock con pinceladas blues y psicodelico progresivo. La labor de sus guitarristas, Mick Elliot y Robert Searls es magnífica. Dobles guitarras, riffs con gran fuerza y sentimiento y multitud de piques entre ellos. Los dos primeros temas son buenísimos pero la culminación de su buen hacer llega en "Sailing", todo un compendio de buen rock. Si no fuera por el piano me recordarían a los primeros UFO. No debemos olvidar a su telista Ken Wallace y lo bien que maneja el piano eléctrico dando en todo momento el toque rockero. Que buenos son estos tipos, sin duda "The Riddle" y "Don't Bug Me Boogie", te alegraran la vida. Y llegamos a "Song With No Trees" una nueva lección de buen rock con todo tipo de influencias. El disco también contiene dos "delicassen" instrumentales. La primera, "Spider Curry", sirve para el lucimiento de sus guitarristas y la segunda, "Poor Man's Orange", que es el tema que cierra la grabación, es su pianista el que brilla. Sin duda un disco "REDONDO".
J.C. Miñana

Temas

A1 Spotlight 00:00

A2 Breakin' My Back 05:58

A3 Spider Curry 10:11

A4 Sailing 11:54

B1 The Riddle 20:26

B2 Don't Bug Me Boogie 25:40

B3 Song With No Trees 29:41

B4 Poor Man's Orange 37:54

Formación

Owen Hughes: bajo

Noel Herridge: batería

Mick Elliot: guitarra

Ken Wallace : teclados

Robert Searls: voz, guitarra

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Hacía tiempo que no os contaba ninguna "Historia Borde del Rock'n'Roll". Hoy tenemos una. Siempre he pensado que las discográficas funcionaban, en los tiempos de bonanza, por pura inercia. La cantidad de ineptos, vendecoches y charlatanes de feria que se daban en ese negocio difícilmente los podremos encontrar en otro gremio. Salvo en la política , claro. Este es otro caso más de negligencia artística grave.

Terry Dolan fue un folk-singer buscándose la vida en plena efervescencia hippie. San Francisco y su circuito de clubs y tugurios mil, su medio de subsistencia. Sus dotes musicales, carisma e inmensa personalidad, facilitaron sus contactos en el negocio. Pronto tuvo un flamante contrato con Warner Bros, nada menos. Su productor se iba a estrenar con él, aunque no era ningún principiante. Simplemente el teclista de The Rolling Stones, Nicky Hopkins. Con la ayuda de lo mejor en session-men (y women), de la zona. Esto es, las voces de The Pointer Sisters, la batería de Prairie Prince (luego con The Tubes y Todd Rundgren). Lonnie Turner al bajo y Greg Douglass en la guitarra, - ambos de The Steve Miller Band -. Y John Cipollina, hacha supremo de Quicksilver Messenger Service. Cómo se puede desestimar un álbum con miembros de todas éstas bandas?

Aún no hemos acabado. Todo iba sobre ruedas en la grabación , hasta que Nicky Hopkins es requerido por sus Satánicas Majestades para continuar con la gira de los Stones. Y qué gira....la de "Exile on Main Street". Como para decir que no. Nicky consigue terminar la cara A. Para la B, llama a un cualificado multiinstrumentista inglés, afincado por esos lares, Pete Sears (Rod Stewart). A su vez este llama a su compi en Sears, Schon, Errico & Rolie (o las semillas de Journey), el guitarra de moda, Neal Schon (Santana). Para la batería entra David Weber, (luego con Raven y Copperhead, proyectos de Cipollina). Sears se encarga, con éxito, de terminar la cara que falta. Había muchas ilusiones volcadas en aquel debut. Menos las de los mercachifles de la compañía, que ningunearon la obra hasta el extremo de olvidarla en un estante criando polvo por décadas. Terry Dolan está inconsolable, y con razón.

Pasará mucho tiempo hasta que levante cabeza. Hasta 1979 no saldrá el primer álbum de Terry & The Pirates (con Douglass, Cipollina y ocasionalmente Hopkins). El disco de 1972 se convierte en una leyenda urbana más en la historia musical de Frisco. Hasta que con muchos obstáculos de por medio, High Moon Records lo recupera y edita en 2016.

El álbum se inicia con "See What your love can do". Y el coro de las Pointer Sisters se lleva al southern soul un sonido rico en matices. Las guitarras son todo elegancia. La melodía vocal de Dolan es fantástica y TODO hace presagiar un gran disco. No nos equivocamos.

Lo demuestra "Angie" (nombre de su mujer y canción dedicada a ella, sin relación stoniana). El piano de Hopkins aporta ese elemento romántico tan habitual en su estilo, o en músicos afines como Leon Russell o Al Kooper. Tierno West Coast en forma de balada a la mujer amada.

El swamp rock de "Rainbow" apunta en la dirección de Delaney & Bonnie o Bobby Whitlock. Con una energía digna de figurar en el "Layla" de Derek & The Dominos.

Llega ahora un temarraco insuperable con "Inlaws and Outlaws", (tanto éste como el anterior se mantendrán en el set-list de los 80 de Terry & The Pirates). Cipollina pone el ácido eléctrico, (el otro se le supone), y las hermanas Pointer dando el punto godspell a una ventisca de sentimientos. No hay palabras.

Entramos en el trabajo de Sears con la cara B. Otra razón para odiar a Warner, a Bugs Bunny y a la madre que los parió, es "Purple an Blonde?". Que es una mezcla de Jesse Colin Young, Terry Reid y James Gang. Las guitarras cortan como cuchillas de afeitar, acompañando plenamente el sentido de la canción. Enorme, Terry. La línea estilística no se rompe, a pesar de que tenemos otro productor y diferentes músicos. Es Neal Schon el que se luce ahora junto a Greg Douglass. Y vaya si lo hacen.

En "Burgundy Blues" la calentura southern sube a extremos dignos de Wet Willie o Point Blank, superando parámetros imposibles. "Magnolia", de J. J. Cale, se convierte en una oda a The Band. Con un órgano a la Garth Hudson y piano en plan Richard Manuel. Mientras Terry canta con la enferma melancolía de un desconsolado Jackson Browne. Esto es ORO con mayúsculas. Poniendo fin con "To Be For", un corto esbozo para domingos por la tarde. El disco se completa con seis tomas diferentes de temas pertenecientes al álbum, igual de extraordinarios.

Terry Dolan falleció en 2012 de un ataque al corazón (lo usabas demasiado, amigo), sin ver publicado el que probablemente sea su mejor trabajo. Su debut maldito. Como él mismo solía decir de su música. ...."Too hard for folk, too soft for hard rock". Su eterno dilema.

J.J. IGLESIAS

Temas

00:00 See What Your Love Can Do - 3:16

03:16 Angie - 5:30

08:46 Rainbow - 5:01

13:42 Inlaws And Outlaws - 5:18

19:00 Purple An Blonde...? - 4:54

23:51 Burgundy Blues - 5:36

29:25 Magnolia - 7:26

36:46 To Be For You - 1:11

37:57 Inlaws and Outlaws (Take 18) 6:08

44:04 See What Your Love Can Do (Take 14) 3:21

47:24 Angie (Take 12) 5:22

52:44 Rainbow (Take 2) 6:13

58:54 See What Your Love Can Do (Take 12) 3:24

1:02:16 Inlaws And Outlaws - Dirt Leg Mix - 6:08

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Este fue siguiente paso y en realidad se considera su primer LP oficial ya que la edición del anterior solo existía en casete y solo con la llegada del cd ambos compartieron edición.

