ROCK LIQUIAS

Para cualquier aficionado al rock Cozy Powell representa una figura muy importante. Seguro que muchos lo incluirían en la formación "ideal". Su paso por grupos tan importantes como Jeff Beck, Rainbow, Whitesnake o Black Sabbath dejó un sello imborrable por su contundencia y dinamismo. El 5 de Abril de 1998 la velocidad y el alcohol se lo llevó en un accidente automovilístico a las afueras de Bristol. Hoy toca el momento de recordarlo con "Bedlam". Ya comentamos su disco, "Bedlam", hace tres años.

Bedlan se formó en el 72 de la mano de los hermanos Ball, Dave (guitarra) y Denny (bajo), junto a Cozy Powell (batería) y Frank Aiello (voz). Un año mas tarde editan su único disco, "Bedlam", y se van de gira por Estados Unidos junto a los Black Sabbath. Todo presagiaba una buena carrera llena de éxitos pero su compañía discográfica tenía planes para ellos que no concordaban con su manera de tocar y sus personalidades. Por otra parte "culo inquieto" Powell ya tenía planes para lanzar su carrera en solitario.

El concierto fue grabado en vivo en los estudios Command el 22 de Octubre de 1973 como una grabación promocional para los Estados Unidos. Bedlam nos muestran un hard rock blues cargado de fuerza apoyado en una poderosa sección rítmica, Powell-Ball, un autentico artificiero de la guitarra como Dave Ball y un cantante como Frank Aiello que cierra el circulo de buen rock. El "setlist" está compuesto por casi la totalidad de su único disco. En algunas ediciones del CD aparece el bonus, "Dance With The Devil". Atención al pequeño solo de Powell y al tema "The Fool", canela pura.

J.C. Miñana

Temas

1 I Believe In You 00:00

2 Hot Lips 04:29

3 Putting On The Flesh 10:45

4 Sarah 15:08

5 Drum Solo / Seven Long Years 20:06

6 Mother In Law 25:52

7 The Fool 27:19

8 The Beast 38:34

9 Set Me Free 44:35

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Tanto el título como la portada de éste disco me recuerdan poderosamente al guión de "Round Midnight". Increíble película (curiosamente co-producción USA - Francia), dirigida por Bertrand Tavernier y con Dexter Gordon como protagonisra. Y es que hasta la sinopsis es aplicable a nuestro hombre, Gilbert Artman. Uno de los necesarios nombres si se habla de vanguardia francesa de los 70, junto a Cyrille Verdeaux, Christian Vander o Richard Pinhas.

Artman también era un joven noctambulo inquieto, loco por el jazz, merodeando por los clubs parisinos en busca de una oportunidad. Sin perderse ni un sólo artista que llegara desde USA. Al final, toca con Don Cherry y Steve Lacy, y eso le da la suficiente seguridad como para emprender su propio combo, Lard Free. Al igual que Vander (otro loco por Coltrane) y sus Magma, Artman también es líder detrás de su kit percusivo. Aunque también trata todo tipo de percusiones, vibráfono, teclados o saxo.

Debutan discográficamente en 1973, con una cáustica mezcla de vanguardia krautie , King Crimson y libertinos efluvios del reciente Miles Davis. En ese mismo año colabora en el "Clearlight Symphony" de Cyrille Verdeaux, (aquí reseñado). Para 1975 la formación de Lard Free ha sido totalmente renovada. Artman se hace cargo de todo tipo de percusiones, vibrafono, órgano Hammond y saxo tenor. Alain Audat está al VCS synthi y saxo tenor. Antoine Duvernet al saxo alto y flauta. Jean-Jacques Birge al ARP y saxo alto. Y como invitado de lujo, Richard Pinhas a la guitarra, bajo, ARP y VCS3. Heldon están llevando una carrera en paralelo con Lard Free, así que es comprensible su invitación. Este personal creará "I'm Around About Midnight". Ya muy alejado del Free jazz a lo Pharoah Sanders del comienzo, y con lo electrónico - planante ganando enteros en su música.

"Violez L'Espace De Son Refrigerator" (4'34), es un pastel dronico entre sintes y saxos etéreos que haría babear a Eno. Va enlazada a "In a Desert-Alambic" (5'40), con Pinhas recordándonos inevitablemente a Fripp en sus reptilescos solos de guitarra. Acompañados por ritmos orgánicos - electrónicos muy descriptivos. "No Pussyfooting" todavía en mente.

Sin silencio alguno, transcurre la grabación con "Does East Bakestan Belong to Itself" (6'43). Ésta pieza es fácilmente situable, por su vibrafono-guía, entre los Gong de "Expresso" y "Shamal". Cuando Daevid Allen había dejado el liderazgo en manos de Pierre Moerlen, pero éste todavía no ejercía de dictador musical. La flauta étnica acompaña a un murmullo electrónico absolutamente kraut de intangible, pero profunda mística.

En la cara B "Tatkooz a Roulette" (7'52) sigue por parámetros similares. Clásico sonido berlinés del que los franceses Lightwave tomarán buena nota en el futuro. Nada que envidiar a los de Froese, Schulze y demás octopus alemanes, en pleno alborozo secuencial.

Sonidos maniacos cargados de intransigencia a lo sensible llegan en "Pale Violence Under a Reverbere" (4'13). Como no podía ser de otro modo, de la mano de Pinhas y sus triposas frippadas, que rivalizan con las del propio hombre esquizoide, Mr. Bob.

Finalizando con "Even Silence Stops When Trains Come" (4'30) , en minimal forma Hamel - Riley - Eno de ecos románticos (a su particular manera), y con bello piano que los acerca a introspecciones del reino de Popol Vuh.

Gilbert Artman pondría en marcha el proyecto paralelo Urban Sax al año siguiente, combo éste sólo formado por saxos. Y en 1977 saldría el último album de la trilogía Lard Free, "III". Todavía más adentrado en la vanguardia electrónica. Existen dos álbumes posteriores con material inédito, para el friki recalcitrante.

"I'm Around About Midnight" fue reeditado por los barceloneses Wah Wah Records en 2010.

Kosmische francés sin nada que envidiar al genuino.

J.J. IGLESIAS

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Esta banda procedente de Los Ángeles tuvo su mayor éxito con el tema "Are You Ready? contenida en su disco homónimo de 1970. Pero parece que que este golpe de suerte no les sentó nada bien ya que la mayor parte del grupo abandono el grupo.

PACIFIC, GAS & ELECTRIC se fundó en 1967 y su primera formación estaba integrada por Tom Marshall y Glenn Schwartz (guitarra), Brent Block (bajista), y Charlie Allen (batería). Muy pronto Allen asumió el papel de cantante y dejo las baquetas en favor de Frank Cook procedente de los Canned Heat. Su primer disco lo editan con la compañía Kent Records en 1968. "Get It On". Ese mismo año participan en el Miami Pop Festival. Su segundo disco llega en el 69, ""Pacific Gas and Electric", bajo el sello de Columbia Records. El éxito les llega con su tercer disco, " Are You Ready" (1970). A partir de ese momento todo es cuesta abajo. Frank Cook sufre un grave accidente teniendo que dejar su puesto a Ron Woods. Los cambios de personal se van sucediendo. En el 71 se ven obligados a cambiar su nombre a PG&E por problemas legales con la compañía eléctrica. Por otra parte entra una sección de viento en la banda con la que graban, " PG&E". La banda estaba desintegrada pero Charlie Allen se resistía a ello por eso reune a varios músicos de estudio y graba "Pacific Gas & Electric Starring Charlie Allen" (1973).

Este primer disco de Pacific, Gas & Electric está cargado de buen blues con algunos toques soul y funk. Por una parte tenemos unas muy buenas versiones de temas clásicos: "The Motor City Is Burnning”(Al Smith), “The Hunter” ( Booker T & Mg´S), “Jelly, Jelly”( James Cotton), “Cry, Cry, Cry” (D. Malone). Todas ellas jalonadas de muy buenos solos de guitarra a cargo de Glenn Schwartz. El tradicional espiritual negro, "Wide in the Water", lo interpretan en vivo en los estudios Cheetah de Los Angeles. En cuanto a los temas propios como "Long Handled Shovel" con su desbocado solo de guitarra, "Stormy Times" que nos puede recordar al "Stormy Monday", o "“Live Love" con el que finaliza el disco, son pequeñas joyas que todo buen aficionado debería escuchar. Un disco que en su día paso sin pena ni gloria pero que el paso del tiempo lo ha ido revalorizando. Posteriormente el sello Big Beat editó un Cd con nueve temas mas.

J.C. Miñana

Temas

1. Wade In The Water

2. Cry, Cry, Cry

3. Motor City's Burning

4. The Hunter

5. Long Handled Shovel

6. Jelly, Jelly

7. Stormy Times

8. Live Love

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Durante el fin de los 60 algo inesperado sorprendió al mundo. Una banda de chicanos que daban miedo, (para una peli de comancheros, perfectos), irrumpió en la escena de San Francisco, Santana. En Woodstock y aún sin contrato, ya dejaron noqueados a toda la peña que pudo enterarse de algo. Alguno habría, digo yo.....(Qué tiempos (1). Y su sombra creció en un buen listado de nombres a lo largo del mundo. Osibisa, El Chicano, Malo (con su hermano Jorge Santana) o Mandrill, fueron algunos de los más conocidos. También en Nueva Zelanda, en la ciudad de Auckland, encontramos a unos fuertes seguidores santaneros, Living Force. Banda que comenzó en 1973 de la escisión de Tiquet y Space Farm. Su modus vivendi era, como mandan los cánones del gurú Carlitos, muy espirituales y cercanos a creencias Krishna. También de fuerte injerencia drogueril. Los tiempos (2).