Musicalmente es una continuación del anterior, aunque lógicamente gana en cuerpo y algo más de fuerza. Por ahí aparecen guiños a Camel, Genesis, incluso Jethro Tull y al igual que en el otro aparecen lindas partes cantadas pero solo hasta aquí, ya que a partir del siguiente álbum, Isildurs se convertirán en una banda completamente instrumental. En este “Irländska Algen” los vuelos melódicos serán constantes entre la flauta, la guitarra y los teclados variados de Mats Johansson. Aparecen el vibes, el xilófono y el glockenspiel que van a enriquecer notablemente las composiciones y a tal efecto las percusiones afinadas tomaran preponderancia en muchos de sus trabajos como veremos más adelante.

El disco sigue en esa línea “bonita” con pasajes que me recuerdan un poco a los noruegos Kerrs Pink. Piezas como “Overtyr” con su sinfónico comienzo camelero y gentil disposición de teclados juguetones. “Saga Eller Verklighet” con su pastoral e inocente transcurrir y chica vaporosa a las voces lejanas, flotando entre musgos verdes. “Ove P” deshaciéndose en detalles y delicadezas a la génesis voz incluida, “Sex Minuter” con descriptivas situaciones sigue en la misma línea instrumental y ya empiezan a aparecer variaciones estupendas que iremos descubriendo en el camino de su discografía. “Vilja Art Leva” vuelve a los caminos pastoriles folkies y “Evighetens Visdom” recopila el sentimiento expuesto a lo largo de todo este trayecto en un emotivo final sinfónico. Los seis cortes forman un todo a modo de suite en torno a 28 mtos.

Las piezas restantes “Marlboro Blues” (es lo que debían fumar mientras tanto) y “Fredik” ya prefiguran los siguientes discos en una música placenteramente sorda a una época como los 80´s a la que ellos fueron absolutamente inmunes afortunadamente para nosotros. Hasta ahora son discos relativamente cortos. Pero más vale poco y bueno que largas y aburridas épicas “transatlánticas” y a buen entendedor…pues eso.

Alberto Torró

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Para los expertos este es su mejor disco. A mí me suena como un excelente disco de jazz-fusión sinfónico con acertadas partes de composición melódica que posee interesantes variaciones para no ser uno más de la gran cantera jazz rockera de los setentas. Estamos en 1975. El jazz-rock-progresivo está en su cumbre y Solution han tomado buena cuenta de ello.

Aunque su estilo nunca ha estado muy definido, las lagunas e indecisiones estilísticas de sus otros dos trabajos han desaparecido (en parte solo) y su música ha ganado en masa muscular y desparpajo…Brand X, Return To Forever, Passport, Nova, el Zappa del talla única… ya se nos anuncian en el primer corte “Chappaqua”

y el siguiente “Third Line” las “canterburradas” como diría el jota te tornan pausadas con el bajo acariciando las cuatro cuerdas y el piano contándonos una bonita balada en los acordes iniciales, con unas voces que han mejorado bastante.

A mitad el ritmo se dobla y tenemos un agradable y feliz paseo jazzy, saxo en mano y un swing que juega con los tempos y la melodía para alegrarnos el día.

“Una canción para ti” es otra baladilla que aunque bonita, se acerca peligrosamente al pop fácil o al rock melódico, de cuando adolescentes nos agarrábamos en los guateques de finales sesentas (ya sé que os suena rancio) y nos poníamos palotes. Conste que la bonita flauta de la canción engancha.

“Whirligig” vuelve a poner las cosas en su sitio con alguna que otra sacudida funk. Bajo, batería, piano Rhodes, más aquel teclado dinosaurio analógico llamado Elka Rhapsody y saxo, llevan el peso en esta selvática y casi Miles (cuando le daba por tocar normal y no iba colocao) pieza de jazz-funk.

“The Last Detail” cambia completamente de registro y se mete en las aguas del prog sinfo con casi toques moody-crimson primarios incluidos y conste que tiene su gracia y está bien resuelto.

Termina el disco con “Black Pearl” con claros visos de jugar entre varios puentes a la vez pero gana la tendencia baladista de rock prog melódico con saxo destacando casi demasiado, aunque el piano lo frene algo hacia el final. Es un disco que en general gustará más que los anteriores aunque también indica que los estilos musicales siguen sin definirse en un camino determinado (están buscando) y una delgada línea puede darles un cambio brusco.

Alberto Torró

Temas

A1 Chappaqua 5:20

Third Line

A2 Part 1 5:12

A3 Part 2 7:21

A4 A Song For You 3:54

B1 Whirligig 8:59

Last Detail 5:29

B2.a Part 1

B2.b Part 2

Black Pearl 6:15

B3.a Part 1

B3.b Part 2

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Thursday's Pussy Dogs es una joven banda nacida en Iruña en 2015 y compuesta por Eider Román (batería,coros), Alice Dos Santos (teclados, coros), María Antúnez (bajo,coros) y Manel Sanmarti (guitarra, voz).

A finales de ese año autoeditan una demo con diez temas, "Haritz Orgasm". Participan en varios concursos de bandas quedando finalista en el Villa de Madrid de 2016 y ganador en el I Certamen Musical Blues/Rock de Burlada (2017).

Durante los dos últimos años han realizado numerosas actuaciones sobre todo por el Norte de España e incluso su guitarrista ha impartido alguna charla sobre "La relación subjetiva entre la imagen y el sonido". Como curiosidad podemos decir que ellos mismos diseñan los carteles de sus conciertos.

La demo/primer Cd se inicia con "Touch Me", tema de ambiente sureño donde destaca el slide guitar de Manel teniendo de fondo sonidos Hammond,

Seguimos con "Vegetarian", típico riff hard rockero machacon y contundente. Dado su estructura vocal no dudo que será uno de los temas donde la participación del publico en directo será vital.

Su tercera composición, "Piztu Argia" comienza con wah wah y ritmos funk. Toque exótico y realmente original la inclusión de la flauta. Ambiente psicodélico setentero total.

"Unzip My Pants" vuelven con el hard con riff casi hipnótico y con ritmo de batería en plan marcha militar. "Haritz Orgasm" es el tema mas destacable con una gran labor de su guitarrista.

En "Sharing You" consiguen un buen "grove" entre teclas y guitarra. Vuelven los sonidos hard rockeros of 70'S en "Tremendous Boots".

"The Beach" nos muestra el camino estilístico que debería tomar la banda, riffs potentes secundados por un buen apoyo teclistico y contundente base rítmica.

Ritmos rockero bluseros llegan en "Smoke In The Tunnel" con armónica incluída. Sin duda uno de los temas mas logrados.

Thursday's Pussy Dogs finalizan su demo con "On The Way", siguiendo los patrones de temas anteriores.

En definitiva la banda nos ofrece unas sonoridades setenteras con ciertos matices sureños. Debemos tomar su música como un grupo que todavía debe pulir sus sonidos, y su producción. Sinceramente pienso que necesitan un cantante que aporte fuerza vocal a sus temas. Buen comienzo para su primera demo pero deben mejorar y seguro que en directo pasaremos un buen rato.

J.C. Miñana

Contacto:

Facebook: https://www.facebook.com/Thursdays-Pussy-Dogs-521658247999162/

YouTube: https://www.youtube.com/channel/UCJNT_NqK5XJCbCl8qigl9qA

web: http://www.thursdayspussydogs.com/

P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en esta sección puede ponerse en contacto con nosotros : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70

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Lo sé me repito mas que el ajo pero como se suele decir la cabra tira al monte y mi monte son los Rush, desde que los descubrí a finales de los 70 los he seguido y los he reverenciado. El primer disco que compre de esta banda canadiense fue "Hemispheres", los anteriores cayeron poco a poco en mis manos vía importación, en aquella época en España no se editaba todo lo que se publicaba en el resto del mundo. Por todo ello recordar la gira de ese disco me emociona.

En Junio de 1978, Rush entra en los Rockfield Studios de Gales para grabar su sexto álbum en estudio. En Agosto lo tiene terminado y el 29 de octubre ve la luz. Por muchos de los críticos sería considerado como el último de la primera época de la banda. El grupo se embarcaría en una gira promocional que duraría hasta Junio de 1979.

Estamos ante la grabación del concierto de Rush en el Tucson Community Center el 20 de noviembre de 1978. Siendo la gira promocional del "Hemispheres", tocan todos sus temas. El resto del "setlist" esta compuesto por temas de sus cinco discos anteriores. Mas de dos horas de la época que mas me gusta de la banda. El sonido es muy bueno. Merece la pena.

J.C. Miñana

Temas

Intro 0:00

Anthem 1:01

Passage to Bangkok 5:15

By-tor & the Snowdog 9:27

Xanadu 14:56

Something for Nothing 28:53

The Trees 33:18

Cygnus X-1 Book 1 38:07

Cygnus X-1 Book 2 48:44

Closer to the Heart 1:05:27

Circumstances 1:09:06

A Farewell to Kings 1:13:19

La Villa Strangiato 1:19:05

2112 1:29:08

Working Man 1:48:11

Bastille Day 1:51:28

In the Mood 1:53:10

Drum Solo 1:55:51

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A estas alturas de la película, descubrir algún tesoro electrónico 70's me "llena de orgullo y satisfacción". Eso es lo que me pasó recientemente buceando por la red, y dando con éste disco perdido procedente de Suiza.

Fredy Guye (F. G.) fue un músico activo en grupos amateur desde 1960 a 1975. Parece ser que animado por la corriente alemana, (Klaus Schulze particularmente), y Míke Oldfield, se decidió a emprender una carrera similar.

A esto hay que agregar un dedicado amor por la música clásica, en concreto el Barroco y J. S. Bach. En 1974 ya tenía un pequeño home-studio montado en su casa, todo un logro económico por aquel entonces. Y el dispendio no acabó ahí. Se autoedito "Journey Into a Dream"él mismo, en un "yo me lo guiso, yo me lo como" meritorio para un 1974, en el que incluso dibujó él la portada. La valentía de este hombre no conoce límites, y se embarca en actuaciones en vivo arropado por 2 órganos Philicorda, una guitarra eléctrica, un sintetizador y varios pedales. Modesto, pero seguro. Del álbum edita una tirada de 100 copias que venderá en sus conciertos. Como puedes imaginar, hoy están más cotizados que el autógrafo de Hendrix en un disco de Parchís. Al año siguiente, se atreve con un single. Hasta que en 1980 edita "Hope", poniendo fin a su carrera como sintetista. Los nuevos tiempos no debieron gustarle mucho al bueno de Guye.

Dos largas suites, que en realidad pertenecen a la misma sesión, incluye su debut. "Journey Into a Dream" (20'32) y "2335" (23'35), muy imaginativamente titulado. Todo fue grabado en una sola toma, como podemos imaginar, live in the studio. La primera tiene una fuerte influencia Schulze de sus primeros discos, "Irrlicht" y "Cyborg", así como de Ash Ra Tempel. La mística sacra que fluye de su fuerte inspiración barroca es sencillamente entusiasmante. Con poca cosa, y técnica normalita, Fredy Guye nos atrapa en su mundo fascinante casi sin darnos cuenta, con mantras melódicos de hipnótica atracción. Igualmente el uso predominante del órgano, y unas guitarras gilmourianas, nos abducen al misterio sonico de Pompeya. Situando esto en territorio Pink Floyd cerca de "A Saucerful of Secrets" - "More" - "Ummagumma". Incluyendo esas espectrales voces que parecen llegadas desde otra dimensión.

La segunda cara continúa el trip de la primera, ya que "2335" no es más que la continuación de esa misma sesión mágica. Los sugerentes ambientes sacros son perfectos para un concierto en una catedral, algo muy usual por entonces. De hecho consigue el mismo efecto que alguno de esos conciertos a los que he asistido con el hiper-gigante órgano de tubos de la Basílica de El Pilar o la Iglesia de Santa Isabel, en Zaragoza. Siip, es para lo único que suelo ir a misa. Las melodías se tornan aquí más progresivas, casi medievales, y con unas muy lógicas y acertadas resoluciones. Vuelvo a insistir en el mérito de Guye, para mantener tu atención en todo momento con un equipo de lo más humilde. Como que se pone el tío al mismo nivel que unos Tangerine Dream de "Zeit", "Atem" o "Alpha Centaury". Ésta pequeña joya fue reeditada en cd en 1993 por Thors Hammer, y seguramente estará en el limbo de los descatalogados imposibles.

Una maravilla hecha con pocos medios e inmensa ilusión.

Se nota al instante.

J.J. IGLESIAS

Temas

1 Journey Into A Dream 20:32

2 2335 23:35

Bonus-Tracks:

3 Happiness 4:02

4 Church 4:32

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El guitarrista de esta banda , Don Walsh, es considerado por algunos como el padre del blues canadiense. Es posible que Downchild Blues Band no sea suficientemente conocido pero si os digo que son autores de temas como "I've Got Everything I Need (Almost)" y "Shot Gun Blues".Ya lo teneis mas claro, no?. Mas pistas. Estas composiciones fueron popularizadas por los Blues Brothers en su primer álbum, "Briefcase Full of Blues" (1978). Ahora si.

Los hermanos Wals, Donnie y Richard, formaron la banda en Toronto en 1969. Su primer disco llega en el 71, "Bootleg". El reconocimeinto les llegaría en el segundo, "Staight Up", posteriormente llegarían quince discos mas, el último "Can You Hear The Music" (2013), ganador de un previo Juno por "mejor álbum de blues del año". En los 80 perdieron a su teclista, Jane Vasey, a los 32 años por una leucemia. También en esa década acortaron el nombre, Downchild.

Este primer disco de Downchild Blues Band se grabó en los estudios Rochdale College de Toronto durante dos noches de 1971. La música que nos ofrece la banda es un excelente blues al estilo Chicago con una sección de viento increíble., Dave Woodward y Ron Jacobs dan el toque jazz -blusero que junto con la guitarra de Don Walsh logran un gran sonido. Os invito a escuchar el primer tem, "Rock It", con los pies atados. En segundos la música os liberará de vuestras ataduras. Downchild Blues Band combina versiones de Jimmy Reed, Jimmy Rogers o Taj Mahal con excelentes temas propios como "Don't You Bother My Baby" o "I'm Sinkin'". El ambiente me recuerda a la época del "Jazz Blues Fusion" de John Mayall. Está muy claro la gran influencia que representó este grupo para los Blues Brothers.
J.C. Miñana

Temas

A1 Rock It 00:00

A2 Just A Little Bit 03:58

A3 Down In Virginia 07:05

A4 That's All Right 10:41

A5 Messin' With The Kid 15:37

B1 Don't You Bother My Baby 19:00

B2 Change My Way Of Livin' 23:11

B3 You Don't Have To Go 28:18

B4 Next Time You See Me 31:26

B5 I'm Sinkin' 34:19

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Una de esas bandas alemanas que surgieron en los primeros 70 que iban directos al grano fue Gift. Ni rollos espaciales, ni místicos ni hostias. Hard Rock sano para la pista de la "discotheque". Mira que se lo montaban bien por entonces. Yo me pregunto porqué se siguen llamando "discotecas", si no tienen ni discos!!!