Ellos eran Harvey Mann (guitarra solista), Glen Absolum (batería, percusión ), Murray Partridge (guitarra), Iván Thompson (teclados) y Gary Clarke (bajo). Como sus ídolos, las jams salvajes y desenfrenadas eran lo suyo. A veces, demasiado. Se dice de un festival con unos 2000 asistentes que se vio reducido al 90% tras el primer tema de Living Force.....de media hora. Pero esto era normal, no sé de qué se quejaban en esos desfasados tiempos (3).

Living Force tuvo un fuerte seguimiento de culto entre hippies, freaks y seguidores Krishna.

En 1977 graban su homónimo debut en Atlantic, del que se extrae un single. "Changes" (6'08) inaugura éste sólido álbum a lo bruto: Gong, batería destripante y una guitarra a lo Santana salvaje, de saborrrrr inconfundible. Un muy buen vocalista (no tengo ni idea quién es), y el Hammond a lo Gregg Rolie poniendo orden en las percusiones desmadradas. Ya te han atrapado. La cara b del single fue "Matter Monster" (5'36), de aires jazz rock, con estupendo arropo instrumental y percusiones de órdago. Aquí hay más testiculina que en una porno gangbang. Guarradas aparte, las guitarras son espectaculares, y sus solos, puro fuego latino. "Jaya" (3'25) fue la cara a del single, un tema sorprendentemente bueno, dado que era fácil haberse lanzado a algo más comercial o pachanguero. Pero no, buen gusto hasta para la radio. Eran otros tiempos (4).

Un tema pausado nos trae "Only You" (4'38), de temática acústica piano - guitarra casi aflamencada, muy bonito. "Sweet Inspiration" (3'42) nos devuelve al Santana de Chepito Areas y Mike Carabello asalvajizados. Es un instrumental de fuerte carga psicodélica y guitarras epatantes. El equivalente a "Incident at Neshabur".

Vuelta a la cara y "Baja Sri" (5'07) rezuma espiritualidad en esas seis cuerdas. Y en los coros. Y en los porros. Santana en estado puro, y del bueno. Otro atmosférico tema es "Hello Friend" (4'21), muy floydiano en su tratamiento guitarra blues - Hammond / synths. En cambio "Sail this Boat" (4'34) se inspira en "Layla:. Harvey Mann era considerado el Clapton australiano, curioso, porque el disco es mucho más del lado de Santana. Solos exquisitos de moog y perfectos entramados para desarrollar en vivo jams infernales "vacía estadios". Una maravilla, oiga. Finalmente "Hari Bol" (5'40) es otro derroche de elegancia que rivaliza con el propio material de Santana en 1977. Y era "Moonflower".......

En 1978 Living Force se traslada a San Francisco para grabar un álbum con el mismo ingeniero de Santana, Glen Kalatlin. Nunca se supo de ese disco. En el 79 se separan y Harvey Mann montará Appaloosa. Pero eso, mis queridos frikis, ya es otra historia.

J.J. IGLESIAS

Temas

A1 Changes

A2 Matter Monster

A3 Jaya

A4 Only You

B1 Sweet Inspiration

B2 Baja Sri

B3 Hello Friend

B4 Sail This Boat

B5 Hari Bol

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Ocho momentos de eternidad es incluso más corto que el anterior. Tan solo 35 mtos de música instrumental que borra el regusto frívolo del Sea reflections y es definitivamente el álbum que va a marcar el futuro estilo de la banda. No tuvo buenas críticas. Porque en realidad ningún disco prog de esa década de los ochenta la tuvo, pero conseguimos algo más importante, el amante prog y el músico que había sobrevivido a la “caza de brujas” de los cerebros de plástico de la crítica y de las compañías del insensible negocio discográfico, lograríamos el concepto de “música de culto” y aunque no me gusta el término de “club selecto” por la gilipollez y vanidad que implica, fue la única manera de que este estilo de música no desapareciera del todo de la faz de la tierra y pudiese soportar el puente haca la siguiente década, mucho más receptiva e inteligente que la anterior en cuanto a música se refiere. La línea de Isildurs sigue aquí en el lenguaje del jazz, pero ya incluyen una amplia sección de música de cámara que enriquecen a los instrumentos habituales de una banda de rock.

Los ocho momentos es un trabajo superior en términos generales y bastante más melódico y progresivo que el anterior. No hay tanta “juerga” y sí mejores temas. La simple y clara melodía de “Lady en Green” ofrece el sonido limpio de apertura. El nuevo bajista Fredik Janacek en este disco es fundamental, así como en esa perfecta maquinaria que es la fantástica “The Factory Man” donde lleva al grupo en un pulso irresistible y el percusivo estilo de mamá Zappa parece tocarles con su inspiración a lo largo del entramado. El hombre currando, la mecanización, la falta de aire y las respiraciones agobiantes ofrecen un corte original y con trempera. “Ben Oni” apunta hacia un festivo jazz rock sacado un poco de la línea del disco anterior. Pero en “The Second Step” se apunta al futuro estilo de la banda hacia el perfume clásico modernista que, en los siguientes discos, se va a desbordar por completo y desde luego los refinados acentos se aprecian ya en “In the Same Class” con un bonito vibráfono y algo Pat Metheny si quieres en el trasfondo estilístico y acústico. Luego viene “Gheel” con sus líneas orientales y su exotismo que compite con la fusión jazz-rock.

Variedad absoluta en esta parte del disco y ganas absolutas de investigación, de romper moldes y de mezclar músicas, está claro que no quieren que te aburras y en ese sentido su música va escalando en complejidad, arreglos y calidad, a un paso bastante rápido porque ya estamos casi enfrente de las construcciones arquitectónicas imposibles y fantasiosas del siguiente álbum.

Alberto Torró

Sea Reflections / Eight Moments Of Eternity

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No sería éste su último disco en estudio, pero sí lo será, en lo que a mí respecta. 1980 es su fecha límite en cuanto a ofrecer algo decente y ya roza peligrosamente esa especie de rock de luxe melódico y anacarado con sabor de jazz-easy listening.

Cuando pones el primer corte titulado “On My On” te llevas una impresión de no querer seguir escuchando el disco porque lo que oyes es exactamente lo que te digo al principio y la voz azucarada de Guus Willemse hace que el donuts de crema se te atragante. Quieren aproximarse o a mí, me lo parece al menos, a una empalagosa mezcla entre Steely Dan, Shakatak o Bob James en ese jazz-rock-muzak tan fino como aburrido y que los amantes de estos estilos me perdonen que no era mi intención. Llegados a esas épocas de neón y plástico, hasta los de Canterbury genuinos hicieron alguna que otra marranada, véase el Land Of Cocayne de unos irreconocibles Soft Machine, el “The Album” de unos Caravan poperos tocando reggae, o el Hatfield gafotas de Dave Stewart con su señora Barbara Gaskin avergonzando tiempos pasados y cantando “It´s My Party”.

Siguiendo con el disco y si no hubiese sido por el segundo track, ”Captain Willie” no habría seguido adelante. Aquí al menos le dan más “punch” al sonido. Llega “Mirror” que es una balada de cuando los Blood Sweat & Tears se ponían tiernos con aquel recio crooner de cantante llamado David Clayton Thomas, salvo que la voz de Guus es de chaval guaperas de bachillerato con granitos y espinillas. El desarrollo instrumental no está mal, pero siguen recordándonos en que año estamos y el funk a lo Earth Wind & Fire también. Algún ramalazo de órgano quiere despistar, pero pronto llega el cantante otra vez mirando embobado a la de la clase de enfrente.

Le sigue “Logic” y el funk, con saxo en ristre abren fuego, más la guitarra de Jan Akkerman que hace su aparición como estrella invitada en una pieza instrumental muy jazz funky que aunque previsible, se deja escuchar y tiene su feeling. Probablemente lo mejor de este registro. Vuelven las lindas canciones y los amores juveniles de septiembre: “It Happened In September” en algo muy próximo al AOR rock-ballad que es como tomarte una insípida Heineken de barril con tofu o tranchetes light. El funk, la chavala de la clase de enfrente y el cantante, se juntan ahora para bailar la canción que da título al álbum. No parecen holandeses, sino chicos neoyorkinos en Central Park haciendo barbacoa, hasta yo la estoy bailando mientras escribo esto y lástima no poder enviaros el vídeo porque parezco Danni Mateo en plena forma. “100 palabras” se titula la última pieza que empieza con un bonito electric piano y me recuerda a cuando los Camel terminaban algunos de sus discos del 76 al 80 con breves y relajadas cancioncillas. La última estrofa es “I Love You” ¡¡cómo iba a ser de otra manera por dios!!.
Alberto Torró

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"Si es que parecemos gilipollas!!". Exclamó un indignado David Abad, guitarrista en la por entonces jam band psicodélica, Herborea. Un servidor lo cubría cómo podía con los teclados, y acababa de enseñarles una reseña de la revista belga Prog Resiste que nos había puesto muy bien. La inquietud de David era manifiesta frente al resto. Que no aspirabamos más que hacer la mejor de las músicas posibles, puestos hasta las cejas. Pero a él se le veían aspiraciones. Trabajos en solitario Zappa style, encargos....Hasta que un buen día se encontró con el batería Pedro Andreu, famoso músico en un anterior capítulo de su vida. Y ahí surgió L4 RED.