Gift comenzaron en 1969 como una "school band" llamada Phallus Dei. Tres años después, Uwe Patzke (bajo, voz), Rainer Baur (guitarras), Hermann "Mandy" Lange (batería ) y Helmut Treichel (cantante solista) graban su homónimo debut para Telefunken en 1972. Nick Woodland (guitarras) aparece en créditos, pero la verdad es que cuando entran a grabar ya se había ido a Sáhara (antes Subject Esq.). El álbum es un buen exponente de "heavy progressive", y tiene un status de culto. Sólido y bien construido, pero algo tosco a pesar de incluir algo de flauta en algún tema.

Para su segundo continúan el bajo, guitarra y batería. El cantante es relevado por Dieter Atterer, que además de buena voz solista, aporta guitarra de la misma índole. Además se refuerzan con los teclados de Dieter Frei (órgano, piano, mellotron, moog, voz) . Grabado en los Teldec Studios de Hamburgo con Thomas Kukuck como ingeniero (luego con su propio sello), y editado por Nova en 1974. Se ha ganado en consistencia y riqueza instrumental.

"Blue Apple" (4'16) incluye también flauta y unas esplendorosas guitarras casi a lo Dickey Betts. Está más cerca de la Marshall Tucker Band que del genuino Kraut rock. El Hammond también aporta lo suyo al paso de gigante dado con éste disco.

"Rock Scene" (3'49) no oculta su influencia de Deep Purple por esas fechas, y la guitarra transpira el mismo feeling que Blackmore. Siguiendo con la saga, puede equipararse a Warhorse y bandas de ese estilo.

En "Don't Waste your Time" (4'05), la orientación es más prog, con una melodía vocal entre Yes y Wishbone Ash. Y Epitaph sería su referente alemán. El magnífico sólo de órgano guarda símiles con Jon Lord o Rod Argent. Espléndidas guitarras dual y sección de ritmo, placer de dioses.

La onda de "Psalm" (4'00) está más orientada a Santana o Karthago, hasta que llega el break y esto puede ser un outtake de Camel en su primer álbum. Es un estupendo instrumental.

"Everything's Alright" (4'35) arremete con la furia percusiva de "Mandy" Lange, y arrasan con hard rock teclistico en la línea de Birth Control o Uriah Heep. Nuevamente el Hammond no deja prisioneros.

Inaugura la cara B "Got to Find a Way" (6'44), en desarrollo hard progresivo paralelo a bandas alemanas de su mismo calibre, como Night Sun, Gomorrah, Virus o Hairy Chapter. La pugna guitarras-teclados eleva la tensión emocional a cimas increíbles. Gift es una banda extraordinaria, no cabe duda.

El tema "Reflections" (7'10) viene dividido en dos partes. El trabajo vocal, muy hard, hasta recuerda a Scorpions en discos como "Fly to the Rainbow" o "In Trance", en su primera mitad. Mientras que la segunda es decididamente proggy, con buenos arranques de moog y guitarras Wishbone Ash style.

Finalmente "Left the Past Behind" (6'01) es otra rocosa pieza de prog hard con un bajo a la Squire y construcción digna del "The Yes Album", aunque Gift siempre acaban sucumbiendo al hard rock, lo cual no me parece mal.

Si su primer álbum ya era de notable alto, "Blue Apple" tiene la suficiente consistencia en sobrada calidad para darle el sobresaliente. Éste fue todo su legado, que además de valer una pasta en original, es superlativo por evidentes motivos artísticos. Una joya a escuchar.

J.J. IGLESIAS

Temas

A1 Blue Apple

A2 Rock Scene

A3 Don't Waste Your Time

A4 Psalm

A5 Everything Alright

B1 Got To Find A Way

B2 Reflections Part 1

B3 Reflections Part 2

B4 Left The Past Behind

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En realidad éste artículo debería hacerlo mi buen amigo Alberto Torro, que es el que tal como ahora, (finales de Octubre), pero de 1978, pudo conocer en persona al gran Phil Miller, fallecido el 18 de éste mes. Alberto pudo asistir a aquel memorable concierto de National Health, y no yo. Que era demasiado joven pero me escapaba a los que podía. Entre ellos, a Henry Cow / Suck Electronic Encyclopedic por esas mismas fechas, y con J. C. Miñana como cómplice de correrías. Pero Alberto se ausenta ésta semana de Rockliquias, y me toca a mí despedir a Phil Miller. También es de esos músicos que me ha acompañado toda la vida. Cualquiera que guste del sonido Canterbury te dirá lo mismo. Una acepción que al propio Miller no le hacía mucha gracia, aunque comprendía que era útil para situar una música y sus protagonistas en el mapa temporal de la historia del rock progresivo. Así lo declaró a Classic Rock en una entrevista dada en 2005.

Su paso por Delivery, Caravan, Matching Mole, Coxhill / Miller, Hatfield and the North, National Health, Geoff Leigh, Short Wave o In Cahoots, fue decisivo. Así como colaborando con su círculo habitual de colegas. No quisiera olvidar aquella maravilla titulada "Before a Word is Said" que hiciera junto a Gowen-Sinclair-Tomkins. O con Hugh Hopper. O con Robert Wyatt. Éste último uno de los pocos supervivientes que quedan de entonces.

Su estilo a la guitarra, al igual que sus amigos de campiña, estaba siempre con un pie en el jazz y otro en la investigación melódica - armónica - improvisación sonora. Un caso paralelo a otro simpatizante del pueblo, que también se fue éste año, Allan Holdsworth.

A finales de los 80 Phil Miller crea su banda, In Cahoots, con sospechosos habituales tales como Elton Dean (saxos), Pete Lemer (teclados), Pip Pyle (batería) y Hugh Hopper (bajo). La crema de Canterbury bien condensada.

"Cutting Both Ways" reunía dos aspectos diferenciados. Por un lado In Cahoots tocando "live in the studio" en toda su salsa jazz progger. Por otro, Dave Stewart (teclados) y Bárbara Gaskin (voz) en dos temas. Casi National Health.

"Green & Purple Extract" (15'59) venía dividida en tres partes, para comenzar la fiesta. Este material procedía de 1985, y aunque las esencias hippies quedaban ya algo lejanas, el poso a incomparable elegancia seguía intacto. Pyle y Dean murieron en 2006. Hopper en 2009. Y ahora Miller. Así que a sus 75 años, Pete Lemer es el que sobrevive a ésta formación. Música inmortal en cualquier caso, tan llena de sensibilidad e inteligencia, que duele el corazón. Y el alma.

"Eastern Region " (5'58), "Second Sight" (5'02) y "Green & Purple" (9'32) quedan ahí, para aquel que quiera sumergirse en una forma de entender la vida al margen de estupideces humanas. Sólo es necesario buen gusto. Como un ermitaño en su impenetrable cueva de la felicidad.

"Hand Shoulder" (4'32) con los teclados de Stewart y la synth guitar de Miller, más la voz de la Gaskin, revive el espíritu Health en modo simplificado, pero con tecnología punta.

En "Figures of Speech" (9'06), los dos músicos continúan divirtiéndose con enredados compositivos de indudable ingenio. El que tuvo, retuvo, y la "resurrección moderada" resulta un bonito homenaje a unos días que no volverán, pero siempre serán recordados con cariño y sana nostalgia.

Como la guitarra de Phil Miller, que siguió sonando con In Cahoots hasta su última grabación del 2011, "Mind Over Matter".Siempre precisa, siempre bella, siempre eterna.