Buena química, buenas intenciones y buena suerte. Porque de seguido apareció a la voz solista El Parri. Un tipo carismático a más no poder y con fuertes influencias de Spinetta. Me tenía que caer bien a la fuerza. El puesto de bajista fue inestable, (como en la prehistoria de la banda se advierte algún otro cantante y guitarrista, junto a Abad). El caso es que publicaron dos EPs, el negro y el rojo, en el 2014/15.

Que tenían atributos suficientes para engrosar la galería del coleccionista más exigente. Incluyendo una música portentosa. Algo así como un hard rock 70s, con guiños prog / psych, que a mí me viene a la mente los argentinos Invisible en cuanto pienso en ellos. El puñado de temas de aquellos pequeños discos de colores, destilan pura magia.

Pero de un día para otro, me topé con la noticia de que ya no estaba El Parri. Y éste jodido grupo me puso en un dilema emocional, al escoger como sustituto a Dani Montañés. Cantante de Mama Kin (con dos discos publicados). Dani es amigo mío (también ) desde los primeros 90. Pero su característica y curtida voz la asocio irremediablemente, con Mama Kin. De éste mismo grupo colabora aquí otro "pieza", Coco Kin a la mandolina. Y el cantante de The Faith Keepers y Los Bengala, Borja Tellez. Y El Parri. Además encuentran al bajista definitivo con José Antonio Ekry, y colaboran el resto de antiguos bajistas.....Todo amigos con los que llevo viviendo la música muchos años. Así que "Libera La Acción " se convierte en una fiesta (de esas que a veces montamos en casa de cierto "Resto Humano"), y aparece como su primer larga duración. La solidez acústica, casi Stoner, de "Seré tu Rey" nos avisa de que el "tío Guisante", el gran Rafa Domínguez, les ha metido cera en el vumetro, allá en su Cafetera Atómica Studios. Esto suena más. ....duro.

Están prácticamente todas las canciones de los EPs, pero tienen nuevo aire. "La Montaña" parece una pieza de viejo sonido pub rock de los 70 : Rockpile, Eddie & the Hot Rods, The Stranglers....

"Por los Viejos Tiempos" hace honor a su nombre y a su primigenio estilo spinettiano. "Bajo Influencias" tiene vaivenes y sacudidas de los últimos Rush. Curioso ese punteo vintage a la Leslie West de Abad en éste corte. "La Jugada" es una de las fuertes de la "etapa Parry", ya un clásico, en mi opinión. Andreu sacude a los embates de wah wah lisérgico y el bajo secunda la propuesta rítmica. La intro Sabbathica de "Alma Alada" desarrolla en modo hard lo que está mutando en el estilo de L4 Red, donde se les ve cómodos con los detalles inesperados. El hendrixiano comienzo de "Libera la Acción " (otra clásica), ejemplifica lo que es L4 Red. Un ente pétreo con fluida y etérea imaginación. Aquí la guitarra hace un guiño de admiración hacia Jeff Beck. La frágil "69 segundos", de aroma psico, es un remanso instrumental que se hace lo que es, demasiado corto.

Finaliza el álbum con dos clásicas de los EPs. "Nos Sobra Viento", que puedes situarla por las verdes campiñas folk del "Led Zeppelin III". Y "El Lado Más Violento de la Realidad", otra bofetada retadora llena de hard rock con mala uva aragonesa, esa que se nos pone con el cierzo.

Conclusión, Un disco sólido, sin fisuras, completo. Pero que despista por su portada y créditos abundantes. Porque a pesar de presidir esa portada una foto de Andreu /Abad, yo siempre he respirado en directo un ambiente de grupo. Quizá haya sido la mejor manera de presentar un "resumen de lo publicado" hasta hoy.

Pero los actuales L4 Red, Andreu/Abad/Montañés/Ekry pueden perfectamente darnos otro rapapolvo sonoro ellos solos. Que con discos como éste, quien necesita CV ilustres!!!

J.J. IGLESIAS

Contacto:

Facebook:https://www.facebook.com/L4RED/
web : http://www.l4red.com/

P.D. : Cualquier banda que esté interesada en aparecer en esta sección puede ponerse en contacto con nosotros : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70

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Hot Tuna fue un proyecto musical de Jack Casady y Jorma Kaukonen, miembros de la Jefferson Airplane. Cuando todavía estaban en esta banda deciden montar el grupo en 1969. Su debut discográfico llegaría un año más tarde con un disco netamente blusero, "Hot Tuna". En el 72 abandonan definitivamente la Jefferson para concentrarse plenamente en su banda. Poco a poco su sonido fue endureciéndose hasta llegar a ser el típico "Power Trio" junto al batería Bob Steeler. A lo largo de su carrera editaron más de media docena de disco y se hicieron famosos por sus extensas improvisaciones en directo.

El Long Island Arena fue inaugurado en 1959. Durante los años 60 fue la sede del equipo de hockey de los Long Island Ducks. A finales de los 60 también acogió al equipo de baloncesto de los New York Nets. En los 70 se celebraron multitud de conciertos de rock, Black Sabbath, Blue Oyster Cult, Styx, Frank Zappa, Deep Purple, Fleetwood Mac y The Who. El 24 de agosto de 1975 Peter Frampton grababa en sus instalaciones "Show Me The Way", tema incluido en el exitoso "Frampton Comes Alive".

La grabación contiene la actuación de Hot Tuna en el Long Island Arena el 11 de Septiembre de 1976. Un concierto de algo más de tres horas con dos bises de una hora cada uno. En total más de cinco horas de éxtasis psicodélico rockero. El análisis pormenorizado de los temas sería una labor de chinos solo al alcance de un J.J. Iglesias. Baste decir que el concierto está lleno de buen rock, blues, psicodelía, algo de folk y sobre todo buenos momentos guitarreros con largas improvisaciones. Indispensable para los amantes del grupo y para los que quieran conocerlo. El sonido es más que aceptable.

J.C. Miñana

Temas

0:00:00 Come Back Baby 6.59

0:06:59 How Long Blues 6.16

0:13:16 I See The Light 10.24

0:23:40 It's So Easy 3.51

0:27:32 Easy Now 9.14

0:36:46 Watch The North Wind Rise 6.28

0:43:14 Bar Room Crystal Ball 7.30

0:50:44 Hot Jelly Roll Blues 10.54

1:01:38 Trial By Fire 6.19

1:07:55 Invitation 27.54

1:35:49 Talking 'Bout You 6.27

1:42:17 Serpent Of Dreams 11.31

1:53:48 I Wish You Would 11.26

2:05:15 Sunrise Dance With The Devil 10.00

2:15:15 Water Song 6.40

2:21:54 Tuning 3.33

2:25:28 I Can't Be Satisfied 8.05

2:33:33 Song From The Stainless Cymbal 4.18

2:37:51 I Am The Light Of This World 6.29

2:44:19 Hit Single #1 7.03

2:51:23 Rock Me Baby 7.14

2:58:35 Bowlegged Woman, Knock Kneed Man 8.25

3:07:01 Funky #7 28.32

Encore 1:

3:35:34 Genesis 6.44

3:42:17 Been So Long 6.32

3:48:49 I Know You Rider 6.26

3:55:16 Feel So Good 17.01

Encore 2:

4:12:17 Police Dog Blues 5.22

4:17:39 Baby What You Want Me To Do 7.43

4:25:22 Walkin' Blues // 29.44

P.D.: nuestro agradecimiento a Master Eddie por su magnífico canal de youtube.

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Para 1979 la fiebre kosmische se estaba diluyendo en Alemania, al menos en los objetivos de las multi. O buscando nuevas y curiosas fórmulas, como el funk, que aportaran más riqueza sonora al género, (y de paso comercializar el "producto", para que fuera más vendible). A partir de la siguiente década las compañías se encargaron de simplificar, - todavía más -, y a niveles infantiles, el uso de los sintetizadores. Vino el tecno, synth pop, new romantics o mierda con un lazo, y hasta Peter Baumann picó. A otros les dio por inventarse la "nueva era" que ya estaba inventada, de verdad, desde los 60.

Así que los valientes que se atrevían a meterse en éste berenjenal onírico, lo tuvieron que hacer independientemente, con 155s, risas, burlas y mofas de los modernos de turno. Esos que hacía poco compraban discos de Ohr, Bacillus o Brain. .....oiggghh, que cosa más "demode"!!!

El dúo Trance, formado por Jurgen Petersen y Armin Wischnewski, fueron de esos que llegaron tarde, pero todavía a tiempo. Ambos multiinstrumentistas, igual le daban a las guitarras, bajos, violines o teclados varios : Roland Synth, Micro-Moog, ARP Solina, ARP Odyssey O Fender Rhodes. Siendo su propuesta bastante fresca , de una "planante" marcadamente lírica, sin muchas extravagancias..

"Sunrise" (4'57) utiliza como arma/alma la acústica y finas capas de sinte de cuerdas. Similar a los primeros Neuronium o Blonker, con un fino punteo electrico casi cameliano.

Pura secuenciación de la época nos presenta "Conditioning" (5'50), muy electrónica y en la línea espesa de los trabajos de Eroc. Sin embargo su hipnótica melodía es casi folkie, de la Galaxia de Andrómeda, pero folkie.

Sigue el "Malasyan Airlines Trip" - " viaje con nosotros y desaparezca del mundo!" - , con "Matriculator" (5'03). Un ejercicio cosmic muy académico, sin molestias, y con una guitarra froesiana que fluye como el "3 en 1" en su desarrollo. Situala por el "Stratosfear" sin problemas.

"Hypnopaedia" (6'16) es un tornado sonoro sci-fi perfecto para una película de Tarkovsky. Con arrebatos eléctricos cuasi - heavy blues que lo acercan a algún puerto propiedad de Manuel Gottsching, pero sin tener que pagar peaje por plagio.

La segunda cara vuelve a inaugurarse con las acústicas, que van sumando instrumentos, siendo el violín uno de los principales. Esto se llama "Solidarity Hymn" (3'13).

En "Romeo & Juliet" (3'19) continúa la delicadeza de formas, hasta demasiado "amable" y oldfieldesca. Una de las primeras cajas de ritmos aborrecibles, lo-fi, patateras y que se podían haber guardado de supositorio, está en "Soma" (7'51). Pieza de puro ambiente psychotronico con entretenido desarrollo, pero a la que le sobra algún que otro elemento externo propio ya de su tiempo, (el vocoder se parece a cuando te hablan por la ventanilla del cine). Estaban en el centro justo de dos épocas, ésta gente, y era inevitable. Aún con todo se escucha, ( con una mueca de risa socarrona).

"Park Lane Hospital" (3'27) despide éste autoeditado debut con modos casi sinfónicos de indudable buen gusto folk-cosmic.

Trance fueron una especie de respuesta tardía a Emtidi, otro dúo con discazo clásico en su corta carrera. Como la de Trance. Dos discos más siguieron a éste, "Here & Now" y "Entrance - The Pond, A Musical Excursion" (los dos ya sin Armin), y perdiendo paulatinamente su esencia vital de los 70, en favor de los nuevos e imprecisos tiempos.

"Dystopia" es una rareza destacable a pesar de todo, con buenos momentos en una frontera temporal de cambios.

J.J. IGLESIAS

Temas

A1 Sunrise 4:57

A2 Conditioning 5:50

A3 Matriculator 5:03

A4 Hypnopaedia 6:16

B1 Solidarity Hymn 3:13

B2 Romeo & Juliet 3:19

B3 Soma 7:51

B4 Park Lane Hospital 3:27

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Todo el mundo sabe lo difícil que es que una discográfica se interese por tu trabajo. Si al final consigues grabarlo y editarlo es un gran logro. Pero si a los pocos días de su salida la compañía cierra, todos tus esfuerzos van directamente a la basura. Esto es lo que les paso a esta banda a comienzos de la década de los 70.

Demian Bell (voz, guitarra) procedía de Chicago, muy pronto comenzó su interés por la música. Primero piano a los 7 años y mas tarde la guitarra a los 13 . Su primer concierto llega a los 15 con "The Rogues". Las circunstancias de la vida lo llevan a Baltimore donde se integra rápidamente en la escena musical. Primero con "The Moss", posteriormente llegarían "The Pychedelic Propellor", "Good Grief", Moulty y The Barbarians. Entre tanto le había dado tiempo de ir a Londres durante 6 meses y unirse a "The Attack". En el 69 se junta con Paul Welsh (voz, batería) para formar Maypole. El resto de la banda estaba compuesta por Steve Mace (voz, guitarra), Kenny Ross (voz, percusión) y John Nickel (voz, bajo). En el 71 editan su único disco, "Maypole", obteniendo muy buenas críticas y realizando una gran promoción junto a artistas de la talla de Bob Seeger, The Nazz, etc. Incluso realizan una mini gira por Holanda. Pero los excesos y los múltiples cambios de formación ocasionan su prematura disolución en el 72.

La grabación se realizó en tres días en los estudios A&R. Doce temas cargados de psicodelia y armonías muy propias del "West Coast". Lo cierto es que para mi es demasiado blando, tirando incluso a "pop" o por lo menos "psicodelia light" y más aun teniendo en cuenta el potencial de su guitarrista Demian Bell que se codeaba con el mismísimo Roy Buchanan. Lo dejo en vuestras manos para que lo valoréis en su justa medida. Por cierto en posteriores ediciones se incluyeron dos bonus.
J. C. Miñana

Temas

1.Glance at the Past

2.Show Me the Way

3.Henry Stared

4.Changes Places

5.Under a Wave

6.Look at Me

7.Johnny

8.Comeback

9.You Were

10.In the Beginning

11.Dozy World

12.Stand Alone

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La influencia de la West Coast fue marcada en el deambular diario de los músicos hippies en las Islas Británicas. Claro que no es lo mismo acatar el estilo con clima soleado, playero, surfista y ligón, como en San Francisco, a hacerlo en la siempre lluviosa Gran Bretaña. La cosa cambia en mucho. Así, la "british Costa Oeste" de bandas como Cochise, Heads, Hands & Feet, Help Yourself, McGuiness Flint, Sutherland Brothers o Brinsley Schwartz, tenían su inequívoco tono tristón directamente conectado con el clima, aunque su personalisimo folk también ayudara a ello.

Keith Cross, que venía de crear un muy distinto monstruo progresivo con T2 hacía muy poco, pareció interesado en cambiar de aires. Buen cantante y mejor guitarra, se une con Peter Ross, (hermano de roles), procedente de los rock blueseros Hookfoot, a veces banda de acompañamiento de Elton John. Consiguiendo un nuevo contrato con Decca tras el ninguneo incomprensible de su anterior aventura en T2. Hay gente que no escarmienta.

Reúnen un buen puñado de canciones y se juntan con eficaces músicos de su microcosmos. Nick Lowe, guitarra de Brinsley Schwartz. B. J. Cole, pedal steel guitar de Cochise. O los vientos siempre oportunos de Jimmy Hastings, de Caravan. Sí, los ingleses fusionaban con total naturalidad el country rock soleado con el brumoso prog británico, y al invento, o a una parte de él, lo llamaron "pub rock". Normal. Donde pasan más rato? En la "soleada playa" va a ser que no.

El único álbum de ésta reunión, "Bored Civilians", es una de esas raras joyas que se deben a la conjunción de los astros. Las acústicas son para seguir atentamente. Y las voces celestiales conectan con lo mejor de CSN, Seals & Crofts, Brewer & Shipley, America o toda la mafia de Laurel Canyon.

"The Last Ocean Ride" (6'57) se adelanta unos años a las languideces perezosas de The Eagles, con el mismo orgullo instrumental, si no más. Dan Fogelberg o Firefall en cruce mutante con Pink Floyd y Caravan. Eso se llama imaginación. El tema-título es una pequeña delicatessen que sirve de entremes para el gran festín.

"Peace in the End" es tomada prestada a Trevor Lucas y Sandy Denny, de sus incomprendidos Fotheringay, para formar una pieza más en concordancia con The Band.

"Story to a Friend" (11'06) es otro de los platos fuertes. Los ritmos de Steve Chapman (batería) y Sid Gardner (bajo), con la complicidad teclistica de Peter Arnesen y la deliciosa flauta de Jimmy Hastings, crean una textura policroma a la altura de Traffic o Manassas.

La excelencia compositiva sigue en la otra cara con elegantes rolas del calibre de "Loving You Takes So Long", "Pastels", "The Dead Salute" o " Bo Radley", que ponen en serio compromiso al material de Bread en sus dos primeros discos. Y eso es echarla bien gorda. Finalmente "Fly Home" (7'02) es otra maravilla acústica para días lluviosos (pero con esperanza)......"simply irresistibol".

Afortunadamente puedes evitar que te echen de casa por comprar un original (entre los 400 / 800 machacantes), y hacerte con la golosona reedición en cd + bonus de los samaritanos Esoteric.

Tu alma, corazón y vida, te lo agradecerán.

J.J. IGLESIAS

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Ferdinand Cheval fue un cartero rural francés nacido en 1836 y fallecido en 1924 que dedicó 33 años de su vida a ir recogiendo piedras de diferentes tamaños por los caminos de su ruta cotidiana mientras con la paciencia y la locura de un friki auténtico, iba construyendo lo que él denominó el palacio ideal con sus propias manos. En aquellas zonas del drôme, departamento francés, lo llamaban “el tonto del pueblo”, alguien mal vestido y raro que recoge piedras. En 1879 comenzó su laboriosa locura y durante las dos primeras décadas a partir de ese año, llegó a construir todos los muros exteriores hasta llegar a terminarlo completamente 13 años más tarde ya en los albores de la primera gran guerra mundial. André Breton el icono del surrealismo y hasta el propio Pablo Picasso se interesaron en esa extraña construcción abarrocada y fantasiosa. En 1969 el entonces ministro de cultura francés André Malraux declaró la obra de Cheval como patrimonio cultural. Todo un detalle hacia alguien que hoy día, sería considerado un outsider o artista marginal

Un tema original para dedicar un disco o eso debieron pensar los miembros de Isildurs Bane, claramente más interesados en todo lo relativo a la época modernista y al desarrollo industrial de principios del siglo XX. Una época fascinante agriada por una de las contiendas más desgarradoras y crueles que costó la vida a toda una generación de jóvenes y a muchos artistas y músicos. A mediados de los 90 yo no tenía ni idea de esta banda sueca y alguien de Madrid que por entonces regentaba la tienda Diskpol y conocía mis gustos, tuvo a bien recomendarme este CD y enviármelo por correo. La original portada era terrible. Lástima porque la construcción es sumamente atractiva y hay fotos muy hermosas. No es un tema que cuiden especialmente en este grupo, pero la música atrajo mi atención desde el primer momento. Siempre he dicho y más últimamente, qué, si el rock no hubiese cambiado la historia de la música, yo habría sido un amante irredento de aquella época mahleriana, straviskyana, debussysta o raveliana y de hecho lo soy, aunque también un hijo de mi tiempo y de mi generación. La emoción no ejerce el mismo efecto cuando escucho música de hace 100 años a cuando escucho la de mi tiempo. No hay cosa que defina mejor lo que es ser “sinfónico”.