J.J. IGLESIAS

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No cabe duda que el Canterbury sound marcó en las islas profundamente, a las agrupaciones que orientaron su estrategia progresiva hacia el jazz. A veces incluso influyeron también los cercanos al movimiento, que no nativos de Kent o latitudes cercanas. Nombres como Isotope, Nucleus, IF, Keith Tippet Group, John Surman o el Graham Collier Sextet.

Esta banda de Glasgow conocida como Head, sin ir más lejos. En cuestión de cinco años de existencia, dejaron tres bonitos álbumes del estilo. "GTF" (1974), "Red Dwarf" (1975) y " Blackpool Cool" (1977). Sus intérpretes en éste disco eran Howard Copland (saxo), Charles Alexander (guitarra), John Davies (trompeta, teclados), Graham Mince (bajo) y Billy Kyle (batería). Siendo la sección rítmica la única constante en los tres discos.

Aquí dan inicio con "Quasar" (7'39), con sonoridades vanguardistas de órgano a la Soft Machine, y acto seguido el Fender Rhodes entrando junto a una sección de ritmo de gran nivel. Para que el saxo primero y la guitarra después, expongan su disertación musical a sus anchas, para deleite del oyente.

"Solaris Dream" (3'45) es un tema exquisitamente progresivo. El piano eléctrico reina junto a acertadas intervenciones de saxo estilo Mel Collins, (muy melodioso, como hacía en Camel).

"White Giant" (5'13) impone el bajo fuzz a la Hugh Hopper o Colín Hodgkinson, con predominio de saxo/guitarra que nos aproxima a bandas como Ben, Jonesy o Tonton Macoute. Es un tema de intensidad, donde los tambores crean tensión y cambios espectaculares.

"Event Horizont" (2'28) no tiene nada que ver con la posterior aterradora película sci-fi. Es un suave y delicado pasaje de positiva amabilidad.

Damos la vuelta al vinilo y nos encontramos con el tema-título y sus casi 9 mts. La intro al contrabajo parece obra de Stanley Clarke en solitario, para acto seguido, entrar con gran efectividad ambiental toda la banda. La proposición melódica es no obstante muy progresiva, con símiles (por parte de la trompeta de Davies), hacia Nucleus. Bien contestado por un melodioso saxo y un tejido rítmico impoluto.

"Earthsong Suite" (11'11) desarrolla el influjo de Ian Carr de nuevo, en la histórica etapa de su banda en "Solar Plexus" o "Belladonna". Mucho más jazzy que el resto del álbum, pero con un rico mobiliario instrumental lleno de detalles y sorprendentes arreglos, a veces rozando el Free. Que los equipara a nombres tan respetables como Alan Bown, Bob Downes o Backdoor. Una hermosa flauta a la Ian McDonald sugiere la calma tras la tempestad sonora, seguida del resto de instrumentos de viento, en suave calma resolutiva. "Su Salvavida Esta Debajo de su Asiento" (1'48) termina como una quedada de sabor rural mediterraneo, como un pasacalles de fiesta en la Italia (o España) más profunda.

Head fue un pequeño gran combo que, escuchado esto en la actualidad, sorprende por su poca repercusión en su día. Exquisito álbum y músicos, que desde ya tienen su merecido sitio en nuestro particular museo cuasi-canterburyano. Pata negra.

J.J. IGLESIAS

Temas

A1 Quasar

A2 Solaris Dream

A3 White Giant

A4 Event Horizon

B1 Red Dwarf

B2 Earthsong Suite

B3 Su Salvavida Esta Debajo De Su Asiento

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A ésta ya gran familia de ROCKLIQUIAS BANDAS, o agrupaciones de aquí de nuevo cuño, viene a unirse ahora Regna, de Barcelona.

Su debut ya data del 2015, y es un autofinanciado EP titulado "Meridian". Que es una suite de 17 mts dividida en cuatro partes, y que deja entrever, como tarjeta de presentación, una excelente forma compositiva e instrumental en estos jóvenes músicos. Ellos son Alejandro Domínguez (guitarras), Arturo García (bajo), Miguel González (teclados), Marc Illa (voz), Eric Lavado (batería) y Xavier Martínez (guitarras).

A pesar de que entre sus autoconfesadas influencias están Riverside, Spock's Beard, Dream Theater o Camel, en "Black Crows" (4'24) sobrevuela un aire a prog español de los 70. Sobretodo en las guitarras, que les da un toque vintage muy personal. Combinando esencias clásicas con más recientes. También contiene el agridulce sabor depresivo de unos Marillion.

Algo que se rompe con el riff a la Petrucci del comienzo de "Collapse (In Technicolor) "(3'48). Astutos juegos teclisticos, en complicidad con poderosas guitarras y un bloque rítmico bien empastado, conforman un instrumental rico en técnica, que sin llegar al metal-prog, transcurre con enérgica seguridad en su resolución.

Enlaza con "Awake Again" (7'14), donde la positividad deja atrás nubarrones más oscuros. Aquí el órgano sí que cabalga a la par con la finura de las guitarras en un paralelismo a Riverside. Incluso a las progresiones instrumentales de las que hacen gala Deep Purple en sus dos últimos discos de estudio. Curiosamente, añaden arabescos melódicos que recuerdan al clásico proceder de Blackmore. Para renovarlo con arreglos sofisticados en línea Dream Theater o...Mastermind (alguien se acuerda de ellos?!!).

Finalmente "Coda" (2'06) es el reposado epílogo casi de sabor blues, donde afloran las influencias más añejas, como Camel o los mismos Floyd.

Aunque se nota que no han gozado de grandes medios, sí han sabido aprovecharlos para darnos un sonido claro y limpio. Para un EP, poco más podemos añadir, salvo la valentía de hacerlo con una suite y la solidez instrumental expuesta. Esperamos el larga duración de Regna con curiosidad. Ya está probada su capacidad con "Meridian".

Pero no está del todo claro el estilo a seguir. Sus arranques metal prog no acaban de explotar, quizá porque lo suyo no es exactamente eso. Aquí veo un prog musculoso al que no le hacen falta más etiquetas. Las semillas están plantadas, ahora hace falta que fructifiquen en frondoso árbol milenario. Y pueden.

J.J. IGLESIAS

Temas

1. Meridian, Part One: Black Crows 0:00

2. Meridian, Part Two: Collapse (in Technicolor) 4:55

3. Meridian, Part Three: Awake Again 8:13

4. Meridian, Part Four: Coda 15:25

Contacto:

Facebook: https://facebook.com/RegnaOfficial

YouTube: https://www.youtube.com/watch?v=CLbpAo_Bb8I

bandcamp: https://regnaofficial.bandcamp.com

P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en esta sección puede ponerse en contacto con nosotros : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70

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It's A Beautiful Day fue una banda californiana formada en 1967 y que tuvo un papel relevante en lo que se llamó el "verano del amor". Su primer disco, "It's a Beatiful Day", representa uno de los pilares de la psicodelia junto a las obras de Grateful Dead y Jefferson Airplane. Por diversos problemas no pudieron tocar en Woodstock pero si lo hicieron en Atlanta ante 250.000 personas. Editaron cuatro discos en estudio (It's a Beautiful Day (1969), Marrying Maiden (1970), Choice Quality Stuff/Anytime (1971) y It's a Beautiful Day... Today (1973)). En 1974 decidieron separarse.