“Le initiation” es un ejercicio pianístico-percusivo con su épica ritualística y ya el grupo ha dado un salto tremendo hacia la excelencia musical. Ya no puedes sustraerte “a la que se avecina” y a la composición musical exquisita. La sombra de Fripp en la guitarra toma un color diferente.

La brevísima “L´objet” mima el sonido con susurros vocales en francés para meternos de lleno en ese fantástico viaje al pasado que es “L´interprete” y su música descriptiva con una instrumentación que nos aproxima a los primeros Enid y a los Kraft más sinfónico modernistas que puedas imaginar. Ya no hay peros ni dudas, es música sin tiempo, eterna y totalmente contraindicada a post progres metaleros de portales exquizofrénicos. La alegría se impregna en vena y no hay mejor definición cuando oyes música. Cuando el sonido te esboza una sonrisa y empaña tus ojos. Cuando la música es grande y llena de virtudes. Pero es música de nuestro tiempo arrancada de lo extraordinario. Me gustaría encontrar el adjetivo exacto, pero es una complicada labor.

“33 ans” es otra mini suite que parece recordarnos a Borodin o a Rimsky Korsakov con ese trasfondo eslavo en su melodía, preciosa, obscura pero lírica, Renaissance al fondo con su Scherehazade parece apuntar algunos trazos y colores y hasta el bueno de Latimer quiere participar en sueños.

“Le Cicerone” parece recordarnos a la banda francesa Ange en su discurso y en épica, y aquí el lenguaje rock fusión hace un pequeño inciso llevándonos hasta tiempos más actuales.

Le “Viellard” nos lleva a esos tiempos metheny de guitarra acoustic jazz con fílmicas instrumentaciones y susurros vocales femeninos con atemporales formas musicales que podrían inscribirse en diferentes épocas.

Una pieza muy descriptiva. Los dos minutos de “Present” se definen en una extraña forma de vanguardia funk rock fuera de cánones o estructuras musicales habituales.

La “8 Merveille” se despide de forma “Emerson-cinematográfica” y el final del disco nos deja un regusto a poco. Demasiado bueno y demasiado breve. ¿Acaso las obras maestras no son a veces así…? Esta lo es y ¡ay! del sinfónico que no conozca este disco de finales de los 80. Un pecado.
Alberto Torró

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ROCK PROGRESIVO ITALIANO (RPI) TEMPORADA UNO: CLÁSICOS

La primera vez que escuché a la PFM y por consiguiente el progresivo del país de la tarantela, fue a través de los ELP y su sello Manticore. Supongo que esta historia será afín a todos los de mi generación progresiva y no es nada original. Los mismos que recordarán las famosas “sinfonolas” aquí en España o los “Jukebox” si sois de fuera.

En 1974 se editó “Photos Of Ghost” en nuestro país y por una moneda de cinco pesetas (creo recordar) metida en la ranura escuche el single “Celebration” en aquellos aparatejos con luz, algo horteras y encantadores que entonces existían en los bares de las ciudades. El mini moog saltarín basado en esas danzas pegadizas del folk italiano, llamó terriblemente mi atención porque hasta entonces sólo al gran Keith Emerson le había oído ese sonido. Conseguí el vinilo en la versión inglesa con textos de Pete Sinfield claro y el resto ya es historia. Una historia interminable diría yo, porque el rock progresivo italiano o RPI según se dice ahora, ya es un estilo en sí mismo, con la proliferación de bandas más grande que existe en el mercado de este tipo de música. Consciente de que este es un jardín sonoro que llega hasta el infinito y más allá, intentaré no ser un pesado y no explayarme en biografías y datos que puedan llegar a la abulia y al coñazo, porque para eso ya existen libros especializados puntuales de mucha de esta gente. No aquí en España claro, porque no hay un interés en casi nada referente a cultura musical. Como buen friki que soy, prefiero todo el progresivo italiano cantado en su idioma y en sus versiones originales. La pronunciación inglesa de los italianos, al igual que la de los españoles, es terrible, y conste que cuando la usan en las canciones lo hacen bastante mejor que nosotros. Lo nuestro ya no tiene perdón. Sencillamente no hay nada más hermoso que escuchar los discos de la Premiata, de Banco o de Le Orme o de cualquier otro, en italiano.

A grandes rasgos PFM como tal, nacen en Milan el año de gracia de 1970, versioneando a grupos ingleses como King Crimson o Jethro Tull, que por entonces ya eran dioses que comenzaban a idolatrarse. Los músicos italianos proceden de una vasta cultura, tienen raíces en la música medieval, renacentista, barroca, operística y en el folk de corte mediterráneo y danzas populares lo que, unido al rock y al jazz, les va a dar un perfil distinto y original. En los primeros 70´s las bandas italianas no fueron conocidas fuera de su país de origen y hay grandes discos de 1970 a 1973 de carreras truncadas de muchas bandas que tan solo grabaron uno o dos discos, aunque de ellos hablaremos más adelante. PFM fueron formados en un principio por músicos de los de verdad, de los estudiosos y de los formados. Flavio Premoli ya era un teclista galardonado siendo un crío. Mauro Pagani, un virtuoso del violín y la flauta. Franco Mussida un guitarrista de jazz-rock de los mejores y el támden rítmico del batería Franz di Cioccio y el bajista Giorgio Piazza rubricaba una música inspiradora de pasajes preciosos y sinfónicos, como no. Yo disfruté mucho con Photos Of Ghost, pero más con su émulo original “Per un Amico” al que escuché algunos años más tarde. Pero había un primer disco llamado “Storia di un minuto” y aquí empieza la leyenda de la Premiata.

Storia se publica a finales de 1971 bajo el sello italiano Numero Uno y una de sus canciones “Impressioni di Settembre” y su mellotrónico desarrollo, se convertiría en un clásico inmortal del sinfónico al estilo de aquel Epitaph crimsoniano. “La carrozza di Hans” es un claro ejemplo del potencial instrumental y variaciones de la banda, aunque el estilo refinado de estos italianos lo encontramos en la deliciosa “Dove…Quando” con todo el perfume poético y mágico que destila el clasicismo y el folk italiano y “E´ Festa” sería posteriormente el famoso “Celebration”, una “tarantella prog” que incita al baile y a la alegría desaforada. El camino del panorama vanguardista del país de la pizza y el vermut rojo estaba abierto al futuro y durante los 70´s las alegrías sonoras serían muchas y muy variadas.

Alberto Torró

Temas

1 Introduzione 00:01

2 Impressioni di settembre 01:11

3 È festa 06:53

4 Dove...Quando... ( Part 1) 11:42

5 Dove....Quando (Part II) 15:50

6 La carrozza di Hans 21:50

7 Grazie davvero 28:37

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Los orígenes de esta banda jerezana los encontramos en 1995 cuando Alejandro Zenon "el Buho" (bajo) tocaba en un grupo de blues junto a Carlos Cabrera (batería). Tras la disolución de la banda contactan con dos de sus amigos, Dani González (guitarra) y Vizen Ribas (guitarra), para comenzar un nuevo proyecto denominado Les Ainur. Dentro del seno de la formación había dos corriente musicales claramente diferenciadas. Por una parte Dani y Vizen eran fans de Hendrix, Led Zeppelin, Pink Floy e incluso Steve Vai y Satriani. En el otro lado estaban Alejandro y Alfonso que representaban la parte más progresiva con influencias de Camel, Yes, Genesis y por supuesto del rock andaluz tipo Imán Califato independiente o Cai.

Comienzan los ensayos con unos medios precarios haciendo versiones de sus bandas favoritas pero poco a poco van componiendo temas propios. Paralelamente Carlos, Alejandro y Alfonso formaban un trío musical llamado "Hielo" que tuvo una escasa continuidad.

En 1988 llega su primera maqueta grabada en Jerez de la Frontera teniendo a Angel Figueroa al mando del Estudio. La grabación contenía tres temas (Esencias, LVSDA y La papa araña) y se presentaron en el festival Barbarian Rock de 1998 junto a grupos de primera línea como Manowar o Napalm Death.

Su segunda maqueta ve la luz en 2000. Un solo tema, "La croqueta cannibal", dividido en tres partes grabado en la Factoría Dalton en San Fernando contando con la colaboración de Juanjo García a la flauta travesera.

Una tercera maqueta se graba en los estudios Laresort. Tres temas ( la alubia ácida, el marciano marihuano y la avispoteka) que nunca llegaron a editarse. Por cierto Alvaro Brady participa como técnico y voz solista..

Durante meses la formación está inmersa en un proyecto muy ambicioso. La realización de una versión de "La marcha de los enanitos" de Imán Califato Independiente. El resultado final se presenta ante el batería de Imán, Kiko Guerrero, en el escenario del Camping Camaleón.

La última maqueta llega en 2004 con cuatro temas (Couldnt Bear, Elastica, Gas trutonio y El enjambre) grabada en los estudios Laresort con Alvaro Brady. En ese momento llega el primer parón del grupo debido a temas laborales y de estudios.

Pasados dos años Dani y Vizen regresan de UK y la banda retoma su actividad realizando algunos conciertos destacando su participación en el Festival Músicas Avanzadas en Jerez de la Frontera junto a Imán Califato Independiente. Tras su actuación el grupo vuelve al letargo durante algún tiempo.

Por fin en el verano de 2012 deciden volver al panorama musical con un cambio en sus filas. Alfonso Romero, un viejo amigo de la formación, sustituye al bajo a Alejandro Zenon. Durante varios años realizan actuaciones por toda España hasta que se deciden a grabar su primer disco. El proceso se realiza en los estudios 33 de MúsicaWorshop y ve la luz el uno de Febrero de 2015. Su trabajo lo presentan en festivales como el Monkey Week, el Totum Revolutum de Barcelona y el clásico del progresivo 2Days Prog + 1 de Veruno, Italia.

Este primer disco de El Tubo Elástico nos presenta un trabajo maduro y cuidado en todos sus aspectos. Desde su bonita portada diseñada por Alex Lorenzo, pasando por la producción de Alfonso Romero hasta llegar al excelente material sonoro. Seis temas instrumentales que nos van cautivando y atrapando en la red tejida por sus guitarras. Sus sonoridades pueden ser definidas por los críticos actuales como un "post rock". La verdad yo no se que leches es eso. Soy más clásico y me suenan mas cercanos a los entramados sonoros creados por Frip y Belew en King Crimson.

La grabación se inicia con uno de los temas que más me gustan, "Pandora". Capas sonoras de guitarras que fluyen sin apenas darnos cuenta. Otra referencia que me viene a la cabeza sería la banda de Chicago, Russian Circles, aunque algo más light e incluso si me apuras podrían sonarme a The Re-Stoned quitando su vertiente psicodélica e incorporando sonidos progresivos. Puestos a etiquetar lo definiríamos con "stoner light progresivo". Toma ya!

"Camaleón" es una composición más relajada pero con su entramado sonoro como todas las composiciones de este disco. Algunos ritmos me podrían sonar a los creados por Satriani en sus últimos trabajos.

"Ispra" es otra de mis favoritas. Música sumamente descriptiva que nos invita a apagar la luz ,abrir la ventana y mirar a las estrellas o mejor al infinito. El uso de los sintetizadores le da cierto aspecto espacial.

"Rojo" me traslada a otra referencia sonora, esta vez mucho más cercana. los madrileños Toundra. Es posible que El Tubo Elástico navegue por aguas más progresivas.

"El Emjambre", acordes sin estridencias que poco a poco van dando paso a riffs tranquilos y serenos protagonizados por sus dos guitarristas, Daniel González y Vizen Rivas, llegando a un éxtasis final en sus últimos segundos.

El disco se cierra con "Vampiros y gominolas", aire entre lo espacial y lo rockero. Magnífico broche final para este entramado sonoro.

J.C. Miñana

Contacto:

Facebook:https://www.facebook.com/ElTuboElastico/
Bandcamp : https://eltuboelastico.bandcamp.com/releases

P.D. : Cualquier banda que esté interesada en aparecer en esta sección puede ponerse en contacto con nosotros : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70

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Passport fue, mejor dicho es, una banda alemana liderada por el saxofonista Klaus Doldinger, único miembro que ha estado presente en todas sus formaciones. Por algunos críticos están considerados como la replica germana a Weather Report. Se formaron en 1972, llevan 35 discos a sus espaldas y siguen en la carretera, este año con el "Jubilee Tour".

Inga Rumpf es una de las mejores cantantes alemanas que ha pasado por nuestra web en varias ocasiones. La primera con FRUMPY - Live, la segunda con KRAVETZ - Kravetz y la tercera con ATLANTIS - Live. Con una peculiar voz sigue todavía dando buenos momentos a los aficionados a la música.

En 1974 Klaus Doldinger y su banda Passport realizaron una gira por Alemania titulada "Jubilee". En diversos conciertos se hicieron rodear de invitados de lujo. La grabación que presentamos hoy corresponde a la actuación del 30 de octubre de 1974 en Hannover teniendo como invitados a Inga Rumpf y Philip Catherine. El concierto lo podemos dividir en dos partes . La primera la abre el tema "Abracadabra", composición emblemática del tercer disco de la banda. "Hand Made". Sonoridades jazz rock mezcladas con "Space music" y algo de free jazz. Esta parte continua con "Nexus", tema de más de 23 minutos de su segundo disco y donde casi toda la banda nos muestra su poderío instrumental a base de "solos". A destacar el de Doldinger y su juego con el delay y los ecos.

La segunda parte del concierto comienza con la presencia de Inga Rumpf, su voz lo cambia todo. La música se vuelve más soul, incluso algo funk. Todo más moderado y tranquilo. Es como si Inga domara la fiera de Doldinger. Esta parte consta de cuatro temas. La presencia de Philip Catherine es más testimonial ya que se mantiene en segundo plano.

Existe otro bootleg del concierto de Febrero en el que participaba el guitarrista Vorkel Kriegel. En el disco oficial teníamos como invitados a Brian Auger, Johnny Griffin, Alexis Korner, Pete York y Volker Kriegel.

J.C. Miñana

Temas

00:00 Abracadabra 10.17

10:16 Nexus 22.53

33:08 Mr. Bigshot 7.00 *

40:08 Simple Song 4.46 *

44:50 Ready For Take Off 6.38 *

51:28 Rockport 7.42 *

Formación

Klaus Doldinger - soprano+tenor sax, clarinet, keys

Kristian Schultze - keys

Philip Catherine - guitar

Wolfgang Schmid - bass

Curt Cress - drums

* Inga Rumpf - voc

P.D.: nuestro agradecimiento a Master Eddie por su magnífico canal de youtube.

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Sumergirse en los bosques progresivos de Quebec en los 70 es un mundo tan fascinante como cerrado. La de bandas y solistas de habla francófona que pulularon por esa escena no tiene fin. Es un no parar de descubrir discos de notable para arriba, nombres absolutamente anónimos. Uno de ellos fue el multiinstrumentista Michel Madore. Experto guitarrista de 12 cuerdas, pero también interesado en los teclados y otros sonidos. Para su primer disco, "Le Komuso A Cordes", grabado en 1975, supo reunir un buen equipo de magníficos músicos. Madore también toca ARP Solina, ARP Pro-solist, piano, EMS synth y ocarina. Ron Proby se encarga de saxos, Ocarina y mini-moog. El batería Mathieu Leger fue miembro de Dionysos, excelente psych band canadiense que recomiendo. Philhippe Beck estaba al piano acústico y Fender Rhodes. Y Errol Walters en el bajo acústico y eléctrico. La música creada era de una belleza instrumental evidente, con planeadores resultados psico-sinfos y merodeos jazz propios del momento.

"Mac" (7'21) nos plantea a un músico muy ligado, a pesar de la lejanía, con Francia. Concretamente con Carpe Diem, Atoll o Cyrille Verdeaux y sus Clearlight. El saxo de Ron Proby también conecta con Didier Malherbe, colaborador de Clearlight y por ende, con los Gong de mediados 70 ("Shamal"). Es un estupendo tema lleno de "vivencias" dentro de su desarrollo. Desde luego, aquí "pasan cosas" sin parar.

"Ballade" (3'52) es dirigida por acústica, ocarina y saxo, en un acolchado teclistico muy relajante.

En "Avant-Derniere" (7'31) la definición sería como kosmische Ant Phillips, Paul Brett o Gordon Giltrap, pero con su estilo particular. Madore juega en esa misma liga, aunque con más humildes medios. Vale, esto podría ser un soberano aburrimiento (como todo lo soberano, menos el coñac), si lo trasladamos a la perspectiva "new age" de posteriores años. Pero estamos en los 70, y aquí estaban "vacunaos" contra eso. Además de contar con un batería extraordinario que sacude cera como Bruce Lee con hemorroides. Así que de "calma Zen", aquí, la justa.

En la segunda parte del vinilo las líricas vibraciones space continúan. "Stanley" (3'56) podría ser un instrumental de Hoelderlin o Novalis. Mientras que la extraordinaria "Rush" (6'07) (ooops!), podría pasar por material de Missus Beastly, Kraan o Missing Link, en su gloriosa forma Space-jazz rock, llena de detalles microscópicos.

Lo mismo tenemos en "Juggernaut" (9'21), donde se precisa especial atención para disfrutar de tal cantidad de sabores. Posee esta pieza una cegadora calidad que la hace destacar claramente de todo el álbum. De ser alemán, Michel Madore hubiera acabado fichado con toda seguridad por IC, Sky o Kuckuck, por similaridades estilísticas. La breve "Bali" (2'00) termina con exotismos alucinógenos. Un bello disco para ser disfrutado en cualquier fase temporal y anímica.

Michel Madore hizo la continuación a éste en 1978 con "La Chambre Nuptiale". Más electrónico y en modo total sintetista al estilo Schulze (creo que lo editó EGG, todo dicho). Para abandonar la música poco despues, por sus otras actividades como escultor y pintor. Con la que se avecinaba, acertó de pleno. Quizá nos vimos privados de más buenos trabajos entre el ambient, jazz y la psico-prog-tronica. Pero Madore se evitó neuras chungas.