El Fillmore West es un autentico icono dentro de los teatros donde se realizanban conciertos a finales de los 60. Durante años multitud de estrellas del rock pasaron por su escenario, podemos encontrar numerosas grabaciones y vídeos que lo atestiguan. En 1971 Bill Graham organizó una series de conciertos con motivo de su cierre. En esos conciertos participaron los It's Beautiful Day. Por cierto hace algún tiempo comentamos el concierto de Creedence Clearwater Revival que también estuvieron en la despedida del Fillmore.

Tenemos a los I'ts Beautiful Day en la última semana de conciertos en el Fillmore West el 1 de Julio de 1971. En cuanto al contenido musical nos encontramos con mucha psicodelia con algo de folk y buenos momentos instrumentales a cargo de Hal Wagenet (guitarra), David LaFlamme (violín), sin olvidar la inconmensurable labor de su teclista Fred Webb. la parte estelar del concierto llega con la interpretación de su gran éxito, "White Bird". Muy destacable el tema "Let A Woman Flow", relajante y los dos instrumentales "Don & Dewey" (part. 1 y 2). Cusioso "Bombay Calling" con exóticos ritmos y percusiones una pena que se corte. Sonido perfecto para una gran fiesta psicodélica.

J.C. Miñana

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Nacido en 1933 en Los Angeles, el compositor y pionero en electrónica Morton Subotnick es conocido por su obra "Silver Apples of the Moon" (1967). Una de las primeras grabaciones por encargo para una compañía discográfica. Claro que ésta fue Nonesuch Records, filial de Elektra, la cual presidía el visionario de sonido Jac Holzman. Este hombre ayudó a la evolución de la naciente electrónica desde todos sus angulos posibles. Silver Apples se bautizaron así en honor a Subotnick y su obra. Que fue adaptada como pieza de ballet, iniciando eso que luego se ha dado en llamar, "multimedia". Fue miembro fundador del California Institute of the Arts, así como del adelantado a su tiempo, San Francisco Tape Music Center.

No se conforma con la danza, y comienza a preparar piezas para cinta manipulada, con vistas a scores cinematográficos y obras de teatro, durante la década de los 60. Colaborador habitual de Don Buchla, ayudó a desarrollar el famoso (hoy hiper-caro), Buchla 100 Modular Synthesizer. El ejemplo viviente de "sintetista de bata blanca". Fue director musical del The Actors Workshop, y su actividad docente en materias de vanguardia fue muy requerida en universidades durante los años 60. Desde su debut con "Sonata for Viola and Piano" (1958), una treintena de albumes respaldan su intensa labor investigadora. Lo que él define como "music as studio art". En el album que hoy hemos elegido, "Until Spring", dos únicas piezas son su contenido. "Beginning" (14'54) y "Conclusion" (14'20). Los Buchla synths tienen un sonido particular, con una constante percusión electrónica que sugiere abstracción melódica en forma de esculturas sonoras repetitivas a velocidad de vértigo. Como un primitivo secuenciador tribal enloquecido que forma ambientes y dibujos senoidales más que extraños.

Lo que sí puede decirse de Subotnick es que no se parece a nadie. Su pintura surrealista sonora, que juega constantemente con el stereo, es de marca única e intransferible. Reniega de la melodía convencional en formas típicas y se recrea en la intensa búsqueda de sonidos nuevos, sorprendentes y aptos para tu más que posible brote psicótico. Sabe como atraer la atención del oyente, (predispuesto a ello). En un esfuerzo imaginativo, podríamos comparar alguno de sus pasajes más pausados a Conrad Schnitzler, siendo flexibles.

Aunque Subotnick podría definirse como "cosmic kraut" desde los años 50. La creación de estas dos piezas supuso un auténtico quebradero de cabeza para Subotnick, trabajando con cinta, la sincronización de sonidos envolventes repetitivos (a gran rapidez) le suponía un control manual metódico dentro del espacio-tiempo. No os aburriré con su explicación técnica, que me ha llevado paciencia de santo en su lectura. Pero lo que entonces era un proceso altamente artesanal, con gran peligro de incurrir en errores de bulto, hoy se haría apretando un botón mientras se dispone de un micro-cerebro digno de Kiko Rivera (con perdón por su mención aquí ). Así que hay que darle a Subotnick el mérito que merece por lo que en su día creó. Un reto: busca algo similar de 1975.

La conclusión final es que suena a score desquiciado para la más absurda de las alucinaciones "ayahuasquianas".

No contento, en 2009 le apetecio seguir la juerga con "Until Spring : Revisited". Imagino que ésta vez con tecnología actual, más relajado, y ciego de grifa.

J.J. IGLESIAS

Temas

ABeginning14:59

BConclusion14:20

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El firmamento "blusero" está lleno de estrellas, unas brillan más que otras y por supuesto J.B. Hutto es una de ellas. Su maestría en el uso del "cuello de botella" fue una de sus características mas significativas.

Joseph Benjamin Hutto nace en Blackville, Carolina del Sur, en 1926. Se traslada con su familia en primer lugar a Augusta y posteriormente a Chicago. Comienza en la música tocando la batería, el piano y por fin la guitarra. Primero toca en las calles y poco a poco organiza su grupo, The Hanks", con Joe Custom (guitarra), George Mayweather (armónica), Eddie Hines (batería ) y Johnny Jones (piano). A mediados de los 50 edita varios singles pero como consecuencia de un incidente en un club abandona la música hasta la siguiente década que vuelve con unos renovados The Hanks con Herman Hassell (bajo) y Frank Kirkland (batería). Graba varios discos para Vanguar Records, Testament y Delmark obteniendo cierto reconocimiento con "Hawk Squat!". En los setenta se traslada a Boston y forma The New Hawnks, firma por el sello Varrick con los que grabaría su último disco "Slippin y Slidin". Muere en 1983 a consecuencia de un cáncer. Como curiosidad podemos decir que uno de sus temas "Too much alcohol" fue versioneado por el gran Rory Gallagher.

Lo cierto es que tenemos pocos datos sobre la grabación. El concierto de J.B. Hutton con su banda The News Hawks se celebró en 1979 en el mítico Shaboo Inn de Conetica. Por este local pasarían multitud de blues man y rockeros desde 1971 has ta 1982 que cerró sus puertas. El "setlist" contiene tan solo ocho temas con una duración total de 38 minutos. J.B. Hutto nos muestra su dominio de la técnica de "slide" con el "cuello de botella" al estilo de Elmore James. Temas destacados sin duda "The 16 years old boy", "Shake Batle & Roll" y por supuesto "Too Much Alcohol". Corta pero intensa noche de blues.

J.C. Miñana

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Alguno ya estará exclamando que "ya está el brasas del Miñana con sus piratas de Rush!". Pero no, que es el otro brasas, el de los grupos distintos con el mismo nombre. Resulta que en Macon, Georgia, había otros Rush de los que poco se sabe. Yo al menos. Se rumorea que eran una "xian band", o banda cristiana. Y si lo dicen por el "piazo" crucifijo que lleva uno de los miembros en la portada, yo no me fiaría mucho (aunque puede ser). Mira los que gastaban Black Sabbath. Estos Rush eran nada menos que siete : Keith Gaudette (Piano, órgano, sintetizador, voz), Pete Doughty (batería), Carl Crozen (guitarra, voz), Billy Belskis (bajo, guitarra), Mike Ingrisano (trompeta, flugelhorn, synth y voz), Al Butler (voz solista y percusión ) y Gary Branch (trompeta, congas, percusión y voz).

Y el álbum fue editado en una micro-compañía local, Sadbird Records, y registrado en directo el 11 de septiembre en el Whitehall Club de Old Orchard Beach, Maine.