J.J. IGLESIAS

Temas

A1Calligraphie7:21

A2Ballade3:52

A3L'Avant-Dernière7:31

B1Stanley3:56

B2Rush6:07

B3Juggernaut9:21

B4Bâli2:00

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El Chicano, con este nombre ¿ que tipo de música puede hacer esta banda?. Sin duda todos lo habéis adivinado. Por supuesto rock latino mezclado con jazz y algo de funk siguiendo los pasos de Santana.

El grupo lo formó Freddie Sanchez (bajo) en un barrio al este de Los Ángeles a finales de los 60. En un principio la banda tomó el nombre de V.I.P.s. En 1970 editan su primer trabajo, "Viva Tirado", para la MCA Records. El tema que da título al disco obtiene un notable éxito permaneciendo en el número uno durante trece semanas consecutivas. Posteriormente se embarcan en una extensa gira que les llevó a actuar en el Ohio Jazz Festival y en el Teatro Apollo.

La discografía de la banda consta de ocho discos: "Viva Tirado" (1970), "Revolution" (1971), "Celebration" (1972), "El Chicano" (1973), "Cinco" (1974), "The Best of Everything" (1975)", "Pyramid" (1976) y el último editado en 1998 "Painting the Moment".

La primera formación de "El Chicano" estaba integrada por Bobby Espinoza (teclados), Andre Baeza ( congas), Freddie Sánchez (bajo), Mickey Lespron (guitarra) y John De Luna (batería). Durante los 70 pasaron por sus filas Ersi Arvisu (voz), Rudy Regalado (timbales), Max Garduno (congas), Danny Lamonte (batería), Brian Magness (bajo), Joe Perreria (bajo) , Jerry Salas (voz principal y guitarra), etc.

El primer trabajo de "El Chicano" contiene nueve temas instrumentales, todos ellos versiones de temas bastante conocidos. El disco se inicia con "Cantaloupe Island", un clásico de Herbie Hancock del "Empyrean Isles" ( 1964). Sabor latino total, percusiones de fondo y un magnífico Hammond conducido por el genial Bobby Espinoza y obteniendo la replica de la guitarra jazz de Mickey Lespron. La segunda composición, "Quiet Village" (Les Baxter) sigue la misma musicalidad que la primera con un gran riff de guitarra. "The Look Of Love" (Burt Bacharach-Hal David), es un tema de poco más de dos minutos donde se muestra la sensibilidad de Lespron, una mezcla entre Santana y West Montgomery. Llegamos a una de las versiones estrella de la grabación, "Eleanor Rigby" ( John Lennon-Paul McCartney), ambiente de garito cargado de humo con la banda en un rincón, Hammond, guitarra moderada y percusiones latinas. Por fin su gran éxito, "Viva Tirado"(Gerald Wilson), homenaje al torero mexicano Jose Ramon Tirado. Ritmo entre cortado ideal para un bailecito a lo Pulp Fiction. "Sometimes I Feel Like A Motherless Child" nos muestra a un Bobby Espinoza a lo Jimmy Smith compitiendo sosegadamente con la relajada y sensual guitarra de Lespron, todo envuelto en ritmos latinos. Las mismas líneas melódicas y rítmicas las encontramos en "Hurt So Bad" y "Coming Home Baby". Curiosa la versión de treinta segundos del "Light My Fire". En definitiva un disco elegante de rock latino.

J.C. Miñana

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Como ya señalaba esta semana en la reseña de Michel Madore, Quebec en los 70 fue otra "reserva espiritual progresiva", con su propia escena francófona. Los buenos grupos se apelotonan en la mente : Dionysos, Octobre, Contraction, Maneige, Et Cetera, Morse Code, L"Orchestra Sympathique, Vos Voisins, ExCubus, Pollen, Sloche, Harmonium, Aquarelle, Conventum, Toubadou, Charles Kaczynski, FM u Opus 5, entre otros.

Opus 5 editaron una verdadera obra maestra titulada "Contre-Courant" en 1976, mezclando las esencias de Harmonium, Maneige y Sloche. Un disco para recomendar a ojos cerrados. Pero para el año siguiente, en plena grabación de "Serieux ou Pas", el sello Celebration cae en bancarrota. Dejando en la estacada las aspiraciones de Opus 5. El disco no saldría hasta 1989 (alguien estaba interesado en esto ese año?!!).

Luc Gauthier (guitarras, voz), Olivier Du Plessis (teclados, voz), Serge Nolet (flauta, voz) y Jean-Pierre Racicot (batería, voz) formaban la banda. Es importante también la labor del arreglista y director musical, Robert Le Blanc JR. Tanto como para aparecer en portada con el grupo.

La duración de los temas se ha acortado con respecto al debut, pero la calidad se mantiene. Como se advierte en las primeras notas de "Provisoir" (4'35), claramente influido por Keith Emerson al piano.

Para seguir hacia un paraíso de Canterbury, donde la flauta de Nolet nos acerca a lo mejor del género.

"Prelude Au Suivant" (3'21) utiliza las voces como un instrumento más, en un delicioso coctail de esencias entre Focus y los catalanes Gotic.

La admiración hacia Emerson se mantiene en "Subtil Desir" (2'48), y Bartok estaría orgulloso. Ésta da pie a "Episode Sur Cette Plague" (5'00), donde los arreglos, fluidos, ágiles, llenos de inteligencia, no envidian a Hatfield and the North o Gentle Giant. Rhodes picaron, flauta traviesa y travesera, más guitarra en gamberra elegancia. Une una sección de ritmo que es pura delicia.

Como los dibujos teclisticos naif de "Sac a Delice" (2'08). La nostalgia genesiana de "Y'a Des Choses Dans l'air" (5'50), (que podría ser perfectamente un tema de Ange).

La delicadeza Canterbury / Camel de "Nos Amis-Fermeture" (6'07)...Imagina todas éstas influencias con la suave cadencia del francés como idioma cantado. Justo lo que le faltaba a Richard Sinclair.

Aún quedan un buen puñado de cortos temas que probablemente, son esbozos o ideas de algo pensado para ser desarrollado más ampliamente. Pero el repentino cierre de actividades obligó a dejar tal cual. Hasta así, conforman un bello y altamente disfrutable álbum que obliga a una asidua visita. Hay mucho sentimiento y amor por lo bien hecho puesto en "Serieux ou Pas" como para tildarlo de un simple "outtakes-compilation".

Una maravilla a descubrir.

J.J.IGLESIAS

Temas

1. Provisoir 0:00

2. Prelude Au Suivant(4:40

3. Subtil Désir 8:03

4. Episode Sur Cette Plage 10:55

5. Sac À Délice 15:58

6. Y A Des Choses Dans L'Air 18:09

7. Nos Amis / Fermeture 24:04

8. Qui Cé Qui Cé Pas 30:16

9. Sérieux Ou Pas 30:49

10. Rêves De Voyages 33:32

11. Jouer Chanter 38:31

12. Pour Boire Il Faut Vendre 42:05

13. Bonus A Bob 45:00

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El refinamiento y el gusto por el modernismo les llevan por fin a realizar una música que, si bien ya tiene su punto de partida en el palacio de Cheval, los llevarán a una fascinación atemporal por una música tan compleja y mimada que es difícil de etiquetar. A partir de aquí toda la música de Isildurs Bane se aleja por completo de cualquier referencia conocida dentro del progresivo sinfónico. La originalidad y la fuente tan rica que supone toda la música que se hizo en las primeras décadas del siglo XX, es un legado inspiracional que pocas bandas se han atrevido a seguir. Quiero citar aquí como argumento al maestro Keith Emerson y a algunas de sus propias composiciones, que parten directamente de formas modernistas muy afines a muchos compositores norteamericanos. Para centrarse en lo que digo se debería prestar atención a piezas suyas como Abadon´s Bolero, Pirates, Changing States, The Score, La tercera impresión de Karn Evil 9 o el propio Piano Concerto para darse cuenta que tipo tan complejo de estructura, harmonía, melodía y ritmo emplea y ya no solo por su pasión por Aaron Copland, sino por muchos otros de esa generación de clásicos modernos a nivel global.

Pero bueno no nos salgamos del cauce, aunque lo utilice como ejemplo de ciertas similitudes. El siguiente y doble cd en su edición original y bonita caja negra de cartón tuvo a bien llamarse “The Voyage: A trip to Elsewhere”. Se grabó entre noviembre de 1991 y junio de 1992. La obra más ambiciosa de Isildurs bane y para mí, su obra maestra. Evidentemente continúan como trabajo histórico-conceptual esta vez basado en otro extraño personaje llamado Adolf Wölfli (1864-1930) un artista suizo que pasó la mitad de su vida en un hospital psiquiátrico (los de rockliquias deberíamos tomar ejemplo) y la otra mitad viajando por el mundo y recopilando las más extrañas experiencias. Su legado fueron pinturas, inventos, composiciones y ensayos y como en el caso del loco arquitecto Ferdinand Cheval, este personaje es un maldito y olvidado de la historia del arte. La preocupación intelectual de Isildurs Bane se centra en elementos nada habituales y sin duda originales en un contexto musical como el nuestro.

“The Voyage” es un disco tremendo, inmenso. Una obra musical que va mucho más allá de lo habitual en el estilo. Como en el trabajo anterior nos encontramos con un amplio y variado despliegue de ejecutantes. El line up básico del grupo con los Johansson, Emilson y Sverinson, se ve aumentado ahora por músicos de cámara como el Zorn Trío, un coro vocal mixto de 18 integrantes y numerosos músicos invitados. Riqueza de medios que es lo que esta música reclama y ante semejante despliegue de medios humanos e instrumentales os podéis hacer una idea de las proporciones del proyecto. Voyage se presentó en una doble caja como volumen 1 y volumen 2 y un libreto apaisado cuidadosamente presentado donde relatan con detalle cada pieza del álbum. Gaudí y su Sagrada Familia. Tarjetas postales y sonoras a la Francia de finales de siglo XIX. Referencias al arquitecto revolucionario Karl Junker´s (1850-1912) y a todo ese perfume sepia y encantador del impresionismo. Cuando yo hago música aparecen esas melodías intemporales pentatónicas tonales tan hermosas tan claras y tan maravillosamente pasadas de moda por lo que mi connivencia con estas músicas va más allá de mi mera labor de comentarista musical.

La música está prácticamente compuesta por el teclista Mats Johansson. “The Adventures Of The Whirling Delerium” 12.01. Un tren entrando en una estación, un aeroplano, una banda de música popular…una puerta violentamente cerrada… una narración en varios idiomas y el grupo va entrando en una música indescriptible y obsesiva. El piano se hace con el protagonismo pronto contestado por cellos y violines. El retorcido entramado prog no se hace esperar demasiado con fórmulas muy elaboradas entre lo clásico, lo contemporáneo hasta que la cuerda se relaja en una inmensa ternura. Precioso.

“A Telescope And a Hot Air Ballon” 9.12 mtos vuelven a adentrarnos en la descripción total en términos de nostalgia, inquietud, amargura, sofisticación en un diálogo entre violín y cello. La guitarra eléctrica hace su entrada de forma descarnada, arrastrada. Expresividad entre la melancolía y la tristeza. La música nos describe situaciones, sentimientos. La música nos habla de una música y época encuadrada en el impresionismo francés y una inmensa belleza culmina al fin y al cabo.

Aparecen joyas que no exceden de los cinco minutos como “Picassiette: First walk” o las citas de una jornada en la Sagrada Familia. El refinamiento y la delicadeza se apoderan del sonido con pinceladas de flauta y arreglos que rozan el cristal. Todo el primer volumen está lleno de carga emocional y de belleza sonora dentro de una alquimia de estilos jazz incluido.

El segundo volumen tiene la larga “Wild Is A toad” con 17 mtos de prog de alto calibre a la fripp crimson pero con mayor complejidad armónica y ritmos contrastados. Tras los iniciales cuatro minutos, piano violín y cello toman de nuevo el protagonismo absoluto en forma de sonata que pone los pelos de punta. La parte más dramática del disco y posiblemente la más genial. El estallido y la resolución capitular con un “tutti orquestal” produce un efecto sobrecogedor y emocionante.

La sombra de Satie reaparece en las diferentes apariciones de “Picassiette” con sus dulces y amables perfumes franceses. Llegando al final una pieza extraña y vanguardista como “Nimis-Wotan´s Tower da paso a un coral religioso en la última parte de la Sagrada Familia que se rubrica en “Magnificent Giant Battles” vanguardia pura y música inclasificable que cierra uno de los mejores discos que he escuchado en mi vida de rock progresivo y la etiqueta prog incluso se queda corta. Imperdonable no tener este disco.

Alberto Torró

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ROCK PROGRESIVO ITALIANO (RPI) TEMPORADA UNO: CLÁSICOS

Es curioso comprobar como la fama y la leyenda de muchas de las bandas famosas del rock progresivo aunque con escasas excepciones, se debe a una época en concreto y afinando más, a unos álbumes determinados. Si lo miráis detenidamente en muchas de nuestras leyendas, lo realmente bueno y lo que ha trascendido en el tiempo se reduce tan sólo a un 20% de su producción y en algunos casos ni eso y sin embargo han pasado a la historia como unos grandes. Esto evidentemente no vale para fans acérrimos y normalmente con escaso criterio musical, que consideran estupendo cualquier cosa de sus ídolos y… ¡ojo lo critiques! Pero si observáis detenidamente las discografías de los ejemplos más conocidos, tanto de Yes, de Genesis, de ELP, de Jethro Tull, de Pink Floyd y sobre todo por poner el ejemplo más penoso, de Mike Oldfield etc… gran parte de su discografía es floja o irrelevante y sin embargo el dicho de crea fama y échate a dormir lo ejercieron sin pudor alguno la mayoría de nuestras veneradas estrellas.

La Premiata Fornería Marconi fueron uno de los grandes y uno de cuyas discografías desgraciadamente se reducen a media docena de discos fundamentales o interesantes. Curiosamente todo lo que digo se encuentra en la década de los años 70. Fuera de esa década y por vergüenza ajena no hablaré de la tríada clásica italiana más allá de los 80. Claro que grabaron alguna cosa decente y lo resaltaré en su momento, pero hicieron discos horribles y no es preciso hablar de ello.

Tanto el primer LP de la Premiata como su segundo trabajo “Per un amico” de 1972, son dos perlas del sinfónico progresivo y si el “magnate” de la Manticore Records, es decir mister Greg Lake no se hubiese encariñado con ellos, la PFM ý esto es muy probable, no habría ido más allá de estos dos encantadores trabajos o habría sido un grupo más, encerrado en las fronteras de su país de origen. No fue así para su fortuna. Los “historiadores” del prog no se ponen de acuerdo si es mejor “Storia di un minuto” o “Per un amico”. Yo personalmente considero superior el segundo trabajo y probablemente su disco más significativo incluso antes de convertirse en el aclamado “Photos Of Ghosts” en su versión inglesa. Yo siempre he sido partidario de que cada país cante en su propio idioma, sea el que sea. Es terrible cantar en inglés si no eres anglosajón y ese cuento deberían aplicárselo la mayoría de las bandas prog, en especial las de origen latino, y tanto en España como en otros lugares de lenguas afines, hemos cometido ese error siempre. En definitiva, la versión en italiano de este disco es muy superior, aunque por otra parte, me guste más la portada del Photos.

Una de las peculiaridades de la mayoría de bandas italianas de esa época es que los discos eran demasiado cortos, en torno a la media hora o poco más. Una constante que no sé, si se debía a las cuestiones técnicas de grabación, o a una precaria tecnología. Es posible ambas cosas. Cuando pones por primera vez la aguja en el surco de “Per un amico” y comienza a desgranarse la pieza “Appena un po”, una sensación cálida de felicidad recorre tu cuerpo, el perfume de atardecer mediterráneo se impregna, quizá por la cercanía histórica o literaria o artística de un país casi vecino, no lo sé, pero es así. Una canción preciosa, con un pasaje sinfónico central de mano del teclista Flavio Premoli, antológico y maravilloso que se repetirá en “Il Banchetto” o la fantástica “Per un amico” unas de esas joyas compositivas cuya ternura y encanto ya no veremos en adelante.

El disco posee unos perfiles llenos de contrastes melódicos, a veces pasajes experimentales y extraños aparecen y desaparecen, pero la variedad y la riqueza compositiva se imponen aun en tan corto espacio de tiempo. La melodía es dulce y hermosa y el italiano es un idioma agradable, casi tierno, poético. No puedo imaginarme esto cantado en alemán o francés o en español quedaría terrible. En inglés es pasable, pero en italiano es sublime. El empleo de la instrumentación roza la exquisitez, las acústicas, mandolina, las flautas, los violines, el piano. No me extraña que ELP quedaran enamorados de este disco. Otras dos piezas de éste álbum demuestran la habilidad técnica de estos músicos, como “Generale” o la pieza final “Geranio”. Todas ellas salvo “Il Banchetto” serían rebautizadas en inglés como “River Of Life”, “Photos Of Ghosts”, “Mr 9 Till 5” o “Promenade the Puzzle”. Este es un trabajo que puedes oírlo una y mil veces y siempre ejerce el mismo efecto, el sentirnos agradecidos por el privilegio de haber conocido esta música.

Alberto Torró

Temas

01. Appena Un Po'

02. Generale!

03. Per Un Amico

04. Il Banchetto

05. Geranio

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BEDLAM - Live in London 1973

LARD FREE - I'm Around About Midnight (1975 / VAMP)

PACIFIC, GAS & ELECTRIC - Get It On 1968

LIVING FORCE - Living Force (1977 / ATLANTIC)

ISILDURS BANE - Eight Moments Of Eternity (1987)

SOLUTION - It´s Only Just Begun (1980) (Canterbury Ways)

L4 RED - Libera La Acción (2016 / ROCKESTATAL)

HOT TUNA - Long Island Arena, Commack, NY 1976

TRANCE- Dystopia (1979 / TRANCE)

Maypole - Maypole 1971

KEITH CROSS & PETER ROSS - Bored Civilians (1972 / DECCA)

ISILDURS BANE - Cheval: volonté de rocher (1989)

PREMIATA FORNERIA MARCONI (primera parte) (Clásicos)

El Tubo Elástico - El Tubo Elástico 2015 (Rockliquias Bandas)

Passport ft. Inga Rumpf Hannover 1974

MICHEL MADORE - Le Komuso A Cordes (1976 / BARCLAY)

El Chicano - Viva Tirado 1970

OPUS 5 - Serieux ou Pas (1977 - 1989 / L'ALLER-RETOUR)

ISILDURS BANE - THE VOYAGE-ATRIP TO ELSEWHERE (1992)

PREMIATA FORNERIA MARCONI (segunda parte) ("Per un amico" 1972)