Comienza con "Get It Together" (5'31), que posee una buena instrumentación con elegantes solos de teclados y guitarra. Las voces son importantes en ésta banda, y tanto la solista como las armonías son cuidadas al detalle. Su estilo aquí es muy californiano, recordando fuertemente a The Doobie Brothers, los primeros Steely Dan o Dave Masón.

"It Can't be Yesterday" (4'54) es la típica balada californiana que daría nombre al Soft Rock. El dúo de trompetas les da un ligero toque a lo que en muy poco se va a convertir Chicago. Un agradable tema.

Sigue la sección de viento con más protagonismo en "If You Think you Know Me" (3'18), con excelentes interludios de órgano y una eléctrica de parecido proceder con el malogrado Terry Kath, (del que el propio Hendrix dijo que tocaba mejor que él ).

De similar factura es "It"s Too Late" (3'17), con muy buena sección rítmica (atención al bajo) y organada en plan Rare Earth.

Inaugura la cara B "Illusions of Times Past" (6'42), ahora tirando al Pomp/Prog con trabajadas armonías vocales y solista intervención del moog. Ofreciendo una línea más progresiva que en el resto del disco. La verdad es que resulta una preciosidad de tema, muy cercano a los primeros Ambrosia, Petra o Axcraft.

El nivel no baja para "Dead Man Tell No Lies" (3'34), puro hard rock USA con seis cuerdas echando chispas y fuerza conjunta de todo el grupo. Otra píldora de buen rock que casi roza a Kansas por su ímpetu en guitarra/teclados. Además de una sección percusiva huracanada y voces super-bien empastadas.

Otro corte de flamigero pomp es "I Can Stop Searching" (4'53), constatando que estos Rush también eran de armas tomar. Nada de broma. Esto es material de altas ligas, aunque jugaran en regional. Los compases melódicos simultáneos de sinte y guitarra, auspiciados por un ritmo frenético, le dan personalidad y carisma al tema.

Por último "The Way It Is" (4'30) vuelve a "trompetear" con evidente guiño a Blood, Sweat & Tears, Lighthouse o Ides of March. El solo spaghetti western a la Morricone de la trompeta contrasta con las sinfonadas teclisticas de Gaudette (muy original) , arrastrando al crescendo en la guitarra de Crozen. Otra carta ganadora.

Resultando un muy ameno álbum con una superior segunda cara, pero de calidad global extraordinaria.

Está visto que llamarse Rush nunca es para mal.

Raro, curioso y bueno. Justo lo que le pido a un disco hoy por hoy.

J.J. IGLESIAS

Temas

A1 Get It Together

A2 It Can't Be Yesterday

A3 If You Think You Know Me

A4 It's Too Late

B1 Illusions Of Times Past

B2 Dead Men Tell No Lies

B3 I Can Stop Searching

B4 The Way It Is

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La pasada semana no pude estar con vosotros porque el sistema operativo de mi ordenador estaba hecho un asco y tuvieron que repararlo. Quiero agradecer a mi amigo J.J.Iglesias su buen hacer y su buena pluma al cubrir mi ausencia momentánea. Subsanado el asunto volvemos con los suecos que después de sus dos primeros “cándidos” trabajos vuelven en 1985 con un giro hacia el jazz-rock, pero con un estilo personal que a partir de aquí irá hacia una música mucho más compleja y entretenida.

“Sea Reflections” ya no suena tan pastoral ni prog-folk como los anteriores, pero sin perder en encanto inicial y limpio en su forma de construcción compositiva y con sus suficientes dosis de symphonic rock. Otro disco relativamente corto con 38 mts de música en ocho piezas también de corta duración. Esta vez ya se trata de un disco totalmente instrumental en línea con una especie de jazz melódico y los teclados de Matts Johansson y Jan Severinsson pueden sonarnos a veces entre un cruce de George Duke y Pete Bardens. El empleo de la marimba y el vives, así como un mayor uso de instrumentos de viento, le dan al disco su peculiar forma de fusión-prog. La inclusión de la sección de viento como trombón, saxos, trompeta y flugelhorn imprimen un aire más festivo y desenfadado y el sonido es más vibrante que antaño.

Tras la frivolidad urbana de “Blizzard” entra la primera gran pieza del disco: “Batseba” con guitarra y ambiente rítmico a medio camino entre Latimer y Santana. La melodía de guitarra es memorable. Lástima su brevedad. Las dos partes que dan título al disco difieren sensiblemente. La primera con su inicio de tormenta, suena muy funk a la Weather Report- George Duke- Zappa en sus escapadas instrumentales típicas y muestran ya definitivamente el poderío sonoro de esta banda. La segunda parte es más meditativa, atmosférica y sinfónica que va perfilando los diferentes aspectos del sonido de Isildurs Bane. La guitarra de Mats Nilsson está estupenda y las melodías del sinte son exquisitas, en parte vuelven en este tema a los discos iniciales.

El resto del disco alterna de todo un poco, el aire jazzy desenfadado predomina generalmente hacia algo más alegre. La incitación al movimiento y al swing es constante en temas como “Poseidon” o “Top Secret o al estilo cool de un Miles Davis de sus últimos años en delicadas baladas instrumentales totalmente jazz como “Bilbo”. En 1986 comienzan a salir de gira fuera de su país de origen principalmente en Alemania, donde durante tres semanas darán varios conciertos de éxito total que ellos mismos valoran como una maravillosa experiencia personal. “Sea Reflection” es sin duda un disco de transición de todo lo que está por venir. También es su trabajo de más fácil escucha y de menos complicación e intensidad. Pero ante todo es un buen disco.

Alberto Torró

Sea Reflections / Eight Moments Of Eternity

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Tras el excelente Cordon Bleu, los tiempos que corren en 1977, se van a notar considerablemente en este su cuarto álbum en estudio. Los vericuetos instrumentales que los habían definido (a su manera) se convierten ahora en elegantes canciones de fusión prog ya encaminadas a la estandarización y a no complicar mucho el oído. Un poco como les pasó a los Chicago del volumen VII, que es un disco agradable, con alta calidad musical, pero destinado a oídos fáciles. Parecen ahora los Spyro Gyra y su jazz de lux o incluso los Shakatak y sumando a los italianos Nova que resuenan por ahí y también quieren acercarse algo a los Return To Forever más asequibles y comerciales.

Conforme escuchas pareces adivinar cada paso de la composición en un armazón completamente previsible y mucho más evidente para los que han oído el suficiente jazz-rock con todos sus trucos rítmicos y cortes inconfundibles. Ojo está muy bien hecho, con una corrección propia de músicos muy profesionales que lo son sin duda. Pero olvídate de sorpresas y emociones imprevistas que es lo que separa la música rutinaria de la chispa inesperada que acapara la atención. Es un disco de “fondo” que rellena el espacio sonoro de una habitación, el pasillo, la cocina o los ratos épicos sentado en el trono del WC.

Tras los dos primeros cortes que suenan a club de alterne caro, “Sonic Sea” es un bonito paseo floyd-canterburiano-camelero agitado como un cocktail forzado, con Rhodes, string ensemble y sinte bondadoso que tiende a la caricia con alguna rúbrica del saxo. Siete minutillos para fumarte un cigarro sentado y mirando a la ventana.

“Free Inside” se inicia con relax, pero pronto vuelven a motivos funk-fusión totalmente previsibles, aunque por fin el groove del hammond tiene brevemente algo que decirnos y le da cierto carácter y empujón a la pieza que finalmente repite el esquema funk por muchos compases y nosotros mientras esperando algo que no llega.

Acordes a la Richard Wright inician la bonita “French melody” con su perfume sinfónico en forma de balada instrumental de cuando Focus se ponían reposados y solemnes. Sencillo y efectivo. “Empty Faces” termina en una canción de rock melódico que apunta entre unos Electric Light Orchestra o unos los Genesis insulsos de los 80. Agradable y de agitar pañuelito y mechero en alto, pero con lagrimitas de cocodrilo. Disco pasable.
Alberto Torró

Temas A1 Give Some More A2 Carousel A3 Sonic Sea B1 Free Inside B2 French Melodie B3 Empty Faces

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Para encontrar el origen de esta banda valenciana nos tenemos que remontar a los tiempos del instituto. Carlos Navarrete (guitarra) y Pablo Barrios (teclados) no solo compartieron aulas, también inquietudes musicales. En aquel momento estaban interesados fundamentalmente en bandas heavy tipo Gamma Ray, Helloween, Blind Guardian, o Angra, aunque también el rock de Guns ’n’ Roses o Nirvana ocupaba su tiempo. Poco a poco fueron puliéndose y evolucionando hacia un rock mas elaborado al estilo Dream Theater.

Llegado este punto deciden dar el salto y formar un grupo. Estamos en los noventa y su primer proyecto, Desyrius, es una banda orientada al metal progresivo. En su etapa más estable, el grupo estaba formado por Carlos, Pablo, Fran Carrasco (batería), José Ángel Carrasco (bajo), Verónica Sierra (voz) y Amparo Puertas (voz). En 2001 graban una primera maqueta conteniendo dos temas, "XXI (Dec 30th)" y una versión del Theater of Pain de Blind Guardian que fue seleccionada para un tributo internacional a dicha banda (“Tales from the Underworld”, publicado por TPL Records). Los primeros cambios se producen en el seno de grupo, Amparo y José Ángel dejan el proyecto en 2003. En 2004 llega una segunda maqueta mucho más elaborada para finalmente disolverse un año mas tarde.

Carlos y Pablo siguen evolucionado musicalmente y descubren la fusión jazz-prog de Pat Metheny. Por recomendación de un amigo, Alfonso del Corral, Carlos se apunta a un curso veraniego de jazz donde conoce un grupo de músicos con afinidades musicales que lo llevan a formar el colectivo Fuego Fatuo, por supuesto junto a su gran amigo Pablo. La idea era fusionar jazz con el resto de estilos que los distintos miembros aportaban. El proyecto dura un par de años.

Por fin en 2004 Carlos y Pablo se deciden a formar una banda que aúne todo lo aprendido en años posteriores, es el momento de Versus Five. La primera formación de la banda se completaba con Borja González (batería) , Diego Faus (bajo), y Dani Cano (trompeta). Poco después se une Riki Palacios a la percusión.

En 2007 afrontan la grabación de su primer y único disco hasta la fecha, "The Paths Behind Music", teniendo como bajista a Xavi Alamán y batería a Osvaldo Jorge. También colabora el trompetista de sesión Voro García. La grabación fue realizada por Alberto Díaz y la mezcla por Jorge Pérez, un reconocido ingeniero de sonido valenciano. Con esta formación (completada con Javier Feltrer a los saxos y la flauta) la banda se mantiene muy activa. Buena prueba de ello es la grabación de un concierto en directo en la sala Durango en Valencia en 2011. Conviene destacar también el paso por la banda de otros músicos conocidos en la escena valenciana: Víctor Traves (batería), Jorge Molina (bajo), David Llácer (bajo), y Héctor Juan (saxo).

A mediados de 2012 Carlos se tiene que trasladar a Alemania por motivos laborales, quedando la banda en periodo de hibernación. Desde Alemania Carlos sigue con su actividad musical, actuando y componiendo nuevos temas para su proyecto en solitario Emotional Stories in B Minor, el cual se editará a lo largo de 2018 en formato de vídeo-álbum.

Por su parte, Pablo es miembro activo de diferentes proyectos en Valencia (The Risin' Doors y Bob Lazy, por ejemplo), así como profesor de la Rock School

El disco contiene once temas totalmente instrumentales que contienen una verdadera fusión de estilos. Por una parte tenemos "flamenco-jazz-rock" en temas como "New Way" y "Burst in Tears" donde la simbiosis de la percusión, guitarra y piano es perfecta. El primero de ellos mostrándonos un aspecto más jazz con la participación del trompetista Voro y unos ritmos al piano eléctrico dignos de un Chick Corea. En "Bust in tears" tenemos un aspecto mas flamenco con una guitarra española exultante. Me encanta.

Fusión funk la encontramos en "Funk Reunion" inspirada en el "Celebration" de de Kool and the Gang". Gran línea melódica con la guitarra y una base rítmica que me recuerda mucho a la de grupos como Iceberg o Pegasus.

Por otra parte la corriente progresiva llega de la mano de temas como "Rage" o "Madness & Fran" donde las sonoridades nos llevan a la fusión de grupos del estilo de Liquid Tension Experiment con Weather Report.

Ritmos latinos y percusiones a lo Santana los podemos disfrutar en "Strange Character", brillante el trabajo de Pablo a las teclas, o en "35 hours later" con su apoteósico final.

La fusión continua en "Asu" donde el progresivo, el jazz e incluso las percusiones más étnicas conviven en perfecta armonía.

Relajante "Walk on a handeall", sin duda la más jazzistica de todas. Y dejamos para el final dos pequeñas joyas."Papillon Nights", con teclados progresivos que se mezclan a la perfección con la guitarra de Carlos y ritmo galopante de la sección rítmica. "Left Behind", virtuosismo instrumental condensado en apenas tres minutos.

Sin duda Versus Five nos ofrecen una apuesta segura de calidad y de saber hacer. Su música es una representación sonora de la fusión musical. Instrumentalmente son de sobresaliente. Esperamos que retomen su actividad y nos deleiten con nuevos trabajos.
J.C. Miñana

Contacto:

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P.D. I: Sorteo de un CD de VERSUS FIVE entre todos aquellos que realicen un comentario (Sólo España) (hasta el 30-11-2017)

P.D. II: Muchas gracias a Carlos Navarrete por su gran colaboración para la realización de este artículo.

P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en esta sección puede ponerse en contacto con nosotros : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70

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SID RUMPO - First Offense 1974

TERRY DOLAN - Terry Dolan (1972 / HIGH MOON)

ISILDURS BANE - Sagan om den Irländska Algen (1984)

SOLUTION - Cordon Bleu (1975) (Canterbury Ways)

Thursday's Pussy Dogs (Rockliquias Bandas)

RUSH - Brainwaves - Live at Tucson 1978

F. G. EXPERIMENTAL LABORATORY - Journey Into a Dream" (1975 / TH)

Downchild Blues Band ‎– Bootleg 1971

GIFT - Blue Apple" (1974 / NOVA)

PHIL MILLER - IN CAHOOTS - Cutting Both Ways (1989 / CUNEIFORM)

HEAD - Red Dwarf (1975 / CANON) (Canterbury Ways)

REGNA - Meridian (2015 / REGNA) (Rockliquias Bandas)

It's A Beautiful Day - Live at the Fillmore West 1971

MORTON SUBOTNICK - Until Spring (1975 / ODYSSEY) (Serie Pioneros)

J.B. Hutto and The New Hawks - Live at Shaboo Inn 1979

RUSH - The Way It Is (1975 / SADBIRD)

ISILDURS BANE - Sea Reflections (1985)

SOLUTION - Fully Interlocking (1977) (Canterbury Ways)

Versus Five - The Paths Behind Music (2009) (Rockliquias Bandas)